Édouard Manet

gigatos | Gennaio 16, 2022

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Riassunto

Édouard Manet, nato il 23 gennaio 1832 a Parigi e morto il 30 aprile 1883 nella stessa città, è stato un importante pittore e stampatore francese della fine del XIX secolo. Fu un precursore della pittura moderna, che liberò dall”accademismo, ed è erroneamente considerato come uno dei padri dell”impressionismo: si differenzia da esso in quanto il suo stile si occupa della realtà e fa poco o nessun uso delle nuove tecniche del colore e del trattamento particolare della luce. Vi si avvicinò tuttavia in certi temi ricorrenti come i ritratti, i paesaggi marini, la vita parigina e le nature morte, mentre allo stesso tempo dipinse a modo suo scene di genere in un primo periodo: soggetti spagnoli dopo Velázquez e odalische dopo Tiziano.

Si rifiutò di studiare legge e non riuscì a diventare un ufficiale della marina. Nel 1850, il giovane Manet entra nello studio del pittore Thomas Couture dove si forma come pittore, lasciandolo nel 1856. Nel 1860, presenta i suoi primi dipinti, tra cui il Ritratto dei coniugi Auguste Manet.

I suoi quadri successivi, Lola de Valence, La Femme veuve, Combat de taureau, Le Déjeuner sur l”herbe e Olympia, fecero scandalo. Manet è stato rifiutato dalle mostre ufficiali, ed è stato protagonista della “bohème élégante”. Lì incontrò artisti che lo ammiravano, come Henri Fantin-Latour e Edgar Degas, e letterati come il poeta Charles Baudelaire e il romanziere Émile Zola, di cui fece il ritratto: Portrait d”Émile Zola. Zola difese attivamente il pittore in un momento in cui la stampa e la critica inveivano contro Olympia. In questo periodo, dipinse Il suonatore di piffero (1866), il soggetto storico de L”esecuzione di Massimiliano (1867) ispirato all”incisione di Francisco de Goya.

La sua opera comprende paesaggi marini come Clair de lune sur le port de Boulogne (1869) o corse: Les Courses à Longchamp del 1864, che valsero al pittore l”inizio del riconoscimento.

Dopo la guerra franco-prussiana del 1870, alla quale prese parte, Manet sostenne gli impressionisti, tra i quali ebbe amici stretti come Claude Monet, Auguste Renoir e Berthe Morisot, che divenne sua cognata e il cui famoso ritratto, Berthe Morisot con un mazzo di violette (1872), fu uno di quelli che fece di lei. In contatto con loro, abbandonò in parte la pittura in studio per la pittura plein air ad Argenteuil e Gennevilliers, dove possedeva una casa. La sua tavolozza divenne più chiara, come dimostra Argenteuil nel 1874. Tuttavia, conserva il suo approccio personale, basato su una composizione accurata e sulla preoccupazione per la realtà, e continua a dipingere numerosi soggetti, in particolare luoghi di svago come Au Café (1878), La Serveuse de Bocks (1879) e la sua ultima grande tela, Un bar aux Folies Bergère (1881-1882), ma anche il mondo degli umili con Paveurs de la Rue Mosnier o autoritratti (Autoportrait à la palette, 1879).

Manet riuscì a dare nobiltà alle nature morte, un genere che fino ad allora aveva occupato un posto decorativo e secondario nella pittura. Verso la fine della sua vita (1880-1883), si concentrò sulla rappresentazione di fiori, frutta e verdura, applicando loro accordi di colore dissonanti in un momento in cui il colore puro stava morendo, cosa che André Malraux fu uno dei primi a sottolineare in Les Voix du silence. Il più rappresentativo di questa evoluzione è L”Asperge, che mostra la sua capacità di andare oltre ogni convenzione. Manet ha anche moltiplicato i suoi ritratti di donne (Nana, La Blonde aux seins nus, Berthe Morisot) o di uomini che facevano parte del suo entourage (Stéphane Mallarmé, Théodore Duret, Georges Clemenceau, Marcellin Desboutin, Émile Zola, Henri Rochefort). A partire dagli anni 1880, ottenne un crescente riconoscimento. Fu insignito della Légion d”honneur il 1° gennaio 1882. Tuttavia, vittima della sifilide e dei reumatismi, dal 1876 soffriva alla gamba sinistra, che alla fine dovette essere amputata.

Nel 1883, Édouard Manet morì all”età di 51 anni di sifilide e cancrena, che contrasse a Rio de Janeiro, lasciando più di quattrocento dipinti, pastelli, schizzi e acquerelli. Le sue più grandi opere possono essere viste nella maggior parte dei musei del mondo, specialmente il Musée d”Orsay di Parigi.

Né impressionista né realista, Manet rivolgeva domande senza risposta ai critici d”arte:

“È l”ultimo dei grandi pittori classici o il primo dei rivoluzionari? Era l”enfant terrible della grande arte persistente, l”allievo un po” malizioso dei maestri, il restauratore della vera tradizione oltre quella insegnata alla Scuola di Belle Arti? – O il grande precursore, l”iniziatore della pittura pura? Certo, tutte queste cose allo stesso tempo, (risponde Françoise Cachin), e in proporzioni che solo le alternanze del gusto possono giudicare.

Infanzia

Édouard Manet nasce il 23 gennaio 1832 al 5 di rue des Petits-Augustins, nel quartiere di Saint-Germain-des-Prés, in una famiglia borghese parigina. Suo padre, Auguste (31 agosto 1796-25 settembre 1862), era un alto funzionario del Ministero della Giustizia. Secondo i suoi biografi, è stato capo dello staff del ministro della giustizia o segretario generale del ministero della giustizia. La madre di Édouard, Eugénie Désirée Manet (nata Fournier) (11 febbraio 1811-8 gennaio 1885), era la figlia di un diplomatico inviato a Stoccolma e la figlioccia del maresciallo Bernadotte.

Benché cresciuto in una famiglia austera, il giovane Édouard scopre rapidamente il mondo dell”arte grazie all”influenza di uno zio monarchico piuttosto eccentrico (il bambino assiste alle sue discussioni politiche con il padre, fervente repubblicano), il capitano Édouard Fournier, che introduce i suoi nipoti Édouard ed Eugène, suo fratello, ai grandi maestri delle gallerie del Museo del Louvre, portandoli a visitare in particolare la Galleria Spagnola.

All”età di dodici anni, Édouard Manet fu mandato al Collège Rollin, oggi Collège-lycée Jacques-Decour, situato all”epoca in rue des Postes (oggi rue Lhomond), nel quartiere di Val-de-Grâce dove viveva la sua famiglia, non lontano dai Giardini del Lussemburgo. Il suo insegnante di storia era il giovane Henri Wallon, il cui emendamento sarebbe poi diventato la pietra miliare della Terza Repubblica. La scuola di Manet sembra essere stata deludente: il giovane ragazzo era regolarmente dissipato, poco diligente e talvolta mostrava insolenza. Il suo compagno di classe Antonin Proust riporta, per esempio, un alterco tra il futuro pittore ribelle e Wallon a proposito di un testo di Diderot sulla moda: il giovane avrebbe esclamato che “bisogna essere del proprio tempo, fare ciò che si vede senza preoccuparsi della moda”.

Ben poco si sa della prima infanzia di Manet, che viene riassunta in poche pagine, con riferimento alla sua famiglia, benestante in tutte le biografie, da quella di Théodore Duret a quelle più recenti, che evocano rapidamente l”ambiente familiare prima di passare all”adolescenza e poi al pittore stesso: “L”artista riceve per quattro anni 20.000 fr di affitto annuale su un pezzo di terra ereditato alla morte del padre nel 1862; non ha bisogno di guadagnarsi da vivere in quel periodo, anche se sua madre sembra aver preso misure per fermarlo sulla china rovinosa che ha intrapreso. “

In realtà, molto è sconosciuto sull”intimità di Manet in generale, dato che l”artista ha fatto di tutto per erigere barriere per preservarla e per preservare la correttezza.

Studi e apprendistato nel laboratorio di cucito

Manet ottiene risultati decenti al collegio Rollin, dove incontra Antonin Proust, i cui ricordi saranno preziosi per la conoscenza dell”artista. Durante questo periodo, Proust e Manet andavano spesso al Louvre sotto la guida dello zio materno di Manet, il capitano Édouard Fournier, che incoraggiava il talento del nipote. Manet lasciò il collegio Rollin nel 1848 e fece domanda per entrare in marina, ma fallì il concorso Borda. Decise allora di lavorare come pilota su una nave scuola diretta a Rio de Janeiro.

Si imbarcò il 9 dicembre 1848, a Le Havre su Le Havre e Guadalupa, il viaggio durò fino al giugno 1849. Manet tornò con una moltitudine di disegni; durante il viaggio fece ritratti e disegni di tutto l”equipaggio, così come caricature dei suoi compagni e ufficiali. Ha contratto la sifilide a Rio. Al suo ritorno a Le Havre, fallisce per la seconda volta l”esame di ammissione alla Scuola Navale; la sua famiglia è d”accordo sul fatto che debba intraprendere la carriera artistica.

I suoi viaggi in barca gli ispirarono più tardi dei paesaggi marini con scene portuali (Clair de lune sur le port de Boulogne, 1869 – Le Départ du vapeur de Folkestone, 1869) o soggetti storici come Le Combat du Kearsarge et de l”Alabama (1865) o L”Évasion de Rochefort (1881).

Dopo aver fallito il suo secondo concorso per diventare ufficiale di marina, Manet rifiutò di iscriversi alle Beaux-Arts. Entrò con Antonin Proust nel 1850 nello studio del pittore Thomas Couture, dove rimase per circa sei anni. Si registrò come allievo di Couture nel registro dei copisti del Louvre. Ben presto perse la fiducia nel suo maestro, andando contro i suoi insegnamenti.

Thomas Couture fu una delle figure emblematiche dell”arte accademica della seconda metà del XIX secolo, con una marcata attrazione per il mondo antico che gli portò un immenso successo con il suo capolavoro I romani della decadenza al Salon del 1847. Allievo di Gros e Delaroche, Couture era all”apice della sua fama; fu lo stesso Manet a insistere affinché i suoi genitori lo iscrivessero all”atelier del maestro.

Manet dedica la maggior parte di questi sei anni all”apprendimento delle tecniche di base della pittura e alla copia di alcune opere dei grandi maestri esposti al Louvre, in particolare: l”Autoritratto di Tintoretto, Giove e Antiope attribuito a Tiziano, e Helen Fourment e i suoi figli di Peter Paul Rubens. Visitò anche Delacroix, al quale chiese il permesso di copiare la Barca di Dante, allora esposta al Musée du Luxembourg. Ma furono soprattutto i suoi viaggi in Olanda, Italia e Spagna, dove visitò i musei, che completarono la sua formazione e alimentarono la sua ispirazione.

Manet completò la sua formazione con una serie di viaggi in Europa: il Rijksmuseum di Amsterdam conserva una registrazione della sua visita nel luglio 1852. Visitò due volte l”Italia: nel 1853, in compagnia di suo fratello Eugène e del futuro ministro Émile Ollivier, il viaggio gli diede l”opportunità di copiare la famosa Venere di Urbino di Tiziano alla Galleria degli Uffizi di Firenze, e a L”Aia, copiò la Lezione di anatomia di Rembrandt. Manet ha copiato i maestri lì, riportando una copia della Venere di Urbino da Tiziano e della Testa di giovane uomo di Fra Filippo Lippi fatta al museo degli Uffizi. Quello stesso anno, 1853, partì per Roma. Durante il suo secondo viaggio in Italia nel 1857, Manet tornò nella città medicea per disegnare gli affreschi di Andrea del Sarto nel chiostro dell”Annunziata. Oltre ai Paesi Bassi e all”Italia, nel 1853 l”artista visitò la Germania e l”Europa centrale, in particolare i musei di Praga, Vienna, Monaco e Dresda.

L”indipendenza di spirito di Manet e la sua insistenza nella scelta di soggetti semplici sconcerta Couture, che tuttavia chiede al suo allievo un parere su uno dei suoi quadri: Portrait de Mlle Poinsot. Manet fu ispirato dai ritratti di Couture: dipinti con volti illuminati, pittura energica in cui gli elementi della vita moderna erano già evidenti (abiti neri, accessori di moda). Nel 1859, Manet aveva appena terminato Il bevitore di assenzio, che Couture non capì; i due uomini litigarono. Fin dai suoi primi giorni nello studio, Manet disse: “Non so perché sono qui; quando arrivo nello studio, mi sembra di entrare in una tomba”. In realtà, Manet non prese bene l”insegnamento di Couture. Antonin Proust, che era stato suo compagno di studio, ricorda nelle sue memorie: “Manet aveva invariabilmente problemi il lunedì, giorno in cui venivano date le pose per tutta la settimana, con i modelli del maestro, che assumevano atteggiamenti scandalosi – ”Non potete essere naturali”, gridava Manet. Manet lasciò lo studio Couture nel 1856 per trasferirsi nei suoi locali in Rue Lavoisier con il suo amico Albert de Balleroy.

Fu in questo studio che dipinse il ritratto intitolato L”Enfant aux Cerises nel 1859. Il bambino aveva 15 anni quando Manet lo assunse per lavare i suoi pennelli. Fu trovato impiccato nello studio di Manet, dove era stato rimproverato e minacciato di essere rimandato dai suoi genitori. Il pittore, colpito da questo suicidio, si trasferì nel 1860 in un altro posto in Rue de la Victoire, dove non rimase, per poi trasferirsi nuovamente in Rue de Douai. L”episodio drammatico de L”Enfant aux cerises ispirò in seguito Charles Baudelaire a scrivere un poema: La Corde, che dedicò a Édouard Manet.

Manet non ha scelto lo studio di Couture per caso. Nel 1850, si era dato i mezzi per entrare nella sua carriera dalla porta principale. Couture era una figura importante all”epoca, apprezzata dagli amanti dell”arte e sostenuta dalle autorità pubbliche, e aveva raggiunto prezzi molto alti alla fine del 1840. La “lezione Couture” è molto più importante di quanto sia stato ammesso. Il lungo apprendistato di sei anni è stato di vasta portata. “Il pittore di maniere e il pittore politico del realismo controllato lo conservarono tanto quanto il gusto di Couture per le figure della commedia dell”arte e il pittoresco bohémien. Stéphane Guégan nota che il primo grande successo di Couture al Salon del 1844, L”Amour de l”or (Musée des Augustins, Toulouse), è basato sul lato sinistro de Il giudizio di Parigi di Marcantonio Raimondi, mentre Le déjeuner sur l”herbe di Manet si appropria del lato destro della stessa opera di Raimondi. E Couture era chiaramente una delle strade che portavano al Vecchio Musicista. I lati sinistro e destro dell”incisione di Raimondi possono essere confrontati.

Manet era un grande ammiratore di Achille Devéria. Quando visitò il Musée du Luxembourg in compagnia di Auguste Raffet e Devéria, esclamò, vedendo La nascita di Enrico IV di Devéria: “È tutto molto bello, ma nel Luxembourg c”è un capolavoro: La barca di Dante. Se andavamo a vedere Delacroix, usavamo la nostra visita come pretesto per chiedergli il permesso di fare una copia della sua barca.

Henry Murger sosteneva che Delacroix era freddo. Lasciando il suo studio, Manet disse a Proust: “Non è Delacroix che è freddo: è la sua dottrina che è gelida”. Nonostante tutto, copiamo il Barque. È un pezzo”. La Barca di Dante dopo Delacroix è l”unica realizzata da Manet durante la vita dell”artista. È conservato nel Musée des Beaux-Arts di Lione. Una seconda copia, di dimensioni leggermente diverse, si trova al Metropolitan Museum di New York, più libera e colorata. È rimasto nello studio di Manet alla sua morte.

Fu preceduto da Scène d”atelier espagnol, molti elementi del quale furono presi da Les Petits cavaliers espagnols di Velázquez, copiato da Manet e poi inciso come Les Petits cavaliers (acquaforte), acquaforte e puntasecca 1862, una versione del quale è nel Museo Goya a Castres. Il periodo ispanico iniziò quasi all”inizio dell”esordio del pittore. Non tutte le opere di questo periodo sono state trovate, tranne il suo primo Cavalieri spagnoli, 45 × 26 cm, che si trova al Musée des Beaux-Arts di Lione.

Periodo ispanico

Il Vecchio Musicista si distingue come la più monumentale e complessa delle prime opere di Manet. Analisi successive hanno permesso di decifrare le fonti composite che formano il quadro visivo dell”opera. Una successione di riferimenti pittorici si trova nel raduno degli zingari: una figura miserabile presa in prestito da Henri Guillaume Schlesinger, riferimenti a Le Nain, Watteau: Manet vi attinge senza limiti per inventare il suo realismo.

I primi due quadri a tema spagnolo, Jeune Homme en costume de majo e Mlle V. en costume d”espada, presentati al Salon des refusés del 1863 insieme a Le Déjeuner sur l”herbe, sconcertarono la critica e provocarono attacchi feroci, nonostante il sostegno di Émile Zola, che vide in essi “un”opera di raro vigore e di estrema potenza di tono (…) A mio parere, il pittore è stato più colorista di quanto sia abituato ad essere”. Le macchie sono audaci ed energiche e si staccano dallo sfondo con tutta la bruschezza della natura.

Il giovane in costume da Majo è il fratello minore di Manet, Gustave. Mlle V. en costume d”espada, è un ritratto della modella preferita di Manet, Victorine Meurent travestita da uomo, nello stesso anno in cui la giovane ragazza inizia a posare per il pittore. In questo quadro, Victorine dovrebbe partecipare come espada a una corrida. Tuttavia, tutto è fatto per mostrare che il quadro è una costruzione artificiale: Victorine, a causa della minaccia rappresentata dal toro, non dovrebbe normalmente fissare lo spettatore con tanta insistenza. Tutta la scena è semplicemente un pretesto per rappresentare la modella in abiti maschili. Questo è inteso come una provocazione di Émile Zola nella sua esposizione di Jeune Homme en costume de majo, e Le Déjeuner sur l”herbe

“I tre quadri di Monsieur Manet sembrano un po” una provocazione per il pubblico, che si offende per i colori troppo accesi. Al centro, una scena di bagno, a sinistra, un Majo spagnolo,; a destra una signora parigina in costume espada che sventola il suo cappotto viola nel circo di una corrida. M. Manet adora la Spagna, e il suo maestro d”affetto sembra essere Goya, di cui imita i toni vivaci e sorprendenti e il tocco libero e brioso. Ci sono tessuti sorprendenti in queste due figure spagnole: il costume nero del majo e il pesante burnous scarlatto che porta sul braccio, le calze di seta rosa della giovane parigina travestita da espada; ma sotto questi costumi brillanti, la persona stessa è un po” carente, le teste dovrebbero essere dipinte diversamente dai panneggi, con più accento e profondità”.

Charles F. Suckey nota che “le contraddizioni del quadro e i dettagli assurdi, caratteristici di molti dipinti, richiamano l”attenzione sul fatto che l”arte è soprattutto un assemblaggio di modelli e costumi. La signorina Victorine Meurant in costume espada è un esempio: un modello femminile che si atteggia a toreador è ridicolo in termini di realismo.

Ma Mlle Meurent non è l”unica donna travestita in costume maschile. Nello stesso anno, Manet dipinse una Giovane donna reclinata in costume spagnolo, (New Haven, Yale University Art Gallery) la cui modella leggermente spessa si pensa sia l”amante di Nadar, o l”amante di Baudelaire, ma la cui identità esatta non è nota. È anche vestita con un costume spagnolo da uomo, che corrisponde ai codici erotici dell”epoca in cui il costume maschile era in uso costante nella galanteria. Félix Bracquemond incise un”acquaforte di lei nel 1863, invertendo il soggetto. Manet realizzò anche un acquerello dello stesso dipinto.

Manet non visitò la Spagna fino al 1865, e può aver conosciuto i costumi di Madrid e i dettagli della corrida solo attraverso il Voyage en Espagne di Théophile Gautier, o i dettagli della corrida forniti da Prosper Mérimée. Inoltre, aveva una collezione di costumi nel suo studio che usava come oggetti di scena e che gli erano stati forniti da un mercante spagnolo nel Passage Jouffroy. Come nota Beatrice Farwell, il costume di Miss V si trova in altri quadri di Manet: La cantante spagnola e Il giovane in costume di Majo.

Il periodo ispanico di Manet non si limita alle figure in costume spagnolo. Tracce di ispirazione da Goya o Velázquez (a seconda del critico) si possono trovare nel Ritratto di Théodore Duret. Ha incontrato Duret a Madrid nel 1865 in un ristorante. “L”ispanismo di questo quadro è evidente ed evoca Goya più che Velázquez. Fu nel libro di Charles Blanc che trovò una possibile ispirazione con la riproduzione di The Young Man in Grey dopo Goya, la cui posizione è invertita e anche il bastone. Manet ha evidentemente fatto un”allusione deliberata per ricordare a Théodore Duret il quadro che hanno visto insieme a Madrid. Georges Mauner vede persino un”allusione a Manuel la Peña, marchese di Bondad, un ritratto dipinto da Goya nel 1799.

Dopo diversi anni passati a copiare grandi dipinti, fu al Salon del 1859 che Manet decise di svelare ufficialmente la sua prima opera, intitolata Il bevitore di assenzio. Il quadro, di stile realista, mostra l”influenza di Gustave Courbet, ma è soprattutto un omaggio a Diego Velázquez, che Manet aveva sempre considerato come “il pittore dei pittori”: “Ho”, disse, “cercato di fare un tipo di Parigi mettendo nell”esecuzione l”ingenuità del mestiere che ho trovato in Velázquez.

Tuttavia, The Absinthe Drinker, così poco accademico, fu rifiutato al Salon del 1859. La giuria non ha capito quest”opera, che in un certo senso illustra il Vin des chiffonniers di Baudelaire “bere e sbattere contro il muro come un poeta”. Allo stesso modo, Thomas Couture ritiene che l”unico bevitore di assenzio qui sia il pittore. Manet viene a sapere di questo rifiuto in presenza di Baudelaire, Delacroix e Antonin Proust, credendo che sia Thomas Couture il responsabile: “Ah! mi ha fatto rifiutare! Il giovane artista aveva comunque diversi sostenitori degni di nota, in particolare Eugène Delacroix, che lo difese davanti alla giuria, e soprattutto Charles Baudelaire, che aveva appena fatto la sua conoscenza e si stava impegnando per farlo conoscere nella società parigina.

Manet era affascinato dall”arte spagnola in questo periodo, e prima di tutto da Velázquez, che associava al realismo, in opposizione all”arte italiana degli accademici. Molto prima del suo primo viaggio in Spagna nel 1865, Manet ha dedicato diverse tele a quelli che lui stesso chiamava “soggetti spagnoli”: la ballerina Lola de Valencia e il chitarrista ne Il cantante spagnolo.

Il cantante spagnolo gli portò il suo primo successo. Fu accettato al Salon di Parigi nel 1861 con il ritratto dei suoi genitori. I critici Jean Laran e Georges Le Bas riferiscono che fu ammirato da Eugène Delacroix e Ingres e che fu probabilmente grazie all”intervento di Delacroix che il quadro ricevette una menzione “onorevole”. Piacque anche a Baudelaire e Théophile Gautier, che dichiarò su Le Moniteur universel del 3 luglio 1861: “C”è molto talento in questa figura di grandezza naturale dipinta in piena pasta, con un pennello valoroso e un colore molto vero.

Le varie influenze su questo dipinto sono state oggetto di molte discussioni. Secondo Antonin Proust, Manet stesso disse: “Nel dipingere questa figura, pensavo ai maestri di Madrid e anche a Hals. Gli storici dell”arte hanno anche menzionato l”influenza di Goya (specialmente l”acquaforte: The Blind Singer), Murillo, Diego Velázquez così come Gustave Courbet nella sua tendenza realistica.

Il dipinto fu ammirato anche da un gruppo di giovani artisti: Alphonse Legros, Henri Fantin-Latour, Edgar Degas e altri. Questo incontro con i giovani pittori fu decisivo, poiché designò Manet come leader dell”avanguardia.

Uno dei quadri più noti di Manet che tratta della corrida è il suo Uomo morto, datato 1864. L”opera era originariamente solo una parte di una composizione più grande destinata al Salon dello stesso anno, e intitolata Episodio di una corrida: il pittore, insoddisfatto delle dure critiche di Théophile Thoré-Burger e delle caricature di Bertall su “Le Journal amusant”, tagliò l”Episodio in due parti che avrebbero formato due tele autonome: Dead Man e The Bullfight, che si trova nella Frick Collection di New York.

Manet ritaglia La Corrida in modo tale da mantenere tre toreri sul recinto (il primo titolo scelto per quest”opera fu Toreros in action), ma se voleva mantenere gli uomini in piedi, avrebbe dovuto tagliare quasi tutto il toro. Invece, l”artista ha deciso di tagliare i piedi del torero sulla sinistra e di tagliare la folla sugli spalti.

Quando Manet dipinse Episodio di una corsa di tori, non era mai stato in Spagna. Fu dopo questo viaggio che espresse la sua ammirazione per la corrida in una lettera a Baudelaire il 14 settembre 1865: “Uno degli spettacoli più belli, curiosi e terribili che si possano vedere è una corrida. Spero, al mio ritorno, di mettere su tela l”aspetto brillante, svolazzante e allo stesso tempo drammatico della corrida a cui ho assistito. È su questo stesso tema che realizzò diversi grandi formati: Le Matador saluant, che Louisine Havemeyer acquistò da Théodore Duret e che oggi è conservato al Musée d”Orsay di Parigi. Étienne Moreau-Nélaton e Adolphe Tabarant concordano sul fatto che il fratello di Manet, Eugène, sia servito come modello per il personaggio del matador che saluta, e che si tratta effettivamente di un torero applaudito dalla folla dopo la morte del toro.

Manet iniziò la Corrida al suo ritorno dal suo viaggio in Spagna nel 1865. Nel suo studio di Parigi, in rue Guyot (oggi rue Médéric), è possibile che abbia utilizzato sia gli schizzi fatti sul posto in Spagna (schizzi che non sono stati trovati, ad eccezione di un acquerello), sia le incisioni de La tauromaquia di Francisco de Goya che possedeva. Manet aveva una grande ammirazione per il pittore spagnolo, che lo influenzò su soggetti diversi dalla corrida, in particolare per L”esecuzione di Massimiliano.

Pittura religiosa

In contrasto con l”arte di San Sulpizio, Manet seguì le orme dei maestri italiani come Fra Angelico, o ispanici come Zurbaran, nel trattamento realistico del corpo nei suoi dipinti religiosi, sia che si tratti del corpo supplicante seduto sul bordo della tomba di Cristo sostenuto dagli angeli (1864, New York, Metropopolitan Museum of Art), riprendendo la composizione classica dell”iconografia cristiana di Cristo con ferite, come quella del Cristo morto sostenuto da due angeli, o di un “uomo di carne e ossa, di pelle e barba, e non uno spirito puro e santo in una veste” in A Monk at Prayer (1864 circa). Ha anche esposto un Gesù insultato dai soldati al Salon del 1865.

Queste opere gli valsero il ridicolo di Gustave Courbet e Théophile Gautier, ma furono salutate da Émile Zola: “Trovo qui Édouard Manet nella sua interezza, con la parzialità del suo occhio e l”audacia della sua mano. È stato detto che questo Cristo non è un Cristo, e ammetto che può esserlo; per me, è un cadavere dipinto in piena luce, con franchezza e vigore; e mi piacciono persino gli angeli sullo sfondo, questi bambini con le loro grandi ali blu, che hanno una stranezza così dolce ed elegante.

Questo periodo dell”opera di Édouard Manet (circa 1864-1865), rifiutato dalla critica perché non conforme all”immagine di un Manet laico e ribelle, è stato evidenziato in una sala della mostra del Museo d”Orsay (5 aprile-17 luglio 2011). “La componente religiosa dell”arte di Manet rivoltò i suoi nemici tanto quanto imbarazzò i suoi amici”. Nel 1884, alla mostra postuma all”Ecole des Beaux-Arts in omaggio a Manet, il primo dei moderni, Antonin Proust licenziò i due grandi Cristi, Gesù insultato e Cristo morto. L”ex ministro Gambetta fece un”eccezione per A Monk at Prayer, per la sua ostentazione confessionale meno marcata. “L”immagine di un Manet risolutamente laico, ribelle ai cliché estetici come alle superstizioni della chiesa, è passata poi alla storia dell”arte, custode del tempio, soprattutto nel suo aspetto moderno. Si poteva accettare nel XX secolo che il pittore di Olimpia si fosse dilettato con la Bibbia a metà degli anni 1860, mentre Pio IX, uno dei papi più repressivi della storia del cristianesimo, era a Roma? Una tale posizione, tra comoda amnesia e cecità intenzionale, ignora superbamente la complessità di un pittore che è estraneo alle nostre divisioni estetiche e ideologiche. Manet, come Baudelaire, mostrava tuttavia un attaccamento, anche se non ortodosso, al Dio delle Scritture. Aveva già raggruppato i suoi grandi dipinti religiosi in una mostra speciale nel 1867 a Place de l”Alma. Questa selezione significava il suo rifiuto della “specialità”, il flagello che Gautier e Baudelaire denunciavano costantemente.

I dipinti religiosi di Manet durante il suo periodo ispanico erano molto più legati alla cultura italiana. Dai suoi soggiorni del 1853 e del 1857, Manet ha riportato copie di Raffaello, Andrea del Sarto, Benozzo Gozzoli, Fra Angelico in primo luogo. Le sue numerose sanguigne per il Monaco e il Cristo giardiniere e le incisioni per il Cristo con gli angeli e Gesù insultato ne sono la prova più evidente. Più precisamente, l”ispirazione italiana si trova fin dall”inizio della carriera del pittore: Il monaco di profilo, 1853-1857, sanguigna su carta vergata, 34,2 × 22 cm, Bibliothèque Nationale de France, San Bernardo inginocchiato che tiene un libro, dalla Crocifissione del Beato Angelico, Firenze, Convento di San Marco, 1857, matita nera e grafite 28, 8 × 21,2 cm, Musée d”Orsay Parigi, Due ecclesiastici inginocchiati San Giovanni Galberto e San Pietro Martire dopo La crocifissione di Fra Angelico, Firenze, Convento di San Marco, 1857, matita nera e grafite 28,8 × 21,2 cm Musée d”Orsay.

Musica alle Tuileries

Édouard Manet, secondo la descrizione che ne fa Antonin Proust, era un giovane sicuro di sé, amichevole e socievole. Ecco perché il periodo dei suoi primi successi è anche quello del suo notevole ingresso nei circoli intellettuali e aristocratici parigini.

“Intorno a Manet si è formata una piccola corte. Andava alle Tuileries quasi ogni giorno dalle due alle quattro. (…) Baudelaire era il suo compagno abituale. La descrizione di Proust dà un”idea abbastanza precisa di Manet, che era effettivamente uno dei dandy col cappello a cilindro della sua pittura, habitué del suo studio, delle Tuileries e del Café Tortoni di Parigi, un elegante caffè sul boulevard, dove pranzava prima di andare alle Tuileries. “E quando tornava da Tortoni dalle cinque alle sei, toccava a chi gli faceva i complimenti per i suoi studi, che passavano di mano in mano.

In Musica alle Tuileries (1862) Manet ritrae il mondo elegante in cui viveva. Il quadro raffigura un concerto nei giardini delle Tuileries, in cui il pittore ritrae persone a lui vicine.

Da sinistra a destra, si vede un primo gruppo di figure maschili, tra cui il suo ex compagno di studio Albert de Balleroy, Zacharie Astruc (seduto), Charles Baudelaire in piedi, e dietro Baudelaire, a sinistra: Fantin-Latour. Tra gli uomini, Manet mise suo fratello Eugène Manet, Théophile Gautier, Champfleury, il barone Taylor e Aurélien Scholl. La prima signora vestita di bianco da sinistra è Mme Lejosne, moglie del comandante Hippolyte Lejosne, dove Manet incontrò Baudelaire. Quelli che frequentavano Lejosne erano tutti amici di Manet. Accanto alla signora Lejosne c”è la signora Offenbach.

Il pittore si è raffigurato come la figura barbuta sul lato sinistro della composizione. Alla sua destra, seduto contro il tronco, riconosciamo “l”uomo che Manet chiamava il Mozart degli Champs Élysées: Gioachino Rossini”.

Il quadro fu giudicato severamente da Baudelaire, che non ne parlò nel 1863, e fu fortemente attaccato da Paul de Saint-Victor: “Il suo concerto alle Tuileries graffia gli occhi come la musica delle fiere fa sanguinare l”orecchio. Hippolyte Babou ha parlato della “mania di Manet di vedere per punti (…) il punto Baudelaire, il punto Gautier, il punto Manet”.

Musica alle Tuileries è infatti il primo modello per tutti i quadri impressionisti e post-impressionisti che rappresentano la vita contemporanea all”aria aperta. Ha ispirato nei decenni successivi: Frédéric Bazille, Claude Monet e Auguste Renoir. La sua posterità sarà immensa. Tuttavia, a quel tempo, Manet non era ancora il pittore plein air che sarebbe diventato in seguito. L”immagine della società elegante del Secondo Impero che ha raggruppato sotto gli alberi è certamente un lavoro di studio. Le figure, che sono veri e propri ritratti, potrebbero essere state dipinte da fotografie.

Più di dieci anni dopo, nella primavera del 1873, Manet realizzò un quadro simile a Musica alle Tuileries, intitolato Ballo in maschera all”Opera e che raffigura diversi suoi conoscenti. Il teatro dell”opera in questione, situato in rue Le Peletier nel 9° arrondissement, fu incendiato nello stesso anno. Un altro incontro sociale parigino dell”epoca, le corse di cavalli a Longchamp, ispirò al pittore un quadro: Les Courses à Longchamp.

Nel 1863, per la prima volta nella storia del Salon annuale ufficiale di Parigi, agli artisti rifiutati fu permesso di esporre le loro opere in una piccola sala annessa alla mostra principale, dove i visitatori potevano scoprirle: era il famoso Salon des refusés. Édouard Manet, esponendovi tre opere controverse, si affermò come figura dell”avanguardia.

Il bagno o il pranzo sull”erba (1862, Salon des Refusés del 1863)

Antonin Proust riferisce che l”idea del quadro venne al pittore a Gennevilliers: “Alcune donne stavano facendo il bagno, e Manet aveva l”occhio fisso sulla carne di quelle che emergevano dall”acqua: – Sembra che io debba fare un nudo. Bene, ne farò uno per loro nella trasparenza dell”atmosfera, con le persone che vediamo lì. Sarò disprezzato. La gente dirà quello che vuole. Manet non era soddisfatto della figura dell”uomo con il cappotto del mattino in La Musique aux Tuileries. Voleva collocare quest”uomo in un ambiente mitologico, rurale, accanto a un nudo che voleva fosse chiaro; l”aria era “trasparente”; il nudo stesso sarebbe stato una donna.

Dei tre dipinti esposti al Salon, la composizione centrale de Il pranzo sull”erba provocò le reazioni più forti. In quest”opera, Manet confermò la rottura con il classicismo e l”accademismo che aveva iniziato con la Musica alle Tuileries. La controversia deriva meno dallo stile del dipinto che dal suo soggetto: mentre il nudo femminile era già diffuso e apprezzato, purché trattato in modo modesto ed etereo, era ancora più scioccante avere due uomini completamente vestiti nella stessa composizione. Tale messa in scena esclude la possibilità di un”interpretazione mitologica e dà al dipinto una forte connotazione sessuale. Il critico Ernest Chesneau, riassumendo questo disagio, disse che non poteva “trovare un”opera perfettamente casta avere una ragazza seduta nel bosco, circondata da studenti in berretti e cappotti, vestita solo all”ombra delle foglie”, denunciando “un inconcepibile pregiudizio verso la volgarità”. “Devo dire che il grottesco della sua mostra ha due cause: in primo luogo, un”ignoranza quasi infantile dei primi elementi del disegno, e in secondo luogo, una tendenza verso una volgarità inconcepibile. Il Pranzo sull”erba, tuttavia, è semplicemente ispirato da un”opera di Raffaello che rappresenta due ninfe, e dal Concerto in campagna di Tiziano, l”unica differenza con questi due dipinti sono gli abiti dei due uomini. In questo modo, Manet relativizza e ridicolizza i gusti e le proibizioni del suo tempo.

Il Déjeuner sur l”herbe fece scandalo, provocando sarcasmo da parte di alcuni e grida di ammirazione da parte di altri, e suscitando ovunque polemiche appassionate. Manet era entrato in piena lotta.

Presto Olympia (1865) accentuerà ulteriormente il tono di queste controversie. I caricaturisti, di cui Manet era la testa di serie, hanno avuto una giornata campale.

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Olympia, o l”ingresso nella modernità (1863, esposto al Salon ufficiale del 1865)

Anche se Manet alla fine decise di non esporlo al Salon des Refusés e di non svelarlo fino a due anni dopo, fu nel 1863 che Olympia fu dipinto. L”opera, che susciterà ancora più polemiche de Il pranzo sull”erba, raffigura una prostituta che sembra appena uscita da un harem orientale e si prepara visibilmente a ricevere un cliente che si annuncia con un bouquet. I critici d”arte hanno visto in questo dipinto riferimenti a diversi pittori: Tiziano e la sua Venere di Urbino, 1538, Firenze, Museo degli Uffizi, Goya e la sua Maja nuda, 1802, Museo del Prado di Madrid, Jalabert negli anni 1840 e la sua Odalisca 1842, Museo di Carcassonne, Benouville e la sua Odalisca, 1844, Museo di Pau. “È stato anche ipotizzato che una delle ragioni dello scandalo causato dall”esposizione dell”Olympia di Manet fu la possibile analogia con le fotografie pornografiche, molto diffuse, di prostitute nude e dall”aspetto audace che mostrano il loro fascino al pubblico. Come esempio, Françoise Cachin e il suo mostrano una fotografia Nude on a Sleeping Couch, Quinet Studio, 1834 circa, Cabinet des estampes, Parigi

In contrasto con Il pranzo sull”erba, Olympia non è tanto scioccante per il suo tema quanto per il modo in cui viene trattato. Oltre alla sua nudità, la modella Victorine Meurent mostra un”innegabile insolenza e provocazione. Paul de Saint-Victor scrisse su La Presse del 28 maggio 1865: “La folla preme come all”obitorio davanti all”Olympia coccolata di M. Manet. L”arte che è caduta così in basso non merita di essere biasimata.

L”atmosfera generale di erotismo: “Olympia que font plus nue son ruban et autres menus accessoires”, è rafforzata dalla presenza del gatto nero con la coda alzata ai piedi della ragazza. L”animale è stato aggiunto da Manet, non senza umorismo, per sostituire il cane innocente nella Venere di Urbino, e forse anche per designare per metafora ciò che la giovane ragazza nasconde con la sua mano: “È stato sufficientemente sottolineato, tuttavia, che ciò che la cameriera sta trasferendo nell”omaggio del bouquet – un pezzo sontuoso di pittura con una trama così netta rispetto al resto della tela – è il desiderio, il desiderio per l”unico oggetto rifiutato allo sguardo, il sesso di Olympia? Altri elementi della composizione hanno a lungo turbato i critici: il mazzo di fiori, una natura morta incongrua in un quadro di nudo, ma anche il braccialetto (che apparteneva alla madre del pittore) e la grossolanità della prospettiva. Fu questa pittura che piacque tanto a Émile Zola, che la difese nei suoi scritti durante tutta la sua vita, in particolare in una rubrica pubblicata nel 1866 intitolata Mon Salon.

Le critiche e le caricature abbondano. Mostrano che Manet ha scioccato, sorpreso e provocato una risata che era un segno di incomprensione e imbarazzo. Tra questi, la caricatura di Cham su Le Charivari, dall”umorismo denso, raffigura una donna nuda sdraiata intitolata Manet, la nascita del piccolo ebanista con la didascalia: “Manet prese la cosa troppo alla lettera, che era come un mazzo di fiori, le lettere di notifica nel nome della madre Michèle e del suo gatto”. Émile Zola testimonia: “E tutti gridavano: hanno trovato indecente questo corpo nudo; doveva essere, poiché è carne, una ragazza che l”artista ha gettato sulla tela nella sua giovane e già sbiadita nudità. Le critiche e le risate che ricevette pesarono molto su di lui, e il sostegno del suo amico Charles Baudelaire lo aiutò a superare questo periodo difficile della sua vita.

Il 1867 fu un anno ricco di eventi per Manet: il pittore approfittò dell”Esposizione Universale che si tenne a Parigi in primavera per organizzare la sua mostra retrospettiva e presentare una cinquantina di suoi quadri. Ispirato dall”esempio di Gustave Courbet, che aveva utilizzato lo stesso metodo per allontanarsi dal Salon ufficiale, Manet non esitò ad attingere a piene mani ai suoi risparmi per costruire il suo padiglione espositivo vicino al Pont de l”Alma e ad organizzare una vera e propria campagna pubblicitaria con l”appoggio di Émile Zola. Il successo, tuttavia, non fu all”altezza delle aspettative dell”artista: sia la critica che il pubblico evitarono questo evento culturale.

Édouard Manet aveva comunque raggiunto la maturità artistica e per una ventina d”anni produsse opere di notevole varietà, che vanno dai ritratti del suo entourage (famiglia, amici scrittori e artisti) ai paesaggi marini e ai luoghi di divertimento, nonché ai soggetti storici. Tutti loro avranno una marcata influenza sulla scuola impressionista e sulla storia della pittura.

Victorine Meurent e altri ritratti femminili

Victorine Louise Meurent, nata nel 1844, aveva 18 anni quando Manet la incontrò. Secondo Duret, l”aveva incontrata per caso tra la folla del Palazzo di Giustizia ed era stato colpito “dal suo aspetto originale e dai suoi modi chiari”. Tabarant colloca l”incontro vicino all”atelier d”incisione di rue Maître-Albert perché l”indirizzo della giovane donna si trova con il suo nome scritto male nella rubrica di Manet: “Louise Meuran, rue Maître-Albert, 17″. È molto probabile che entrambe le versioni siano accurate e che Manet stesso abbia raccontato la prima a Théodore Duret. Victorine fu la sua modella per una dozzina d”anni, mentre posava anche per il pittore Alfred Stevens, che nutriva per lei un affetto forte e duraturo. Era in ogni caso una modella professionista e già posava nell”atelier di Couture dove si era iscritta all”inizio del 1862. Il primo quadro che ispirò a Manet fu La Chanteuse de rue, intitolato anche La Femme aux cerises (Donna alle ciliegie), intorno al 1862. Divertente e loquace, sapeva rimanere in silenzio durante le sessioni di posa, la sua pelle rosso latte “catturava bene la luce”. Aveva la schiettezza dei titini parigini”, maniere capricciose, un certo talento per la chitarra e dopo una storia d”amore con Stevens e una fuga d”amore negli Stati Uniti, cominciò a dipingere se stessa. Il suo Autoritratto fu esposto al Salon del 1876.

Il ritratto di Victorine Meurent, così come l”ha catturato Manet quando l”ha incontrata per la prima volta, le dà i tratti di una donna, non della giovane ragazza che era. Allo stesso modo, il candore della sua pelle rossiccia, che Manet ha poi sfruttato nei quadri in cui appare nuda, non si riflette né nel ritratto né nel quadro La cantante di strada. Un po” di più in Mlle Victorine Meurent in costume espada dipinto lo stesso anno.

La bellezza impressionante di questa pelle lattiginosa è un fattore importante nel trattamento del nudo di Manet in Le Déjeuner sur l”herbe e Olympia. Ma, anche se coperto da un indumento, il ritratto a figura intera di Victorine in The Street Singer fece scandalo, con la sua composizione modernista, almeno quanto l”altro ritratto a figura intera di Victorine Meurent: Donna con pappagallo, poi intitolato A Young Lady nel 1866. Negli ultimi due dipinti, le questioni tecniche e le innovazioni di Manet erano diventate così importanti che i critici non erano affatto interessati al soggetto. La Femme au perroquet è stata molto attaccata. Marius Chaumelin ha scritto: “M. Manet, che non dovrebbe aver dimenticato il panico causato qualche anno fa dal suo gatto nero nel quadro Ophelia (sic), ha preso in prestito il pappagallo del suo amico Courbet, e lo ha messo su un trespolo accanto a una giovane donna in accappatoio rosa. Questi realisti sono capaci di tutto! La cosa spiacevole è che questo pappagallo non è impagliato come i ritratti di M. Cabanel e che l”accappatoio rosa è di un tono piuttosto ricco. Gli accessori ci impediscono persino di guardare la figura. Ma nulla è perduto.

Nel 1873, Victorine Meurent posa di nuovo per Le Chemin de fer; il luogo dove Manet dipinge questo quadro non è la stazione di Saint-Lazare, ma il giardino di Alphonse Hirsch. Questa informazione proviene da un articolo di Philippe Burty nell”autunno del 1872, dopo le sue visite in studio. A differenza di Monet, Manet non fu attratto dall”immagine dei nuovi oggetti: il fumo, le locomotive, le vetrate della stazione. Victorine indossa “un coutil blu che era di moda fino all”autunno”, scrive Philippe Burty. Questo non è l”ultimo quadro di Manet con Victorine. È ancora in posa nel giardino di Alfred Stevens per La Partie de croquet.

Édouard Manet era un grande amante delle presenze femminili. Antonin Proust, che aveva conosciuto Manet fin dall”infanzia, aveva il vantaggio di conoscere intimamente il suo carattere: secondo lui, anche al culmine della malattia del pittore, “la presenza di una donna, qualsiasi donna, lo rimetteva in salute”. Manet dipinse molti ritratti di donne e, lungi dal limitarsi a Suzanne Leenhoff e Victorine Meurent, il pittore immortalò i tratti di molti dei suoi amici e parenti.

Per esempio, Fanny Claus, amica di Manet e di sua moglie Suzanne, futura moglie del pittore Pierre Prins (Manet fu testimone al loro matrimonio), è il soggetto del Ritratto di Mademoiselle Claus (è in piedi sulla destra) ed è raffigurata seduta a Le Balcon. C”è anche il Ritratto della contessa Albazzi, 1880 e il Ritratto di Madame Michel-Lévy, 1882.

Ritrae attrici come Ellen Andrée in La Prune, dove l”attrice posa compiaciuta in un caffè e sembra congelata in una morbida e malinconica fantasticheria, o Henriette Hauser, la famosa Nana (1877). Sulla stessa linea di Olympia, Manet ama rappresentare la vita delle cortigiane o “creature” in modo più spensierato, senza pretese, in questo quadro che risale a tre anni prima della pubblicazione dell”omonimo romanzo di Zola. Il titolo potrebbe essere stato dato da Manet dopo il completamento del quadro, quando apprese il titolo dell”opera successiva di Zola. Un”altra spiegazione è che Manet si sia ispirato al romanzo L”Assommoir, in cui una giovane Nana fa la sua prima apparizione e rimane “per ore nella sua camicia davanti al pezzo di vetro appeso sopra il cassettone”. Il quadro, come è giusto che sia, fu rifiutato al Salon di Parigi del 1877.

La sua compagna Suzanne Leenhoff

Suzanne Leenhoff, nata a Zaltbommel nel 1830, fu l”insegnante di pianoforte di Édouard Manet e dei suoi fratelli dal 1849. Divenne l”amante di Édouard e nel 1852 diede alla luce un figlio, che spacciò ai suoi amici come un fratello minore con il nome di Léon Koëlla. Il bambino, battezzato nel 1855, aveva come madrina sua madre, Suzanne, e come padrino suo padre, Édouard, che era ospite fisso della famiglia Leenhoff nella rue de l”hôtel de ville a Batignolles. Suzanne accompagnò spesso Manet e posò per lui in un gran numero di quadri (La Pêche, La Nymphe surprise e altri). Nel 1863, dopo la morte di suo padre, Manet sposa Suzanne a Zaltbommel. Baudelaire scrisse a Étienne Carjat nel 1863 che “era molto bella, molto brava e una grande musicista”.

La figura corpulenta di Suzanne appare molte volte nell”opera di Manet. Nel 1860-61, in una sanguigna: Après le bain 28 × 20 cm, Art Institute of Chicago, e in diverse incisioni di nudo, in particolare La Nymphe surprise, Suzanne appare anche in diversi ritratti, in particolare La Lecture (Manet), dove Madame Manet è in compagnia di suo figlio Léon. Questo dipinto è stato identificato dopo la morte di Manet come Portrait de Madame Manet et de Monsieur Léon Koella. Suzanne è anche la modella di Madame Manet al pianoforte, Le Départ du vapeur de Folkestone, La lecture, Les Hirondelles 1873 che la mostra sulla spiaggia di Berck seduta accanto alla suocera, Madame Manet sur un canapé, pastello, 1874, Madame Édouard Manet dans la serre Nasjonalgalleriet, Oslo

Léon Koëlla-Leenhoff

Dichiarato alla nascita da Suzanne Leenhoff come Léon-Édouard Koëlla, il dibattito sulla paternità di Léon Koëlla-Leenhoff permette affermazioni vaghe e non provate. In particolare, coloro che sostengono che il bambino sia nato da una relazione tra Suzanne e il padre di Manet. Questo dubbio è mantenuto da alcuni critici: “È il figlio di Édouard Manet o il suo fratellastro? Il dibattito rimane aperto. Françoise Cachin non entra nei dettagli. Sottolinea che sappiamo molto poco della vita privata di Manet, comprese le sue relazioni con i suoi amici, e che la corrispondenza non aggiunge nulla di essenziale a questa conoscenza della vita privata di Manet. Sophie Monneret afferma con precisione: “Léon, (Parigi 1852-Bizy 1927). Figlio naturale di Suzanne Leenhoff e molto probabilmente di Édouard Manet, che la sposò dodici anni dopo la nascita del bambino, Léon Koëlla fu dichiarato all”anagrafe come nato dalla giovane donna e da un certo Koëlla, di cui non si trova traccia da nessuna parte; battezzato nel 1855, il bambino aveva come padrino Édouard e come madrina Suzanne, che presentò il bambino come suo fratello minore. Solo dopo la morte di Suzanne, Léon si riferisce a lei come a sua madre e non più come a sua sorella”; Léon fu coccolato e viziato da Édouard, da sua madre Suzanne e da Madame Manet, che visse con suo figlio e sua nuora dopo il loro matrimonio. Léon fu spesso usato come modello dal pittore e in un”incisione, probabilmente basata sul dipinto dei Cavalieri.

È possibile seguire lo sviluppo graduale di Léon attraverso i ritratti di Manet, dall”infanzia all”adolescenza. È ancora un bambino molto giovane che posa, travestito da paggio spagnolo, ne Il bambino con la spada, ma anche nel dettaglio di un quadro dei primi tempi di Manet, Cavalieri spagnoli, particolare di Léon Leenhoff, 1859, Musée des Beaux-Arts de Lyon; nel momento in cui il pittore stava accumulando soggetti spagnoli. La somiglianza del bambino de I cavalieri con quello de Il bambino con la spada suggerisce che Léon aveva allora sette o otto anni. Lo si può trovare in un acquerello e in un”incisione dello stesso dipinto. Più tardi, in Les Bulles de savon, Léon, a quindici anni, si diverte a soffiare bolle in una ciotola di sapone. Léon è raffigurato come un adolescente sognatore in Déjeuner dans l”atelier, dipinto nell”appartamento di famiglia a Boulogne-sur-Mer, dove i Manet passavano l”estate. Léon da adolescente appare di nuovo in Young Boy Peeling a Pear, 1868, Nationalmuseum, Stoccolma. Léon e Madame Manet sono i soggetti di un quadro intitolato Intérieur à Arcachon (Interno ad Arcachon), che prende in prestito pesantemente dallo stile di Degas. Léon è appoggiato di fronte a sua madre, che guarda il mare attraverso la finestra aperta. Questo quadro del 1871 fu realizzato da Manet alla fine dell”assedio di Parigi, quando partì per raggiungere la sua famiglia a Oloron-Sainte-Marie, dove dipinse diverse vedute del porto.1873 Léon, da giovane adulto, è rappresentato in La Partie de croquet 1873.

Il quadro Le Déjeuner dans l”atelier, 1868, è caratteristico dell”immagine di Léon Leenhoff da adolescente, sette anni dopo L”Enfant à l”épée. Adolphe Tabarant lo trova “enigmatico” e suggerisce che Manet potrebbe aver fatto uno schizzo del giovane prima di metterlo nel quadro. Ma ciò che è strano non è lo sguardo sognante negli occhi dell”adolescente, che Manet cattura in altri dipinti, ma la composizione in cui le figure sembrano ignorarsi l”un l”altra e sembrano servire come un fioretto per Léon. “Questa è un”opera chiave nello sviluppo di Manet, la prima vera scena realista, che inaugura una serie che porterà dieci anni dopo a Il bar (Un bar alle Folies Bergère), che non è senza analogia con Il pranzo.

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Sua cognata Berthe Morisot

Edma Morisot, sorella di Berthe Morisot, aveva conosciuto Henri Fantin-Latour e Félix Bracquemond dal 1860 circa. Berthe incontrò Manet più tardi, nel 1867, quando Fantin-Latour li presentò al Louvre, dove Berthe stava facendo una copia da Rubens. Manet era inizialmente molto ironico sulla pittura di Berthe. In una lettera a Fantin-Latour del 26 agosto 1868, scrive: “Sono d”accordo con voi che le ragazze Morisot sono affascinanti. Tuttavia, come donne, potrebbero servire la causa della pittura sposando ciascuna un accademico e portando la discordia nel campo di questo uomo schivo. Berthe e Édouard stabilirono in seguito dei legami di affetto e di stima reciproca. Nel frattempo, Berthe non sopportava le sedute di posa per Il balcone, così come gli altri modelli del quadro: Fanny Claus e lo scultore Pierre Prins. Berthe trovava Manet ingombrante. Aveva l”abitudine di ritoccare lui stesso i dipinti della ragazza.

All”inizio dell”estate del 1870, circa un anno dopo Il Balcone, “Manet si imbarcò in una serie di abbaglianti ritratti di Berthe Morisot, tra cui Le Repos, portrait de Berthe Morisot. Chiese a Berthe di posare per lui mentre stava ancora facendo un ritratto di Eva Gonzalès in abito bianco; i metodi di Manet irritarono Berthe”. Scrive a sua sorella il 31 agosto 1870: “Ricomincia ogni ritratto per la venticinquesima volta: posa ogni giorno, e la sera le si lava la testa con del sapone nero. Questo è un modo incoraggiante di chiedere alla gente di mettersi in posa. Più tardi, Berthe perse spesso la pazienza durante le sessioni di posa con Manet, che trovava troppo pignolo. Infatti, quando più tardi venne a ritoccare i dipinti di Berthe, lei aspettò che lui gli voltasse le spalle per rimettere la sua tela nel suo stato originale. Berthe indossava un abito bianco quando posò per Le Repos, un ritratto di Berthe Morisot, e non ha mai smesso di essere impaziente. Scrive a sua sorella: “Manet mi fa la morale e mi offre questa eterna mademoiselle Gonzalès come modella – lei sa fare bene le cose, mentre io non sono capace di niente. Nel frattempo, sta rifacendo il suo ritratto per la venticinquesima volta. Berthe, che era in un periodo di dubbi, era convinta che il suo futuro cognato disprezzasse la sua pittura e preferisse quella di Eva Gonzalès, e ha ricordi molto brutti delle sedute di posa per questo ritratto. Con la gamba sinistra infilata sotto il vestito, non le fu permesso di muoversi per non disfare la disposizione del pittore.

Berthe Morisot divenne cognata di Manet nel 1874 quando sposò il suo fratello minore Eugène Manet. Berthe divenne una figura chiave del movimento impressionista. Si unì alla Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs, alla quale Manet si rifiutò di aderire, e partecipò alla Prima e alla Seconda mostra impressionista, alle quali anche lui si rifiutò.

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I fratelli Manet

Édouard Manet era il maggiore di due fratelli: Eugène Manet, nato nel 1833. Appare in Musica alle Tuileries di Manet, ed è anche il modello per l”uomo con il cappotto di mattina in Il pranzo sull”erba, e per un disegno a grafite dei tre personaggi principali in Il pranzo sull”erba 1862-1863 (Oxford, Ashmolean Museum), che non è considerato uno studio preparatorio, ma un disegno successivo per Il pranzo. Eugène è uno dei due protagonisti del quadro Sur la plage dove il giovane è in compagnia di Suzanne Manet, poco prima del suo matrimonio con Berthe Morisot sulla spiaggia di Berck-sur-Mer. Moreau-Nélaton ha anche affermato che Eugène ha posato per The Matador Saluting, il che sembra molto possibile data la somiglianza del soggetto con Eugène.

Gustave Manet, nato nel 1835, fu consigliere comunale a Parigi.

Fu probabilmente tramite lui che il pittore entrò in contatto con Georges Clemenceau, di cui dipinse il ritratto. Si sa poco di Gustave, che non appare in nessuno dei dipinti del fratello.

Amicizie letterarie

Già da giovane pittore, Manet aveva conquistato l”amicizia di Baudelaire. I due uomini si incontrarono già nel 1859 nel salone del comandante Lejosne, amico della famiglia Manet. Anche se Baudelaire non scrisse mai pubblicamente a sostegno del suo amico, anche durante lo scandalo del Salon des Refusés nel 1863, egli tenne in grande considerazione il talento del giovane a partire dalla presentazione di The Absinthe Drinker. Come notò nel 1865, poco prima della sua morte, “ci sono difetti, mancanze, una mancanza di portamento, ma c”è un fascino irresistibile”. Io so tutto questo, sono uno dei primi ad averlo capito”.

L”amicizia di Baudelaire fu particolarmente benefica per Manet dopo la presentazione di Olympia: il pittore, avvilito dalle critiche feroci che aveva ricevuto, scrisse a Baudelaire, che si trovava a Bruxelles nel maggio 1865. Baudelaire rispose in un modo che gli diede coraggio:

“Quindi devo dirti di più su di te. Devo cercare di mostrarvi quello che valete. È davvero sciocco quello che pretendete. Sei deriso; sei infastidito dagli scherzi; non sai come renderti giustizia, ecc. Pensa di essere il primo uomo in questa situazione? Ha più genio di Chateaubriand e Wagner? Sono stati ben derisi, tuttavia? Non sono morti. E per non ispirarvi troppo orgoglio, vi dirò che questi uomini sono modelli, ognuno nel suo genere, e in un mondo molto ricco, e che voi non siete che il primo nella decrepitezza della vostra arte. Spero che non si offenda per la sfacciataggine con cui la tratto. Tu conosci la mia amicizia per te.

Baudelaire appare nel quadro La Musique aux Tuileries, è sullo sfondo, con un cappello a cilindro. Manet gli fece un ritratto di profilo, incisione del 1862.

Fu in questo periodo che Édouard Manet ricevette l”appoggio di un giovane autore di ventisei anni, Émile Zola. Quest”ultimo, indignato dal rifiuto di mostrare Il suonatore di piffero al Salon ufficiale del 1866, pubblicò un articolo clamoroso su L”Événement dello stesso anno, in cui difendeva il dipinto. L”anno seguente, Zola arriva a dedicare uno studio biografico e critico molto dettagliato a Édouard Manet, per permettere la “difesa e l”illustrazione” della sua pittura, che definisce “solida e forte”.

Manet fu molto grato al suo nuovo amico e nel 1868 dipinse il Ritratto di Émile Zola, che fu accettato al Salon dello stesso anno. Il quadro contiene diversi elementi aneddotici e discreti che rivelano l”amicizia dei due uomini: oltre alla riproduzione di Olympia appesa alla parete, in cui lo sguardo di Victorine Meurent è stato leggermente modificato rispetto all”originale per fissare Zola, sulla scrivania è visibile il libro azzurro che lo scrittore aveva scritto in difesa di Manet. L”accordo tra i due uomini, tuttavia, non durò: sempre più perplesso dall”evoluzione impressionista dello stile di Manet, che era lontano dal realismo che apprezzava, Zola alla fine ruppe ogni contatto.

Più tardi nella sua vita, Manet troverà in un uomo di lettere l”amicizia profonda e spirituale che aveva sentito per Baudelaire, nella persona di Stéphane Mallarmé” La relazione tra Mallarmé e Manet risale almeno al 1873, anno dell”arrivo del poeta a Parigi. Una lettera di John Payne a Mallarmé, datata 30 ottobre, ricorda una visita congiunta allo studio del pittore. Si erano conosciuti qualche mese prima, o tramite Philippe Burty o tramite Nina de Callias, di cui Manet aveva dipinto il ritratto. Il loro rapporto era così stretto e regolare che Mallarmé scrisse a Verlaine nella sua mini biografia del 1947: “Per dieci anni ho visto ogni giorno il mio caro Manet, la cui assenza oggi sembra improbabile. I due uomini si incontravano quotidianamente. (…) Nel 1876 Manet sceglie una piccola tela per dipingere la sua modella in un atteggiamento rilassato. Quest”ultimo, più giovane di dieci anni, provava una tale ammirazione per l”arte di Manet che pubblicò un articolo incandescente su di lui a Londra nel 1876. In questo articolo, intitolato Les Impressionnistes et Édouard Manet, Mallarmé difende il suo compatriota, e in particolare il quadro Le Linge, una rappresentazione senza pretese di una giovane donna di Les Batignolles che lava i suoi vestiti, un”opera che fu rifiutata al Salon perché combinava un tema banale con uno stile impressionista. Manet ha poi dipinto un Ritratto di Stéphane Mallarmé. Fu lo scrittore Georges Bataille a definire il meraviglioso successo di questo ritratto del poeta. “Nella storia dell”arte e della letteratura, questo quadro è eccezionale. Irradia l”amicizia di due grandi menti; nello spazio di questa tela non c”è spazio per quei tanti cedimenti che appesantiscono la razza umana. La forza leggera del volo, la sottigliezza che dissocia anche frasi e forme, segna qui una vera vittoria. La spiritualità più ariosa, la fusione delle possibilità più remote, le ingenuità e gli scrupoli compongono l”immagine più perfetta del gioco che l”uomo è alla fine, la sua pesantezza una volta superata”. Paul Valéry associava quello che chiamava “il trionfo di Manet” all”incontro con la poesia, prima nella persona di Baudelaire, poi di Mallarmé. Questo trionfo, sembra, è stato raggiunto in questo quadro, nel modo più intimo.

Questa vicinanza tra artista e scrittore portò Édouard Manet a creare le illustrazioni che accompagnarono due testi di Mallarmé: Le Corbeau, una traduzione del poema di Edgar Allan Poe nel 1875, e L”Après-midi d”un faune nel 1876.

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Amicizie artistiche: la “banda Manet

Mentre Manet invecchiava, un numero crescente di giovani artisti rivendicava il suo spirito opponendosi all”accademismo. Sostenendo la pittura all”aria aperta e chiamandosi, a turno, Intransigenti, Realisti o Naturalisti, i critici li hanno infine, ironicamente, soprannominati “Impressionisti”. Tra questi giovani talenti, alcuni diventeranno vicini a Manet e formeranno il cosiddetto gruppo “Batignolles”, così chiamato in riferimento al quartiere di Batignolles dove si trovava lo studio di Manet e i principali caffè che il gruppo frequentava. Il gruppo comprendeva pittori come Paul Cézanne, Auguste Renoir, Frédéric Bazille e Claude Monet.

Di tutti questi giovani discepoli, l”amico più intimo di Manet fu senza dubbio Claude Monet, il futuro leader dell”impressionismo. Le famiglie dei due pittori divennero presto molto vicine e trascorsero lunghe giornate insieme nel verde di Argenteuil, nella casa della famiglia Monet. Queste visite regolari diedero a Édouard Manet l”opportunità di dipingere diversi ritratti intimi del suo amico, come quello chiamato ironicamente Claude Monet dipinto nel suo studio, e soprattutto di cercare di imitare lo stile e i temi preferiti di quest”ultimo, in particolare l”acqua. L”emulazione è visibile ad Argenteuil, dove Manet forza deliberatamente la sua linea per avvicinarsi all”impressionismo intrinsecamente più nitido di Monet, con una Senna oltraggiosamente blu.

Questa ammirazione reciproca non ha comunque impedito ai due uomini di sviluppare i propri stili indipendentemente l”uno dall”altro. È utile confrontare due vedute di Parigi dipinte lo stesso giorno sullo stesso soggetto nel 1878, in occasione dell”Esposizione universale: mentre la Rue Mosnier aux drapeaux di Manet presenta un paesaggio austero e quasi sterile, lo splendore lussureggiante della Rue Montorgueil di Monet rivela un punto di vista radicalmente diverso.

Édouard Manet era anche strettamente associato al pittore Edgar Degas, anche se quest”ultimo non era specificamente un membro del gruppo Batignolles. I due uomini erano inseparabili durante le ore buie della guerra franco-prussiana del 1870 quando, intrappolato nella Parigi assediata con il suo amico, Manet poteva comunicare solo per lettera con sua moglie Suzanne, che si era rifugiata in provincia. Manet e Degas trovarono ulteriori affinità durante la Comune di Parigi attraverso la loro comune opposizione al partito di Versailles. Anche se i due uomini hanno spesso litigato e si sono scontrati per la preminenza nell”avanguardia artistica, Degas ha sempre tenuto Manet in grande stima e ha contribuito a promuovere il lavoro di Manet dopo la sua morte.

La battaglia della Kearsarge e dell”Alabama

La pittura storica, a causa del suo carattere molto accademico, rimase un genere marginale nell”opera di Manet, anche se alcuni importanti eventi contemporanei catturarono comunque il suo interesse. Nel 1865, per esempio, Manet immortalò una battaglia navale della guerra civile che ebbe luogo al largo di Cherbourg il 19 giugno 1864 tra la nave federale Kearsarge e la nave confederata Alabama: Le Combat du Kearsarge et de l”Alabama (134 × 127 cm). Nel 1872, Barbey d”Aurevilly affermava che “la pittura di Manet è soprattutto una magnifica marina”, sottolineando che “il mare che si gonfia intorno è più terribile del combattimento”. Il quadro esposto da Alfred Cadart fu lodato dal critico Philippe Burty.

Nello stesso anno, Manet realizza diversi quadri sul tema del Kearsarge e sul tema delle barche da pesca, che testimoniano le attività marittime dell”epoca: L”arrivo a Boulogne del Kearsarge (1864), Le Steam-boat, marine ou Vue de mer, temps calme (1864-1865) o i ritratti dei membri del suo equipaggio (Pierrot ivre, un acquerello che fa la caricatura del pilota Pontillon, futuro marito di Edma Morisot, sorella della pittrice Berthe Morisot con cui Manet fece amicizia).

L”esecuzione di Massimiliano

Manet era ancora scosso dal fallimento della sua mostra all”Alma quando, il 19 giugno 1867, anche se l”esposizione universale non era ancora finita, la notizia dell”esecuzione di Massimiliano d”Asburgo in Messico arrivò nella capitale francese. Édouard Manet, sempre fervente repubblicano, fu scandalizzato dal modo in cui Napoleone III, dopo aver imposto l”insediamento di Massimiliano in Messico, ritirò l”appoggio delle truppe francesi. Il pittore lavorò per più di un anno su una grande tela commemorativa e storica, dall”estate del 1867 alla fine del 1868.

Ha fatto diverse versioni dello stesso soggetto. Il primo è nel museo di Boston, frammenti del secondo sono nella National Gallery di Londra, lo schizzo finale è nella Ny Carlsberg Glyptotek di Copenhagen, la composizione finale nel museo di Mannheim.

“La versione di Boston è la più vicina a Goya nel suo spirito romantico e nei suoi toni caldi, che furono sostituiti da una fredda armonia di grigi, verdi e neri nelle versioni successive. Mentre Goya ha catturato il momento in cui i soldati puntano le loro armi, Manet fissa l”inquadratura. Questa versione sarebbe il laboratorio primitivo della composizione.

Ispirata al Tres de mayo di Goya, ma trattata in modo radicalmente diverso, la scena dell”Esecuzione di Massimiliano ha soddisfatto Manet, che senza dubbio l”avrebbe proposta al salone se non fosse stato informato in anticipo che sarebbe stata rifiutata. Tuttavia, il quadro, ben noto nel mondo dell”arte, sarà emulato, in particolare da Gérôme e dalla sua Esecuzione del Maresciallo Ney. “Con la sua sequenza di esecuzioni, Manet è un esempio dell”ultimo sforzo per ricreare la grande pittura storica. Solo con Guernica di Picasso (1937), e più chiaramente con i Massacri coreani, la sfida di Manet è stata raccolta, una sfida che Manet stesso aveva lanciato a Goya e alla grande tradizione”.

Esposto negli Stati Uniti dall”amica del pittore, la cantante Émilie Ambre, durante le sue tournée del 1879 e 1880, il quadro ebbe un successo solo relativo. Il trionfo dell”impressionismo soppresse per un po” l”ambizione di dipingere i grandi eventi dell”epoca.

La Comune di Parigi – Manet repubblicano

Repubblicano convinto, Manet si unì alla Guardia Nazionale all”epoca della guerra del 1870, insieme a Degas, agli ordini del pittore Meissonier che era un colonnello. Dopo la capitolazione, rimase a Bordeaux prima di tornare a Parigi dove trovò il suo studio in rue Guyot. Gli ultimi sconvolgimenti della Comune lacerarono Parigi e Manet, che essa aveva eletto nella sua Federazione degli artisti, si dissociò dai suoi eccessi. Tuttavia, guardò con orrore la natura selvaggia della repressione e la espresse in due litografie La Barricade (1871-1873 (Boston Museum of Fine Arts) dove gli uomini armati disegnati da dietro evocano l”esecuzione di Maximilien o Guerre civili (1871, una stampa del 1874 è conservata alla Bibliothèque nationale de France) in cui Manet inverte l”immagine del Torero morto nel disegno di un corpo disteso ai piedi di una barricata deserta e la carica emotiva dell”opera è ulteriormente rafforzata “da un”inquadratura stretta, l”artista concentra l”attenzione dello spettatore su questo recumbent la cui solitudine parla dell”inettitudine della repressione rapida e selvaggia. “

Come i suoi contemporanei, Manet fu colpito dall”avventura di Henri Rochefort che, deportato in Nuova Caledonia dopo la Comune, scappò nel 1874 e raggiunse l”Australia su una piccola baleniera. Repubblicano ma cauto, “l”artista ha aspettato il trionfo dei repubblicani al Senato e alla Camera nel gennaio 1879, così come il voto di una legge di amnistia per i comunardi nel luglio 1880 che autorizzava il ritorno in Francia dei fuggiaschi, prima di affrontare l”argomento”.

Manet, che all”epoca era malato, chiese di incontrare Rochefort per avere i dettagli dell”avventura e il 4 dicembre 1880 scrisse a Stéphane Mallarmé: “Ho visto Rochefort ieri, la barca che li serviva era una baleniera grigio scuro; sei persone, due remi. Saluti”. È dai conti di Rochefort che ha composto due quadri intitolati L”Évasion de Rochefort, uno dei quali, dove i caratteri sono più precisi, è conservato nel Musée d”Orsay di Parigi, l”altro è nella Kunsthaus di Zurigo. Il gennaio seguente, nel 1881, Manet dipinse un ritratto a grandezza naturale di Henri Rochefort, ora al museo di Amburgo.

Poco prima (nel 1879-1880) aveva realizzato il Ritratto di Clemenceau, quando Georges Clemenceau era presidente del Consiglio, legato a Gustave Manet, fratello del pittore, e consigliere comunale di La Chapelle (1878-1881), nel 18° arrondissement di Parigi, roccaforte elettorale di Clemenceau.

Il mondo del mare

A partire dal 1868, i Manet hanno l”abitudine di passare le loro estati a Boulogne-sur-Mer, nel Pas-de-Calais, dove hanno acquistato un appartamento. Oltre a Le Déjeuner dans l”atelier, questi soggiorni ripetuti permisero a Édouard Manet di sviluppare un genere che lo aveva sempre attratto: le marine e il mondo del mare. Boulogne, un importante porto di pesca, era una fonte inesauribile di ispirazione per un pittore che amava i soggetti naturalistici.

Il suggestivo Clair de lune sur le port de Boulogne (Chiaro di luna sul porto di Boulogne) raffigura il ritorno di un peschereccio al calar della notte e l”attesa delle mogli dei marinai sotto la luce della luna. Da questa scena ordinaria, Manet crea un chiaroscuro misterioso e drammatico, probabilmente ispirato dai paesaggi notturni fiamminghi e olandesi del XVII secolo o dalle marine al chiaro di luna di Vernet. È anche possibile che Manet si sia ispirato a un piccolo formato di Van der Neer che possedeva e che ha offerto in una vendita prima di ritirarlo. Una cinquantina di opere di Van der Neer su temi simili furono vendute a Parigi tra il 1860 e il 1880.

Le vacanze a Boulogne videro la nascita di altri quadri importanti, in particolare la Partenza del piroscafo da Folkestone, nel 1869: Manet raffigura il piroscafo a pale che forniva il collegamento con il porto inglese di Folkestone, e sul quale il pittore si era effettivamente imbarcato l”anno precedente per visitare Londra. La signora vestita di bianco sul lato sinistro della composizione sarebbe Suzanne Manet, accompagnata da suo figlio Léon. Il dipinto, in contrasto con Moonlight, è uno degli esempi più eclatanti della capacità di Manet di giocare con la luce e il colore. The Tarred Boat è stato dipinto sulla spiaggia di Berck, e prende come tema il lavoro dei pescatori.

Il molo di Boulogne è anche il soggetto di diverse opere, la maggior parte delle quali appartengono a collezionisti privati, ad eccezione di una al Van Gogh Museum di Amsterdam, quasi tutte intitolate Jetée de Boulogne.

Manet tornò al tema delle barche nel 1872-1873 con un dipinto ora nel Museo d”Arte Moderna André Malraux a Le Havre. L”opera intitolata Barche in mare. Soleil couchant, (MNR 873), di piccolo formato, piuttosto insolito per un marine, fu probabilmente realizzato durante uno dei soggiorni del pittore a Berck. Poco dopo, Claude Monet presentò due quadri alla mostra del 1874, Impression, soleil levant e Impression soleil couchant, che diedero il “calcio d”inizio” al movimento impressionista al quale diede il suo nome.

Caffè e caffè concerto

Il ruolo dei caffè, delle brasserie e delle sale da concerto era tanto importante nella vita artistica del XIX secolo quanto nella vita politica. Pittori, scrittori, giornalisti e collezionisti vi si incontravano spesso. Intorno a Manet si formò un “cenacolo” che, a partire dal 1866 secondo Théodore Duret, si riuniva il venerdì sera al Café Guerbois, situato al 11 di Grand-Rue-des-Batignolles, oggi Avenue de Clichy. Due tavoli sono riservati a questo gruppo, che tiene discussioni tumultuose da cui emergeranno i nuovi criteri dell”arte. Intorno al pittore c”erano tutti i suoi compagni dello studio Couture e del gruppo del 1863, tra cui Fantin-Latour, Whistler e Renoir.

Il pittore, che aveva il suo studio al 34 boulevard des Batignolles dal 1864 al 1866, si riuniva tutte le sere in questo grande caffè, che fu poi chiamato Brasserie Muller. Poi, dopo la guerra del 1870, verso il 1875, Manet prese la residenza a La Nouvelle Athènes, Place Blanche. Questi due caffè erano luoghi alti dell”impressionismo, ma Manet frequentava anche il luogo d”incontro di repubblicani avanzati, futuri membri della Comune di Parigi, come Raoul Rigault, o Jules Vallès.

Manet trattò più volte il tema dei caffè, per esempio con Le Bon Bock del 1873 (Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, 94 × 83 cm), ma fu soprattutto dopo il 1878 che il tema divenne notevole con il grande quadro intitolato Reichshoffen, che raffigurava l”interno del nuovo cabaret di rue Rochechouart nel quartiere di Montmartre a Parigi. Manet divise il quadro in due quadri separati: Au café (Museo Oskar Reinhart “Am Römerholz”, Winterthur, Svizzera) e Coin de Café-Concert au cabaret de Reichshoffen – National Gallery, Londra, olio su tela, 97,1 × 77,5 cm), di cui esiste una versione dipinta qualche mese dopo, nel 1878-79 ed esposta al Musée d”Orsay: La Serveuse de bocks (olio su tela, 77,5 × 65 cm). Altri dipinti, come Au café e La Prune, risalgono allo stesso periodo, così come un”opera meno finita e meno conosciuta Intérieur d”un café (1880 circa) nella Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow, UK.

Tuttavia, è un”altra atmosfera, quella di un ristorante con giardino, situato sull”Avenue de Clichy, che ha ispirato l”artista a dipingere Chez le père Lathuille (1879), dove vediamo un giovane uomo che si affretta verso una giovane donna e la corteggia. “Al Salon di quest”anno, ha un ritratto molto notevole di M. Antonin Proust e una scena all”aperto, Chez le père Lathuille, due figure a un tavolo di cabaret, di una gaiezza e delicatezza di tono incantevoli.

Fu mentre si occupava ancora del mondo dei caffè e dei luoghi di piacere che Manet, già profondamente consumato dalla sifilide, produsse nel 1881-1882 una delle sue ultime grandi opere intitolata Un bar alle Folies Bergère. La scena, contrariamente alle apparenze, non fu dipinta nel bar delle Folies Bergère ma fu interamente ricreata nello studio. La giovane donna usata come modella, Suzon, è una vera dipendente di questo famoso caffè-concerto. I numerosi elementi sul bancone di marmo, che siano bottiglie di alcol, fiori o frutta, formano un insieme piramidale che culmina nei fiori sul corpetto della cameriera stessa. Ma l”aspetto che più ha catturato l”attenzione dei critici è stato il riflesso di Suzon nello specchio. Lo specchio non sembra riflettere un”immagine esatta della scena, sia per quanto riguarda la postura della giovane donna che per la presenza dell”uomo di fronte a lei, che è così vicino che dovrebbe logicamente nascondere tutto allo spettatore. Questo, secondo Huysmans, “stupisce i presenti, che si affollano intorno, scambiandosi osservazioni disorientate sul miraggio di questo quadro. Il soggetto è molto moderno e l”idea di M. Manet di collocare la sua figura femminile in questo modo, nel suo ambiente, è geniale. È veramente deplorevole vedere un uomo del valore di M. Manet sacrificarsi a tali sotterfugi e, in breve, fare quadri che sono convenzionali come quelli di altri! Mi dispiace ancora di più perché, nonostante i suoi toni gessosi, il suo bar è pieno di qualità, sua moglie è ben ingessata e la sua folla è piena di vita. Nonostante tutto, questo bar è certamente il più moderno, il quadro più interessante che questo salone contiene.

Non è impossibile che l”idea di una composizione davanti a uno specchio sia stata ispirata a Manet dal quadro Dans un café di Gustave Caillebotte, in cui un uomo in piedi con le ginocchia tagliate si appoggia a un tavolo davanti a uno specchio (una composizione a sua volta derivata dal Déjeuner dans l”atelier di Manet.

Natura morta

Manet amava anche le nature morte: “Un pittore può dire tutto con la frutta o i fiori, o solo con le nuvole”, diceva. Una parte significativa della sua opera è dedicata a questo genere, soprattutto prima del 1870 e poi negli ultimi anni della sua vita quando la malattia lo immobilizzò nel suo studio. Alcuni elementi dei suoi quadri costituiscono vere e proprie nature morte, come il cesto di frutta in Déjeuner sur l”herbe, il mazzo di fiori in Olympia o il vaso di fiori, la tavola apparecchiata e vari oggetti in Petit déjeuner dans l”atelier. Lo stesso vale per i ritratti, con il vassoio che porta un bicchiere e una caraffa nel Ritratto di Théodore Duret o il tavolo e i libri nel Ritratto di Émile Zola. Ma le nature morte autonome non mancano nell”opera di Manet: l”artista ha così dipinto più volte pesci, ostriche o altri piatti (Nature morte au cabas et à l”ail, 1861-1862, Louvre Abu Dhabi, o La Brioche, 1870 – Metropolitan Museum of Art, New York), rendendo così una sorta di omaggio a Chardin. Ancora più spesso, dipinge soggetti floreali che ricordano la pittura olandese (rose, peonie, lillà, violette) o frutta e verdura (c”è un aneddoto su Un mazzo di asparagi: quando Charles Ephrussi comprò il quadro per un prezzo superiore a quello offerto, Manet gli inviò un piccolo quadro (oggi al museo d”Orsay) che rappresenta un solo asparago con la scritta “Al vostro mazzo ne mancava uno”.

Al di là del genere tradizionale, le nature morte di Édouard Manet attirano l”attenzione costituendo talvolta delle vere e proprie scenografie drammatiche, come dimostra il quadro Vaso di peonie su piedistallo (1864): attraverso la composizione dei fiori appassiti, i petali che cadono a terra e l”inquadratura molto stretta del vaso, lo sguardo dello spettatore viene catturato e attirato verso un movimento verso il basso.

– Michel Melot

A partire dal 1860-1861, Manet si dedicò all”incisione e produsse un totale di quasi cento stampe – settantatre acqueforti e ventisei litografie e xilografie – in parte utilizzando i soggetti di alcuni dei suoi dipinti, mentre le altre incisioni erano completamente originali. Si dedicò a questo lavoro regolarmente fino al 1869, e vi ritornò episodicamente in seguito fino al 1882. Stampe e ristampe sono state fatte anche dopo la sua morte.

Una cronologia esatta delle 99 stampe rimane molto difficile da stabilire. Il primo sembra essere Manet père I, puntasecca e acquaforte datata e firmata, eseguita alla fine del 1860. Possiamo notare Le Guitarero (1861), Le Buveur d”absinthe (1861-1862), Lola de Valence (1862), L”Acteur tragique (1866), Olympia (1867, pubblicato da Dentu nello studio che Émile Zola ha dedicato al quadro), L”Exécution de Maximilien (1868, litografia), Le Torero mort (1868), La Barricade e Guerre civili (1871, litografie), Berthe Morisot (1872) e Le Polichinelle (la sua unica litografia a colori, 1876).

Incise anche illustrazioni per la libreria come Fleur exotique, ispirata a Goya, per la raccolta Sonnets et eaux-fortes (A. Lemerre, 1868), Le chat et les fleurs in Les Chats di Champfleury (Jules Rothschild, 1869, senza dimenticare Le Rendez-vous des chats, una litografia per il poster di lancio), i due ritratti di Charles Baudelaire pubblicati nello studio firmato Charles Asselineau (A. Lemerre, 1869), il frontespizio de Les Ballades de Théodore de Banville (estate 1874), e soprattutto tre opere di cui fu l”unico illustratore originale, vale a dire otto tavole per Le Fleuve di Charles Cros (La Librairie de l”eau-forte, 1874), quattro tavole e due vignette per Le Corbeau (Richard Lesclide, 1875) di Edgar Allan Poe, tradotto da Stéphane Mallarmé, e, dalla stessa fonte, quattro xilografie per L”Après-midi d”un faune (A. Derenne, 1876).

Gli autografi erano di particolare importanza per Manet, che si preoccupava molto della scelta della carta e della tecnica, secondo Étienne Moreau-Nélaton. Gli autografi sono sei disegni a pennello in inchiostro autografico, trasferiti su zinco e stampati da Lefman. I fogli di immagini erano inseriti tra i doppi fogli di testo. L”editore doveva assecondare i gusti raffinati del poeta e dell”artista. Stéphane Mallarmé riferisce di essere stato spaventato dalla seta nera che Manet voleva mettere sul retro del cartone, e che il pittore chiedeva ancora “una pergamena, una carta morbida verde o gialla che si avvicinasse al tono della copertina”. L”illustrazione della prima strofa è un disegno piuttosto preciso che dettaglia il poeta alla sua tavola. Il successivo, rielaborato più volte dall”artista, è più impressionante di mezzanotte, con un paesaggio scuro e triste. Nella terza tavola, il corvo è ancora appollaiato sul busto di Pallade, ripetendo il suo sinistro Nevermore, e Manet, seguendo il testo molto attentamente, ha inventato un”immagine straordinaria per esprimere il confronto tra il corvo e il poeta. E più si va avanti nel testo, più le tavole diventano scure, finché l”ultima immagine è quasi illeggibile con il gioco di ombre e le ampie pennellate. Il destino di The Raven, sebbene sia un”opera molto raffinata, è stato molto deludente. Secondo Henri Mondor e Jean Aubry, “il suo formato troppo grande, le illustrazioni di Édouard Manet, ancora molto discusse nel 1875, la singolarità del poema di Poe per la maggior parte dei lettori e il nome di Mallarmé, che era ancora praticamente sconosciuto, hanno cospirato per tenere lontani i potenziali acquirenti. L”anno seguente, L”Après-midi d”un faune di Mallarmé, che sarà pubblicato da Alphonse Derenne, riceverà un”accoglienza migliore, ma non sarà un successo.

Secondo Léon Rosenthal, quattro delle tavole di Manet sono scomparse ed esistono solo come fotografie: The Street Singer, The Men in Straw Hats, The Posada e The Travellers.

Manet ha anche usato grafite e lavaggi a inchiostro per due Annabel Lee (1879-1881). Il primo, Giovane donna in riva al mare (46,2 × 29 cm), si trova al Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, il secondo allo Statens Museum for Kunst di Copenhagen. In precedenza, aveva utilizzato questa tecnica con À la fenêtre (27 × 18 cm, Musée du Louvre, Cabinet des dessins) e Marine au clair de lune (20 × 18 cm, idem).

Nel 1879, Édouard Manet, malato, soggiornò con sua moglie per sei settimane nello stabilimento di idroterapia fondato dal dottor Louis Désiré Fleury a Meudon-Bellevue. Quando vi ritornò per una cura di quattro mesi nel maggio 1880, soggiornò sul sentiero di Pierres-Blanches dove dipinse diversi quadri. Vinse anche un premio al Salon del 1881 e fu insignito della Légion d”honneur dal suo amico Antonin Proust, che era diventato ministro delle Belle Arti: il premio fu deciso nonostante l”opposizione alla fine del 1881 e la cerimonia ebbe luogo il 1° gennaio 1882.

Indebolito per diversi anni, durante gli ultimi due anni dipinse piccole tele che eseguì seduto (numerose piccole nature morte di frutta e fiori, come Rose in un vaso), ma soprattutto ritratti dei suoi visitatori a pastello, una tecnica meno faticosa della pittura a olio. Morì infine il 30 aprile 1883 al 39, rue de Saint-Pétersbourg all”età di 51 anni, in seguito a un”atassia locomotoria dovuta alla sifilide contratta a Rio. La malattia, oltre alle numerose sofferenze e alla parziale paralisi degli arti che gli aveva causato, degenerò poi in una cancrena che rese necessaria l”amputazione del piede sinistro undici giorni prima della sua morte.

Il funerale ebbe luogo il 3 maggio 1883 nel cimitero di Passy, in presenza di Émile Zola, Alfred Stevens, Claude Monet, Edgar Degas e molte altre vecchie conoscenze. Secondo Antonin Proust, suo amico di una vita, il corteo funebre comprendeva “corone, fiori e molte donne”. Degas, da parte sua, si dice che abbia detto di Manet che “era più grande di quanto pensassimo”.

La sua tomba si trova nella quarta divisione del cimitero, un epitaffio inciso da Félix Bracquemond nel 1890 “Manet et manebit” (in latino: “Resta e resterà”, un gioco di parole sul nome del pittore) può riassumere il sentimento generale del mondo dell”arte dopo la sua morte. È sepolto con sua moglie Suzanne, suo fratello Eugène e sua cognata Berthe. Il busto sulla sua lapide è opera dello scultore e pittore olandese Ferdinand Leenhoff, fratello della compagna di Manet.

Manet fu vituperato, insultato e ridicolizzato, ma divenne il leader riconosciuto dell””avanguardia”. Se il pittore era legato agli attori del movimento impressionista, oggi è considerato a torto come uno dei suoi padri. Era una potente ispirazione, sia nella sua pittura che nei suoi temi preferiti. Il suo modo di dipingere, interessato alla realtà, rimane fondamentalmente diverso da quello di Claude Monet o Camille Pissarro. Alcune delle sue opere sono vicine all”impressionismo, come L”Évasion de Rochefort, Portrait de Claude Monet peignant sur son bateau-atelier à Argenteuil e Une allée dans le jardin de Rueil. Anche se Manet rimase lontano dall”impressionismo, sostenne i suoi rappresentanti, in particolare sua cognata Berthe Morisot, alla prima esposizione della Prima mostra dei pittori impressionisti.

Il maestro ha lasciato più di 400 tele e innumerevoli pastelli, schizzi e acquerelli che costituiscono una grande opera pittorica con una sicura influenza sugli artisti del suo tempo, come il gruppo Batignolles, e ben oltre: Manet è infatti riconosciuto a livello internazionale come uno dei più importanti precursori della pittura moderna; i suoi principali dipinti possono essere visti nei più grandi musei del mondo. Fu nel 1907, in un”ironia della storia della pittura, che Olympia, “rifiutata” nel 1863, entrò nel museo del Louvre 44 anni dopo la sua creazione (ora è nel museo d”Orsay).

Édouard Manet ha un ruolo importante nel romanzo Un chasseur de lions (2008) di Olivier Rolin, accanto all”avventuriero comico e derisorio Eugène Pertuiset, di cui fece il ritratto nel 1881 “come Tartarin”.

Nel 2000, uno dei suoi quadri è stato venduto per più di venti milioni di dollari. Nel 2014, da Christie”s a New York, il quadro Primavera, di proprietà di un collezionista e della sua famiglia da oltre cento anni, è stato venduto per 65 milioni di dollari (52 milioni di euro).

Nel 2004, un rigattiere di Ginevra avrebbe scoperto un dipinto sconosciuto di Manet nascosto sotto una crosta. Sostiene di aver identificato nel ritratto di una bella giovane donna, Méry Laurent, la modella e un”amante di Édouard Manet. Il dipinto iniziale, considerato scandaloso per la sua natura erotica, fu mascherato e dimenticato. Tuttavia, l”attribuzione di questo dipinto a Édouard Manet non è confermata.

Il 22 giugno 2010, un autoritratto di Édouard Manet è stato venduto a Londra per 22,4 milioni di sterline (27 milioni di euro), una cifra record per un”opera del pittore francese.

Nel 2012, a seguito di un”asta, l”Ashmolean Museum di Oxford ha potuto acquisire il Ritratto di Miss Claus dipinto nel 1868, grazie a una sottoscrizione pubblica di 7,83 milioni di sterline. Il dipinto è stato vietato dall”esportazione dalla Gran Bretagna dal Comitato di revisione sull”esportazione di opere d”arte.

La sua unica allieva conosciuta fu Eva Gonzalès (1849-1883) che gli fu presentata nel 1869 da Alfred Stevens. Nello studio di Manet incontrò Berthe Morisot, che era gelosa della sua amicizia con il maestro. Ha dipinto un quadro di lei che dipinge una natura morta nel 1870, che è ora nelle collezioni della National Gallery di Londra.

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Fonti