Pablo Picasso

Dimitris Stamatios | július 4, 2022

Összegzés

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 1881. október 25. – Mougins, 1973. április 8.) spanyol festő és szobrász, aki Georges Braque-kal együtt megteremtette a kubizmust.

A 20. század kezdete óta az egyik legnagyobb festőnek tartják, aki részt vett a különböző művészeti mozgalmakban, amelyek az egész világon elterjedtek, és nagy hatást gyakorolt korának más nagy művészeire. Művei múzeumokban és gyűjteményekben találhatók Európa- és világszerte. Más műfajokban is dolgozott, például rajzolással, metszéssel, könyvillusztrációval, szobrászattal, kerámiával, valamint színházi produkciók díszlet- és jelmeztervezésével. Rövid irodalmi életműve is van.

Politikailag Picasso pacifistának és kommunistának vallotta magát. A Spanyol Kommunista Párt és a Francia Kommunista Párt tagja volt egészen 1973. április 8-án, 91 éves korában bekövetkezett haláláig, a franciaországi Mougins városában lévő „Notre-Dame-de-Vie” nevű házában. A vauvenargues-i kastély parkjában (Bouches-du-Rhone) temették el.

Gyermekkor

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (születési anyakönyvi kivonata szerint) vagy Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (keresztelési anyakönyvi kivonata szerint), José Ruiz y Blasco és María Picasso López első gyermeke. 1881. október 25-én született Malagában (Spanyolország), polgári családban. Picassónak két nővére volt, Dolores (1884-1958) és Concepción (1887-1895). Anyai dédapja, Tommaso Picasso (született 1787-ben) az olaszországi Genova Sori városából származott, és 1807 körül költözött Spanyolországba.

Köztudott, hogy apja művész akart lenni, és rajzot tanított a San Telmo Királyi Képzőművészeti Akadémián. Édesanyjáról keveset tudunk; nyilvánvalóan erősebb személyiség volt, mint férje, és Picasso mindig is nagyobb tisztelettel és gyengédséggel viseltetett iránta, ami egyesek szerint az 1923-ban róla készült portréján is meglátszik. Pablo korán kezdett festeni; 1889-ben, nyolcéves korában, egy bikaviadal után, apja útmutatásával megfestette az El picador amarillo („A sárga pikador”) című képet, amelytől mindig is nem volt hajlandó megválni.

1891-ben a család kénytelen volt elhagyni Malagát, mivel nem volt gazdasági stabilitásuk. José Ruiz Blasco többször kérte, hogy helyezzék át La Coruña városába, ahol a Malagai Szépművészeti Múzeum kurátoraként 1888-ban történt elbocsátását követően tanári állást hoztak létre a Képzőművészeti Iskolában. A váltás egyáltalán nem volt kellemes a családja számára, ahogyan azt Picasso az apjáról ebben a szakaszban felidézett kifejezés is tükrözi: „Nincs Malaga, nincs bikaviadal, nincsenek barátok, nincs semmi”, „Csak számomra volt ünnep a Galíciába költözés”. Galíciában Pablo a rajzain dolgozott, és erős bizalmat mutatott önmagában és a képességeiben; tízéves volt. Első, erőteljes és szinte vad realizmusú munkái már korán a népi figurák iránti vonzódást mutatták. 13 éves korában, La Coruñában volt az első kiállítása, és karikatúrákat és rajzokat publikált a „La Coruña”, az „Azul y Blanco” és a „Torre de Hércules” című kézi kiadású folyóiratokban.

Az 1895-ös év fontos események éve volt gyermekkorában; januárban meghalt nővére, Concepción, szeptemberben pedig apja kapott egy tanszéket a barcelonai Képzőművészeti Iskolában, ahová a fiatal Pablo felvételt nyert és két évig tanult, ami arra késztette, hogy – talán apja kedvéért – egy sor olyan képet fessen, amelyeken a stílus szentimentális akadémizmusa meglepő volt a La Coruñában festett portrék vitalitása után.

A zseniális és koraérett diák, Picasso tizennégy évesen egyetlen nap alatt letette a felvételi vizsgát az Ecole de la Lonja iskolába, és az első két osztályt kihagyhatta. A művészről szóló számos legenda egyike szerint apja, miután felismerte fia rendkívüli tehetségét, amikor gyermekkorában meglátta első műveit, odaadta neki ecseteit és palettáját, és megígérte, hogy soha többé nem fest életében.

A zenével ellentétben a festészetben nincsenek csodagyerekek. Amit az emberek korai zsenialitásként érzékelnek, az a gyermekkor zsenialitása. Nem tűnik el fokozatosan, ahogy az ember öregszik. Lehetséges, hogy egy ilyen gyermekből egy nap igazi festő lesz, talán még nagy festő is. De az elejéről kellett kezdenie. Szóval, ami engem illet, nem voltam zseni. Az első rajzaimat soha nem mutatták be gyermekrajz-kiállításon. Hiányzott belőlem a gyermeki ügyetlenség, a gyermeki naivitás. Hétéves koromban már akadémiai rajzokat készítettem, olyan pontossággal, ami megrémít.

Első festmények

1895 telén festette első nagyméretű akadémiai vásznát, az Első áldozást (Museo Picasso, Barcelona) Barcelonában, ahol kilenc éven át élt, néhány nyári vakáció és többé-kevésbé hosszú madridi és párizsi tartózkodás kivételével. 1897-ben a Tudomány és jótékonyság (Museo Picasso, Barcelona) című vásznát bemutatta a madridi általános képzőművészeti kiállításon. A nyarat ismét Malagában töltötte, ahol tájképeket és bikaviadalokat festett.

Szeptemberben Madridba ment, hogy megkezdje tanulmányait a San Fernando Akadémián, de hamarosan otthagyta az akadémiát: a főváros intellektuális légköre, amely áthatolhatatlan volt a Picasso által bevezetni kívánt katalán modernizmus iránt (1901-ben alapított egy kis folyóiratot, az Arte Joven-t, amely meglehetősen rövid életű volt), nem győzte meg. Mindazonáltal kihasználta a Museo del Prado gyakori látogatásait, hogy jobban megismerje El Greco munkásságát, amelyet a 19. század végi művészek és tudósok igazoltak.

Műveit 1898-tól „Pablo Ruiz Picasso”, majd „Pablo R. Picasso”, 1901-től pedig csak „Picasso”-ként írta alá. A változás nem az apafigura elutasítását jelenti, inkább Picasso azon vágya miatt történt, hogy személyiségként megkülönböztesse magát, amit katalán barátai kezdeményeztek, akik anyja vezetéknevén szólították, ami sokkal kevésbé volt elterjedt, mint apja Ruiz neve.

1898 júniusában skarlátos betegen visszatért Barcelonába, és barátja, Manuel Pallarés falujába, Horta de Ebroba (ma Horta de San Juan) költözött, amely az Ebro folyótól délre, Gandesa (Tierra Alta, Tarragona) város közelében feküdt. E tartózkodás során Picasso újra felfedezte az ország ősi gyökereit és egyfajta visszatérést a természethez, amely jobban megfelelt a modernista ideológiának, és amely pályafutásának egyik első „primitivista” epizódját jelentette.

Miután felhagyott azzal a szándékával, hogy Madridban éljen, és a nagy mesterek másolásának szentelje magát, 1899 februárjában visszatért Barcelonába, ahol a modernista bohémia zászlóshajójának számító Els Quatre Gats sörfőzdébe kezdett járni, ahol első önálló kiállítását rendezte, és ahol barátságot kötött Jaime Sabartésszel és Carlos Casagemasszal. Ebben a környezetben került kapcsolatba Picasso a Barcelonában meghonosodott anarchista gondolkodással. A barcelonai nyomornegyedekben uralkodó nyomor, a katasztrofális kubai háború után Spanyolországba visszatérő beteg és sebesült katonák olyan táptalajt teremtettek a társadalmi erőszaknak, amely kétségtelenül inkább egyéni és erkölcsi, mint tisztán politikai szinten jellemezte Picasso érzékenységét, és amely bizonyos 1897 és 1901 között készült rajzokon – A fogoly, Az anarchista kitaláló és Az anarchista – is megmutatkozik.

1900 októberében Casagemas-szal Párizsba látogatott, hogy részt vegyen az egyetemes kiállításon, ahol egyik művét, a mára elveszett Utolsó pillanatok címűt kiállították. Párizsban beköltözött Isidre Nonell katalán művész műtermébe, akit Picasso az impresszionista hatású Els Quatre Gats csoportból ismert, és aki a század eleji katalán társadalmi helyzetet a peremre szorult és nyomorult emberek portréin keresztül tükrözte. Nonell és Toulouse-Lautrec munkássága nagyban befolyásolta Picasso stílusát ebben az időben, ami olyan műveken látható, mint a La espera (Margot), a Bailarina enana (Törpe táncosnő) és az El final del número (A szám vége), mindkettő 1901-ből. Megismerkedett első kereskedőjével, Pere Mañach-kal (aki egy évre havi 150 frankot ajánlott neki minden munkájáért), és kapcsolatba került Berthe Weill galériatulajdonossal. December 20-án vagy 23-án (különböző források szerint) visszatért Barcelonába Casagemas-szal, akit Picasso magával vitt, hogy az év végét Malagában ünnepelje.

Ifjúság: párizsi barátságai

1912-ben, párizsi tartózkodása idején Picasso a Montmartre és Montparnasse negyedben egy előkelő baráti körhöz tartozott: André Breton költő, Guillaume Apollinaire író, Alfred Jarry és Gertrude Stein. Apollinaire-t letartóztatták azzal a gyanúval, hogy ellopta a Mona Lisát a Louvre-ból, és hogy egy nemzetközi tolvajbanda tagja volt. Apollinaire barátját, Picassót hibáztatta, akit szintén kihallgatásnak vetettek alá, de később mindkettőjüket felmentették.

Barcelona és Párizs között. A kék időszak

Picasso kék korszakának az 1901 és 1904 körüli időszakot nevezzük: ez az elnevezés a festményeinek kromatikus skáláját uraló színből ered, és eredete barátja, Carlos Casagemas 1901. február 17-én történt öngyilkosságában rejlik, amely gyásszal és szomorúsággal töltötte el. Casagemas, miután megpróbálta megölni szerelmét, Germaine-t, a Moulin Rouge táncosnőjét, aki a spanyol művészek körébe járt, öngyilkos lett Párizsban. Barátja halála által motiválva és meghatódva Picasso megfestette a Casagemas temetése című képét, amely allegorikus festmény, és amely már mutatja a kék korszakba való átmenetét. A festmény terének két részre, földre és égre, testre és lélekre való felosztása El Greco Az orgazi gróf temetése című művére emlékeztet.

Picasso munkásságára ebben az időszakban további hatással volt Van Gogh és Gauguin, az előbbi mindenekelőtt pszichológiai szinten, ahogyan ezt a korszak festményeinek érzelmi intenzitása is tükrözi, bár a térfogatok és a határozott kontúrok egyszerűsítése is Gauguin-t idézi, akitől szintén átvette a szentimentalizmus egyetemes felfogását. Picasso a szereplők magányát úgy fejezte ki, hogy több mint két éven át szinte kizárólag a kék színt használta, ami gyakorlatilag példa nélküli volt a művészettörténetben. Hasonlóképpen, a figurák meghosszabbítása, amelyet a műveibe bevezetett, ismét El Greco stílusára emlékeztetett.

Picasso fáradhatatlanul dolgozott. 1901 április végén visszatért Barcelonába, ahol a Képzőművészeti Általános Kiállításon a Kék ruhás nő (Museo Reina Sofía, Madrid) című képét állította ki, majd májusban visszatért Párizsba, ahol a Boulevard de Clichy 130. szám alatt telepedett le, azon a helyen, ahol Casagemasnak volt a műterme. Ugyanezen év júniusa és júliusa között Picasso és Iturrino kiállítást rendeztek a párizsi Vollard galériában. Pénz és munka nélkül júniusban találkozott Max Jacob költővel, akivel szoros kapcsolatot tartott fenn Jacob 1944-ben bekövetkezett haláláig. A költő később felidézte, hogy felfedezte Picasso munkásságát, és mint műkritikus, csodálatát fejezte ki a festő tehetsége iránt. Nem sokkal később meghívást kapott Mañach-tól, hogy mutassa be őt az általa képviselt fiatalembernek (egész nap Picasso hatalmas munkáit nézegették, aki akkoriban éjszakánként egy-két képet festett, és 150 frankért árulta őket a Rue Laffite-on. Az ősz folyamán festette a Két Saltimbanquis (Harlekin és társa) (Puskin Múzeum, Moszkva), a Harlekin támogatva (Jaime Sabartés portréja (Museu Picasso, Barcelona), Mateu Fernández de Soto portréja (Museu Picasso, Malaga) és a Kék önarckép (Museu Picasso, Párizs) című képeket.

1902. január végén felbontotta a Mañach-kal kötött megállapodást, és a megfelelő egyezség után visszatért Barcelonába. Ángel Fernández de Soto műtermében kezdett dolgozni a Carrer Nou de la Rambla 6. szám alatt, ahol tavasszal a kék szín kezdte uralni munkáit. Fernández de Sotóval együtt látogatta a barcelonai bordélyházakat, amit egy sor erotikus rajz is tükröz, köztük az Önarckép aktussal (Ángel Fernández de Soto tus- és akvarellrajza egy nővel) és a La macarra (allegorikus kompozíció), amelyek a barcelonai Picasso Múzeum tulajdonában vannak.

Párizsban Mañach április 1. és 15. között festmény- és pasztellkiállítást rendezett a Berthe Weill galériában Picasso és Lemaire műveiből, majd júniusban ugyanebben a galériában egy másik kiállítást Picasso és Matisse műveiből. Barcelonában Picasso októberben értesítést kapott, hogy katonai szolgálatra jelentkezik. Hogy ezt elkerülje, kétezer pezetát kellett fizetnie, ezt az összeget a nagybátyja biztosította. Nem sokkal később Sébastien Junyerrel együtt visszatért Párizsba, és november 15. és december 15. között először mutatta be kék festményeit egy csoportos kiállításon, amelyet ismét Mañach szervezett a Berthe Weill galériában.

Ebből az időpontból származik a Germaine portréja, amelyet az Acquavella Galleries 2006-ban 18,6 millió dollárért vásárolt meg a Christie’s aukcióján. 1902 decemberében egy időre Max Jacob lakásába költözött a Boulevard Voltaire 87. szám alá; a szobában csak egy ágy volt, így Picasso éjszaka dolgozott, nappal pedig aludt, amíg Jacob dolgozott. Ebben az időben nem tudott vásznat vásárolni, és kénytelen volt a rajzolásra szorítkozni.

1903 januárjában Picasso visszatért Barcelonába. Tavasszal kezdett hozzá az Élet (Cleveland Museum of Fine Arts) című festményhez, kék korszakának egyik legnagyobb és legösszetettebb vásznához, amelyet ezeknek az éveknek a legfontosabb művének tartanak, korai műveihez képest szokatlanul homályos szimbolikájú, többféle akadémiai értelmezésnek kitett alkotás, amelyről a művész soha nem nyilatkozott. Picasso négy előkészítő vázlatot készített a festményhez, legalább kétszer variálva az alakok kompozícióját; megjegyzendő, hogy a férfi alak, amely önarcképnek indult, végül barátja, Carlos Casagemas ábrázolása lett. Az Élet összefoglalja a kék korszak legtöbb témáját és hangulatát: a barcelonai évei alatt kialakult nihilista pesszimizmust, amelyet az akkori anyagi nehézségek csak fokoztak. „A gyermekek magányát, a szegények, koldusok és vakok nyomorúságát gyakran ábrázolják a korszak festményei: A két nővér (Ermitázs Múzeum, Szentpétervár), A szegények a tengerparton (National Gallery of Art, Washington D. C.), Az öreg gitáros (The Old Guitarist, Szentpétervár), A szegények a tengerparton (National Gallery of Art, Washington D. C.), A szegények a tengerparton (National Gallery of Art, Szentpétervár) és A szegények a tengerparton (National Gallery of Art, Szentpétervár).  C.), Az öreg vak gitáros (Art Institute of Chicago), Az aszkéta (Barnes Foundation, Philadelphia) és a La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Párizs) Picasso korai remekművei közé tartoznak.

1903 vége felé Picasso úgy kezdett gondolkodni, hogy csak akkor juthat el a hírneve Spanyolország határain túlra, ha végleg Franciaországban telepedik le. Az akkor Párizsban tartózkodó Pablo Gargallo (1881-1934) szobrászművész műtermébe költözött Barcelonába, a Carrer del Comerç 28. szám alá, ahol befejezte a La Celestina (Carlota Valdivia) című művét, és hozzákezdett Jaime Sabartés új portréjához (Kunsternes Museum, Oslo), amelyet 1904 tavaszán fejezett be.

Párizs, Bateau Lavoir. A rózsaszín időszak

1904 áprilisában Picasso Párizsban, a Montmartre negyedben található Bateau-Lavoirban telepedett le, egy műteremben, amelyet barátja, a szobrász Paco Durrio hagyott el. Itt folytatta a kapcsolatot több spanyol művésszel, akik szintén a Bateau-Lavoirban laktak, különösen Ricardo Canals-szal, aki ugyanezen év szeptemberében megtanította őt a metszet technikájára, és feleségével; továbbá Manuel Huguéval és feleségével, Totote-val, valamint Ramon Pichot-val és Germaine-nel, a táncosnővel, aki miatt barátja, Casagemas öngyilkos lett. A nyár folyamán kapcsolatba került „Madeleine-nel”, aki több rajzán és festményén is szerepel, például Az akrobata felesége (The Acrobat’s Wife, Art Institute of Chicago) című képen, és a Harlekin család (1905) témáját ihlette. 1904 augusztusában Picasso megismerkedett első szentimentális társával: Fernande Olivier (1881-1966), Ricardo Canals feleségének, Benedettának a modellje és barátnője, akit a Bateau-Lavoir spanyol kolóniáján „la belle Fernande” néven ismertek. Mindketten huszonegy évesek voltak, Fernande volt Picasso első igazi szerelme, és 1910-ig az inspiráció forrása volt, bár kapcsolatuk csak 1912-ben ért végleg véget.

1904 októberében Picasso találkozott André Salmon költővel, valamint Guillaume Apollinaire-rel, a szürrealizmus előfutárának számító költővel és íróval, akivel nagyon szoros kapcsolatot alakított ki. Picasso a Lapin Agile kabaré (az „Agilis Nyúl”) és a Cirque Medrano rendszeres vendége lett. Attól kezdve, hogy a Montmartre-on telepedett le, Picasso palettája és témái változni kezdtek; a cirkuszi előadók és akrobaták életének szegénysége és nehézségei új líraiságot hoztak festményeibe, ahogy a kék korszakból az úgynevezett rózsaszín korszakba lépett. A rózsaszín időszakot pasztellszínek és meleg tónusok jellemzik, lágy, finom vonalakkal; a szín helyett a vonalra és a rajzra helyezve a hangsúlyt, a figurákat továbbra is megnyúlt arányokkal dolgozta fel, amelyek El Greco iránti csodálatát idézik, mint A színész (MoMA, New York) vagy Az őrült (Museo Picasso, Barcelona) című akvarelljén, a manierista formulákhoz folyamodva, amelyeket – mint rámutattak – Picasso egész pályafutása során folyamatosan használt. Témái az öröm és az egzisztenciális nyugtalanság voltak, a kék korszakhoz hasonlóan egy csipetnyi melankólia is húzódik mögötte, de akkoriban a szeretet dominált, sok utalással az állatkert és a cirkusz világára. Maszkokat, harlekineket, trénereket és bohócokat festett; ez volt a rózsaszín kismamák időszaka is. Reprezentatív művek ebből az időszakból: Akrobata labdával (Lány labdával) (Puskin Múzeum, Moszkva), Akrobaták családja (National Gallery of Art, Washington), Akrobata és fiatal harlekin (Barnes Foundation, Philadelphia), Akrobaták családja majommal (Göteborgs Kunstmuseum, Göteborg).

1905. február 25-től március 6-ig a Galerie Sérurier-ben állította ki első rózsaszínű vásznait. A kritikusok tehetségének fényes átalakulásának bejelentéséről beszéltek; a kék korszak drámája után Apollinaire a Revue immoraliste-ban a rózsaszín korszak műveit így jellemezte: „Akrobatáinak villogó flitterei alatt az ember valóban érzi a sokoldalú, ravasz, ravasz, ravasz, szegény és hazug emberek szánalmát”. Ahogy Fernande Olivier mondta, úgy tűnt, Picasso szerette azt, ami nem hozzá való, ami más volt, mint ő: a cigányokat, a bikaviadalokat, az árnyékos kabarékat, a bohócokat és a cirkusz világát; imádta és élvezettel merült el mindenben, aminek erőszakos helyi színezete volt.

Ugyanezen év tavaszán festette meg az év egyik fő művét, a Saltimbanquis családot, amely egyértelmű fejlődés a rózsaszín korszak felé; egy csupasz, elmosódott tájkép, amelyben a bábosok jól megrajzolt, stilizált alakjai, marginális szereplők, akiknek magányos élete lenyűgözte Picassót, elszigetelten keretbe vannak foglalva. Egy délután, miután Max Jacobbal távozott a Cirque Médrano színházból, úgy döntött, hogy agyagból megmodellezi a fejét, és ahogy a következő napokban dolgozott a darabon, a cirkuszi figurák stílusában hozzáadta a bolond kalapját és a csengettyűket. A mű címe Az őrült (Harlekinfej) (Musée Picasso, Párizs), amelyet Ambroise Vollard galériatulajdonos bronzba öntetett.

A nyár folyamán Észak-Hollandiába utazott, és hat hétig Schoorlban tartózkodott Tom Schilperoort holland író meghívására. Itt tartózkodása alatt festett egy aktot, A holland szépség (Queensland Art Gallery, South Brisbane), valamint A három holland nő (Musée Picasso, Párizs) című képet, a három grácia klasszikus témájának személyes változatát. Rövid párizsi tartózkodás után augusztusban Fernande-nal a Barcelonától északkeletre fekvő Tianában töltötte szabadságát. Szeptemberi visszatérése után Fernande beköltözött Picasso szerény műtermébe a Bateau-Lavoirban; kapcsolatuk kezdete boldog volt, és Picasso festményei és rajzai Fernande szépségét és személyes közelségét ünnepelték. Picasso szokásává tette a kis galériák látogatását, és Fernande-dal együtt részt vett a hivatalos szalonok népszerű vernisszázsain.

Gertrude Stein és bátyja, Leo Párizsban telepedtek le, és vagyonukat egy rendkívüli műgyűjtemény felhalmozására fordították. Leo Stein az Akrobaták majmokkal családját Clovis Sagot műkereskedőtől vásárolta, akin keresztül Leo és Gertrude meglátogatta Picasso műtermét, és 900 frankért számos művet vásárolt tőle. Picasso rendszeres látogatója lett Gertrude Stein párizsi lakásán lévő szalonjának; megfestette Leo és fia, Michael portréját, és megkezdte a híres Gertrude Stein portréja (Metropolitan Museum of Art, New York) nyolcvan-kilencven ülésből az elsőt. Gertrude nemrég vásárolta meg Matisse Nő kalapos nő című képét, és úgy döntött, hogy a két művésznek találkoznia kell.

1906-ban, miután három hónapig dolgozott a Gertrude Stein portréján, ideiglenesen abbahagyta azt, és elkészítette az első vázlatokat a Les Demoiselles d’Avignonhoz. A harlekinek témáját Gauguin és Puvis de Chavannes mintájára felhagyta a lovasok és a bukolikus tájakon élő fiatalok helyett, a tematikus és formai klasszicizmust keresve, ami Picassót az antik művészet tanulmányozásához vezette; márciusban a Louvre-ban az Osunában és Cerro de los Santosban talált ibériai szobrok, köztük az Elche-i hölgy kiállításán felfedezte a primitív spanyol művészetet. Ambroise Vollard galériája szintén márciusban szerezte meg a rózsaszín vásznak többségét. Májusban Fernande Olivier-vel Barcelonába utazott, ahol bemutatta őt barátainak és rokonainak, majd a nyár folyamán a Lérida melletti Gósolba, ahol ismét kapcsolatba került a népi kultúra alapvető primitivizmusával, és a vörös szín kiváló mestersége által látott fürdőjeleneteket és aktokat festett; ez a vöröses paletta Gósolban a kötetek modellezése iránti aggodalmat és az archaikus mediterrán gyökerekhez való visszatérést tükrözi. Ez arra inspirálta, hogy egy olyan festménysorozatot hozzon létre, amelynek figurái a primitivizmus bizonyos jellemzőit mentik meg, szakítva korábbi stílusával. Bár a vonások és a térfogatok egyszerűsítése a kubizmus előzményei, ez egy olyan önálló szakasz volt, amely nem sorolható be egyetlen elismert stílusba sem. Ezeken a festményeken még a női alakok között is megfigyelhetjük saját arcvonásait, ami a sorozat önarcképeivel összevetve jól látható. Ez a tartózkodás fontos hatással volt Picasso munkásságára, hiszen a Gósol-festmények a következő évben a kubista forradalom kezdetét jelentették; Picasso évekkel később, a neoklasszikus korszakában vette fel azt a stílust, ami ennek a stílusnak a logikus irányát jelentette volna.

Protokubizmus

1906 augusztusában, Gósolból hazatérve, emlékezetből dolgozva (Stein Olaszországban tartózkodott) újra elővette Gertrude Stein portréját, és egyfajta ibériai maszkká, egyszerre szenvtelen és kifejezővé redukálta az arcát. Picasso így nyilatkozott a Gertrude Stein portréjáról: „Mindenki azt hiszi, hogy nem hasonlít a portréjára, de nem baj, végül is sikerül majd úgy kinéznie, mint a portréja. „Az ibériai szobrászat és a szalonokban kiállított Cézanne-festmények hatására Picasso a formát és a térfogatot vizsgálta, ami az Önarckép palettával (Philadelphia Museum of Art) című, szinte vad archaizmust idéző festményen is megmutatkozik, amely egyben előrevetíti a Picasso által 1905 óta felhalmozott hatásokat.

Az 1906-os Salon d’Automne kiállításon Gauguin retrospektív kiállítása mély benyomást tett Picassóra, és nagy hatással volt a munkásságára; a Szalonon az ugyanebben az időben elhunyt Cézanne tíz műve is szerepelt. Télen Picasso megfestette a Két meztelen nőt (az alakok monumentalitása és a fény és árnyék autonóm használata Cézanne Nagy fürdőzők című festményére emlékeztet). Az év vége felé abbahagyta a festészetet, és egy sor tanulmányt és aktvázlatot készített egy bordélyházi témájú, többalakos kompozícióhoz, amely 1907-ben a Les Demoiselles d’Avignon által ábrázolt forradalomban csúcsosodott ki.

Picasso környezetének első reakciója a fiatal hölgyek korábbi tanulmányaira általában kedvezőtlen volt: barátai nem igazán értették ezt az új stílust. Egy jegyzetfüzetében Apollinaire úgy írta le, hogy „csodálatos nyelv, amelyet semmilyen irodalom nem tud kifejezni, mert a szavaink már megteremtődtek”. 1907 tavaszán Picasso Apollinaire közvetítésével találkozott Georges Braque-kal, aki, miután meglátogatta a műtermét, bizonyos izgatottságot mutatott a nagyméretű festészet iránt.

Május közepén festette az Önarcképet (Národni Galerie, Prága): a vonal domináns szerkezeti elemmé válik, kijelöli a vonásokat, sőt körvonalazza a kép egyéb területeit, amelyek szinte mind tele vannak színnel, és csak nagyon kevés a modellált rész. A vászon egyes részeit festetlenül is hagyta. A vászon egyes részeit festetlenül is hagyta. Május vége felé kezdett hozzá Az avignoni ifjú hölgyek utolsó vásznához, és eltűntek a férfi alakok: az egyiket, egy matrózt eltávolította, a bal oldali diákot pedig egy függönyt tartó meztelen nő váltotta fel.

André Derain bátorítására Picasso 1907-ben ellátogatott a párizsi Trocadero Palotában található Néprajzi Múzeumba. Ez volt az első találkozása számos afrikai és óceániai alkotással, amelyeket Derain és Matisse is régóta gyűjtött, de amelyekkel Picasso addig nem sokat foglalkozott. A nem nyugati művészet felfedezése új lendületet adott a Les Demoiselles d’Avignonnak, és jelentős hatást gyakorolt szobrászati munkásságára is. Picasso ekkor módosította néhány hölgy arcát, az öt közül a két „kubista” kinézetű leginkább afrikai maszkokra emlékeztető, míg a két középső inkább a középkori freskók és a korai ibériai szobrok stílusához hasonlít; a bal oldali alak arca is egyiptomi festményekre emlékeztető profilú. „Art négre, connais pas” – így válaszolt Picasso 1920-ban az Action magazin egyik kérdésére; ezt az 1907-től 1909-ig tartó protokubista időszakot Picasso afrikai, fekete vagy sötét korszakának is nevezik; stílusára erősen hatott az afrikai szobrászat, de a művész mindig az ellenkezőjét akarta elérni.

A Les Demoiselles d’Avignon (MoMA, New York) új irányt jelentett Picasso számára, aki a realizmussal szakítva megszüntette a hagyományra való utalásokat, felhagyott a térbeli mélység és perspektíva kánonjaival és a női test addigi ideáljával, a művet szögletes síkok halmazára redukálta, körülhatárolt háttér vagy térbeli perspektíva nélkül, amelyben a formákat világos-sötét vonalak jelzik. Az okkersárgás-vöröses tónusok a szelídebb rózsaszín korszakára jellemzőek, de a festmény nyerssége agresszívvá teszi őket.

A festményre hatással lehettek El Greco hosszúkás alakjai is, különösen az Apokalipszis látomása, amelyet Picasso valószínűleg azon a nyáron látott Párizsban; szerkezete és kompozíciója Cézanne A nagy fürdőzők című művéből származik; Cézanne festészetében a tárgyak valóságos jelenléttel bírnak, különös hangsúlyt fektetve a térfogatra és annak súlyára, az impresszionizmus atmoszférikus lüktetése nélkül. Fermigier (1969, 69. o.) szerint az 1907-es Salon d’Automne retrospektív kiállítása meghatározta Picasso későbbi fejlődését. Braque is Cézanne ihletésére kezdett egy tájképsorozatba, amely a fauvizmusból a proto-kubista korszakába való átmenetet mutatja.

Fernande-dal való kapcsolata válságba került, és 1907 nyarának végén a különválás mellett döntöttek, bár november végén kibékültek. Távollétükben Max Jacob és Apollinaire rábeszélte Picassót, hogy ópiumot szívjon; Picasso a látomások áldásai és a félelem között ingadozott, hogy apátiának és a munka iránti fáradtságnak adja át magát. Picasso palettája tele volt élénk „afrikai” színekkel: megfestette az Avignoni táncosnő (Avignoni táncosnő) című művét (magángyűjtemény, Lausanne), az Avignoni ifjú hölgyek utószavát, amelyben az ibériai és afrikai művészeten alapuló elemek a geometriai egyszerűsítés új fokát érik el; ugyanebben a stílusban festette a nyáron elkezdett A fátyolok tánca (akt drapériával) című művét (Ermitázs Múzeum, Szentpétervár), amelyet Gertrude Stein vásárolt meg az előkészítő vázlatokkal együtt; valamint a Virágok egy asztalon (MoMA, New York) című képet. A későbbi műveken a hústónusok okkersárga és barna színűek lettek, és Picasso egyszerre számos töréskísérlettel szembesült festményein: a perspektíva elhagyása; a tér meghódítása, a síkok feldarabolása sima tónusokkal, vastag, határozott kontúrokkal; a relief keresése túlzó kék kontúrokkal barna alapon és vastag árnyalatokkal; ezek közé tartozik a Barátság (Ermitázs Múzeum, Szentpétervár) és az Akt törölközővel (magángyűjtemény, Párizs). Picasso műterme a viták és viták központjává vált, és nem csak a műveiről. Braque saját műveit hozta oda, Matisse és Picasso festményeket cseréltek: Picasso Korsó, tál és citrom csendéletét (Fondation Beyeler, Riehen, Bázel) Matisse Marguerite, a lánya portréja című művéért. Picasso és Matisse kapcsolata a versengéstől a gúnyolódáson át a kölcsönös csodálatig terjedt; Matisse azt mondta, hogy senki sem nézte úgy a munkáit, mint Picasso, és senki sem nézte úgy Picasso munkáit, mint ő.

Kubizmus

A Les Demoiselles d’Avignonból kiindulva Braque és Picasso végül 1908-ban megfogalmazta a kubizmust. A kubizmus radikális fordulópontot jelentett a művészettörténetben, amely a többi művészeti avantgárdot is arra inspirálta, hogy elhagyja a képi illuzionizmust, és a naturalista leírást a hagyományos érzékeléstől elvonatkoztatott formakompozíciók javára, a háromdimenzióssággal és a felületek szerkezetével játszva, elutasítsa.

1908 januárjában Matisse megnyitotta iskoláját, az Academie Matisse-t. Másrészt Derain és Braque Picasso követői voltak, ami – a Gertrude Steinhez fűződő barátságuk mellett – irritálta Matisse-t. Ugyanezen év májusában a Salon des Indépendants-on Derain és Braque Picasso új stílusa által inspirált festményeket mutatott be, amelyek nagy feltűnést keltettek a kritikusok körében. Picasso felháborodott azon, hogy a kubista művészet első kiállítását úgy rendezték meg, hogy nem ismerték el az inspiráció forrásaként betöltött szerepét, különösen a Nő (1908), Braque nagyon friss aktja, amelyet senkivel, még Picassóval sem beszélt meg. Miután a Szalon bezárt, Braque szeptemberig a L’Estaque-ba ment. Az afrikai elemek Picasso munkásságában fokozatosan átadták helyüket Cézanne hatásának, talán Braque tájképeinek cezannista reduktivizmusával összefüggésben.

Barátja, a német festő Wieghels öngyilkosságot követett el a Bateau-Lavoirban, miután egy estén túl sok kábítószert fogyasztott; ez a tragédia meggyőzte Picassót és Fernande-ot, hogy hagyjanak fel az ópiummal; a késő tavasszal elkészült Kompozíció egy halott ember fejével (Ermitázs Múzeum, Szentpétervár) talán Wieghels halálának állít emléket.

A nyár folyamán Braque L’Estaque-ban kubista tájképek sorozatát készítette, amelyekben a Cézanne gépies perspektívájával való szakítást a festő inkább beavatásnak tekinti, mint inspirációnak. Picasso a Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise-ban, Párizstól 60 kilométerre északra bérelt egy parasztházat; Fernande említette, hogy Picasso ezzel a visszavonulással igyekezett úrrá lenni azon az ideges izgatottságon, amelyet Wieghels halála okozott neki. Mindkét művész a fény és az árnyék önkényes alkalmazásával kezdte el ábrázolni a relief érzetét a naturalista árnyékolás rovására; a formák a végletekig leegyszerűsödtek, Picasso képein nagyobb és mélyebb szoborszerűség uralkodik, a paletta pedig a barna, szürke és zöld színekre korlátozódik. Picasso tájképeire Henri Rousseau (1844-1910) és egy korai Cezanne hatott.

Amikor Braque szeptemberben benyújtotta tájképeit a Salon d’Automne-ra, a zsűri, amelynek tagja volt Matisse is, elutasította a műveket. Apollinaire szerint Matisse volt az első, aki a „kubista” és a „kubizmus” kifejezéseket alkalmazta, amikor elutasította Braque-nak a Szalonba benyújtott műveit. Ezt a történetet 1912 óta a mozgalom hivatalos eredetének tekintik. Josep Palau i Fabre rámutat, hogy 1908 őszén kezdődött az, amit ő Picasso zöld korszakának nevez: az ekkor festett csendéletek olyan formai stilizációt mutatnak, amely valószínűleg a cezanesi posztulátumok alkalmazásának köszönhető, amelyek szerint a formákat kúpokra, hengerekre és gömbökre kell redukálni. Ez a geometrikus sematizálás nem jár az ábrázolt tárgyak testiségének elvesztésével, ezért lapos reliefnek nevezhető. A nyár folyamán és októberben fejezte be a Három nő (Ermitázs Múzeum, Szentpétervár) végleges változatát, amelyben a festmény korai tanulmányainak afrikai hatásai felhígulnak a zöld korszak új stílusában.

A Daniel-Henry Kahnweiler galériájában rendezett Braque-kiállítás után, amelyet a kritikusok jobban fogadtak, mint a Salon des Indépendants-on bemutatott műveit, Picasso a Bateau-Lavoir-ban bankettet rendezett Rousseau tiszteletére, annak örömére, hogy a festő egy művét, a Női portrét, öt frankért megvásárolta Père Soulier antikváriumában. Ezen a télen a Braque és Picasso közötti eszmecsere napi szintűvé vált, miközben barátságuk egyre szorosabbá vált. A gyümölcscsendélet, Cézanne emblematikus motívuma, egyike volt a két festő közös témáinak ebben az időben: Le compotier (Gyümölcstál) (MoMA, New York), Csendélet halakkal és üvegekkel (Musée d’Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d’Ascq). A tél folyamán dolgozott a Karnevál a Bistrot-ban (Musée Picasso, Párizs) című képén is, amely 1909 elején a Kenyér és gyümölcstál gyümölcsökkel az asztalon (Musée d’Art Basel) című képben kristályosodott ki.

Picassót kezdték megbecsülni a gyűjtők; a Steins barátja, aki éppen a Három nő című művét vásárolta meg, a svájci Hermann Rupf több művét is megvásárolta, Dutilleul (aki Braque ügyfele is volt) pedig elkezdte a gyűjteményét. 1909 márciusában Charles Morice cikke jelent meg a Mercure de France-ban, amelyben a kubizmus kifejezés először jelent meg nyomtatásban. Májusban Picasso és Fernande Barcelonába utazott, hogy meglátogassa családját és régi barátait; barátja műtermében festette Manuel Pallarés portréját (The Detroit Institute of Arts). Ezt követően, tizenegy évvel első látogatásuk után Horta de San Juanba költöztek, ahol csendéleteket és számos Fernande-portrét festett és rajzolt, köztük a Nő akt karosszékben (magángyűjtemény, Franciaország) és a Női mellszobor (Fernande) (Hirosimai Művészeti Múzeum). A Párizsban megkezdett Fernande-portrésorozat a Nő körtével (Fernande) (MoMA, New York) című művében csúcsosodott ki. Hat nagyméretű tájképet is készített, köztük A víztározó (Horta de Ebro) (MoMA, New York); A hortai gyár (Ermitázs Múzeum, Szentpétervár) és Házak a dombon (Horta de Ebro) (Új Nemzeti Galéria, Berlin). Ezek az analitikus kubizmus kezdetei voltak, amelyek Cézanne relief, „fordított perspektíva” és modellezés fogalmainak köszönhetők.

A Hortában festett művein a fákat és a természeti formákat eltörölte, a felületesen amorf sziklát elemezte és síkokra bontotta, majd a síkok egymásra helyezésével rekonstruálta; néhány esetben a geometrizálás az égre is kiterjedt, és az egész olyan szigorú kompozíciót kínált, amelynek mélysége nem irigyli a hagyományos perspektívát. A fény használata teljesen önkényes volt, szigorúan a kontúrok hangsúlyozására és a domborművek kiélezésére. Mindazonáltal az analitikus kubizmus még mindig a hagyományok felülvizsgálata, nem pedig elutasítása volt; a festmény továbbra is illuzórikus ablak maradt egy reprezentált, rekonstruált világra. A szintetikus kubizmus az európai hagyomány negligálását jelentette; a kollázs megtörte a képfelület sérthetetlenségét, és a valóság ábrázolása megszűnt a kép célja lenni, és a kép kiindulópontjává vált.

Szeptemberben Párizsba költözött, a boulevard de Clichy 11-be. Az új stílusban készült művekkel megrakodva tért vissza, és annak ellenére, hogy a közönség és a kritikusok elutasították a Vollard által rendezett kiállítást, a gyűjtők válogatott csoportja, élükön Gertrude Steinnel és Szergej Scsukinnal, továbbra is vásárolta őket. Új műtermébe zárkózva folytatta a kubizmus fejlesztését, amelyet akkoriban nemcsak Braque-kal, hanem az új stílus által erősen befolyásolt montmartre-i művészek egy csoportjával is megosztott, köztük Derainnel, a spanyol Juan Grisszel és Légerrel. A kubizmus Európa-szerte elterjedt: Oroszországban a konstruktivista és szuprematista Malevics, Hollandiában pedig Mondrian, bár mindketten komoly különbségeket mutattak Picasso stílusával szemben: Penrose szerint a formák tiszta geometriájára való törekvésük elvezette őket a képi témától az absztrakció felé, ami nem volt része Picasso ösztöneinek, aki számára a szimbólumok és a költői utalások eltávolítása a festészetből a kiherélés egy formája volt; ez inspirálta az olaszországi Marinetti által vezetett futuristákat és az angolországi vorticistákat is, akik esztétikai elméletüket a formára és a mechanikus mozgásra és ritmusra alapozták, és megpróbálták bevezetni az időt a képi ábrázolásba. Picasso azonban nem elméletek vagy iskolák kialakítására törekedett; az ő igénye az volt, hogy szakítson a múlttal, és a műalkotásnak saját belső életet adjon.

Manuel Hugué műtermében olyan szobrokat készített, mint a Női fej (Fernande) (barcelonai Picasso Múzeum), amelyet a Hortában festett vásznai ihlettek. Fernande nem érezte jól magát a környezetükben és életmódjukban bekövetkezett változásokkal, vágyott a korai közös időszak spontaneitására.

Picasso már 1909-ben portrékat festett, amelyeken a tér új felfogását kereső fegyelmének szigora a színhasználat fokozatos csökkentésére késztette; a Horta-tájképeken és a Woman Sewing (Claire B. Zeisler Collection, Chicago) című, 1909-1910 telén festett képeken a paletta okkersárgára, szürkére és zöldre korlátozódott, mígnem ezt a színt eltörölte, és monokróm színvilágba lépett, amelyet időnként a szürke és az okkersárga finom árnyalata tör meg. 1910-ben többek között Ambroise Vollard (Puskin Múzeum, Moszkva), Wilhelm Uhde (Pulitzer-gyűjtemény, St. Louis) és Daniel-Henry Kahnweiler (Art Institute of Chicago) portréit festette, amelyeken – annak ellenére, hogy progresszív tendenciája szerint inkább a gondolat szemével festett, mint közvetlenül a természetről – számos ülésben dolgozott a modellekkel, hasonlóan Gertrude Stein korábbi munkájához; a tér és a forma analitikus szegmentálásának fokozatos folyamata ellenére Picasso megragadta az alakok fiziognómiáját. …

Picasso és Fernande 1910 nyarát Cadaqués-ben töltötte (egy tengerparti házat béreltek, és Derain és felesége is csatlakozott hozzájuk). A nyaralás után Picasso befejezetlen művekkel megrakodva tért vissza, amelyeken már látható volt az előrelépés a kubizmus új nyelvezete felé; a Daniel-Henry Kahnweiler portréjában, amelyet a nyaralás után festett, az alakot háromdimenziós struktúraként kezeli, amely a térben áthatott, áttetsző szövevényben, több szögből nézve, mégis összefüggő egészet alkotó elemekben nyilvánul meg, ahogyan az olyan festményeken is, mint a Nude Woman Standing (Philadelphia Museum of Art).

1910 és 1911 telén Picasso és Braque olyan szorosan együttműködtek, hogy nehéz nyomon követni a mindkettőjük által elindított ötletek eredetét, és mivel nem szignálták a képeiket, voltak olyan időszakok, amikor nehéz volt megkülönböztetni a saját művüket a másikétól; ahogy haladtak előre a tárgy elemzésében, Picasso és Braque úgy érezte, hogy elveszítették a felismerhető valóságra való utalást. A valóság elemeinek kubista kompozícióikba való beépítése később a trompe l’œil, majd onnan a kollázs feltalálásához vezetett, így szakítva azzal a hagyománnyal, hogy egy műhöz csak egy médiumot használjanak, és megkérdőjelezve magának a festészetnek az elveit.

Picasso 1911 júliusában utazott Céret-be, a Roussillon történelmi régió francia falujába. Augusztusban Fernande Olivier és Braque csatlakozott hozzá, és a két festő folytatta szoros együttműködését a kubizmus meghatározásában. Több olyan festményt is készítettek, amelyeken a helyi újság címlapját vitték be műveikbe, felismerhető gótikus tipográfiával, mint például A legyező („L’Indépendant”) (magángyűjtemény, Ascona, Svájc). Szeptember 5-én Picasso visszatért Párizsba, és az 1911-es Salon d’Automne-on egy kubista termet mutatott be, ahonnan ő és Braque is távol maradt. Ez a tény sokkolta a New York-i, madridi és amszterdami sajtót, amely tudósított az eseményről, mivel a stílus megalapítóinak számítottak; Európa-szerte számos cikk és esszé jelent meg Picassóról és Braque-ról. A Fernande-dal való kapcsolat megromlott, és az év őszén Picasso megismerkedett Eva Gouellel (Marcelle Humbert), a lengyel festő, Louis Markus addigi szentimentális partnerével, akit több festményén is ma jolie-nak (szépségem) nevezett.

1912 elején Picasso elkészítette az első konstruált szobrot, a Gitárt (MoMA, New York), amely kartonból, madzagból és drótból készült. Picasso nagymértékben elindította azt a folyamatot, amely a szobrászat felszabadításához vezetett az olyan klasszikus fogalmaktól, mint a térfogat, és a modellezési vagy faragási eljárások felváltásához mindenféle konstruktív technikával, ami forradalmi átalakulást jelentett a szobrászatban. A kubista kollázstechnikával párhuzamosan, amelynek első példája az 1912 tavaszán készült Csendélet fonott székkel (Musée Picasso, Párizs), a formák szabadon artikulálható síkokra redukálódtak. Az assemblage és a konstrukció fogalmai lehetővé tették új technikák és anyagok bevezetését; a térfogat felbontása új perspektívákat hozott, az üresség és a fény mint a tömeggel egyenrangú szobrászati elemek felértékelődését.

1912 és 1915 között Picasso és Braque kidolgozták a kubizmus második szakaszát, amelyben visszatértek műveikbe az előző szakaszban megtört vagy megszüntetett hagyományos fogalmak megfelelője; a formák, tárgyak és szavak felismerhetővé váltak, miközben a felületet újjáalakították; visszanyerték a szolidabb és ragyogóbb kromatika használatát, a síkok világosan körvonalazottak és elhatároltak, átfedtek és úgy tűnt, hogy texturált felületeket és dekoratív mintákat tartalmaznak.

1912 áprilisa és májusa között kubista kiállítást rendeztek a barcelonai Galeria Dalmauban, Picasso és Braque művei nélkül. A Fernande-dal való kapcsolat véget ért; Picasso ezt írta Braque-nak: „Fernande elhagyott engem egy futurista miatt”. Május 18-án érkezett Évával Céret-be, ahol készített néhány rajzot, amelyekre 19. századi tapétákat és naplófoszlányokat ragasztott. Amikor júniusban Picasso megtudja, hogy Fernande azt tervezi, hogy Pitxot-val és feleségével Céret-be utazik a nyárra, ír Kahnweiler-nek, hogy ne várjon tőle semmit, hogy boldog lenne, ha soha többé nem látná a lányt, ugyanakkor megerősíti Eva iránti szerelmét, jelezve, hogy ezt a festményeibe fogja írni. Valószínű, hogy június és szeptember között a Női akton („J’aime Eva”) dolgozott (ez egy könnyedebb, színesebb, savanyú színekkel tarkított mű, amelyben a női alak felépítése a rajzainál alkalmazott kollázstechnikából ered). Fernande látogatása elől menekülve június 25-én a Sorgues-sur-L’ouvèze-i Villa des Clochettes-be költözött. Braque-ra nagy hatással voltak Céret festményei, és Picasso kikérte a véleményét a Hegedű („Jolie Eva”) (Új Stuttgarti Állami Galéria) című művéről, amelyen fafelületeket és írott papíradagokat imitáló felületeket festett, vagy Az amatőrről (Le torero) (Bázeli Művészeti Múzeum). Braque augusztusban Sorgues-ba költözött, ahol folytatták a munkát és tovább vázolták művészi elképzeléseiket.

1912 szeptemberében néhány hétre Párizsba látogatott, hogy megszervezze költözését a boulevard Raspail 242-ben található új műterembe, de visszatért Sorgues-ba, ahol Az amatőr (Le Torero) és A költő (Bázeli Művészeti Múzeum) című képeken dolgozott. A formák megkeményedése és ellaposodása jellemzi a hermetikus kubizmust, amely a szintetikus kubizmusba való átmenet kezdetét jelenti. Szeptember vége felé visszatér Évával Párizsba, hogy összeszedje a holmiját és beköltözzön az új műterembe, ahová október elsején költöznek be. November közepén kezdi el az első papiers collés sorozatot, válaszul Braque e médiumban készült munkáira, az assemblage és az anyagok beépítésének technikáját alkalmazva a Guitar, Score, Glass (McNay Art Museum, San Antonio, Texas) című művében: festett papír hátterére Picasso papírdarabokat ragaszt, köztük a Le Journal egyik címlapját, amelyen a La bataille s’est engagé (A csata elkezdődött) szavakat őrizte meg.

December közepén visszatért Céret-be, ahonnan a karácsonyi ünnepek alatt Barcelonába utazott Évával. 1913. január 21-én visszatért Párizsba, ahol elkezdett dolgozni a Hegedű a falon (Musée des Beaux-Arts, Bern) című képén, amelyen a festékhez homok hozzáadásának használatát alkalmazta, és kettős utánzással a kollázshatást szimulálja a papírkivágásokra emlékeztető síkok segítségével (amelyek viszont a fa textúrát imitálják), amelyeket Braque és Picasso használt kollázsaikban, Ezzel egy időben egy második sorozatot készített papiers collés-okból, amelyekben korabeli párizsi (több képen a Le Figaro) vagy céret-i újságokat használt fel, és amelyeken az absztrakció és a színesség növekedése figyelhető meg. …

Február végén rendezték meg az első Picasso-retrospektív kiállítást Németországban, a müncheni Moderne Galerie Heinrich Thannhauserben; nyolc Picasso- és három Braque-mű is szerepelt a Modern Művészet Nemzetközi Kiállításán (Armory Show) New Yorkban, a 69. ezred Armoryban, amely később Chicagóba és Bostonba is eljutott, és amely az amerikai művészettörténet egyik legnagyobb hatású eseménye volt, és amelyen Marcel Duchamp híres, lépcsőn leereszkedő aktja is szerepelt.

Picasso és Eva 1913 márciusában tért vissza Céret-be, bár többször is Barcelonába utazott. Május elején meghalt az apja, és Picasso részt vett a temetésén. Éva egészségi állapota sem volt jó, és késő tavasszal romlott. Júniusban Picasso visszatért Párizsba, és ezzel egy időben megbetegedett anginában vagy hörghurutban (amelyből július végére felépült), akárcsak Eva, aki láthatóan soha nem épült fel teljesen. Augusztusban visszatértek Céret-be, ahol elkészült a Man with a Guitar (MoMA, New York), amely a fejlett szintetikus kubizmust mutatja: az analitikus kubizmus töredezett motívumai nagy, lapos formákká szintetizálódnak, amelyek a tárgyak „jelei”. Rövid tartózkodás után augusztus 19-én visszatértek Párizsba, ahol megkezdték a költözést egy új műterembe, a rue Schoelcher 5bis alatt, a Raspail sugárúton, a Montparnasse temetőre néző 5bis rue Schoelcherbe. Ezzel kezdetét vette a költői kubizmus néven ismert időszak.

A Salon d’Automne idején Picasso két különösen fontos művet festett: a Kártyás (MoMA, New York), amely a trompe l’oeil kollázs számos elemét tartalmazza, és a Fotelben ülő ingben ülő nő (magángyűjtemény, New York), amely az analitikus kubizmus színvilágát és a szintetikus kubizmus sematikus mintáit ötvözi. Az év vége felé az orosz Vlagyimir Tatlin, aki a moszkvai Scsukin gyűjteményből ismerte munkáit, Párizsba látogatott, hogy meglátogassa Picassót és műtermét, ahol megnézte az utóbbi konstrukcióit. Moszkvába visszatérve Tatlin elkészítette első építkezéseit.

1914-ben Picasso egy harmadik papiers collés sorozatot készített. 1914. január 14-én a Kahnweiler kiadta Max Jacob Jeruzsálem ostroma című, Picasso által illusztrált művét. Konstrukcióin is dolgozott, többek között az Abszintos pohár (MoMA, New York) című alkotásán, amelyből kereskedője, Kahnweiler hat példányt rendelt bronzból, különböző módon festve, némelyik erősen színezett, mások homokos textúrájúak.

Június végén Picasso és Eva Avignonba költözött, közel Derainhez, aki Montfavet-ben, Braque pedig Sorgues-ban tartózkodott. A szarajevói merénylet, amelyben Ferenc Ferdinánd osztrák főherceget és feleségét meggyilkolták, kiváltotta az első világháború kitörését. Apollinaire francia állampolgárságért folyamodott, hogy önkéntesként bevonulhasson; Braque-ot és Derain-t mozgósították; Picasso 1914. augusztus 2-án búcsúzott tőlük az avignoni pályaudvaron. Ősszel, még mindig Avignonban, a Kártyák, poharak, üveg rum (Vive la France) (Leigh B. Bloch Collection, Chicago) nyitotta meg a pointillista kubizmus korszakát. A naturalizmustól a kubizmusig terjedő stílusban dolgozott a korlátra, asztalra vagy székre támaszkodó férfiakat ábrázoló rajzsorozaton; a befejezetlen A művész és modellje (Musée Picasso, Párizs), feltehetően Eva című vászon a később újra felbukkanó ábrázoló figurációhoz való visszatérés tendenciáját mutatja.

November közepén Párizsba visszatérve, a háborúhoz való kissé ambivalens hozzáállása és a német pártfogóival, Kahnweilerrel és Thannhauserrel való kapcsolata, valamint az a tény, hogy a legtöbb fiatalember a fronton volt, gyanakvó tekinteteket váltott ki Picassóból. Télen festette a Csendélet: gitár, újság, pohár és lóhere ász (Musée Picasso, Párizs) című olajfestményt, amely bevezette a hideg kubizmusnak nevezett korszakot, amelyben a kompozíciót hideg színekkel, a kék szín túlsúlyával dolgozta fel.

1915 januárjában elkészítette a Max Jacob portréja című ceruzarajzot (Musée Picasso, Párizs), amely naturalista stílusban készült. Eva egészségi állapota tovább romlott, és műtéten esett át; májusban, amíg szanatóriumban volt, Picasso viszonyt kezdett Gabrielle Depeyre-rel, akivel még abban az évben titokban Saint-Tropez-ba utazott. Augusztusban újabb rajzot készített, Ambroise Vollard portréja (Metropolitan Museum of Art, New York) címmel, klasszikus technikával és szinte fényképszerűséggel. Az ilyen típusú rajzok még mindig kortársak voltak a kubista festményekkel, mint például a Harlekin (MoMA, New York), egy fekete alapon nagy monokróm geometrikus területekből álló szigorú kompozíció, amely egy hosszú sorozat része ebben a témában, és amely a veszteség allegóriájaként értelmezhető, különösen Eva halálos betegsége miatt, aki novemberben került az Auteil kórházba. Picasso nagyon nehéz időszakot élt át, „az életem maga a pokol” – írta Gertude Stein-nek. Éva 1915. december 14-én halt meg.

A háború alatt kubista csendéletek és naturalista stílusú portrék kerültek a középpontba; 1917-től kezdve a kubizmus, a pointillizmus, a manierizmus és a neoklasszicizmus együttesen jelenik meg munkáiban. A háború végén, bár továbbra is párhuzamosan dolgozott ezekben a különböző stílusokban, Picasso fokozatosan a neoklasszikus stílus felé hajlott, amely 1920-ban teljesedett ki, és 1924-ig fenntartotta érdeklődését.

A Balets Russes

1916-ban két nővel volt kapcsolata: Gabrielle Lespinasse-zal, egy Montparnasse-i showgirl-lel, akivel következmények nélküli viszonya volt, és Elvira Paladini, az érzéki és szibarita Elvira, akinek jelenléte bizonyos Olaszország-előérzetet keltett Picasso munkásságában. Márciusban Apollinaire sebesülten tért vissza a frontról, és Picasso a következő három hónapban több, őt ábrázoló rajzot is készített róla, például az Apollinaire portréját (magángyűjtemény), amely szintén realista stílusú. Júniusban elkezdett beköltözni a rue Victor-Hugo 22-be, a Montrouge negyedben. Több portrét festett Elvira Paladiniről és Apollinaire-ről, realista stílusban, és több, a rózsaszín korszakot idéző, harlekineket ábrázoló rajzot. A Les Demoiselles d’Avignon első nyilvános kiállítására júliusban került sor a Salon d’Automne-on, André Salmon szervezésében. A kubizmushoz hasonlóan a kritikusok is elég keményen fogalmaztak egy olyan műről, amelyet nem tudtak megérteni.

Néhány korábbi látogatás után Jean Cocteau, akivel az előző év decemberében találkozott, május 1-jén meghívta, hogy tervezze meg a Sergéi Diágilev által rendezett Ballets Russes társulatának díszletét, amelynek librettóját maga Cocteau írta, zenéjét Erik Satie szerezte; a látogatás során az íróról készült realista portréját kellett elkészítenie. Május végén Cocteau meglátogatta Diágilevet a stúdiójában, ahol megbeszélték a Parádé című balett terveit. 1916 augusztusában végül beleegyezett, hogy a Parádé című balettben dolgozzon. Picasso számos változtatást eszközölt a művön, olyan ötleteket, amelyek Satie-nak jobban tetszettek, mint Cocteau-nak. Végül szeptemberben megegyeztek, és 1917 januárjában megerősítette Diágilevvel a megállapodást, hogy 5000 frankért elkészíti a balett díszleteit és jelmezeit, további 1000 frankért, ha Rómába kell mennie. Február és március között a Parade című balett függönyén dolgozik (Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Párizs).

Február 19-én Cocteau-val együtt Rómába érkezett, hogy csatlakozzon Diagilevhez és a Ballets Russes-hoz. Nyolc hétig lakott a Via del Babuino és a Piazza del Popolo sarkán álló Grand Hôtel de Russie-ban, ahol az ablakából számos rajzot készített a Villa Medici épületéről. A Via Margutta 53b alatt bérelt műtermében számos vázlatot készített a balett jelmezeihez és díszleteihez. Amikor nem dolgozott, Diagilevvel, Léonide Massine koreográfussal, Léon Bakst díszlettervezővel, Cocteau-val és Igor Stravinskyval barátkozott, akikről gyors portrékat és karikatúrákat készített. Találkozott az olasz futurista művészekkel is, és velük együtt látogatta meg a város híres nevezetességeit, a Sixtus-kápolnát, a Raffaello termeket és a vatikáni szobormúzeumokat. Rómában töltött tartózkodása felújította érdeklődését Ingres akadémikus stílusa iránt, amelynek hatása a következő évek munkásságában is tükröződik. Ebben az időszakban ismerkedett meg Olga Jojlova táncosnővel, Diagilev társulatának tagjával, akit végül feleségül vett.

1917 márciusában Diagilev elvitte Picassót, Stravinskyt, Cocteau-t és Massine-t egy nápolyi útra, ahonnan Herculaneum és Pompeji romjait látogatták meg. Ezekben a napokban jelent meg Párizsban a Nord-Sud című avantgárd irodalmi folyóirat, amely rövid fennállása alatt a kubizmusról szóló avantgárd viták erőteljes fóruma volt, és megpróbálta összehozni a hagyományos és az avantgárd irodalom párizsi központjait, a Montmartre-t és a Montparnasse-t. Közreműködői között számos olyan író volt, akik később a szürrealizmust alakították: többek között Apollinaire (aki ez idő tájt alkotta meg a kifejezést), André Breton, Louis Aragon és Tristan Tzara. Áprilisban Cocteau visszatért Párizsba, Picasso pedig csatlakozott a Ballets Russes társulatához, hogy Olga közelében lehessen, és Olaszországba utazhasson, ahol Firenzén (ahol meglátogatta a Medici-kápolnát Michelangelo síremlékeivel) és Velencén keresztül.

Az olaszországi turné után a társulat április végén Párizsba utazott, ahol 1917. május 18-án került sor a Parádé első előadására a Théâtre du Châtelet-ben. Az avantgárd művészeti, zenei és koreográfiai stílusok ötvözése a műben, egy olyan időszakban, amelyet az európai háború jellemzett, a Diágilev által remélt botrányt okozta, mivel a művet „offenzívan franciaellenesnek” bélyegezték. Apollinaire a balett műsorfüzetéhez írt esszéjében megjegyezte, hogy Picasso terveinek és Massine koreográfiájának szintézise először valósított meg egyfajta „szürrealizmust, amelyben az Új Szellem egy sor megnyilvánulásának kiindulópontját látom”. A sajtóhírek viszont borzalmasak voltak. Május és június között elkészült a realista Önarckép (Musée Picasso, Párizs) és A művész szemei (Musée Picasso, Malaga).

Az Olgába szerelmes Picasso elkísérte a Balets Russes-t Madridba, ahol júniusban léptek fel; Olga és a társulattal való kapcsolata hatására Picasso a madridi előkelő társaságba járt. Június 23-án érkeztek Barcelonába, ahol a Teatro del Liceóban a Balets Russes a Las Meninas című előadást adta elő. A hónap végén a társaság Dél-Amerikába utazott, míg Olga és a már eljegyzett Picasso négy hónapot Barcelonában töltött, ahol katalán művészbarátai, Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, a Vidal testvérek és Francisco Iturrino júliusban a Galerías Layetanesben fogadóbankettet adtak neki. Megfestette a barcelonai naturalista Harlekin (Picasso Múzeum, Barcelona) és az Olga Jojlova Mantillával (Picasso Múzeum, Malaga); a Nő spanyol ruhában (La Salchichona) (Picasso Múzeum, Barcelona) című festményeket divizionista technikával; kubista stílusban a Nő fotelben ülve (Personage) (Picasso Múzeum, Barcelona) és a Gyümölcstál (Picasso Múzeum, Barcelona). Számos rajzot készített bikaviadalokról és portrékat, valamint Olga rajzát is.

Novemberben a Balets Russes visszatért Spanyolországba; Barcelonában a Parádé című előadást adták elő, és langyos fogadtatásban részesültek; az előadás alatt Picasso húga, Lola és férje bemutatta őt az akkoriban művészeti tanulmányokat folytató Joan Mirónak. November végén Olga és Picasso visszatér Párizsba.

1918-ban kezdődik a Max Jacob által a hercegnők korszakaként azonosított időszak, amely 1923 körül ér véget. 1918. január 23. és február 15. között Picasso Matisse-szal közösen állított ki egy proto-kubista festménysorozatot Paul Guillaume galériájában. A kubizmussal szemben még mindig ellenséges légkörben a kiállítás sok sajtóvisszhangot váltott ki; lehetséges, hogy a Les Demoiselles d’Avignon is része volt a kiállításnak. Elkészítette Olga portréját egy fotelben (Olga ragaszkodott ahhoz, hogy portréi felismerhetőek legyenek.

Április és május között Olgával együtt a Hotel Lutetia nevű divatos, első osztályú szállodába költözött a Boulevard Raspail-on; életmódja megváltozott, a Ballets Russes körébe járt, és az előkelő társaságok között mozgott. Július 12-én feleségül vette Olgát, először a szükséges törvényes szertartáson, majd egy háromórás misén a párizsi Rue Daru utcai orosz ortodox templomban. Családjaik nem vettek részt, és Picasso Jean Cocteau-t, Max Jacobot és Apollinaire-t kérte fel tanúként. Az esküvő után Olga nem volt hajlandó Montrouge-ba menni, mondván, hogy soha többé nem tér vissza abba a házba, „amelynek túl sok nő szaga van”. Július 30-án érkeztek Biarritzba nászútra; a Villa La Mimoseraie-ban szálltak meg, amely chilei barátjuk, Eugenia Errázuriz tulajdona volt. Itt dolgozta ki a tengeri témákat, mint például a Fürdőzők (Musée Picasso, Párizs), manierista stílusban, amely az El Greco stílusa által inspirált hosszúkás alakjaira emlékeztet. Vendéglátója bemutatta őt Georges Wildenstein és Paul Rosenberg műkereskedőknek; Rosenberg Wildenstein nevében szerződést kötött Picassóval. Ingres neoklasszikus stílusában készített néhány portrét a nőkről és a gazdag társasági látogatókról.

Szeptember végén visszatért Olgával Montrouge-ba. Paul Rosenberg lett Picasso hivatalos kereskedője, aki csak szóbeli megállapodást fogadott el Picassóval, és így a kereskedőnek adta meg az első választási lehetőséget a művész munkáiból; Daniel-Henry Kahnweiler volt a kereskedője 1907-től a német-francia háború kitöréséig, amikor is kénytelen volt Svájcba távozni. Október 8-án Picasso kibérelt egy nagy lakást a rue de La Boëtie-n. Valószínű, hogy ekkoriban találkozott Louis Aragonnal, és rajta és Apollinaire-en keresztül André Bretonnal. Nem sokkal később, 1918. november 9-én, két nappal az első világháborút lezáró rethondesi fegyverszünet aláírása előtt Apollinaire a Saint-Germain sugárúton lévő lakásában spanyolnáthában meghalt. Ettől kezdve Picasso minden évben ezen a napon meglátogatta barátja sírját a Père-Lachaise temetőben.

1919-ben párhuzamosan folytatta a kubista és realista műveket. Készített néhány realista művet, amelyeken a figurák bizonyos monumentalitása és szobrászi súlya látható, mint például a Csendélet kancsóval és almával (Musée Picasso, Párizs), a kései Ingres robusztus, klasszikus stílusában, a figurák szobrászi jellege és masszív megjelenése, amely 1920-as neoklasszikus műveiben is megmutatkozik.

A Ruszin Balett Londonba érkezése a háború után egybeesett azzal az időszakkal, amikor a művészet, különösen az avantgárd művészet iránti érdeklődés divatba jött. A balett lehetővé tette, hogy a nagy táncosok presztízsét ötvözzék a fiatal forradalmi művészek botrányával, ami egyszerre tetszett a sznoboknak és vonzotta az értelmiségieket. Májusban Picasso Londonba érkezett, ahol Diagilev éppen egy új balettre készült, Manuel de Falla zenéjére, az El sombrero de tres picosra, amely Pedro Antonio de Alarcón azonos című regénye alapján készült. Picasso lelkesedett a 18. századi Dél-Olaszországban játszódó történetért, és a lehetőségért, hogy újra együtt dolgozhat Massine-nal és először Fallával. A Londonban töltött három hónap alatt számos vázlatot, rajzot és akvarellt készített a díszletekhez, jelmezekhez és a függönyhöz, amelyeket személyesen festett, Vlagyimir Polunin és felesége, Elizabeth segítségével. Amikor nem a balettpróbákkal és a próbákkal voltak elfoglalva, akkor az angol társasággal érintkeztek, ahol Picasso számos művésszel és íróval találkozott.

Az El sombrero de tres picos premierje az Alhambra Színházban 1919. július 22-én hatalmas sikert aratott, ami hamarosan spanyol tánciskolák megnyitásához vezetett Londonban. Massine megtanulta a flamenco ritmusait, és alkalmazta azokat a táncosok koreográfiájában, akiknek jelmezeit a cselekményhez igazították. Picasso ösztönösen használta az íveket és a cikk-cakkokat, a spanyol paraszti szekerekre jellemző motívumokat, ritmusokat, amelyek valószínűleg az arab kalligrafikus arabeszkektől származnak. A zöld, rózsaszín, piros és fekete kontrasztja Spanyolországot is megidézte. A kritikus Jean Bernier azt írta: „a jelmezek kivétel nélkül tele vannak melegséggel és erővel, amit a méltóságra való, nagyon is andalúziai ízlés mérsékel”.

A balett sikerével együtt járt a társasági élet is; Picasso és Olga, Olga legnagyobb örömére, számos előkelő társasági estélyre kapott meghívást. Picasso a legjobb szabóktól rendelt öltönyöket, és a divatos fogadásokon kifogástalanul öltözött. Augusztusban Olga és Picasso visszatértek Párizsba, és onnan a Côte d’Azur-i Saint-Raphaël-be mentek; valószínű, hogy a vonatút során Picasso megfigyelte a szüreti jelenetet, amelyet A sziesztában ábrázolt. A Saint-Raphaël-i ablakok témája, amelyet azon a nyáron számos akvarellben és rajzban dolgozott fel, az őszi párizsi visszatérés után egészen az 1920-as évek elejéig megmaradt Picasso munkásságában.

A rue de la Boëtie-n lévő lakásába költözve Picasso fokozatosan eltávolodott a háború előtti bohém életstílusától; magánélete csendesebb lett, bár elegánsan öltözve lehetett látni a koktélpartikon vagy a Chanel ruhába öltözött Olgával vacsorázni. A Balets Russes-szal és Léonce és Paul Rosenberg műkereskedőkkel való kapcsolata kedvezőbb kritikai figyelmet és ismertséget hozott számára.

1919 decemberében Diágilev, aki a londoni szezon után visszatért Párizsba, felkérte, hogy működjön közre egy új, a Commedia dell’Arte által inspirált balett, a Pulcinella megzenésítésében, amelyet Stravinsky írt. Diagilev az első vázlatokat túl modernnek és díszesnek ítélte, Picasso később egyszerűsítette őket. 1920-as évek elején számos vázlatot és tanulmányt készített a Pulcinellához.

1920. január 23-án a párizsi Théâtre National de l’Opéra színházban mutatták be a Háromszögletű kalapot, amelyre meghívta barátját, Max Jacobot, akivel ritkábban találkozott. Útban a színházba Jacobot elütötte egy autó, és kórházba került; Picasso gyakran látogatta őt a kórházban, de ezután egyre ritkábban találkoztak, mivel Jacob kevésbé féktelen és nyilvános társasági életre vágyott.

Massine balettötlete az 1917-es nápolyi útjuk során látott utcai előadásokból származott. A librettót Diagilevvel közösen dolgozták ki ősi nápolyi szövegek alapján; Stravinsky zenéje Giovanni Battista Pergolesi, 18. századi olasz zeneszerző zenéjének feldolgozása. Picasso első vázlatai pszeudo-rokokó stílusban készültek, amelyet Diagilev kezdeti elutasítása után kubista stílusúvá egyszerűsített, nagy, sík, kék, szürke és fehér felületekkel, amelyeken a szereplők jelmezei a Commedia dell’Arte hagyományos szereplőinek stílusán alapulnak. A Pulcinellát 1920. május 15-én mutatták be a párizsi Théâtre National de l’Opéra-ban.

A Pulcinella díszleteinek ezt a stílusát terjesztette ki Picasso festészetére, ahogyan ez a függöny előtt gitározó Pulcinella (Massine Saluting) című képén is látható; a színek élénkek, de nem harsányak, a festett felület pedig teljesen sík lett. A Juan-les-Pins-ben töltött nyáron ezt a stílust és témát továbbfejlesztette a Commedia dell’Arte-ról készült színes, geometrikus és sík gouache-ok sorozatában, például a Pierrot és a Harlekin (National Gallery of Art, Washington). Szeptemberben, még mindig Juan-les-Pins-ben, rajzok és akvarellek sorozatát készítette el a mediterrán ókor témájáról, egy epizódról, amely Herkules feleségének, Deyanira elrablási kísérletéről szól, amelyet a kentaur Nessus próbált meg elrabolni, és amelyet az 1917-es nápolyi utazása során látott pompeji freskók ihlettek.

1921. február 4-én megszületett első fia, Pablo. Tavasszal megkezdte tanulmányait a Cuadro flamenco című baletthez, Diagilev újabb balettjéhez, aki ezúttal egy nyolc andalúz táncosból és énekesből álló csoportot bérelt fel, akiknek Falla könnyűzenét hangszerelt. Eredetileg a szintén spanyol Juan Gristől kapta a megrendelést, de Picasso, arra hivatkozva, hogy Gris beteg volt, és nem lett volna ideje ilyen rövid idő alatt kidolgozni a projektet, megelőzte őt azzal, hogy a Pulcinellában elhagyott ötletét egy rokokó díszítésű függönyről és proszcéniumról, ahol párok nézik az előadást, ahogyan az a Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, Párizs) című művön látható. A Grishez fűződő viszony ennek következtében elhidegült, és ez a helyzet egészen 1927-ben bekövetkezett haláláig fennállt. Május 22-én mutatták be a művet a Théâtre de la Gaîté-Lyrique-ben. A műsorfüzet borítóját négy tengerparti akt illusztrálta, neoklasszikus stílusban, hasonlóan más korabeli művekhez. Párizsba visszatérve folytatta a monumentális neoklasszicista stílusban készült műveit.

A nyár folyamán, elkerülve a dél-franciaországi hőséget, Olgával és Pablóval Fontainebleau-ba költözött. A fontainebleau-i nyár termékeny volt, a művek többsége a neoklasszikus szobrászati stílusban készült. A fő témák anya és gyermeke, valamint nők a szökőkútnál; ezek láthatók az Anyám és gyermeke a tengerparton (Art Institute of Chicago) és a Három nő a szökőkútnál (Musée de l’Orangerie, Párizs) című képeken, görög-római öltözködéssel és frizurával. Két mesterművet is alkotott szintetikus kubista stílusban: Muzsikusok maszkokkal (MoMA, New York) és Muzsikusok maszkokkal (Három zenész) (Philadelphia Museum of Art); a témák a Balets Russes-szal való együttműködését idézik, különösen a Pulcinella néhány harlekin és pierrot tanulmányát.

1922-ben Breton, Jacques Doucet tanácsadója művészeti kérdésekben, elkezdte meggyőzni őt arról, hogy modern művészeti gyűjteményét fontos lenne kiegészíteni Picasso jelentős műveivel, ami 1924-ben a Les Demoiselles d’Avignon megvásárlásához vezetett. Júniusban, a bretagne-i Dinard-ban tett látogatása során festette meg a Két nő fut a tengerparton (A verseny) című képet (Musée Picasso, Párizs), amely az 1921-ben festett monumentális alakok idealizálása egy új elemmel, a mozgás kezelésével, amely később mintául szolgált Diagilev 1924-es Le Train Bleu című filmjének hátteréhez. Készített néhány vázlatot a fiáról, valamint feleségéről és fiáról együtt, amint az a Család a tengerparton című képen látható (Musée Picasso, Párizs). 1922. december 20-án mutatták be Jean Cocteau Szophoklész Antigonéjának modernizált feldolgozását a Montmartre-i Théâtre de l’Atelier-ben (Párizs). A darab díszletét Picasso, jelmezeit Coco Chanel, zenéjét Arthur Honegger szerezte.

1923-ban Picasso folytatta a harlekin-témát; kevésbé monumentális és líraibb stílusban több portrét festett Jacint Salvadóról harlekin álruhában, valamint fiáról, Pablóról és feleségéről, Olgáról. Portrékat festett fiáról, Pablóról és feleségéről, Olgáról, valamint a Doña Maria (a művész édesanyja) portréját (magángyűjtemény). Azon a nyáron visszatért a Riviérára, és Antibes-ban telepedett le Olgával és Pablóval. Elkészítette a Pán fuvoláját (Musée Picasso, Párizs), valamint számos rajzot és vázlatot ugyanerről a témáról. Antibes-ban számos társasági nyaralót látogatott meg, például a festő Gerald Murphy-t és feleségét, Sarah-t. (Beaumont felkérte, hogy tervezze meg az 1924 nyarán megnyíló Mercure díszletét és jelmezeit.

Léonide Massine koreográfus azért hagyta ott a Balets Russes-t, hogy 1924 nyarán az orosz arisztokrácia megsegítésére Étienne de Beaumont gróf számára egy balettet készítsen a Les Soirées de Paris nevű magánelőadás-sorozatban. Erik Satie zenéjével, Picasso díszleteivel és jelmezeivel Massine a Parádé óta a legkülönösebb és legeredetibb balettjét, a Mercure-t hozta létre. A Parádé szögletes síkjait és egyenes vonalait ívelt és hullámzó vonalak, kanyargó sziluettek váltották fel a díszlet- és jelmeztervezésben. A Mercure június 18-i premierjét a Théâtre de la Cigale színházban a kritikusok és a közönség egyaránt rosszul fogadta. A szürrealisták közül néhányan bírálták Picasso részvételét egy burzsoá projektben az arisztokrácia támogatására, de Breton védelmébe vette Picasso művészi munkásságát, és Hommage à Picasso (Hommage Picassónak) című esszéjében kijelentette: „Ami engem illet, Picasso együttműködését a Mercure-ban az utóbbi évek legfontosabb művészeti eseményének tartom.

Két nappal később a Théâtre des Champs-Elysées-ben bemutatták a Le train bleu című darabot, az utolsó együttműködést Szergej Diagilev Ballets Russes-ével. A függönyt Alexander Shervashidze színpadi festőművész festette Picasso Két nő fut a tengerparton (A verseny) című gouache-ja alapján. A függönyt maga Picasso írta alá: „Dedikálva Diágilev Picasso 24”.

1924 nyarán a Juan-les-Pins-i Villa La Vigie-be költözött. Picasso egy vázlatfüzetben kidolgozott egy sor szürrealizmus előtti rajzot, vonalakból és pontokból álló konstellációkat, amelyeket évekkel később felhasználtak Honoré de Balzac Le Chef-d’œuvre Inconnu című művének Ambroise Vollard által készített illusztrált kiadásához; fia születésnapja alkalmából Picasso minden évben portrékat festett a fiúról; 1924-ben megfestette a Pablo de harlequin-t (Musée Picasso, Párizs).

A Soirées de Paris körüli vita a nyár folyamán tovább fokozódott, és szakadást idézett elő az ex-Adadák között, Breton csoportja és egy másik, Ivan Goll körül csoportosuló csoport között. Októberben Breton kiadta a Szürrealista kiáltványt, amelyben felvázolta Sigmund Freud pszichoanalízis elméletének és az álmok értelmezésének művészeti következményeit. Az Apollinaire által 1917-ben kitalált szürrealizmus kifejezést Breton vette fel csoportja neveként. Bár Picasso hivatalosan soha nem csatlakozott a szürrealista mozgalomhoz, munkásságát Breton, Tristan Tzara és a dadaisták is nagyra értékelték. Picasso művei az 1924 és 1929 között megjelent La Révolution Surréaliste tizenegy számából nyolcban szerepelnek.

Szürrealizmus

Olgával kötött házassága és első fiuk, Pablo születése óta Picasso boldog családi életet élt; nagyon aktív társadalmi életet élt, felváltva a párizsi arisztokrácia és értelmiség körében; az avantgárd kritikusok dicsérték művészi teljesítményét, bár a formai szempontokra összpontosítottak, figyelmen kívül hagyva munkásságának intuitív és pszichológiai elemeit. A társadalom és a kritikusok által elfogadott Picassót a francia hagyomány részének tekintették, amely felette állt a burzsoáellenes dadaisták új generációjának bohózatainak, akiket kezdett kiszorítani az a csoport, amely szürrealisták néven vált ismertté.

1925-ben fia negyedik születésnapjára festette Pablo de pierrot (A művész fia) című képét (Musée Picasso, Párizs), amely az előző évben festett harlekin-portréjához hasonló naturalista stílusban készült. Megfestette a Táncot (Tate Modern, London) is, amely döntő pillanat Picasso fejlődésében, egy olyan időszakot követően, amelyben a szintetikus kubizmus dekoratív formáját és a neoklasszikus figuratív stílust egyaránt alkalmazta. A tánc mindkét stílusnak adós maradt, de jelentősége abban rejlik, hogy szakítást jelent a derűs, klasszikus korszakkal, és az érzelmi erőszak és az expresszionista torzítás új korszakának kezdetét.

A Tánc Picasso 1925 és 1938 közötti szürrealista korszakának kezdetét jelentette. Klasszikus táncrajzainak antitézise, a festmény expresszionista jellege Picasso Olga és általában a nők iránti növekvő ingerültségét szimbolizálta; barátja, Ramon Pichot halála miatt megbántva úgy vélte, hogy felesége, Germaine, aki Casagemas halálának oka volt, barátját is tönkretette, ahogy Olga tönkretette őt. A Pichot halála miatti gyászt júliusban Erik Satie zenész halála is súlyosbította, és a nyáron Juan-les-Pins-ben megfestette A csókot (Musée Picasso, Párizs), amely szellemében még agresszívabb, mint A tánc. Az egymásra helyezett fejek motívuma, amely a nő alakjában és nem a szoborban jelenik meg, későbbi munkáiban is folytonosságot talál majd. E művek sorozatának, valamint az első kubista művek irracionális tulajdonságai voltak azok, amelyeket Breton analógnak talált a szürrealista művészek által gyakorolt automatizmus elméletével.

A La Révolution Surréaliste 4. számában 1925 júliusában megjelent „A szürrealizmus és a festészet” című esszéjében Breton Picassót mint festőművésznek nyilvánította és szürrealistának vallotta, miközben rámutatott, hogy lehetetlen olyan címkét alkalmazni, amely korlátozná a munkásságát: „A „kubista” címke nagyon is ezt a hibát követte el. Novemberben került sor a párizsi Galerie Pierre-ben a „Exposition: La Peinture Surréaliste” című kiállításra, amelyen Picasso két korai kubista festménye, valamint Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray és Pierre Roy művei szerepeltek; Breton és Robert Desnos írta a katalógus előszavát. Maurice Raynal a L’intransigeant című folyóiratban a kiállításról írt kritikájában így fogalmazott: „A „kubizmus atyja” a szürrealisták fogadott fiává vált! Novemberben Picasso elkísérte édesanyját Barcelonába, aki a tengerparton töltötte velük az ünnepeket. Ott találkozott Dalíval, és meglátogatta első önálló kiállítását a Dalmau Galériában.

1926-ban egy olyan stílusban dolgozott, amelyet görbületes kubizmusként azonosítottak, és amely a dekoratív kubizmus kanyargó felületeit, a fejek figurákra való ráhelyezését és a csillagképek rajzaiban felfedezett, kubista rácsra alkalmazott görbült deformációkat egyesítette. Ez látható A szabók (The Dressmakers (The Dressmaker’s Workshop) (Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Párizs) és A festő és modellje (Musée Picasso, Párizs) című monokróm, szürke, fekete, fehér és fahéj-okker színekkel festett műveken. Több olyan portrét is készített, amelyek bizonyos hasonlóságot mutatnak Marie-Thérèse Walterrel, egy fiatal tizenéves lánnyal, akivel egyes szerzők szerint 1925 elején találkozott először a párizsi Gare Saint-Lazare-on. Tovább dolgozott a egymásra helyezett fejek motívumán is.

Áprilisban Dalí látogatta meg műtermében; a két művész a kölcsönös csodálat ellenére nem lett közeli barátok. Diagilevnek tett ajánlása, hogy Miróval és Max Ernsttel dolgozzon együtt a Rómeó és Júlia díszletein és jelmezein, oda vezetett, hogy az utóbbit kizárással fenyegették meg a szürrealista csoportból, amely ellenezte az együttműködést „egy burzsoá, a nagyvilág számára készült produkcióval”.

1927 januárjában a párizsi Galeries Lafayette előtt találkozott a tizenhét éves szőke Marie-Thérèse Walterrel (bár egyes szerzők két évvel korábbra teszik a dátumot). Hat hónapon belül szeretők lettek. Bár kapcsolatukat Maya nevű lányuk 1935-ös születéséig titokban tartották, Marie-Thérèse-re való utalások nem sokkal azután jelentek meg műveiben, hogy megismerkedett vele. A házassági feszültségek Olgával egyre nőttek, élete nagyon bonyolulttá vált, mivel megpróbálta titokban tartani kapcsolatukat. Egy boldogtalan nyarat töltött Cannes-ban Marie-Thérèse után epekedve, míg Olga nehezményezte, hogy Picasso soha nem volt jelen az általa szervezett társasági összejöveteleken.

Nyár végén elkészítette Carnet des Métamorphoses című rajzalbumát, amelyben biomorf fürdőzőket ruházott fel elefántszerű szoboralakokkal, monumentális méreteket öltő szexuális attribútumokkal, mint a Fürdőző a kakasülőben (női alak) című képen (Musée Picasso, Párizs). Bár ezek valószínűleg Apollinaire emlékművéhez készültek, Christian Zervos 1929-ben azt írta, hogy Picasso a Croisette, a strandot a cannes-i nagy szállodáktól elválasztó elegáns sétány emlékműveként javasolta őket. 1927 végén, ismét Párizsban, Louis Fort nyomdásszal közösen dolgozott Vollard megbízásából egy tizenhárom metszetből álló sorozaton, amely a „művész és a modell” témáját dolgozta fel a Le Chef-d’œuvre Inconnu című könyv számára, amelyet 1931-ben adott ki.

1928 januárjában elkészítette A Minótaurosz című nagyméretű kollázst (Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Párizs), amely egy bika fejéből kinövő két lábat ábrázol, és amely a félig ember, félig bika mitológiai témájának első megjelenése a munkásságában, amely 1937-ben a Guernicában csúcsosodott ki. Tovább dolgozott a biomorf fürdőzők és a festő és modellje témáján is.

1928 márciusában újra barátságot kötött Julio González szobrásszal, akinek rue de Médéah-i műtermét gyakran látogatta, hogy tovább tanulja a hegesztési technikákat. Júniusban elkészítette 1914 óta első háromdimenziós szobrát, a Metamorfózis I. (Fürdőző) című bronzszobrot (Musée Picasso, Párizs), amely Marie-Thérèse 1927-ben készült rajzai alapján készült.

Nyáron Olgával és Pablóval a franciaországi Bretagne-i Dinard-ba költözött; Marie-Thérèse-t titokban befogadta egy közeli nyári gyermektáborban, és beavatta kedvenc szadomazochista szexuális gyakorlataiba. Tovább dolgozott a biomorf fürdőzők témáján festményeken és rajzokon, mint például a Fürdőző és kabin (MoMA, New York), valamint egy sor tanulmányt készített hegesztett fémszerkezetekről, a vonalhálózattal összekötött pontokból álló konstellációk mentén, egy Apollinaire-emlékmű előkészítéseként. Visszatérve Párizsba, ősszel Gonzalezzel együtt dolgozott ezen a projekten, egy sor vasrúdból készült modellen, amelyeket Kahnweiler „térbeli rajzoknak” nevezett. A modelleket az emlékműért felelős bizottság elutasította, mivel túl radikálisnak és nem megfelelőnek tartotta.

1929 tavaszán González műtermében készítette el a Nő a kertben című hegesztett és festett vasszobrot (Musée Picasso, Párizs). Elkezdte az első tanulmányokat A keresztre feszítéshez (Musée Picasso, Párizs), amelyet 1930-ban fejezett be. Az Olgával kötött házassága okozta feszültséget tükrözték olyan művei, mint a Női mellkép és az Önarckép (magángyűjtemény), amelyeken egy vad, nyitott állkapcsú női fejet helyez a klasszikus profilra. Szintén a Nagy akt vörös karosszékben (Musée Picasso, Párizs), ahol a női alak sikoltozva torzul, feltárva a művész tudatalattijának nyugtalanító elemeit. A festmény szürreális jellege számos más művén is megfigyelhető.

1930 januárjában megfestette a Bather Seated by the Sea (MoMA, New York) című képet, amely egy csontos szerkezetnek, a tengerpart nyugodt hangulatával ellentétes, fenyegető teremtménynek készült nőt ábrázol, akinek feje a szürrealisták egyik kedvenc szimbólumához, a sáskához hasonlít (a sáska szexuális aktus közben felfalja partnerét). Picasso több korábbi és későbbi művén is ugyanilyen típusú fej található, és némelyiken egy úgynevezett vagina dentata is, amely a „pszichoszexuális kasztrációtól való félelmet” idézi, amelyet a szürrealisták az imádkozó sáskán keresztül szimbolizáltak.

Boisgeloup

Műveit először az előző évben alapított New York-i Modern Művészetek Múzeumában (MoMA) mutatták be a „Festészet Párizsban” című kiállítás keretében. Júniusban megszerezte a Párizstól hetven kilométerre északnyugatra fekvő Château de Boisgeloup kastélyt. Boisgeloup menedékké vált, ahová Marie-Thérèse-szel együtt menekülhetett; az istállót szobrászati műhellyé alakította át, ahol az agyag- és gipszmodellezéshez való visszatérési vágya és a fiatal szeretője által adott inspiráció arra ösztönözte, hogy nagyméretű gipsz mellszobrokat készítsen, amelyek közül néhány kétségtelenül szexuális jellegű. 1930 őszén egy sor szobrot készített, többségük fából faragott, később bronzba öntött, kisméretű és erősen stilizált szobrokat. Ez idő tájt Marie-Thérèse a rue Boétie 44-be költözött, szemben a lakással, ahol Picasso Olgával élt. Az 1930-as évek első éveiben Picasso az Olgával való kapcsolat megszakításától való vonakodása és Marie-Thérèse iránti megszállottsága között ingadozott, aki a fő ihletője volt a műveiben megjelenő érzéki és szuggesztív női alakoknak.

1930 szeptemberében kezdte el azt a száz metszetből álló sorozatot, amely a Vollard-szvitet alkotja; Picasso 1930-tól 1937-ig dolgozott ezen a sorozaton, bár a munka nagy része 1933 (hatvanegy metszet) és 1934 (huszonnégy metszet) között készült. Hans Bollinger hét tematikus csoportot különböztet meg a Vollard-szvitben: ((és (vii) a Vak Minotaurusz. „A művész és a modell” általános téma a Vollard-szvit metszetein, különösen azokon, amelyek a szobrász műtermét mutatják be. Picasso így „ártatlanul” ábrázolhatta magát Marie-Thérésszel, gyakran meztelenül. Ezt a témát Picasso az 1930-as években végig használta; a spanyol polgárháború és Franciaország német megszállása alatt eltűnt a műveiből, bár utolsó éveiben visszanyerte.

1931 januárjában készült el a Tengerparti alakok (Musée Picasso, Párizs), egy tengerparti szerelmi jelenet, amelyen a kerek, szoborszerű formákká redukált testek annyira összekeverednek az ölelésben, hogy nem lehet megkülönböztetni, melyik testrész tartozik a férfihoz vagy a nőhöz, a jobb oldali alakhoz, amely a fejformája alapján Marie-Thérèse-ként azonosítható. Picasso így az emberi szexualitás kettős természetét hangsúlyozta az ölelés látszólagos gyengédsége és a figurák és éles, agresszív nyelvük kőkemény jelenléte közötti ellentmondáson keresztül. A figurák fejei az ugyanebből az időpontból származó A csók (két fej) (Musée Picasso, Párizs) című képre emlékeztetnek, ahol az egymást felfaló két fej az Olgával való konfliktust tükrözi. A monolitikus formákat ábrázoló festményekkel párhuzamosan dekoratív, élénk színű, görbe kubista stílusú csendéleteket készített; különösen figyelemre méltó a Nagy csendélet gyertyatartóval (Musée Picasso, Párizs), ahol az egyik leglíraibb és szexuálisan szimbolikus csendéletében a szerves formák Marie-Thérèse felsőtestét sugallják. A festmény Picasso személyes gyűjteményében maradt haláláig, amikor is több száz más művével együtt a párizsi Musée Picassónak adományozta az örökösödési adó helyett.

Áprilisban a londoni Alex Reid & Lefevre galéria harminchét festményből álló retrospektív tárlatot rendezett Thirty Years of Pablo Picasso címmel. Májusban végül birtokba vette a Château de Boisgeloup-ot, ahol Gonzalezzel együtt folytatta a fémművességet, és valódi tárgyakat épített be szobrászati munkáiba. 1930-ban készült szobrai, vágott és hegesztett fémelemekből álló összeállítások, mint például a Nő a kertben (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), „költői, néha szürrealista ízű tárgyakként” értelmezhetők. Visszatért az agyag- és gipszmodellezéshez is. Számos mellszobrot és domborművet készített Marie-Thérèse-ről, mint például a Női mellszobor (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Párizs). A kerekded formák és domborművek bizonyos szexuális jelleget mutatnak, és az arcvonások néha nemi szervekre emlékeztetnek (az orr mint fallosz, a száj mint vagina), ami a neolitikus és afrikai szobrászatra emlékeztet. A Juan-les-Pins-ben töltött nyári vakáció alatt lírai és erotikus rajzok és metszetek sorozatát készítette el, amelyek a Vollard-lakosztály „A szobrász műterme” című részének metszeteinek alapjául szolgáltak. Több kisebb olajfestményt is festett a Villa Chêne-Rocról, ahol tartózkodott. Ősszel visszatért szobrászati munkásságához.

A politikai polarizáció egyre jobban terjedt Európában; Spanyolországban kikiáltották a Második Köztársaságot, amelynek alkotmánya a megszerzett szabadságjogok ellenére nem tudott megegyezni a kulcsfontosságú területeken a vidéki területeken mélyen gyökerező konzervatív jobboldallal és a katolikus egyházzal, amelyet megfosztottak az iskoláktól és az állami támogatásoktól; Európa többi részén a totalitárius kormányok, különösen a fasizmus Németországban és Olaszországban, valamint a sztálinizmus a Szovjetunióban erősödött. Mindezt a világméretű gazdasági válság hátterében.

1931. október 25-én Picasso ötvenéves lett, és a lausanne-i Albert Skira számára kiadta Ovidius Metamorfózisai című művét, összesen tizenöt egész oldalas és tizenöt féloldalas metszetet, amelyeken az előző év óta dolgozott. Ebben a metszetsorozatban Picasso a klasszikus rajz egyszerűségére utal, a tárgyak és a lények világos ábrázolásával, ahogyan azt az 1934-ben megjelent Arisztophanész Lysistratájában is tette. November 12-én Ambroise Vollard kiadta Balzac ismeretlen remekművét, tizenhárom metszetet Picassótól, amelyekben a művész és a modell témáját hangsúlyozza. Balzac a regényben a művész konfliktusát veti fel a mű befejezése és a tökéletesség elérése között, amit a Festő és modell kötés című sorozat metszete is tükröz, amelyen a festő a prózai motívumot elegáns, görbe vonalú kalligráfiává alakítja át.

1931 decemberében festette A szobrász (Musée Picasso, Párizs) című festményét, amely a művész és a modell témáját dolgozza fel, és Picasso és Marie-Thérèse kapcsolatának természetét tárja fel; a szobrász az általa készített mellszobrot szemléli, jellegzetes klasszikus profiljával, míg a modell a háttérben ül, alárendelve magát a művésznek és az alkotásnak. Elkezdte a Marie-Thérèse-t egy kanapén ábrázoló portrésorozatot is, ahol fiatal szeretője a margóról lép elő, hogy elfoglalja a „rendíthetetlen nagyság és biztonság” központi pozícióját. Megfestette a Nő tűsarkúval (Marat halála) című képet is, amely a történelmi forrás nyomán Olga féltékenységével és birtoklási vágyával szembeni növekvő ellenszenvét tükrözi.

1932 márciusában befejezte az alvó nők sorozatát a Fiatal nő a tükör előtt (MoMA, New York) című képpel, amely az 1931-es nagy csendéletek fekete kontúrjait és organikus formáit ötvözte az egyik legszimbolikusabb és „sokszólamú” Marie-Thérèse-képben, amelyet Picasso készített.

Júniusban a párizsi Galeries Georges Petit-ben retrospektív tárlatot rendeztek, amelyen kétszázhuszonöt festményt, hét szobrot és hat illusztrált könyvet mutattak be, amelyeket maga Picasso válogatott össze a Kék periódustól az 1932-es utolsó portrékig. A kritikai reakciók nem voltak pozitívak, az óvatosságtól a negatívig terjedtek. Úgy tűnik, hogy Olga ezen a kiállításon fedezte fel Marie-Thérèse létezését, ami a féltékenység „izzó jeleneteit” váltotta ki a nőből, bár a két nő között nem következett be az a konfrontáció, amitől Picasso tartott. A kiállítást szeptemberben megismételték a zürichi Kunsthausban.

Míg Olga és Pablo a nyarat Juan-les-Pins-ben töltötte, addig Picasso a nyarat Boisgeloup-ban töltötte Marie-Thérèse-nél, ahol tovább dolgozott az alvó aktokon, a tengerparti jeleneteken és néhány kisebb szobron. Számos rajzot készített Grünewald Keresztrefeszítés-sorozatából is. Ősszel Párizsba visszatérve folytatta a Marie-Thérèse a kanapén című portrékat és Grünewald Keresztrefeszítés című rajzát. Októberben Christian Zervos megkezdte egy katalógus kiadását (1932 és 1974 között huszonnyolc kötet jelent meg, több mint 16 000 művet tartalmazva).

Bár Picasso már egy 1928-as kollázsában is foglalkozott a témával, az 1933 és 1938 közötti időszak Picasso Minotaurosz-korszaka volt, amelyben ez a mitikus alak más klasszikus témákkal együtt többször is megjelent művein. Picasso a bikaviadornőben megtalálta a Marie-Thérèse-szel és Olgával való konfliktusainak képi megjelenítését, a Minotauruszban pedig, a bestiális mivoltát tudatosító fenevadban, saját konfliktusának megszemélyesítését, a vágy és az erkölcsi felelősség közötti megosztottságát. 1933 májusában jelent meg a Minotaurusz első száma, Picasso borítójával. 1933 májusában. Az 1933-as nyári szünetet Cannes-ban töltötte Olgával és Pablóval. Szeptemberben megfestette A bikaviadal halála Boisgeloup-ban című képet.

1934 júniusától szeptemberéig bikaviadalokról készített festménysorozatot, rajzokat és metszeteket. Augusztusban Olgával és Pablóval Spanyolországba utazott, és elment Burgosba és Madridba a bikaviadalokra. Meglátogatta a barcelonai Katalán Művészeti Múzeumot. Elkészítette a Femme au feuillage és a Femme à l’orange című szobrokat. 1935 tavaszán a Pierre kiállítási galéria kiállította a papiers collés-t. Minotauromaquia vésett. Júniusban elvált Olgától, és októberben megszületett Maya Picasso, Marie-Therese Walterrel közös lánya.

Ő készítette a vízi rajzokat és másokat a Minotaurosz témájáról. Ugyanebben az évben, a spanyol polgárháború kezdetén kinevezték a madridi Prado Múzeum igazgatójává. Augusztus elején Picasso Mougins-ba utazott, ahol találkozott Dora Maarral.

Guernica és a pacifizmus

1937 januárjában Josep Lluís Sert katalán építész felkérte, hogy működjön közre egy nagyméretű freskó elkészítésében a második spanyol köztársaság pavilonja számára a párizsi Nemzetközi Kiállításon. Az ország választott kormánya a spanyol polgárháborúban a náci Németország és a fasiszta Olaszország által támogatott Franco katonai lázadói által elszenvedett vereséggel nézett szembe. A köztársaság azt remélte, hogy megmutathatja a világnak, hogy ő az, aki a spanyol népet és annak eredményeit képviseli. Picasso, aki 1936-ban elfogadta Manuel Azaña akkori köztársasági elnök felkérését, hogy legyen a madridi Prado Múzeum tiszteletbeli igazgatója, eleinte vonakodott, egyrészt a projekt mérete miatt, másrészt azért, mert korábban még soha nem fogadott el propagandisztikus jellegű megbízást. Februárban Dora Maar talált egy nagyon nagy műtermet a rue des Grands-Augustins 7-ben, ahol Picasso megvalósíthatta a projektet.

Ugyanebben az évben elkészítette a Franco álma és hazugsága című két metszetet, amelyek képregényhez vagy spanyol halleluja-hoz hasonló formátumúak, összesen tizennyolc jelenetet tartalmaznak, és amelyeket nyomtatásnak vagy képeslapnak szántak, és amelyekben elítélte a fasiszta államcsínyt és rámutatott a háború bűneire, Francót gonosz és groteszk figurának ábrázolva. Picasso január 8-án kezdte el vésni ezeket a képeket, ami azt jelenti, hogy saját kezdeményezésére dolgozhatta ki őket, mielőtt megkapta volna a Guernica megrendelését. Júniusban befejezte a lemezeket, és a sorozatot a Köztársaság javára kiadták, egy általa írt verssel együtt (Fandango de lechuzas).

1937. április 26-án a német Condor légió Franco kérésére Guernicát bombázta. Picassót, aki addig nem nagyon volt tisztában a festmény témájával, ez az esemény inspirálta a Második Köztársaság pavilonja számára készülő freskó kidolgozására, és május 1-jén hozzálátott egyik leghíresebb műve, a Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) megalkotásához, amelyet végül a nemzetközi kiállítás spanyol pavilonjában állítottak ki. Dora Maar lefényképezte a folyamatot és a festmény különböző fázisait, amelyet Picasso június elején fejezett be. A festmény a háború teljes borzalmát és a sok ártatlan áldozat halálának tragédiáját szimbolizálja.

Szintén háborúellenes, a Béke Világtanácsban való tagsága alkalmából festette meg 1949-ben a híres A béke galambját. 1955-ben Nemzetközi Békedíjjal tüntették ki.

1937 októbere és decembere között festette A síró nőt (Párizs, Musée Picasso). 1938-ban nagyméretű kollázst készített Les Femmes à leur toilette (Párizs, Musee National d’Art Moderne) címmel. 1938 júliusában Dora Maarral Mougins-ba ment. 1939 júliusában Dora Maarral együtt Man Rayhez ment Antibes-ba, ahol elkészítette a Pêche de nuit à Antibes című képét (Museum of Modern Art, New York). 1939 szeptemberétől 1940 elejéig Royanban festette a Séquence de femmes au chapeau című képét.

1941-ben szürrealista stílusú színdarabot írt, a Vágyat a farkánál fogva címűt, amelyet 1944 márciusában Michel Leiris otthonában felolvasóestet tartott, többek között barátai, Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris és Pierre Reverdy társaságában. A darabot végül 1967 júliusában mutatták be. Két másik irodalmi művet is írt: A négy kislány és Az Orgaz gróf temetése.

1942 és 1943 között elkészítette a Bikafej (Párizs, Musée Picasso), a La Aubade (Párizs, Musee National d’Art Moderne), a L’Homme au mouton (Párizs, Musée Picasso) című asszamblázsokat. 1943 májusában találkozott Françoise Gilot-val.

Elkötelezettség a kommunista párt iránt

A második világháború befejezése után festményei optimistábbak, vidámabbak lettek, ahogy egy 1946-os sorozatának címe is mutatja: Az életöröm, amit akkoriban érzett. Picasso az 1944 augusztusi párizsi felkelés idején Marie-Therese-zel élt együtt. Októberben belépett a Francia Kommunista Pártba, és ugyancsak októberben nyitotta meg az Automne-szalont és a Picasso-retrospektív tárlatot. A The Ossuary (New York, Museum of Modern Art) című képét 1945 áprilisában és májusában festette, annak emlékére, hogy 1944 decemberében megtalálta kivégzett barátja, a fiatal szürrealista költő, Robert Rius holttestét.

Júliusban Picasso Dora Maarral Cap d’Antibes-ba utazott, és november 26-án Françoise visszatért, hogy Picassóval éljen. A háború után Picasso baráti körét kommunista művészek és értelmiségiek alkották, ami bizonyos értelemben az 1946 és 1953 közötti munkásságának legalábbis egy részét jellemezte.

Vallauris időszak

1946-ban Picasso és Françoise Golfe-Juanba költözött, és meglátogatta Matisse-t Nizzában. Július elején Françoise-zal Ménerbes-be (Vaucluse) ment, abba a házba, amelyet Dora Maarnak adott. Naponta kapott leveleket Marie-Thérèse-től. Françoise boldogtalan volt, és három hét után elment, hogy barátaival Marseille-be stoppoljon; Picasso útközben találkozott vele, és arra kérte, hogy jöjjön vissza, és azt javasolta, hogy legyen gyerekük. Ellátogattak Vallaurisba, ahol Georges Ramié Madoura fazekasműhelyében három fazekasmintát készített. Augusztusban, amikor visszatértek Golfe-Juanba, Françoise terhes volt. Picasso a Grimaldi-palotában találkozott Romual Dor de la Souchère-rel, a Musée d’Antibes kurátorával, de ő inkább a múzeumot díszítette; szeptember és október között huszonkét táblát festett a palota, a későbbi Musée Picasso Antibes-ban, tengeri témájú és mitológiai kompozíciókkal. A faunokról és klasszikus alakokról készült tanulmányok a La joie de vivre (Pastorale) című triptichonban (Musée Picasso, Antibes) csúcsosodtak ki, amelynek címét barátjától, Matisse-tól kölcsönözte, és amely a Françoise-zal akkoriban megosztott boldogságot tükrözi. Októberben az első cannes-i filmfesztiválon találkozott Bretonnal, aki éppen akkor tért vissza az Egyesült Államokba való száműzetéséből. Breton, aki augusztusban, amikor a Golfe-Juanban találkoztak, nem volt hajlandó üdvözölni őt, ismét elutasította Picassót kommunista párttagsága miatt; soha többé nem látták egymást. Ez a gesztus volt az előzménye a szürrealisták és a kommunizmus közötti erőszakos szakításnak 1947-től kezdve.

1947-ben csendéleteken dolgozott Bagoly a széken címmel, valamint faunokat, kentaurokat és bacchánsokat ábrázoló metszeteken, az Antibes-i nyár témáját követve; január végén fejezte be az 1945 végén elkezdett, Franciaországnak szánt Spanyol halottak emlékműve című olajfestményét (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid). Februárban elkezdte a Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Húsz vers) című, negyvenegy metszetből és akvatintából álló sorozatot, amelyet 1949-ben adott ki Párizsban a Les Grands kiadó; március végén több litográfiát készített Lucas Cranach elder (1472-1553) Dávid és Bathseba című képéről; május 15-én Párizsban megszületett fia, Claude, akit Françoise Watteau tanára, Claude Gillot tiszteletére választott. A házaspár egyre kevesebb időt töltött a párizsi műteremben és egyre többet Golfe-Juanban, ahová június végén a gyermekkel együtt költöztek; augusztusban újra felkereste Georges Ramié kerámiaműhelyét Vallauris-ban, és intenzív termelésbe kezdett, 1947 októbere és 1948 októbere között mintegy kétezer darabot, olyan formai, technikai és kolorisztikai újításokat bevezetve, amelyek az első világháború óta hanyatlóban lévő városi kerámiaipar fellendüléséhez vezettek. A festészet és a metszet terén csak néhány művet készített az év végéig; a Góngora Vingt Poèmes de Góngora metszetein, néhány Françoise-portrén és csendéleten dolgozott tovább. Decemberben Pierre Blanchar rendezésében Szophoklész Oidipusz Rex című művének díszleteit készítette.

1948 tavaszán Picasso és Françoise elhagyták Golfe-Juan-i lakásukat, és májusban Picasso elkezdett dolgozni egy harmincnyolc metszetből és négy akvatintából álló sorozaton Prospero Mérimée Carmen című művének (Párizs, La Bibliothèque Française) illusztrálására, amelyet novemberben fejezett be. Nyáron egy La Galloise nevű kis házba költöztek, a Vallauris környéki dombok közé. Françoise nyílt művészi párbeszédet folytatott Matisse-szal, levelezés és a művésznél tett látogatások révén. Picasso befejezte a Les Quatre Petites Filles című hatfelvonásos versét, amelyet 1947 novemberében kezdett el írni. Augusztus 25-én Picasso elutazott az értelmiségiek békekongresszusára Wroclawba, majd szeptember közepén visszatért Vallaurisba. Októberben visszatért párizsi műtermébe, ahol Françoise ismét terhes volt. Elkezdett dolgozni a nő-virág témáján és több csendéleten. A La Cuisine (A konyha) két változatát festette meg, az egyiket a párizsi Musée Picassóban, a másikat a New York-i MoMA-ban, lineáris, ritmusokból és erős vonalakból építkező kompozíciókat, kevés színhasználattal. Decemberben több portrét festett fiáról, Claude-ról, és huszonhét modellt nyomtatott a Femme assise dans un fauteuil című sorozathoz, amelyben Françoise a Picasso által Lengyelországból hozott kabátot viseli, amely 1949 januárjában folytatódott. Folytatta a rákos állatokkal készült csendéleteket is: Nature morte au poron (Csendélet poronnal, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (Nagy vörös homár, magángyűjtemény).

1949 februárjában Louis Aragon elment Picasso párizsi műtermébe, hogy kiválasszon egy rajzot az ugyanezen év áprilisában Párizsban megrendezésre kerülő Pártosok a Békéért Világkongresszus plakátjához. A colombe, egy kék ceruzával papírra festett rajz volt az Aragon által választott motívum, és a kép hamarosan A béke galambja néven vált ismertté.

Márciusban elkezdte az ülő Françoise-t ábrázoló festménysorozatot Femme assise (Ülő nő) címmel. Tavasszal rövid időre visszatért Vallaurisba, és megvásárolt egy elhagyott esszenciagyárat, amelyet műteremként használt, és néhány helyiséget kerámiamunkái tárolására használt. Tárgyakat és szemetet is kezdett gyűjteni, amelyeket később különböző darabokban használt fel. Fokozta szobrászati munkásságát, amelyet az előző évben kezdett újra: a Femme enceinte (Terhes nő) egy hosszú fémrúdból formázott női alakot, amelyhez két karral felül és két lábbal alul, valamint egy duzzadt hasat és két kis mellet a közepén. Ismét készített egy sorozatot, amelyet idősebb Lucas Cranach festményei ihlettek: a Vénus et l’Amour (Jeune fille inspirée par Cranach) (Cranach által inspirált lány) című litográfiát, amely a Christie’s tulajdonában van, és a David et Bethsabée (Cranach) VII (David és Bathsheba (Cranach) VII) című litográfiát, amely a párizsi Musée Picassóban található. Picasso variációi Cranach Dávid és Betsabéra című képére egy 1937-es berlini kiállítás katalógusának fekete-fehér reprodukciójából származnak, amelyet Kahnweiler adott neki.

1949. április 19-én, a békekongresszus nyitónapján megszületett második lánya, akit Palomának nevezett el, a Párizs utcáin megjelenő plakátokra általa készített szimbólum után.A szülés után Françoise folytatta festői munkásságát, és Kahnweiler felajánlotta neki, hogy legyen a kizárólagos műkereskedője. Ősszel a család visszatért Vallaurisba, és Picasso, miután a kerámia iránti érdeklődését részben elvesztette, koncentráltabban tért vissza a festészethez és a szobrászathoz, és több bronzot készített, néhányat afrikai motívumokkal. A következő évben a szobrászat töltötte ki idejének nagy részét.

1950. augusztus 6-án Laurent Casanova megnyitotta a L’Homme au mouton című kiállítást Vallauris-ban. Picasso festette a Kecske, a Nő babakocsival és a Lány kötélen ugrik. 1951. január 15-én festette a Mészárlás Koreában című képet. 1952-ben a Háború és békét rajzolta a vallauris-i kápolna díszítésére, megírta második darabját: Les Quatre Petites Filles.

1954 áprilisában portrékat festett Sylvette Davidról. Decemberben megkezdte a Delacroix Az algíri nők című művére készült variációsorozatot. 1955 májusában összeköltözött Jacqueline Roque-kal a cannes-i La California villába. Júniusban a Musée des Arts Décoratifs-ban retrospektív kiállításra került sor. A nyár folyamán Henri-Georges Clouzot-val dolgozott a Picasso Mystère című filmen.

1956-ban elkészítette a Fürdőzők című faszobrokat (Stuttgart, Staatsgalerie), amelyeket később bronzból faragtak. Megfestette a Kaliforniai Műhelyt. 1957. augusztus 17-én kezdett el dolgozni a Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso) 58 darabból álló interpretáció sorozatán (Barcelona, Museo Picasso). 1958. március 29-én adta át az Unesco kitüntetését: Az Ikarosz bukása. Szeptemberben Picasso megvásárolta a Château de Vauvenargues-t, és megfestette a Cannes-i öblöt.

1961. március 2-án Vallauris-ban feleségül vette Jacqueline-t, majd júniusban Mougins-ba (Cannes közelében), Notre-Dame-de-Vie-be költözött. Festette: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. 1962 novemberében megfestette A szabin nők megerőszakolása című képét, amelynek egy változata a párizsi Musée National d’Art Moderne-ben található. A Grand Palais-ban és a Petit Palais-ban 1966. november 19-én került sor a retrospektív kiállítás megnyitójára.

1970 januárjában a barcelonai Picasso Múzeum a családja által őrzött művekből álló adományt kapott. Májustól októberig az avignoni Pápai Palotában kiállítást rendeztek munkáiból. 1971 áprilisában a Louise Leiris Galéria 194 rajzot állított ki, amelyek 1969. december 15. és 1971. január 12. között készültek. 1973 januárjában új kiállítás a Louise Leiris Galériában, amely 156, 1970 vége és 1972 márciusa között készült metszetet mutat be.

Halál

1973-ban, kilencvenegy éves korában tüdőödémában halt meg franciaországi otthonában, Mougins-ban. A helyi hatóságok azonban nem engedték, hogy a kastélyban temessék el, ezért felesége, Jacqueline úgy döntött, hogy a szintén Picasso tulajdonában lévő château de Vauvenargues-ban temeti el, ahol évekkel később őt is eltemették.

Egyéb érdekes linkek

Cikkforrások

1. Pablo Picasso
2. Pablo Picasso
3. Oficialmente el museo no fue inaugurado hasta 1916, pero lo cierto es que desde 1866 se fue promoviendo su creación, y desde entonces hasta el primer cuarto del siglo XX tuvo una vida muy inestable, careciendo además de sede fija.
4. Durante este tiempo, el imperio colonial francés fue expandiéndose por África, y los museos de París se llenaron de los artefactos que los franceses traían de vuelta de África.La prensa se hacía eco con exageradas historias de canibalismo y exóticos cuentos sobre el reino africano de Dahomey. También se hablaba del maltrato de los africanos en el Congo belga con el popular libro El corazón de las tinieblas (1899) de Joseph Conrad.Es natural, por lo tanto, que este clima de interés por África sirviese de inspiración para algunos de sus trabajos, interés quizás también provocado por Henri Matisse, quien le mostró una máscara de la región africana de Dan. Los estudiosos sostienen que Matisse compró esta pieza en la tienda de artefactos no-occidentales de Emile Heymenn en París.
5. Le Moulin de la Galette (Memento vom 12. Juli 2014 im Internet Archive), 1900, 88,2 × 115 cm, Öl auf Leinwand, Solomon R. Guggenheim Museum, New York
6. ^ a b Picasso’s full name includes various saints and relatives. According to his birth certificate, issued on 28 October 1881, he was born Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.[2] According to the record of his baptism, he was named Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Cipriano (other sources: Crispiniano) de la Santísima Trinidad María de los Remedios Alarcón y Herrera Ruiz Picasso.[3][2][4] He was named Juan Nepomuceno after his godfather, a lawyer, friend of the family, called Juan Nepomuceno Blasco y Barroso.[2] He was named Crispín Cipriano after the twin saints celebrated on 25 October, his birth date.[3] Nepomuceno’s wife and Picasso’s godmother, María de los Remedios Alarcón y Herrera, was also honored in Picasso’s baptismal name.[2]
7. ^ His name is pronounced UK: /ˈpæbloʊ pɪˈkæsoʊ/, US: /ˈpɑːbloʊ pɪˈkɑːsoʊ, -ˈkæs-/,[5][6][7] or Spanish: [ˈpaβlo piˈkaso].
8. ^ Though baptized a Catholic, Picasso would later become an atheist.[15]
9. « https://www.siv.archives-nationales.culture.gouv.fr/siv/POG/FRAN_POG_05/p-lrts2g78–82a7f7ite93y »
10. Cité dans le Projet en ligne Picasso, qui se réfère à Robinson, 1999, p. 10, et Habarta, 2000, p. 77.