Georges Braque

Alex Rover | 14 elokuun, 2022

Yhteenveto

Georges Braque, syntynyt 13. toukokuuta 1882 Argenteuilissa (Seine-et-Oise, nykyinen Val-d”Oise) ja kuollut 31. elokuuta 1963 Pariisissa, oli ranskalainen taidemaalari, kuvanveistäjä ja taidegraafikko.

Aluksi hän oli mukana fauvien vanavedessä Henri Matissen, André Derainin ja Othon Frieszin vaikutuksesta ja päätyi kesällä 1907 Estaquen maisemiin, joissa on kuution muotoisia taloja, joita Matisse kuvasi ”kubistisiksi”, erityisesti maalauksessa Houses at Estaque. Tämän yksinkertaistamisen oletetaan olevan kubismin tunnusmerkki, jonka alkuperä on Olivier Cénan mukaan edelleen kiistanalainen.

Tutkimalla järjestelmällisesti Paul Cézannen ääriviivoja vuodesta 1906 lähtien Braque päätyi vähitellen sävellyksiin, joissa käytettiin viivojen pieniä katkoksia, kuten Nature morte aux pichets -teoksessa. Vuoden 1908 jälkeen hän siirtyi sarjan alastonkuvien, kuten Seisova alaston ja Suuri alaston, myötä kohti klassisen näkemyksen murtamista, volyymien räjähdysmäistä kasvua, jota kutsutaan yleisesti kubistiseksi kaudeksi ja joka kesti vuodesta 1911 vuoteen 1914. Sitten hän käytti geometrisia muotoja lähinnä asetelmissa, otti maalauksissaan käyttöön sabluunoituja kirjaimia ja keksi liimapaperit. Kubismin todellisena ”ajattelijana” hän kehitti perspektiivin ja värin lakeja. Hän keksi vuonna 1912 myös paperiveistoksia, jotka kaikki ovat kadonneet ja joista on säilynyt vain valokuva vastareliefistä.

Suuren sodan aikana, jossa hän haavoittui vakavasti, maalari hylkäsi geometriset muodot ja otti käyttöön asetelmia, joissa esineet oli sommiteltu uudelleen tasoihin. Seuraavalla kaudella, joka kesti 1930-luvulle saakka, hän teki maisemia ja ihmishahmoja, ja aiheiden moninaisuudesta huolimatta hänen työnsä on ”huomattavan yhtenäistä”. Braque, sekä klassisen perinteen edeltäjä että säilyttäjä, on ranskalainen taidemaalari par excellence. Vuonna 1948 julkaistussa Cahier de Georges Braque, 1917-1947 -teoksessa tiivistetään hänen kantansa.

Toinen maailmansota inspiroi hänen vakavimpia teoksiaan: Le Chaudron ja La Table de cuisine. Rauhan paluu ja sairauden loppuminen innoittivat häntä luomaan syvällisempiä teoksia, kuten Ateljeet, joiden parissa hän työskenteli usein useita vuosia ja teki kuusi luonnosta kerrallaan, kuten Jean Paulhan todistaa. Hänen tunnetuimmat maalauksensa ovat myös runollisimpia: Linnut-sarja, joista kaksi on koristanut Louvren Henri II -huoneen kattoa vuodesta 1953. Hän loi myös veistoksia, lasimaalauksia ja korumalleja, mutta vuodesta 1959 lähtien hän sairasti syöpää ja hidasti työskentelyään. Hänen viimeinen suuri maalauksensa on La Sarcleuse.

Kaksi vuotta ennen hänen kuolemaansa, vuonna 1961, Louvre-museossa järjestettiin hänen töitään esittelevä retrospektiivinen L”Atelier de Braque -näyttely, jossa Braque oli ensimmäinen maalari, joka oli esillä Louvressa hänen elinaikanaan.

Braque oli hienotunteinen mies, joka ei juurikaan harrastanut suhdetoimintaa julkisuuteen. Hän oli intellektuelli, joka oli innostunut musiikista ja runoudesta, ja hän oli Erik Satien, René Charin ja Alberto Giacomettin ystävä. Hän kuoli 31. elokuuta 1963 Pariisissa. Hänen kunniakseen järjestettiin kansalliset hautajaiset, joissa André Malraux piti puheen.

Lue myös, elamakerrat – Prince

Varhaisvuodet

Georges Braque kasvoi käsityöläisperheessä. Hän oli Augustine Johannet”n (1859-1942) ja Charles Braquen (1855-1911) poika. Hän oli taidemaalari-koristelija ja rakennusurakoitsija ”Charles Braque et Cie”, myös ”sunnuntaimaalari” ja Théodule Ribot”n entinen oppilas. Hän maalasi usein impressionistien innoittamia maisemia ja piti säännöllisesti näyttelyitä Le Havressa, jonne perhe oli asettunut vuonna 1890. Henriette (1878-1950) oli Georges Braquen isosisko. Vuonna 1893 poika meni lukioon. Hän ei kuitenkaan ollut kiinnostunut opiskelusta, vaan häntä kiehtoi satamaelämä, ja hän piirsi Gil-Blasin jälkeen Steinleinin ja Toulouse-Lautrecin karikatyyrejä. Hän kirjoittautui kuitenkin Courchet”n luokalle École supérieure d”art du Havren taidekouluun, jota ohjasi Charles Lhuillierin oppilas Alphonse Lamotte. Kunnallisen koulun tavoitteena oli kouluttaa ”käsityöläisiä” ja ”linjataitoisia työntekijöitä”, jotka muuten olisivat ”vain työläisiä”. Samaan aikaan hän otti huilutunteja Gaston Dufyn, Raoul Dufyn veljen, kanssa. Heinäkuussa 1899 hän sai taidekoulun toisen luokan toisen palkinnon.

Lue myös, elamakerrat – Sadi Carnot

Oppiminen

Vuonna 1899 hän jätti lukion tekemättä ylioppilastutkintoa ja siirtyi oppisopimuskoulutukseen isälleen ja sen jälkeen heidän ystävälleen Roneylle, joka oli taidemaalari-koristelija. Seuraavana vuonna hän lähti Pariisiin jatkamaan oppisopimuskoulutustaan isänsä entisen kumppanin Laberthe-maalarin ja sisustajan luona, jossa hän harjoitteli värien hiontaa, bois- ja marmorijäljitelmiä. Samaan aikaan hän osallistui Batignollesin kunnan kurssille Eugène Quignolot”n luokassa. Hän asuu Montmartressa, rue des Trois-Frèresillä. Hän suoritti taidemaalarin ja sisustajan tutkinnon. Vuonna 1901 hän suoritti asepalveluksensa Le Havren 129. jalkaväkirykmentissä. Palattuaan hän päätti vanhempiensa suostumuksella omistautua kokonaan maalaustaiteelle.

Lue myös, elamakerrat – Vladimir Tatlin

Pariisin ja Le Havren välillä

Hän palaa Pariisiin vuonna 1902, asettuu lokakuussa Montmartreen, rue Lepicille, ja siirtyy Académie Humbertiin boulevard de Rochechouart”lla. Siellä hän tapasi Marie Laurencinin ja Francis Picabian. Mariesta tulee hänen uskottunsa, hänen seuralaisensa Montmartressa, he piirtävät toisiaan, käyvät kaupungilla, jakavat vitsejään, salaisuuksiaan ja ”laiskoja päiviään”. Mutta Marie on kiusaaja, jota ei ole helppo vietellä. Ujolla Braquella on hänen kanssaan vain siveä suhde. Tarvitaan Paulette Philippen koko lemmentekniikka, jotta ujo mies, jonka ympärillä monet naiset pyörivät, saadaan rentoutumaan. Henri-Pierre Roché tapaa heidät yhdessä Quat”z”Artsin tanssiaisissa, kun Braque on naamioitunut roomalaiseksi. Tämä ”ylellisyyttä ja nautintoa” sisältävä elämä vahvisti nuoren miehen päätöstä irrottautua. Hän tuhosi kaikki Honfleurissa kesällä 1904 tekemänsä työt, hylkäsi Humbertin ja otti yhteyttä Léon Bonnat”n kanssa toukokuussa 1905 Pariisin Ecole des Beaux-Artsissa, jossa hän tapasi Othon Frieszin ja Raoul Dufyn.

Samana vuonna hän tutustuu impressionisteihin Musée du Luxembourgissa, jonka kokoelma koostuu pääasiassa Gustave Caillebotten perinnöstä, ja hän vierailee myös Durand-Ruelin ja Vollardin gallerioissa. Hän muutti vuokrattuun työhuoneeseen rue d”Orselille Montmartren teatteria vastapäätä, jossa hän kävi katsomassa monia aikalaisnäytelmiä ja omaksui fauvismin. Hänen päätöksensä johtui epäilemättä hänen ystävyydestään Le Havresta kotoisin olevan Othon Frieszin kanssa; nuoret taiteilijat lähtivät yhdessä Antwerpeniin vuonna 1906 ja seuraavana vuonna Etelä-Ranskaan.

Myöhemmin Georges Braque esitteli Marie Laurencinille Bateau-Lavoirin ja rohkaisi häntä ja Matissea jatkamaan maalarin uraa. Hän uskoi tytön lahjakkuuteen.

Braque piti säännöllisesti näyttelyitä Le Havressa Société des amis des Arts -yhdistyksessä vuosina 1902 ja 1905 (yhdessä isänsä kanssa), ja samana vuonna hänen ensimmäinen huomattava näyttelynsä järjestettiin Galerie Beuzeboscissa. Hän piti vuosittain näyttelyitä vuosina 1906-1909 Cercle de l”art modern du Havre -taidekerhossa, jonka perustajajäsen hän oli, sekä Comité Peintures -taidekerhossa, johon kuuluivat muun muassa hänen isänsä, Raoul Dufy ja Othon Friez. Hänen isänsä kuoli vuonna 1911, ja hänet haudattiin Argenteuilin hautausmaalle.

Lue myös, elamakerrat – Ptolemaios II

Fauvismista kubismiin

Kesällä 1905 Braque oli jälleen Honfleurissa, sitten Le Havressa kuvanveistäjä Manolon ja taidekriitikko Maurice Raynalin seurassa, ja Raoul Dufyn ja Othon Frieszin rohkaisemana käyttämään puhtaita värejä. Hän osallistui vuoden 1905 Salon d”Automne -näyttelyyn yhdessä Matissen, Derainin ja fauvisteiksi kutsuttujen Le Havren ystäviensä kanssa. Lähes kahden vuoden ajan Braque käsitteli fauve-järjestelmää Cézannen töiden lukemisen pohjalta. Tyypillisin esimerkki Braquen fauvismista on Petite Baie de La Ciotat, 1907, öljy kankaalle (60,3 × 72,7 cm), Musée National d”Art Moderne, jota taidemaalari piti niin tärkeänä, että osti sen takaisin vuonna 1959.

Vuodesta 1907 lähtien Georges Braque oleskeli Etelä-Ranskassa Othon Frieszin luona, ja pohdittuaan pitkään Paul Cézannen linja- ja värikäytäntöä hän teki suuren määrän maalauksia, jotka liittyvät l”Estaquen maisemiin ja joista lähes kaikista on useita versioita: Le Viaduc de l”Estaque (1907), Le Viaduc de l”Estaque (1908), Route de l”Estaque (1908), Terrasse à l”Estaque (1908), La Baie de l”Estaque (1908), Les Toits d”usine à l”Estaque (1908), Chemin à l”Estaque (1908), Paysage à l”Estaque (1908)

Maisons à l”Estaque on julkaistu 34 julkaisussa ja esitetty 22 näyttelyssä vuosina 1908-1981.

Koska maalausta ei hyväksytty vuoden 1908 Salon d”Automne -tapahtumassa, taidekauppias Daniel-Henry Kahnweiler, joka oli hyvin järkyttynyt tästä reaktiosta, tarjosi Georges Braquelle galleriaansa tämän teoksen sekä kaikkien maalarin viimeaikaisten teosten esittelyä varten. Kahnweiler oli juuri avannut pienen gallerian Pariisissa rue Vignon 28:ssa ja antoi kuvaston esipuheen Guillaume Apollinairen tehtäväksi, joka aloitti dityrambin: ”Tämä on Georges Braque. Hän elää ihailtavaa elämää. Hän pyrkii intohimoisesti kohti kauneutta ja saavuttaa sen ilmeisesti vaivattomasti.

Samana vuonna Braque vieraili Pablo Picasson ateljeessa, jossa hän löysi kaksi maalausta: Les Demoiselles d”Avignon ja Trois femmes, joka ei ollut vielä valmis. Näiden kankaiden rakentava rytmi on peräisin Cézannelta, mutta enemmän pilkottuna ja vääristyneenä. Aluksi ne herättivät hämmästystä Braquessa, joka oli jo aloittanut saman prosessin alastonkuvillaan. Hän ei kuitenkaan saanut inspiraatiota vuonna 1907 alkaneeseen ja vuonna 1908 valmistuneeseen Le Grand Nu -teokseensa näistä kankaista.

”Demoiselles d”Avignonin tai Grand nu à la draperie -teosten kumouksellista voimaa ei pidä väheksyä, eikä niiden maalaustaiteen historiaan merkitsemää repeämää pidä aliarvioida, jos kirjoitetaan, että ne eivät muuttaneet radikaalisti Georges Braquen tutkimusta.

Picasson rohkeus yllätti hänet, ja Braque oli aluksi vastahakoinen, mutta tässä tapauksessa ehdollisuus on välttämätöntä.

Braquen reaktiosta on ainakin kolme versiota, jotka ovat joko Kahnweilerin, joka ei ollut paikalla, André Salmonin, joka ei myöskään ollut paikalla, tai Fernande Olivierin, jonka lausunnot ovat kyseenalaisia, koska hän uhkasi Picassoa kiusallisilla paljastuksilla tuosta ajasta Souvenirs intime -kirjassaan. Madame Braquen esirukouksen ja Picasson maksaman miljoonan frangin ansiosta Fernande luopui kiristyksestä. Itse asiassa Braque oli jo toisella tiellä, hän oli aloittanut muunnelmia Estaquen maisemista. Hänen teostensa merkitys ei kuitenkaan paljastuisi aikoihin: tärkeimmät teokset säilytettiin yksityiskokoelmissa suurimman osan 1900-luvusta, mikä ei auttanut Braquen asemaa esilletuomista koskevissa keskusteluissa.”

Kun hän tarkasteli niitä nähtyään ne, nämä maalaukset vahvistivat ne tutkimussuunnat, jotka hän oli jo tehnyt Viaduc à l”Estaquen tai Le Grand Nu”n yhteydessä. Tästä alkoi ”Braquen ja Picasson suhde”, jossa taiteilijat tutkivat ja kohtasivat toisiaan jatkuvasti. Braque opetti Picasson lukemaan motiivia heti heidän ensimmäisestä tapaamisestaan lähtien. Pierre Daix”n mukaan: ”Picasson ja Braquen kohtaaminen tuo esiin sen, että motiivi ei ole enää maalaus. Juuri sävellys paljastaa kontrastisten rytmiensä kautta, mikä motiivissa oli rakenteellista – jos sitä osataan lukea -.

Vuonna 1907 Braque oli jo aloittanut oman vallankumouksensa teoksella Standing Nude (joka sekoitetaan joskus teokseen The Large Nude). Seisova alaston on vähän tunnettu, eikä sitä ole usein esillä, ja se kuuluu yksityiskokoelmaan. Kyseessä on pienikokoinen (31 × 20 cm) tussi paperille, jossa taidemaalari oli jo kokeillut vartalon rakentamista geometrisiin muotoihin, joita hän kehitti myöhemmin useissa etsauksissa, joissa seisova alaston naisvartalo on useissa eri asennoissa (kädet vartalon varrella, selän takana, pää pystyasennossa, taivutettuna). Le Grand Nu- ja Nu debout -teoksissa sekä muissa naisvartalon representaatioissa: La Femme (1907) on piirros, jonka Braque antoi yhdysvaltalaiselle taidekriitikolle Gelett Burgessille kuvitukseksi artikkelistaan The Wild Men in Paris, ja siinä vartalo näyttää olevan hajotettu ja sitten koottu uudelleen kolmesta näkökulmasta. Kuva Braquesta ja piirroksesta La Femme ilmestyi Burgessin artikkelin sivulla 2 The Architectural Record -lehdessä toukokuussa 1910.

Muodot on mallinnettu rakenteen ja rytmin mukaisesti, jotka ovat kubismin kaksi peruskäsitettä. Hänen inspiraationsa on vaistomaista, ja hänen maalauksellinen polkunsa kulkee Paul Cézannen jalanjäljissä. Braque sai vaikutteita myös neekerimaskien hahmoista, joita hänellä oli useita. ”Neekerimaskit avasivat minulle uusia näköaloja. Niiden avulla pääsin kosketuksiin vaistonvaraisen kanssa”. Tuohon aikaan ”neekeritaiteen löytämisestä” puhuivat monet taiteilijat, kuten Maurice de Vlaminck ja André Derain. Braque ei vaatinut mitään ennakkotapausta. Hän yksinkertaisesti osti vuonna 1904 merimieheltä Tsogo-naamioita ja jatkoi Fang-naamioiden lisäämistä kokoelmiinsa.

Le Grand Nu oli Louis Aragonin omistuksessa ja sen jälkeen keräilijä Marie Cuttolin hallussa ennen kuin se päätyi Alex Maguyn kokoelmaan. Vuonna 2002 teos siirtyi julkisiin kokoelmiin ”perintöveron maksun” kautta, ja sitä säilytetään nykyään Musée national d”art moderne -museossa.

Lue myös, historia-fi – Hindenburg-linja

Kubistinen kausi

Sanan ”kubisti” alkuperästä ja liikkeen ”isistä” on useita versioita. Monet taidekriitikot kutsuvat erityisesti Braquea ja Picassoa ”kubismin perustajiksi”. Toiset yhdistävät sanan Fernand Légeriin ja Juan Grisiin, ja Gil Blas -sanomalehden taidekriitikon Louis Vauxcellesin katsotaan keksineen sanan, kun hän kuvailee Braquen Maisons à l”Estaque -teoksia ”pieniksi kuutioiksi”. Tätä maalausta pidettiin tuolloin ”kubismin syntymätodistuksena”. Toiset taas tarjoavat toisenlaisen version. Bernard Zurcherin mukaan Henri Matisse kuvaili Estaquen taloja ”kubistisiksi”, mutta hylkäsi nämä geometriset kohteet ja kuviot syksyn 1908 Salonissa.

”Tämä hirvittävä yksinkertaistaminen, joka toi kubismin kastemaljaan, on suurelta osin vastuussa todellisesta liikkeestä, josta Braque tai Picasso eivät halunneet ottaa vastuuta. Liike, jonka teoreetikot (Albert Gleizes ja Jean Metzinger) tuskin menisivät Vauxcellesin leimaamia ”kuutiomaisia” outouksia pidemmälle.”

Todellisuudessa nämä ”kuutiot” olivat Braquelle ja Picassolle vain väliaikainen vastaus ongelmaan, jonka aiheutti sellaisen kuvallisen tilan rakentaminen, jonka oli poikettava renessanssista lähtien vakiintuneesta perspektiivin käsitteestä. Braque-Picasso-köysirata oli näiden kahden taiteilijan tutkimustyöpaja, jossa intohimoiset miehet tekivät samanaikaisesti töitä, joihin Derain ja Dufy liittyivät. Se oli jännittävä seikkailu, joka loi perustan nykytaiteelle.

Myöhemmin espanjalainen taidemaalari kuitenkin väitti Kahnweilerin edessä itselleen papier collés -keksintöjä, jotka hän sanoi tehneensä Céret”ssä, ja lopulta hän katsoi kubismin keksinnöksi itsensä ja syytti Braquea siitä, että tämä oli jäljitellyt häntä heidän kubistisen kautensa aikana, mikä aiheutti valtavan väärinkäsityksen Braquen työn merkityksestä. Olivier Cenan mukaan: ”Neljäkymmentä vuotta myöhemmin Picasso ei halunnut jättää mitään Braquelle, ei analyyttistä eikä synteettistä kubismia…”.

Väärät tulkinnat saivat sittemmin alkunsa useista henkilöistä, erityisesti Gertrude Steinista, jonka väitteet Eugène Jolas kiistää lainaamalla Matissea: ”Minun muistini mukaan Braque teki ensimmäisen kubistisen maalauksen. Hän oli tuonut etelästä mukanaan välimerellisen maiseman. Se on todella ensimmäinen maalaus, joka muodostaa kubismin alkulähteen, ja pidimme sitä jotakin radikaalisti uutta.

William Rubin katsoo, että Braquen kubismi on edeltänyt Estaquen taloja. Hän viittaa Still Life with Jugs and Pipe -teokseen, jonka sijainti ja mitat eivät ole tiedossa, ensimmäisenä kubistisena teoksena maalarilta, joka on valinnut esineitä, joilla on kaareva kuori, ja sommitelma on asetettu diagonaalisesti ja keskitetty kahden vinon akselin kohtaamiseen.

Vuodesta 1909 alkaen Braque toi La Roche-Guyonissa ja Carrières-sur-Seinessä viettämiltään vuosilta mukanaan useita maisemia, jotka ovat kubistisia muunnelmia Cézannesta: Le Château de La Roche-Guyon (73 × 60 cm), Lille Métropole (Lille Métropole), Le Vieux Château de la Roche-Guyon (65 × 54 cm), Puškinin taidemuseo Moskovassa, Paysage des carrières Saint-Denis (41 × 33 cm), Musée national d”art moderne (Modernin taiteen kansallismuseo), Pariisi.

Tämän jälkeen Braque siirtyi ”analyyttisen kubismin” kauteen. Taiteilijan töissä vallitsevat maisemat väistyivät vähitellen asetelmien tieltä. Nämä maisemat olivat vain valmisteluvaihe hedelmällisemmälle kaudelle, jolloin syntyivät teokset Broc ja viulu, 1909-1910, öljy kankaalle (117 × 75 cm), Kunstmuseum, Basel, Viulu ja paletti (92 × 43 cm) sekä Piano ja mandora (92 × 43 cm), Solomon R. Guggenheim Museum. Maalari ei enää pyri kopioimaan luontoa. Dynaamisten artikulaatioiden peräkkäisyydellä, näkökulmia moninkertaistamalla, hänen maalauksensa rikastuu odottamattomilla yhdistelmillä, kasvojen moninkertaistumisella. Tämän jälkeen muodot geometrisoidaan ja yksinkertaistetaan.

”Jos ajatellaan, että kubismin taistelu käytiin viime kädessä asetelman teemasta, Braque oli parhaiten valmistautunut tai pikemminkin hän pystyi, lujittamalla jokaista kehitysvaihettaan, etenemään varmemmin siihen ”merkkiin, joka riittää”, kuten Matisse sitä kutsui.”

Vuonna 1911 taidemaalari tapasi Marcelle Laprén, josta tuli hänen vaimonsa vuonna 1926. Hän lähti Céretiin, jossa hän asui Picasson kanssa koko vuoden.

Siitä lähtien Braque keksi uuden sanaston ja otti maalauksiinsa käyttöön stensiilikirjaimia, painokirjaimia: The Portuguese (The Emigrant) (117 × 81 cm), Kunstmuseum, Basel, Still Life with Banderillas (65,4 × 54,9 cm), Metropolitan Museum of Art. Taidekriitikko Dora Vallierin haastattelussa hän selitti: ”Nämä olivat muotoja, joissa ei ollut mitään vääristeltävää, koska kirjaimet olivat litteinä alueina tilan ulkopuolella, ja niiden läsnäolo maalauksessa mahdollisti sen, että tilassa olevat esineet voitiin erottaa tilan ulkopuolella olevista esineistä.” Braque aloitti myös vapaalla kädellä tehdyt merkinnät, jotka on sijoitettu rinnakkain muistuttamaan julisteen merkkejä. Portugalilainen (L”Emigrant) -teoksen oikeassa yläkulmassa lukee sana BAL, joka palasi seuraavana vuonna teoksessa Still Life with a Violin BAL (Kunstmuseum Basel).

Céretissä hän ei hylännyt maisemia. Hän valmisti teokset Céret”n katot (82 × 59 cm), yksityiskokoelma, ja Céret”n ikkuna, jotka ovat analyyttisen kubismin menetelmän mukaisia tyyliteltyjä kankaita, joilla ei ole mitään yhteyttä edellisvuosien maisemiin.

Seuraavana vuonna Sorguesissa hän liittyy Picasson seuraan ja vuokraa huvilan Bel-Airissa. Braquen papier collés ilmestyy: Compotier et verre (50 × 65 cm), yksityiskokoelma. Se oli suuri löytö, jonka monet maalarit, kuten Juan Gris, Henri Laurens, Fernand Léger ja Albert Gleizes, tekivät jäljennöksen. Paperit ovat sommitelmia, joita ei pidä sekoittaa Braquen myöhemmin tekemiin kollaaseihin.

Sorguesissa Braque myös viimeisteli paperiveistostekniikkansa, jonka hän oli keksinyt Céret”ssä vuonna 1911, Christian Zervosin Cahiers d”art -lehdessä julkaistun artikkelin mukaan. Löydämme jälkiä näistä veistoksista Kahnweilerille elokuussa 1912 lähetetyssä kirjeessä, jossa taiteilija kertoo käyttäneensä maassa oleskeluaan hyväkseen tehdäkseen sitä, mitä ei voinut tehdä Pariisissa, muun muassa paperiveistoksia, ”jotka antavat hänelle suurta tyydytystä”. Valitettavasti näistä hetkellisistä rakennelmista ei ole säilynyt mitään, lukuun ottamatta Laurensin arkistosta löytynyttä valokuvaa vuodelta 1914 peräisin olevasta vastareliefistä, jota vuoden 1912 paperiveistokset eivät todennäköisesti muistuttaneet. Bernard Zurcherin mukaan ne ovat lähempänä saman vuoden (1912) asetelmia, joissa noudatetaan Wobe-maskille ominaista reliefin kääntämisen periaatetta.

Jean Paulhanille, ”joka vietti puolet elämästään yrittäessään selittää Braquen työn luonnetta”, Braquen papier collés -teokset ovat ”Machines à voir”. Hänen mukaansa kubismissa on kyse siitä, että ”klassisen taiteen yhtenäinen tila korvataan raa”alla tilalla”. Tämä korvaaminen tehdään koneella, joka Jean Paulhanin mukaan vastaa Filippo Brunelleschin perspektiivikonetta ja Albrecht Dürerin rasterilasia. Dürerin ruudukkolasi, joka tunnetaan myös nimellä ”mise au carreau”, on piirtäjän keino suurentaa tai pienentää piirustusta ilman perspektiiviä. Braque käytti usein tätä neliöintiä. Esimerkkinä tästä on Mariette Lachaud”n ottama kuva studiosta, jossa hän työskenteli L”Oiseau et son nid -teoksen parissa vuonna 1955. Kuvan yläosassa on vielä näkyvissä laatoituksen jälkiä, jotka on irrotettu pääaiheesta.

Braque jäi Sorgueen marraskuuhun 1912 asti, ja Picasso palasi Pariisiin, jossa hän alkoi toteuttaa omia papiers collés -teoksiaan. Hän kirjoitti Braquelle: ”Rakas ystäväni Braque, käytän uusimpia paperi- ja pusiereux-menetelmiänne. Kuvittelen kitaraa ja käytän hieman paperia kauheaa kankaamme vasten. Olen erittäin iloinen, että olet tyytyväinen Bel Airin huvilaasi ja että olet tyytyväinen työhösi. Minä, kuten näette, olen alkanut tehdä hieman töitä. Braque eteni kuitenkin liimapaperin etsinnässä ja ajautui kohti paperia, joka muistutti väärennettyä puuta, ja hän jäljitteli myös marmoria. Reliefin käänteiset muodot lisääntyivät ja vuoden 1913 loppupuolella ilmestyi optisia merkkejä, jotka leikittelivät geometrisen kuvion tai koristeellisen motiivin toistolla. Seuraavana vuonna Braque lisäsi uusia objektiivisia merkkejä: kitaran jousia, viulun jousia, pelikortteja ja pelikortiksi muutetun sanomalehden palan.

Paperikauden loppupuolella ilmestyi aaltopahvi. Taidemaalari otti sommittelussaan käyttöön reliefin käsitteen, joka menestyi hyvin vuodesta 1917 lähtien sekä hänen että hänen parhaan ystävänsä, kuvanveistäjä Henri Laurensin kollaaseissa. Papier collage -kauden (1913-1914) tärkeisiin teoksiin kuuluu Le Petit Éclaireur (92 × 63 cm), hiiltä, sanomalehtipaperia, väärennettyä puupaperia ja mustaa paperia kankaalle liimattuna, Musée de Lille métropole, Pöydällä oleva asetelma (Gillette), jossa on jäljennös Gillette-partahöylän terästä (48 × 62 cm), Centre Pompidou, Pariisi, Viulu ja piippu LE QUOTIDIEN (74 × 100 cm), hiiltä, puupaperia, tapettipunosta, mustaa paperia, sanomalehtipaperia, joka on liimattu paperille, liimattu kartongille, Centre Pompidou, Pariisi.

Tämä oli myös soittimien aikaa. Viulu (72 × 31 cm), hiiltä, liimapaperia, tekopuuta, seinämaalausta ja sanomalehteä paperille, Clevelandin taidemuseo, Viulu (35 × 37 cm), öljyä, hiiltä, lyijykynää ja liimapaperia kankaalle, Philadelphian taidemuseo, Viulu ja sanomalehti FÊTE (90 × 60 cm), Philadelphian museo.

Braque ei koskaan lakannut keksimästä. Jo vuonna 1912, kun hän asui Marcelle Laprén kanssa osoitteessa 5, impasse Guelma, hän sekoitti sahanpurua ja hiekkaa maaleihinsa antaakseen kohokuvioita kankailleen. Vuonna 1913 hän muutti studionsa rue Caulaincourtille, kun hänen teoksiaan esiteltiin New Yorkissa Armory Show”ssa. Samana vuonna taiteilijoiden välit kuitenkin huonontuivat, eivätkä he enää tunteneet tarvetta tavata. Kuilu oli kasvanut, ”cordée” oli hajoamassa. Keväällä 1914 Braque esiteltiin Saksassa kahdessa yksityisnäyttelyssä: Berliinissä Feldmannin galleriassa ja Dresdenissä Emil Richterin galleriassa. Itävallan herttuan salamurhan aikaan Braque vietti kesän Sorguesissa vaimonsa kanssa. Hänet mobilisoitiin ja hän lähti Derainin kanssa 2. elokuuta 1914 junalla Avignoniin, jossa heitä seurasi ”köysiseuralainen”, jonka oli määrä monistaa kirjailijan sanat, jotka elämäkertojen mukaan raportoidaan eri tavoin.

Lue myös, historia-fi – Venäjän–Persian sota (1722–1723)

Vuoden 1914 sota ja sen seuraukset

Braquen mobilisointi rintamalle vuonna 1914 keskeytti äkillisesti taidemaalarin uran. Hänet sijoitettiin 224. jalkaväkirykmenttiin kersantiksi ja lähetettiin Sommeen Maricourt”iin, jossa Braquen rykmentti (nykyisin luutnantti Braque) pysyi kolme kuukautta ennen kuin hänet siirrettiin Artois”n alueelle Arras”n pohjoispuolelle valmistelemaan laajamittaista hyökkäystä Vimyn harjanteen suojana olevia kyliä vastaan.

Braque haavoittui vakavasti 11. toukokuuta 1915 Neuville-Saint-Vaastissa, ja hänet jätettiin kuolleena taistelukentälle. Hänet vapauttivat paarinkantajat, jotka olivat törmänneet hänen ruumiinsa päälle seuraavana päivänä joukkohaudassa, jossa 17 000 miestä oli murskattu. Taidemaalari oli sairas ja tuli tajuihinsa vasta kahden päivän koomassaolon jälkeen. Hän sai kaksi kertaa Croix de Guerren kunniamerkin. Hänen toipumisensa kunniaksi Pariisissa järjestetyn juhlaillallisen jälkeen hän lähti toipumaan Sorguesiin.

Georges Braque kirjoittaa runoilija Pierre Reverdyn kanssa teoksensa Pensées et réflexions sur la peinture (Ajatuksia ja pohdintoja maalaustaiteesta), joka julkaistaan Nord-Sud-lehdessä. Hän oli tuolloin läheinen Juan Grisin kanssa, joka välitti hänelle hänen mieltymyksensä hienostuneisiin tekstuureihin ja geometrisiin muotoihin pelkistettyihin tasoihin. Grisin kanssa hän alkoi maalata uudelleen ”sokeana syntyneenä maalarina – tämä uudestisyntynyt sokea mies”, Jean Paulhanin sanoin, erityisesti Guitar and Glass (60,1 × 91,5 cm), Kröller-Müller Museum Otterlo.

Tänä aikana Braque ei ollut kaukana ajatuksesta, että Picasso ”petti” kubismin ja heidän nuoruutensa. Mutta hienotunteinen taidemaalari jatkoi tutkimustyötään. Hänestä tuli ”todentaja”. Hän tarkensi löytöjään ja kehitti uuden sanaston maalaustaidettaan varten. Tästä tuli ”synteettinen kubismi”, jonka ensimmäiset teokset, jotka alkoivat vuonna 1913 teoksella Compotier et cartes, öljy kankaalle (81 × 60 cm), Centre Pompidou, Pariisi, ja jatkuivat vuonna 1917 teoksilla La Joueuse de mandoline (92 × 65 cm), öljy kankaalle, Musée de Lille Métropole, ja La Musicienne, öljy kankaalle (221,4 × 112,8 cm), Kunstmuseum, Basel.

Noin vuonna 1919, kun kubismi oli voittokulussa, kun Gleizes, Metzinger ja Maurice Raynal olivat löytämässä sille syitä, lakeja ja rajoja, Georges Braque julisti: ”Olin jo kauan sitten lähtenyt. Minä en olisi se, joka tekisi Braquen mittojen mukaan”.

Muutamaa vuotta myöhemmin Jean Paulhan rinnasti kirjassaan Braque le patron (Braque ja suojelija) kubistien taiteen ja sodan naamiointitaiteen. ”Sodan naamiointi oli kubistien työtä: jos niin haluat, se oli myös heidän kostonsa. Maalaukset, joita yleinen mielipide olisi jääräpäisesti moittinut siitä, että ne eivät näytä miltään, olivat vaaran hetkellä ainoat, jotka saattoivat näyttää kaikelta. He tunnistivat itsensä Braquen asetelmissa, eikä lentäjä, joka epäili Ardennien metsää tai Beaucea, enää epäröinyt Braquen retusoiman tykin edessä. Paulhan muistuttaa myös, että tykkien naamioinnista vuonna 1915 vastannut virallinen maalari Lucien-Victor Guirand de Scevola kertoi luvussa ”Souvenirs de camouflage”, että hän oli käyttänyt samoja keinoja kuin kubistit vääristääkseen täysin kohteen näköä, minkä ansiosta hän oli voinut palkata osastolleen muutamia maalareita, jotka pystyivät aivan erityisen näkemyksensä ansiosta vääristämään mitä tahansa muotoa.

Mutta Braquen uudet maalaukset tarjoavat nyt eloisamman ja aistikkaamman paletin, kuten teoksessa Nainen mandoliinin kanssa, 1922-1923, öljy laudalle (41 × 33 cm), Centre Pompidou, Pariisi. 1920-luvun alussa Serge de Diagilevin pyynnöstä taidemaalari vaihteli tuotantoaan entisestään säveltämällä lavasteita ja pukuja Ballets Russesille. Vuosina 1922-1926 hän suunnitteli lavasteet ja puvut Les Fâcheux -teokseen, joka oli sovitus Molièren komediabaletista, Salade, Zéphire ja Flore, sekä Michel Fokinen baletin Sylphides lavasteet. Diagilevin mielestä maalari oli luonteeltaan hankala ja lisäksi hänellä ei ollut liike-elämän tajua, mikä on totta Jean Paulhanin mukaan.

Kreivi Etienne de Beaumont testamenttasi Salade-baletin esiripun Musée d”art moderne de la ville de Parisille vuonna 1955. Siitä lähtien se on ollut lukittuna Tokion palatsin varastoinnissa. Se on juuri poistettu, ja se tullaan palauttamaan.

Lue myös, elamakerrat – Henrik IV (Ranska)

Sotien välinen aika, synteettinen kubismi ja asetelmat

Juan Gris oli ainoa kubistimaalari, jonka arvon Braque tunnusti Picasson ohella; muista hän sanoi: ”He ”kubistivat” maalauksia, julkaisivat kirjoja kubismista, ja kaikki tämä luonnollisesti etäännytti minua heistä yhä enemmän.” Braque ei kuitenkaan ollut kubistinen taidemaalari. Ainoa, joka ajoi kubistista tutkimusta tietoisesti, oli mielestäni Gris.”

Kuvanveistäjillä Jacques Lipchitzillä ja Henri Laurensilla oli tuolloin Braquen kehityksessä tärkeämpi rooli kuin taidemaalareilla. Maalari kehitti tasaisia värisävyjä. Braque ei enää epämuodostanut, vaan muodosti, kuten hän vahvisti muistikirjassaan. Näin tapahtui ”metamorfoosi”, jolle oli ominaista mustan taustan käyttö, josta hän kertoi Sveitsiin paenneelle Daniel-Henry Kahnweilerille, että ”musta on väri, jonka impressionismi oli jättänyt meiltä pois niin pitkään ja joka on niin kaunis…”.

Léonce Rosenbergin Galerie de L”Effort moderne -galleriassa maaliskuussa 1919 järjestetty näyttely hänen uusimmista teoksistaan sai innostuneen vastaanoton. Tällöin julkaistiin ensimmäinen Braquea käsittelevä monografia, jonka kirjoittaja Roger Bissière korosti taidemaalarin työn pikkutarkkuutta: ”Braque oli ehkä ensimmäinen modernien taiteilijoiden joukossa, joka ymmärsi, millaista runollisuutta hieno käsityö, rakkaudella ja kärsivällisyydellä tehty työ, on. Tämä on toinen yksityisnäyttely taidemaalarille, joka uusii sopimuksensa Léonce Rosenbergin kanssa toukokuussa 1920, samana vuonna, jolloin hän valmistaa ensimmäisen veistoksensa: La Femme debout kuudessa kappaleessa. Tältä 1930-luvun alkuun asti kestäneeltä kaudelta ovat peräisin myös Canéphores, 1922 (180,5 × 73,5 cm), öljy kankaalle, Centre Pompidou, Pariisi, sekä alastonkuvat ja naishahmot, Trois Baigneuses, öljy puulle (18 × 75 cm), yksityiskokoelma.

Vuonna 1921 Rosenbergin ja Braquen välit menivät kuitenkin pieleen. Kahnweilerin sodan aikana takavarikoidun varaston realisointi tapahtui Hôtel Drouotissa. Asiantuntija oli nimenomaan Léonce Rosenberg, joka oli onnistunut saamaan nimityksensä sinne ja joka käytti hyväkseen määräävää asemaansa aliarvostamalla teoksia, jotka hän osti takaisin alhaisin hinnoin. Drouot”n ensimmäisenä myyntipäivänä Braque yritti saada hänet ja Amédée Ozenfant-paran, joka yritti puuttua asiaan. Tapaus päättyi poliisiasemalla, ja riitapukarit vapautettiin lopulta. Léonce Rosenberg myi ostamansa maalaukset suurella voitolla. Hänen veljensä Paul tekee samoin. Yksi suurista häviäjistä tässä kaikessa oli Ranskan valtio, joka antoi teosten, kuten Mies kitaran kanssa (1913-1914), livahtaa pois vuonna 1921 2 820 frangilla, ja se osti maalauksen takaisin Musée National d”Art Moderne -museoon kuusikymmentä vuotta myöhemmin yhdeksällä miljoonalla frangilla.

Maalarin tyyli ja tutkimus kehittyivät vuosina 1919-1939. Hän säilytti kubistisesta menneisyydestään näkökulmien samanaikaisuuden, esineiden kehittymisen samalle tasolle ja tilan kääntämisen. Hän käytti aina mustaa taustaa syvyyden vihjaamiseksi, ja hän jakoi esineet ja tasot tavalla, joka etäännytti ne realismista. Tältä osin Guitar and Still Life on the Mantelpiece, 1925, öljy ja hiekka kankaalle (130,5 × 74,6 cm), Metropolitan Museum of Art, ja Fruit on a Tablecloth and Fruit Bowl, öljy kankaalle (130,5 × 75 cm), Centre Pompidou, ovat tälle kehitykselle ominaisia. Esineet näyttävät olevan sommittelun apuvälineitä, ja kaikki hänen pyrkimyksensä keskittyvät väreihin, kuten Georges Charensol totesi Paul Rosenbergin Braque-näyttelyssä vuonna 1926, jossa oli esillä Fruits sur une nappe et compotier. Braque jatkoi kontrastin käyttöä vielä enemmän teoksessa Nature morte à la clarinette, 1927, öljy kankaalle (55,9 × 75 cm), The Phillips Collection, jonka muotoja Christian Zervos kuvailee ”naturalistisiksi”.

Vuodesta 1925 Braque asui Montparnassessa, rue du Douanierilla, Auguste Perretin suunnitelmien mukaan rakennetussa talossa ja studiossa. Vuonna 1926 hän avioitui Marcelle Laprén kanssa, jonka kanssa hän oli asunut vuodesta 1912. Hänen naapureinaan olivat Louis Latapie ja Roger Bissière kadulla, joka nykyään kantaa hänen nimeään: rue Georges-Braque.

Naturalistiset ja abstraktit muodot saivat uuden ulottuvuuden Le Guéridon -teoksen muunnelmissa vuodelta 1928, jolloin Braque-pariskunta osti talon Varengevillestä Ylä-Normandiasta. Amerikkalainen arkkitehti Paul Nelson rakensi Pays de Caux”n kallioille talon ja ateljeen taidemaalarille. Le Guéridon, 1928, öljy kankaalle (197 × 73 cm), Museum of Modern Art, New York) ja Le Grand Guéridon, öljy kankaalle (147 × 114 cm), joiden työstämistä Braque jatkoi vuoteen 1936-39 asti, olivat Braquen pitkän muotokehityksen vaiheita. Vuonna 1945 hän jopa työsti uudelleen vuonna 1939 aloitetun Le Guéridon rouge -teoksen (180 × 73 cm), jossa koristeellinen motiivi oli vähennetty. Jalustapöydän teema toistuu usein hänen töissään vuosina 1911-1952. Se varmistaa sellaisen kehityksen jatkuvuuden, jonka täydellisen kukoistuksen ateljeet saavuttivat.

Pöytäliinat ilmestyivät 1930-luvulla: Nappe rose (1933) ja Nappe jaune, 1935 (114,3 × 144,8 cm), yksityiskokoelma, joka sai vuonna 1937 Pittsburghin Carnegie-säätiön ensimmäisen palkinnon. Maalari kokeili myös kaiverrettuja kipsivaloksia, Heraklès, 1931 (187 × 105,8 cm), Fondation Maeght, ja kahdeksan kaiverruksen sarja Théogonie d”Hésiode, 1932 (53 × 38 cm), Musées de Belfort, Ambroise Vollardin tilaama kuvitus samannimiseen kirjaan, jota ei kuitenkaan koskaan julkaistu, sillä Vollard kuoli vuonna 1939.

Braquen ensimmäinen retrospektiivinen näyttely Baselin taidehallissa Sveitsissä vuonna 1933 merkitsi hänen kansainvälisen tunnustuksensa alkua, ja sitä seurasi vuonna 1934 Braquen viimeaikaiset maalaukset New Yorkin Valentine Gallery -galleriassa, jonka saksalainen galleristi Curt Valentin avasi vuonna 1937. Frank Elgarin mukaan: ”1930-luvulla Braque maalasi keskittyneimpiä ja maukkaimpia asetelmia. Hänen jyrkänteensä, rantautuneet veneensä ja kaksipuoliset hahmonsa todistavat hänen onnellisimmasta kaudestaan. Mutta vuodesta 1940 lähtien hän oli vaarassa.

Lue myös, elamakerrat – Auguste Rodin

Toisen maailmansodan aikana

Vuosina 1939-1940 Braquen pariskunta oli valesodan aikana Varengevillessä yhdessä Joan Mirón kanssa, joka oli vuokrannut talon Braquen talon läheltä elokuussa 1939 ja joka pysyi Ranskassa vuoteen 1940 asti. ”Nämä kaksi maalaria ylläpitivät ystävyyden ja luottamuksen suhdetta ilman, että silloinen naapuruus ja kaikkien aikojen ystävyys olisivat saaneet kumpaakaan poikkeamaan millimetriäkään toisen tieltä. Braque yksinkertaisesti pyysi katalaaniystäväänsä käyttämään siirtopaperiprosessia, joka on litografian painotekniikka. Samana päivänä Varengevillessä olivat myös Georges Duthuit, Alexander Calder sekä runoilija Raymond Queneau ja arkkitehti Paul Nelson.

Tänä aikana Braque omistautui lähes yksinomaan kuvanveistolle ja loi muun muassa teokset Hymen, Hesperis ja Le Petit Cheval. Ihmisveistokset ovat aina profiilipäätä, kuten muinaisen Egyptin reliefeissä. Tämä tyyli on peräisin maalauksista, kuten The Duet, öljy kankaalle (129,8 × 160 cm), jossa on kaksi tuolilla istuvaa naista.

Vuosina 1939-1940 Braquen teoksista järjestettiin suuri retrospektiivinen näyttely Chicagossa The Arts Club of Chicagossa sekä Washingtonissa (The Phillips Collection) ja San Franciscossa (San Francisco Museum of Modern Art). Hänellä oli myös yksityisnäyttely New Yorkissa vuonna 1941, sitten Baltimoressa ja jälleen New Yorkissa Paul Rosenbergin tiloissa huhtikuussa 1942. Vuonna 1943 Galerie de France omisti hänelle näyttelyn Douze peintures de Georges Braque, ja Pariisin Salon d”automne -tapahtumassa esiteltiin 26 maalausta ja 9 veistosta. Jean Bazaine omistaa hänelle artikkelin Comœdiassa. Jean Paulhan julkaisee samana vuonna kirjan Braque le patron.

Vuosina 1940-1945 Braquesit asuivat ensin Limousinissa, sitten Pyreneillä Caujacissa, jossa he asuivat veljenpoikansa Jacques Gosselinin luona, ja lopulta he palasivat Pariisiin. He palasivat Varengevilleen vasta vuonna 1945. Vuonna 1941 saksalaiset viranomaiset takavarikoivat monet Braquen Libourneen tallettamista maalauksista.

Braque ei osallistunut Arno Brekerin ja Otto Abetzin vuonna 1941 järjestämälle Berliinin-matkalle, johon osallistuivat André Derain, Othon Friesz, Maurice de Vlaminck, Kees van Dongen ja André Dunoyer de Segonzac. Mutta hän ei halunnut kieltää ystäväänsä Derainia, ja Fernand Mourlotin kommentti: ”Onneksi maalaukseni ei miellyttänyt, minua ei kutsuttu; muuten olisin voinut mennä sinne luvattujen vapautusten vuoksi. Alex Dantchevin ja Fernand Mourlot”n mukaan ystävä Derainia kohtaan on edelleen olemassa eräänlainen vapautus kaikista syytöksistä yhteistyöstä. Yhteys Derainiin katkesi tietenkin, samoin kuin muihin taiteilijoihin, jotka olivat tehneet saman matkan. Elokuussa 1943 Braque oli bestmanina Geneviève Derainin ja Joseph Tailladen häissä Derainin kartanossa La Roseraiessa Chambourcyssa. Myöhemmin Braque kuitenkin otti etäisyyttä puhdistukseen.

Samoin hän pysytteli koko sodan ajan hyvin matalalla profiililla Vichyn hallinnon kanssa. Miehitysjoukot eivät kuitenkaan jättäneet häntä rauhaan, ja hänen maalauksensa herättivät Pierre Drieu la Rochellen innostuksen, kun kaksikymmentä hänen maalaustaan oli esillä Syyssalonissa vuonna 1943. Hänen ateljeessaan vierailleet saksalaiset upseerit, jotka pitivät sitä liian kylmänä, tarjoutuivat toimittamaan hänelle hiiltä, mistä Braque kieltäytyi hienovaraisesti. Hän kieltäytyi myös luomasta tunnusta Vichyn hallitukselle, vaikka Gertrude Stein oli tarjoutunut kääntämään Pétainin puheet. Braquella oli päinvastainen ongelma: häntä ei voinut ostaa. Hänen kantansa on selvä: ei kompromisseja, ei kompromisseja. Tämä ei estänyt häntä vastaanottamasta Ernst Jüngeriä työhuoneessaan 4. lokakuuta 1943. Kirjailija ja runoilija Jünger, joka tuona vuonna pukeutui miehittäjän univormuun, sai Goethe-palkinnon vuonna 1982 ja osallistui Pléiadeen vuonna 2008, arvosti Edvard Munchin, James Ensorin ja Douanier Rousseaun ”degeneroituneita” maalauksia, Picasso, jonka luona hän vieraili samana vuonna, ja myös Braque, jonka maalauksia hän näki syksyn 1943 Salonissa ja jotka olivat hänen mielestään ”lohduttavia, koska ne edustavat hetkeä, jolloin nousemme nihilismistä”. Niiden voima, sekä muodoltaan että sävyltään, edustaa hänelle hetkeä, jolloin uuden luomisen materiaali kerääntyy meihin.

Sulkeutuneena työhuoneeseensa sodan ajaksi Braque omistautui sisätilateemalle, jossa hän palasi voimakkaasti mustaan, mikä antoi vaikutelman yksinkertaisuudesta ja ankaruudesta. Georges Braquelle sota oli synonyymi ankaruudelle ja epätoivolle. Tuohon aikaan ”Braquen elämässä ei juuri ole tilaa jäljittelylle: ei kilpailuja, ei keskusteluja, ei yhteistä työtä. Hän teki työnsä salassa. Korttipakan edessä istuva nainen profiilista, nimeltään La Patience, öljy kankaalle (146 × 114 cm), kuvaa hänen mielentilaansa.

Tänä aikana Braque jatkoi työskentelyä lempiaiheensa parissa: soittimien parissa, joita oli esiintynyt hänen maalauksissaan vuodesta 1908 lähtien, koska: ”Soittimella on esineenä se erityispiirre, että sitä voi elävöittää koskettamalla sitä, minkä vuoksi soittimet ovat aina viehättäneet minua. Vuosi 1942 oli taidemaalarille erityisen tuottelias, ja hän aloitti useita musiikkiaiheisia maalauksia, jotka hän myöhemmin viimeisteli, kuten Mies kitaran kanssa, 1942-1961 (130 × 97 cm), öljy kankaalle, yksityiskokoelma.

Hän teki vielä muutamia piirroksia naisista, joiden asenteet muistuttavat hänen fauvistista kauttaan, Femme à la toilette (1942), mutta hyvin pian asetelmat ottivat vallan: Deux poissons dans un plat avec une jug, 1949-1941, öljy paperille kiinnitettynä kankaalle, yksityiskokoelma, aloittaa sarjan kaloja mustalla pohjalla, Les Poissons noirs, 1942, öljy kankaalle (33 × 55 cm), Centre Pompidou, Pariisi, ja useita Vanités, Le Poêle (1942), Le Cabinet de toilette (1942, The Phillips Collection). Kaikki nämä sisätilat muistuttavat siitä, että taiteilija ”sulkeutui” omaan kotiinsa, erityisesti Large Interior with Palette, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. Hänen merkittävimmät maalauksensa esittävät arkipäiväisiä esineitä, pilkallisia esineitä, jotka ovat hyödyllisiä selviytymisen tai säännösteltyjen elintarvikkeiden kannalta: Kitchen Table, öljy kankaalle (163 × 78 cm), yksityiskokoelma.

Hän teki muutamia mieshahmoja tummalla taustalla ennen kuin aloitti Biljardisarjan, jota hän jatkoi vuoteen 1949 asti. Yksi kauneimmista, Le Billard, 1947-1949 (145 × 195 cm), on nykytaiteen museossa Caracasissa Venezuelassa. Se oli esillä Grand Palais”ssa (Pariisi) Georges Braquen retrospektiivisessä näyttelyssä vuonna 2013, ja sen valmistumisvuodet on merkitty: 1947-1949.

Lue myös, sivilisaatiot – Fosnan kulttuuri

Sodan jälkeinen aika

Braque jäi pois puhdistuksesta ja liittyi Varengevilleen. Hän ei myöskään liittynyt Ranskan kommunistiseen puolueeseen Picasson ja Simone Signoret”n toistuvista pyynnöistä huolimatta. Hän pysytteli myös kaukana Picassosta, jonka asenteesta hän piti yhä vähemmän ja jota Maïa Plissetskaïa kuvaili myöhemmin huligaaniksi. Hän kieltäytyi kutsusta asua Cannesin La Californiassa ja päätti sen sijaan asua uuden pariisilaisen jälleenmyyjänsä Aimé Maeghtin luona Saint-Paul-de-Vencessä. Molemmat maalarit yrittivät kuitenkin pitää yhteyttä toisiinsa. Varsinkin kun Braque joutui vuonna 1945 leikkaukseen kaksinkertaisen vatsahaavan vuoksi, Picasso kävi tapaamassa häntä joka päivä, ja Braque etsi edelleen hänen hyväksyntäänsä Braquen etäisestä asenteesta huolimatta. Hänen sisarensa Henriette kuoli 24. joulukuuta 1950.

Vuodesta 1951 alkaen alkoi eräänlainen sovinto. Françoise Gilot vieraili Braquen luona hyvin usein, myös eron jälkeen, ja esitteli hänet pojalleen Claude Picassolle, joka oli tuolloin teini-ikäinen ja näytti niin paljon isältään, että Braque purskahti kyyneliin: poika oli hänen silloisen ”köysiseuransa” elävä muotokuva. Maalareiden välisen siteen todellinen luonne jää epäselväksi. Braquen mukaan kyse ei ollut taiteellisesta yhteistyöstä vaan ”itsenäisestä liitosta”.

Kahden vuoden toipumisajan jälkeen Braque oli jälleen voimissaan ja piti näyttelyitä Amsterdamin Stedelijk-museossa ja sen jälkeen Brysselissä Palais des beaux-arts -museossa. Vuonna 1947 hän oli Lontoossa Tate Galleryssa. Samana vuonna Aimé Maeghtista tulee hänen uusi pariisilainen jälleenmyyjänsä, ja hän julkaisee Cahiers G. Braquen ensimmäisen numeron.

Vuonna 1948 Venetsian biennaalissa, jossa hän esitteli Biljardisarjaa, hän sai Grand Prix -palkinnon koko työstään. Tätä seurasi sarja näyttelyitä, erityisesti New Yorkin MoMA:ssa, jotka täydensivät hänen työnsä kansainvälistä tunnustusta. Paul Rosenberg järjesti hänelle toisen näyttelyn New Yorkin galleriassaan vuonna 1948.

Vuodesta 1949 lähtien maalari aloitti Ateliers-sarjansa, joka koostuu kahdeksasta samaa aihetta käsittelevästä maalauksesta, jotka ovat jatkuvasti keskeneräisiä. Nämä ikuisesti uudistetut kankaat aiheuttavat päänvaivaa luetteloiden toimittajille, erityisesti englantilaiselle taidekriitikolle John Richardsonille, jolla on suuria vaikeuksia niiden ajoittamisessa artikkelissaan The Ateliers of Braque. Braque nimittäin muuttaa jatkuvasti tämän sarjan maalausten sisältöä ja numerointia. Jos verrataan Robert Doisneaun valokuvaa Varengevillessä sijaitsevasta Atelier VII:stä (1952-1956), voimme nähdä, että sitä on muutettu, että maalari on siirtänyt esineitä ja että siitä on tullut Atelier IX. Maalauksen viimeinen tila on esillä Grand Palais”ssa vuonna 2013, öljy kankaalle (146 × 146 cm), Centre Georges Pompidou.

Lintu, jonka läsnäolo tuo uuden ulottuvuuden kuuteen kahdeksasta työpajasta, ilmestyy teoksessa Atelier IV, 1949, öljy kankaalle (130 × 195 cm), yksityiskokoelma, siivet levällään ja vie kolmasosan tilasta. Yksi useimmin jäljennetyistä on Atelier I, 1949, öljy kankaalle (92 × 73 cm), yksityiskokoelma. Siinä on maalaus maalauksen sisällä ja suuri valkoinen kannu ”avaimenreiässä”. Atelier VIII on sarjan etupainotteisin ja värikkäin (132,1 × 196,9 cm), Fundación Masaveu, Oviedo.

Ateljeet on ajoitettu Nicole Worms de Romillyn Catalogue raisonné de l”œuvre de Braque -julkaisussaan (Maeghtin julkaisema seitsemän nidettä, julkaistu vuosina 1959-1982), joka on lopulta säilytetty vuoden 2013 retrospektiivisessä näyttelyssä. Les Ateliers oli mukana tammikuusta 1949 lähtien New Yorkin Museum of Modern Artissa ja Clevelandin taidemuseossa järjestetyissä retrospektiivisissä näyttelyissä, joista Jean Cassou kirjoitti luettelon.

Vuonna 1955 englantilainen taidemaalari ja kriitikko Patrick Heron lähetti Braquelle kirjansa The Changing Forms of Art, jossa hän kuvasi Ateljeet ja erityisesti Billardit tasaisiksi pintakokonaisuuksiksi, joista syntyy tilaa, yhdistettynä suoriin, diagonaalisiin ja osittain hautautuneisiin linjoihin, jotka leikkivät kubistisella geometrialla. Braque vastasi: ”Minulle käännettiin joitakin kohtia maalausta käsittelevästä kirjastasi, jonka luin mielenkiinnolla. Sinä avaat niiden silmät, jotka tavallinen kritiikki johtaa harhaan.

Paulhan huomauttaa, että Braque on yksi harvoista maalareista, jotka eivät ole maalanneet omaa omakuvaansa, ja hän on yllättynyt siitä, että miehestä, jolle myönnettiin yksimielisesti kunniamerkki upseerina ja sitten komentajana vuonna 1951, tiedetään niin vähän. ”Hän ottaa kunnian vastaan rauhallisesti. Kaikki nämä anekdootit ovat niukkoja, sen näen. Niin, mutta Braquen anekdootti on myös melko ohut. Mies on muualla.

Braque oli komea mies, ja Robert Doisneau kuvasi häntä Varengevillessä eri tilanteissa: maaseudulla. Maalaria kuvasi myös Man Ray, joka kuvasi häntä usein vuosina 1922-1925, ja hänen ystävänsä Giacometti sekä Henri Laurens piirsivät hänet, kun hänen päänsä oli vielä sidottu vuonna 1915. Hän inspiroi myös valokuvaaja Mariette Lachaud”ta, jonka neljänkymmenen valokuvan näyttely järjestettiin Varengevillessä elokuussa 2013. Braque oli myös urheilija, joka harrasti urheilua ja englantilaista nyrkkeilyä. Vuonna 1912 hänellä oli maine nyrkkeilijänä, ja vuonna 1997 englantilainen taidekriitikko John Russell muisteli New York Timesissa hänen mestaruuttaan englantilaisessa nyrkkeilyssä.

Maalari oli kuitenkin enemmän huolissaan maalauksestaan kuin kuvastaan. ”Minua nolostuttaisi päättää, onko Braque aikamme kekseliäin vai monipuolisin taiteilija. Mutta jos suuri taidemaalari on se, joka antaa terävimmän ja ravitsevimman käsityksen maalaamisesta, pidän epäröimättä Braquea suojelijanani.

Lue myös, elamakerrat – Charles Albert Gobat

Viime vuodet

Vuonna 1952 Ranskan museoiden johtaja Georges Salles tilasi Georges Braquen koristelemaan Louvren museon Henrik II -huoneen kattoa, joka oli peräisin vuodelta 1938 ja jota oltiin remontoimassa. Maalarin valitsema aihe : Les Oiseaux (Linnut) sopi hyvin tilaan, ja jopa ne, jotka eivät halunneet sekoittaa modernia ja antiikin taidetta, saatiin lopulta vietyä. Vuonna 1953 vihittiin käyttöön kattokoristelu. Taiteilija onnistui siirtämään hänelle rakkaan intiimin aiheen monumentaaliselle tasolle. Hän ratkaisi laajan tuen aiheuttaman ongelman käyttämällä laajoja tasaisia värisävyjä, jotka antavat kokonaisuudelle vahvan ja yksinkertaisen ilmeen. Masentuneena siitä, ettei häntä valittu tähän projektiin, Picasso väitti, että Braque oli kopioinut hänen kyyhkynsä.

Braque tuotti paljon, mutta Varengeville-sur-merissä sijaitsevasta vetäytymispaikastaan käsin hän kävi hyvin vähän ulkona. Hän luopui Provencesta. Hänen luonaan kävivät nuoret taidemaalarit, erityisesti Jean Bazaine. Mutta ennen kaikkea Nicolas de Staël, jota hän kannusti voimakkaasti ja jonka itsemurha vuonna 1955 vaikutti häneen suuresti. Nicolas de Staël ihaili Braquea niin paljon, että hän kirjoitti amerikkalaiselle taidekriitikolle ja keräilijälle David Cooperille: ”Tulen aina olemaan äärettömän kiitollinen teille siitä, että olette luonut tämän ilmapiirin, jossa Braquen retoriikka saa valoa sitäkin paremmin, että se on kieltäytynyt suuresta loistokkuudestaan, ja jossa hänen maalauksensa kulkevat salamannopeasti ja luonnollisesti Sofoklesista Baudelairen luottamukselliseen sävyyn vaatimatta sitä ja säilyttäen suuren äänen. Se on ainutlaatuinen. Ystävyyden lisäksi Staëlilla ja Braquella oli jotain yhteistä lähestymistavoissaan maalaustaiteeseen tuohon aikaan.

Duncan Phillips, joka oli ”ihastunut” Braqueen, omistaa myös monia Staëlin teoksia Phillips-kokoelmassa. Braquen odottamaton paluu figuratiivisiin maisemiin Les Ateliersin ja Les Oiseauxin välissä on tietyllä tavalla velkaa Staëlin kanssa käydylle vaihdolle. Nämä viimeisten vuosien (1957-1963) maisemat, jotka kiehtoivat hänen läheisintä ystäväänsä Alberto Giacomettia, ovat enimmäkseen pieniä, pitkänomaisia: Marine, 1956 (26 × 65 cm), yksityiskokoelma), Le Champ de colza, 1956 (30 × 65 cm), jossa on ilmeinen viittaus Vincent van Goghiin, jota hän ihaili. Staël teki myös maalauksia, joissa hän viittasi van Goghiin: Lokkien lento on myös kunnianosoitus Vincent van Goghin teokselle Vehnäpelto ja varikset, jota Braque puolestaan kunnioittaa noin vuonna 1957 teoksellaan Linnut vehnässä, öljy kankaalle (24 × 41 cm), joka on tyyliltään samanlainen kuin Staëlin. Maisema, 1959 (21 × 73 cm), mutta myös suurempia teoksia, kuten Aura, 1960 (84 × 195 cm) ja Kylvölaite (1961), jota Braque oli työstänyt joka kesä vuodesta 1930 lähtien, on Braquen viimeinen maalaus. Se on nyt Pariisin modernin taiteen museossa Centre Pompidoussa. Se oli vielä 31. elokuuta 1963 hänen kuollessaan Varengevillessä sijaitsevan ateljeensa maalaustaululla. Se esittää Le Havren ja Dieppen välissä sijaitsevan Pays de Caux”n maaseutua, joka on karua ja päättyy jyrkkiin kallioihin meren rannalla. Maalaus näyttää muistuttavan Vincent van Goghin viimeistä maalausta Vehnäpelto ja varikset (1890). ”Seesteisyys vältti van Goghia epätoivoisesti. Braque pyrki saavuttamaan sen, ja niin hän myös teki.

Vuodesta 1953 lähtien Braque moninkertaisti viittauksensa lentoon ja lintuihin. Näitä löytyy Atelier IX:stä (1952-1956), jonka suuret siivet häiritsevät tilaa siellä täällä. Näinä vuosina linnut tunkeutuivat hänen työhönsä. Mutta vasta Atelier VIII (1952-1955) sai lentävän linnun valkoiseksi. L”Oiseau et son nid, 1955-1956 (130,5 × 173,5 cm), Centre Pompidou, Pariisi, on leikattu abstraktisti ruskealle pohjalle. Se on tärkeä vaihe Braquen työssä, sillä se ennakoi profiililintua À tire d”aile, 1956-1961 (114 × 170,5 cm, Centre Pompidou, Pariisi), joka on taidemaalarin lintutöiden apoteoosi. Taiteilija kävi tarkkailemassa lintujen suojelualuetta Camarguen alueella ja ihaili vaaleanpunaisten flamingojen lentoa: ”Näin suuria lintuja lentämässä ohi. Tästä visiosta piirsin ilmamuotoja. Linnut inspiroivat minua. Inspiraation aiheuttaman järkytyksen jälkeen käsite sai ne nousemaan mieleeni, ja tämän käsitteen on häivytettävä, jotta pääsen lähemmäs sitä, mikä minua koskee: kuvallisen tosiasian rakentamista. Maalari tyylittelee ja työstää sitten muotoja litteissä sävyissä yksinkertaistamalla niitä äärimmilleen.

Mustat linnut (1956-1957 tai 1960 lähteestä riippuen (129 × 181 cm), Adrien Maeghtin kokoelma, edustavat valmiiksi saatua ”lintukonseptia”, kuten myös À tire d”aile, 1956-1961 (129 × 181 cm), Centre Pompidou, Pariisi. Maalauksessa Les Oiseaux, 1960 (134 × 167,5 cm) käsite pelkistyy lähes abstrakteiksi valolla leikitteleviksi merkeiksi. Braque piti linnuistaan, ja hän säilytti niitä kuolemaansa asti vuonna L”Oiseau et son nid, öljyä ja hiekkaa kankaalle (130,5 × 173,5 cm), Centre Georges Pompidou. ”Lintu ja sen pesä”, jota hän säilytti kuolemaansa asti, on Braquen paras omakuva.

Braquen töistä järjestettiin 1950- ja 1960-luvuilla lukuisia näyttelyitä sekä Ranskassa että ulkomailla, kuten Tokiossa Kansallismuseossa vuonna 1952, Bernin Kunsthallessa ja Zürichin Kunsthausissa vuonna 1953. Vaikka hänen töistään järjestettiin valtava näyttely Edinburghin kansainvälisillä festivaaleilla vuonna 1956 ja sen jälkeen Lontoon Tate-galleriassa, hän pysyi Pariisissa ateljeessaan ja lähti sieltä vain mennäkseen Varengevilleen. Hän tyytyi lähettämään yhä enemmän ”siivekkäitä” kankaita. Edinburghin näyttely kuitenkin jakautui kahteenkymmeneen kolmeen huoneeseen ja sisälsi kahdeksankymmentäyhdeksän maalausta, jotka houkuttelivat hyvin suuren yleisön. Braque sai Oxfordin yliopiston kunniatohtorin arvonimen. Seuraavana vuonna hänen veistoksensa lähetettiin Cincinnatin museoon, ja myöhemmin Roomassa, jossa hän oli esillä vuoden 1958 lopulla ja vuoden 1959 alussa, hän sai Kuvataideakatemian myöntämän Antonio Feltrinelli -palkinnon. Vuosina 1959-1963 Braque, joka oli vuonna 1950 tehnyt Jean Signovertin kanssa Milarépan kaiverrukset Maeght-kustantamolle, työskenteli myös taiteilijakirjojen parissa: Pierre Reverdyn kanssa La Liberté des mers, Frank Elgarin kanssa La Résurrection de l”oiseau (1959), Apollinairen kanssa Si je mourais là-bas, Saint-John Persen kanssa L”Ordre des oiseaux (1962), René Charin kanssa Lettera Amorosa (1963).

Braque on yksi maalaustaiteen historian tärkeimmistä maalareista. Hän vaikutti uusiin taiteilijasukupolviin. Vuonna 1946 Lontoon Tate-galleriassa järjestetyn näyttelyn jälkeen, jota Patrick Heron kuvaili ”huonosti järjestetyksi”, ”taiteilijat alkoivat kaikkialla Englannissa ja ylimielisten kriitikoiden tietämättä maalata asetelmia silakasta”. Alex Danchev mainitsee Braquen vaikutteita saaneista taidemaalareista Ben Nicholsonin, John Piperin tai Bryan Winterin sekä amerikkalaiset William Congdonin ja Ellsworth Kellyn. Françoise Gilot oli Braquen teosten ympäröimä, ja New Yorkin Juilliard-koulussa järjestettiin taidehistorian kurssi ”Bachista Braqueen ja sen jälkeen”.

Georges Braque loi myös lasimaalauksia: seitsemän lasimaalausta Saint-Dominiquen kappeliin ja Iisain puuta esittävän lasimaalauksen Varengeville-sur-Merin Saint-Valéryn seurakuntakirkkoon vuonna 1954 sekä veistoksen Assyn kirkon tabernaakkelin ovelle vuonna 1948. Viimeinen näyttely hänen töistään Ranskassa oli Pariisin Musée des Arts Décoratifsissa 22. maaliskuuta-14. toukokuuta 1963. Niitä toistetaan monilla sivustoilla: täällä. Samana vuonna Münchenissä järjestettiin suuri retrospektiivinen näyttely, jossa esiteltiin hänen koko tuotantonsa 12. kesäkuuta – 6. lokakuuta.

Hän kuoli 31. elokuuta 1963 kotonaan Pariisin 14. kaupunginosassa. Alberto Giacometti, joka tuli piirtämään hänen hautajaismuotokuvaansa, kirjoitti: ”Tänä iltana kaikki Braquen teokset tulevat minulle jälleen merkityksellisiksi. Kaikista hänen töistään katson suurimmalla mielenkiinnolla, uteliaisuudella ja tunteella pieniä maisemia, asetelmia ja vaatimattomia kukkakimppuja viimeisiltä vuosilta, aivan viimeisiltä vuosilta. Taiteilijalle järjestettiin valtiolliset hautajaiset 3. syyskuuta. André Malraux pitää muistopuheensa Louvren pylväskäytävän edessä.

Georges Braque haudattiin seuraavana päivänä Varengeville-sur-Merin merihautausmaalle. Hänen vaimonsa Marcelle Lapré, joka oli syntynyt 29. heinäkuuta 1879 Pariisissa, oli kolme vuotta maalaria vanhempi. Hän kuoli kaksi vuotta hänen jälkeensä, mutta sitä ennen ”vuonna 1965, vähän ennen hänen kuolemaansa, Madame Braque lahjoitti miehensä toiveiden mukaisesti neljätoista maalausta ja viisi veistosta, joita taidemaalari ei halunnut jättää Ranskaan”. Hänet on haudattu miehensä rinnalle Varengevillen merihautausmaalle.

Lue myös, mytologia-fi – Janus

Jälki-impressionistinen kausi

Taiteilija itse tuhosi monet jälki-impressionistisen kauden maalauksista kesän 1904 jälkeen Pont-Avenin lähellä, lukuun ottamatta muotokuvaa Fillette bretonne. Vanhin tähän mennessä esillä ollut maalaus on Le Parc Monceau (1900), Saint-Dié-des-Vosgesin Georges-Braque-museon alueella sijaitseva Parc Monceau.

Lue myös, elamakerrat – Jean-François Millet

Fauvismin kausi (1905-1907)

Taiteilijan veti fauve-järjestelmään mukaan ihailu, jota hän osoitti tuon ajan ”fauvien johtajaa” Henri Matissea kohtaan – joka tuskin vastasi siihen – mutta ennen kaikkea hänen ystävyytensä Othon Frieszin, André Derainin ja Raoul Dufyn kanssa, jotka patistivat häntä toimimaan. Lopuksi hän esitteli seitsemän fauvistista maalausta ensimmäistä kertaa vuoden 1906 Salon des Indépendants -tapahtumassa, jotka eivät menestyneet ja jotka hän tuhosi. Braque oli hyvin tuottelias ja aloitti kukoistuskautensa: monet museot ostivat hänen teoksiaan. Suurin osa hänen teoksistaan on maisemia, kuten Mât dans le port d”Anvers, 1906, öljy kankaalle (46,5 × 38,4 cm), Centre Georges-Pompidou, Bateau à quai, Le Havre, 1905 (54 × 65 cm), Modernin taiteen museo, New York, Katso maalaus esillä vuonna 2009 Musée des Beaux-Arts de Bordeaux”ssa), Paysage à l”Estaque, 1906 (60,3 × 72,7 cm), Art Institute of Chicago, Katso Paysage à l”Estaque. Ja myös alastonkuvia: Femme nue assise, 1907, öljy kankaalle (55,5 × 46,5 cm), Musée national d”art moderne, Pariisi. Kuvaus Istuva alaston nainen ja istuva alaston, 1907, öljy kankaalle (61 × 50 cm), Samir Traboulsin kokoelma.

Lue myös, elamakerrat – Francis Picabia

Analyyttinen kubismi (1907-1912)

Braquen kubistinen kausi alkoi pääasiassa maisemakuvilla, kuten Le Viaduc à l”Estaque (1907) tai Route près de l”Estaque, ja ennen kaikkea Maisons à l”Estaque, jonka Matisse ja myöhemmin Louis Vauxcelles julisti kubistiseksi maalaukseksi, vaikka taidemaalari pitikin Les Instruments de musique -teosta ensimmäisenä todella kubistisena maalauksena. Kubismia koskevat keskustelut ovat edelleen sekavia, erityisesti siksi, että Braquen äärimmäinen hienotunteisuus antoi hänen ”köysikaverilleen” mahdollisuuden monopolisoida kaikki roolit. Kumpikin pysyi kuitenkin toisensa ”esikatseluyleisönä” koko Braquen ja Picasson köysiradan ajan, vuosina 1911-1912, sekä analyyttisen että synteettisen kubismin aikana.

Näiden kahden taidemaalarin väliset suhteet kiristyivät hieman, kun Braque teki ensimmäisen papier collé -teoksensa Sorguesissa: Compotier et verre, 1912, öljyä ja hiekkaa kankaalle (50 × 65 cm), yksityiskokoelma, ensimmäinen papier collé tällä nimellä, jota seurasi suuri määrä muita papier collé -teoksia, jotka vähitellen johtivat synteettiseen kubismiin.

Lue myös, elamakerrat – Sonam Gyatso

Synteettinen kubismi (1912-1917-1918)

Tarkka jako analyyttisen ja synteettisen kauden välillä vaihtelee elämäkertakirjoittajien mukaan. Jotkut sisällyttävät tähän ajanjaksoon liimapaperit Compotier et verre (1912) -teoksesta lähtien, jotka johtavat ”Braque le vérificateur” -kauteen, johon kuuluu myös Compotier et cartes (1913), jota seuraa tuottelias ”Machines à voir” -sarja: Le Petit Éclaireur (1913). Tältä kaudelta, jolloin Braque viimeisteli maalaustaitoaan huolellisesti, löytyvät öljyvärimaalaukset: Viulu ja klarinetti (1913), Still Life with Pipe (1914), Mies kitaran kanssa (1914).

Grand Palais”n Georges Braque 2013 -näyttelyn luettelossa omistetaan erillinen luku vuosien 1912-1914 paperikollaaseille Compotier et verre (1912) ja La Bouteille de rhum (1914). Sitten palataan sekatekniikkaan kankaalle teoksessa Compotier et cartes (1913) tai Cartes et dé (1914). Papier collés -teoksia voisi pitää kubistisena välivaiheena ”analyyttisen” ja ”synteettisen” välillä.

Tämän kauden tärkeimpiä teoksia ovat Viulu ja piippu LE QUOTIDIEN (1913-1914) tai La Guitare: ”Statue d”épouvante” (1913), mutta ennen kaikkea asetelmat, kun Braque sai näkökykynsä takaisin sotavamman aiheuttaman pitkän sokeuden jälkeen: La Joueuse de mandoline, 1917 (92 × 65 cm), Musée de Lille métropole), La Musicienne (221,3 × 113 cm, 1917-1918, Kunstmuseum, Basel.

Lue myös, elamakerrat – John Keats

Vuodesta 1919 vuoteen 1932

Vaikka Braque säilytti kubismin tiukan linjan, hän etääntyi abstraktiosta asetelmilla, joiden motiivit on asetettu tasaisin sävyin ja joiden värit muuttuvat ajan myötä yhä eloisammiksi. Eri tasojen rinnakkain asettaminen, kuten teoksessa Compotier avec grappe de raisin et verre (1919), Musée national d”art moderne, Centre Georges Pompidou, Pariisi, on tehty paksulla tahnalla ja jäykistetyillä viivoilla, jotka antavat Braquelle ominaisen mittasuhteen. Vuosien mittaan hänen paluunsa väreihin korostui yhä enemmän: Guitar and Still Life on the Mantelpiece, 1921, öljy kankaalle (130,5 × 74,3 cm), Metropolitan Museum of Art, Guitar and Still Life on the Mantelpiece or Guitar and Glass, 1921, öljy kankaalle (43 × 73 cm), Centre national d”art et de culture Georges Pompidou, Pariisi, ja yhä suurempiin formaatteihin, kuten : Kitaraa ja viinirypälemehupullo pöydällä, 1930, öljy kankaalle (130,5 × 75 cm), Clevelandin taidemuseo, Guitar and Bottle of Grape Juice). Hänen suosikkiaiheitaan olivat hedelmät, kukat ja esineet. Hän näytti kääntävän selkänsä kubismille. Taiteilija harjoitti taidettaan aistikkaasti asetelmilla, kuten The Large Pedestal Table (Suuri jalustapöytä), myös nimeltään The Round Table (Pyöreä pöytä), 1928-1929, öljyä ja hiekkaa kankaalle (147 × 114 cm, The Phillips Collection) tai The Large Pedestal Table (Pyöreä pöytä), joita jotkut pitävät ”taantumana” ja toiset ”ylellisenä edistysaskeleena”, ja hän toimitti aistikkaimmat teoksensa tällä kaudella.

Lue myös, tarkeita_tapahtumia – Suuri harppaus

Vuodesta 1932 vuoteen 1944

Christian Zervosin määrittelemä ”naturalististen ja abstraktien” muotojen dialektiikka saa uutta laajuutta vuonna 1928 aloitetun Le Guéridon -teeman muunnelmissa: Le Guéridon, öljy kankaalle (197,7 × 74 cm), Museum of Modern Art, New York, josta Braque tuotti sarjan vuosina 1936-1939, mukaan lukien Le Grand Guéridon, myös nimeltään La Table ronde, öljy kankaalle, The Phillips Collection, joka on Bernard Zurcherin mukaan sarjan näyttävin kangas, Le Guéridon (SFMOMA), San Francisco Museum of Modern Art, Le Guéridon rouge (alkanut 1939, tarkistettu vuoteen 1952 asti, Centre Pompidou). Tänä aikana taiteilija keräsi muistiinpanoja, luonnoksia ja piirroksia, jotka antavat harhaanjohtavan vaikutelman tulevia maalauksia varten tehdyistä luonnoksista, vaikka ne ovat enemmänkin epävarmassa tilassa olevan maalarin tutkimusta. Taiteilija hapuilee ympäriinsä etsien asioiden pohjaa, ja vaikka jokainen grafiikkapaperille piirretty sivu on erittäin kiinnostava hänen edistymisensä ymmärtämiseksi, niitä ei ole koskaan julkaistu. Sodan aiheuttamaan ahdistukseen lisätään huoli siitä, ettei hän saanut mitään uutisia Varengevillen talostaan ja sinne talletetuista maalauksista. Mutta sen jälkeen, kun hän oli tehnyt ankarat teokset, kuten Fish or The Stove, 1942-1943, Yalen yliopiston taidegalleria, Large Interior with Palette, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. Tänä aikana hän alkoi myös työskennellä kuvanveiston parissa: Hymen, Hesperis, Pieni hevonen ja kaiverrettuja kipsivaloksia sekä keramiikkaa, ennen kuin hän päätyi Biljardisarjaan, jota pidetään yhtenä taiteilijan tärkeimmistä aiheista.

Lue myös, elamakerrat – Cipriano de Rore

Vuodesta 1944 vuoteen 1963

Braque oli Varengevillessä, kun saksalaiset joukot ylittivät Maginot-linjan. Pariskunta hakeutui ensin Limousiniin Lachaudien luo, sitten Pyreneille ja palasi Pariisiin, jossa he viettivät koko sodan ajan Auguste Perretin rakennuttamassa studiossa rue du Douanierilla. Vuonna 1940 taidemaalari tuotti vain vähän. Vasta vuodesta 1941 lähtien hän loi kaksi vaikuttavaa sarjaa, ankarat keittiön ja kylpyhuoneen teemoja käsittelevät maalaukset: Keittiön pöytä ja grilli, Liesi, WC ja vihreät laatat sekä valtava Grand intérieur à la palette. Mutta tämä säästö ei kestänyt. Vuodesta 1946 alkaen Braque antoi Tournesolsin myötä värien purkautua.

John Goldingin mukaan taidemaalarin uran viimeiset vuodet sodan päättymisestä kuolemaansa asti olivat hänen loistavimmat. Monet englantilaiset taidekriitikot antoivat seisovat aplodit hänen Biljardit-sarjalleen, sitten Ateliers-sarjalleen ja myös venytetyissä ja kapeissa formaateissa tehdyille maisemakuville, jotka olivat esillä Lontoon Royal Academyssä vuonna 1997, Braque, The Late Works. Näyttely esiteltiin sitten Menil Collectionissa, joka julkaisi luettelon. Ranskassa tapahtumasta puhuttiin vain vähän, kuten L”Expressin lyhyestä artikkelista käy ilmi. Taiteilijan viimeiset vuodet olivat myös runouden aikaa, ja hän kuvitti litografioillaan arvokkaita kirjoja, kuten Saint-John Persen teoksen L”Ordre des Oiseaux (1962). Näiden viime vuosien pääteema oli varmasti linnut, joista erittäin suuret Mustat linnut ovat apoteoosi. Näennäisestä yksinkertaisuudestaan ja rohkeudestaan huolimatta lintujen sarja on kuvauksen ja analyysin vastainen. Braque sanoi:

”Jonkin asian määritteleminen tarkoittaa, että asia korvataan määritelmällä. Taiteessa on vain yksi asia, joka on todella arvokasta, ja se on se, mitä ei voi selittää.”

Lue myös, elamakerrat – Zheng He

Les Bijoux de Braque (1961-1963)

”Vuonna 1961 Braque, joka oli yhä huonovointisempi eikä pystynyt työskentelemään maalaustensa parissa pitkään, suostui ottamaan vastaan piirustuksia, joita käytettiin korujen malleina, erityisesti sormuksiin kiinnitettyjä onyx-kameoita. Hän antoi vaimolleen yhden, joka esittää Hecaten profiilia Reproduction of Hecate in a brooch, Gouache and reproduction of Hecate in a brooch, ja käytti itse yhtä signeettisormuksena viimeisenä elinvuotenaan: La Métamorphose d”Eos, oiseau blanc representing the dawn.”

Lue myös, elamakerrat – Athelstan

Veistokset, seinävaatteet, kaiverretut kipsityöt.

Metamorfoosien viimeinen teos on maalarin vuonna 1963 Pablo Picasson kunniaksi ja ystävyyden osoituksena Pablo Picassoa kohtaan toteuttama guassi (38 × 33 cm), jonka nimi on Les Oiseaux bleus (kunnianosoitus Picassolle). Tätä teosta käytettiin maalarin kuoleman jälkeen. Robert Fourin tehtaalla käsityönä 6 kappaleena toteutettu seinävaatekangas (195 × 255 cm) myytiin huutokaupassa Millonin talossa, jossa mainitaan selvästi ”After Georges Braque”. Samasta guassista on tehty pronssiveistos, jossa on sinisen ja mustan sävyinen patina. Sitä on valmistettu 8 kappaletta (58 × 255 cm), ja se on myyty huutokaupassa Cannesin huutokauppahuoneessa ja Pariisin Millonissa.

Georges Braquella ei ollut neljäänkymmeneen vuoteen retrospektiivistä näyttelyä Ranskassa, ennen kuin vuosina 2013-2014 Grand Palais”ssa. Näyttely on hyvin laaja, ja siinä on noin 236 viitteellistä teosta, mukaan lukien piirustuksia, veistoksia ja valokuvia. Teosten kokonaisuutta on vaikea koota yhteen paikkaan, varsinkin kun Grand Palais”ssa on vielä 4. joulukuuta 2013 – 6. helmikuuta 2014 Cartierin koruille omistettu retrospektiivinen näyttely.

Täydentävät näyttelyt kunnioittavat muita Braquen teoksia samana ajanjaksona 2013-2014. Taiteilijan vuosina 1961-1963 tekemien gouachien korut olivat esillä Georges-Braquen museossa Saint-Dié-des-Vosgesissa 29. kesäkuuta – 15. syyskuuta 2013, taiteilijan grafiikat ja kaiverrukset ovat parhaillaan esillä La Malmaisonin taidekeskuksessa Cannesissa 4. joulukuuta 2013 – 26. tammikuuta 2014, ja Château-Musée de Dieppe omistaa Braquen grafiikoille näyttelyn 25. marraskuuta 2013 – 5. tammikuuta 2014.

Englantilainen taidehistorioitsija John Golding laati Braquen teosten luettelon Braque, the Late Years – kaksoisnäyttelyn (1997, Lontoo ja Houston) pohjalta. Hänen teoksiaan ei sisällytetty Maeghtin julkaisemiin luetteloihin, jotka loppuivat vuonna 1957 Alex Danchevin suureksi närkästykseksi.

Vuonna 2008 Wienissä järjestettiin 80 Braquen teosta käsittävä retrospektiivinen näyttely Bank Austria Kunstforumissa, taidekeskuksessa, joka sijaitsee päärahoittajan Bank Austrian entisessä rakennuksessa.

Lue myös, elamakerrat – Ludwig van Beethoven

Kirjallisuusluettelo

Tämän artikkelin lähteenä käytetty asiakirja.

Lue myös, elamakerrat – Balthus

Viitteet

lähteet

1. Georges Braque
2. Georges Braque
3. Par ailleurs « courtisane » ou « femme galante », qui tient un petit salon d”opium, rue de Douai.
4. Il existe également un Nu debout de Matisse.
5. Marie Cuttoli (1879-1973), née à Bordes, femme d”affaires et grande collectionneuse d”art. Elle épouse d”abord le maire de Philippeville en Algérie, où elle a ouvert un atelier de tissage ; elle se marie ensuite avec Henri Laugier.
6. Tailleur de son métier, Alex Maguy, de son vrai nom Alex Glass, était un collectionneur passionné qui a été inquiété pendant l”Occupation. Pourchassé par les nazis, il est entré dans la résistance, mais il a réussi à préserver une partie de ses collections. Il a ensuite ouvert une galerie rue du Faubourg-Saint-Honoré, puis une autre place Vendôme.
7. Reproduction de Nature morte aux pichets avec pipe, qui correspond à la version couleur de la vignette en noir et blanc représentée p. 21 de Braque, le cubisme.
8. a b Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. április 26.)
9. Encyclopædia Britannica (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
10. Edward F. Fry, Cubism 1907–1908: An Early Eyewitness Account. In: The Art Bulletin. Vol. 48, No. 1, März 1966, S. 70.
11. Judith Cousins: Vergleichende biographische Chronologie Picasso und Braque. In: William Rubin: Picasso und Braque. Die Geburt des Kubismus, 1990, S. 340–342.
12. ^ Fry 1966, p. 71.
13. ^ Picasso, P., Rubin, W. S., & Fluegel, J. (1980). Pablo Picasso, a retrospective. New York: Museum of Modern Art. ISBN 0-87070-528-8 p. 99,
14. ^ ”Solomon_R._Guggenheim_Museum”. Archived from the original on February 10, 2013.
15. ^ Cooper, Philip. Cubism. London: Phaidon, 1995, p. 14. ISBN 0714832502
16. ^ ”Gil Blas / dir. A. Dumont”. Gallica. November 14, 1908.