Georges Braque
gigatos | 8 januára, 2022
Georges Braque, narodený 13. mája 1882 v Argenteuil (Seine-et-Oise, dnes Val-d’Oise) a zomrel 31. augusta 1963 v Paríži, bol francúzsky maliar, sochár a grafik.
Spočiatku sa angažoval v nadväznosti na fauvistov, ovplyvnený Henrim Matissom, André Derainom a Othonom Frieszom, v lete 1907 skončil s krajinkami Estaque s domami v tvare kocky, ktoré Matisse označil za „kubistické“, typické najmä pre obraz Domy v Estaque. Toto zjednodušenie má byť charakteristickým znakom kubizmu, ktorého pôvod je podľa Oliviera Céna stále kontroverzný.
Práve metodickým štúdiom obrysových línií Paula Cézanna od roku 1906 Braque postupne dospel ku kompozíciám, ktoré využívali mierne prerušenia línií, ako napríklad v diele Nature morte aux pichets. Potom, po roku 1908, sériou aktov, ako napríklad Stojaci akt a Veľký akt, prešiel k rozchodu s klasickým videním, k explózii objemov, k obdobiu všeobecne známemu ako kubizmus, ktoré trvalo od roku 1911 do roku 1914. Potom používal geometrické tvary najmä na zátišia, do svojich obrazov zaviedol šablónovité písmená a vynašiel lepené papiere. Ako skutočný „mysliteľ“ kubizmu vypracoval zákony perspektívy a farby. V roku 1912 vynašiel aj papierové sochy, ktoré všetky zmizli a z ktorých sa zachovala len fotografia jedného kontrareliéfu.
Po mobilizácii do Veľkej vojny, kde bol vážne zranený, sa maliar vzdal geometrických foriem a nahradil ich zátišiami, v ktorých predmety prekomponoval do plôch. V nasledujúcom období, ktoré trvalo až do 30. rokov 20. storočia, tvoril krajiny a ľudské postavy a napriek rôznorodosti tém je jeho tvorba „pozoruhodne súdržná. Braque, predchodca a zároveň pokračovateľ klasickej tradície, je francúzsky maliar par excellence. V knihe Cahier de Georges Braque, 1917-1947, vydanej v roku 1948, je zhrnutý jeho postoj.
Druhá svetová vojna inšpirovala jeho najvážnejšie diela: Le Chaudron a La Table de cuisine. Návrat pokoja a koniec choroby ho inšpirovali k hlbším prácam, napríklad k Ateliérom, na ktorých často pracoval niekoľko rokov a robil šesť návrhov naraz, ako dosvedčil Jean Paulhan. Jeho najznámejšie obrazy sú zároveň najpoetickejšie: séria Vtáky, z ktorej dva obrazy zdobia od roku 1953 strop miestnosti Henri-II v múzeu Louvre. Tvoril aj sochy, vitráže a návrhy šperkov, ale od roku 1959, keď ochorel na rakovinu, svoju tvorbu spomalil. Jeho posledným veľkým obrazom je La Sarcleuse.
Dva roky pred jeho smrťou, v roku 1961, sa v múzeu Louvre konala retrospektíva jeho diel s názvom L’Atelier de Braque, čím sa Braque stal prvým maliarom, ktorý tam bol vystavený ešte za svojho života.
Braque bol diskrétny muž, ktorý sa príliš nevenoval styku s verejnosťou, intelektuál s vášňou pre hudbu a poéziu, priateľ Erika Satieho, Reného Chara a Alberta Giacomettiho. Zomrel 31. augusta 1963 v Paríži. Na jeho počesť bol usporiadaný národný pohreb, na ktorom vystúpil s prejavom André Malraux.
Rané roky
Georges Braque vyrastal v remeselníckej rodine. Bol synom Augustina Johanneta (1859-1942) a Charlesa Braquea (1855-1911), maliara-dekoratéra a stavebného podnikateľa „Charles Braque et Cie“, tiež „nedeľného maliara“ a bývalého žiaka Théodula Ribota. Často maľoval krajiny inšpirované impresionistami a pravidelne vystavoval v Le Havre, kde sa rodina usadila v roku 1890. Henriette (1878-1950) bola staršia sestra Georgesa Braquea. V roku 1893 nastúpil na strednú školu. Nemal však chuť študovať, fascinoval ho život v prístave a podľa Gil-Blasa kreslil karikatúry Steinleina a Toulouse-Lautreca. Napriek tomu sa zapísal do Courchetovej triedy na École supérieure d’art du Havre, ktorú viedol študent Charlesa Lhuilliera Alphonse Lamotte. Deklarovaným cieľom obecnej školy bolo vychovávať „remeselníkov“ a „robotníkov s láskou k linke“, ktorí by inak „boli len robotníkmi“. Zároveň sa učil hrať na flautu u Gastona Dufyho, brata Raoula Dufyho. V júli 1899 získal druhú cenu v druhom oddelení umeleckej školy.
Učenie
V roku 1899 opustil strednú školu bez maturity a vyučil sa u svojho otca, potom u ich priateľa Roneyho, ktorý bol maliarom-dekoratérom. Nasledujúci rok prišiel do Paríža, aby pokračoval v učení u maliara-dekorátora Labertheho, bývalého partnera svojho otca, kde sa venoval brúseniu farieb, faux bois a faux marble. Zároveň navštevoval mestský kurz v Batignolles v triede Eugèna Quignolota. Žije na Montmartri na ulici Trois-Frères. Získal diplom maliara-dekorátora. V roku 1901 absolvoval vojenskú službu v 129. pešom pluku v Le Havre. Po návrate sa so súhlasom rodičov rozhodol venovať sa výlučne maľovaniu.
Medzi Parížom a Le Havrom
V roku 1902 sa vracia do Paríža, v októbri sa usadí na Montmartri na ulici Lepic a nastúpi do Académie Humbert na bulvári de Rochechouart. Tam sa zoznámil s Marie Laurencinovou a Francisom Picabiom a Marie sa stala jeho dôverníčkou, jeho spoločníčkou na Montmartri; navzájom si kreslili, chodili do mesta, zdieľali svoje vtipy, tajomstvá a „lenivé dni. Ale Marie je dráždivá, nie je ľahké ju zviesť. Plachý Braque s ňou prežíva len cudný románik. Paulette Philippe potrebuje všetky svoje milostné techniky, aby donútila plachého muža, okolo ktorého sa točí veľa žien, uvoľniť sa. Henri-Pierre Roché sa s nimi stretne na plese Quat’z’Arts, zatiaľ čo Braque je prezlečený za Rimana. Tento život v „luxuse a rozkoši“ posilnil mladého muža v jeho rozhodnutí odísť. Zničil všetky svoje práce z leta 1904, ktoré strávil v Honfleure, opustil Humberta a v máji 1905 nadviazal kontakt s Léonom Bonnatom na Ecole des Beaux-Arts v Paríži, kde sa stretol s Othonom Frieszom a Raoulom Dufym.
V tom istom roku študuje impresionistov v Luxemburskom múzeu, ktorého zbierku tvorí najmä odkaz Gustava Caillebotta, a navštevuje aj galérie Durand-Ruel a Vollard. Presťahoval sa do prenajatého ateliéru na ulici d’Orsel, oproti divadlu na Montmartri, kde navštevoval mnohé dobové drámy a osvojil si fauvizmus. K jeho rozhodnutiu nepochybne prispelo priateľstvo s Othonom Frieszom, ktorý tiež pochádzal z Le Havre; obaja mladí umelci spolu v roku 1906 odišli do Antverp a nasledujúci rok do južného Francúzska.
Neskôr Georges Braque zoznámil Marie Laurencin s Bateau-Lavoir a povzbudil ju a Matissa, aby sa venovali maliarskej kariére. Veril v jej talent.
Braque pravidelne vystavoval v Le Havre v rámci Société des amis des Arts v rokoch 1902 a 1905 (spolu so svojím otcom) a v tom istom roku sa konala jeho prvá významná výstava v Galérii Beuzebosc. V rokoch 1906 až 1909 každoročne vystavoval v rámci Cercle de l’art modern du Havre, ktorého bol zakladajúcim členom, a Comité Peintures, v ktorom okrem iných pôsobili jeho otec, Raoul Dufy a Othon Friez. Jeho otec zomrel v roku 1911 a bol pochovaný na cintoríne v Argenteuil.
Od fauvizmu ku kubizmu
V lete 1905, opäť v Honfleure, potom v Le Havre v spoločnosti sochára Manola a umeleckého kritika Mauricea Raynala a povzbudzovaný Raoulom Dufym a Othonom Frieszom k používaniu čistých farieb, Braque vystavoval na Salóne d’Automne 1905 spolu s Matissom, Derainom a jeho priateľmi z Le Havre, ktorí boli označovaní za fauvistov. Takmer dva roky sa Braque zaoberal fauvistickým systémom na základe vlastného čítania Cézannovho diela. Najcharakteristickejším príkladom Braqueovho fauvizmu je Petite Baie de La Ciotat, 1907, olej na plátne (60,3 × 72,7 cm), Musée National d’Art Moderne, ktorý maliar považoval za natoľko dôležitý, že ho v roku 1959 odkúpil.
Od roku 1907 býval Georges Braque na juhu Francúzska s Othonom Frieszom a po dlhom čase meditovania o použití línie a farby Paula Cézanna vytvoril veľké množstvo obrazov týkajúcich sa krajiny l’Estaque, takmer všetky v niekoľkých verziách: Le Viaduc de l’Estaque (1907), Le Viaduc de l’Estaque (1908), Route de l’Estaque (1908), Terrasse à l’Estaque (1908), La Baie de l’Estaque (1908), Les Toits d’usine à l’Estaque (1908), Chemin à l’Estaque (1908), Paysage à l’Estaque (1908)
Maisons à l’Estaque bol reprodukovaný v 34 publikáciách a prezentovaný na 22 výstavách v rokoch 1908 až 1981.
Keďže obraz bol odmietnutý na Salóne d’Automne v roku 1908, obchodník s umením Daniel-Henry Kahnweiler, veľmi šokovaný touto reakciou, ponúkol Georgesovi Braquovi využitie svojej galérie na prezentáciu tohto diela, ako aj všetkých maliarskych diel z posledného obdobia. Kahnweiler práve otvoril malú galériu na ulici Vignon 28 v Paríži a predslov ku katalógu zveril Guillaumovi Apollinairovi, ktorý sa pustil do dithyrambu: „Toto je Georges Braque. Vedie obdivuhodný život. Vášnivo sa usiluje o krásu a zdá sa, že ju dosahuje bez námahy.
V tom istom roku Braque navštívil ateliér Pabla Picassa, kde objavil dva obrazy: Les Demoiselles d’Avignon a Trois femmes, ktorý ešte nebol dokončený. Konštruktívny rytmus týchto plátien je prevzatý od Cézanna, ale viac rozrezaný a skreslený. Spočiatku vyvolali údiv Braquea, ktorý už začal rovnaký proces svojimi Aktmi. Inšpiráciu pre dielo Le Grand Nu, začaté v roku 1907 a dokončené v roku 1908, však nečerpal z týchto plátien.
„Ak napíšeme, že Demoiselles d’Avignon alebo Grand nu à la draperie nemali radikálne zmeniť výskum Georgesa Braquea, neuberieme tým nič z ich podvratnej sily, ani nepodceníme zlom, ktorý znamenajú v dejinách maľby.
Picassova odvaha ho prekvapila a Braque sa spočiatku zdráhal, ale v tomto prípade je podmienka nevyhnutná.
Existujú najmenej tri verzie Braqueovej reakcie, ktoré uviedol buď Kahnweiler, ktorý tam nebol, alebo André Salmon, ktorý tam tiež nebol, alebo Fernande Olivierová, ktorej výpovede sú pochybné, keďže sa Picassovi vyhrážala nepríjemnými odhaleniami o tomto období vo svojich Souvenirs intime. Vďaka orodovaniu madam Braqueovej a Picassovej platbe vo výške jedného milióna frankov sa Fernande vzdala vydierania. V skutočnosti bol Braque už na inej ceste, začal variovať Estaqueove krajiny. Význam jeho diel sa však odhalil až po dlhom čase: tie najdôležitejšie boli väčšinu 20. storočia uložené v súkromných zbierkach, „čo Braquovi v diskusiách o predchodcovstve nepomohlo“.
Keď sa nad nimi po ich zhliadnutí zamyslel, tieto obrazy potvrdili smerovanie výskumu, ktorý už uskutočnil v prípade Viaduc à l’Estaque alebo Le Grand Nu. Od tohto momentu sa začal „vzťah Braque-Picasso“, keď sa dvaja umelci neustále skúmali a konfrontovali. Braque naučil Picassa čítať motív od ich prvého stretnutia. Podľa Pierra Daixa: „Stretnutie Picassa a Braquea ukazuje, že motívom už nie je maľba. Práve kompozícia svojím kontrastným rytmom odhaľuje, čo bolo v motíve štrukturálne – za predpokladu, že ho človek vie čítať.
V roku 1907 už Braque začal svoju vlastnú revolúciu obrazom Stojaci akt (ktorý sa niekedy zamieňa s Veľkým aktom). Stojaci akt je málo známy, nie je často vystavovaný a patrí do súkromnej zbierky. Ide o tuš na papieri malého formátu (31 × 20 cm), v ktorom maliar už predtým experimentoval s konštrukciou tela v geometrických formách, ktorú neskôr rozvinul v niekoľkých leptoch, na ktorých má stojace nahé ženské telo niekoľko polôh (ruky pozdĺž tela, za chrbtom, hlava vzpriamená, zohnutá). V dielach Le Grand Nu a Nu debout, ako aj v iných zobrazeniach ženského tela: Na kresbe La Femme (1907), ktorú Braque daroval americkému kritikovi umenia Gelettovi Burgessovi na ilustráciu jeho článku Divokí muži v Paríži, sa zdá, že telo bolo rozčlenené a potom znovu zložené z troch uhlov pohľadu. Fotografia Braquea a kresby La Femme sa objavila na strane 2 Burgessovho článku v The Architectural Record z mája 1910.
Formy sú modelované podľa štruktúry a rytmu, čo sú dva základné pojmy kubizmu. Jeho inšpirácia je inštinktívna a jeho maliarska cesta ide v stopách Paula Cézanna. Braquea ovplyvnili aj postavy černošských masiek, ktorých vlastnil niekoľko exemplárov. „Čierne masky mi otvorili nové obzory. Umožnili mi prísť do kontaktu s inštinktom“. V tom čase sa k „objavu černošského umenia“ hlásilo množstvo umelcov vrátane Mauricea de Vlamincka a André Deraina. Braque si nenárokoval žiadne prvenstvo. V roku 1904 jednoducho kúpil od námorníka niekoľko masiek Tsogo a svoju zbierku ďalej rozširoval o masky Fang.
Le Grand Nu vlastnil Louis Aragon, potom ho vlastnila zberateľka Marie Cuttoli a potom sa dostal do zbierky Alexa Maguyho. V roku 2002 sa dielo dostalo do verejných zbierok prostredníctvom „darovania pri platení dedičskej dane“ a v súčasnosti sa nachádza v Musée national d’art moderne.
Obdobie kubizmu
Existuje niekoľko verzií pôvodu slova kubizmus a „otcov“ tohto hnutia. Mnohí umeleckí kritici označujú najmä Braquea a Picassa za „zakladateľov kubizmu“. Iní ho spájajú s Fernandom Légerom a Juanom Grisom, zatiaľ čo Louis Vauxcelles, umelecký kritik novín Gil Blas, sa považuje za vynálezcu tohto slova, keď opisuje Braqueove Maisons à l’Estaque ako „malé kocky“. Táto maľba sa vtedy považovala za „rodný list kubizmu“. Ďalšie ponúkajú inú verziu. Podľa Bernarda Zurchera to bol Henri Matisse, kto označil Domy v Estaque za „kubistické“, pričom na Jesennom salóne v roku 1908 tieto geometrické miesta a vzory odmietol.
„Toto strašné zjednodušenie, ktoré priviedlo kubizmus ku krstiteľnici, je do veľkej miery zodpovedné za skutočné hnutie, za ktoré Braque ani Picasso nechceli prevziať zodpovednosť. Hnutie, ktorého teoretici (Albert Gleizes a Jean Metzinger) by sotva prekročili ‚kubistické‘ zvláštnosti, ktoré stigmatizoval Vauxcelles.“
V skutočnosti boli tieto „kocky“ pre Braquea a Picassa len dočasnou odpoveďou na problém, ktorý predstavovala konštrukcia obrazového priestoru, ktorý sa musel odchyľovať od pojmu perspektívy, ktorý bol zavedený od renesancie. „Lanovka Braque-Picasso“ bola výskumnou dielňou týchto dvoch umelcov, pričom vášniví muži, ku ktorým sa pridali Derain a Dufy, pracovali súčasne. Bolo to vzrušujúce dobrodružstvo, ktoré položilo základy moderného umenia.
Neskôr si však španielsky maliar pred Kahnweilerom prisvojil vynález papier collés, ktorý vraj vytvoril v Cérete, a napokon si pripísal vynález kubizmu a obvinil Braquea, že ho počas ich kubistického obdobia napodobňoval, čo vyvolalo obrovské nedorozumenie o význame Braqueovej tvorby. Podľa Oliviera Cenu: „O štyridsať rokov neskôr Picasso nechcel Braquovi nič prenechať, ani analytický, ani syntetický kubizmus…“.
Nesprávne interpretácie potom podnietili rôzne osobnosti, najmä Gertruda Steinová, ktorej tvrdenia Eugène Jolas vyvrátil citátom Matissa: „Podľa mojich spomienok to bol Braque, kto vytvoril prvý kubistický obraz. Z juhu si priniesol stredomorskú krajinu. Je to skutočne prvá maľba, ktorá predstavuje počiatok kubizmu a považovali sme ju za niečo radikálne nové.
William Rubin sa domnieva, že Braqueov kubizmus predchádzal Domy v Estaque. Zátišie s džbánmi a fajkou, ktorého umiestnenie a rozmery nie sú známe, označuje za prvé kubistické dielo maliara, ktorý si vybral predmety so zakriveným obalom, pričom kompozícia je umiestnená diagonálne a vycentrovaná stretnutím dvoch šikmých osí.
Od roku 1909 priviezol Braque zo svojich pobytov v La Roche-Guyon a Carrières-sur-Seine niekoľko krajiniek, ktoré sú kubistickými variáciami na Cézanna: Le Château de La Roche-Guyon (73 × 60 cm), Lille Métropole, Le Vieux Château de la Roche-Guyon (65 × 54 cm), Puškinovo múzeum výtvarných umení, Moskva, Paysage des carrières Saint-Denis (41 × 33 cm), Musée national d’art moderne, Paríž.
Braque potom vstúpil do obdobia „analytického kubizmu“. Krajiny, ktoré v maliarskej tvorbe prevládali, postupne ustúpili zátišiam. Tieto krajiny boli len prípravnou fázou na plodnejšie obdobie, v ktorom vznikli diela Broc a husle, 1909-1910, olej na plátne (117 × 75 cm), Kunstmuseum, Bazilej, Husle a paleta (92 × 43 cm) a Klavír a mandora (92 × 43 cm), Solomon R. Guggenheim Museum. Maliar sa už nesnaží kopírovať prírodu. Postupným dynamickým členením, znásobovaním uhlov pohľadu sa jeho maľba obohacuje o neočakávané kombinácie s množstvom aspektov. Formy sa potom geometrizujú a zjednodušujú.
„Ak si uvedomíme, že bitka kubizmu sa nakoniec odohrala na tému zátišia, Braque bol najlepšie pripravený, alebo skôr dokázal upevnením každej z etáp svojho vývoja dôjsť istejšie k tomu „znaku, ktorý stačí“, ako to nazval Matisse.“
V roku 1911 sa maliar zoznámil s Marcelle Lapré, ktorá sa v roku 1926 stala jeho manželkou. Odišiel do Céretu, kde zostal s Picassom celý rok.
Odvtedy Braque vynašiel nový slovník a do svojich malieb zaviedol šablónovité písmená, tlačené znaky: Portugalec (Emigrant) (117 × 81 cm), Kunstmuseum, Bazilej, Zátišie s banderillami (65,4 × 54,9 cm), Metropolitné múzeum umenia. V rozhovore s umeleckou kritičkou Dorou Vallier vysvetlil: „Išlo o formy, kde nebolo čo skresliť, pretože ako ploché plochy boli písmená mimo priestoru, a ich prítomnosť v obraze preto umožňovala rozlíšiť objekty, ktoré boli v priestore, od tých, ktoré boli mimo priestoru.“ Braque sa pustil aj do voľných nápisov, ktoré sú usporiadané paralelne a pripomínajú plagátové znaky. Na obraze Portugalčan (L’Emigrant) je v pravom hornom rohu rozlúštené slovo BAL, ktoré sa vrátilo nasledujúci rok v Zátiší s husľami BAL (Kunstmuseum Basel).
V Cérete sa nevzdal krajiniek. Vytvoril diela Strechy z Céretu (82 × 59 cm), súkromná zbierka, a Okno z Céretu, štylizované plátna podľa metódy analytického kubizmu bez vzťahu ku krajinám z predchádzajúcich rokov.
Nasledujúci rok sa v Sorgues pripojí k Picassovi a prenajme si vilu v Bel-Air. Braquove papier collés sa objavujú: Compotier et verre (50 × 65 cm), súkromná zbierka. Bol to veľký objav, ktorý zopakovali mnohí maliari: Juan Gris, Henri Laurens, Fernand Léger, Albert Gleizes. Ide o kompozície, ktoré si netreba mýliť s kolážami, ktoré Braque vytvoril neskôr.
Podľa článku Christiana Zervosa v časopise Cahiers d’art práve v Sorgues zdokonalil Braque svoju techniku papierovej sochy, ktorú vynašiel v Cérete v roku 1911. Stopy týchto sôch nachádzame v liste zaslanom Kahnweilerovi v auguste 1912, v ktorom umelec píše, že svoj pobyt na vidieku využil na to, čo sa nedalo urobiť v Paríži, okrem iného na papierové sochy, „ktoré mu prinášajú veľké uspokojenie. Žiaľ, z týchto efemérnych konštrukcií sa nezachovalo nič, okrem fotografie kontrareliéfu z roku 1914, objaveného v Laurensovom archíve, ktorý sa papierovým plastikám z roku 1912 pravdepodobne nepodobal. Podľa Bernarda Zurchera majú bližšie k zátišiam z toho istého roku (1912), ktoré sa riadili princípom inverzie reliéfu charakteristickým pre Wobeho masku.
Pre Jeana Paulhana, „ktorý strávil polovicu svojho života snahou vysvetliť povahu Braqueovej práce“, sú Braqueove papier collés „Machines à voir“. Podľa neho kubizmus spočíva v „nahradení surového priestoru zosúladeným priestorom klasiky. Táto zámena sa vykonáva pomocou stroja, ktorý je analogický s perspektívnym strojom Filippa Brunelleschiho a podľa Jeana Paulhana s mriežkovaným sklom Albrechta Dürera. Dürerovo mriežkované sklo, známe aj ako „mise au carreau“, je prostriedok, ktorý kresliarovi umožňuje zväčšiť alebo zmenšiť kresbu bez zásahu perspektívy. Braque často používal toto štvorcové zobrazenie. Príkladom je fotografia ateliéru, kde pracoval na filme Vták a jeho hniezdo v roku 1955, ktorú urobila Mariette Lachaud. V hornej časti obrazu sú stále viditeľné stopy obkladu, oddelené od hlavného objektu.
Braque zostal v Sorgue do novembra 1912, zatiaľ čo Picasso sa vrátil do Paríža, kde začal realizovať svoje vlastné papiers collés. Braqueovi napísal: „Môj drahý priateľ Braque, používam tvoje najnovšie postupy na papier a tlačiarenské farby. Predstavujem si gitaru a používam kúsok papiera proti nášmu hroznému plátnu. Som veľmi rád, že ste vo svojej vile v Bel Air spokojní a že ste spokojní s vašou prácou. Ako vidíte, začínam trochu pracovať. Braque však pokračoval vo výskume lepeného papiera, pričom sa priklonil k papieru so vzhľadom falošného dreva a tiež k imitácii mramoru. Ku koncu roka 1913 sa rozšírilo obracanie reliéfu a objavili sa optické znaky, ktoré sa hrali na opakovanie geometrickej figúry alebo dekoratívneho motívu. V nasledujúcom roku Braque pridal nové objektívne znaky: gitarové struny, husľové struny, hracie karty, kus novín premenený na hraciu kartu.
Ku koncu „papierového obdobia“ sa objavila vlnitá lepenka. Maliar zaviedol do svojej kompozície koncept reliéfu, ktorý mal byť veľmi úspešný od roku 1917, a to tak v jeho kolážach, ako aj v kolážach jeho najlepšieho priateľa, sochára Henriho Laurensa. Medzi významné diela z obdobia koláže (1913-1914) patrí Le Petit Éclaireur (92 × 63 cm), uhlík, novinový papier, falošný drevený papier a čierny papier nalepený na plátne, Musée de Lille métropole, Zátišie na stole (Gillette) s reprodukciou žiletky Gillette (48 × 62 cm), Centre Pompidou, Paríž, Husle a fajka LE QUOTIDIEN (74 × 100 cm), uhlík, umelý drevený papier, tapetový oplet, čierny papier, novinový papier nalepený na papieri, nalepený na kartóne, Centre Pompidou, Paríž.
Bolo to aj obdobie hudobných nástrojov. Husle (72 × 31 cm), uhlík, obyčajný lepený papier, umelé drevo, nástenná maľba a noviny na papieri, Cleveland Museum of Art, Husle (35 × 37 cm), olej, uhlík, ceruzka a lepený papier na plátne, Philadelphia Museum of Art, Husle a noviny FÊTE (90 × 60 cm), Philadelphia Museum.
Braque nikdy neprestal vymýšľať. Už v roku 1912, keď žil s Marcelle Lapré na ulici Guelma 5, miešal piliny a piesok s farbami, aby dodal svojim plátnam reliéf. V roku 1913 presťahoval svoj ateliér na ulicu Caulaincourt, zatiaľ čo jeho diela boli prezentované v New Yorku na Armory Show. V tom roku sa však vzťahy medzi oboma maliarmi zhoršili a už necítili potrebu stretávať sa. Priepasť sa zväčšila, „cordée“ sa rozpadlo. Na jar 1914 sa Braque predstavil na dvoch súkromných výstavách v Nemecku, a to v Berlíne v galérii Feldmann a potom v Drážďanoch v galérii Emila Richtera. V čase atentátu na rakúskeho vojvodu strávil Braque so svojou manželkou leto v Sorgues. Bol zmobilizovaný a 2. augusta 1914 sa spolu s Derainom vydal vlakom do Avignonu, kde ich sprevádzal „spoločník lana“, ktorý mal rozmnožiť autorove slová, uvádzané podľa životopiscov rôznymi spôsobmi.
Vojna v roku 1914 a jej dôsledky
Braqueova mobilizácia na front v roku 1914 náhle prerušila maliarovu kariéru. Ako seržant bol pridelený k 224. pešiemu pluku a poslaný na Somme pri Maricourte, kde Braqueov pluk (teraz už poručík Braque) zostal tri mesiace, kým ho presunuli do Artois severne od Arrasu, aby pripravil rozsiahlu ofenzívu proti dedinám chrániacim hrebeň Vimy.
Vážne zranený 11. mája 1915 pri Neuville-Saint-Vaast, Braque zostal mŕtvy na bojisku. Na druhý deň ho vystriedali nosiči, ktorí zakopli o jeho telo v masovom hrobe, kde bolo rozdrvených 17 000 mužov. Maliar bol chorý a prebral sa až po dvoch dňoch v kóme. Dvakrát bol vyznamenaný Croix de Guerre. Po bankete usporiadanom na oslavu jeho uzdravenia v Paríži odišiel na zotavenie do Sorgues.
Spolu s básnikom Pierrom Reverdym píše Georges Braque svoje Pensées et réflexions sur la peinture (Myšlienky a úvahy o maliarstve), ktoré sú uverejnené v časopise Nord-Sud. Vtedy sa zblížil s Juanom Grisom, ktorý mu odovzdal svoj vkus pre sofistikované textúry a roviny redukované na geometrické formy. Práve s Grisom začal opäť maľovať ako „rodený slepý maliar – tento znovuzrodený slepec“, slovami Jeana Paulhana, najmä s Gitarou a sklom (60,1 × 91,5 cm), Kröller-Müller Museum Otterlo.
V tomto období nebol Braque ďaleko od toho, aby si myslel, že Picasso „zrádza“ kubizmus a ich mladosť. Diskrétny maliar však pokračoval vo svojom výskume. Stal sa „overovateľom“. Svoje objavy zdokonalil a vytvoril nový slovník pre svoje maľovanie. Z toho sa stal „syntetický kubizmus“, ktorého prvé diela, začaté v roku 1913 Compotier et cartes, olej na plátne (81 × 60 cm), Centre Pompidou, Paríž, pokračovali v roku 1917 La Joueuse de mandoline (92 × 65 cm), olej na plátne, Musée de Lille Métropole, a La Musicienne, olej na plátne (221,4 × 112,8 cm), Kunstmuseum, Bazilej.
Okolo roku 1919, keď kubizmus triumfoval, keď Gleizes, Metzinger a Maurice Raynal objavovali jeho dôvody, zákony a hranice, Georges Braque vyhlásil: „Už dávno som odišiel. Nebol by som to ja, kto by Braqueovi dával na mieru“.
O niekoľko rokov neskôr Jean Paulhan vo svojej knihe Braque le patron načrtol paralelu medzi umením kubistov a umením vojnovej kamufláže. „Vojnová kamufláž bola dielom kubistov: ak chcete, bola to aj ich pomsta. Obrazy, ktorým by verejná mienka tvrdohlavo vyčítala, že vyzerajú ako nič, boli v momente nebezpečenstva jediné, ktoré mohli vyzerať ako všetko. V Braqueových zátišiach sa spoznali a letec, ktorý pochyboval o Ardenskom lese alebo Beauce, už nezaváhal pred delom vyretušovaným Braquom. Paulhan tiež pripomína, že oficiálny maliar zodpovedný za kamufláž kanónov v roku 1915, Lucien-Victor Guirand de Scevola, v kapitole „Souvenirs de camouflage“ povedal, že použil rovnaké prostriedky ako kubisti na úplnú deformáciu aspektu objektu, čo mu umožnilo zamestnať vo svojej sekcii niekoľko maliarov, ktorí boli schopní svojím veľmi zvláštnym videním deformovať akýkoľvek tvar.
Braqueove nové obrazy však teraz ponúkajú živšiu a zmyselnejšiu paletu, ako napríklad Žena s mandolínou, 1922-1923, olej na doske (41 × 33 cm), Centre Pompidou, Paríž. Začiatkom 20. rokov 20. storočia maliar na žiadosť Sergeja de Diagileva ďalej menil svoju tvorbu a komponoval kulisy a kostýmy pre Ballets Russes. V rokoch 1922 až 1926 navrhol scénu a kostýmy pre Les Fâcheux, adaptáciu Molièrovej komédie-baletu, Salade, Zéphire a Flore, ako aj scénu pre balet Michela Fokina Sylphides. Diagilev si myslel, že maliar má nešikovnú povahu a že navyše nemá zmysel pre obchod, čo je podľa Jeana Paulhana pravda.
Oponu z baletu Salade odkázal gróf Etienne de Beaumont v roku 1955 parížskemu múzeu Musée d’art moderne de la ville de Paris. Odvtedy bola uzamknutá v rezervách Tokijského paláca. Práve ju vybrali a bude zreštaurovaná.
Medzivojnové obdobie, syntetický kubizmus a zátišia
Juan Gris bol jediným kubistickým maliarom, ktorého hodnotu Braque okrem Picassa uznával; o ostatných povedal: „‚Kubizovali‘ obrazy, vydávali knihy o kubizme, a to všetko ma od nich prirodzene stále viac vzďaľovalo. Jediný, kto podľa mňa vedome presadzoval kubistický výskum, bol Gris.“
V tom čase zohrávali v Braqueovom vývoji dôležitejšiu úlohu ako maliari sochári Jacques Lipchitz a Henri Laurens. Maliar vytvoril ploché farebné odtiene. Braque už nedeformoval, ale formoval, ako si potvrdil vo svojom zápisníku. Takto došlo k „metamorfóze“, ktorú charakterizuje použitie čierneho pozadia, o ktorom povedal Danielovi-Henrymu Kahnweilerovi, ktorý sa uchýlil do Švajčiarska, že „čierna je farba, o ktorú nás impresionizmus tak dlho pripravoval a ktorá je taká krásna…“.
Výstava jeho posledných diel v marci 1919 v Galérii moderného úsilia Léonca Rosenberga bola prijatá s nadšením. Pri tejto príležitosti vyšla prvá monografia o Braqueovi od Rogera Bissièra, ktorý vyzdvihol dôkladnosť maliarskej práce: „Braque bol azda prvý spomedzi moderných umelcov, ktorý pochopil poéziu, ktorá vychádza z jemného remesla, z práce vykonanej s láskou a trpezlivosťou. Ide o druhú samostatnú výstavu maliara, ktorý v máji 1920, v roku, keď vytvára svoju prvú sochu: La Femme debout v šiestich kópiách, obnovuje zmluvu s Léonce Rosenbergom. V tomto období, ktoré trvalo do začiatku 30. rokov, vznikli aj Canéphores, 1922 (180,5 × 73,5 cm), olej na plátne, Centre Pompidou, Paríž, ako aj akty a ženské postavy, Trois Baigneuses, olej na dreve (18 × 75 cm), súkromná zbierka.
V roku 1921 sa však medzi Rosenbergom a Braquom niečo pokazilo. Likvidácia Kahnweilerových zásob, skonfiškovaných počas vojny, sa uskutočnila v Hôtel Drouot. Odborníkom bol práve Léonce Rosenberg, ktorému sa tam podarilo presadiť a ktorý využil svoje dominantné postavenie na podhodnotenie diel, ktoré chcel odkúpiť za nízke ceny. V prvý deň predaja v Drouot sa ho Braque pokúsil zaškatuľkovať spolu s nebohým Amédée Ozenfantom, ktorý sa snažil zasiahnuť. Aféra sa skončila na policajnej stanici a bojovníci boli napokon prepustení. Léonce Rosenberg predal obrazy, ktoré kúpil, s obrovským ziskom. Jeho brat Paul robí to isté. Jedným z najväčších porazených bol francúzsky štát, ktorý si v roku 1921 nechal ujsť diela ako Muž s gitarou (1913-1914) za 2 820 frankov, ktoré o šesťdesiat rokov neskôr odkúpil späť do Národného múzea moderného umenia za deväť miliónov frankov.
Maliarsky štýl a výskum sa vyvíjali v rokoch 1919 až 1939. Z kubistickej minulosti si zachoval simultánnosť pohľadov, rozvíjanie objektov v tej istej rovine a inverziu priestoru. Ako pozadie vždy používal čiernu farbu, ktorá naznačovala hĺbku, a predmety a roviny rozdeľoval spôsobom, ktorý ich vzďaľoval od realizmu. V tomto ohľade sú pre tento vývoj charakteristické diela Gitara a zátišie na kozubovej doske, 1925, olej a piesok na plátne (130,5 × 74,6 cm), Metropolitné múzeum umenia, a Ovocie na obruse a misa s ovocím, olej na plátne (130,5 × 75 cm), Centre Pompidou. Predmety sa zdajú byť doplnkom kompozície a všetko jeho úsilie je zamerané na farbu, ako poznamenal Georges Charensol na Braqueovej výstave u Paula Rosenberga v roku 1926, kde boli vystavené Fruits sur une nappe et compotier. V diele Nature morte à la clarinette, 1927, olej na plátne (55,9 × 75 cm), The Phillips Collection, Braque posunul použitie kontrastu ešte ďalej, pričom formy označil Christian Zervos za „naturalistické“.
Od roku 1925 žil Braque na Montparnasse, rue du Douanier, v dome-ateliéri postavenom podľa plánov Augusta Perreta. V roku 1926 sa oženil s Marcelle Lapré, s ktorou žil od roku 1912. Jeho susedmi boli Louis Latapie a Roger Bissière na ulici, ktorá dnes nesie jeho meno: rue Georges-Braque.
Naturalistické a abstraktné formy získali nový rozmer vo variáciách na Le Guéridon z roku 1928, keď si manželia Braqueovci kúpili dom vo Varengeville v Hornej Normandii. Na útesoch Pays de Caux postavil americký architekt Paul Nelson pre maliara dom a ateliér. S dielami Le Guéridon, 1928, olej na plátne (197 × 73 cm), Múzeum moderného umenia, New York) a Le Grand Guéridon, olej na plátne (147 × 114 cm), na ktorých maliar pracoval až do rokov 1936-39, prešiel Braque dlhým formálnym zrením. V roku 1945 dokonca prepracoval obraz Le Guéridon rouge (180 × 73 cm), ktorý začal maľovať v roku 1939, pričom zredukoval ornamentálny motív. Téma podstavca sa v jeho dielach z rokov 1911 až 1952 často opakuje. Zabezpečuje kontinuitu vývoja, ktorého plný rozkvet dosiahli ateliéry.
V 30. rokoch 20. storočia sa objavili obrusy: Nappe rose (1933) a Nappe jaune, 1935 (114,3 × 144,8 cm), súkromná zbierka, ktorá v roku 1937 získala prvú cenu Carnegie Foundation of Pittsburgh. Maliar experimentoval aj s rytými sadrovými odliatkami, Heraklès, 1931 (187 × 105,8 cm), Fondation Maeght, a leptami Théogonie d’Hésiode, 1932, súbor ôsmich leptov (53 × 38 cm), Musées de Belfort, ktoré si objednal Ambroise Vollard na ilustráciu rovnomennej knihy, ktorá však nikdy nevyšla, pretože Vollard zomrel v roku 1939.
Braqueova prvá retrospektívna výstava v Kunsthalle Basel v roku 1933 vo Švajčiarsku znamenala začiatok jeho medzinárodného uznania a v roku 1934 nasledovala výstava Braque Recent Paintings vo Valentine Gallery v New Yorku, ktorú v roku 1937 otvoril nemecký galerista Curt Valentin. Podľa Franka Elgara: „Práve v 30. rokoch 20. storočia namaľoval Braque svoje najkoncentrovanejšie a najpikantnejšie zátišia. Jeho útesy, vyplavené lode a obojstranné postavy svedčia o jeho najšťastnejšom období. Od roku 1940 mu však hrozilo nebezpečenstvo.
Počas druhej svetovej vojny
V rokoch 1939 až 1940 boli manželia Braqueovci vo Varengeville počas falošnej vojny spolu s Joanom Miróom, ktorý si v auguste 1939 prenajal dom neďaleko Braqueovcov a ktorý zostal vo Francúzsku až do roku 1940. „Títo dvaja maliari udržiavali priateľský vzťah a dôveru bez toho, aby ich vtedajšie susedstvo a priateľstvo všetkých čias prinútilo niektorého z nich odkloniť sa na milimeter od cesty toho druhého. Braque jednoducho vyzval svojho katalánskeho priateľa, aby použil proces transferového papiera, techniku tlače pre litografiu. Vo Varengeville sa v ten istý deň zúčastnili aj Georges Duthuit, Alexander Calder, ako aj básnik Raymond Queneau a architekt Paul Nelson.
V tomto období sa Braque venoval takmer výlučne sochárstvu a okrem iného vytvoril diela Hymen, Hesperis a Le Petit Cheval. Na ľudských sochách sú vždy hlavy z profilu, ako na reliéfoch v starovekom Egypte. Tento štýl vychádza z obrazov, ako je Duet, olej na plátne (129,8 × 160 cm) s dvoma profilmi žien sediacich na stoličkách.
V rokoch 1939-1940 bol Braque predmetom veľkej retrospektívy v Chicagu v The Arts Club of Chicago, tiež vo Washingtone (The Phillips Collection) a San Franciscu (San Francisco Museum of Modern Art). V roku 1941 mal samostatnú výstavu v New Yorku, potom v Baltimore a v apríli 1942 opäť v New Yorku u Paula Rosenberga. V roku 1943 mu Galerie de France venovala výstavu Douze peintures de Georges Braque, zatiaľ čo Salon d’automne v Paríži predstavil 26 obrazov a 9 sôch. Jean Bazaine mu venuje článok v časopise Comœdia. V tom istom roku vydáva Jean Paulhan knihu Braque le patron.
V rokoch 1940 až 1945 manželia Braquesovci žili najprv v Limousin, potom v Pyrenejách v Caujac, kde hostili svojho synovca Jacquesa Gosselina, a napokon sa vrátili do Paríža. Do Varengeville sa vrátili až v roku 1945. V roku 1941 nemecké úrady skonfiškovali mnohé Braqueove obrazy uložené v Libourne.
Podobne sa počas celej vojny držal veľmi pri zemi aj vo vzťahu k vichystickému režimu. Nechýbali však ani zálohy zo strany okupačných síl a jeho obrazy vzbudili nadšenie Pierra Drieu la Rochelle, keď bolo dvadsať jeho obrazov vystavených na Jesennom salóne v roku 1943. Nemeckí dôstojníci, ktorí navštívili jeho ateliér, usúdili, že je príliš studený, a ponúkli mu, že mu dodajú uhlie, čo Braque rafinovane odmietol. Odmietol tiež vytvoriť znak vichystickej vlády, hoci Gertrude Steinová sa ponúkla, že preloží Pétainove prejavy. Braque mal opačný problém: nedal sa kúpiť. Jeho postoj je jasný: žiadny kompromis, žiadny kompromis. To mu však nebránilo v tom, aby 4. októbra 1943 prijal Ernsta Jüngera vo svojom ateliéri. Spisovateľ a básnik v okupačnej uniforme Jünger, ktorý v roku 1982 získal Goetheho cenu a v roku 2008 vstúpil na Pléiade, v tom roku ocenil „degenerované“ obrazy Edvarda Muncha, Jamesa Ensora, Douaniera Rousseaua, Picasso, ktorého navštívil v tom istom roku, a tiež Braque, ktorého obrazy videl na Jesennom salóne v roku 1943 a ktoré považoval za „upokojujúce, pretože predstavujú moment, keď sa vynárame z nihilizmu“. Ich sila v podobe aj tóne pre neho predstavuje moment, keď sa v nás zhromažďuje materiál nového stvorenia.
Braque sa počas vojny uzavrel vo svojom ateliéri a venoval sa téme interiérov, pričom sa výrazne vrátil k čiernej farbe, ktorá pôsobila dojmom jednoduchosti a prísnosti. Pre Georgesa Braquea bola vojna synonymom strohosti a skľúčenosti. V tom čase „v Braqueovom živote nie je takmer žiadny priestor na napodobňovanie: žiadne súťaže, žiadne diskusie, žiadna spoločná práca. Svoju prácu vykonával tajne. Žena sediaca pred balíčkom kariet, videná z profilu, s názvom La Patience, olej na plátne (146 × 114 cm), ilustruje jeho duševný stav.
V tomto období Braque pokračoval v práci na svojej obľúbenej téme: hudobných nástrojoch, ktoré sa v jeho obrazoch objavovali od roku 1908, pretože: „Hudobný nástroj ako predmet má tú zvláštnosť, že ho možno oživiť dotykom, a preto ma hudobné nástroje vždy priťahovali. Rok 1942 bol pre maliara mimoriadne produktívny, začal niekoľko obrazov s hudobnou tematikou, ktoré neskôr dokončil, napríklad Muž s gitarou, 1942-1961 (130 × 97 cm), olej na plátne, súkromná zbierka.
Urobil ešte niekoľko kresieb žien, ktorých postoje pripomínajú jeho fauvistické obdobie, Femme à la toilette (1942), ale veľmi skoro prevzal vládu nad zátišiami: Deux poissons dans un plat avec une jug, 1949-1941, olej na papieri upevnený na plátne, súkromná zbierka, otvára sériu rýb na čiernom pozadí, Les Poissons noirs, 1942, olej na plátne (33 × 55 cm), Centre Pompidou, Paríž, a niekoľko Vanités, Le Poêle (1942), Le Cabinet de toilette (1942, The Phillips Collection). Všetky tieto interiéry pripomínajú, že umelec sa „uzavrel“ vo svojom vlastnom dome, najmä Veľký interiér s paletou, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. Jeho najvýznamnejšie obrazy sú predmety každodennej potreby, posmešné predmety, užitočné na prežitie alebo na prídel potravín: Kuchynský stôl, olej na plátne (163 × 78 cm), súkromná zbierka.
Pred začatím série Biliardy, v ktorej pokračoval až do roku 1949, vytvoril niekoľko mužských postáv na tmavom pozadí. Jeden z najkrajších, Le Billard, 1947-1949 (145 × 195 cm), sa nachádza v Múzeu súčasného umenia v Caracase vo Venezuele. Vystavený bol v Grand Palais (Paríž) počas retrospektívy Georgesa Braquea v roku 2013, pričom roky jeho dokončenia boli uvedené: 1947-1949.
Povojnové obdobie
Braque sa čistke vyhol a pripojil sa k Varengevillovi. Nevstúpil ani do francúzskej komunistickej strany, hoci ho o to opakovane žiadali Picasso a Simone Signoretová. Držal sa tiež ďalej od Picassa, ktorého postoje oceňoval čoraz menej a ktorého Maïa Plissetskaïa neskôr označila za chuligána. Odmietol pozvanie do hotela La Californie v Cannes a namiesto toho sa rozhodol žiť so svojím novým parížskym obchodníkom Aimé Maeghtom v Saint-Paul-de-Vence. Napriek tomu sa obaja maliari snažili udržiavať vzájomný kontakt. Keď Braque v roku 1945 podstúpil operáciu dvojitého žalúdočného vredu, Picasso ho navštevoval každý deň a napriek jeho odstupu sa naďalej snažil získať jeho súhlas.24. decembra 1950 zomrela jeho sestra Henriette.
Od roku 1951 sa začalo akési zmierenie. Françoise Gilotová Braquea často navštevovala, dokonca aj po jeho odlúčení, a predstavila mu svojho syna Clauda Picassa, vtedy tínedžera, ktorý sa tak veľmi podobal na svojho otca, že Braqueovi vyhŕkli slzy: chlapec bol živým portrétom jeho vtedajšieho „spoločníka na lane“. Skutočná povaha puta medzi oboma maliarmi zostáva nejasná. Podľa Braquea nešlo o umeleckú spoluprácu, ale o „spojenie v nezávislosti“.
Po dvojročnej rekonvalescencii sa Braque opäť prebral a vystavoval v Stedelijk Museum v Amsterdame a potom v Bruseli v Palais des Beaux-Arts. V roku 1947 bol v Tate Gallery v Londýne. V tom istom roku sa Aimé Maeght stáva jeho novým parížskym predajcom a vydáva prvé vydanie Cahiers G. Braque.
V roku 1948 na Bienále v Benátkach, kde predstavil sériu Biliard, získal Grand Prix za celé svoje dielo. Nasledovala séria výstav, najmä v MoMA v New Yorku, ktoré zavŕšili medzinárodné uznanie jeho diela. Paul Rosenberg mu usporiadal ďalšiu výstavu vo svojej newyorskej galérii v roku 1948.
Od roku 1949 začal maliar tvoriť sériu Ateliéry, sériu ôsmich obrazov na tú istú tému, ktoré sú v stave neustálej nedokončenosti. Tieto večne prepracované plátna sú skutočným trápením pre vydavateľov katalógov, najmä pre anglického výtvarného kritika Johna Richardsona, ktorý má veľké problémy s ich datovaním vo svojom článku The Ateliers of Braque. Braque totiž neustále mení obsah a číslovanie obrazov v tejto sérii. Ak porovnáme fotografiu ateliéru VII (1952-1956) od Roberta Doisneaua vo Varengeville, vidíme, že bol upravený, maliar premiestnil predmety a stal sa z neho ateliér IX. Posledný stav tohto obrazu je prezentovaný v Grand Palais v roku 2013, olej na plátne (146 × 146 cm), Centre Georges Pompidou.
Vták, ktorého prítomnosť vnáša do šiestich z ôsmich diel nový rozmer, sa objavil v Ateliéri IV, 1949, olej na plátne (130 × 195 cm), súkromná zbierka, s roztiahnutými krídlami a zaberajúcimi tretinu plochy. Jedným z najčastejšie reprodukovaných diel je Ateliér I, 1949, olej na plátne (92 × 73 cm), súkromná zbierka. Je na ňom obraz v obraze a veľký biely džbán „v kľúčovej dierke“. Ateliér VIII je najčelnejší a farebne najvyšší zo série (132,1 × 196,9 cm), Fundación Masaveu, Oviedo.
Poradie datovania ateliérov, ktoré sa nakoniec zachovalo aj pre poslednú retrospektívu z roku 2013, stanovila Nicole Worms de Romilly vo svojom Catalogue raisonné de l’œuvre de Braque (vydal Maeght, sedem zväzkov, publikovaných v rokoch 1959 až 1982). Les Ateliers sa od januára 1949 zúčastnili na retrospektíve usporiadanej v Múzeu moderného umenia v New Yorku a v Clevelandskom múzeu umenia, ku ktorej Jean Cassou napísal katalóg.
V roku 1955 poslal anglický maliar a kritik Patrick Heron Braqueovi svoju knihu The Changing Forms of Art (Meniace sa formy umenia), v ktorej opisuje ateliéry a najmä Billardy ako súbory rovných plôch, z ktorých sa rodí priestor, kombinovaný s rovnými, diagonálnymi, čiastočne zakopanými líniami, pohrávajúcimi sa s kubistickou geometriou. Braque odpovedal: „Dal som si preložiť niekoľko pasáží z vašej knihy o maľovaní, ktorú som si so záujmom prečítal. Otvárate oči tým, ktorých bežná kritika vedie na scestie.
Paulhan poznamenáva, že Braque je jedným z mála maliarov, ktorí nenamaľovali svoj vlastný autoportrét, a je prekvapený, že o mužovi, ktorý bol ako dôstojník a potom ako veliteľ v roku 1951 jednomyseľne vyznamenaný Radom čestnej légie, sa vie tak málo. „Slávu prijíma pokojne. Vidím, že všetky tieto anekdoty sú skromné. Áno, ale je to aj tým, že u Braquea je anekdotický človek dosť tenký. Muž je inde.
Braque bol pekný muž, fotografoval ho Robert Doisneau vo Varengeville v rôznych situáciách: na vidieku. Maliara portrétoval aj Man Ray, ktorý ho často fotografoval v rokoch 1922 až 1925, a kreslil ho jeho priateľ Giacometti a Henri Laurens, keď bol v roku 1915 ešte obviazaný. Inšpiroval aj fotografku Mariette Lachaud, ktorej výstava štyridsiatich fotografií sa konala vo Varengeville v auguste 2013. Braque bol tiež športovec, nadšený športom a anglickým boxom. V roku 1912 sa tešil povesti boxera a v roku 1997 anglický umelecký kritik John Russell v denníku The New York Times pripomenul jeho majstrovstvo v anglickom boxe.
Maliar sa však viac zaujímal o svoju maľbu ako o svoj obraz. „Bol by som v rozpakoch, keby som mal rozhodnúť, či je Braque najinvenčnejším alebo najrozmanitejším umelcom našej doby. Ale ak je veľký maliar ten, kto dáva najostrejšiu a najvýživnejšiu predstavu o maľbe, potom je to bez váhania Braque, ktorého beriem za svojho patróna.
Posledných niekoľko rokov
V roku 1952 poveril Georges Salles, riaditeľ francúzskych múzeí, Georgesa Braquea výzdobou stropu v miestnosti Henricha II. v múzeu Louvre, ktorá pochádza z roku 1938 a má sa renovovať. Téma zvolená maliarom : Les Oiseaux (Vtáky) sa do miestnosti výborne hodili a aj tí, ktorí sa zdráhali spojiť moderné a staré umenie, sa nakoniec nechali zlákať. V roku 1953 bola slávnostne otvorená stropná výzdoba. Umelec dokázal preniesť intímnu tému, ktorá mu bola blízka, do monumentálnej roviny. Problém, ktorý predstavovala obrovská podpora, vyriešil použitím širokých plochých farebných tónov, ktoré celku dodávajú silný a jednoduchý vzhľad. Picasso bol deprimovaný, že nebol vybraný pre tento projekt, a tvrdil, že Braque skopíroval jeho holubice.
Braque veľa tvoril, ale zo svojho útočiska vo Varengeville-sur-mer vychádzal von len veľmi málo. Vzdal sa Provence. Navštevovali ho mladí maliari, najmä Jean Bazaine. Predovšetkým však Nicolas de Staël, ktorého intenzívne podporoval a ktorého samovražda v roku 1955 ho veľmi zasiahla. Nicolas de Staël mal taký obdiv k Braqueovi, že napísal americkému kritikovi a zberateľovi umenia Davidovi Cooperovi: „Vždy vám budem neskonale vďačný za to, že ste vytvorili túto atmosféru, v ktorej Braqueova rétorika dostáva svetlo o to lepšie, že odmietla svoj veľký lesk, kde sa jeho obrazy v blesku prirodzene dostávajú od Sofokla k dôvernému tónu Baudelaira, bez naliehania a pri zachovaní veľkého hlasu. Je jedinečný. Okrem priateľstva mali Staël a Braque v tom čase niečo spoločné aj v prístupe k maľbe.
Duncan Phillips, ktorý bol do Braqua „zaľúbený“, vlastní vo Phillipsovej zbierke aj mnoho Staëlových diel. Braqueov neočakávaný návrat k figurálnym krajinkám medzi Les Ateliers a Les Oiseaux je v istom zmysle zaviazaný výmene so Staëlom. Tieto krajiny z posledných rokov (1957-1963), ktoré fascinovali jeho najbližšieho priateľa Alberta Giacomettiho, sú väčšinou malých, podlhovastých formátov: Marine, 1956 (26 × 65 cm), súkromná zbierka), Le Champ de colza, 1956 (30 × 65 cm), so zjavným odkazom na Vincenta van Gogha, ktorého obdivoval. Staël vytvoril aj obrazy odkazujúce na van Gogha: Let čajok je tiež poctou obrazu Vincenta van Gogha Pšeničné pole s vranami, ktorému Braque okolo roku 1957 vzdal hold obrazom Vtáci v pšenici, olej na plátne (24 × 41 cm), v podobnom štýle ako Staël. Krajina, 1959 (21 × 73 cm), ale aj väčšie diela ako Pluh, 1960 (84 × 195 cm) a Plevník (1961), na ktorom Braque pracoval každé leto od roku 1930, je posledným Braquovým obrazom. V súčasnosti sa nachádza v Musée d’Art Moderne de Paris v Centre Pompidou. Keď 31. augusta 1963 zomrel, stále ležal na stojane v jeho ateliéri vo Varengeville. Zobrazuje krajinu Pays de Caux medzi Le Havre a Dieppe, ktorá je strohá a končí strmými útesmi pri mori. Obraz akoby pripomínal posledný obraz Vincenta van Gogha, Pšeničné pole s vranami (1890). „Kľud zúfalo unikal van Goghovi. Braque sa o to usiloval a skutočne sa mu to podarilo.
Od roku 1953 Braque znásobil svoje odkazy na let, na vtáky. Tie sa nachádzajú v Ateliéri IX (1952-1956) s veľkými krídlami, ktoré tu a tam narúšajú priestor. Počas týchto rokov vtáky napadli jeho prácu. Ale až v Ateliéri VIII (1952-1955) získal vták v lete svoju belosť. L’Oiseau et son nid, 1955-1956 (130,5 × 173,5 cm), Centre Pompidou, Paríž, je abstraktne vyrezaný na hnedom pozadí. Predstavuje dôležitú etapu v Braqueovej tvorbe, pretože predznamenáva profilovaného vtáka na obraze À tire d’aile, 1956-1961 (114 × 170,5 cm), Centre Pompidou, Paríž), ktorý je apoteózou maliarskeho diela o vtákoch. Umelec sa vybral pozorovať vtáčiu rezerváciu v Camargue a obdivoval let ružových plameniakov: „Videl som veľké vtáky, ako letia okolo. Z tejto vízie som nakreslil vzdušné formy. Vtáky ma inšpirovali. Samotný koncept, po šoku z inšpirácie, ktorý ich prinútil vzísť v mojej mysli, tento koncept musí zaniknúť, aby ma priblížil k tomu, čo ma zaujíma: ku konštrukcii obrazovej skutočnosti. Maliar štylizuje a potom spracúva formy v plochých odtieňoch tak, že ich zjednodušuje do krajnosti.
Čierni vtáci (1956-1957 alebo 1960, v závislosti od zdroja (129 × 181 cm), zbierka Adriena Maeghta, sú predstaviteľmi dokončeného „vtáčieho konceptu“, rovnako ako À tire d’aile, 1956-1961 (129 × 181 cm), Centre Pompidou, Paríž. Na obraze Les Oiseaux, 1960 (134 × 167,5 cm) je tento koncept redukovaný na takmer abstraktné znaky hrajúce sa so svetlom. Braque mal svojich vtákov veľmi rád a choval ich až do svojej smrti. L’Oiseau et son nid, olej a piesok na plátne (130,5 × 173,5 cm), Centre Georges Pompidou. „Vták a jeho hniezdo“, ktorý si ponechal až do svojej smrti, je Braquovým najlepším autoportrétom.
V 50. a 60. rokoch 20. storočia bolo Braqueovo dielo predmetom mnohých výstav vo Francúzsku aj v zahraničí, v roku 1952 v Národnom múzeu v Tokiu, v Kunsthalle v Berne a v Kunsthause v Zürichu v roku 1953. Ale zatiaľ čo v roku 1956 bola usporiadaná obrovská výstava jeho diel na Medzinárodnom festivale v Edinburghu a potom v Tate Gallery v Londýne, on zostal vo svojom ateliéri v Paríži a opustil ho len preto, aby odišiel do Varengeville. Spokojne posielal svoje stále viac „okrídlené“ plátna. Edinburská výstava sa však rozprestierala v dvadsiatich troch miestnostiach a obsahovala osemdesiatdeväť obrazov, ktoré prilákali veľmi početné publikum. V nasledujúcom roku boli jeho sochy zaslané do múzea v Cincinnati a neskôr v Ríme, kde boli vystavené na prelome rokov 1958 a 1959, získal cenu Antonia Feltrinelliho, ktorú udeľuje Akadémia výtvarných umení. V rokoch 1959 až 1963 Braque, ktorý v roku 1950 spolu s Jeanom Signovertom vytvoril rytiny Milarépa pre vydavateľstvo Maeght, pracoval aj na knihách pre umelcov: s Pierrom Reverdym La Liberté des mers, s Frankom Elgarom La Résurrection de l’oiseau (1959), s Apollinairom Si je mourais là-bas, so Saint-Johnom Persom L’Ordre des oiseaux (1962), s René Chárom Lettera Amorosa (1963).
Braque je jedným z najvýznamnejších maliarov v dejinách maliarstva. Ovplyvnil nové generácie umelcov. Po výstave v londýnskej galérii Tate v roku 1946, ktorú Patrick Heron označil za „zle pripravenú“, „umelci v núdzi začali po celom Anglicku, bez vedomia arogantných kritikov, maľovať zátišia so sleďmi“. Medzi maliarmi ovplyvnenými Braquom Alex Danchev uvádza Bena Nicholsona, Johna Pipera alebo Bryana Wintera a Američanov Williama Congdona a Ellswortha Kellyho. Françoise Gilotová bola obklopená Braquovými dielami a na Juilliard School v New Yorku absolvovala kurz dejín umenia s názvom „Bach to Braque and Beyond“.
Georges Braque vytvoril aj vitráže: sedem vitráží pre kaplnku Saint-Dominique a vitráž znázorňujúcu strom Jesse vo farskom kostole Saint-Valéry vo Varengeville-sur-Mer v roku 1954, ako aj sochu na dverách svätostánku v kostole v Assy v roku 1948. Posledná výstava jeho diel vo Francúzsku sa konala v Musée des Arts Décoratifs v Paríži od 22. marca do 14. mája 1963. Sú reprodukované na mnohých stránkach: tu. V tom istom roku sa v Mníchove konala veľká retrospektívna výstava, ktorá od 12. júna do 6. októbra predstavila celé jeho dielo.
Zomrel 31. augusta 1963 vo svojom dome v 14. parížskom obvode. Alberto Giacometti, ktorý prišiel nakresliť jeho pohrebný portrét, napísal: „Tento večer sa pre mňa celé Braqueovo dielo stáva opäť aktuálnym. Z celej jeho tvorby sa s najväčším záujmom, zvedavosťou a emóciami pozerám na malé krajinky, zátišia a skromné kytice z posledných rokov, z tých úplne posledných rokov. Štátny pohreb umelca sa konal 3. septembra. André Malraux prednáša svoj smútočný prejav pred kolonádou Louvru.
Georges Braque bol pochovaný nasledujúci deň na námornom cintoríne vo Varengeville-sur-Mer. Jeho manželka Marcelle Lapré, narodená 29. júla 1879 v Paríži, bola o tri roky staršia ako maliar. Zomrela dva roky po ňom, ale ešte predtým, „v roku 1965, krátko pred jeho smrťou a v súlade s manželovým želaním, darovala Madame Braque štrnásť obrazov a päť sôch, ktoré maliar nechcel vidieť opustiť Francúzsko. Je pochovaná vedľa svojho manžela na námornom cintoríne vo Varengeville.
Postimpresionistické obdobie
Mnohé obrazy z postimpresionistického obdobia boli po lete 1904 pri Pont-Aven zničené samotným umelcom, s výnimkou portrétu Fillette bretonne. Najstarším doteraz vystaveným obrazom je Le Parc Monceau (1900), Parc Monceau na mieste múzea Georges-Braque v Saint-Dié-des-Vosges.
Fauvistické obdobie (1905-1907)
Umelca vtiahol do fauvistického systému jeho obdiv k vtedajšiemu „vodcovi fauvistov“ Henrimu Matissovi – ktorý mu ho takmer neopätoval -, ale predovšetkým priateľstvo s Othonom Frieszom, André Derainom a Raoulom Dufym, ktorí ho podnietili k činnosti. Nakoniec v roku 1906 na Salóne nezávislých vystavil sedem fauvistických obrazov, ktoré nemali úspech a ktoré zničil. Veľmi produktívny Braque začal obdobie rozkvetu: jeho diela následne zakúpili mnohé múzeá. Väčšina jeho diel sú krajinky, napríklad Mât dans le port d’Anvers, 1906, olej na plátne (46,5 × 38,4 cm), Centre Georges-Pompidou, Bateau à quai, Le Havre, 1905 (54 × 65 cm), Museum of Modern Art, New York, pozri obraz vystavený v roku 2009 v Musée des Beaux-Arts de Bordeaux), Paysage à l’Estaque, 1906 (60,3 × 72,7 cm), Art Institute of Chicago, pozri Paysage à l’Estaque. A tiež akty: Femme nue assise, 1907, olej na plátne (55,5 × 46,5 cm), Musée national d’art moderne, Paríž. Popis Sediaci akt ženy a sediaci akt, 1907, olej na plátne (61 × 50 cm), zbierka Samira Traboulsiho.
Analytický kubizmus (1907 až 1912)
Braqueovo kubistické obdobie sa začalo najmä krajinkami, ako napríklad Le Viaduc à l’Estaque (1907) alebo Route près de l’Estaque, a predovšetkým Maisons à l’Estaque, ktorú Matisse a neskôr Louis Vauxcelles vyhlásili za kubistickú maľbu, hoci maliar považoval Les Instruments de musique za svoj prvý skutočne kubistický obraz. Diskusie o kubizme sú stále zmätené, najmä preto, že Braqueova extrémna diskrétnosť umožnila jeho „kamarátovi na lane“ monopolizovať všetky úlohy. Každý z nich však zostal „predobrazom“ toho druhého počas celej Braqueovej a Picassovej lanovej dráhy, od roku 1911 do roku 1912, v období analytického aj syntetického kubizmu.
Vzťahy medzi oboma maliarmi sa trochu naštrbili, keď Braque vytvoril svoj prvý papier collé v Sorgues: Compotier et verre, 1912, olej a piesok na plátne (50 × 65 cm), súkromná zbierka, prvý papier collé pod týmto názvom, po ktorom nasledovalo veľké množstvo ďalších papier collé, ktoré postupne viedli k syntetickému kubizmu.
Syntetický kubizmus (1912 až 1917-1918)
Presné rozdelenie medzi analytickým a syntetickým obdobím sa u rôznych životopiscov líši. Niektorí do tohto obdobia zaraďujú lepené papiere od Compotier et verre (1912), ktoré vedú k obdobiu „Braque le vérificateur“, kam patrí aj Compotier et cartes (1913), po ktorom nasleduje plodná séria „Machines à voir“: Le Petit Éclaireur (1913). V tomto období, v ktorom Braque starostlivo zdokonaľoval svoju maľbu, nájdeme olejomaľby: Husle a klarinet (1913), Zátišie s fajkou (1914), Muž s gitarou (1914).
Katalóg výstavy Georges Braque 2013 v Grand Palais venuje samostatnú kapitolu papierovým kolážam z rokov 1912 až 1914, od Compotier et verre (1912) po La Bouteille de rhum (1914). Potom sa vraciame k zmiešaným technikám na plátne v diele Compotier et cartes (1913) alebo Cartes et dé (1914). Papierové koláže by sa dali považovať za kubistickú medzihru medzi „analytickým“ a „syntetickým“.
Medzi hlavné diela tohto obdobia patria Husle a píšťala LE QUOTIDIEN (1913-1914) alebo La Guitare: „Statue d’épouvante“ (1913), ale predovšetkým zátišia, keď sa Braqueovi vrátil zrak po dlhom období slepoty spôsobenej vojnovým zranením: La Joueuse de mandoline, 1917 (92 × 65 cm), Musée de Lille métropole), La Musicienne (221,3 × 113 cm, 1917-1918, Kunstmuseum, Basel.
Od roku 1919 do roku 1932
Hoci si Braque zachoval prísnosť kubizmu, odklonil sa od abstrakcie prostredníctvom zátiší, ktorých motívy sú položené v plochých odtieňoch a ktorých farby sú postupom času čoraz živšie. Striedanie rôznych rovín, ako napríklad na obraze Compotier avec grappe de raisin et verre (1919), Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, Paríž, sa uskutočňuje pomocou hrubých past a stuhnutých línií, ktoré vytvárajú dojem miery, ktorý je pre Braquea charakteristický. S pribúdajúcimi rokmi sa jeho návrat k farbe stával čoraz výraznejším, od Gitara a zátišie na kozubovej doske, 1921, olej na plátne (130,5 × 74,3 cm), Metropolitné múzeum umenia, Gitara a zátišie na kozubovej doske alebo Gitara a sklo, 1921, olej na plátne (43 × 73 cm), Centre national d’art et de culture Georges Pompidou, Paríž, až po čoraz väčšie formáty, ako napr: Gitara a fľaša hroznovej šťavy na stole, 1930, olej na plátne (130,5 × 75 cm), Clevelandské múzeum umenia, Gitara a fľaša hroznovej šťavy). Jeho obľúbenými témami boli ovocie, kvety a predmety. Zdá sa, že sa ku kubizmu obrátil chrbtom. V zátišiach ako Veľký stôl na podstavci, tiež s názvom Okrúhly stôl, 1928-1929, olej a piesok na plátne (147 × 114 cm), zbierka Phillips) alebo Veľký stôl na podstavci (Okrúhly stôl), ktoré niektorí považujú za „regresiu“, iní za „prepychový pokrok“, maliar praktizoval svoje umenie zmyselným spôsobom a v tomto období vytvoril svoje najzmyselnejšie diela.
Od roku 1932 do roku 1944
Dialektika foriem, ktoré sú zároveň „naturalistické a abstraktné“, ako ich definoval Christian Zervos, nadobúda novú šírku variáciami na tému Le Guéridon, ktoré sa začali v roku 1928: Le Guéridon, olej na plátne (197,7 × 74 cm), Múzeum moderného umenia, New York, z ktorých Braque vytvoril sériu v rokoch 1936 až 1939, vrátane Le Grand Guéridon, tiež s názvom La Table ronde, olej na plátne, The Phillips Collection, ktoré je podľa Bernarda Zurchera najimpozantnejším plátnom zo série, Le Guéridon (SFMOMA), San Francisco Museum of Modern Art, Le Guéridon rouge (začaté 1939, revidované do roku 1952, Centre Pompidou). Počas tohto obdobia umelec zhromažďoval poznámky, skice a kresby, ktoré pôsobia klamlivým dojmom náčrtov pre budúce obrazy, hoci sú skôr výskumom maliara v neistote. Umelec tápe, hľadá dno vecí, a hoci každá stránka na grafickom papieri je veľmi zaujímavá pre pochopenie jeho postupu, nikdy nebola publikovaná. K trápeniu z vojny sa pridáva úzkosť z toho, že nemá žiadne správy o svojom dome vo Varengeville a obrazoch, ktoré sú tam uložené. Ale po strohých dielach ako Ryba alebo Sporák, 1942-1943, Yale University Art Gallery, Veľký interiér s paletou, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. V tomto období začal pracovať aj na sochách: Hymen, Hesperis, Koník, ryté sadrové odliatky, ako aj na keramike, kým dospel k sérii Biliard, ktorá sa považuje za jednu z umelcových hlavných tém.
Od roku 1944 do roku 1963
Braque bol vo Varengeville, keď nemecké vojská prekročili Maginotovu líniu. Manželia sa najprv uchýlili do Limousinu k Lachaudovcom, potom do Pyrenejí a potom sa vrátili do Paríža, kde strávili celú vojnu v ateliéri, ktorý postavil Auguste Perret na ulici Douanier . V roku 1940 maliar vytvoril len málo. Až od roku 1941 vytvoril dve impozantné série, strohé plátna s tematikou kuchyne a kúpeľne: Kuchynský stôl s grilom, Sporák, Toaleta so zelenými dlaždicami a obrovský Grand intérieur à la palette. Táto prísnosť však netrvala dlho. Od roku 1946 s Tournesolom nechal Braque farby prepuknúť.
Posledné roky maliarskej kariéry, od konca vojny až do večera jeho smrti, boli podľa Johna Goldinga najžiarivejšie. Mnohí anglickí umeleckí kritici vďačili za jeho sériu Biliardy, potom za sériu Ateliéry a tiež za krajinky vytvorené v roztiahnutých a úzkych formátoch, ktoré boli vystavené v Kráľovskej akadémii v Londýne v roku 1997, Braque, The Late Works. Výstava bola následne prezentovaná v Menil Collection, ktorá vydala katalóg. Vo Francúzsku sa o tejto udalosti hovorilo len málo, ako ukazuje krátky článok v denníku L’Express. Posledné roky maliar venoval aj poézii, litografiami ilustroval vzácne knihy, ako napríklad L’Ordre des Oiseaux (1962) od Saint-Johna Persea. Hlavnou témou posledných rokov boli určite vtáky, ktorých apoteózou sú veľmi veľké čierne vtáky. Napriek svojej zdanlivej jednoduchosti a odvahe sa tento rad vtákov vymyká opisu a analýze. Braque povedal:
„Definovať niečo znamená nahradiť definíciu vecou. V umení je len jedna vec, ktorá má skutočnú hodnotu, a to je to, čo sa nedá vysvetliť. Braque, Braque’s Notebook, cituje John Golding .
Les Bijoux de Braque (1961-1963)
„V roku 1961, keď sa Braque cítil čoraz horšie a nemohol dlho pracovať na svojich obrazoch, súhlasil, že prevezme kresby, ktoré sa použijú ako predlohy pre šperky, najmä onyxové kamélie vsadené do prsteňov. Jeden daroval svojej manželke, ktorý predstavoval profil Hekaty Reprodukcia Hekaty v brošni, Gvaš a reprodukcia Hekaty v brošni, a jeden nosil sám ako pečatný prsteň počas posledného roka svojho života: La Métamorphose d’Eos, oiseau blanc predstavujúci úsvit.“
Sochy, tapisérie, ryté omietky
Posledným dielom Metamorfóz je kvaš, ktorý maliar vytvoril v roku 1963 (38 × 33 cm) na znak pocty a priateľstva s Pablom Picassom pod názvom Les Oiseaux bleus (Pocta Picassovi). Toto dielo bolo použité po maliarovej smrti. Tapisériu (195 × 255 cm), ručne vyrobenú v šiestich exemplároch, predal na aukcii dom Millon, kde je jasne uvedené „podľa Georgesa Braquea“. Ten istý gvaš bol vyhotovený ako bronzová socha s modrou a čiernou patinou, vyrobená v 8 exemplároch (58 × 255 cm) a predaná na aukcii v aukčnom dome v Cannes a v Millon v Paríži.
Štyridsať rokov nemal Georges Braque vo Francúzsku retrospektívu, až kým sa v rokoch 2013-2014 neuskutočnila výstava v Grand Palais. Ide o veľmi rozsiahlu výstavu s približne 236 odkazmi vrátane kresieb, sôch a fotografií. Je ťažké zhromaždiť všetky diela na jednom mieste, najmä preto, že Grand Palais stále venuje retrospektívu Cartierovým šperkom od 4. decembra 2013 do 6. februára 2014.
Doplnkové výstavy vzdávajú hold ďalším Braquovým dielam v rovnakom období 2013-2014. Klenoty z kvašov, ktoré umelec vytvoril v rokoch 1961 až 1963, boli vystavené v Múzeu Georgesa Braquea v Saint-Dié-des-Vosges od 29. júna do 15. septembra 2013, umelcove grafiky a rytiny sú v súčasnosti vystavené v umeleckom centre La Malmaison v Cannes od 4. decembra 2013 do 26. januára 2014, Château-Musée de Dieppe venuje Braqueovým grafikám výstavu od 25. novembra 2013 do 5. januára 2014.
Na základe dvojitej výstavy Braque, the Late Years, 1997, Londýn a Houston, zostavil anglický historik umenia John Golding raisonné katalóg Braqueových diel. Jeho diela neboli zahrnuté do katalógov raisonnés vydávaných Maeghtom, ktorý prestal vychádzať v roku 1957, na veľké rozhorčenie Alexa Dančeva.
V roku 2008 sa vo Viedni konala retrospektíva 80 Braqueových diel v Bank Austria Kunstforum, umeleckom centre, ktoré sa nachádza v bývalej budove Bank Austria, ktorá je hlavným sponzorom.
Bibliografia
Dokument použitý ako zdroj pre tento článok.
