Francis Picabia
gigatos | Janeiro 26, 2022
Resumo
Francis Picabia (nome completo Francisco María Martínez Picabia della Torre; 22 de Janeiro de 1879, Paris – 30 de Novembro de 1953, Paris) foi pintor, escritor gráfico e publicista, director de teatro, argumentista, actor e diplomata francês de vanguarda.
Francis Picabia ganhou fama como um artista excêntrico que não subscreveu nenhum dogma político ou estilístico. Teve uma grande influência na arte contemporânea, particularmente no dadaismo e no surrealismo.
Francisco María Martínez Picabia della Torre, chamado Francis Picabia (por vezes soletrado Picabia), nasceu em Paris de uma mãe francesa e de um pai espanhol. O pai de Francis Picabia trabalhou primeiro em Cuba na indústria do açúcar e mais tarde na embaixada cubana em França, no serviço diplomático. Foi em Paris que ele conheceu a futura mãe de Francis. A sua mãe, Marie Cecile Davan, pertencia à abastada burguesia parisiense. Ela morreu quando o futuro artista e poeta tinha 5 (de acordo com outras fontes – 7) anos de idade.
Francis Picabia tinha uma personalidade flexível e extrovertida e um temperamento altamente mutável e colérico. Flutuações bruscas de temperamento e tom criativo irromperam ocasionalmente em depressão prolongada ou explosões neurasténicas de raiva, geralmente manifestadas num ambiente familiar. Ao longo da sua vida, Picabia mudou muitas vezes o seu estilo criativo e os seus gostos pessoais e estéticos. A este respeito, ele pode ser considerado como algo que quebra recordes. Se contar em ordem todas as transformações do seu estilo, direcção, estilo de escrita e mesmo ideologia, recebe nada menos que sete, (ou mesmo dez) voltas dramáticas. Talvez a este respeito, Francis Picabia ultrapasse até o seu artista contemporâneo mais famoso e companheiro, Pablo Picasso.
Aos dezasseis anos, o seu pai ofereceu secretamente uma das suas paisagens ao júri no Salon de l”Artiste Française, em Paris. Para surpresa da sua família e do próprio jovem pintor, a pintura foi aceite e até notada. Isto encorajou Picabia a levar a pintura a sério.
Entre 1895 e 1896, Francis Picabia teve aulas na Ecole des Arts Décoratifs em Paris com Embert e Cormon, e no seu primeiro estilo pintou bem, paisagens tipicamente francesas, como se continuasse numa direcção impressionista a famosa obra de Camille Corot. Depois de 1899, Picabia expôs no Salon des Independents e logo se estabeleceu nos círculos artísticos parisienses como impressionista. No entanto, o Impressionismo de Picabi não durou muito tempo. Já em 1902, após uma viagem a Espanha, os interesses artísticos de Picabie começaram gradualmente a mudar para o colorido e cintilante (“espanhol”) estilo Fauvist.
O seu conhecimento de Marcel Duchamp em 1910 teve uma influência decisiva no desenvolvimento futuro da personalidade e do trabalho de Francis Picabius. De Fauvism por um período relativamente breve antes da guerra com a Alemanha, mudou-se primeiro para o Cubismo, e abstracção geométrica. A pintura mais conhecida de Picabia desta época, Dancer on an Atlantic Cruise (1913), é um documento não só do estilo abstracto de Picabia, mas também da sua longa (mais de três anos) partida para Nova Iorque. Picabia na sua vida em geral tinha o hábito de deixar um lugar de guerra. Expôs as suas novas pinturas cubistas abstractas na Armory Show (Nova Iorque, 1913), o que lhe traz mais fama. No entanto, Picabia também não fica por aí. Entre 1915 e 1917, durante os três anos da sua vida em Nova Iorque, esteve em estreito contacto com os artistas de vanguarda, e juntamente com Duchamp dirigiu a secção de Nova Iorque do movimento Dadaísta. Mas apenas dois anos mais tarde, mais uma vez, paradoxalmente, muda o seu estilo. Desta vez, abandonando a abstracção geométrica, Francis Picabia não escolhe um estilo ou movimento já existente. Ele pinta um ciclo de composições originais que se tornaram a mais reconhecida e marca registada do seu estilo pessoal de pintura. Convencionalmente, estes podem ser chamados “mecânicos” ou “desenhos antropomórficos”. Ao pintar cópias de desenhos técnicos e ao acrescentar detalhes inesperados, muitas vezes vívidos e sem sentido, Picabia deu-lhes as características paradoxais das formas humanas. Estas são, por exemplo, as suas obras mais famosas: Desfile do Amor (1917), Uma Filha Nascida Sem Mãe (1917), e A Criança Carburador (1919). Os vívidos desenhos “mecanomórficos” de Francis Picabia estão cheios de provocação, epatáfio e sarcasmo dadaístas, demonstram tanto a falta de significado como o poder da percepção humana, capazes de implantar imagens reais em qualquer forma, a mais abstracta ou absurda. São estas obras de Picabia que parecem ser as mais próximas e apropriadas à sua personalidade criativa, o que paradoxal e directamente se manifestou na sua vida e obra.
Extremamente livre e independente no espírito, próximo em carácter e personalidade de Guillaume Apollinaire e Marcel Duchamp, é engraçado traçar como Francis Picabia primeiro lutou e se opôs abertamente e depois apoiou e até liderou o movimento Dada durante as suas viagens de “propaganda” especialmente realizadas a Nova Iorque, Barcelona e Zurique. Da mesma forma que o seu trabalho se desenvolveu. Os seus artigos de Dadaist são reconhecidos como devastadores e brilhantes, o almanaque vanguardista “391”, que fundou em Nova Iorque, e que depois publicou em Zurique e Paris até 1924, bem como as suas pinturas abstractas antes da Primeira Guerra Mundial e desenhos “mecanomórficos”, que se assemelham a alguns desenhos estranhos do futuro, tornaram-se não só reconhecíveis mas também icónicos na história da arte do início do século XX.
Após a fase dadaísta, onde ele, juntamente com Tristan Tzara, foi um dos líderes reconhecidos, (1914-1920) Francis Picabia fez outra curva acentuada em 1921 e juntou-se aos opositores directos (e simultaneamente seguidores) do Dada – os surrealistas. Era regularmente assolado por depressões, das quais era obrigado a tratar-se com comprimidos de cacodilato (esta palavra diverte-o muito), que também estavam profundamente enraizados na sua arte do período parisiense. Nesta altura, Picabia abandona o seu estilo “mecânico”, não pinta em óleo durante vários anos e muda principalmente para as técnicas de colagem e para o objecto surrealista. Estes são o seu “Chapéu de Palha” (1921), “Pintura Cacodylate” (1922) e “Mulher com Fósforos” (1923). Durante este período, uma das maiores realizações de Francis Picabia é, curiosamente, não a pintura pura, mas o ballet e o filme “Relache” (“Intermission” ou “O espectáculo é cancelado”), realizado em conjunto com o brilhante compositor vanguardista Eric Satie e o jovem realizador René Clair…
Por volta de 1927, o estilo de Picabia de “pinturas transparentes” começa no seu trabalho, no qual experimenta abertamente e procura diferentes formas de distorcer a perspectiva. Ao justapor rostos, figuras e objectos multidimensionais, entrelaça-os em sobreposições espaciais lineares, tentando alcançar o efeito de enganar a visão ou o jogo de movimentos planares estereoscópicos. Nestas pinturas, grandes silhuetas transparentes compostas por linhas podem ser sobrepostas a uma paisagem pintada fina e detalhada, criando um efeito de “surrealismo espacial” especial não encontrado em nenhum outro pintor surrealista. Este estilo inclui as pinturas “Ele e a sua sombra” (1928), “A Esfinge” (1929) e “Medeia” (1929).período surrealista Francis Picabia começa a desvanecer-se gradualmente e chega ao “não” até ao início dos 30 anos. No entanto, a sua metamorfose estilística também não termina aí.
Em meados da década de 1930, Picabia tinha passado de imagens transparentes para pinturas duras e brutais ao estilo do pseudoclicismo amador. Quer parodiando ou reproduzindo a maneira dos artistas gráficos, Picabia passa para um estilo kitsch quase explícito. Ele pinta dezenas de nus, alegorias, retratos e até cenas bíblicas clássicas com um aspecto deliberadamente kitsch, ou anti-arte. Nesta altura, era particularmente activo no trabalho encomendado. Francis Picabia, pelo seu carácter e modo de vida, sempre foi um pronunciado jouyer e bon vivant. Amante da bela vida e dos prazeres em todos os momentos anunciados em brochuras de viagens (mulheres bonitas, carros de corrida, iates privados, vilas na costa, praias ensolaradas, etc…..), Picabia acabou depois do seu “crítico quinquagésimo aniversário” por começar a ganhar dinheiro e traduzir o seu nome de alto nível em “dinheiro”. No último período da sua vida mudou para a pintura convencional e quase glamorosa, servindo ganhos comerciais imediatos, mas totalmente desprovido do poder e originalidade inerentes ao seu talento nos seus anos mais jovens.
Picabia sobreviveu aos seis anos de guerra com a Alemanha na Suíça neutra. Após o fim da ocupação alemã, regressou a Paris em 1945, e nos últimos anos da sua vida esteve em contacto bastante próximo com os existencialistas. Foram eles que subsequentemente redescobriram os seus escritos poéticos e artigos sobre a teoria da arte dos anos 1910, temporariamente esquecidos. Após a guerra viveu na casa dos seus pais, trabalhando na oficina do seu avô Alphonse. Sofreu sérias dificuldades financeiras, não conseguiu adquirir novas telas e teve de repintar o mesmo quadro várias vezes.
Morreu a 30 de Novembro de 1953 em Paris (82 rue des Petits-Champs) e está enterrado no cemitério de Montmartre.
O ballet dadaist Relâche, à música de Éric Satie, que estreou no Théâtre des Champs Élysées a 4 de Dezembro de 1924, pode talvez ser considerado o auge da vida e obra de Francis Picabia, reunindo quase todas as suas direcções criativas. Aqui, Picabia provou ser simultaneamente designer de produção e figurinista, escritor, autor de libreto de ballet e guião de filme, actor (que desempenhou dois papéis no filme), organizador excepcional do processo de produção teatral, e líder dos dadaístas e surrealistas (e um hábil esquema) que atraiu as melhores forças para participar na produção e “desactivou” a maior parte dos seus inimigos no tempo. No centro da criação da nova produção esteve Erik Satie, um compositor excêntrico e perpetuamente inovador, que aos 58 anos de idade podia certamente dar a qualquer um dos jovens um avanço. Picabia e Satie, ambos artistas extremamente animados com personalidades complexas, foram no entanto capazes de colaborar activamente e criar uma obra que ainda se destaca na história do ballet.
Como muitas coisas na vida de Francis Picabia, a sua relação com Erick Satie seguiu uma pronunciada trajectória em “ziguezague”. Em 1919, quando Picabia ainda vivia em Zurique e não estava imerso nos conflitos e disputas dos movimentos artísticos parisienses, o artista incluiu o nome (mal escrito) “Erick Satye” na sua pintura intitulada O Movimento Dada, destinada a ilustrar a revista de Tristan Tzara. Seis meses depois, já em Paris, juntamente com André Breton e os seus hooligans surrealistas, Picabia já está em plena luta contra o “grupo Jean Cocteau”. Ele chama a um dos seus poemas Dada de 1920 “Auric Satie à la noix de Cocteau” (Auric Satie à la noix de Cocteau). No texto do seu poema, ele foi muito venenoso e irónico sobre “Auric Satie, que decidiu que a sua “Música de Mobiliário” era capaz de lhe dar um lugar na alta sociedade à noite” (Dada-Phone Magazine, 1919, no. 7).
No entanto, ao contrário de qualquer teimosia ou dogmatismo, Picabia não hesitou em mudar o seu rumo após alguns meses. Enviou a Satie uma carta cheia de simpatia, inscrevendo uma dedicatória “Erik est Satierik” na capa de uma das suas revistas. Seis meses mais tarde, Satie publica dois aforismos ligeiramente ondulados no almanaque 391 de Picabia, que aparecem em letras enormes na página principal da revista. No entanto, no início de 1922, durante outra “guerra” dos surrealistas bretões contra os dadaístas de Tzara, Satie e Picabia, encontram-se novamente em campos opostos. Um ano mais tarde, porém, Satie retomou a sua relação com a artista, desta vez para colaborar num novo ballet, ainda não intitulado Relâche or The Spectacle is Cancelled.
Este ballet foi o auge da colaboração de Satie e Picabia. Esta produção foi originalmente encomendada (Outono de 1923) por Rolf de Marais, director do Ballet Sueco em Paris, a Eric Satie para um guião do poeta Blaise Sandrard com cenários de Picabia. Na sua versão inicial, o ballet não tinha um título tão provocador. No roteiro de Sandrar, o ballet tinha um título muito mais humilde: Depois do Jantar. Contudo, apenas três ou quatro meses mais tarde, Francis Picabia, com a sua habitual facilidade, conduziu Sandrar (que tinha partido para o Brasil numa altura demasiado má) do projecto, reescreveu o guião (segundo Satie, “acrescentando-lhe apenas algumas linhas”) e tornou-se ele próprio o autor completo e, simultaneamente, o director artístico de uma actuação muito mais radical de dadaist.
De uma forma ou de outra, no final de Abril de 1924 o antigo ballet Depois do Jantar, com um libreto de Blaise Sandrar, tinha-se finalmente tornado O Espectáculo é Cancelado. Picabia concebeu uma performance provocadora na qual muitas artes – teatro, ballet, música, escultura, pintura e até filme – seriam combinadas “num único disparate” – Relâche incluiu duas projecções de filme no ecrã, uma no início da performance (Prologue) e outra no intervalo (Intermission). O filme, sob este mesmo título, “Entrée”, com muitos artistas dadaístas e surrealistas famosos, o principal coreógrafo do Ballet Sueco, assim como Eric Satie e o próprio Francis Picabia, foi realizado pelo então cineasta René Clair, que fez um nome famoso para o seu autor e (separadamente de Relâche) entrou no fundo de ouro da arte cinematográfica do século XX.
Francis Picabia também criou um cenário completamente dadaistico e futurista para a sua produção, ao mesmo tempo que se incorporava activamente no processo de ballet e composição, o que estava de acordo com a sua intenção de criar um produto totalmente autoral, permeado de baixo para cima com a ideia do dada. Por exemplo, parte do ballet é executada em completo silêncio e os bailarinos dançam sem qualquer apoio da música. Noutros momentos, pelo contrário, há música com total ausência de coreografia. Erik Satie apoiou prontamente todas estas queixas do autor, tanto mais que elas estavam em total sintonia com as suas primeiras ideias. No programa de teatro regular que acompanha a estreia de Relâche no Ballet Sueco, podiam ser lidas as seguintes palavras pertencentes a Picabia e Satie:
“Quando é que as pessoas se libertarão do hábito desagradável de explicar tudo? “A peça é cancelada” é um ballet contínuo com o objectivo do absurdo mais pretensioso transferido para o teatro: “vida como eu gosto, vida sem amanhã, vida só agora, tudo hoje, tudo para hoje, nada para ontem e nada para amanhã”. (pré-visualização do Ballet Sueco, Relâche, Novembro de 1924)
Pikabia, que é extremamente libertada sexualmente na vida, provocou constantemente Satie em todo o tipo de “sublimações” durante a realização de Relâche. Como resultado, o ballet estava cheio dos movimentos e cenas mais “indecentes”. Satie em particular, que era capaz de afinar tais alusões, afirmou ao trabalhar na partitura que tinha composto música “pornográfica” para Relâche. Aparentemente, ele conseguiu, e da forma mais directa. Satie definiu o género do seu trabalho como “ballet obsceno”. E a reacção às suas artimanhas foi apropriada. Um dos mais tolerantes de todos os críticos, Paul Judge escreveu mais suavemente sobre o assunto na sua revisão do ballet:
“A música de Monsieur Satie consiste nas canções populares mais cansadas e exaustas, reproduzidas com relativamente poucas alterações, em vez de como música de ballet, mas um puro exemplo da aplicação de técnicas clássicas de dancehall”.
O próprio Satie, seleccionando as canções parisienses mais vulgares e obscenas para o seu ballet, foi muito mais explícito sobre isto: “Tendo ouvido uma canção familiar, as palavras mais obscenas que lhe foram cantadas deveriam imediatamente vir à memória do público”. Em vários números do ballet (“The Woman Comes Out”, “The Music”, “The Men Get Undressed”, “The Dance with the Wheelbarrow”) a orquestração é deliberadamente transparente e clara, e os motivos vulgares são distorcidos apenas o suficiente para permanecerem facilmente reconhecíveis. “A construção da música de Erik Satie”, escreveu depois Germaine Everling, segunda esposa de Picabia, “envolveu e clarificou constantemente o pensamento do artista.
A totalidade da ideia do cancelamento da Relâche também recebeu a sua encarnação directa fora do palco. A estreia do ballet estava prevista para 27 de Novembro de 1924. No entanto, numa altura em que um público sofisticado e toda a boémia parisiense já se tinham reunido no Théâtre des Champs-Elysées, foi anunciada uma “relâche” decisiva e o espectáculo… foi cancelado. A razão do cancelamento foi o mau tempo e a relutância de Jean Bjorlen em dançar “no estado em que ele se encontrava”. O público ficou genuinamente indignado com as artimanhas do espectáculo. Muitos argumentaram seriamente que nenhum “Relâche” era real e que era simplesmente um embuste fraudulento para promover a auto-promoção de dois famosos amantes do trocadilho, Satie e Picabia. No entanto, a “Revogação” teve lugar uma semana mais tarde, a 4 de Dezembro de 1924.
A unidade entre os dois principais autores do ballet foi de facto impressionante. Satie, que ao longo da sua vida tinha sido propenso a constantes conflitos e ressentimentos, não teve qualquer fricção com Picabia enquanto trabalhava na Relâche. Talvez isto tenha tido o efeito de criar um avanço para o próprio Picabia, que nunca tinha tido tal precedente na sua vida ou no seu trabalho. O ballet Relâche é o trabalho final de Eric Satie. Ele trabalhou na partitura enquanto já estava doente terminal, e apenas dois meses após a estreia, foi finalmente para o hospital do mosteiro de Saint-Jacques, do qual nunca saiu. Satie morreu a 1 de Julho de 1925. Francis Picabia sofreu muito com a sua morte e caiu noutra depressão grave durante mais de um ano, da qual, como se pode ver pelo resto da sua vida e do seu trabalho, nunca recuperou.
Enquanto trabalhava no ballet Relâche, Picabia desenhou e simplesmente esboçou em papel numerosos retratos de Erik Satie “no seu estilo mecânico”, e também publicou vários textos sobre o compositor, onde, entre outras coisas, afirmou que “os nossos descendentes puxarão a sua música sobre si próprios como uma luva”. Um símbolo eloquente e ingénuo da sua unidade, o prólogo cinematográfico de dois minutos do ballet mostra Satie e Picabia carregando pessoalmente o canhão e apontando-o ao público. E na segunda parte do filme, Intermission, Picabia pintou até as suas próprias iniciais juntamente com as iniciais do compositor (FP – ES) dentro de um coração expressivo no dardo funerário com o corpo do coreógrafo que filmou, Jean Bjorlen. Esta piada engraçada, tipicamente dadaístas, infelizmente, não provou ser um bom presságio, pelo menos para Erik Satie. Apenas seis meses mais tarde, o carro funerário também veio por ele.
Fontes
