Louise Bourgeois
gigatos | 2 stycznia, 2022
Streszczenie
Louise Joséphine Bourgeois (25 grudnia 1911 – 31 maja 2010) była francusko-amerykańską artystką. Choć najbardziej znana jest ze swoich wielkoformatowych rzeźb i instalacji, Bourgeois była również płodną malarką i autorką grafik. W trakcie swojej długiej kariery zgłębiała wiele tematów, takich jak domowość i rodzina, seksualność i ciało, a także śmierć i nieświadomość. Tematy te łączą się z wydarzeniami z jej dzieciństwa, które uważała za proces terapeutyczny. Chociaż Bourgeois wystawiała z Ekspresjonistami Abstrakcyjnymi, a jej prace mają wiele wspólnego z surrealizmem i sztuką feministyczną, nie była formalnie związana z żadnym konkretnym ruchem artystycznym.
Przeczytaj także: biografie-pl – Rainier III Grimaldi
Wczesne życie
Bourgeois urodziła się 25 grudnia 1911 roku w Paryżu, we Francji. Była środkowym z trojga dzieci urodzonych przez rodziców Joséphine Fauriaux i Louisa Bourgeois. Jej rodzice byli właścicielami galerii, która zajmowała się głównie handlem antycznymi gobelinami. Kilka lat po jej narodzinach rodzina wyprowadziła się z Paryża i pod swoim mieszkaniem w Choisy-le-Roi założyła pracownię renowacji gobelinów, w której Bourgeois uzupełniała wzory w miejscach, gdzie uległy one zużyciu. Dolne partie gobelinów były zawsze uszkodzone, co wynikało najczęściej z nóg postaci i łap zwierząt.
W 1930 roku Bourgeois wstąpiła na Sorbonę, aby studiować matematykę i geometrię, przedmioty, które ceniła za ich stabilność, mówiąc: „Uzyskałam spokój ducha, tylko dzięki studiowaniu zasad, których nikt nie mógł zmienić.”
Jej matka zmarła w 1932 roku, kiedy Bourgeois studiowała matematykę. Śmierć matki zainspirowała ją do porzucenia matematyki i rozpoczęcia studiów artystycznych. Kontynuowała studia artystyczne, uczęszczając na zajęcia, na których potrzebni byli tłumacze dla studentów anglojęzycznych, zwłaszcza, że za tłumaczy nie pobierano czesnego. Na jednych z takich zajęć Fernand Léger zobaczył jej prace i powiedział jej, że jest rzeźbiarką, a nie malarką. Bourgeois podjęła pracę jako docent, prowadząc wycieczki w Musée du Louvre.
Bourgeois ukończyła studia na Sorbonie w 1935 roku. Rozpoczęła studia artystyczne w Paryżu, najpierw w École des Beaux-Arts i École du Louvre, a po 1932 roku w niezależnych akademiach Montparnasse i Montmartre, takich jak Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière oraz u André Lhote”a, Fernanda Légera, Paula Colina i Cassandre”a. Bourgeois pragnął doświadczenia z pierwszej ręki i często odwiedzał paryskie pracownie, ucząc się od artystów techniki i asystując przy wystawach.
W 1938 roku otworzyła własną galerię w pomieszczeniu obok galerii gobelinów ojca, gdzie pokazała prace takich artystów jak Eugène Delacroix, Henri Matisse i Suzanne Valadon, i gdzie poznała odwiedzającego ją amerykańskiego profesora sztuki Roberta Goldwatera jako klienta. Pobrali się i przenieśli do Stanów Zjednoczonych (gdzie wykładał na Uniwersytecie Nowojorskim). Mieli trzech synów, jeden został adoptowany. Małżeństwo trwało do śmierci Goldwatera w 1973 roku.
W 1938 roku Bourgeois zamieszkała z mężem w Nowym Jorku. Kontynuowała naukę w Art Students League of New York, studiując malarstwo pod kierunkiem Vaclava Vytlacila, a także tworząc rzeźby i grafiki. „Pierwszy obraz miał siatkę: siatka jest bardzo spokojną rzeczą, ponieważ nic nie może pójść źle … wszystko jest kompletne. Nie ma miejsca na niepokój … wszystko ma swoje miejsce, wszystko jest mile widziane.”
Bourgeois zawarła te autobiograficzne odniesienia w swojej rzeźbie Quarantania I, wystawionej w Cullen Sculpture Garden w Museum of Fine Arts w Houston.
Przeczytaj także: historia-pl – Wojna osiemdziesięcioletnia
Średnie lata
Dla Bourgeois, wczesne lata 40. reprezentowały trudności związane z przejściem do nowego kraju i walką o wejście do świata wystaw w Nowym Jorku. Jej prace w tym czasie były konstruowane ze skrawków złomowiska i drewna dryfującego, które wykorzystywała do rzeźbienia pionowych rzeźb z drewna. Zanieczyszczenia drewna maskowała farbą, a następnie gwoździami robiła w nim dziury i zadrapania, chcąc w ten sposób przekazać jakieś emocje. Jednym z takich przykładów jest „Śpiąca postać”, przedstawiająca postać wojenną, która nie jest w stanie stawić czoła prawdziwemu światu ze względu na swoją bezbronność. Przez całe życie Bourgeois tworzyła prace, w których powracała do swojej trudnej przeszłości, znajdując inspirację i chwilowe katharsis w latach dzieciństwa i znęcaniu się nad nią przez ojca. Powoli nabierała artystycznej pewności siebie, choć jej środkowe lata są bardziej nieprzejrzyste, co może wynikać z faktu, że świat sztuki poświęcił jej niewiele uwagi, mimo że w 1945 roku miała swoją pierwszą wystawę indywidualną. W 1951 roku zmarł jej ojciec, a ona sama przyjęła amerykańskie obywatelstwo.
W 1954 roku Bourgeois dołączyła do American Abstract Artists Group, z kilkoma rówieśnikami, wśród których byli Barnett Newman i Ad Reinhardt. W tym czasie zaprzyjaźniła się również z artystami Willem de Kooningiem, Markiem Rothko i Jacksonem Pollockiem. W ramach American Abstract Artists Group, Bourgeois przeszła od drewna i pionowych struktur do marmuru, gipsu i brązu, badając takie zagadnienia jak strach, wrażliwość i utrata kontroli. To przejście było punktem zwrotnym. Określała swoją sztukę jako serię lub sekwencję ściśle związaną z dniami i okolicznościami, opisując swoje wczesne prace jako strach przed upadkiem, który później przekształcił się w sztukę spadania, a ostateczną ewolucję jako sztukę wiszenia. Konflikty w prawdziwym życiu pozwoliły jej na uwierzytelnienie swoich doświadczeń i zmagań poprzez unikalną formę sztuki. W 1958 roku Bourgeois i jej mąż przeprowadzili się do szeregowego domu przy West 20th Street, w Chelsea na Manhattanie, gdzie mieszkała i pracowała do końca życia.
Mimo, że odrzucała ideę feminizmu w swojej sztuce, tematem prac Bourgeois była kobiecość. Prace takie jak Femme Maison (1946-1947), Autoportret z torsem (1963-1964), Łuk histerii (1993), wszystkie przedstawiają kobiece ciało. W późnych latach 60. jej obrazy stały się bardziej jednoznacznie seksualne, ponieważ artystka zgłębiała relacje między mężczyznami i kobietami oraz emocjonalny wpływ swojego trudnego dzieciństwa. Seksualne rzeźby, takie jak Janus Fleuri (1968), pokazują, że artystka nie bała się używać kobiecej formy w nowy sposób. Cytowano jej wypowiedź: „Moje prace zajmują się problemami, które są przed-płciowe” – pisała. „Na przykład, zazdrość nie jest ani męska, ani kobieca”. Wraz z rozwojem feminizmu jej prace znalazły szerszą publiczność. Mimo tego stwierdzenia, w 1976 roku Femme Maison znalazła się na okładce książki Lucy Lippard From the Center: Feminist Essays on Women”s Art i stała się ikoną feministycznego ruchu artystycznego.
Przeczytaj także: biografie-pl – Bruce Lee
Późniejsze życie
W 1973 roku zaczęła uczyć w Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College i New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. W latach 1974-1977 Bourgeois pracowała w School of Visual Arts w Nowym Jorku, gdzie uczyła grafiki i rzeźby. Przez wiele lat uczyła także w szkołach publicznych w Great Neck na Long Island.
Na początku lat 70. Bourgeois organizowała w swoim domu w Chelsea spotkania pod nazwą „Niedziele, krwawe niedziele”. Salony te wypełniały się młodymi artystami i studentami, których prace były krytykowane przez Bourgeois. Bezwzględność Bourgeois w krytyce i jej suche poczucie humoru doprowadziły do nadania nazwy tym spotkaniom. Bourgeois zainspirowała wielu młodych studentów do tworzenia sztuki o charakterze feministycznym. Jednak wieloletni przyjaciel i asystent Louise, Jerry Gorovoy, stwierdził, że Louise uważała swoją twórczość za „przed-genderową”.
Bourgeois sprzymierzyła się z aktywistami i została członkiem Fight Censorship Group, feministycznego kolektywu antycenzorskiego założonego przez artystkę Anitę Steckel. W latach 70. grupa broniła wykorzystywania seksualnych obrazów w dziełach sztuki. Steckel argumentowała: „Jeśli wzwiedziony penis nie jest wystarczająco zdrowy, by trafić do muzeów, to nie powinien być uznawany za wystarczająco zdrowy, by trafić do kobiet.”
W 1978 roku Bourgeois otrzymała zlecenie od General Services Administration na stworzenie Facets of the Sun, jej pierwszej publicznej rzeźby. Praca została zainstalowana na zewnątrz budynku federalnego w Manchesterze, New Hampshire. Bourgeois otrzymała swoją pierwszą retrospektywę w 1982 roku w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Do tego czasu była peryferyjną postacią w sztuce, której prace były bardziej podziwiane niż doceniane. W wywiadzie dla Artforum, który zbiegł się w czasie z otwarciem jej retrospektywy, ujawniła, że obrazy w jej rzeźbach są całkowicie autobiograficzne. Podzieliła się ze światem tym, że obsesyjnie przeżywała w swojej sztuce traumę odkrycia w dzieciństwie, że jej angielska guwernantka była jednocześnie kochanką jej ojca.
W 1989 roku Bourgeois wykonała suchą akwafortę Mud Lane, przedstawiającą dom, który prowadziła w Stapleton na Staten Island, a który traktowała raczej jako środowisko rzeźbiarskie niż przestrzeń mieszkalną.
Kolejną retrospektywę Bourgeois miał w 1989 roku na Documenta 9 w Kassel w Niemczech. W 1993 roku, kiedy Królewska Akademia Sztuk Pięknych przeprowadziła obszerny przegląd sztuki amerykańskiej XX wieku, organizatorzy nie uznali prac Bourgeois za znaczące, aby włączyć je do przeglądu. Jednak badanie to zostało skrytykowane za wiele pominięć, jeden z krytyków napisał, że „całe sekcje najlepszej sztuki amerykańskiej zostały wymazane” i zwrócił uwagę, że bardzo niewiele kobiet zostało uwzględnionych. W 2000 roku jej prace zostały wybrane do pokazania na otwarciu Tate Modern w Londynie, a w 2001 roku pokazała je w Muzeum Ermitażu.
W 2010 roku, w ostatnim roku swojego życia, Bourgeois użyła swojej sztuki, aby opowiedzieć się za równością lesbijek, gejów, biseksualistów i osób transgenderowych (LGBT). Stworzyła pracę „I Do”, przedstawiającą dwa kwiaty wyrastające z jednej łodygi, na rzecz organizacji non-profit Freedom to Marry. Bourgeois powiedziała: „Każdy powinien mieć prawo do małżeństwa. Podjęcie zobowiązania do kochania kogoś na zawsze jest piękną rzeczą.” Bourgeois ma za sobą historię aktywizmu na rzecz równości LGBT, stworzył prace plastyczne dla organizacji ACT UP działającej na rzecz walki z AIDS w 1993 roku.
Przeczytaj także: biografie-pl – Jorge Álvares
Śmierć
Bourgeois zmarła na niewydolność serca 31 maja 2010 roku w Beth Israel Medical Center na Manhattanie. O jej śmierci poinformowała Wendy Williams, dyrektor zarządzająca Louise Bourgeois Studio. Artystka tworzyła aż do śmierci, ostatnie prace ukończyła tydzień wcześniej.
New York Times napisał, że jej prace „łączy zestaw powtarzających się motywów, skupionych wokół ludzkiego ciała i jego potrzeby opieki i ochrony w przerażającym świecie”.
Jej mąż, Robert Goldwater, zmarł w 1973 roku. Przeżyło ją dwóch synów, Alain Bourgeois i Jean-Louis Bourgeois. Jej pierwszy syn, Michel, zmarł w 1990 roku.
Przeczytaj także: biografie-pl – Plutarch
Femme Maison
Femme Maison (1946-47) to seria obrazów, w których Bourgeois zgłębia związek kobiety z domem. W pracach tych głowy kobiet zostały zastąpione domami, izolując ich ciała od świata zewnętrznego i utrzymując ich umysły w domowym zaciszu. Motyw ten idzie w parze z dehumanizacją sztuki nowoczesnej.
Przeczytaj także: biografie-pl – Herodot
Zniszczenie Ojca
Destrukcja ojca (1974) jest biograficzną i psychologiczną eksploracją dominacji władzy ojca i jego potomstwa. Praca jest utrzymaną w cielistej tonacji instalacją w miękkim i przypominającym łono matki pomieszczeniu. Wykonana z gipsu, lateksu, drewna, tkaniny i czerwonego światła, Destrukcja ojca była pierwszą pracą, w której artystka użyła miękkich materiałów na dużą skalę. Po wejściu do instalacji widz znajduje się w miejscu, w którym doszło do zbrodni. W stylizowanej jadalni (z podwójnym oddziaływaniem sypialni), abstrakcyjne, przypominające kleksy, dzieci zbyt surowego ojca zbuntowały się, zamordowały i zjadły go.
… opowiadając zniewolonej publiczności, jaki jest wspaniały, wszystkie cudowne rzeczy, które zrobił, wszystkich złych ludzi, których dzisiaj położył. Ale to się dzieje dzień po dniu. W powietrzu unosi się tragedia. Raz za często powiedział już swoje. Jest nieznośnie dominujący, choć pewnie sam nie zdaje sobie z tego sprawy. Narasta w nim jakaś niechęć i pewnego dnia z bratem zdecydowaliśmy, że „nadszedł czas!”. Chwyciliśmy go, położyliśmy na stole i przy pomocy noży dokonaliśmy sekcji. Rozebraliśmy go i rozczłonkowaliśmy, odcięliśmy mu penisa. I stał się pokarmem. Zjedliśmy go… został zlikwidowany tak samo, jak on likwidował dzieci.
Przeczytaj także: biografie-pl – Salvador Dalí
Egzorcyzm w sztuce
W 1982 roku w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku wystawiono prace nieznanej artystki Louise Bourgeois. Miała 70 lat i była artystką mieszanych mediów, która pracowała na papierze, z metalem, marmurem i kośćmi zwierzęcych szkieletów. Traumatyczne przeżycia rodzinne z dzieciństwa „wyhodowały w niej egzorcyzmy”, a ona sama desperacko próbowała oczyścić swój niepokój poprzez twórczość. Czuła, że jest w stanie dotknąć kwestii kobiecej tożsamości, ciała, rozbitej rodziny, na długo zanim świat sztuki i społeczeństwo uznały je za wyrażone tematy w sztuce. To był sposób Bourgeous na odnalezienie swojego centrum i ustabilizowanie emocjonalnego niepokoju. New York Times napisał wówczas, że „jej prace są naładowane czułością i przemocą, akceptacją i buntem, ambiwalencją i przekonaniem.”
Przeczytaj także: biografie-pl – Diego Maradona
Komórki
Po osiemdziesiątce Bourgeois stworzyła dwie serie zamkniętych instalacji, które nazwała Komórkami. Wiele z nich to małe obudowy, w których widz jest zachęcany do zaglądania do środka, gdzie znajdują się symboliczne przedmioty; inne to małe pokoje, do których widz jest zapraszany. W pracach z komórkami Bourgeois wykorzystuje wcześniejsze formy rzeźbiarskie, znalezione przedmioty, jak również przedmioty osobiste, które niosły ze sobą silny osobisty ładunek emocjonalny dla artystki.
Komórki zamykają w sobie stany psychiczne i intelektualne, przede wszystkim uczucie strachu i bólu. Bourgeois stwierdził, że Komórki reprezentują „różne rodzaje bólu; fizyczny, emocjonalny i psychologiczny, umysłowy i intelektualny … Każda Komórka zajmuje się strachem. Strach jest bólem … Każda Komórka zajmuje się przyjemnością podglądacza, dreszczykiem emocji związanym z patrzeniem i byciem podglądanym.”
Przeczytaj także: biografie-pl – William Godwin
Maman
Pod koniec lat 90. Bourgeois zaczęła wykorzystywać pająka jako centralny obraz w swojej sztuce. Maman, która ma ponad dziewięć metrów wysokości, jest rzeźbą ze stali i marmuru, z której następnie odlano sześć brązów. Po raz pierwszy pojawiła się jako część zamówienia Bourgeois na The Unilever Series dla Tate Modern”s Turbine Hall w 2000 roku, a ostatnio rzeźba została zainstalowana w Qatar National Convention Centre w Doha, w Katarze. Jej największa rzeźba pająka zatytułowana Maman mierzy ponad 30 stóp (9,1 m) i była instalowana w wielu miejscach na całym świecie. Jest to największa rzeźba pająka, jaką kiedykolwiek wykonała Bourgeois. Ponadto Maman nawiązuje do siły matki, z metaforami przędzenia, tkania, pielęgnowania i ochrony. Powszechność motywu pająka w jej twórczości sprawiła, że nadano jej przydomek Spiderwoman.
Pająk jest odą do mojej matki. Była moją najlepszą przyjaciółką. Podobnie jak pająk, moja mama była tkaczką. Moja rodzina zajmowała się renowacją gobelinów, a moja matka kierowała warsztatem. Podobnie jak pająki, moja mama była bardzo sprytna. Pająki to przyjazne istoty, które zjadają komary. Wiemy, że komary roznoszą choroby i dlatego są niepożądane. Tak więc pająki są pomocne i ochronne, tak jak moja mama.
Przeczytaj także: biografie-pl – Konstantyn I Grecki
Maisons fragiles Puste domy
Rzeźby Maisons fragiles Empty Houses Bourgeois to równoległe, wysokie metalowe konstrukcje podtrzymujące prostą tacę. Trzeba je zobaczyć osobiście, aby poczuć ich oddziaływanie. Nie są groźne ani nie chronią, ale wydobywają z nas głębię niepokoju. Z badań psychologów, przeprowadzonych przez Bachelarda wynika, że lękliwe dziecko narysuje wysoki, wąski dom bez podstawy. Bourgeois miał rockytraumatyczne dzieciństwo i to może być przyczyną powstania tych dzieł.
Przeczytaj także: biografie-pl – Maximilien de Robespierre
Drukarnia
Rozkwit grafiki Bourgeois przypada na wczesne i późne etapy jej kariery: w latach 30. i 40. XX wieku, kiedy po raz pierwszy przyjechała z Paryża do Nowego Jorku, a następnie od lat 80. Na początku wykonywała odbitki w domu, na małej prasie, lub w renomowanej pracowni Atelier 17. Po tym okresie nastąpiła długa przerwa, gdyż Bourgeois w pełni poświęciła się rzeźbie. Dopiero po siedemdziesiątce, zachęcona najpierw przez wydawców, zaczęła ponownie wykonywać odbitki. Uruchomiła swoją starą prasę i dodała drugą, jednocześnie ściśle współpracując z drukarzami, którzy przychodzili do jej domu w celu współpracy. Później nastąpiła bardzo aktywna faza twórczości graficznej, która trwała aż do śmierci artystki. W ciągu swojego życia Bourgeois stworzyła około 1500 drukowanych kompozycji.
W 1990 roku Bourgeois zdecydowała się przekazać kompletne archiwum swoich drukowanych prac do The Museum of Modern Art. W 2013 roku Muzeum udostępniło internetowy katalog raisonné, „Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books”. Strona skupia się na procesie twórczym artystki i umieszcza grafiki oraz ilustrowane książki Bourgeois w kontekście jej całej twórczości, włączając w to powiązane prace w innych mediach, które poruszają te same tematy i obrazy.
Przeczytaj także: historia-pl – Państwa centralne
Tematy
Jednym z tematów prac Bourgeois jest trauma z dzieciństwa i ukryte emocje. Po tym, jak matka Louise zachorowała na grypę, ojciec Louise zaczął mieć romanse z innymi kobietami, przede wszystkim z Sadie, nauczycielką angielskiego Louise. Przyprowadzał kochanki do domu i był niewierny na oczach całej rodziny. Louise była niezwykle czujna i świadoma tej sytuacji. Był to początek zaangażowania artystki w kwestię podwójnych standardów związanych z płcią i seksualnością, co znalazło wyraz w wielu jej pracach. Wspomina, jak jej ojciec wielokrotnie mówił do matki „kocham cię”, mimo niewierności. „On był wilkiem, a ona racjonalnym zającem, wybaczającym i akceptującym go takim, jakim był”. Jej utwór Cell: You Better Grow Up z 1993 roku, będący częścią serii Cell, mówi bezpośrednio o traumie z dzieciństwa Louise i niepewności, która ją otaczała. Give or Take z 2002 roku jest zdefiniowane przez ukryte emocje, reprezentujące intensywny dylemat, przed którym stają ludzie w ciągu swojego życia, próbując zachować równowagę pomiędzy dawaniem i braniem. Ten dylemat jest reprezentowany nie tylko przez kształt rzeźby, ale także przez ciężar materiału, z którego została wykonana.
Macierzyństwo to kolejny motyw przewijający się w twórczości Bourgeois. To jej matka zachęciła Bourgeois do rysowania i zaangażowała ją w biznes gobelinowy. Bourgeois uważała swoją matkę za intelektualistkę i metodyczną; powtarzający się motyw pająka w jej pracach często reprezentuje jej matkę. Motyw pająka, który przędzie i tka swoją sieć jest bezpośrednim odniesieniem do biznesu gobelinowego jej rodziców i może być również postrzegany jako metafora jej matki, która naprawia rzeczy.
Bourgeois zgłębiała koncepcję kobiecości poprzez podważanie patriarchalnych standardów i tworzenie dzieł o macierzyństwie, a nie pokazywanie kobiet jako muz czy ideałów. Została opisana jako „niechętny bohater sztuki feministycznej”. Louise Bourgeois miała feministyczne podejście do swojej twórczości, podobne do takich artystek jak Agnes Martin i Eva Hesse, mniej kierowała się polityką, ale raczej tworzyła prace, które czerpały z ich doświadczeń związanych z płcią i seksualnością, naturalnie angażując się w kwestie kobiece.
Architektura i pamięć są ważnymi składnikami prac Bourgeois. Prace Bourgeois mają bardzo organiczny, biologiczny, reprodukcyjny charakter; zwracają uwagę na samą pracę. Louise opisuje architekturę jako wizualny wyraz pamięci lub pamięć jako rodzaj architektury. Pamięć, która pojawia się w wielu jej pracach, jest pamięcią wymyśloną – o śmierci lub egzorcyzmach jej ojca. Wyimaginowane wspomnienie przeplata się z jej rzeczywistymi wspomnieniami, takimi jak mieszkanie naprzeciwko rzeźni i romans jej ojca. Dla Louise jej ojciec reprezentował krzywdę i wojnę, wywyższanie siebie i umniejszanie innych, a przede wszystkim był człowiekiem, który reprezentował zdradę. Jej praca Cell (Trzy kule z białego marmuru) z 1993 roku mówi o strachu i niewoli. Lustra wewnątrz nich przedstawiają zmienioną i zniekształconą rzeczywistość.
Seksualność jest bez wątpienia jednym z najważniejszych tematów w twórczości Louise Bourgeois. Związek między seksualnością a kruchością czy niepewnością jest również silny. Twierdzi się, że wynika to z jej wspomnień z dzieciństwa i romansów ojca. Spiral Woman z 1952 roku łączy w sobie skupienie Louise na kobiecej seksualności i torturach. Napinające się mięśnie nóg i ramion wskazują, że Kobieta Spiralna jest wciąż ponad, choć jest duszona i wieszana. In and Out z 1995 roku wykorzystuje zimne metalowe materiały, by połączyć seksualność z gniewem, a może nawet z niewolą.
Spirala w jej pracach ukazuje niebezpieczne poszukiwanie niepewnej równowagi, bezwypadkowej, permanentnej zmiany, nieładu, zawrotu głowy, wiru. Jest w niej to, co jednocześnie pozytywne i negatywne, przyszłość i przeszłość, zerwanie i powrót, nadzieja i próżność, plan i pamięć.
Twórczość Louise Bourgeois jest zasilana wyznaniami, autoportretami, wspomnieniami, fantazjami niespokojnej istoty, która poprzez swoją rzeźbę poszukuje spokoju i porządku, którego brakowało jej w dzieciństwie.
Przeczytaj także: biografie-pl – Henri Matisse
Współpraca
Współpraca ta trwała dwa lata z brytyjską artystką Tracey Emin. Praca została wystawiona w Londynie kilka miesięcy po śmierci Bourgeois w 2010 roku. Tematyka składa się z obrazów męskich i kobiecych. Choć wydają się seksualne, przedstawiają maleńką postać kobiecą oddającą hołd olbrzymiej postaci męskiej, niczym Bogu. Louise Bourgeois wykonała akwarele, a Tracey Emin rysunek na górze. Dwa lata zajęło Emin podjęcie decyzji, jak określić, co chciałaby wnieść do współpracy. Kiedy już wiedziała, co ma robić, skończyła wszystkie rysunki w jeden dzień i uważa, że każdy z nich wyszedł doskonale. I Lost You” to film o utracie dzieci, utracie życia. Bourgeois musiała pochować swojego syna jako rodzic. Porzucenie to dla niej nie tylko utrata matki, ale i syna. Mimo różnicy wieku między obiema artystkami i różnic w ich twórczości, współpraca układała się łagodnie i bezproblemowo.
Przeczytaj także: historia-pl – Tutanchamon
Wystawy
Główne kolekcje jej prac znajdują się w National Gallery of Art w Waszyngtonie, D.C.; Museum of Modern Art w Nowym Jorku i Nasher Sculpture Center; San Francisco Museum of Modern Art; National Gallery of Canada; Tate w Londynie; Centre Pompidou w Paryżu. Przez cały okres swojej kariery Bourgeois znała wielu swoich głównych kolekcjonerów, takich jak Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles i Ursula Hauser. Inne prywatne kolekcje z godnymi uwagi dziełami Bourgeois to kolekcja Goetzów w Monachium.
W 1987 roku Bourgeois rozpoczęła współpracę z galerzystką Paule Anglim w San Francisco, w 1990 roku z Karstenem Greve w Paryżu, a w 1997 roku z Hauser & Wirth. Hauser & Wirth jest główną galerią dla jej posiadłości. Inne galerie, takie jak Kukje Gallery w Seulu i Xavier Hufkens w Brukseli, nadal zajmują się jej pracami.
W 2011 roku jedna z prac Bourgeois, zatytułowana Pająk, została sprzedana za 10,7 mln dolarów, co było nową rekordową ceną dla artystki na aukcji i najwyższą ceną zapłaconą wówczas za dzieło kobiety. Pod koniec 2015 roku dzieło to zostało sprzedane na innej aukcji Christie”s za 28,2 mln dolarów.
Louise Bourgeois w The Museum of Fine Arts, Houston: https:www.mfah.orgblogsinside-mfaha-confessional-sculpture-by-louise-bourgeois
Źródła
