Robert Rauschenberg
gigatos | január 20, 2022
Összegzés
Milton Ernest „Robert” Rauschenberg (1925. október 22. – 2008. május 12.) amerikai festő és grafikusművész, akinek korai művei a pop art mozgalom előfutárai voltak. Rauschenberg jól ismert a Combines (1954-1964) című műveiről, egy olyan műcsoportról, amely hétköznapi tárgyakat épített be művészeti anyagként, és amely elmosódott a festészet és a szobrászat közötti különbségtétel. Rauschenberg egyszerre volt festő és szobrász, de foglalkozott fotográfiával, grafikával, papírmerítéssel és performanszokkal is.
Rauschenberg közel 60 éves művészi pályafutása során számos díjat kapott. A legjelentősebbek közé tartozik az 1964-es 32. Velencei Biennálé Nemzetközi Festészeti Nagydíja és az 1993-as Nemzeti Művészeti Érdemérem.
Rauschenberg 2008. május 12-én bekövetkezett haláláig New Yorkban és a floridai Captiva-szigeten élt és dolgozott.
Rauschenberg Milton Ernest Rauschenbergként született a texasi Port Arthurban, Dora Carolina (született Matson) és Ernest R. Rauschenberg fiaként. Apja német és Cherokee felmenőkkel rendelkezett, anyja pedig holland származású volt. Apja a Gulf States Utilities villamosenergia- és áramszolgáltató vállalatnál dolgozott. Szülei fundamentalista keresztények voltak. Volt egy Janet Begneaud nevű húga.
Rauschenberg 18 évesen felvételt nyert az austini Texasi Egyetemre, ahol gyógyszerészetet kezdett tanulni, de a tananyag nehézsége miatt – ekkor még nem tudta, hogy diszlexiás -, valamint azért, mert nem volt hajlandó békát boncolni a biológiaórán, rövid időn belül abbahagyta a tanulmányait. 1944-ben behívták az Egyesült Államok haditengerészetéhez. Kaliforniában állomásozott, és 1945-ös vagy 1946-os leszereléséig neuropszichiátriai technikusként szolgált egy haditengerészeti kórházban.
Rauschenberg ezt követően a Kansas City-i Művészeti Intézetben és a párizsi Académie Julianban tanult, ahol megismerkedett Susan Weil művésztársával. Rauschenberg 1948-ban Weilhez csatlakozva beiratkozott az észak-karolinai Black Mountain College-ba.
Black Mountainben Rauschenberg felkereste Josef Alberst, a németországi Bauhaus egyik alapítóját, akiről a Time magazin 1948. augusztusi számában olvasott. Azt remélte, hogy Albers szigorú tanítási módszerei megfékezhetik megszokott hanyagságát. Albers előzetes tervezési kurzusai szigorú fegyelemre épültek, amely nem engedett meg semmilyen „befolyásolatlan kísérletezést”.
Rauschenberg a saját szavaival élve „Albers dunyhaja lett, annak kiemelkedő példája, hogy miről nem beszélt”. Bár Rauschenberg Albers-t tartotta legfontosabb tanárának, John Cage-ben, az avantgárd zene elismert zeneszerzőjében találta meg a hozzá jobban illeszkedő érzékenységet. Rauschenberghez hasonlóan Cage is eltávolodott tanítója, Arnold Schönberg fegyelmező tanításaitól, és a zene kísérletezőbb megközelítése felé fordult. Cage a pályája korai éveiben Rauschenberg számára nagy szükségletű támogatást és bátorítást nyújtott, és ők ketten még évtizedekig barátok és művészi munkatársak maradtak.
1949 és 1952 között Rauschenberg Vaclav Vytlacil és Morris Kantor mellett tanult a New York-i Art Students League-ben, ahol találkozott Knox Martin és Cy Twombly művésztársakkal.
Rauschenberg 1950 nyarán vette feleségül Susan Weilt a Connecticut állambeli Outer Islanden, a Weil család otthonában. Egyetlen gyermekük, Christopher 1951. július 16-án született. Ők ketten 1952 júniusában különváltak, és 1953-ban elváltak. Ezt követően Rauschenbergnek romantikus kapcsolata volt többek között Cy Twombly és Jasper Johns művésztársakkal. Élete utolsó 25 évében Darryl Pottorf festőművész volt a partnere,
Az 1970-es években a New York-i Manhattan NoHo-ba költözött.
Rauschenberg 1968. július 26-án vásárolta meg a Beach House-t, első ingatlanát Captiva Islanden. Az ingatlan azonban csak 1970 őszén vált állandó lakhelyévé.
Rauschenberg 2008. május 12-én halt meg szívelégtelenségben a floridai Captiva-szigeten.
Rauschenberg megközelítését néha „neodadaistának” nevezték, ezt a jelzőt Jasper Johns festővel osztotta meg. Rauschenberg híres kijelentése szerint „a festészet egyszerre kapcsolódik a művészethez és az élethez”, és ő „a kettő közötti résben” akart dolgozni. Sok dadaista elődjéhez hasonlóan Rauschenberg is megkérdőjelezte a műtárgyak és a mindennapi tárgyak közötti különbséget, és a readymade anyagok használata Marcel Duchamp Fountain (1917) című művében felvetett intellektuális kérdéseket vetette fel. Duchamp dadaista hatása Jasper Johns festményein is megfigyelhető, amelyeken céltáblákat, számjegyeket és zászlókat ábrázolt, amelyek ismerős kulturális szimbólumok voltak: „olyan dolgok, amelyeket az elme már ismer”.
A Black Mountain College-ban Rauschenberg számos művészeti médiummal kísérletezett, többek között a grafikával, a rajzolással, a fotográfiával, a festészettel, a szobrászattal és a színházzal; műveiben gyakran ezek valamilyen kombinációja szerepelt. Éjszakai virágzás című festményeit (1951) a Black Mountainben úgy alkotta meg, hogy kavicsokat és kavicsot préselt fekete pigmentbe vászonra. Még ugyanebben az évben New York-i lakásában Susan Weillel együttműködve egész alakos tervrajzokat készített, amelyeket „reményeik szerint képernyő- és tapétatervekké alakítanak majd”.
1952 őszétől 1953 tavaszáig Rauschenberg Olaszországban és Észak-Afrikában utazott alkotótársával és partnerével, Cy Twomblyval. Ott talált anyagokból kollázsokat és kisplasztikákat készített, köztük a Scatole Personali és a Feticci Personali című műveket. Ezeket római és firenzei galériákban állította ki. Rauschenberg meglepetésére a művek egy része elkelt; sok olyan művet, amelyik nem kelt el, az Arno folyóba dobott, egy műkritikus javaslatára, aki a kiállítását értékelte.
Miután 1953-ban visszatért New Yorkba, Rauschenberg szobrokat kezdett alkotni az alsó-manhattani környékéről származó talált anyagokból, például fémhulladékból, fából és zsinegből. Az 1950-es években Rauschenberg azzal tartotta fenn magát, hogy kirakatokat tervezett a Tiffany & Co. és a Bonwit Teller számára, először Susan Weillel, majd Jasper Johnsszal közösen, Matson Jones álnéven.
Egy 1953-as, híressé vált incidens során Rauschenberg elkért egy rajzot Willem de Kooning absztrakt expresszionista festőtől azzal a kifejezett céllal, hogy művészi állásfoglalásként kitörölje azt. Ez a konceptuális mű, amelynek a Radírozott de Kooning-rajz címet adta, az idősebb művész beleegyezésével készült el.
1961-ben Rauschenberg hasonló konceptuális megközelítést alkalmazott, amikor egy ötletet úgy mutatott be, mint magát a műalkotást. Meghívást kapott a párizsi Galerie Iris Clert kiállítására, ahol a művészeknek a galéria tulajdonosáról, Clertről készült portrékat kellett bemutatniuk. Rauschenberg pályázata egy táviratból állt, amelyben kijelentette: „Ez Iris Clert portréja, ha én mondom”.
1962-re Rauschenberg festményei nemcsak talált tárgyakat, hanem talált képeket is kezdtek tartalmazni. Andy Warhol stúdiójában tett látogatása után abban az évben Rauschenberg elkezdte a szitanyomatos eljárást használni, amelyet általában a kereskedelmi reprodukciós eszközök számára tartottak fenn, hogy fényképeket vászonra vigyen át. Az 1962 és 1964 között készült szitanyomatos festmények hatására a kritikusok Rauschenberg munkásságát a pop arttal azonosították.
Rauschenberg az 1950-es évek közepén készült korai Combines című művei óta kísérletezett a technológiával műveiben, ahol néha működő rádiókat, órákat és elektromos ventilátorokat használt szobrászati anyagként. Később a technológia iránti érdeklődését a Bell Laboratories kutatójával, Billy Klüverrel való közös munka során fedezte fel. Együtt valósították meg Rauschenberg legambiciózusabb technológiai alapú kísérleteinek egy részét, mint például a Soundings (1968), egy fényinstalláció, amely a környezeti hangokra reagált. 1966-ban Klüver és Rauschenberg hivatalosan is elindította az Experiments in Art and Technology (E.A.T.) nevű non-profit szervezetet, amelyet a művészek és mérnökök közötti együttműködések előmozdítására hoztak létre.
1969-ben a NASA meghívta Rauschenberget, hogy legyen szemtanúja az Apollo-11 indításának. Erre a mérföldkőnek számító eseményre válaszul Rauschenberg megalkotta a Stoned Moon című litográfia-sorozatát. Ennek során a NASA archívumából származó diagramokat és egyéb képeket kombinált saját rajzaival és kézzel írt szövegével.
1970-től Rauschenberg a floridai Captiván lévő otthonában és műtermében dolgozott. Az első művek, amelyeket új műtermében készített, a Kartonok (1971-72) és a Korai egyiptomiak (1973-74) voltak, amelyekhez olyan helyben beszerzett anyagokra támaszkodott, mint a karton és a homok. Míg korábbi munkái gyakran a városi képeket és anyagokat emelték ki, Rauschenberg most a szövetben és a papírban található természetes szálak hatását részesítette előnyben. A Hoarfrost (ez utóbbi nagy kiterjedésű, fapanelekre kollázsolt szövetdarabokat tartalmazott) textíliákra nyomtatott oldószeres transzfertechnikájával. Rauschenberg a Jammer (1975-76) című sorozatát színes szövetek felhasználásával készítette, amelyet a textiljeiről híres indiai Ahmedabadban tett utazása inspirált. A Jammer-sorozat kép nélküli egyszerűsége szembetűnő ellentétben áll a képekkel teli Hoarfrosts és a New Yorkban készült legkorábbi műveinek zordságával.
A nemzetközi utazások 1975 után váltak Rauschenberg művészeti folyamatának központi részévé. Rauschenberg 1984-ben az Egyesült Nemzetek Szervezetében jelentette be a Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) elnevezésű programjának elindítását. A szinte teljes egészében a művész által finanszírozott ROCI-projekt hétéves turnéból állt, amely a világ tíz országába vezetett. Rauschenberg minden egyes helyszínen fényképeket készített, és a meglátogatott kultúrák által inspirált műalkotásokat készített. Az így készült műveket minden országban egy helyi kiállításon mutatták be. Rauschenberg gyakran adományozott egy-egy műalkotást egy helyi kulturális intézménynek.
Az 1980-as évek közepétől kezdődően Rauschenberg a különbözőképpen kezelt fémekre, például acélra és tükrözött alumíniumra történő szitanyomással készített képeket. Számos úgynevezett „fémfestmény-sorozatot” készített, többek között a következőket: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) és Night Shades (1991). Rauschenberg emellett az 1990-es évek során folyamatosan új anyagokat használt, miközben továbbra is kezdetlegesebb technikákkal dolgozott. A legújabb technológiai újításokkal való foglalkozásának részeként a késői festménysorozatában digitális tintasugaras fotóképeket vitt át különböző festményhordozókra. Arcadian Retreats (1996) című munkájához a képeket nedves freskóra vitte át. A környezetvédelem iránti elkötelezettségének megfelelően Rauschenberg biológiailag lebomló festékeket és pigmenteket, valamint vegyszerek helyett vizet használt az átvitelhez.
A Fehér festmények, a fekete festmények és a Vörös festmények
1951-ben Rauschenberg a Kazimir Malevics által létrehozott monokromatikus festészet hagyományát követve hozta létre Fehér festmény sorozatát, amely a festészetet a leglényegesebb tulajdonságaira redukálta az esztétikai tisztaság és a végtelenség élménye érdekében. A White Paintings című sorozatot 1953 őszén mutatták be Eleanor Ward New York-i Stable Galleryjében. Rauschenberg hétköznapi fehér házi festéket és festőhengereket használt, hogy sima, díszítetlen felületeket hozzon létre, amelyek elsőre üres vászonnak tűnnek. John Cage azonban ahelyett, hogy tartalom nélkülinek érzékelte volna őket, a Fehér festményeket „a fények, árnyékok és részecskék repülőtereiként” jellemezte; olyan felületekként, amelyek a szoba finom atmoszféraváltozásait tükrözik. maga Rauschenberg mondta, hogy a környezeti viszonyok befolyásolják őket, „így szinte meg lehet mondani, hány ember van a szobában.” A Fehér festményekhez hasonlóan az 1951-1953-as fekete festmények is több táblára készültek, és túlnyomórészt egyszínű művek voltak. Rauschenberg matt és fényes fekete festéket vitt fel vászonra újságpapírból készült texturált alapokra, időnként hagyva, hogy az újságpapír látható maradjon.
1953-ra Rauschenberg a White Painting és a fekete festménysorozattól a Red Painting sorozatának felfokozott expresszionizmusa felé mozdult el. A vöröset „a legnehezebb színnek” tartotta, amellyel festeni lehet, és elfogadta a kihívást, vörös pigmentrétegeket csepegtetve, ragasztva és préselve közvetlenül a vászonra, amely mintás szövetet, újságpapírt, fát és szögeket tartalmazott. A Vörös festmények összetett anyagfelületei Rauschenberg jól ismert Combine sorozatának (1954-1964) előfutárai voltak.
Kombinálja a
Rauschenberg New York utcáin gyűjtötte össze a kidobott tárgyakat, majd visszavitte őket a műtermébe, ahol beépítette őket a munkájába. Azt állította, hogy „valami mást akart, mint amit magam is meg tudnék csinálni, és ki akartam használni a meglepetést, a kollektivitást és a meglepetések megtalálásának nagylelkűségét. Így maga a tárgy a kontextus által megváltozott, és így új dologgá vált”.
Rauschenbergnek a művészet és az élet közötti szakadékra vonatkozó megjegyzése a kiindulópontja művészi hozzájárulásának megértéséhez. Szinte mindenben meglátta a potenciális szépséget; egyszer azt mondta: „Igazán sajnálom azokat az embereket, akik szerint az olyan dolgok, mint a szappantartók, tükrök vagy kólásüvegek csúnyák, mert egész nap ilyen dolgokkal vannak körülvéve, és ez biztosan nyomorúságossá teszi őket”. Combine című sorozata a hétköznapi tárgyakat új jelentőséggel ruházta fel azzal, hogy a hagyományos festészeti anyagok mellett a képzőművészet kontextusába helyezte őket. A Combines megszüntette a határokat a képzőművészet és a szobrászat között, így mindkettő jelen volt egyetlen műalkotásban. Bár a „Combines” technikailag Rauschenberg 1954 és 1964 közötti munkásságára vonatkozik, Rauschenberg művészi pályafutása során továbbra is olyan hétköznapi tárgyakat használt fel, mint a ruházat, újságpapír, városi törmelék és karton.
Átmeneti darabjai, amelyek a Combines létrehozásához vezettek, a Charlene (1954) és a Collection (1954) voltak.
A kritikusok eredetileg a Combinákat formai tulajdonságaik – szín, textúra és kompozíció – alapján szemlélték. Az 1960-as évek formalista nézetét később Leo Steinberg kritikus cáfolta, aki szerint minden egyes Combine „egy befogadó felület, amelyen a tárgyak elszórtan helyezkednek el, amelyre adatokat írnak be”. Steinberg szerint az általa Rauschenberg „sík képsíkjának” nevezett horizontalitás felváltotta a festészet hagyományos vertikalitását, és ezt követően lehetővé tette Rauschenberg munkáinak egyedülállóan anyaghoz kötött felületeit.
Előadás és tánc
Rauschenberg az 1950-es évek elején, New Yorkba költözése után kezdett el foglalkozni a tánc iránti érdeklődésével. Az avantgárd tánccal és performanszművészettel először a Black Mountain College-ban találkozott, ahol részt vett John Cage 1952-es Theatre Piece No. 1 című előadásában, amelyet gyakran az első Happeningnek tartanak. Merce Cunningham és Paul Taylor számára kezdett díszleteket, világítást és jelmezeket tervezni. Az 1960-as évek elején részt vett a Greenwich Village-i Judson Memorial Church radikális táncszínházi kísérleteiben, és 1963 májusában ő koreografálta első előadását, a Pelikánt (1963) a Judson Dance Theater számára. Rauschenberg közeli barátságot ápolt a Cunninghamhez kötődő táncosokkal, köztük Carolyn Brownnal, Viola Farberrel és Steve Paxtonnal, akik mindannyian szerepeltek a koreografált munkáiban. Rauschenberg főállású kapcsolata a Merce Cunningham Dance Companyval az 1964-es világkörüli turnét követően szűnt meg. 1966-ban Rauschenberg a 9 Evenings részeként létrehozta az Open Score című előadást: Theatre and Engineering című előadásához a New York-i 69. ezred fegyverraktárában. A sorozat meghatározó szerepet játszott az Experiments in Art and Technology (E.A.T.) megalakulásában.
1977-ben Rauschenberg, Cunningham és Cage tizenhárom év után először újra együttműködtek, és létrehozták a Travelogue (1977) című filmet, amelyhez Rauschenberg a jelmez- és díszletterveket is készítette. Rauschenberg 1967 után nem koreografált saját műveket, de művészi pályafutása hátralévő részében továbbra is együttműködött más koreográfusokkal, köztük Trisha Brownnal.
Jutalékok
Pályafutása során Rauschenberg számos plakátot tervezett a számára fontos ügyek támogatására. Amikor 1965-ben a Life magazin megbízta őt egy modern pokol vizualizálásával, nem habozott levezetni dühét a vietnami háború és más kortárs társadalmi-politikai problémák, köztük a faji erőszak, a neonácizmus, a politikai merényletek és az ökológiai katasztrófa miatt.
1979. december 30-án a Miami Herald 650 000 példányban nyomtatta vasárnapi magazinját, a Tropicot, amelynek címlapját Rauschenberg tervezte. 1983-ban Grammy-díjat nyert a Talking Heads Speaking in Tongues című albumának dizájnjáért. 1986-ban Rauschenberg a BMW megbízásából egy teljes méretű BMW 635 CSi-t festett meg a híres BMW Art Car Project hatodik részéhez. Rauschenberg autója volt az első a projektben, amely a New York-i Metropolitan Museum of Art műveinek reprodukcióit, valamint saját fotóit tartalmazta.
1998-ban a Vatikán a 2000-es jubileumi év tiszteletére megrendelt egy művet Rauschenbergtől, amelyet az olaszországi San Giovanni Rotondóban, a Padre Pio liturgikus teremben állítottak ki. Az Utolsó ítélet témája köré dolgozva Rauschenberg megalkotta a Boldog Apokalipszist (1999), egy húsz láb hosszú makettet. Ezt végül a Vatikán elutasította azzal az indokkal, hogy Rauschenberg Isten parabolaantennaként való ábrázolása nem megfelelő teológiai utalás.
Rauschenberg első önálló kiállítása 1951 tavaszán volt a Betty Parsons Galériában. 1953-ban, amikor Olaszországban tartózkodott, Irene Brin és Gaspero del Corso figyelt fel rá, és ők szervezték meg első európai kiállítását híres római galériájukban. 1953-ban Eleanor Ward meghívta Rauschenberget, hogy vegyen részt egy Cy Twomblyval közös kiállításon a Stable Galleryben. Második New York-i egyéni kiállításán, 1954-ben a Charles Egan Galériában Rauschenberg bemutatta Red Paintings (1953-1953) és Combines (1954-1964) című műveit. Leo Castelli 1958-ban rendezett önálló kiállítást Rauschenberg Combines című műveiből. Az egyetlen eladás az volt, hogy Castelli maga vásárolta meg a Bed (1955) című képet, amely ma a New York-i Museum of Modern Art gyűjteményében található.
Rauschenberg pályafutásának első retrospektív kiállítását 1963-ban a New York-i Jewish Museum rendezte. 1964-ben ő lett az egyik első amerikai művész, aki elnyerte a Velencei Biennálé Nemzetközi Festészeti Nagydíját (korábban Mark Tobey és James Whistler nyert festészeti díjat 1895-ben, illetve 1958-ban). A washingtoni National Collection of Fine Arts (ma Smithsonian American Art Museum) retrospektív tárlatot szervezett pályája közepén, és 1976 és 1978 között bejárta az Egyesült Államokat.
Az 1990-es években a New York-i Solomon R. Guggenheim Múzeumban retrospektív tárlatot rendeztek (1997), amely 1999-ig Houston, Köln és Bilbao múzeumaiban is látható volt. A Combines című kiállítás a New York-i Metropolitan Museum of Artban volt látható (2007-ig a Los Angeles-i Museum of Contemporary Artba, a párizsi Centre Georges Pompidou-ba és a stockholmi Moderna Museet-be utazott). Rauschenberg első posztumusz retrospektív kiállítását a Tate Modernben rendezték meg (2017-ig utazott a Museum of Modern Artba, New Yorkba és a San Francisco Museum of Modern Artba).
További kiállítások: Robert Rauschenberg: Rauschenberg Kínában, Ullens Center for Contemporary Art, Peking (és Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, London ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (és Rauschenberg: The 1
Rauschenberg erősen hitt a művészet társadalmi változásokat katalizáló erejében. A Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) 1984-ben indult útjára, hogy a művészi kifejezésmódon keresztül nemzetközi párbeszédet indítson el és a kulturális megértést erősítse. A ROCI kiállítása 1991-ben volt látható a washingtoni National Gallery of Artban, amely egy tíz országra kiterjedő turnét zárt le: Mexikó, Chile, Venezuela, Kína, Tibet, Japán, Kuba, az Amerikai Egyesült Államok, Németország és Malajzia.
1970-ben Rauschenberg létrehozta a Change, Inc. nevű programot, amely egyszeri, legfeljebb 1000 dolláros vészhelyzeti támogatást nyújtott képzőművészeknek anyagi szükséglet alapján. 1990-ben Rauschenberg létrehozta a Robert Rauschenberg Alapítványt (RRF), hogy elősegítse a számára fontos ügyek – mint például a világbéke, a környezetvédelem és a humanitárius kérdések – megismertetését. 1986-ban Rauschenberg megkapta az Amerikai Teljesítmény Akadémia Aranytányér-díját. Bill Clinton elnök 1993-ban a National Medal of Arts kitüntetést adományozta neki. 2000-ben Rauschenberget az amfAR az AIDS elleni küzdelemhez való művészi hozzájárulásáért járó kiválósági díjjal tüntette ki.
Az RRF ma Rauschenberg számos művével rendelkezik pályafutásának minden időszakából. 2011-ben az alapítvány a Gagosian Galériával együttműködve bemutatta The Private Collection of Robert Rauschenberg című kiállítását, amely Rauschenberg személyes műgyűjteményének válogatott darabjait tartalmazza. A kiállításból származó bevétel az alapítvány emberbaráti tevékenységének finanszírozásához járult hozzá. Szintén 2011-ben az alapítvány elindította a „Művész mint aktivista” projektet, és felkérte Shepard Fairey művészt, hogy egy általa választott témával foglalkozzon. Az általa készített, kiadásra szánt műveket a Hajléktalanok Koalíciója (Coalition for the Homeless) számára történő adománygyűjtés céljából értékesítették. Az RRF továbbra is minden évben ösztöndíjakkal és filantróp együttműködésekkel támogatja a feltörekvő művészeket és művészeti szervezeteket. Az RRF számos rezidenciaprogramot folytat, amelyek az alapítvány New York-i székhelyén és a néhai művész floridai Captiva Islanden lévő birtokán zajlanak.
2013-ban Dale Eisinger (Complex) a hetedik helyre sorolta az Open Score (1966) című alkotást a minden idők legnagyobb performanszművészeti alkotásait felsoroló listáján.
2010-ben a New York-i Christie’s aukción 11 millió dollárért vásárolták meg Michael Crichton gyűjteményéből a Studio Painting (1960-61) című művet, Rauschenberg egyik Combine-ját, amelyet eredetileg 6-9 millió dollárra becsültek. 2019-ben a Christie’s 88,8 millió dollárért adta el a Buffalo II (1964) című szitanyomatot, megdöntve a művész korábbi rekordját.
Lobbizás a művészek viszonteladási jogdíjaiért
Az 1970-es évek elején Rauschenberg lobbizott az amerikai kongresszusban, hogy fogadjon el egy olyan törvényt, amely kártalanítja a művészeket, ha műveiket a másodlagos piacon továbbértékesítik. Rauschenberg azután kezdett harcba a művészek viszonteladási jogdíjáért, hogy Robert Scull taxibáró 2,2 millió dollárért eladta absztrakt expresszionista és popművészeti művekből álló gyűjteményének egy részét. Scull eredetileg Rauschenberg Thaw című festményeit vásárolta meg (nagyjából egy évtizeddel később Scull a New York-i Sotheby Parke Bernet 1973-as árverésén 85 000 és 90 000 dollárért adta el a műveket.
Rauschenberg lobbitevékenységét 1976-ban jutalmazták, amikor Jerry Brown kaliforniai kormányzó aláírta az 1976. évi kaliforniai jogdíjtörvényt. A művész a kaliforniai győzelem után is folytatta a viszonteladási jogdíjra vonatkozó országos szintű törvényalkotást.
Cikkforrások
