Pablo Picasso

gigatos | 29 marca, 2022

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 25. októbra 1881 – Mougins, 8. apríla 1973) bol španielsky maliar a sochár, ktorý spolu s Georgesom Braquom vytvoril kubizmus.

Od začiatku 20. storočia je považovaný za jedného z najväčších maliarov, ktorý sa podieľal na rôznych umeleckých hnutiach, ktoré sa rozšírili po celom svete, a mal veľký vplyv na ďalších veľkých umelcov svojej doby. Jeho diela sa nachádzajú v múzeách a zbierkach po celej Európe a vo svete. Pracoval aj v iných žánroch, ako je kresba, rytina, knižná ilustrácia, sochárstvo, keramika a scénografia a kostýmová výprava pre divadelné predstavenia. Má za sebou aj krátku literárnu tvorbu.

Politicky sa Picasso hlásil k pacifizmu a komunizmu. Bol členom Španielskej komunistickej strany a Francúzskej komunistickej strany až do svojej smrti 8. apríla 1973 vo veku 91 rokov vo svojom dome Notre-Dame-de-Vie vo francúzskom meste Mougins. Je pochovaný v parku zámku Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Detstvo

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (podľa rodného listu) alebo Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (podľa krstného listu) bol prvým synom Josého Ruiza y Blasca a Maríe Picasso López. Narodil sa 25. októbra 1881 v Malage (Španielsko) v meštianskej rodine. Picasso mal dve sestry, Dolores (1884-1958) a Concepción (1887-1895). Jeho prastarý otec z matkinej strany Tommaso Picasso (narodený v roku 1787) pochádzal z mesta Sori v talianskom Janove a okolo roku 1807 sa presťahoval do Španielska.

V roku 1891 bola rodina nútená opustiť Malagu kvôli nedostatočnej ekonomickej stabilite. José Ruiz Blasco začal opakovane žiadať o preloženie do mesta La Coruña, kde bolo po jeho prepustení z funkcie kurátora Múzea výtvarných umení v Malage v roku 1888 vytvorené miesto učiteľa na Škole výtvarných umení. Táto zmena nebola pre jeho rodinu vôbec príjemná, čo sa odráža v Picassovej spomienke na otca v tejto fáze: „Žiadna Malaga, žiadne býčie zápasy, žiadni priatelia, nič.“ „Len pre mňa bolo presťahovanie do Galície oslavou.“ V Galícii Pablo pracoval na svojich kresbách a prejavil silnú dôveru v seba a svoje nadanie; mal desať rokov. Jeho prvé diela, ktoré sa vyznačovali energickým a takmer divokým realizmom, ukazovali skorú záľubu v populárnych postavách. V La Coruni mal prvú výstavu vo veku trinástich rokov a uverejňoval karikatúry a kresby v ručne vydávaných časopisoch „La Coruña“, „Azul y Blanco“ a „Torre de Hércules“.

Rok 1895 bol rokom dôležitých udalostí v jeho detstve; v januári zomrela jeho sestra Concepción a v septembri jeho otec získal miesto na barcelonskej škole výtvarných umení, kde bol mladý Pablo prijatý za žiaka a študoval dva roky, čo ho viedlo k namaľovaniu, možno aby potešil svojho otca, série obrazov, v ktorých sentimentálny akademizmus štýlu bol prekvapujúci po vitalite portrétov, ktoré namaľoval v La Coruni.

Ako brilantný a predčasne vyspelý študent zložil Picasso prijímacie skúšky na Ecole de la Lonja za jediný deň, keď mal štrnásť rokov, a mohol preskočiť prvé dve triedy. Podľa jednej z mnohých legiend o umelcovi jeho otec, ktorý spoznal synov mimoriadny talent, keď videl jeho prvé diela v detstve, mu dal štetce a paletu a sľúbil, že už nikdy v živote nebude maľovať.

Na rozdiel od hudby v maľbe neexistujú zázračné deti. To, čo ľudia vnímajú ako predčasnú genialitu, je genialita detstva. S pribúdajúcim vekom sa postupne nevytráca. Je možné, že z takéhoto dieťaťa sa raz stane skutočný maliar, možno dokonca veľký maliar. Musel by však začať od začiatku. Pokiaľ ide o mňa, nebol som génius. Moje prvé kresby neboli nikdy vystavené na výstave detských kresieb. Chýbala mi nemotornosť dieťaťa, naivita dieťaťa. Akademické kresby som robil už v siedmich rokoch, a to s presnosťou, ktorá ma desí.

Mladosť: jeho priateľstvá v Paríži

Počas svojho pobytu v Paríži v roku 1912 bol Picasso súčasťou kruhu významných priateľov vo štvrti Montmartre a Montparnasse, medzi ktorých patrili básnik André Breton, spisovateľ Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry a Gertrude Steinová. Apollinaire bol zatknutý pre podozrenie z krádeže Mony Lisy z Louvru a z členstva v medzinárodnej zlodejskej skupine. Apollinaire obvinil svojho priateľa Picassa, ktorý bol tiež podrobený výsluchu, ale neskôr boli obaja oslobodení.

Prvé obrazy

V zime 1895 namaľoval svoje prvé veľké akademické plátno Prvé prijímanie (Museo Picasso, Barcelona) v Barcelone, kde žil deväť rokov, s výnimkou niekoľkých letných prázdnin a viac či menej dlhých pobytov v Madride a Paríži. V roku 1897 predstavil plátno Veda a dobročinnosť (Museo Picasso, Barcelona) na Všeobecnej výstave výtvarného umenia v Madride. Počas leta opäť trávil prázdniny v Malage, kde maľoval krajiny a býčie zápasy.

V septembri odišiel do Madridu, aby začal študovať na akadémii San Fernando, ale čoskoro akadémiu opustil: intelektuálna atmosféra hlavného mesta, neprístupná katalánskemu modernizmu, ktorý sa Picasso snažil zaviesť (v roku 1901 založil malý časopis Arte Joven, ktorý mal pomerne krátku existenciu), ho nepresvedčila. Napriek tomu využil svoje časté návštevy Museo del Prado, aby sa lepšie zoznámil s El Grecovým dielom, ktoré mu koncom 19. storočia potvrdili umelci a vedci.

Od roku 1898 podpisoval svoje diela ako „Pablo Ruiz Picasso“, potom ako „Pablo R. Picasso“ a od roku 1901 už len ako „Picasso“. Zdá sa, že táto zmena neznamená odmietnutie otcovej postavy; skôr to bolo spôsobené Picassovou túžbou odlíšiť sa ako osobnosť, ktorú iniciovali jeho katalánski priatelia, ktorí ho začali oslovovať matkiným priezviskom, ktoré bolo oveľa menej bežné ako otcovo Ruiz.

Do Barcelony sa vrátil v júni 1898, chorý na šarlach, a presťahoval sa do Horta de Ebro (dnes Horta de San Juan), dediny svojho priateľa Manuela Pallarésa, ktorá sa nachádza južne od rieky Ebro neďaleko mesta Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). Počas tohto pobytu Picasso znovu objavil pôvodné korene krajiny a určitý návrat k prírode, ktorý bol viac v súlade s modernistickou ideológiou, čo predstavovalo jednu z prvých „primitivistických“ epizód jeho kariéry.

Po tom, čo sa vzdal svojho zámeru žiť v Madride a venovať sa kopírovaniu veľkých majstrov, sa vo februári 1899 vrátil do Barcelony, kde začal navštevovať pivovar Els Quatre Gats, vlajkovú loď modernistickej bohémy a miesto, kde usporiadal svoju prvú samostatnú výstavu a spriatelil sa s Jaimem Sabartésom a Carlosom Casagemasom. Práve v tomto prostredí sa Picasso dostal do kontaktu s anarchistickými myšlienkami, ktoré sa v Barcelone presadili. Bieda, ktorá vládla v barcelonských slumoch, chorí a zranení vojaci, ktorí sa vracali do Španielska po katastrofálnej kubánskej vojne, vytvorili živnú pôdu pre sociálne násilie, ktoré nepochybne poznačilo Picassovu citlivosť skôr na individuálnej a morálnej než čisto politickej úrovni a ktoré možno vidieť na niektorých kresbách vytvorených v rokoch 1897 až 1901: Väzeň, Anarchistická mithing a Anarchista.

V októbri 1900 navštívil spolu s Casagemasom Paríž, aby sa zúčastnil na Svetovej výstave, kde bolo vystavené jedno z jeho diel, dnes už stratené, Posledné okamihy. V Paríži sa presťahoval do ateliéru Isidreho Nonella, katalánskeho umelca, ktorého Picasso poznal zo skupiny Els Quatre Gats ovplyvnenej impresionizmom a ktorý prostredníctvom portrétov marginalizovaných a biednych ľudí reflektoval katalánsku sociálnu situáciu na začiatku storočia. Nonellova tvorba spolu s Toulouse-Lautrecom v tomto období výrazne ovplyvnili Picassov štýl, ktorý sa prejavil v dielach ako La espera (Margot), Bailarina enana (Trpasličia tanečnica) a El final del número (Koniec čísla), obe z roku 1901. Spoznal tiež svojho prvého obchodníka Pere Mañacha (ktorý mu ponúkol 150 frankov mesačne za všetky jeho diela na jeden rok) a nadviazal kontakt s galeristkou Berthe Weillovou. Do Barcelony sa vrátil 20. alebo 23. decembra (podľa rôznych zdrojov) s Casagemasom, ktorého Picasso vzal so sebou na oslavu konca roka do Malagy.

Medzi Barcelonou a Parížom. Modré obdobie

Picassovo modré obdobie je známe ako obdobie približne od roku 1901 do roku 1904: tento názov pochádza z farby, ktorá dominuje v chromatickej škále jeho obrazov, a jeho pôvod spočíva v samovražde jeho priateľa Carlosa Casagemasa 17. februára 1901, ktorá v ňom zanechala plno smútku a žiaľu. Casagemas po tom, čo sa pokúsil zavraždiť svoju milenku Germaine, tanečnicu v Moulin Rouge, ktorá sa pohybovala v kruhu španielskych umelcov, spáchal v Paríži samovraždu. Motivovaný a dojatý smrťou svojho priateľa Picasso namaľoval obraz s názvom Pohreb Casagemasa, alegorickú maľbu, ktorá začala ukazovať jeho prechod k modrému obdobiu. Rozdelenie priestoru obrazu na dve časti, zem a nebo, telo a ducha, pripomína El Grecov Pohreb grófa Orgaza.

Ďalšími vplyvmi na Picassovu tvorbu v tomto období boli Van Gogh a Gauguin, pričom prvý menovaný mal na mysli predovšetkým psychologickú rovinu, čo sa odráža v emocionálnej intenzite obrazov z tohto obdobia, hoci sa v nich objavuje aj zjednodušenie objemov a definovaných kontúr, ktoré pripomínajú Gauguina, od ktorého mal Picasso prevziať aj univerzálnu koncepciu sentimentality. Picasso vyjadril osamelosť postáv tým, že ich izoloval v nepresnom prostredí a takmer výlučne používal modrú farbu počas viac ako dvoch rokov, čo bolo v dejinách umenia prakticky bezprecedentné. Podobne aj predlžovanie postáv, ktoré sa dostávalo do jeho diel, opäť pripomínalo štýl El Greca.

Picasso bol neúnavný pracovník. Koncom apríla 1901 sa vrátil do Barcelony, kde vystavoval Ženu v modrom (Museo Reina Sofía, Madrid) na Všeobecnej výstave výtvarného umenia, a v máji sa vrátil do Paríža, kde sa usadil na Boulevard de Clichy 130, na mieste, kde mal Casagemas svoj ateliér. V júni a júli toho istého roku Picasso a Iturrino usporiadali výstavu vo Vollardovej galérii v Paríži. Bez peňazí a práce sa v júni zoznámil s básnikom Maxom Jacobom, s ktorým udržiaval blízky vzťah až do Jacobovej smrti v roku 1944. Básnik neskôr spomínal, že objavil Picassovo dielo a ako umelecký kritik vyjadril svoj obdiv k maliarskemu talentu. Krátko nato dostal pozvanie od Mañacha, aby ho zoznámil s mladým mužom, ktorého zastupoval (celý deň si pozerali obrovské dielo Picassa, ktorý v tom čase maľoval jeden alebo dva obrazy za noc a predával ich za 150 frankov na Rue Laffite. Na jeseň namaľoval obrazy Dvaja Saltimbankovia (Harlekýn a jeho spoločník) (Puškinovo múzeum, Moskva), Podporený Harlekýn (Portrét Jaimeho Sabartésa (Museu Picasso, Barcelona), Portrét Mateu Fernándeza de Soto (Museu Picasso, Malaga) a Modrý autoportrét (Museu Picasso, Paríž).

Koncom januára 1902 zrušil dohodu s Mañachom a po príslušnom vyrovnaní sa vrátil do Barcelony. Začal pracovať v ateliéri Ángela Fernándeza de Sota na Carrer Nou de la Rambla 6, kde na jar začala v jeho tvorbe dominovať modrá farba. S Fernándezom de Soto navštevoval barcelonské verejné domy, čo sa odrazilo v sérii erotických kresieb vrátane Autoportrétu s aktom (kresba tušom a akvarelom Ángel Fernández de Soto so ženou) a La macarra (alegorická kompozícia), ktoré vlastní Picassovo múzeum v Barcelone.

V Paríži usporiadal Mañach od 1. do 15. apríla výstavu obrazov a pastelov v galérii Berthe Weill s dielami Picassa a Lemaira a v júni v tej istej galérii ďalšiu výstavu s dielami Picassa a Matissa. V Barcelone dostal Picasso v októbri oznámenie o nástupe do vojenskej služby. Aby sa mu vyhol, musel zaplatiť dvetisíc pesiet, sumu, ktorú mu poskytol jeho strýko. Hneď nato sa vrátil do Paríža spolu so Sébastienom Junyerom a od 15. novembra do 15. decembra prvýkrát vystavoval svoje modré obrazy na skupinovej výstave, ktorú opäť zorganizoval Mañach v galérii Berthe Weill.

Z tohto obdobia pochádza Portrét Germaine, ktorý Acquavella Galleries získala za 18,6 milióna dolárov na aukcii Christie’s v roku 2006. V decembri 1902 sa na istý čas presťahoval do bytu Maxa Jacoba na Boulevard Voltaire 87; v izbe bola len jedna posteľ, takže Picasso pracoval v noci a cez deň spal, kým Jacob pracoval. V tom čase si nemohol kúpiť plátno a musel sa obmedziť na kreslenie.

V januári 1903 sa Picasso vrátil do Barcelony. Na jar začal maľovať obraz Život (Cleveland Museum of Fine Arts), jedno z najväčších a najkomplexnejších plátien svojho modrého obdobia, považované za jeho najdôležitejšie dielo týchto rokov, dielo s neobyčajne nejasnou symbolikou v jeho ranej tvorbe a podliehajúce viacerým akademickým interpretáciám, ku ktorým sa umelec nikdy nevyjadril. Picasso urobil štyri prípravné skice k obrazu, pričom najmenej dvakrát menil kompozíciu postáv; treba poznamenať, že mužská postava, ktorá sa začala ako autoportrét, nakoniec predstavovala jeho priateľa Carlosa Casagemasa. Život zhŕňa väčšinu tém a atmosféry modrého obdobia: nihilistický pesimizmus, ktorý sa rozvinul počas jeho formovania v Barcelone, umocnený materiálnymi ťažkosťami, ktorými v tom čase trpel. „Osamelosť detí, bieda chudobných, žobrákov a slepcov sú často zobrazované na obrazoch z tohto obdobia: Dve sestry (Ermitáž, Petrohrad), Chudobní pri mori (Národná galéria umenia, Washington D. C.), Starý gitarista (Starý gitarista, Petrohrad), Chudobní na brehu mora (Národná galéria umenia, Washington D. C.), Chudobní na brehu mora (Národná galéria umenia, Petrohrad), Chudobní na brehu mora (Národná galéria umenia, Petrohrad), Chudobní na brehu mora (Národná galéria umenia, Petrohrad), Chudobní na brehu mora (Národná galéria umenia, Petrohrad). C.), Starý slepý gitarista (Art Institute of Chicago), Asketik (Barnes Foundation, Philadelphia) a La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Paríž) patria medzi Picassove rané diela.

Koncom roka 1903 si Picasso začal myslieť, že jeho povesť prekročí hranice Španielska, len ak sa natrvalo usadí vo Francúzsku. Presťahoval sa do ateliéru sochára Pabla Gargalla (1881-1934), ktorý bol v tom čase v Paríži, na Carrer del Comerç 28 v Barcelone, kde dokončil La Celestina (Carlota Valdivia) a začal nový Portrét Jaimeho Sabartésa (Kunsternes Museum, Oslo), ktorý dokončil na jar 1904.

Paríž, Bateau Lavoir. Ružové obdobie

V apríli 1904 sa Picasso usadil v Paríži v ateliéri Bateau-Lavoir vo štvrti Montmartre, ktorý mal opustiť jeho priateľ sochár Paco Durrio. Tam obnovil kontakty s niekoľkými španielskymi umelcami, ktorí tiež žili v Bateau-Lavoir, najmä s Ricardom Canalsom, ktorý ho v septembri toho istého roku naučil techniku leptu, a jeho manželkou; tiež s Manuelom Hugué a jeho manželkou Totote a s Ramonom Pichotom a Germaine, tanečnicou, pre ktorú jeho priateľ Casagemas spáchal samovraždu. Počas leta mal vzťah s „Madeleine“, ktorá sa objavuje na niekoľkých kresbách a maľbách, ako napríklad Akrobatova žena (Art Institute of Chicago), a inšpirovala námet Harlekýnovej rodiny (1905). V auguste 1904 Picasso stretol svoju prvú sentimentálnu spoločníčku: Fernande Olivierovú (1881-1966), modelku umelca a priateľku manželky Ricarda Canalsa Benedetty, ktorú v španielskej kolónii Bateau-Lavoir poznali ako „la belle Fernande“. Fernanda, ktorá mala 21 rokov, bola Picassovou prvou skutočnou láskou a stala sa zdrojom jeho inšpirácie až do roku 1910, hoci ich vzťah sa definitívne skončil až v roku 1912.

V októbri 1904 sa Picasso stretol s básnikom André Salmonom a tiež s Guillaumom Apollinairom, básnikom a spisovateľom, ktorý bol predchodcom surrealizmu a s ktorým nadviazal veľmi blízky vzťah. Picasso sa stal pravidelným hosťom kabaretu Lapin Agile („Agile Rabbit“) a Cirque Medrano. Od chvíle, keď sa usadil na Montmartri, sa Picassova paleta a témy začali meniť; chudoba a ťažkosti života cirkusových umelcov a akrobatov vniesli do jeho obrazov nový lyrizmus, keď prešiel z modrého obdobia do takzvaného ružového obdobia. Ružové obdobie sa vyznačuje pastelovými farbami a teplými tónmi s mäkkými, jemnými líniami; osobitný dôraz kládol skôr na líniu a kresbu než na farbu, pokračoval v práci s postavami s predĺženými proporciami, ktoré pripomínajú jeho obdiv k El Grecovi, ako napríklad v diele Herec (MoMA, New York) alebo v akvareli Blázon (Museo Picasso, Barcelona), pričom sa uchyľoval k manieristickým formulám, ktoré, ako sa zdôraznilo, Picasso neustále využíval počas celej svojej kariéry. Témy, ktorými sa zaoberal, boli radosť a existenciálny nepokoj; podobne ako v modrom období, aj tu sa objavuje nádych melanchólie, ale vtedy dominovala afektovanosť, s mnohými odkazmi na svet zoologickej záhrady a cirkusu. Maľoval masky, harlekýnky, trénerov a klaunov; bolo to aj obdobie ružových pôrodníc. Reprezentatívnymi dielami z tohto obdobia sú Akrobatka s loptou (Dievča s loptou) (Puškinovo múzeum, Moskva), Rodina akrobatov (Národná galéria umenia, Washington), Akrobatka a mladý harlekýn (Barnesova nadácia, Philadelphia) a Rodina akrobatov s opicou (Göteborgs Kunstmuseum, Göteborg).

Od 25. februára do 6. marca 1905 vystavoval svoje prvé ružové plátna v Galérii Sérurier. Kritika hovorila o ohlásení svetlej premeny jeho talentu; po dráme modrého obdobia Apollinaire v Revue immoraliste opísal diela ružového obdobia: „Pod blikajúcim pozlátkom jeho akrobatov človek naozaj cíti ľútosť nad ľuďmi, všestrannými, ľstivými, zákernými, chudobnými a klamármi.“ Ako povedala Fernande Olivierová, Picasso zrejme miloval to, pre čo nebol stvorený, čo sa od neho líšilo: cigánov, býčie zápasy, pochybné kabarety, klaunov a cirkusový svet; miloval a s radosťou sa ponáral do všetkého, čo malo násilný miestny kolorit.

Na jar toho istého roku namaľoval jedno zo svojich hlavných diel toho roku, Rodinu Saltimbanquis, ktoré je jasným vývojom smerom k ružovému obdobiu; holá, rozmazaná krajina, v ktorej sú dobre nakreslené, štylizované postavy bábkarov, okrajových postáv, ktorých osamelý život Picassovi imponoval, zarámované v izolácii. Jedno popoludnie po odchode z Cirque Médrano s Maxom Jacobom sa rozhodol vymodelovať si hlavu z hliny a počas niekoľkých nasledujúcich dní, keď na nej pracoval, pridal klobúk a zvonce šaša v štýle cirkusových postáv. Dielo sa volalo Šialenec (Hlava Harlekýna) (Musée Picasso, Paríž) a majiteľ galérie Ambroise Vollard ho dal odliať z bronzu.

V lete sa vydal na cestu na sever Holandska, kde na pozvanie holandského spisovateľa Toma Schilperoorta pobudol šesť týždňov v meste Schoorl. Počas svojho pobytu namaľoval akt Holandská kráska (Queensland Art Gallery, South Brisbane) a Tri Holanďanky (Musée Picasso, Paríž), osobitú verziu klasického námetu troch grácií. Po krátkom pobyte v Paríži strávil v auguste dovolenku s Fernandou v Tiane severovýchodne od Barcelony. Po návrate v septembri sa Fernande nasťahovala do Picassovho skromného ateliéru v Bateau-Lavoir; začiatok ich vzťahu bol šťastný a Picassove maľby a kresby Fernande oslavovali jej krásu a osobnú blízkosť. Picasso si zvykol navštevovať malé galérie a spolu s Fernandou sa zúčastňoval na obľúbených vernisážach oficiálnych salónov.

Gertrúda Steinová a jej brat Leo sa usadili v Paríži a svoj majetok venovali zhromažďovaniu mimoriadnej umeleckej zbierky. Leo Stein kúpil Rodinu akrobatov s opicami od obchodníka s umením Clovisa Sagota, prostredníctvom ktorého Leo a Gertrúda navštívili Picassov ateliér a kúpili od neho množstvo diel za 900 frankov. Picasso sa stal pravidelným návštevníkom salónu Gertrude Steinovej v jej parížskom byte; namaľoval portrét Lea a jeho syna Michaela a začal prvú z osemdesiatich až deväťdesiatich sedení slávneho Portrétu Gertrude Steinovej (Metropolitné múzeum umenia, New York). Gertrude nedávno kúpila Matissovu Ženu v klobúku a rozhodla, že by sa obaja umelci mali stretnúť.

V roku 1906, po troch mesiacoch práce na Portréte Gertrúdy Steinovej, ho dočasne opustil a vytvoril prvé skice pre Les Demoiselles d’Avignon. Opustil tému harlekýnov a nahradil ju jazdcami a mladými ľuďmi v bukolickej krajine podľa vzoru Gauguina a Puvisa de Chavannesa a hľadal tematický aj formálny klasicizmus, čo Picassa priviedlo k štúdiu antického umenia; v marci objavil primitívne španielske umenie na výstave v Louvri, kde boli vystavené iberské sochy nájdené v Osune a Cerro de los Santos, vrátane Dámy z Elche. Galéria Ambroise Vollarda získala väčšinu ružových plátien tiež v marci. V máji odišiel s Fernande Olivierovou do Barcelony, kde ju predstavil priateľom a príbuzným, a potom v lete do Gósolu v Léride, kde sa opäť dostal do kontaktu so základným primitivizmom ľudovej kultúry a maľoval scény z kúpaliska a akty videné z hľadiska vynikajúceho majstrovstva červenej farby; táto červenkastá paleta Gósolu odráža záujem o modelovanie objemov a návrat ku koreňom archaického Stredomoria. To ho inšpirovalo k vytvoreniu série obrazov s postavami, ktoré zachovávajú určité črty tohto primitivizmu a rozchádzajú sa s jeho predchádzajúcim štýlom. Hoci zjednodušenie prvkov a objemov je predchodcom kubizmu, išlo o samostatnú etapu, ktorú nemožno zaradiť do žiadneho uznávaného štýlu. Na týchto maľbách môžeme pozorovať jeho vlastné črty tváre aj medzi ženskými postavami, čo možno vidieť pri porovnaní s autoportrétmi v tejto sérii. Tento pobyt mal na Picassovu tvorbu dôležitý vplyv, pretože Gósolove maľby znamenali začiatok jeho kubistickej revolúcie v nasledujúcom roku; o niekoľko rokov neskôr Picasso vo svojom neoklasicistickom období nadviazal na to, čo by bolo logickým smerovaním tohto štýlu.

Protokubizmus

V auguste 1906, po návrate z Gósolu, sa opäť chopil Portrétu Gertrúdy Steinovej, pracoval podľa pamäti (Steinová bola v Taliansku) a jej tvár zredukoval na akúsi iberskú masku, zároveň bezočivú a expresívnu. Picasso o Portréte Gertrúdy Steinovej povedal: „Každý si myslí, že nie je podobná svojmu portrétu, ale to nevadí, nakoniec sa jej podarí vyzerať ako ona. „Ovplyvnený iberským sochárstvom a Cézannovými obrazmi, ktoré videl vystavené v salónoch, skúmal Picasso formu a objem, čo možno vidieť na Autoportréte s paletou (Philadelphia Museum of Art), maľbe s takmer divokým archaizmom, ktorá tiež anticipovala vplyvy, ktoré Picasso zhromažďoval od roku 1905.

Na Salóne d’Automne v roku 1906 bola vystavená retrospektíva Gauguina, ktorá na Picassa hlboko zapôsobila a výrazne ovplyvnila jeho tvorbu; na Salóne bolo vystavených aj desať diel Cézanna, ktorý zomrel v tom istom čase. V zime Picasso namaľoval Dva akty žien (monumentálnosť postáv a autonómne použitie svetla a tieňa pripomínajú Cézannove Veľké kúpajúce sa). Koncom roka prestal maľovať a pustil sa do série štúdií a skíc aktov pre viacfigurálnu kompozíciu na tému bordelu, ktorá vyvrcholila v roku 1907 revolúciou reprezentovanou obrazom Les Demoiselles d’Avignon.

Prvá reakcia Picassovho okolia na predchádzajúce štúdie mladých dám bola vo všeobecnosti nepriaznivá: jeho priatelia tomuto novému štýlu celkom nerozumeli. Apollinaire ju v zápisníku opísal ako „úžasný jazyk, ktorý žiadna literatúra nedokáže vyjadriť, pretože naše slová už boli vytvorené“. Na jar 1907 sa Picasso prostredníctvom Apollinaira zoznámil s Georgesom Braquom, ktorý po návšteve jeho ateliéru vyjadril určité nadšenie pre veľkoplošné maľby.

V polovici mája namaľoval Autoportrét (Národni Galerie, Praha): dominantným štrukturálnym prvkom sa stáva línia, ktorá vyznačuje črty a dokonca obkresľuje ostatné plochy obrazu, ktoré sú takmer všetky plné farby a len málo z nich je modelovaných. Dokonca ponechal plochy plátna nenamaľované. Dokonca ponechal časti plátna nenamaľované. Koncom mája začal maľovať posledné plátno Mladé dámy z Avignonu a mužské postavy zmizli: jednu z nich, námorníka, odstránil a študenta na ľavej strane nahradila nahá žena držiaca záves.

Na podnet André Deraina navštívil Picasso v roku 1907 Etnografické múzeum v paláci Trocadero v Paríži. Bol to jeho prvý kontakt s veľkým množstvom afrických a oceánskych diel, ktoré Derain aj Matisse dlho zbierali, ale ktorým Picasso dovtedy nevenoval veľkú pozornosť. Objavenie nezápadného umenia dalo Les Demoiselles d’Avignon nový impulz a malo značný vplyv aj na jeho sochársku tvorbu. Picasso vtedy upravil tváre niektorých dám, pričom dve z pätice, ktoré vyzerajú najviac „kubisticky“, pripomínajú africké masky, zatiaľ čo dve centrálne pripomínajú skôr štýl stredovekých fresiek a raných iberských sôch; tvár postavy vľavo má tiež profil pripomínajúci egyptské maľby. „Art négre, connais pas“, tak odpovedal Picasso na otázku v časopise Action v roku 1920; toto protokubistické obdobie, ktoré trvá od roku 1907 do roku 1909, je známe aj ako Picassovo africké obdobie, čierne obdobie alebo temné obdobie; jeho štýl bol silne ovplyvnený africkým sochárstvom, ale umelec mal vždy opačný zámer.

Les Demoiselles d’Avignon (MoMA, New York) znamenali pre Picassa nový posun, keď sa zbavil odkazov na tradíciu tým, že sa rozišiel s realizmom, opustil kánony priestorovej hĺbky a perspektívy a dovtedy existujúci ideál ženského tela a zredukoval dielo na súbor uhlových plôch bez ohraničeného pozadia alebo priestorovej perspektívy, v ktorých sú formy vyznačené svetlými a tmavými líniami. Okrovo-červenkasté tóny sú charakteristické pre jeho jemnejšie ružové obdobie, ale surovosť maľby ich robí agresívnymi.

Obraz mohol byť ovplyvnený aj El Grecovými podlhovastými postavami, najmä jeho Víziou apokalypsy, ktorú Picasso pravdepodobne videl v lete v Paríži; jeho štruktúra a kompozícia vychádza zo Cézannových Veľkých kúpajúcich sa; Cézannovo maliarstvo vytvára z predmetov skutočnú prítomnosť, s osobitným dôrazom na objemy a ich váhu, bez atmosférickej hmatateľnosti impresionizmu. Podľa Fermigiera, 1969, s. 69, jeho retrospektíva na Salon d’Automne v roku 1907 určila Picassov ďalší vývoj. Aj Braque, inšpirovaný Cézannom, začal sériu krajiniek, ktoré ukazujú jeho prechod od fauvizmu k jeho protokubistickému obdobiu.

Vzťah s Fernandou sa dostal do krízy a koncom leta 1907 sa rozhodli rozísť, hoci koncom novembra sa zmierili. Počas ich neprítomnosti Max Jacob a Apollinaire presvedčili Picassa, aby fajčil ópium; Picasso sa zmietal medzi požehnaním vízií a strachom, že podľahne apatii a únave z práce. Picassova paleta bola plná jasných „afrických“ farieb: namaľoval Akt ženy (Avignonská tanečnica) (súkromná zbierka, Lausanne), epilóg k Mladým dámam z Avignonu, v ktorom prvky vychádzajúce z iberského a afrického umenia dosahujú nový stupeň geometrického zjednodušenia; v rovnakom štýle Tanec závojov (akt s drapériou) (Ermitáž, Petrohrad), ktorý začal maľovať v lete a kúpila ho Gertrúda Steinová spolu s prípravnými skicami k nemu; tiež Kvety na stole (MoMA, New York). V nasledujúcich dielach sa telové tóny zmenili na okrové a hnedé a Picasso bol naraz konfrontovaný s mnohými experimentmi s ruptúrou vo svojich obrazoch: opustenie perspektívy; dobývanie priestoru, fragmentácia plôch prostredníctvom plochých tónov s hrubými, definovanými obrysmi; hľadanie reliéfu prostredníctvom prehnaných modrých obrysov na hnedom pozadí a hustého tieňovania; medzi tieto diela patria Priateľstvo (Ermitáž, Petrohrad) a Akt s uterákom (súkromná zbierka, Paríž). Picassov ateliér sa stal centrom diskusií a debát, a to nielen o jeho diele. Braque tam priniesol svoje vlastné diela, Matisse a Picasso si vymenili obrazy: Picassovo zátišie Džbán, misa a citrón (Fondation Beyeler, Riehen, Bazilej) za Matissov Portrét Marguerite, jeho dcéry. Vzťah Picassa a Matissa sa pohyboval od konkurencie cez výsmech až po intenzívny vzájomný obdiv; Matisse povedal, že nikto sa nepozeral na jeho dielo tak ako Picasso a nikto sa nepozeral na Picassovo dielo tak ako on.

Kubizmus

V roku 1908 Braque a Picasso sformulovali kubizmus, pričom za východisko im poslúžili Les Demoiselles d’Avignon. Kubizmus bol radikálnym zlomom v dejinách umenia, ktorý inšpiroval ostatné umelecké avantgardy k opusteniu obrazového iluzionizmu, odmietnutiu naturalistického opisu v prospech kompozícií foriem abstrahovaných od bežného vnímania, pohrávaniu sa s trojrozmernosťou a štruktúrou povrchov. Táto technika, ktorú iniciovali Picasso a Braque, mala mnoho nasledovníkov, ako napríklad Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay a Albert Gleizes.

V januári 1908 Matisse otvoril svoju školu, Academie Matisse. Na druhej strane Derain a Braque boli Picassovými nasledovníkmi, čo Matissa popri ich rastúcom priateľstve s Gertrudou Steinovou dráždilo. V máji toho istého roku Derain a Braque predstavili na Salóne nezávislých maľby inšpirované Picassovým novým štýlom, ktoré vyvolali veľký rozruch medzi kritikmi. Picasso bol pobúrený, že prvá výstava kubistického umenia sa konala bez toho, aby bola uznaná jeho úloha ako zdroja inšpirácie, najmä Žena (1908), veľmi čerstvý Braqueov akt, o ktorom s nikým, dokonca ani s Picassom, nediskutoval. Po zatvorení Salónu odišiel Braque do septembra do L’Estaque. Africké prvky v Picassovej tvorbe postupne ustupovali vplyvom Cézanna, čo možno súviselo s cézannovským redukcionizmom Braqueových krajiniek.

Jeho priateľ, nemecký maliar Wieghels, spáchal samovraždu v Bateau-Lavoir po večeri, počas ktorého skonzumoval nadmerné množstvo rôznych drog; táto tragédia presvedčila Picassa a Fernande, aby sa vzdali ópia; Kompozícia s hlavou mŕtveho muža (Ermitáž, Petrohrad), dokončená koncom jari, je možno spomienkou na Wieghelsovu smrť.

Počas leta vytvoril Braque v L’Estaque sériu kubistických krajiniek, v ktorých sa rozchod so Cézannovou zmechanizovanou perspektívou nepovažuje za inšpiráciu, ale za maliarsku iniciáciu. Picasso si prenajal statok v ulici des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, 60 kilometrov severne od Paríža; Fernande spomínala, že týmto útočiskom sa Picasso snažil prekonať nervové rozrušenie, ktoré v ňom vyvolala Wieghelsova smrť. Obaja umelci začali zobrazovať pocit reliéfu prostredníctvom ľubovoľného použitia svetla a tieňa na úkor naturalistického tieňovania; formy boli zjednodušené až do krajnosti, pričom v Picassových obrazoch, ktorých paleta sa obmedzila na škálu hnedých, sivých a zelených odtieňov, bola väčšia a hlbšia skulpturálnosť. Picassove krajinomaľby sú ovplyvnené Henrim Rousseauom (1844 – 1910) a raným Cezannom.

Keď Braque v septembri predložil svoje krajinky na Salon d’Automne, porota, ktorej členom bol aj Matisse, ich odmietla. Podľa Apollinaira Matisse ako prvý použil pojmy „kubista“ a „kubizmus“, keď odmietol Braqueove diela predložené Salónu. Tento príbeh sa od roku 1912 považuje za oficiálny pôvod hnutia. Josep Palau i Fabre poukazuje na to, že jeseň roku 1908 znamenala začiatok Picassovho tzv. zeleného obdobia: zátišia, ktoré v tom čase namaľoval, vykazujú formálnu štylizáciu, ktorá je pravdepodobne dôsledkom uplatnenia cézanských postulátov, podľa ktorých sa tvary mali redukovať na kužele, valce a gule. Táto geometrická schematizácia neznamená stratu telesnosti zobrazených objektov, a preto ju možno označiť za plochý reliéf. V priebehu leta a októbra dokončil konečnú verziu Troch žien (Ermitáž, Múzeum v Petrohrade), v ktorej sa africké vplyvy z raných štúdií obrazu rozriedili v novom štýle zeleného obdobia.

Po výstave Braqueových diel v galérii Daniela-Henryho Kahnweilera, ktorá bola kritikou prijatá lepšie ako jeho diela prezentované na Salóne nezávislých, Picasso usporiadal v Bateau-Lavoir banket na počesť Rousseaua, aby oslávil skutočnosť, že práve kúpil maliarske dielo Portrét ženy za päť frankov v starožitníctve Père Souliera. Počas tejto zimy sa výmena nápadov medzi Braquom a Picassom zvýšila na každodennú úroveň, pričom ich priateľstvo sa upevnilo. Ovocné zátišie, Cézannov emblematický motív, bolo jedným z námetov, ktoré mali obaja maliari v tomto období spoločné: Le compotier (Ovocná misa) (MoMA, New York), Zátišie s rybami a fľašami (Musée d’Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d’Ascq). Počas zimy pracoval aj na Karnevale v bistre (Musée Picasso, Paríž), ktorý sa začiatkom roka 1909 vykryštalizoval v Chlebe a miske s ovocím na stole (Musée d’Art Basel).

Picassa začali oceňovať zberatelia; priateľ Steinovcov, ktorý práve kúpil jeho Tri ženy, Švajčiar Hermann Rupf kúpil niekoľko jeho diel a Dutilleul (tiež Braqueov klient) začal svoju zbierku. V marci 1909 bol v Mercure de France uverejnený článok Charlesa Moricea, v ktorom sa prvýkrát objavil termín kubizmus. V máji odišiel Picasso s Fernande do Barcelony, aby navštívili rodinu a starých priateľov; v ateliéri svojho priateľa namaľoval Portrét Manuela Pallarésa (Detroitský inštitút umenia). Následne sa jedenásť rokov po prvej návšteve presťahovali do Horta de San Juan, kde maľoval a kreslil zátišia a početné portréty Fernande vrátane Akt ženy v kresle (súkromná zbierka, Francúzsko) a Busta ženy (Fernande) (Múzeum umenia v Hirošime). Séria portrétov Fernande začatá v Paríži vyvrcholila obrazom Žena s hruškami (Fernande) (MoMA, New York). Vytvoril aj šesť veľkých krajiniek, medzi nimi Nádrž (Horta de Ebro) (MoMA, New York); Továreň Horta (Ermitáž, Petrohrad) a Domy na kopci (Horta de Ebro) (Nová národná galéria, Berlín). Boli to začiatky analytického kubizmu, ktorý bol zaviazaný Cézannovým konceptom reliéfu, „obrátenej perspektívy“ a modelovania.

Na dielach, ktoré namaľoval v Horthe, boli stromy a prírodné formy vynechané a povrchne amorfná skala bola analyzovaná a rozčlenená na roviny a potom rekonštruovaná prekrývaním rovín; v niektorých prípadoch sa geometrizácia rozšírila až na oblohu a celok ponúkal prísnu kompozíciu s hĺbkou, ktorá nezávidela tradičnej perspektíve. Použitie svetla bolo úplne ľubovoľné, výlučne na zvýraznenie kontúr a vyostrenie reliéfu. Napriek tomu bol analytický kubizmus stále skôr revíziou než odmietnutím tradície; maľba zostala iluzórnym oknom do predstavovaného, rekonštruovaného sveta. Syntetický kubizmus predstavoval negáciu európskej tradície; koláž narušila nedotknuteľnosť plochy obrazu a zobrazenie skutočnosti prestalo byť cieľom obrazu a stalo sa jeho východiskom.

V septembri sa presťahoval do Paríža na bulvár Clichy 11. Vrátil sa obťažkaný dielami v novom štýle a napriek odmietavému postoju verejnosti a kritiky k výstave, ktorú Vollard zorganizoval, vybraná skupina zberateľov na čele s Gertrudou Steinovou a Sergejom Ščukinom ich naďalej kupovala. Uzavretý vo svojom novom ateliéri pokračoval v rozvíjaní kubizmu, ktorý v tom čase zdieľal nielen s Braquom, ale aj so skupinou umelcov z Montmartru silne ovplyvnených novým štýlom, vrátane Deraina, Španiela Juana Grisa a Légera. Kubizmus sa šíril po celej Európe, v Rusku to boli konštruktivista a suprematista Malevič a v Holandsku Mondrian, hoci obaja vykazovali vážne rozdiely s Picassovým štýlom: podľa Penrosea ich snaha o čistú geometriu foriem viedla od obrazového subjektu k abstrakcii, čo nebolo súčasťou Picassových inštinktov, pre ktorého bolo odstránenie symbolov a poetických narážok z maľby formou vykastrovania; inšpirovala tiež futuristov na čele s Marinettim v Taliansku a vorticistov v Anglicku, ktorí založili svoju estetickú teóriu na forme a mechanickom pohybe a rytme a snažili sa zaviesť čas do obrazového zobrazenia. Picasso sa však neusiloval o rozvoj teórií alebo škôl; jeho potrebou bolo rozísť sa s minulosťou a dať umeleckému dielu vlastný vnútorný život.

V ateliéri Manuela Huguého vytvoril sochy ako Hlava ženy (Fernande) (Picassovo múzeum v Barcelone, inšpirované plátnami, ktoré namaľoval v Horte. Fernande sa necítila v pohode so zmenami, ktoré nastali v ich prostredí a životnom štýle, túžila po spontánnosti ich prvých spoločných dní.

Už v roku 1909 Picasso namaľoval sériu portrétov, v ktorých ho prísna disciplína pri hľadaní nového poňatia priestoru viedla k postupnému obmedzovaniu používania farieb; v krajinkách Horta a v obraze Šitie ženy (zbierka Claire B. Zeisler, Chicago), namaľovaných v zime 1909 – 1910, sa paleta obmedzila na okrovú, sivú a zelenú farbu, až kým túto farbu nevylúčil a neprešiel do monochrómu, ktorý občas prerušil jemnými gradáciami sivej a okrovej. V roku 1910 namaľoval okrem iného portréty Ambroisa Vollarda (Puškinovo múzeum, Moskva), Wilhelma Uhdeho (Pulitzerova zbierka, St. Louis) a Daniela-Henryho Kahnweilera (Umelecký inštitút v Chicagu), na ktorých napriek svojej progresívnej tendencii maľovať skôr okom myšlienky než priamo z prírody pracoval v početných sedeniach s modelmi, podobne ako predtým s Gertrudou Steinovou; napriek postupnému procesu analytickej segmentácie priestoru a formy Picasso zachytil fyziognómiu postáv.

Picasso a Fernande strávili leto 1910 v Cadaqués (prenajali si dom pri mori a pridal sa k nim Derain s manželkou). Po dovolenke sa Picasso vrátil plný nedokončených diel, v ktorých bol zrejmý pokrok smerom k novému jazyku kubizmu; v Portréte Daniela-Henryho Kahnweilera, ktorý namaľoval po dovolenke, je postava spracovaná ako trojrozmerná štruktúra, ktorá sa prejavuje v prvkoch rozmiestnených v priestore v priehľadnej väzbe, videných z viacerých uhlov, a predsa tvoriacich súvislý celok, ako je to aj v obrazoch ako Stojiaci ženský akt (Philadelphia Museum of Art).

Počas zimy v rokoch 1910 až 1911 Picasso a Braque spolupracovali tak úzko, že je ťažké vystopovať pôvod myšlienok, ktoré obaja uviedli do pohybu, a keďže svoje obrazy nepodpisovali, boli chvíle, keď bolo ťažké rozlíšiť ich vlastné dielo od diela toho druhého; ako postupovali v analýze objektu, Picasso a Braque cítili, že strácajú odkaz na jeho rozpoznateľnú realitu. Zahrnutie prvkov reality do ich kubistických kompozícií ich neskôr priviedlo k trompe l’œil a odtiaľ k vynálezu koláže, čím porušili tradíciu používania maximálne jedného média na dielo a spochybnili princípy samotného maľovania.

Picasso odcestoval do Céretu, francúzskej dediny v historickom regióne Roussillon, v júli 1911. V auguste sa k nemu pripojili Fernande Olivier a Braque a obaja maliari pokračovali v úzkej spolupráci pri definovaní kubizmu. Vytvorili niekoľko obrazov, v ktorých do svojich diel vniesli hlavičku miestnych novín s rozpoznateľnou gotickou typografiou, ako napríklad Vejár („L’Indépendant“) (súkromná zbierka, Ascona, Švajčiarsko). 5. septembra sa Picasso vrátil do Paríža a na Salóne d’Automne v roku 1911 predstavil kubistickú miestnosť, na ktorej on aj Braque chýbali. Táto skutočnosť šokovala tlač v New Yorku, Madride a Amsterdame, ktorá sa venovala tejto udalosti, keďže boli známi ako zakladatelia tohto štýlu; v celej Európe vyšlo niekoľko článkov a esejí o Picassovi a Braqueovi. Vzťah s Fernandou sa zhoršil a na jeseň toho istého roku sa Picasso zoznámil s Evou Gouelovou (Marcelle Humbert), dovtedy sentimentálnou partnerkou poľského maliara Louisa Markusa, ktorú na niekoľkých svojich obrazoch nazval ma jolie (moja kráska).

Začiatkom roku 1912 Picasso vytvoril prvú konštruovanú sochu, gitaru (MoMA, New York), vyrobenú z kartónu, povrazu a drôtu. Picasso do značnej miery inicioval proces, ktorý viedol k oslobodeniu sochárstva od klasických konceptov, ako je objem, a nahradil modelovanie alebo rezbárske postupy všetkými druhmi konštruktívnych techník, čo predstavovalo revolučnú transformáciu v sochárstve. Paralelne s kubistickou technikou koláže, ktorej prvým príkladom je Zátišie s pletenou stoličkou (Musée Picasso, Paríž), vytvorené na jar 1912, boli formy redukované na roviny, ktoré sa dali voľne členiť. Koncepty asambláže a konštrukcie umožnili zaviesť nové techniky a materiály; rozklad objemu priniesol nové perspektívy, ocenenie prázdnoty a svetla ako sochárskych prvkov, ktoré majú rovnaký význam ako hmota.

V rokoch 1912 až 1915 Picasso a Braque rozvinuli druhú fázu kubizmu, v ktorej vrátili do svojich diel ekvivalent tradičných konceptov, ktoré v predchádzajúcej fáze rozbili alebo odstránili; formy, predmety a slová sa stali rozpoznateľnými, pričom povrch bol rekonštituovaný; obnovili používanie pevnejšej a brilantnejšej chromatiky, roviny boli jasne načrtnuté a ohraničené, prekrývali sa a zdalo sa, že zahŕňajú štruktúrované povrchy a dekoratívne vzory.

Od apríla do mája 1912 sa v Galérii Dalmau v Barcelone konala výstava kubistov bez Picassových a Braqueových diel. Vzťah s Fernandou sa skončil; Picasso napísal Braquovi: „Fernanda ma opustila kvôli futuristovi“. 18. mája prišiel s Evou do Céretu, kde urobil niekoľko kresieb, na ktoré použil tapety z 19. storočia a útržky denníka. Keď sa v júni Picasso dozvie, že Fernande plánuje odísť na leto do Céretu s Pitxotom a jeho manželkou, napíše Kahnweilerovi, aby od neho nič neočakával, že bude šťastný, ak ju už nikdy neuvidí, a zároveň potvrdí svoju lásku k Eve a naznačí, že ju zapíše do svojich obrazov. Je pravdepodobné, že od júna do septembra pracoval na Ženskom akte („J’aime Eva“) (ľahšia, farebnejšia práca s nádychom kyslých farieb, v ktorej konštrukcia ženskej postavy vychádza z techniky koláže, ktorú používal vo svojich kresbách). 25. júna sa na úteku pred Fernandinou návštevou presťahoval do vily des Clochettes v Sorgues-sur-L’ouvèze. Na Braquea urobili Céretove maľby dojem a Picasso ho požiadal o názor na Husle („Jolie Eva“) (Nová štátna galéria v Stuttgarte), na ktorých namaľoval plochy imitujúce prírastky dreva a písané papiere, alebo na Amatér (Le torero) (Múzeum umenia v Bazileji). Braque sa v auguste presťahoval do Sorgues, kde pokračovali v práci a naďalej načrtávali svoje umelecké koncepcie.

V septembri 1912 navštívil na pár týždňov Paríž, aby zorganizoval svoje sťahovanie do nového ateliéru na bulvári Raspail 242, ale vrátil sa do Sorgues, kde pracoval na dielach Amatér (Le Torero) a Básnik (Múzeum umenia v Bazileji). Tvrdnutie a sploštenie foriem charakterizuje hermetický kubizmus, ktorý znamená začiatok prechodu k syntetickému kubizmu. Koncom septembra sa spolu s Evou vracia do Paríža, aby si vyzdvihol svoje veci a presťahoval sa do nového ateliéru, do ktorého sa nasťahujú prvého októbra. V polovici novembra začína prvú sériu papiers collés, ktorá je reakciou na Braqueovu tvorbu v tomto médiu, pričom uplatňuje techniku asambláže a včleňovania materiálov v diele Guitar, Score, Glass (McNay Art Museum, San Antonio, Texas): na pozadie z maľovaného papiera Picasso nalepil fragmenty papiera, medzi ktorými je aj titulok z Le Journal, na ktorom sa zachovali slová La bataille s’est engagé (Bitka sa začala).

V polovici decembra sa vrátil do Céretu, odkiaľ odcestoval s Evou na vianočné sviatky do Barcelony. Do Paríža sa vrátil 21. januára 1913, kde začal pracovať na diele Husle visiace na stene (Musée des Beaux-Arts, Bern), v ktorom zaviedol pridávanie piesku do farby a v dvojitej imitácii simuluje kolážový efekt pomocou plôch pripomínajúcich papierové výseky (ktoré zasa imitujú drevenú štruktúru), ktoré vo svojich kolážach používali Braque a Picasso, V tom istom čase vytvoril druhú sériu papiers collés, v ktorej použil dobové parížske noviny (v niekoľkých z nich použil Le Figaro) alebo noviny z Céretu, v ktorých možno pozorovať nárast abstrakcie a väčšiu farebnosť.

Koncom februára sa konala prvá Picassova retrospektíva v Nemecku, v Moderne Galerie Heinrich Thannhauser v Mníchove; osem Picassových diel a tri Braqueove diela boli zaradené aj na Medzinárodnú výstavu moderného umenia (Armory Show) v New Yorku, v 69. pluku zbrojnice, ktorá neskôr putovala do Chicaga a Bostonu, čo bola jedna z najvplyvnejších udalostí v dejinách amerického umenia, na ktorej bol vystavený aj slávny Akt zostupujúci po schodoch od Marcela Duchampa.

Picasso sa s Evou vrátil do Céretu v marci 1913, hoci do Barcelony cestoval ešte niekoľkokrát. Jeho otec zomrel začiatkom mája a Picasso sa zúčastnil na jeho pohrebe. Ani Evin zdravotný stav nebol dobrý a koncom jari sa zhoršil. V júni sa Picasso vrátil do Paríža a zároveň ochorel na angínu alebo bronchitídu (z ktorej sa koncom júla vyliečil), rovnako ako Eva, ktorá sa zrejme nikdy úplne neuzdravila. V auguste sa vrátili do Céretu, kde dokončil dielo Muž s gitarou (MoMA, New York), ktoré ukazuje rozvinutý syntetický kubizmus: fragmentárne motívy analytického kubizmu syntetizované do veľkých plochých tvarov, ktoré sú „znakmi“ objektov. Po krátkom pobyte sa 19. augusta vrátili do Paríža, kde sa začali sťahovať do nového ateliéru na ulici Schoelcher 5bis na bulvári Raspail s výhľadom na cintorín Montparnasse. Tým sa začalo obdobie známe ako poetický kubizmus.

Približne v čase konania Salónu d’Automne Picasso namaľoval dve významné diela: Hráč kariet (MoMA, New York), ktoré obsahuje mnohé prvky koláže trompe l’oeil, a Žena v košeli sediaca v kresle (súkromná zbierka, New York), ktorá spája farebnosť analytického kubizmu a schematické vzory syntetického kubizmu. Pokračoval aj v rozvíjaní svojich asambláží; koncom roka navštívil Paríž Rus Vladimir Tatlin, ktorý poznal jeho diela zo Ščukinovej zbierky v Moskve, aby navštívil Picassa a jeho ateliér, kde videl jeho konštrukcie. Po návrate do Moskvy Tatlin vytvoril svoje prvé stavby.

V roku 1914 Picasso vytvoril tretiu sériu papiers collés. 14. januára Kahnweiler vydal knihu Maxa Jacoba Obliehanie Jeruzalema, ktorú ilustroval Picasso. Pracoval aj na svojich konštrukciách, vrátane Skleničky absintu (MoMA, New York), ktorej obchodník Kahnweiler objednal šesť kópií v bronze, maľovaných rôznymi spôsobmi, niektoré vysokofarebné, iné s pieskovou štruktúrou.

Koncom júna sa Picasso a Eva presťahovali do Avignonu, neďaleko Deraina, ktorý bol v Montfavete, a Braquea v Sorgues. Atentát v Sarajeve, pri ktorom bol zavraždený rakúsky arcivojvoda František Ferdinand a jeho manželka, bol príčinou vypuknutia prvej svetovej vojny. Apollinaire požiadal o francúzske občianstvo, aby mohol narukovať ako dobrovoľník; Braque a Derain boli zmobilizovaní; Picasso sa s nimi rozlúčil na avignonskej stanici 2. augusta 1914. Na jeseň, ešte v Avignone, sa s dielom Karty, poháre, fľaša rumu (Vive la France) (zbierka Leigha B. Blocha, Chicago) začalo obdobie pointilistického kubizmu. Pracoval na sérii kresieb mužov opierajúcich sa o zábradlie, stôl alebo stoličku, v štýloch od naturalizmu po kubizmus; nedokončené plátno Umelec a jeho model (Musée Picasso, Paríž), pravdepodobne Eva, ukazuje tendenciu vrátiť sa k reprezentatívnej figurácii, ktorá sa neskôr opäť objavila.

Keď sa v polovici novembra vrátil do Paríža, jeho trochu ambivalentný postoj k vojne a vzťah s nemeckými mecenášmi Kahnweilerom a Thannhauserom spolu s faktom, že väčšina mladých mužov bola na fronte, spôsobili, že na Picassa sa pozerali s podozrením. V zime namaľoval olejomaľbu Zátišie: gitara, noviny, sklo a ďatelinové eso (Musée Picasso, Paríž), ktorá zaviedla obdobie známe ako studený kubizmus, v ktorom bola kompozícia spracovaná v studených farbách s prevahou modrej.

V januári 1915 vytvoril perokresbu Portrét Maxa Jacoba (Musée Picasso, Paríž) v naturalistickom štýle. Evino zdravie sa naďalej zhoršovalo a podstúpila operáciu; v máji, keď bola v sanatóriu, mal Picasso pomer s Gabrielle Depeyre, s ktorou v tom istom roku tajne odcestoval do Saint-Tropez. V auguste vytvoril ďalšiu kresbu, Portrét Ambroisa Vollarda (Metropolitné múzeum umenia, New York), s klasickou technikou a takmer fotografickou podobnosťou. Kresby tohto typu boli stále súčasné s kubistickými maľbami, ako napríklad Harlekýn (MoMA, New York), strohá kompozícia veľkých monochromatických geometrických plôch na čiernom pozadí, súčasť dlhej série na túto tému, ktorú možno chápať ako alegóriu straty, najmä smrteľnej choroby Evy, ktorá bola v novembri prevezená do nemocnice Auteil. Picasso prežíval veľmi ťažké obdobie, „môj život je peklo“, napísal Gertude Steinovej. Eva zomrela 14. decembra 1915.

Počas vojny sa jeho tvorba sústredila na kubistické zátišia a portréty v naturalistickom štýle; od roku 1917 sa v jeho diele striedali kubizmus, pointilizmus, manierizmus a neoklasicizmus. Na konci vojny, hoci Picasso naďalej pracoval súčasne v týchto odlišných štýloch, postupne inklinoval k neoklasicistickému štýlu, ktorý sa naplno rozvinul v roku 1920 a udržal jeho záujem až do roku 1924.

Balets Russes

V roku 1916 mal vzťah s dvoma ženami: Gabrielle Lespinasseovou, montparnasskou šoumenkou, s ktorou mal pomer bez následkov, a Elvírou Paladiniovou, zmyselnou a sybaritickou, ktorej prítomnosť podnietila v Picassovej tvorbe istú predtuchu Talianska. V marci sa Apollinaire vrátil zranený z frontu a Picasso v nasledujúcich troch mesiacoch vytvoril niekoľko kresieb, ktoré ho zobrazovali, napríklad Portrét Apollinaira (súkromná zbierka), tiež v realistickom štýle. V júni sa začal sťahovať na ulicu Victor-Hugo 22 vo štvrti Montrouge. Namaľoval niekoľko portrétov Elvíry Paladiniovej a Apollinaira v realistickom štýle a niekoľko kresieb harlekýnov pripomínajúcich ružové obdobie. Prvá verejná výstava Les Demoiselles d’Avignon sa konala v júli na Salon d’Automne, ktorú zorganizoval André Salmon. Podobne ako v prípade kubizmu, kritici boli dosť prísni na dielo, ktorému nerozumeli.

Po niekoľkých predchádzajúcich návštevách ho Jean Cocteau, s ktorým sa zoznámil v decembri predchádzajúceho roka, pozval 1. mája, aby navrhol scénu pre súbor Ballets Russes v réžii Sergéia Diágileva, s libretom samotného Cocteaua a hudbou Erika Satieho; počas návštevy mal vytvoriť realistický portrét spisovateľa. Koncom mája Cocteau vzal Diágileva na návštevu do svojho štúdia, kde spolu diskutovali o plánoch na balet Parade. V auguste 1916 konečne súhlasil s prácou na balete Parade. Picasso urobil v diele niekoľko zmien, ktoré sa Satiemu páčili viac ako Cocteauovi. Nakoniec sa v septembri dohodli a v januári 1917 potvrdil s Diágilevom dohodu o zhotovení kulís a kostýmov pre balet za sumu 5000 frankov a ďalších 1000 frankov, ak by musel odísť do Ríma. Od februára do marca pracoval na opone pre balet Parade (Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paríž).

19. februára pricestoval s Cocteauom do Ríma, aby sa pripojil k Diagilevovi a Ballets Russes. Osem týždňov strávil v Grand Hôtel de Russie na rohu Via del Babuino a Piazza del Popolo, kde z okna nakreslil veľa kresieb vily Medici. V prenajatom ateliéri na Via Margutta 53b vytvoril množstvo náčrtov kostýmov a dekorácií pre balet. Keď nepracoval, stýkal sa s Djagilevom, choreografom hry Léonidom Massinom, scénickým výtvarníkom Léonom Bakstom, Cocteauom a Igorom Stravinským, ktorých rýchlo portrétoval a karikoval. Stretol sa aj s talianskymi futuristickými umelcami a navštívil s nimi slávne miesta mesta, Sixtínsku kaplnku, Rafaelove izby a Vatikánske múzeá sochárstva. Pobyt v Ríme obnovil jeho záujem o Ingresov akademický štýl, ktorého vplyv sa v nasledujúcich rokoch prejavil v jeho tvorbe. V tomto období sa zoznámil s tanečnicou Oľgou Jojlovou, členkou Djagilevovho súboru, s ktorou sa napokon oženil.

V marci 1917 vzal Diagilev Picassa, Stravinského, Cocteaua a Massina na výlet do Neapola, odkiaľ navštívili ruiny Herkulanea a Pompejí. V tom čase vychádzal v Paríži avantgardný literárny časopis Nord-Sud, ktorý sa počas svojej krátkej existencie stal silným fórom pre avantgardnú diskusiu o kubizme a pokúsil sa spojiť parížske centrá tradičnej a avantgardnej literatúry, Montmartre a Montparnasse. Medzi jeho prispievateľmi boli mnohí spisovatelia, ktorí neskôr formovali surrealizmus: Apollinaire (ktorý v tomto období vytvoril tento pojem), André Breton, Louis Aragon a Tristan Tzara. V apríli sa Cocteau vrátil do Paríža a Picasso sa pripojil k súboru Ballets Russes na ich ceste do Talianska, aby bol blízko Olgy, a prešiel Florenciou (kde navštívil Medicejskú kaplnku s Michelangelovými hrobkami) a Benátkami.

Po turné v Taliansku sa súbor koncom apríla vydal do Paríža, kde sa 18. mája 1917 v Théâtre du Châtelet uskutočnilo prvé predstavenie Parade. Spojenie avantgardných výtvarných, hudobných a choreografických štýlov v období poznačenom vojnou v Európe spôsobilo, že dielo, ktoré bolo označené za „urážlivo protifrancúzske“, vyvolalo škandál, v ktorý Diágilev dúfal. Apollinaire vo svojej eseji k programu baletu poznamenal, že syntézou Picassových návrhov a Massinovej choreografie sa po prvýkrát dosiahol akýsi „surrealizmus, v ktorom vidím východiskový bod série prejavov tohto nového ducha“. Na druhej strane, správy v tlači boli hrozné. V máji až júni vytvoril realistický Autoportrét (Musée Picasso, Paríž) a Oči umelca (Musée Picasso, Malaga).

Zamilovaný do Olgy Picasso sprevádzal Ballets Russes do Madridu, kde vystupovali počas júna; ovplyvnený Olgou a kontaktmi so súborom Picasso navštevoval madridskú vyššiu spoločnosť. 23. júna pricestovali do Barcelony, kde Ballets Russes uviedli predstavenie Las Meninas v Teatro del Liceo. Koncom mesiaca spoločnosť odišla do Južnej Ameriky, zatiaľ čo Olga a Picasso, ktorí už boli zasnúbení, zostali štyri mesiace v Barcelone, kde mu jeho katalánski priatelia umelci Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, bratia Vidalovci a Francisco Iturrino usporiadali v júli uvítací banket v Galerías Layetanes. Namaľoval naturalistické obrazy Harlekýn z Barcelony (Picassovo múzeum, Barcelona) a Oľga Jojlová s mantillou (Picassovo múzeum, Malaga); Žena v španielskych šatách (La Salchichona) (Picassovo múzeum, Barcelona), v divizionistickej technike; v kubistickom štýle Žena sediaca v kresle (Personage) (Picassovo múzeum, Barcelona) a Misa s ovocím (Picassovo múzeum, Barcelona). Vytvoril aj množstvo kresieb býčích zápasov a portrétov a kresieb Oľgy.

V novembri sa Ballets Russes vrátili do Španielska; v Barcelone uviedli predstavenie Paráda, ktoré sa stretlo s vlažným prijatím; počas predstavenia ho Picassova sestra Lola a jej manžel zoznámili s vtedajším študentom umenia Joanom Miróom. Koncom novembra sa Olga a Picasso pripravujú na návrat do Paríža.

Rok 1918 je začiatkom obdobia, ktoré Max Jacob označil ako obdobie vojvodkyne a ktoré sa skončilo okolo roku 1923. Od 23. januára do 15. februára 1918 vystavoval Picasso spolu s Matissom sériu protokubistických obrazov v galérii Paula Guillauma. V atmosfére, ktorá bola voči kubizmu stále nepriateľská, výstava vyvolala množstvo komentárov v tlači; je možné, že súčasťou výstavy boli aj Les Demoiselles d’Avignon. Dokončil Portrét Olgy v kresle (Olga trvala na tom, aby jej portréty boli rozpoznateľné.

V apríli až máji sa s Olgou presťahoval do hotela Lutetia, módneho prvotriedneho hotela na bulvári Raspail; zmenil sa jeho životný štýl, navštevoval krúžok Ballets Russes a pohyboval sa vo vyššej spoločnosti. 12. júla sa oženil s Oľgou, najprv počas predpísaného právneho obradu a potom počas trojhodinovej omše v ruskom pravoslávnom chráme na Rue Daru v Paríži. Ich rodiny sa nezúčastnili a Picasso požiadal Jeana Cocteaua, Maxa Jacoba a Apollinaira, aby boli svedkami. Po svadbe Oľga odmietla ísť do Montrouge a povedala, že sa už nikdy nevráti do toho domu, „ktorý páchne príliš mnohými ženami“. 30. júla pricestovali do Biarritzu na medové týždne; ubytovali sa vo vile La Mimoseraie, ktorú vlastnila ich čilská priateľka Eugenia Errázurizová. Tam rozvíjal morské témy, ako napríklad Kúpajúci sa (Musée Picasso, Paríž), v manieristickom štýle pripomínajúcom jeho predĺžené postavy inšpirované štýlom El Greca. Jeho hostiteľka ho zoznámila s obchodníkmi s umením Georgesom Wildensteinom a Paulom Rosenbergom; Rosenberg v mene Wildensteina uzavrel s Picassom zmluvu. Vytvoril niekoľko portrétov žien a bohatých návštevníkov v Ingresovom neoklasicistickom štýle.

Koncom septembra sa spolu s Olgou vrátil do Montrouge. Oficiálnym Picassovým predajcom sa stal Paul Rosenberg, ktorý s Picassom uzavrel len ústnu dohodu, na základe ktorej mal predajca právo prvého výberu umelcových diel; Daniel-Henry Kahnweiler bol jeho predajcom od roku 1907 až do vypuknutia nemecko-francúzskej vojny, keď bol nútený odísť do Švajčiarska. 8. októbra si Picasso prenajal veľký byt na ulici de La Boëtie. Je pravdepodobné, že v tom čase sa zoznámil s Louisom Aragonom a prostredníctvom neho a Apollinaira s André Bretonom. Krátko nato, 9. novembra 1918, dva dni pred podpísaním prímeria v Rethondes, ktorým sa skončila prvá svetová vojna, Apollinaire zomrel na španielsku chrípku vo svojom byte na bulvári Saint-Germain. Odvtedy Picasso každý rok v tento deň navštevoval hrob svojho priateľa na cintoríne Père-Lachaise.

V roku 1919 pokračoval v práci na kubistických a realistických dielach súčasne. Vytvoril niekoľko realistických diel, v ktorých možno vidieť určitú monumentálnosť a sochársku váhu postáv, ako napríklad Zátišie s džbánom a jablkami (Musée Picasso, Paríž) v robustnom, klasickom štýle neskorého Ingresa, sochársky charakter a masívnosť postáv, ktoré sa prejavia v jeho neoklasicistických dielach z roku 1920.

Príchod Ballets Russes do Londýna po vojne sa zhodoval s obdobím, keď bol v móde záujem o umenie, najmä avantgardné umenie, a balet umožňoval spojiť prestíž veľkých tanečníkov so škandálom mladých revolučných umelcov, čo sa páčilo snobom a priťahovalo intelektuálov. Balet umožnil spojiť prestíž veľkých tanečníkov so škandálom mladých revolučných umelcov, čo potešilo snobov a zároveň prilákalo intelektuálov. V máji Picasso pricestoval do Londýna, kde Diagilev pripravoval nový balet s hudbou Manuela de Fallu El sombrero de tres picos podľa rovnomenného románu Pedra Antonia de Alarcóna. Picasso bol nadšený príbehom, ktorý sa odohráva v južnom Taliansku v 18. storočí, a príležitosťou opäť spolupracovať s Massinom a po prvýkrát s Fallom. Počas troch mesiacov pobytu v Londýne vytvoril množstvo skíc, kresieb a akvarelov pre kulisy, kostýmy a oponu, ktoré osobne namaľoval za asistencie Vladimíra Polunina a jeho manželky Alžbety. Keď neboli zaneprázdnení baletnými skúškami a testami, stretávali sa s anglickou spoločnosťou, kde Picasso spoznal mnohých umelcov a spisovateľov.

Premiéra predstavenia El sombrero de tres picos v divadle Alhambra 22. júla 1919 mala obrovský úspech, ktorý čoskoro viedol k otvoreniu škôl španielskeho tanca v Londýne. Massine sa naučil rytmy flamenca a aplikoval ich do choreografie tanečníkov, ktorých kostýmy boli prispôsobené deju. Picasso inštinktívne používal krivky a cik-caky, motívy charakteristické pre španielske roľnícke vozy, rytmy pravdepodobne pochádzajúce z arabských kaligrafických arabesiek. Kontrast zelenej, ružovej, červenej a čiernej farby tiež pripomína Španielsko. Kritik Jean Bernier napísal: „všetky kostýmy sú bez výnimky plné tepla a sily, ktoré sú zmiernené dôstojnosťou, ktorá je veľmi andalúzska“.

Úspech baletu sprevádzal aj spoločenský život; Picasso a Oľga boli na Oľginu radosť pozývaní na množstvo večierkov vo vyššej spoločnosti. Picasso si objednával obleky u najlepších krajčírov a na módnych recepciách vystupoval bezchybne oblečený. V auguste sa Olga a Picasso vrátili do Paríža a odtiaľ odišli do Saint-Raphaël na Azúrovom pobreží; je pravdepodobné, že počas cesty vlakom Picasso pozoroval scénu zberu úrody, ktorú zobrazil v Sieste. Téma okien v Saint-Raphaël, ktorú v lete spracoval v mnohých akvareloch a kresbách, pretrvávala v Picassovej tvorbe po návrate do Paríža na jeseň až do začiatku 20. rokov.

Picasso, ktorý sa usadil vo svojom byte na Rue de la Boëtie, sa postupne vzďaľoval od bohémskeho životného štýlu, ktorým žil pred vojnou; jeho osobný život bol pokojnejší, hoci ho bolo možné vidieť elegantne oblečeného na kokteilových večierkoch alebo na večeri s Olgou, oblečenú v značke Chanel. Jeho spojenie s Ballets Russes a obchodníkmi s umením Léonceom a Paulom Rosenbergovcami mu prinieslo priaznivejšiu pozornosť kritiky a zviditeľnenie.

V decembri 1919 ho Diágilev, ktorý sa vrátil do Paríža po londýnskej sezóne, pozval k spolupráci na novom balete Pulcinella inšpirovanom Commedia dell’Arte so Stravinského hudbou. Diágilev prvé skice odmietol ako príliš moderné a zdobné a Picasso ich neskôr zjednodušil. Diagilev prvé skice odmietol ako príliš moderné a zdobné; Picasso ich neskôr zjednodušil. Na začiatku 20. rokov 20. storočia vypracoval veľké množstvo skíc a štúdií k Pulcinelle.

Dňa 23. januára 1920 sa v parížskom Théâtre National de l’Opéra uskutočnilo predstavenie Trojrohý klobúk, na ktoré pozval svojho priateľa Maxa Jacoba, s ktorým sa stretával menej často. Cestou do divadla Jacoba zrazilo auto a bol hospitalizovaný; Picasso ho v nemocnici často navštevoval, ale potom sa začali vídať menej, pretože Jacob sa snažil viesť menej búrlivý a verejný spoločenský život.

Massineho nápad na balet vznikol na základe pouličných predstavení, ktoré videli počas svojej cesty do Neapola v roku 1917. Spolu s Djagilevom vytvorili libreto na základe starých neapolských textov; Stravinského hudba je spracovaním hudby Giovanniho Battistu Pergolesiho, talianskeho skladateľa 18. storočia. Picassove prvé skice boli v pseudorokokovom štýle, ktorý po prvom odmietnutí Diagilevom zjednodušil na kubistický štýl s veľkými plochami v modrej, sivej a bielej farbe, na ktorých vynikali kostýmy postáv založené na štýle tradičných postáv Commedia dell’Arte. Pulcinella mala premiéru 15. mája 1920 v Théâtre National de l’Opéra v Paríži.

Tento štýl kulís Pulcinelly sa rozšíril aj na Picassovu maľbu, ako je vidieť na Pulcinelle s gitarou pred oponou (Massine salutuje); farby sú živé, ale nie ostré, a maľovaná plocha sa stala úplne plochou. Počas leta v Juan-les-Pins pokračoval v rozvíjaní tohto štýlu a námetu v sérii farebných, geometrických a plochých kvašov na tému Commedia dell’Arte, ako napríklad Pierrot a Harlekýn (Národná galéria umenia, Washington). V septembri, ešte v Juan-les-Pins, vytvoril sériu kresieb a akvarelov na tému stredomorskej antiky, epizódu pokusu o únos Deyaniry, Herkulovej manželky, kentaurom Nessom, inšpirovanú pompejskými freskami, ktoré videl počas svojej cesty do Neapola v roku 1917.

4. februára 1921 sa mu narodil prvý syn Pablo. Na jar začal študovať Cuadro flamenco, ďalší balet od Diagileva, ktorý tentoraz najal skupinu ôsmich andalúzskych tanečníkov a spevákov, pre ktorých Falla upravil populárnu hudbu. Pôvodne si ho objednal Juan Gris, tiež Španiel, ale Picasso ho predbehol s odôvodnením, že Gris bol chorý a nemal by čas vypracovať projekt v takom krátkom čase, a predložil mu myšlienku, ktorú opustil v Pulcinelle, oponu s rokokovými ornamentmi a proscéniom s pármi sledujúcimi predstavenie, ako je to vidieť na Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, Paríž). Vzťahy s Grisom v dôsledku toho ochladli, čo trvalo až do jeho smrti v roku 1927. 22. mája malo dielo premiéru v Théâtre de la Gaîté-Lyrique. Obálka programu bola ilustrovaná štyrmi aktmi na pláži v neoklasicistickom štýle podobnom iným dielam z toho istého obdobia. Po návrate do Paríža pokračoval v monumentálnom neoklasicistickom štýle.

V lete sa spolu s Oľgou a Pablom presťahoval do Fontainebleau, aby sa vyhol horúčavám na juhu Francúzska. Leto vo Fontainebleau bolo plodné, väčšina diel bola v neoklasicistickom sochárskom štýle. Hlavnými námetmi sú matka s dieťaťom a ženy pri fontáne, ktoré možno vidieť na obrazoch Matka s dieťaťom na brehu mora (Art Institute of Chicago) a Tri ženy pri fontáne (Musée de l’Orangerie, Paríž), s grécko-rímskymi šatami a účesmi. Vytvoril aj dve majstrovské diela v syntetickom kubistickom štýle: Hudobníci s maskami (MoMA, New York) a Hudobníci s maskami (Traja hudobníci) (Philadelphia Museum of Art); námety pripomínajú jeho spoluprácu s Ballets Russes, najmä niektoré štúdie pre harlekýnky a pierka z Pulcinelly.

V roku 1922 začal Breton, poradca Jacquesa Douceta v otázkach umenia, Douceta presviedčať o dôležitosti doplnenia jeho zbierky moderného umenia o významné Picassove diela, čo viedlo v roku 1924 k získaniu Les Demoiselles d’Avignon. V júni počas návštevy Dinardu (Bretónsko) namaľoval obraz Dve ženy bežiace po pláži (The Race) (Musée Picasso, Paríž), idealizáciu monumentálnych postáv, ktoré namaľoval v roku 1921, s novým prvkom, spracovaním pohybu, ktorý neskôr poslúžil ako predloha pre pozadie Diagilevovho filmu Le Train Bleu v roku 1924. Urobil aj niekoľko skíc svojho syna a svojej ženy a syna spolu, ako možno vidieť na fotografii Rodina pri mori (Musée Picasso, Paríž). 20. decembra 1922 mala v Théâtre de l’Atelier na Montmartri (Paríž) premiéru modernizovaná adaptácia Sofoklovej Antigony od Jeana Cocteaua. Hra mala kulisy od Picassa, kostýmy od Coco Chanel a hudbu od Arthura Honeggera.

V roku 1923 Picasso pokračoval v harlekýnskej téme; namaľoval niekoľko portrétov Jacinta Salvadóa prezlečeného za harlekýna v menej monumentálnom a lyrickom štýle, ako aj portréty svojho syna Pabla a jeho manželky Olgy a Portrét Doña María (umelcova matka) (súkromná zbierka). Namaľoval aj portréty svojho syna Pabla a jeho manželky Olgy a Portrét Doñy Marie (umelcovej matky) (súkromná zbierka). Toho leta sa vrátil na Riviéru a usadil sa v Antibes s Olgou a Pablom. Vytvoril Panovu flautu (Musée Picasso, Paríž), ako aj niekoľko kresieb a skíc na rovnakú tému. V Antibes navštívil mnohých dovolenkárov zo spoločnosti, napríklad maliara Geralda Murphyho a jeho manželku Sarah (Beaumont ho požiadal, aby navrhol scénu a kostýmy pre Mercure, ktorý mal byť otvorený v lete 1924.

Choreograf Léonide Massine opustil Ballets Russes, aby v lete 1924 vytvoril balet pre grófa Étienna de Beaumonta v rámci série súkromných predstavení známych ako Les Soirées de Paris s cieľom pomôcť ruskej aristokracii. S hudbou Erika Satieho a scénou a kostýmami od Picassa vytvoril Massine Mercure, najzvláštnejší a najoriginálnejší balet od čias Parády. Hranaté roviny a rovné línie Parády nahradili zakrivené a zvlnené línie, kľukaté siluety v scénografii a kostýmoch. Premiéra Mercure 18. júna v Théâtre de la Cigale bola kritikou a divákmi zle prijatá. Niektorí surrealisti kritizovali Picassovu účasť na buržoáznom projekte na pomoc aristokracii, ale Breton sa postavil na obranu Picassovej umeleckej práce a vo svojej eseji Hommage à Picasso (Pocta Picassovi) vyhlásil: „Pokiaľ ide o mňa, považujem Picassovu spoluprácu na Mercure za najdôležitejšiu umeleckú udalosť posledných rokov.

O dva dni neskôr bol v Théâtre des Champs-Elysées uvedený Le train bleu, posledná spolupráca s Ballets Russes Sergeja Djagileva. Oponu namaľoval scénický maliar Alexander Šervašidze podľa Picassovho gvašu Dve ženy bežiace po pláži (Závod). Oponu podpísal sám Picasso „Venované Diágilevovi Picassovi 24“.

V lete 1924 sa presťahoval do vily La Vigie v Juan-les-Pins. Picasso vytvoril v skicári sériu predsurrealistických kresieb, konštelácií čiar a bodov, ktoré boli po rokoch použité pre ilustrované vydanie knihy Honoré de Balzaca Le Chef-d’œuvre Inconnu, ktoré pripravil Ambroise Vollard; na oslavu synových narodenín Picasso každý rok maľoval chlapcove portréty; v roku 1924 namaľoval Pabla de harlekýn (Musée Picasso, Paríž).

Spory okolo Soirées de Paris sa v lete rozrástli a vyvolali rozkol medzi bývalými Adadami, ktorý postavil Bretonovu skupinu proti inej skupine okolo Ivana Golla. V októbri Breton uverejnil Surrealistický manifest, v ktorom načrtol umelecké dôsledky teórie psychoanalýzy a interpretácie snov Sigmunda Freuda. Termín surrealizmus, ktorý v roku 1917 vymyslel Apollinaire, prevzal Breton ako názov svojej skupiny. Hoci sa Picasso nikdy oficiálne nepripojil k surrealistickému hnutiu, Breton jeho dielo obdivoval, rovnako ako Tristan Tzara a dadaisti. Picassove diela sú reprodukované v ôsmich z jedenástich čísel časopisu La Révolution Surréaliste, ktoré vyšli v rokoch 1924 až 1929.

Surrealizmus

Od svadby s Oľgou a narodenia ich prvého syna Pabla žil Picasso šťastným rodinným životom, viedol veľmi aktívny spoločenský život, striedal sa s parížskou aristokraciou a inteligenciou, avantgardní kritici chválili jeho umelecké úspechy, hoci sa zameriavali na formálne aspekty a ignorovali intuitívne a psychologické prvky jeho tvorby. Picasso bol spoločnosťou a kritikou akceptovaný ako súčasť francúzskej tradície, ktorá stála nad výstrelkami novej generácie antiburžoáznych dadaistov, ktorých začala vytláčať skupina známa ako surrealisti.

V roku 1925 namaľoval k štvrtým narodeninám svojho syna obraz Pablo de pierrot (Umelecký syn) (Musée Picasso, Paríž) v naturalistickom štýle podobnom portrétu harlekýna, ktorý namaľoval v predchádzajúcom roku. Namaľoval aj obraz Tanec (Tate Modern, Londýn), ktorý bol kľúčovým momentom v Picassovom vývoji po období, keď pracoval v dekoratívnej forme syntetického kubizmu a v neoklasickom figuratívnom štýle. Tanec je poplatný obom štýlom, ale jeho význam spočíva v tom, že znamená prerušenie pokojnej, klasickej fázy a začiatok nového obdobia emocionálneho násilia a expresionistickej deformácie.

Tanec znamenal začiatok Picassovho surrealistického obdobia v rokoch 1925 až 1938. Expresionistický charakter maľby, ktorá je protikladom jeho klasických kresieb tanca, symbolizuje Picassovo rastúce podráždenie voči Olge a ženám všeobecne; zranený smrťou svojho priateľa Ramona Pichota veril, že jeho manželka Germaine, ktorá bola príčinou Casagemasovej smrti, zničila jeho priateľa, ako Olga ničila jeho. K smútku z Pichotovej smrti sa v júli pridala smrť hudobníka Erika Satieho a v lete namaľoval v Juan-les-Pins obraz Bozk (Musée Picasso, Paríž), ktorý je duchom ešte agresívnejší ako Tanec. Motív prekrývajúcich sa hláv, ktorý sa objavuje v postave ženy, a nie v soche, nájde kontinuitu v jeho neskoršej tvorbe. Iracionálne vlastnosti tejto série diel, ako aj prvých kubistických diel, považoval Breton za analogické s teóriou automatizmu, ktorú praktizovali surrealistickí umelci.

V eseji „Surrealizmus a maliarstvo“, uverejnenej v júli 1925 v 4. čísle časopisu La Révolution Surréaliste, Breton vyhlásil Picassa za vzorového maliara a vyhlásil ho za surrealistu, pričom poukázal na nemožnosť použiť nálepku, ktorá by obmedzovala jeho tvorbu: „Nálepka „kubista“ sa veľmi pomýlila. V novembri sa v parížskej Galérii Pierre konala výstava „Exposition: La Peinture Surréaliste“, na ktorej boli vystavené dva Picassove rané kubistické obrazy, ako aj diela Hansa Arpa, Giorgia de Chirica, Maxa Ernsta, Paula Kleea, Andrého Massona, Joana Miróa, Mana Raya a Pierra Roya; Breton a Robert Desnos napísali predslov ku katalógu. Maurice Raynal v recenzii výstavy v L’intransigeant napísal: „Otec kubizmu“ sa stal adoptívnym synom surrealistov! V novembri Picasso sprevádzal svoju matku, ktorá s nimi strávila dovolenku na pobreží, do Barcelony. Tam sa stretol s Dalím a navštívil jeho prvú samostatnú výstavu v Dalmau Gallery.

V roku 1926 pracoval v štýle, ktorý bol označený ako krivkový kubizmus, kombinujúci zvlnené plochy dekoratívneho kubizmu, prekrývanie hláv na postavy a zakrivené deformácie skúmané v kresbách súhvezdí, aplikované na kubistickú mriežku. Svedčia o tom monochromatické diela The Dressmakers (Krajčírska dielňa) (Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paríž) a The Painter and his Model (Musée Picasso, Paríž), namaľované sivou, čiernou, bielou a škoricovým okrom. Vytvoril aj niekoľko portrétov, ktoré sa do istej miery podobajú Marie-Thérèse Walterovej, mladej dospievajúcej dievčine, ktorú podľa niektorých autorov prvýkrát stretol začiatkom roka 1925 na parížskom Gare Saint-Lazare. Pokračoval aj v práci na motíve prekrývajúcich sa hláv.

V apríli ho v ateliéri navštívil Dalí; napriek vzájomnému obdivu sa z nich nestali blízki priatelia. Jeho odporúčanie Diagilevovi, aby spolupracoval s Miróom a Maxom Ernstom na dekoráciách a kostýmoch pre jeho Rómea a Júliu, viedlo k tomu, že sa Diagilev vyhrážal vylúčením zo surrealistickej skupiny, ktorá bola proti spolupráci s „buržoáznou produkciou pre vyššiu spoločnosť“.

Koncom leta vytvoril album kresieb Carnet des Métamorphoses, v ktorom obdaril biomorfné kúpajúce sa ženy sloními sochárskymi formami so sexuálnymi atribútmi dosahujúcimi monumentálne rozmery, ako je to vidieť na obraze Kúpajúci sa v kokpite (Ženská postava) (Musée Picasso, Paríž). Hoci ide pravdepodobne o štúdie pre Apollinairov pomník, Christian Zervos v roku 1929 napísal, že Picasso ich navrhol ako pomníky pre Croisette, elegantnú promenádu, ktorá oddeľuje pláž od veľkých hotelov v Cannes. Koncom roka 1927, už v Paríži, pracoval s tlačiarom Louisom Fortom na sérii trinástich leptov na objednávku Vollarda na tému „umelec a model“ pre knihu Le Chef-d’œuvre Inconnu, ktorú vydal v roku 1931.

V januári 1928 vytvoril veľkú koláž s názvom Minotaurus (Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paríž), pozostávajúcu z dvoch nôh vyrastajúcich z býčej hlavy, čo bol prvý výskyt mytologického motívu Minotaura, napoly človeka, napoly býka, ktorý vyvrcholil v Guernice v roku 1937. Pokračoval tiež v práci na téme biomorfných kúpajúcich sa a maliara a jeho modelu.

V marci 1928 obnovil priateľstvo so sochárom Juliom Gonzálezom, ktorého ateliér na ulici de Médéah často navštevoval, aby sa ďalej učil zváračským technikám. V júni vytvoril svoju prvú trojrozmernú sochu od roku 1914, bronzovú Metamorfózu I (Kúpajúci sa) (Musée Picasso, Paríž), podľa kresieb Marie-Thérèse dokončených v roku 1927.

V lete sa s Olgou a Pablom presťahoval do Dinardu v Bretónsku vo Francúzsku; v neďalekom letnom detskom tábore tajne hostil Marie-Thérèse a zasväcoval ju do svojich obľúbených sadomasochistických sexuálnych praktík. Naďalej pracoval na téme biomorfných kúpajúcich sa v maľbách a kresbách, ako napríklad Bather and Cabin (MoMA, New York), a v sérii štúdií konštrukcií zo zváraného kovu podľa vzoru konštelácií bodov spojených sieťou línií, ktoré pripravoval pre budúci Apollinairov pomník. Na jeseň v Paríži pracoval s Gonzalezom na tomto projekte na sérii modelov zo železných tyčí, ktoré Kahnweiler opísal ako „kresby v priestore“. Výbor zodpovedný za pamiatku tieto modely odmietol ako príliš radikálne a nevhodné.

Na jar 1929 vytvoril v Gonzálesovom ateliéri zváranú a maľovanú železnú sochu Žena v záhrade (Musée Picasso, Paríž). Začal tiež s prvými štúdiami pre Ukrižovanie (Musée Picasso, Paríž), ktoré dokončil v roku 1930. Napätie v manželstve s Oľgou sa prejavilo v dielach ako Busta ženy a Autoportrét (súkromná zbierka), v ktorých sa na klasický profil jeho osoby vyníma divoká ženská hlava s otvorenými čeľusťami. Tiež vo Veľkom akte v červenom kresle (Musée Picasso, Paríž), v ktorom je ženská postava pokrivená do výkriku, odhaľujúceho znepokojujúce prvky v umelcovom podvedomí. Surrealistická povaha tohto obrazu sa prejavuje aj v mnohých ďalších dielach.

V januári 1930 namaľoval obraz Kúpajúci sa sediaci pri mori (MoMA, New York), ženu poňatú ako kostnatú štruktúru, hrozivú bytosť v kontraste s pokojnou atmosférou pláže, ktorej hlava pripomína hlavu kudlanky, jedného z obľúbených symbolov surrealistov (kudlanka požiera svojho partnera počas pohlavného styku). Viaceré Picassove staršie i neskoršie diela majú rovnaký typ hlavy a niektoré aj tzv. vagina dentata, čo evokuje „strach z psychosexuálnej kastrácie“, ktorý surrealisti symbolizovali prostredníctvom modlivky.

Boisgeloup

Jeho diela boli prvýkrát vystavené v Múzeu moderného umenia v New Yorku (MoMA), založenom v predchádzajúcom roku, v rámci výstavy „Maľba v Paríži“. V júni získal zámok Château de Boisgeloup, sedemdesiat kilometrov severozápadne od Paríža. Boisgeloup sa mal stať útočiskom, kam mohol utiecť s Marie-Thérèse; stajne premenil na sochársky ateliér, kde ho túžba vrátiť sa k modelovaniu z hliny alebo sadry a inšpirácia od jeho mladej milenky podnietili k vytvoreniu veľkých búst zo sadry, z ktorých niektoré mali nepochybne sexuálny charakter. Na jeseň 1930 vytvoril sériu sôch, väčšinou vyrezávaných z dreva a neskôr odliatych z bronzu, malých rozmerov a veľmi štylizovaných. Približne v tom čase sa Marie-Thérèse presťahovala na ulicu Boétie 44, oproti bytu, kde Picasso žil s Olgou. V prvých rokoch 30. rokov bol Picasso rozpoltený medzi neochotou ukončiť vzťah s Olgou a posadnutosťou Marie-Thérèse, ktorá bola hlavnou inšpiráciou pre zmyselné a sugestívne ženské postavy v jeho dielach.

V septembri 1930 začal so sériou sto leptov, ktoré vytvorili Vollardovu suitu; Picasso na tejto sérii pracoval od roku 1930 do roku 1937, hoci väčšina prác vznikla v rokoch 1933 (61 leptov) až 1934 (24 leptov). Hans Bollinger rozlíšil vo Vollardovej suite sedem tematických skupín: ((a (vii) Slepý Minotaurus. „Umelec a model“ je všeobecná téma, ktorá sa vyskytuje na rytinách Vollardovej suity, najmä na tých, ktoré sú venované sochárskemu ateliéru. Picasso sa tak mohol „nevinne“ zobrazovať s Marie-Thérèse, často nahý. Je to téma, ktorú Picasso používal počas 30. rokov 20. storočia; z jeho tvorby sa vytratila počas španielskej občianskej vojny a nemeckej okupácie Francúzska, hoci v posledných rokoch ju opäť obnovil.

V januári 1931 dokončil obraz Postavy pri mori (Musée Picasso, Paríž), milostnú scénu na pláži, v ktorej sú telá, zredukované do oblých, sochárskych foriem, v objatí tak prepletené, že nie je možné rozlíšiť, ktorá časť tela patrí mužovi alebo žene, postave vpravo, ktorú možno podľa tvaru hlavy identifikovať ako Marie-Thérèse. Picasso tak zdôraznil dvojakú povahu ľudskej sexuality prostredníctvom rozporu medzi zdanlivou nežnosťou objatia a kamennou prítomnosťou postáv a ich ostrými, agresívnymi jazykmi. Hlavy postáv pripomínajú obraz Bozk (Dve hlavy) (Musée Picasso, Paríž) z toho istého dátumu, kde dve navzájom sa požierajúce hlavy odrážajú konflikt s Olgou. Paralelne s maľbami monolitických foriem vytvoril sériu zátiší v dekoratívnom, žiarivo farebnom, krivolakom kubistickom štýle; za osobitnú zmienku stojí Veľké zátišie so svietnikom (Picassovo múzeum, Paríž), kde v jednom z jeho najlyrickejších a sexuálne symbolických zátiší organické formy naznačujú torzo Marie-Thérèse. Obraz zostal v Picassovej osobnej zbierke až do jeho smrti, keď ho spolu so stovkami ďalších diel daroval Picassovmu múzeu v Paríži namiesto dedičskej dane.

V apríli zorganizovala londýnska galéria Alex Reid & Lefevre retrospektívu tridsiatich siedmich obrazov s názvom Tridsať rokov Pabla Picassa. V máji konečne získal do vlastníctva zámok Boisgeloup, kde pokračoval v práci s kovom s Gonzalezom, pričom do svojich sochárskych diel zapracoval skutočné objekty. Jeho sochy z roku 1930, asambláže z rezaných a zváraných kovových prvkov, ako napríklad Žena v záhrade (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), možno chápať ako „poetické objekty, niekedy so surrealistickou príchuťou“. Vrátil sa aj k modelovaniu z hliny alebo sadry. Vytvoril niekoľko búst a reliéfov zobrazujúcich Máriu Teréziu, napríklad Busta ženy (Mária Terézia) (Picassovo múzeum, Paríž). Oblé formy a reliéfy majú určitý sexuálny charakter a črty tváre niekedy pripomínajú pohlavné orgány (nos ako falus, ústa ako vagína), čo pripomína neolitické a africké sochárstvo. Počas letných prázdnin v Juan-les-Pins dokončil sériu lyrických a erotických kresieb a rytín, ktoré sa stali základom pre rytiny v časti nazvanej „Sochársky ateliér“ vo Vollardovom apartmáne. Namaľoval aj niekoľko malých olejomalieb vily Chêne-Roc, v ktorej býval. Na jeseň sa vrátil k svojej sochárskej práci.

V Európe sa šírila politická polarizácia; v Španielsku bola vyhlásená Druhá republika, ktorej ústava napriek získaným slobodám nedokázala v kľúčových oblastiach dosiahnuť dohodu s konzervatívnou pravicou, hlboko zakorenenou vo vidieckych oblastiach, a s katolíckou cirkvou, ktorej boli odobraté školy a verejné dotácie; vo zvyšku Európy došlo k nástupu totalitných vlád, najmä fašizmu v Nemecku a Taliansku a stalinizmu v Sovietskom zväze. To všetko na pozadí celosvetovej hospodárskej krízy.

Dňa 25. októbra 1931 Picasso dovŕšil päťdesiatku a pre Alberta Skiru v Lausanne vydal Ovidiove Metamorfózy, celkovo pätnásť celostránkových a pätnásť polstranových leptov, na ktorých pracoval od predchádzajúceho roka. V tejto sérii rytín Picasso odkazuje na jednoduchosť klasickej kresby, jasne zobrazuje predmety a bytosti, ako to urobil v Aristofanovej Lysistrate, publikovanej v roku 1934. 12. novembra vydal Ambroise Vollard Balzacovo neznáme majstrovské dielo s trinástimi Picassovými leptami, v ktorých zdôrazňuje tému umelca a modelu. Balzac v románe predstavuje konflikt umelca medzi dokončením diela a dosiahnutím dokonalosti, ktorý sa odráža v lepte zo série s názvom Maliar a modelka pletú, v ktorom maliar transformuje prozaický motív na elegantnú krivkovú kaligrafiu.

V decembri 1931 namaľoval obraz Sochár (Musée Picasso, Paríž) na tému umelca a modelu, ktorý odhaľuje povahu vzťahu medzi Picassom a Marie-Thérèse; sochár kontempluje bustu, ktorú vytvoril, s charakteristickým klasickým profilom, zatiaľ čo model sedí v pozadí, podriadený umelcovi a vytvorenému dielu. Začal tiež sériu portrétov Marie-Thérèse na pohovke, kde sa jej mladý milenec vynára z okraja, aby zaujal centrálnu pozíciu „nepochybnej veľkosti a bezpečnosti“. Namaľoval aj obraz Žena so špicom (Maratova smrť), ktorý podľa historického prameňa odráža rastúcu nevôľu voči Oľginej žiarlivosti a majetníckemu postoju.

V marci 1932 zavŕšil sériu spiacich žien obrazom Mladá žena pred zrkadlom (MoMA, New York), v ktorom spojil čierne kontúry a organické formy veľkých zátiší z roku 1931 do jedného z najsymbolickejších a „multi-evokatívnych“ obrazov Marie-Thérèse, ktoré Picasso vytvoril.

V júni bola v Galérii Georges Petit v Paríži predstavená retrospektíva s dvestodvadsiatimi piatimi obrazmi, siedmimi sochami a šiestimi ilustrovanými knihami, ktoré vybral sám Picasso, od Modrého obdobia až po jeho posledné portréty z roku 1932. Reakcie kritikov neboli pozitívne a pohybovali sa od opatrných až po negatívne. Zdá sa, že počas tejto výstavy Olga zistila existenciu Marie-Thérèse, čo u nej vyvolalo „žeravé scény“ žiarlivosti, hoci ku konfrontácii medzi oboma ženami, ktorej sa Picasso obával, nedošlo. Výstava sa opakovala v septembri v Kunsthaus Zürich.

Kým Olga a Pablo strávili leto v Juan-les-Pins, Picasso strávil leto v Boisgeloup s Marie-Thérèse, kde pokračoval v práci na spiacich aktoch, plážových scénach a niekoľkých malých sochách. Vytvoril aj niekoľko kresieb z Grünewaldovej série Ukrižovanie. Po návrate do Paríža na jeseň pokračoval v portrétoch Márie Terézie na pohovke a v kresbách Grünewaldovho Ukrižovania. V októbri začal Christian Zervos vydávať katalóg raisonné (v rokoch 1932 až 1974 vyšlo dvadsaťosem zväzkov, ktoré obsahujú viac ako 16 000 diel.

Hoci sa Picasso touto témou zaoberal už v koláži z roku 1928, obdobie medzi rokmi 1933 a 1938 bolo Picassovým obdobím Minotaura, v ktorom sa táto mýtická postava opakovane objavovala v jeho dielach spolu s inými klasickými témami. Picasso našiel v toreadorovi obrazový spôsob, ako vyjadriť svoje konflikty s Marie-Thérèse a Olgou, a v Minotaurovi, šelme vedomej si svojej beštiality, zosobnenie svojho vlastného konfliktu v tejto situácii, svojho rozkolu medzi túžbou a morálnou zodpovednosťou. Prvé číslo Minotaura s Picassovou obálkou vyšlo v máji 1933. Letné prázdniny v roku 1933 strávil v Cannes s Olgou a Pablom. V septembri namaľoval obraz Smrť býka v Boisgeloup.

Od júna do septembra 1934 vytvoril sériu obrazov, kresieb a rytín venovaných býčím zápasom. V auguste odcestoval s Oľgou a Pablom do Španielska a zúčastnil sa býčích zápasov v Burgose a Madride. Navštívil Múzeum katalánskeho umenia v Barcelone. Vytvoril sochy Femme au feuillage a Femme à l’orange. Na jar 1935 vystavovala výstavná galéria Pierre papiers collés. Vyryl Minotauromaquiu. V júni sa rozišiel s Olgou a v októbri sa mu narodila dcéra Maya Picasso, ktorú mal s Marie-Therese Walterovou.

Vytvoril kresby vody a ďalšie kresby na tému Minotaura. V tom istom roku, keď vypukla španielska občianska vojna, bol vymenovaný za riaditeľa múzea Prado v Madride. Začiatkom augusta odišiel Picasso do Mougins a stretol sa s Dorou Maar.

Guernica a pacifizmus

V januári 1937 ho katalánsky architekt Josep Lluís Sert požiadal o spoluprácu na veľkej nástennej maľbe pre pavilón druhej španielskej republiky na Medzinárodnej výstave v Paríži. Zvolenej vláde krajiny hrozila počas španielskej občianskej vojny porážka od Frankových vojenských povstalcov, ktorých podporovalo nacistické Nemecko a fašistické Taliansko. Republika dúfala, že ukáže svetu, že je to ona, kto reprezentuje španielsky ľud a jeho úspechy. Picasso, ktorý v roku 1936 prijal pozvanie od vtedajšieho prezidenta republiky Manuela Azaňu, aby sa stal čestným riaditeľom múzea Prado v Madride, sa spočiatku zdráhal, a to jednak kvôli veľkosti projektu, jednak preto, že nikdy predtým neprijal zákazku propagandistického charakteru. Vo februári našla Dora Maar veľmi veľký ateliér na ulici 7 rue des Grands-Augustins, kde mohol Picasso projekt realizovať.

V tom istom roku vytvoril Francov sen a lož, dve rytiny vo formáte podobnom komiksom alebo španielskym alelujám, s celkovo osemnástimi scénami, určenými na reprodukciu ako grafiky alebo pohľadnice, v ktorých odsúdil fašistický štátny prevrat a poukázal na zločiny vojny, pričom Franca zobrazil ako zlú a grotesknú postavu. Picasso začal s rytím týchto obrazov 8. januára, čo znamená, že ich mohol vymyslieť z vlastnej iniciatívy ešte predtým, ako dostal objednávku na Guernicu. Štočky dokončil v júni a súbor bol vydaný v prospech republiky spolu s básňou, ktorú napísal (Fandango de lechuzas).

26. apríla 1937 nemecká légia Condor na Francovu žiadosť bombardovala Guernicu. Picassa, ktorý dovtedy nemal o téme maľby príliš jasno, táto udalosť inšpirovala k vypracovaniu nástennej maľby pre pavilón druhej republiky a 1. mája sa pustil do tvorby jedného zo svojich najslávnejších diel: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), ktoré bolo napokon vystavené v španielskom pavilóne na medzinárodnej výstave. Dora Maar fotografovala proces a jednotlivé fázy maľby, ktorú Picasso dokončil začiatkom júna. Obraz symbolizuje celú hrôzu vojny a tragédiu smrti mnohých nevinných obetí.

V roku 1949, pri príležitosti svojho členstva vo Svetovej rade mieru, namaľoval slávnu Holubicu mieru. V roku 1955 mu bola udelená Medzinárodná cena mieru.

Od októbra do decembra 1937 namaľoval obraz Plačúca žena (Paríž, Picassovo múzeum). V roku 1938 vytvoril veľkú koláž Les Femmes à leur toilette (Paríž, Musee National d’Art Moderne). V júli 1938 odišiel s Dorou Maarovou do Mougins. V júli 1939 odišiel spolu s Dorou Maar žiť k Man Rayovi do Antibes, kde vytvoril Pêche de nuit à Antibes (Múzeum moderného umenia, New York). Od septembra 1939 do začiatku roka 1940 maľoval v Royane obraz Séquence de femmes au chapeau.

V roku 1941 napísal surrealistickú hru Túžba chytená za chvost, ktorú v marci 1944 čítal v dome Michela Leirisa, kde sa okrem iných zúčastnili jeho priatelia Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris a Pierre Reverdy. Hra mala napokon premiéru v júli 1967. Napísal aj ďalšie dve literárne diela: Štyri malé dievčatá a Pohreb grófa Orgaza.

V rokoch 1942 až 1943 vytvoril asambláž Býčia hlava (Paríž, Musée Picasso), La Aubade (Paríž, Musee National d’Art Moderne), L’Homme au mouton (Paríž, Musée Picasso) a v máji 1943 sa zoznámil s Françoise Gilot.

Záväzok voči komunistickej strane

Po skončení druhej svetovej vojny sa jeho obrazy stali optimistickejšími, veselšími, čo dokazuje aj názov série z roku 1946 Radosť zo života, ktorú v tom čase pociťoval. Picasso žil s Marie-Therese počas povstania v Paríži v auguste 1944. V októbri vstúpil do Francúzskej komunistickej strany a v októbri otvoril aj Salon d’Automne a Picassovu retrospektívu. Kostnica (New York, Múzeum moderného umenia) vznikla v apríli a máji 1945 na základe spomienky na nález tela jeho popraveného priateľa, mladého surrealistického básnika Roberta Riusa, v decembri 1944.

V júli odišiel Picasso s Dorou Maar do Cap d’Antibes a 26. novembra sa Françoise vrátila k Picassovi. Po vojne tvorili Picassov okruh priateľov komunistickí umelci a intelektuáli, čo v istom zmysle poznačilo aspoň časť jeho tvorby v rokoch 1946 až 1953.

Obdobie Vallauris

V roku 1946 Picasso a Françoise odišli žiť do Golfe-Juan a on navštívil Matissa v Nice. Začiatkom júla odišiel s Françoise do Ménerbes (Vaucluse), do domu, ktorý daroval Dore Maar. Denne dostával listy od Marie-Thérèse. Françoise bola nešťastná a po troch týždňoch odišla s priateľmi stopom do Marseille; Picasso ju cestou stretol a požiadal ju, aby sa vrátila, a navrhol jej, aby spolu mali dieťa. Navštívili Vallauris, kde vymodelovala tri kusy keramiky v keramickej dielni Georgesa Ramié v Madoure. Po návrate do Golfe-Juan v auguste bola Françoise tehotná. Picasso sa v paláci Grimaldi stretol s Romualom Dor de la Souchère, kurátorom Musée d’Antibes, ale radšej sa venoval výzdobe múzea; v septembri až októbri namaľoval pre palác, z ktorého sa neskôr stalo Musée Picasso v Antibes, dvadsaťdva panelov s morskými motívmi a mytologickými kompozíciami. Štúdie faunov a klasických postáv vyvrcholili triptychom La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), ktorého názov si požičal od svojho priateľa Matissa a ktorý odráža šťastie, ktoré v tom čase zdieľal s Françoise. V októbri sa na prvom filmovom festivale v Cannes stretol s Bretonom, ktorý sa práve vrátil z exilu v Spojených štátoch. Breton, ktorý ho odmietol privítať v auguste, keď sa stretli v Golfe-Juane, opäť Picassa odmietol kvôli jeho príslušnosti ku komunistickej strane; už sa nikdy nevideli. Toto gesto bolo predohrou k násilnému rozchodu surrealistov s komunizmom od roku 1947.

V roku 1947 pracoval na zátišiach s témou Sova na stoličke a na rytinách faunov, kentaurov a bakchantiek podľa témy leta v Antibes; koncom januára dokončil olej Pomník španielskym mŕtvym pre Francúzsko (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), ktorý začal maľovať koncom roka 1945. Vo februári začal sériu štyridsaťjeden leptov a akvatint pre edíciu Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Dvadsať básní), ktorú vydalo vydavateľstvo Les Grands v Paríži v roku 1949; koncom marca vytvoril niekoľko litografií na motívy Dávida a Batšeby od Lucasa Cranacha staršieho (1472-1553); 15. mája sa mu v Paríži narodil syn Claude, ktorého meno vybrala Françoise na počesť Clauda Gillota, Watteauovho učiteľa. Manželia trávili čoraz menej času v parížskom ateliéri a čoraz viac v Golfe-Juan, kam sa aj s dieťaťom presťahovali koncom júna; v auguste sa vrátil do keramickej dielne Georgesa Ramié vo Vallauris a začal intenzívnu výrobu, približne dvetisíc kusov v období od októbra 1947 do roku 1948, pričom zaviedol formálne, technické a farebné inovácie, ktoré viedli k oživeniu keramického priemyslu v meste, ktorý upadal od prvej svetovej vojny. V maľbe a rytine vytvoril len niekoľko diel do konca roka; pokračoval v práci na rytinách pre Vingt Poèmes de Góngora, niektorých portrétoch Françoise a zátišiach. V decembri pripravil scénu pre Sofoklovho Oidipa Rexa v réžii Pierra Blanchara.

Na jar 1948 Picasso a Françoise opustili svoj byt v Golfe-Juan a v máji začal Picasso pracovať na sérii tridsiatich ôsmich leptov a štyroch akvatintách, ktoré mali ilustrovať knihu Carmen od Prospera Mériméea (Paríž, La Bibliothèque Française), ktorú dokončil v novembri. V lete sa presťahovali do malého domu La Galloise v kopcoch okolo Vallauris. Françoise nadviazala s Matissom otvorený umelecký dialóg prostredníctvom korešpondencie a návštev umelca. Picasso dokončil šesťaktovú báseň Les Quatre Petites Filles, ktorú začal písať v novembri 1947. 25. augusta odišiel Picasso na Kongres intelektuálov za mier vo Vroclave a v polovici septembra sa vrátil do Vallauris. V októbri sa vrátil do svojho ateliéru v Paríži, Françoise bola opäť tehotná. Začal pracovať na téme ženy-kvetiny a niekoľkých zátiší. Namaľoval dve verzie La Cuisine (Kuchyňa), jednu v Picassovom múzeu v Paríži a druhú v MoMA v New Yorku, lineárne kompozície vytvorené rytmom a siločiarami, s malým použitím farieb. V decembri namaľoval niekoľko portrétov svojho syna Clauda a vytlačil dvadsaťsedem modelov Femme assise dans un fauteuil, série, v ktorej Françoise nosí kabát, ktorý jej Picasso priniesol z Poľska, ktorá pokračovala v januári 1949. Pokračoval aj v práci na zátišiach s kôrovcami: Nature morte au poron (Zátišie s pornom, Galéria Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (Veľký červený homár, súkromná zbierka).

Vo februári 1949 zašiel Louis Aragon do Picassovho parížskeho ateliéru, aby vybral kresbu na plagát Svetového kongresu partizánov za mier, ktorý sa mal konať v Paríži v apríli toho istého roku. Aragón si vybral motív kolomby, kresby modrou ceruzkou na papieri, a obraz sa rýchlo stal známym ako Holubica mieru.

V marci začal maľovať sériu sediacej Françoise s názvom Femme assise (Sediaca žena). Na jar sa nakrátko vrátil do Vallauris a kúpil opustenú továreň na esencie, ktorú využil ako ateliér, a niektoré miestnosti použil na uskladnenie svojich keramických prác. Začal tiež zbierať predmety a haraburdy, ktoré neskôr znovu použil v rôznych dielach. Zintenzívnil svoju sochársku tvorbu, ktorú obnovil v predchádzajúcom roku: Femme enceinte (Tehotná žena) predstavuje ženskú postavu z dlhej kovovej tyče, ku ktorej pridal dve ruky hore a dve nohy dole a napuchnuté brucho s dvoma malými prsiami uprostred. Opäť vytvoril sériu diel inšpirovaných obrazmi Lucasa Cranacha staršieho: litografie Vénus et l’Amour (Jeune fille inspirée par Cranach (Dievča inšpirované Cranachom), ktorú vlastní Christie’s, a David et Bethsabée (Cranach) VII (Dávid a Batšeba (Cranach) VII), ktorá sa nachádza v Picassovom múzeu v Paríži. Picassove variácie na Cranachovho Dávida a Batšebu vznikli v čiernobielej reprodukcii katalógu výstavy o umelcovi, ktorá sa konala v roku 1937 v Berlíne a ktorú mu daroval Kahnweiler.

V deň otvorenia Mierového kongresu 19. apríla 1949 sa jej narodila druhá dcéra, ktorú sa rozhodla pomenovať Paloma podľa symbolu, ktorý vytvorila na plagátoch, ktoré sa objavili v uliciach Paríža.Po pôrode sa Françoise vrátila k svojej maliarskej práci a Kahnweiler jej ponúkol zmluvu, aby sa stala jeho výhradnou obchodníčkou s umením. Na jeseň sa rodina vrátila do Vallauris a Picasso sa po strate záujmu o keramiku sústredenejšie vrátil k maľbe a sochárstvu a vytvoril niekoľko bronzových diel, niektoré s africkými motívmi. V nasledujúcom roku mu väčšinu času zaberalo sochárstvo.

Laurent Casanova otvoril 6. augusta 1950 vo Vallauris výstavu L’Homme au mouton. Picasso namaľoval Kozu, Ženu s kočíkom a Dievča skáčuce cez švihadlo. 15. januára 1951 namaľoval obraz Masaker v Kórei. V roku 1952 nakreslil Vojnu a mier na výzdobu kaplnky vo Vallauris, napísal druhú hru: Les Quatre Petites Filles.

V apríli 1954 namaľoval portréty Sylvette Davidovej. V decembri začal sériu variácií na Delacroixove Alžírske ženy. V máji 1955 sa presťahoval k Jacqueline Roqueovej do vily La California v Cannes. V júni sa konala retrospektívna výstava v Musée des Arts Décoratifs. Počas leta pracoval s Henri-Georgesom Clouzotom na filme Picasso Mystère.

V roku 1956 vytvoril drevené sochy Kúpajúci sa (Stuttgart, Staatsgalerie), ktoré boli neskôr vytesané do bronzu. Nakreslil obraz The California Workshop. 17. augusta 1957 začal pracovať na sérii 58 interpretácií Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). Dňa 29. marca 1958 odovzdal vyznamenanie pre UNESCO: Pád Ikara. V septembri Picasso kúpil Château de Vauvenargues a namaľoval Canneský záliv.

S Jacqueline sa oženil 2. marca 1961 vo Vallauris a v júni sa presťahoval do Notre-Dame-de-Vie v Mougins (neďaleko Cannes). Namaľoval: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. V novembri 1962 namaľoval obraz Znásilnenie Sabiniek, ktorého verzia sa nachádza v Národnom múzeu moderného umenia v Paríži. Otvorenie retrospektívy v Grand Palais a Petit Palais sa uskutočnilo 19. novembra 1966.

V januári 1970 dostalo Picassovo múzeum v Barcelone dar od jeho rodiny. Výstava jeho diel sa konala v Pápežskom paláci v Avignone od mája do októbra. V apríli 1971 vystavila Galéria Louise Leiris 194 kresieb vytvorených v období od 15. decembra 1969 do 12. januára 1971. Nová výstava v Galérii Louise Leiris v januári 1973, na ktorej bolo predstavených 156 leptov vytvorených od konca roka 1970 do marca 1972.

Smrť

V roku 1973 zomrel vo veku 91 rokov na pľúcny edém vo svojom dome v Mougins vo Francúzsku. Miestne úrady však nedovolili, aby bol pochovaný v kaštieli, a tak sa jeho manželka Jacqueline rozhodla pochovať ho na zámku Vauvenargues, ktorý tiež patril Picassovi a kde bola po rokoch pochovaná aj ona.

Ďalšie zaujímavé odkazy

1. Pablo Picasso
2. Pablo Picasso