Pablo Picasso

gigatos | Novembro 10, 2021

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Resumo

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de Outubro de 1881-Mougins, 8 de Abril de 1973) foi um pintor e escultor espanhol que, juntamente com Georges Braque, criou o Cubismo.

Desde a génese do século XX tem sido considerado um dos maiores pintores que participou nos vários movimentos artísticos que se espalharam pelo mundo e exerceram uma grande influência sobre outros grandes artistas do seu tempo. As suas obras podem ser encontradas em museus e colecções em toda a Europa e no mundo. Também trabalhou noutros géneros, tais como desenho, gravura, ilustração de livros, escultura, cerâmica e desenho de cenários e figurinos para produções teatrais. Tem também uma pequena obra literária.

Politicamente, Picasso declarou-se um pacifista e comunista. Foi membro do Partido Comunista Espanhol e do Partido Comunista Francês até à sua morte a 8 de Abril de 1973, aos 91 anos de idade, na sua casa chamada “Notre-Dame-de-Vie”, na cidade francesa de Mougins. Está enterrado no parque do castelo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Infância

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (de acordo com a sua certidão de nascimento) ou Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (de acordo com a sua certidão de baptismo), foi o primeiro filho de José Ruiz y Blasco e María Picasso López. Nasceu a 25 de Outubro de 1881 em Málaga (Espanha), numa família burguesa. Picasso tinha duas irmãs, Dolores (1884-1958) e Concepción (1887-1895). O seu bisavô materno, Tommaso Picasso (nascido em 1787), era originário da cidade de Sori em Génova, Itália, e mudou-se para Espanha por volta de 1807.

Sabe-se que o seu pai queria ser artista e ensinava desenho na Academia Real de Belas Artes de San Telmo. Pouco se sabe sobre a sua mãe; ela era aparentemente uma personalidade mais forte do que a do marido, e Picasso sempre teve um maior respeito e ternura por ela, o que alguns acreditam que pode ser visto no retrato que desenhou dela em 1923. Pablo começou a pintar muito cedo; em 1889, aos oito anos de idade, após uma tourada e sob a orientação do seu pai, pintou El picador amarillo (“O Picador Amarelo”), do qual sempre se recusou a separar-se.

Em 1891, a família foi forçada a deixar Málaga devido à falta de estabilidade económica de que desfrutava. José Ruiz Blasco tinha começado a pedir repetidamente uma transferência para a cidade de La Coruña, onde tinha sido criado um posto de ensino na Escola de Belas Artes na sequência da sua demissão como curador do Museu de Belas Artes de Málaga em 1888. A mudança não foi nada agradável para a sua família, como se reflecte na expressão que Picasso recordou do seu pai nesta fase: “Sem Málaga, sem touradas, sem amigos, sem nada”, “Só para mim a mudança para a Galiza foi uma celebração”. Na Galiza, Pablo trabalhou nos seus desenhos e mostrou uma forte confiança em si próprio e nos seus dons; ele tinha dez anos de idade. As suas primeiras obras, de um realismo vigoroso e quase feroz, mostraram uma predilecção precoce por personagens populares. Em La Coruña fez a sua primeira exposição aos treze anos de idade e publicou caricaturas e desenhos nas revistas “La Coruña”, “Azul y Blanco” e “Torre de Hércules”, publicadas à mão.

O ano de 1895 foi um ano de acontecimentos importantes na sua infância; em Janeiro faleceu a sua irmã Concepción, e em Setembro o seu pai obteve uma cadeira na Escola de Belas Artes de Barcelona, onde o jovem Pablo foi admitido como aluno e estudou durante dois anos, o que o levou a pintar, talvez para agradar ao seu pai, uma série de quadros em que o academicismo sentimental do estilo foi surpreendente após a vitalidade dos retratos que tinha pintado em La Coruña.

Aluno brilhante e precoce, Picasso passou no exame de admissão à Ecole de la Lonja num único dia, aos catorze anos de idade, e foi autorizado a faltar às duas primeiras aulas. Segundo uma das muitas lendas sobre o artista, o seu pai, tendo reconhecido o extraordinário talento do seu filho quando viu as suas primeiras obras quando criança, deu-lhe os seus pincéis e paleta e prometeu nunca mais voltar a pintar na sua vida.

Ao contrário da música, não há prodígios infantis na pintura. O que as pessoas percebem como génio prematuro é o génio da infância. Não desaparece gradualmente à medida que se envelhece. É possível que uma criança assim se torne um dia um verdadeiro pintor, talvez até um grande pintor. Mas ele teria de começar do princípio. Portanto, no que me dizia respeito, eu não era um génio. Os meus primeiros desenhos nunca foram mostrados numa exposição de desenhos infantis. Faltava-me a desajeitação de uma criança, a ingenuidade de uma criança. Fiz desenhos académicos aos sete anos de idade, com uma precisão que me assusta.

Juventude: as suas amizades em Paris

Em 1912 durante a sua estadia na cidade de Paris, Picasso fez parte de um círculo de amigos distintos nos bairros de Montmartre e Montparnasse, eram André Breton, o poeta; Guillaume Apollinaire, o escritor; Alfred Jarry; e Gertrude Stein. Apollinaire foi preso por suspeita de ter roubado a Mona Lisa do Louvre, e de fazer parte de um bando internacional de ladrões. Apollinaire culpou o seu amigo Picasso, que também foi sujeito a interrogatório, mas ambos foram mais tarde exonerados.

Em Setembro foi para Madrid para começar os estudos na Academia de San Fernando, mas logo deixou a academia: a atmosfera intelectual da capital, impermeável ao modernismo catalão que Picasso tentava introduzir (fundou uma pequena revista em 1901, Arte Jovem, que tinha uma existência bastante breve) não o convenceu. No entanto, aproveitou as suas frequentes visitas ao Museu do Prado para se familiarizar melhor com a obra de El Greco, que foi justificada por artistas e estudiosos do final do século XIX.

A partir de 1898, assinou as suas obras como “Pablo Ruiz Picasso”, depois como “Pablo R. Picasso”, e apenas como “Picasso” a partir de 1901. A mudança não parece implicar uma rejeição da figura paterna; pelo contrário, deveu-se ao desejo de Picasso de se distinguir como personagem, iniciado pelos seus amigos catalães, que o chamavam pelo apelido da sua mãe, o que era muito menos comum do que o Ruiz do seu pai.

Regressou a Barcelona em Junho de 1898, doente de escarlatina, e mudou-se para a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), a aldeia do seu amigo Manuel Pallarés, localizada a sul do Ebro, perto da cidade de Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). Durante esta estadia, Picasso redescobriu as raízes primordiais do país e um certo regresso à natureza, mais em consonância com a ideologia modernista, que constituiu um dos primeiros episódios “primitivistas” da sua carreira.

Tendo abandonado a sua intenção de viver em Madrid para se dedicar a copiar os grandes mestres, em Fevereiro de 1899 regressou a Barcelona, onde começou a frequentar a cervejaria Els Quatre Gats, o carro-chefe da boémia modernista e o local onde realizou a sua primeira exposição individual e fez amizade com Jaime Sabartés e Carlos Casagemas. Foi neste ambiente que Picasso entrou em contacto com o pensamento anarquista, que se tinha estabelecido em Barcelona. A miséria prevalecente nas favelas de Barcelona, os soldados doentes e feridos que regressaram a Espanha após a desastrosa Guerra Cubana, criaram um terreno fértil para a violência social que sem dúvida marcou a sensibilidade de Picasso a nível individual e moral em vez de a nível puramente político, e que pode ser visto em certos desenhos feitos entre 1897 e 1901: O Prisioneiro, Um Medo Anarquista, e O Anarquista.

Entre Barcelona e Paris. O período azul

O período azul de Picasso é conhecido como o período de cerca de 1901 a 1904: este nome vem da cor que domina a gama cromática das suas pinturas, e a sua origem reside no suicídio do seu amigo Carlos Casagemas a 17 de Fevereiro de 1901, o que o deixou cheio de pesar e tristeza. Casagemas, depois de ter tentado assassinar a sua amante Germaine, uma bailarina do Moulin Rouge que frequentava o círculo de artistas espanhóis, cometeu suicídio em Paris. Motivado e emocionado com a morte do seu amigo, Picasso pintou um quadro a que chamou O Enterro de Casagemas, uma pintura alegórica que começou a mostrar a sua transição para o período azul. A divisão do espaço da pintura em duas partes, terra e céu, corpo e espírito, recorda a de El Greco, O Enterro do Conde de Orgaz.

Picasso era um trabalhador incansável. No final de Abril de 1901 regressou a Barcelona, onde expunha Woman in Blue (Museo Reina Sofía, Madrid) na Exposição Geral de Belas Artes, e depois em Maio regressou a Paris, onde se instalou no 130 Boulevard de Clichy, no local onde a Casagemas tinha tido o seu estúdio. Entre Junho e Julho do mesmo ano, Picasso e Iturrino realizaram uma exposição na galeria do Vollard em Paris. Sem dinheiro nem trabalho, em Junho conheceu o poeta Max Jacob, com quem manteria uma relação próxima até à morte de Jacob em 1944. O poeta recordou mais tarde que descobriu a obra de Picasso e, como crítico de arte, expressou a sua admiração pelo talento do pintor. Pouco depois recebeu um convite de Mañach para o apresentar ao jovem que representava (passaram o dia inteiro a olhar para a enorme obra de Picasso, que nessa altura pintava um ou dois quadros por noite, vendendo-os por 150 francos na Rue Laffite. Durante o Outono pintou The Two Harlequins (Harlequin and his Companion) (Museu Pushkin, Moscovo), Harlequin Supported (Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona), Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museu Picasso, Málaga) e Auto-retrato Azul (Museu Picasso, Paris).

Em Paris, Mañach organizou uma exposição de quadros e pastéis na galeria Berthe Weill de 1 a 15 de Abril, com obras de Picasso e Lemaire, e outra em Junho na mesma galeria com obras de Picasso e Matisse. Em Barcelona Picasso recebeu um aviso para entrar no serviço militar em Outubro. Para o evitar, teve de pagar duas mil pesetas, uma quantia fornecida pelo seu tio. Pouco depois regressou a Paris com Sébastien Junyer, e mostrou as suas pinturas azuis pela primeira vez de 15 de Novembro a 15 de Dezembro numa exposição colectiva organizada novamente por Mañach na galeria Berthe Weill.

A partir dessa data, um retrato de Germaine que a Acquavella Galleries adquiriu por 18,6 milhões de dólares num leilão da Christie”s em 2006. Em Dezembro de 1902 ele mudou-se por algum tempo para o apartamento de Max Jacob no 87 Boulevard Voltaire; o quarto tinha apenas uma cama, por isso Picasso trabalhou à noite e dormiu durante o dia enquanto Jacob trabalhava. Nesta altura não podia comprar tela, e teve de se limitar a desenhar.

Em Janeiro de 1903 Picasso regressou a Barcelona. Na Primavera iniciou a pintura Life (Museu de Belas Artes de Cleveland), uma das maiores e mais complexas telas do seu período azul, considerada a sua obra mais importante destes anos, uma obra de simbologia invulgarmente obscura nos seus primeiros trabalhos e sujeita a múltiplas interpretações académicas, sobre as quais o artista nunca se pronunciou. Picasso fez quatro esboços preparatórios para a pintura, variando a composição das figuras pelo menos duas vezes; é de notar que a figura masculina, que começou como um auto-retrato, acabou por ser uma representação do seu amigo Carlos Casagemas. A vida resume a maioria dos temas e atmosfera do período azul: o pessimismo niilista desenvolvido durante os seus anos de formação em Barcelona, intensificado pelas dificuldades materiais que sofreu na altura. “A solidão das crianças, a miséria dos pobres, mendigos e cegos são frequentemente retratadas nas pinturas desse período: The Two Sisters (Museu Hermitage, São Petersburgo), The Poor on the Sea Shore (Galeria Nacional de Arte, Washington D. C.), The Old Guitarist (The Old Guitarist, São Petersburgo), The Poor on the Sea Shore (Galeria Nacional de Arte, Washington D. C.), The Poor on the Sea Shore (Galeria Nacional de Arte, São Petersburgo), The Poor on the Sea Shore (Galeria Nacional de Arte, São Petersburgo), The Poor on the Sea Shore (Galeria Nacional de Arte, Washington D. C.), The Old Guitarist, São Petersburgo). C.), The Old Blind Guitarist (Art Institute of Chicago), The Ascetic (Barnes Foundation, Philadelphia), e La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Paris) estão entre as primeiras obras-primas de Picasso.

No final de 1903, Picasso começou a pensar que só estabelecendo-se permanentemente em França é que a sua reputação ultrapassaria as fronteiras de Espanha. Mudou-se para o estúdio do escultor Pablo Gargallo (1881-1934), que se encontrava então em Paris, no 28 Carrer del Comerç em Barcelona, onde terminou La Celestina (Carlota Valdivia) e começou um novo Retrato de Jaime Sabartés (Museu Kunsternes, Oslo), que completou na Primavera de 1904.

Paris, Bateau Lavoir. O período rosa

Em Abril de 1904 Picasso instalou-se em Paris no Bateau-Lavoir, localizado no distrito de Montmartre, num estúdio que o seu amigo escultor Paco Durrio estava prestes a deixar. Aí retomou o seu contacto com vários artistas espanhóis que também viviam no Bateau-Lavoir, especialmente Ricardo Canals, que lhe ensinou a técnica de gravura em Setembro do mesmo ano, e a sua esposa; também com Manuel Hugué e a sua esposa Totote, e com Ramon Pichot e Germaine, o bailarino pelo qual o seu amigo Casagemas se tinha suicidado. Durante o Verão teve uma relação com “Madeleine”, que aparece em vários desenhos e pinturas, como The Acrobat”s Wife (Art Institute of Chicago) e inspirou o tema da Família Arlequim (1905). Em Agosto de 1904 Picasso conheceu a sua primeira companheira sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artista e amiga da esposa de Ricardo Canals, Benedetta, era conhecida entre a colónia espanhola do Bateau-Lavoir como “la belle Fernande”. Ambos com vinte e um anos, Fernande foi o primeiro verdadeiro amor de Picasso, e tornou-se a sua fonte de inspiração até 1910, embora a sua relação não tenha terminado definitivamente até 1912.

De 25 de Fevereiro a 6 de Março de 1905 exibiu as suas primeiras telas cor-de-rosa na Galerie Sérurier. Os críticos falaram do anúncio de uma transformação luminosa do seu talento; após o drama do período azul, Apollinaire descreveu as obras do período rosa na Revue immoraliste: “Sob o brilho dos seus acrobatas, sente-se realmente a piedade do povo, versátil, astuto, astuto, pobre e mentiroso”. Como disse Fernande Olivier, Picasso parecia amar aquilo para que não foi feito, o que era diferente dele: ciganos, touradas, cabarés sombrios, palhaços e o mundo do circo; ele amava e mergulhava-se com deleite em tudo o que tinha uma cor local violenta.

Na Primavera do mesmo ano pintou uma das suas principais obras desse ano, A Família de Saltimbanquis, uma clara evolução para o período cor-de-rosa; uma paisagem nua e desfocada na qual as figuras bem desenhadas e estilizadas dos marionetistas, personagens marginais cuja vida solitária impressionou Picasso, são enquadradas de forma isolada. Uma tarde, depois de deixar o Cirque Médrano com Max Jacob, decidiu modelar a cabeça em barro, e enquanto trabalhava na peça nos dias seguintes, acrescentou o chapéu e os sinos de um bobo, ao estilo das personagens de circo. A peça chamava-se The Madman (Harlequin”s Head) (Musée Picasso, Paris), que o dono da galeria Ambroise Vollard tinha fundido em bronze.

Durante o Verão, fez uma viagem ao norte dos Países Baixos, ficando em Schoorl durante seis semanas a convite do escritor holandês Tom Schilperoort. Durante a sua estadia pintou um nu, The Dutch Beauty (Queensland Art Gallery, South Brisbane), e The Three Dutchwomen (Musée Picasso, Paris), uma versão pessoal do tema clássico das três graças. Depois de uma breve estadia em Paris, passou umas férias em Agosto com Fernande em Tiana, a nordeste de Barcelona. No seu regresso em Setembro, Fernande mudou-se para o modesto estúdio de Picasso no Bateau-Lavoir; o início da sua relação foi feliz, e as pinturas e desenhos de Picasso de Fernande celebraram a sua beleza e proximidade pessoal. Picasso tinha o hábito de visitar as pequenas galerias, e juntamente com Fernande assistiu aos vernissages populares dos salões oficiais.

Gertrude Stein e o seu irmão Leo instalaram-se em Paris, e dedicaram a sua fortuna a acumular uma extraordinária colecção de arte. Leo Stein comprou Família de Acrobatas com Macacos ao negociante de arte Clovis Sagot, através do qual Leo e Gertrude foram visitar o estúdio de Picasso e compraram-lhe numerosas obras por 900 francos. Picasso tornou-se um visitante regular do salão de Gertrude Stein no seu apartamento em Paris; pintou um retrato de Leo e do seu filho Michael e começou a primeira das oitenta a noventa sessões do famoso Portrait of Gertrude Stein (Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque). Gertrude tinha recentemente comprado a Mulher de Matisse num Chapéu, e decidiu que os dois artistas se deviam encontrar.

Em 1906, após três meses a trabalhar no Retrato de Gertrude Stein, abandonou-o temporariamente e fez os primeiros esboços para Les Demoiselles d”Avignon. Abandonou o tema dos arlequins para cavaleiros e jovens em paisagens bucólicas, na linha de Gauguin e Puvis de Chavannes, numa busca de classicismo temático e formal, o que levou Picasso ao estudo da arte antiga; em Março descobriu a arte primitiva espanhola numa exposição no Louvre das esculturas ibéricas encontradas em Osuna e Cerro de los Santos, incluindo a Senhora de Elche. A galeria de Ambroise Vollard adquiriu a maioria das telas cor-de-rosa também em Março. Em Maio foi com Fernande Olivier a Barcelona, onde a apresentou a amigos e familiares, e depois durante o Verão a Gósol, em Lérida, onde voltou a entrar em contacto com o primitivismo essencial da cultura popular, e pintou cenas de banho e nus vistos de um requintado domínio do vermelho; esta paleta avermelhada de Gósol reflecte uma preocupação com a modelação de volumes, e um regresso às raízes de um Mediterrâneo arcaico. Isto inspirou-o a criar uma série de pinturas com figuras que resgatam certas características desse primitivismo, rompendo com o seu estilo anterior. Embora a simplificação de características e volumes sejam precursores do Cubismo, esta foi uma etapa com a sua própria entidade, que não pode ser incluída em nenhum estilo reconhecido. Podemos observar nestas pinturas as suas próprias características faciais mesmo entre as figuras femininas, o que pode ser visto comparando-as com os auto-retratos desta série. Esta estadia teve um impacto importante no trabalho de Picasso, uma vez que as pinturas de Gósol marcaram o início da sua revolução cubista no ano seguinte; anos mais tarde Picasso retomou o que teria sido o curso lógico deste estilo no seu período neoclássico.

Protocubismo

Em Agosto de 1906, no seu regresso de Gósol, retomou o Retrato de Gertrude Stein, trabalhando de memória (Stein estava em Itália) e reduziu o seu rosto a uma espécie de máscara ibérica, ao mesmo tempo impassível e expressiva. Picasso disse sobre o Retrato de Gertrude Stein: “Todos pensam que ela não é nada parecida com o seu retrato, mas isso não importa, no final ela vai conseguir assemelhar-se a ele. “Influenciado pela escultura ibérica e pelas pinturas de Cézanne, que viu expostas nos salões, Picasso investigou forma e volume, que podem ser vistos em Auto-retrato com Paleta (Museu de Arte de Filadélfia), uma pintura de um arcaísmo quase selvagem que também antecipou as influências acumuladas por Picasso desde 1905.

O Salon d”Automne de 1906 exibiu uma retrospectiva de Gauguin, que causou uma profunda impressão em Picasso e influenciou grandemente a sua obra; o Salon incluiu também dez obras de Cézanne, que morreu por volta da mesma altura. No Inverno Picasso pintou Duas Mulheres Nuas (a monumentalidade das figuras e o uso autónomo da luz e da sombra fazem lembrar Os Grandes Pais de Cézanne). No final do ano, deixou de pintar e iniciou uma série de estudos e esboços de nus para uma composição multifigurada sobre o tema do bordel, que culminaria em 1907 com a revolução representada por Les Demoiselles d”Avignon.

A primeira reacção da comitiva de Picasso aos estudos anteriores das jovens senhoras foi geralmente desfavorável: os seus amigos não compreendiam bem este novo estilo. Num caderno, Apollinaire descreveu-o como “uma linguagem maravilhosa que nenhuma literatura consegue expressar, porque as nossas palavras já foram criadas”. Durante a Primavera de 1907 Picasso encontrou-se, através de Apollinaire, Georges Braque, que, após visitar o seu estúdio, expressou uma certa agitação em relação à pintura em grande escala.

Em meados de Maio pintou Auto-retrato (Národni Galerie, Praga): a linha torna-se um elemento estrutural dominante, marcando as características e até delineando as outras áreas da imagem, quase todas cheias de cor, e muito poucas das quais são modeladas. Deixou mesmo áreas da tela por pintar. No final de Maio começou a última tela de As Jovens Damas de Avignon, e as figuras masculinas desapareceram: uma delas, um marinheiro, foi retirada, e uma estudante à esquerda foi substituída por uma mulher nua segurando uma cortina.

Incentivado por André Derain, Picasso visitou o Museu de Etnografia no Palácio Trocadero em Paris, em 1907. Este foi o seu primeiro contacto com um grande número de peças africanas e oceânicas, que tanto Derain como Matisse tinham há muito recolhido, mas às quais Picasso não tinha prestado muita atenção até então. A descoberta da arte não ocidental deu um novo impulso a Les Demoiselles d”Avignon, e também exerceu uma influência considerável no seu trabalho escultórico. Picasso modificou então os rostos de algumas das senhoras, as duas de aspecto mais “cubista” das cinco, parecidas com as máscaras africanas, enquanto as duas centrais são mais parecidas com o estilo dos frescos medievais e das primeiras esculturas ibéricas; o rosto da figura à esquerda também tem um perfil que lembra as pinturas egípcias. Contudo, “art négre, connais pas”, foi a resposta de Picasso a uma pergunta da revista Action em 1920; este período proto-cubista, que vai de 1907 a 1909, é também conhecido como o Período Africano, Período Negro ou Período Negro de Picasso; o seu estilo foi fortemente influenciado pela escultura africana, mas o artista pretendia sempre o contrário.

Les Demoiselles d”Avignon (MoMA, Nova Iorque) marcou uma nova partida para Picasso, que eliminou referências à tradição rompendo com o realismo, abandonando os cânones de profundidade e perspectiva espacial e o ideal até então existente do corpo feminino, reduzindo o trabalho a um conjunto de planos angulares, sem fundo delimitado ou perspectiva espacial, em que as formas são marcadas por linhas claras e escuras. Os tons ocres-avermelhados são característicos do seu período rosa mais suave, mas a crueza do quadro torna-os agressivos.

A pintura pode também ter sido influenciada pelas figuras alongadas de El Greco, em particular pela sua Visão do Apocalipse, que Picasso possivelmente viu naquele Verão em Paris; a sua estrutura e composição derivam de The Great Bathers de Cézanne; a pintura de Cézanne faz dos objectos uma presença real, com particular ênfase nos volumes e no seu peso, sem a palpitação atmosférica do Impressionismo. De acordo com Fermigier, 1969, p. 69, a sua retrospectiva no Salon d”Automne de 1907 determinou a evolução posterior de Picasso. Braque também, inspirado em Cézanne, começou uma série de paisagens mostrando a sua transição do Fauvismo para o seu período proto-cubista.

A relação com Fernande entrou em crise, e eles decidiram separar-se no final do Verão de 1907, embora se tenham reconciliado no final de Novembro. Na sua ausência, Max Jacob e Apollinaire tinham persuadido Picasso a fumar ópio; Picasso pairava entre as bênçãos das visões e o medo de ceder à apatia e ao cansaço em relação ao trabalho. A paleta de Picasso foi preenchida com cores “africanas” brilhantes: pintou Nude Woman (a Dançarina de Avignon) (colecção privada, Lausanne), um epílogo para The Young Ladies of Avignon em que elementos baseados na arte ibérica e africana atingem um novo grau de simplificação geométrica; no mesmo estilo, The Dance of the Veils (nude with drapery) (Museu Hermitage, São Petersburgo), iniciado no Verão e comprado por Gertrude Stein juntamente com esboços preparatórios para o mesmo; também Flowers on a Table (MoMA, Nova Iorque). Em trabalhos posteriores, os tons de carne tornaram-se ocres e castanhos, e Picasso foi simultaneamente confrontado com muitas experiências de ruptura nas suas pinturas: o abandono da perspectiva; a conquista do espaço, fragmentando os planos através de tons planos com contornos espessos e definidos; a procura do relevo, através de contornos azuis exagerados sobre um fundo castanho e sombreado espesso; estes incluem Amizade (Museu Hermitage, São Petersburgo) e Nu com uma Toalha (colecção privada, Paris). O estúdio de Picasso tornou-se um centro de discussão e debate, e não apenas sobre o seu trabalho. Braque trouxe as suas próprias obras para lá, Matisse e Picasso trocaram pinturas: Still Life Pitcher, Bowl and Lemon (Fondation Beyeler, Riehen, Basileia) de Picasso pelo Retrato de Marguerite de Matisse, a sua filha. A relação de Picasso e Matisse ia da competição ao escárnio à intensa admiração mútua; Matisse disse que ninguém tinha olhado para o seu trabalho como Picasso, e ninguém tinha olhado para o trabalho de Picasso como ele tinha olhado.

Em Janeiro de 1908 Matisse abriu a sua escola, a Academie Matisse. Por outro lado, Derain e Braque eram seguidores de Picasso, o que, somado à sua crescente amizade com Gertrude Stein, irritou Matisse. No Salon des Indépendants, em Maio desse ano, Derain e Braque apresentaram pinturas inspiradas no novo estilo de Picasso, o que causou uma grande agitação entre os críticos. Picasso ficou indignado por a primeira exposição de arte cubista ter sido realizada sem reconhecer o seu papel como fonte de inspiração, especialmente Woman (1908), uma nua muito recente de Braque, que não tinha discutido com ninguém, nem mesmo com Picasso. Após o encerramento do Salão, Braque foi para L”Estaque até Setembro. Os elementos africanos cederam gradualmente no trabalho de Picasso aos efeitos da influência de Cézanne, talvez relacionados com o redutorismo Cezannista das paisagens de Braque.

O seu amigo pintor alemão Wieghels suicidou-se no Bateau-Lavoir após uma noite de consumo excessivo de várias drogas; esta tragédia convenceu Picasso e Fernande para desistirem do ópio; Composição com uma cabeça de homem morto (Museu Hermitage, São Petersburgo), concluída no final da Primavera, pode ser uma comemoração da morte de Wieghels.

Quando Braque submeteu as suas paisagens ao Salon d”Automne em Setembro, o júri, cujos membros incluíam Matisse, rejeitou os trabalhos. De acordo com Apollinaire, Matisse foi o primeiro a aplicar os termos “Cubista” e “Cubismo” quando rejeitou as obras de Braque submetidas ao Salão. Esta história tem sido considerada a origem oficial do movimento desde 1912. Josep Palau i Fabre assinala que o Outono de 1908 marcou o início do que ele chama o período verde de Picasso: as naturezas mortas que ele pintou nessa altura mostram uma estilização formal que se deve possivelmente à aplicação dos postulados Cezanescos, segundo os quais as formas seriam reduzidas a cones, cilindros e esferas. Esta esquematização geométrica não implica uma perda de corporeidade nos objectos representados, podendo por isso ser descrita como relevo plano. Durante todo o Verão e Outubro completou a versão final de Three Women (Museu Hermitage, São Petersburgo), na qual as influências africanas dos primeiros estudos da pintura são diluídas no novo estilo do período verde.

Após a exposição das obras de Braque na galeria de Daniel-Henry Kahnweiler, que foi melhor recebida pela crítica do que as suas obras apresentadas no Salon des Indépendants, Picasso organizou um banquete no Bateau-Lavoir em honra de Rousseau, para celebrar o facto de ter acabado de comprar uma obra do pintor, Retrato de uma Mulher, por cinco francos na antiquária de Père Soulier. Durante esse Inverno, a troca de ideias entre Braque e Picasso aumentou a um nível diário, enquanto a sua amizade se fortalecia. A fruta natureza morta, um motivo emblemático de Cézanne, foi um dos temas que os dois pintores partilharam nesta altura: Le compotier (Prato de fruta) (MoMA, Nova Iorque), Still Life with Fish and Bottles (Musée d”Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d”Ascq). Também trabalhou durante o Inverno no Carnaval no Bistrot (Musée Picasso, Paris), que se cristalizou no início de 1909 no Pão e Fruteira com Fruteira numa Mesa (Musée d”Art Basel).

Picasso começou a ser apreciado por coleccionadores; um amigo dos Steins, que tinha acabado de comprar as suas Três Mulheres, o suíço Hermann Rupf comprou várias das suas obras, e a Dutilleul (também cliente da Braque) iniciou a sua colecção. Em Março de 1909 foi publicado um artigo de Charles Morice no Mercure de France no qual o termo Cubismo apareceu pela primeira vez na imprensa. Em Maio, Picasso e Fernande foram a Barcelona visitar a família e velhos amigos; pintou um Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts) no estúdio do seu amigo. Posteriormente mudaram-se para a Horta de San Juan, onze anos após a sua primeira visita, onde pintou e desenhou naturezas mortas e numerosos retratos de Fernande, incluindo Mulher Nua numa Poltrona (colecção privada, França) e Busto de uma Mulher (Fernande) (Museu de Arte de Hiroshima). A série de retratos de Fernande começou em Paris e culminou em Mulher com Pêras (Fernande) (MoMA, Nova Iorque). Também produziu seis grandes paisagens, incluindo The Reservoir (Horta de Ebro) (MoMA, Nova Iorque); The Horta Factory (Museu Hermitage, São Petersburgo) e Houses on the Hill (Horta de Ebro) (New National Gallery, Berlim). Estes foram os inícios do cubismo analítico, endividado com os conceitos de alívio, “perspectiva inversa” e modelação de Cézanne.

Nas obras que pintou na Horta, árvores e formas naturais foram obviadas, e a rocha amorfa superficial foi analisada e quebrada em planos e depois reconstruída por sobreposição dos planos; em alguns casos, a geometrização estendeu-se ao céu, e o conjunto ofereceu uma composição rigorosa com uma profundidade que não invejava a perspectiva tradicional. A utilização da luz foi inteiramente arbitrária, estritamente para acentuar os contornos e afiar os relevos. No entanto, o Cubismo Analítico ainda era uma revisão e não uma rejeição da tradição; a pintura permaneceu uma janela ilusória para um mundo representado e reconstruído. O Cubismo Sintético constituiu uma negação da tradição europeia; a colagem quebrou a inviolabilidade da superfície do quadro e a representação da realidade deixou de ser o objectivo do quadro e tornou-se o seu ponto de partida.

Em Setembro mudou-se para Paris, para a 11 boulevard de Clichy. Voltou carregado de obras no novo estilo e, apesar da rejeição do público e dos críticos da exposição Vollard organizada para eles, o seleto grupo de coleccionadores chefiados por Gertrude Stein e Sergei Shchukin continuou a comprá-los. Fechado no seu novo estúdio, continuou a desenvolver o Cubismo, que nessa altura partilhava não só com Braque mas também com um grupo de artistas de Montmartre fortemente influenciado pelo novo estilo, incluindo Derain, o espanhol Juan Gris e Léger. O cubismo estava a espalhar-se por toda a Europa, com o construtivista e suprematista Malevich na Rússia e Mondrian na Holanda, embora ambos mostrassem sérias diferenças com o estilo de Picasso: Segundo Penrose, a sua busca de uma geometria pura de formas levou-os a afastarem-se do tema pictórico em direcção à abstracção, algo que não fazia parte dos instintos de Picasso, para quem remover símbolos e alusões poéticas da pintura era uma forma de emasculação; também inspirou os Futuristas liderados por Marinetti em Itália e os Vorticistas em Inglaterra, que basearam a sua teoria estética na forma e no movimento e ritmo mecânico, tentando introduzir o tempo na representação pictórica. Mas Picasso não procurou o desenvolvimento de teorias ou escolas; a sua necessidade era de uma ruptura com o passado e de dar à obra de arte a sua própria vida interior.

No estúdio de Manuel Hugué fez esculturas como a de Cabeça de Mulher (Fernande) (Museu Picasso em Barcelona, inspirado nas telas que pintou na Horta. Fernande não se sentiu à vontade com as mudanças que estavam a ocorrer no seu ambiente e estilo de vida, ela ansiava pela espontaneidade dos seus primeiros dias juntos.

Picasso e Fernande passaram o Verão de 1910 em Cadaqués (alugaram uma casa junto ao mar, a que se juntaram Derain e a sua mulher. Depois das férias, Picasso regressou carregado de obras inacabadas nas quais era evidente um avanço para a nova língua do Cubismo; no Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler, que pintou depois das férias, a figura é tratada como uma estrutura tridimensional que se manifesta em elementos deslocados no espaço numa trama transparente, vista de múltiplos ângulos e no entanto formando um todo coerente, como é também o caso em pinturas como a Nude Woman Standing (Museu de Arte da Filadélfia).

Durante o Inverno de 1910 a 1911, Picasso e Braque colaboraram tão estreitamente que é difícil rastrear a origem das ideias que ambos puseram em marcha, e como não assinaram as suas pinturas, houve alturas em que tiveram dificuldade em distinguir a sua própria obra da do outro; à medida que progrediram na sua análise do objecto, Picasso e Braque sentiram que tinham perdido a referência à sua realidade reconhecível. A inclusão de elementos da realidade nas suas composições cubistas levou-os mais tarde a trompe l”œ, e daí à invenção da colagem, rompendo assim com a tradição de não utilizar mais do que um meio para uma obra e pondo em causa os princípios da própria pintura.

Picasso viajou para Céret, uma aldeia francesa na região histórica de Roussillon, em Julho de 1911. Fernande Olivier e Braque juntaram-se a ele em Agosto, e os dois pintores continuaram a sua estreita colaboração na definição do Cubismo. Produziram vários quadros nos quais introduziram o cabeçalho do jornal local nas suas obras, com uma tipografia gótica reconhecida, como The Fan (”L”Indépendant”) (colecção privada, Ascona, Suíça). A 5 de Setembro Picasso regressou a Paris e no Salon d”Automne de 1911 apresentou uma sala cubista, da qual tanto ele como Braque estavam ausentes. Este facto chocou a imprensa em Nova Iorque, Madrid e Amesterdão, que cobriam o evento, pois eram conhecidos por serem os fundadores do estilo; vários artigos e ensaios sobre Picasso e Braque foram publicados em toda a Europa. A relação com Fernande tinha-se deteriorado, e no Outono desse ano Picasso conheceu Eva Gouel (Marcelle Humbert), até então a parceira sentimental do pintor polaco Louis Markus, a quem chamou ma jolie (a minha beleza) em vários dos seus quadros.

No início de 1912 Picasso produziu a primeira escultura construída, Guitarra (MoMA, Nova Iorque), feita de cartão, cordel e arame. Picasso iniciou largamente um processo que levou à libertação da escultura de conceitos clássicos como o volume e a substituição dos processos de modelação ou escultura por todo o tipo de técnicas construtivas que constituíram uma transformação revolucionária na escultura. Num paralelo com a técnica da colagem cubista, cujo primeiro exemplo é o Still Life with Braided Chair (Musée Picasso, Paris), criado na Primavera de 1912, as formas foram reduzidas a planos que podiam ser livremente articulados. Os conceitos de montagem e construção permitiram introduzir novas técnicas e materiais; a decomposição do volume trouxe novas perspectivas, a apreciação do vazio e da luz como elementos escultóricos de igual importância para a massa.

Entre 1912 e 1915, Picasso e Braque desenvolveram a segunda fase do Cubismo, na qual devolveram ao seu trabalho um equivalente aos conceitos tradicionais que tinham quebrado ou eliminado na fase anterior; formas, objectos e palavras tornaram-se reconhecíveis enquanto a superfície era reconstituída; recuperaram o uso de um cromatismo mais sólido e brilhante, planos foram claramente delineados e demarcados, sobrepostos e envolvendo superfícies texturizadas e padrões decorativos.

Entre Abril e Maio de 1912 foi realizada uma exposição cubista na Galeria Dalmau em Barcelona, sem obras de Picasso ou Braque. A relação com Fernande terminou; Picasso escreveu a Braque: “Fernande deixou-me por um Futurista”. A 18 de Maio chegou a Céret com Eva, onde fez alguns desenhos nos quais aplicou papel de parede do século XIX e restos de diário. Quando em Junho Picasso soube que Fernande está a planear ir a Céret para o Verão com Pitxot e a sua mulher, escreveu a Kahnweiler para lhe dizer que não esperaria nada dele, que ficaria feliz se nunca mais a visse, reafirmando ao mesmo tempo o seu amor por Eva, indicando que a vai escrever nos seus quadros. É provável que entre Junho e Setembro tenha trabalhado em Female Nude (”J”aime Eva”) (um trabalho mais leve, mais colorido, com toques de cores ácidas, em que a construção da figura feminina deriva da técnica de colagem que utilizava nos seus desenhos). Fugindo da visita de Fernande, a 25 de Junho mudou-se para a Villa des Clochettes, em Sorgues-sur-L”ouvèze. Braque ficou impressionado com as pinturas de Céret, e Picasso pediu-lhe a sua opinião sobre Violino (“Jolie Eva”) (New Stuttgart State Gallery), na qual pintou superfícies imitando adições de madeira e papéis escritos, ou sobre O Amador (Le torero) (Museu de Arte de Basileia). Braque mudou-se para Sorgues em Agosto, onde retomaram o seu trabalho e continuaram a delinear os seus conceitos artísticos.

Em meados de Dezembro regressou ao Céret, de onde viajou para Barcelona com Eva durante as férias de Natal. Regressou a Paris a 21 de Janeiro de 1913, onde começou a trabalhar em Violin Hanging on the Wall (Musée des Beaux-Arts, Berna), no qual implementou o uso de adição de areia à tinta e, numa dupla imitação, simula o efeito de colagem através de aviões que lembram os recortes de papel (que por sua vez imitam uma textura de madeira) que Braque e Picasso costumavam usar nas suas colagens, Ao mesmo tempo, produziu uma segunda série de colagens de papiers em que utilizou jornais contemporâneos de Paris (em vários deles utilizou Le Figaro) ou de Céret, em que se pode observar um aumento da abstracção e uma maior coloração.

Picasso e Eva regressaram ao Céret em Março de 1913, embora ele viajasse para Barcelona em várias ocasiões. O seu pai morreu no início de Maio e Picasso assistiu ao seu funeral. A saúde de Eva também não era boa, e piorou no final da primavera. Em Junho Picasso regressou a Paris, e ao mesmo tempo ficou doente com angina ou bronquite (da qual recuperou no final de Julho), tal como Eva, que aparentemente nunca recuperou totalmente. Em Agosto voltaram ao Céret, onde completou o Homem com uma Guitarra (MoMA, Nova Iorque), que mostra o Cubismo sintético desenvolvido: motivos fragmentados do Cubismo analítico sintetizados em grandes formas planas que são “sinais” de objectos. Após uma curta estadia, regressaram a Paris a 19 de Agosto, onde começaram a mudar-se para um novo estúdio na rue Schoelcher 5bis, na avenida Raspail, com vista para o cemitério de Montparnasse. Isto marcou o início do período conhecido como Cubismo Poético.

Na altura do Salon d”Automne, Picasso pintou duas obras de particular importância, o Card Player (MoMA, Nova Iorque), que contém muitos elementos da colagem trompe l”oeil, e Woman in a Shirt Sitting in an Armchair (colecção privada, Nova Iorque), que combina a cor do Cubismo analítico e os padrões esquemáticos do Cubismo sintético. Também continuou a desenvolver as suas montagens; no final do ano, o russo Vladimir Tatlin, que conhecia o seu trabalho da colecção Shchukin em Moscovo, visitou Paris para ver Picasso e o seu estúdio, onde viu as construções deste último. No seu regresso a Moscovo, Tatlin fez as suas primeiras construções.

Em 1914 Picasso produziu uma terceira série de colés papiers. Em 14 de Janeiro Kahnweiler publicou O Cerco de Jerusalém de Max Jacob, ilustrado por Picasso. Também trabalhou nas suas construções, incluindo The Glass of Absinthe (MoMA, Nova Iorque), das quais o seu revendedor Kahnweiler encomendou seis exemplares em bronze, pintados de diferentes maneiras, alguns altamente coloridos, outros com uma textura arenosa.

No final de Junho, Picasso e Eva mudaram-se para Avignon, perto de Derain, que estava em Montfavet, e Braque em Sorgues. O ataque em Sarajevo no qual o Arquiduque Franz Ferdinand da Áustria e a sua esposa foram assassinados desencadeou a deflagração da Primeira Guerra Mundial. Apollinaire candidatou-se à cidadania francesa para se alistar como voluntário; Braque e Derain foram mobilizados; Picasso despediu-se deles na estação de Avignon a 2 de Agosto de 1914. No Outono, ainda em Avignon, Cards, Glasses, Bottle of Rum (Vive la France) (Leigh B. Bloch Collection, Chicago) abriu o período do Cubismo Pointillist. Trabalhou em séries de desenhos de homens apoiados numa balaustrada, numa mesa ou numa cadeira, em estilos que vão do naturalismo ao cubismo; a tela inacabada The Artist and His Model (Musée Picasso, Paris), presumivelmente Eva, mostra uma tendência para voltar à figuração representativa que mais tarde ressurgiria.

Regressando a Paris em meados de Novembro, a sua atitude algo ambivalente em relação à guerra e a sua relação com os seus patronos alemães Kahnweiler e Thannhauser, juntamente com o facto de a maioria dos jovens estarem na frente, fez com que Picasso fosse visto com desconfiança. No Inverno pintou a pintura a óleo Still Life: Guitarra, Jornal, Vidro e Ás de Trevo (Musée Picasso, Paris), que introduziu o período conhecido como Cubismo Frio, em que a composição era trabalhada em cores frias, com predominância do azul.

Em Janeiro de 1915, produziu o retrato a lápis de Max Jacob (Musée Picasso, Paris), num estilo naturalista. A saúde de Eva continuou a declinar e foi submetida a uma operação; em Maio, enquanto estava num sanatório, Picasso teve um caso com Gabrielle Depeyre, com quem fez uma viagem secreta a Saint-Tropez nesse mesmo ano. Em Agosto produziu outro desenho, Portrait of Ambroise Vollard (Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque), com uma técnica clássica e uma semelhança quase fotográfica. Desenhos deste tipo foram ainda contemporâneos com pinturas cubistas, como o Arlequim (MoMA, Nova Iorque), uma composição austera de grandes áreas geométricas monocromáticas sobre fundo preto, parte de uma longa série sobre esse tema, que pode ser entendida como uma alegoria de perda, particularmente a doença fatal de Eva, que foi transferida para o hospital de Auteil em Novembro. Picasso passou um momento muito difícil, “a minha vida é um inferno”, escreveu a Gertude Stein. Eva morreu a 14 de Dezembro de 1915.

Durante a guerra o seu trabalho centrou-se em naturezas mortas cubistas e retratos num estilo naturalista; Cubismo, Pontilhismo, Maneirismo e Neoclassicismo coexistiram no seu trabalho a partir de 1917. No final da guerra, embora tenha continuado a trabalhar simultaneamente nestes estilos díspares, Picasso tendeu gradualmente para um estilo neoclássico, que se desenvolveu plenamente em 1920 e manteve o seu interesse até 1924.

Os Ballets Russes

Em 1916 teve relações com duas mulheres: Gabrielle Lespinasse, uma showgirl de Montparnasse com quem teve um caso sem consequências, e Elvira Paladini, sensual e sibarítica, cuja presença estimulou uma certa premonição da Itália na obra de Picasso. Em Março Apollinaire voltou ferido da frente e Picasso produziu vários desenhos que o retrataram nos três meses seguintes, tais como Portrait of Apollinaire (colecção privada), também num estilo realista. Em Junho começou a mudar-se para a rue Victor-Hugo, 22, no distrito de Montrouge. Pintou vários retratos de Elvira Paladini e Apollinaire, num estilo realista, e vários desenhos de arlequins reminiscentes do período rosa. A primeira exposição pública de Les Demoiselles d”Avignon realizou-se em Julho no Salon d”Automne, organizado por André Salmon. Como foi o caso do Cubismo, os críticos foram bastante duros com uma obra que não conseguiam compreender.

Após algumas visitas anteriores, Jean Cocteau, que conhecera em Dezembro do ano anterior, convidou-o a 1 de Maio para desenhar o cenário da companhia Ballets Russes, dirigida por Sergéi Diágilev, com um libreto do próprio Cocteau e música de Erik Satie; durante a visita, deveria produzir um retrato realista do escritor. No final de Maio, Cocteau levou Diágilev a visitá-lo no seu estúdio, onde discutiram os planos para o ballet, Parade. Em Agosto de 1916 concordou finalmente em trabalhar no desfile de ballet. Picasso fez várias alterações ao trabalho, ideias de que Satie gostava mais do que Cocteau. Finalmente em Setembro acordaram, e em Janeiro de 1917 confirmou com Diágilev o acordo para fazer os cenários e figurinos para o ballet pela soma de 5000 francos, com mais 1000 francos se ele tivesse de ir a Roma. Entre Fevereiro e Março trabalhou na cortina para o desfile de ballet (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris).

A 19 de Fevereiro chegou com Cocteau a Roma para se juntar a Diagilev e aos Ballets Russes. Ficou oito semanas no Grand Hôtel de Russie, na esquina da Via del Babuino e Piazza del Popolo, onde fez muitos desenhos da Villa Medici a partir da sua janela. Produziu muitos esboços para os trajes e decorações para o ballet num estúdio alugado na 53b Via Margutta. Quando não estava a trabalhar, socializou com Diagilev, o coreógrafo da peça Léonide Massine, o cenógrafo Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, dos quais fez retratos rápidos e caricaturas. Conheceu também os artistas futuristas italianos e visitou com eles os famosos locais da cidade, a Capela Sistina, as Salas Raphael e os museus de escultura do Vaticano. A sua estadia em Roma renovou o seu interesse pelo estilo académico de Ingres, cuja influência se reflectiria no seu trabalho nos anos seguintes. Durante este período, conheceu a bailarina Olga Jojlova, membro da companhia de Diagilev, com quem acabou por casar.

Em Março de 1917, Diagilev levou Picasso, Stravinsky, Cocteau e Massine numa viagem a Nápoles, de onde visitaram as ruínas de Herculaneum e Pompeia. Naqueles dias apareceu em Paris a revista literária de vanguarda Nord-Sud, que durante a sua curta existência foi um poderoso fórum de discussão vanguardista do cubismo, e tentou reunir os centros parisienses de literatura tradicional e de vanguarda, Montmartre e Montparnasse. Os seus colaboradores incluíam muitos dos escritores que iriam moldar o surrealismo: Apollinaire (que cunhou o termo por esta altura), André Breton, Louis Aragon e Tristan Tzara, entre outros. Em Abril Cocteau regressou a Paris e Picasso juntou-se à companhia Ballets Russes na sua viagem a Itália para estar perto de Olga, passando por Florença (onde visitou a Capela dos Médicis, com os túmulos de Miguel Ângelo) e Veneza.

Após a tournée a Itália, a companhia foi a Paris no final de Abril, onde a 18 de Maio de 1917 teve lugar a primeira actuação do Desfile no Théâtre du Châtelet. A combinação de estilos vanguardistas na arte, música e coreografia, num período marcado pela guerra na Europa, tornou-a no escândalo que Diágilev esperava, sendo classificada como “ofensivamente anti-Francês”. Apollinaire observou no seu ensaio para o programa do ballet que a síntese dos desenhos de Picasso e da coreografia de Massine alcançou pela primeira vez uma espécie de “surrealismo onde vejo o ponto de partida de uma série de manifestações deste Novo Espírito”. Entre Maio e Junho produziu um Auto-retrato realista (Musée Picasso, Paris) e The Eyes of the Artist (Musée Picasso, Málaga).

Em Novembro, os Ballets Russes regressaram a Espanha; realizaram o desfile em Barcelona, para uma recepção morna; durante a actuação, a irmã de Picasso, Lola, e o seu marido apresentaram-no à então estudante de arte Joan Miró. No final de Novembro, Olga e Picasso preparam-se para regressar a Paris.

1918 marca o início do que Max Jacob identificou como o período da Duquesa, que terminou por volta de 1923. De 23 de Janeiro a 15 de Fevereiro de 1918, Picasso expôs uma série de pinturas proto-cubistas com Matisse na galeria de Paul Guillaume. Num clima ainda hostil ao Cubismo, a exposição atraiu muitos comentários da imprensa; é possível que Les Demoiselles d”Avignon fizesse parte da exposição. Ele completou um Retrato de Olga numa Poltrona (Olga insistiu que os seus retratos deveriam ser reconhecíveis.

Entre Abril e Maio mudou-se com Olga para o Hotel Lutetia, um hotel de primeira classe na Boulevard Raspail; o seu estilo de vida mudou, frequentou o círculo dos Ballets Russes e mudou-se para a alta sociedade. A 12 de Julho casou-se com Olga, primeiro na cerimónia legal requerida e depois numa missa de três horas na Igreja Ortodoxa Russa na Rue Daru em Paris. As suas famílias não compareceram, e Picasso pediu a Jean Cocteau, Max Jacob e Apollinaire para agirem como testemunhas. Após o casamento, Olga recusou-se a ir a Montrouge, dizendo que nunca mais voltaria àquela casa “que cheirava a demasiadas mulheres”. A 30 de Julho chegaram a Biarritz para a sua lua-de-mel; permaneceram na Villa La Mimoseraie, propriedade do seu amigo chileno Eugenia Errázuriz. Aí desenvolveu temas marinhos, tais como Os Padres (Musée Picasso, Paris), num estilo maneirista que lembra as suas figuras alongadas inspiradas no estilo de El Greco. A sua anfitriã apresentou-o aos negociantes de arte Georges Wildenstein e Paul Rosenberg; Rosenberg, em nome de Wildenstein, fez um contrato com Picasso. Produziu alguns retratos ao estilo neoclássico de Ingres das suas mulheres e dos visitantes da sociedade rica.

No final de Setembro regressou com Olga a Montrouge. Paul Rosenberg tornou-se concessionário oficial de Picasso, que só aceitou um acordo verbal com Picasso, dando ao concessionário a primeira escolha da obra do artista; Daniel-Henry Kahnweiler tinha sido o seu concessionário desde 1907 até ao início da guerra germano-francesa e foi forçado a partir para a Suíça. A 8 de Outubro Picasso alugou um grande apartamento na rue de La Boëtie. É provável que nessa altura tenha conhecido Louis Aragon, e através dele e de Apollinaire, André Breton. Pouco depois, a 9 de Novembro de 1918, dois dias antes da assinatura do armistício de Rethondes que terminou a Primeira Guerra Mundial, Apollinaire morreu de gripe espanhola no seu apartamento na avenida Saint-Germain. A partir dessa data, Picasso visitou todos os anos o túmulo do seu amigo no cemitério de Père-Lachaise, nessa data.

Durante 1919, continuou a trabalhar simultaneamente em obras cubistas e realistas. Produziu algumas obras realistas, nas quais se pode ver uma certa monumentalidade e peso escultórico nas figuras, tais como Still Life with Jug and Apples (Musée Picasso, Paris) no estilo robusto e clássico do falecido Ingres, um carácter escultórico e uma aparência maciça nas figuras que se tornariam aparentes nas suas obras neoclássicas de 1920.

A chegada dos Ballets Russes a Londres após a guerra coincidiu com uma época em que o interesse pela arte, especialmente a arte de vanguarda, estava em voga, e o ballet permitiu uma combinação do prestígio dos grandes dançarinos e o escândalo dos jovens artistas revolucionários, que tanto agradaram aos snobs como atraíram intelectuais. O ballet permitiu combinar o prestígio de grandes bailarinos com o escândalo de jovens artistas revolucionários, que tanto agradaram aos snobs como atraíram intelectuais. Em Maio, Picasso chegou a Londres, onde Diagilev estava a preparar um novo ballet com música de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, baseado no romance homónimo de Pedro Antonio de Alarcón. Picasso ficou entusiasmado com a história, ambientada no sul de Itália no século XVIII, e com a oportunidade de trabalhar novamente com Massine e pela primeira vez com Falla. Durante os seus três meses em Londres fez numerosos esboços, desenhos e aguarelas para os cenários, fatos e cortina, que pintou pessoalmente, assistido por Vladimir Polunin e a sua esposa Elizabeth. Quando não estavam ocupados com os ensaios e testes do ballet, interagiram com a sociedade inglesa, onde Picasso conheceu muitos artistas e escritores.

A estreia de El sombrero de tres picos no Teatro Alhambra, a 22 de Julho de 1919, foi um enorme sucesso que logo levou à abertura de escolas de dança espanhola em Londres. Massine tinha aprendido os ritmos do flamenco e aplicou-os à coreografia dos bailarinos, cujos figurinos foram adaptados à acção. Picasso tinha utilizado instintivamente curvas e zig-zags, motivos característicos das carroças camponesas espanholas, ritmos provavelmente descendentes de arabescos caligráficos árabes. O contraste de verde, rosa, vermelho e preto também evocava a Espanha. O crítico Jean Bernier escreveu: “todos os trajes são, sem excepção, cheios de calor e força, temperados por um gosto pela dignidade que é muito andaluz”.

Acompanhando o sucesso do ballet, veio a vida social; Picasso e Olga, para deleite de Olga, foram convidados para uma série de festas da alta sociedade. Picasso encomendou fatos aos melhores alfaiates e apareceu impecavelmente vestido nas recepções da moda. Em Agosto Olga e Picasso regressaram a Paris, e de lá foram a Saint-Raphaël na Costa Azul; é provável que na viagem de comboio Picasso tenha observado a cena da colheita que descreveu na Siesta. O tema das janelas em Saint-Raphaël, que ele trabalhou nesse Verão em muitas aguarelas e desenhos, persistiu no trabalho de Picasso no seu regresso a Paris no Outono até ao início da década de 1920.

Instalando-se no seu apartamento na rue de la Boëtie, Picasso afastou-se gradualmente do estilo de vida boémio em que tinha vivido antes da guerra; a sua vida pessoal era mais calma, embora pudesse ser visto vestido elegantemente em cocktails ou jantando fora com Olga, vestida de Chanel. A sua associação com os Ballets Russes e os negociantes de arte Léonce e Paul Rosenberg trouxeram-lhe uma atenção crítica e visibilidade mais favoráveis.

Em Dezembro de 1919 Diagilev, de regresso a Paris após a temporada de Londres, convidou-o a colaborar num novo ballet inspirado na Commedia dell”Arte, Pulcinella, com música de Stravinsky. Diagilev rejeitou os primeiros esboços por serem demasiado modernos e ornamentados, e Picasso simplificou-os mais tarde. Diagilev rejeitou os primeiros esboços por serem demasiado modernos e ornamentados; Picasso simplificou-os mais tarde. No início dos anos 20 desenvolveu um grande número de esboços e estudos para Pulcinella.

A 23 de Janeiro de 1920, o Chapéu de Três Coroas foi apresentado no Théâtre National de l”Opéra em Paris, para o qual convidou o seu amigo Max Jacob, a quem viu com menos frequência. A caminho do teatro Jacob foi atropelado por um carro e hospitalizado; Picasso visitou-o frequentemente no hospital, mas começaram a ver-se menos um ao outro depois disso, à medida que Jacob procurava uma vida social menos agitada e pública.

A ideia de Massine para o ballet derivou das actuações de rua que viram na sua viagem a Nápoles em 1917. Juntamente com Diagilev, desenvolveram o libreto com base em textos antigos napolitanos; a música de Stravinsky é um arranjo sobre música de Giovanni Battista Pergolesi, um compositor italiano do século XVIII. Os primeiros esboços de Picasso foram num estilo pseudo-Rococo que, após a rejeição inicial de Diagilev, simplificou para um estilo cubista com grandes superfícies planas em azul, cinzento e branco, sobre o qual se destacaram os trajes das personagens, baseados no estilo das personagens tradicionais da Commedia dell”Arte. Pulcinella estreou no Théâtre National de l”Opéra, em Paris, a 15 de Maio de 1920.

Este estilo dos conjuntos de Pulcinella foi alargado à pintura de Picasso, como se pode ver em Pulcinella com uma guitarra em frente a uma cortina (Massine saluting); as cores são vivas mas não estridentes, e a superfície pintada tornou-se completamente plana. Durante o Verão em Juan-les-Pins continuou a desenvolver este estilo e tema numa série de guaches coloridos, geométricos e planos na Commedia dell”Arte, como Pierrot e Harlequin (National Gallery of Art, Washington). Em Setembro, ainda em Juan-les-Pins, produziu uma série de desenhos e aguarelas sobre um tema da antiguidade mediterrânica, um episódio da tentativa de rapto de Deyanira, esposa de Hércules, pelo centauro Nessus, inspirado nos frescos pompinos que viu na sua viagem a Nápoles em 1917.

Durante o Verão, evitando o calor do sul de França, mudou-se com Olga e Pablo para Fontainebleau. O Verão em Fontainebleau foi prolífico, com uma maioria de obras no estilo escultórico neoclássico. Os principais temas são mãe e filho e mulheres numa fonte; estes podem ser vistos em Mother and Child at the Seashore (Art Institute of Chicago), e Three Women at the Fountain (Musée de l”Orangerie, Paris), com vestido greco-romano e penteados. Também criou duas obras-primas ao estilo cubista sintético: Músicos com Máscaras (MoMA, Nova Iorque) e Músicos com Máscaras (Three Musicians) (Museu de Arte da Filadélfia); o tema lembra a sua colaboração com os Ballets Russes, particularmente alguns dos estudos para arlequins e pierrots de Pulcinella.

Em 1922 Breton, conselheiro de Jacques Doucet em matéria de arte, começou a convencê-lo da importância de acrescentar grandes obras de Picasso à sua colecção de arte moderna, o que levou em 1924 à aquisição de Les Demoiselles d”Avignon. Em Junho, durante uma visita a Dinard (Bretanha), pintou Two Women Running on the Beach (The Race) (Musée Picasso, Paris), uma idealização das figuras monumentais que pintou em 1921 com um novo elemento, o tratamento do movimento, que mais tarde serviu de modelo para o pano de fundo do Le Train Bleu de Diagilev em 1924. Fez também alguns esboços do seu filho e da sua mulher e filho juntos, como se pode ver no “Family by the Sea” (Musée Picasso, Paris). A 20 de Dezembro de 1922, a adaptação modernizada de Jean Cocteau do Antigone de Sophocles estreou no Théâtre de l”Atelier em Montmartre (Paris). A peça tinha cenários de Picasso, figurinos de Coco Chanel e música de Arthur Honegger.

No Verão de 1924 mudou-se para a Villa La Vigie em Juan-les-Pins. Picasso desenvolveu num caderno de esboços uma série de desenhos pré-surrealistas, constelações de linhas e pontos, que foram utilizados anos mais tarde para uma edição ilustrada preparada por Ambroise Vollard of Honoré de Balzac”s Le Chef-d”œuvre Inconnu; para celebrar o aniversário do seu filho, Picasso pintou todos os anos retratos do rapaz; em 1924 pintou Pablo de harlequin (Musée Picasso, Paris).

A controvérsia em torno dos Soirées de Paris cresceu durante o Verão e provocou um cisma entre os ex-dadaístas, colocando o grupo de Breton contra outro grupo que girava em torno de Ivan Goll. Em Outubro Breton publicou o Manifesto Surrealista, no qual delineou as consequências artísticas da teoria da psicanálise de Sigmund Freud e a interpretação dos sonhos. O termo Surrealismo, cunhado por Apollinaire em 1917, foi adoptado por Breton como o nome do seu grupo. Embora Picasso nunca tenha aderido oficialmente ao movimento surrealista, o seu trabalho foi muito admirado por Bretão, tal como por Tristan Tzara e os dadaístas. A obra de Picasso é reproduzida em oito dos onze números de La Révolution Surréaliste, publicados entre 1924 e 1929.

Surrealismo

Desde o seu casamento com Olga e o nascimento do seu primeiro filho, Pablo, Picasso tinha gozado de uma vida familiar feliz; levava uma vida social muito activa, alternando com a aristocracia e a intelectualidade parisiense; os críticos de vanguarda elogiaram as suas realizações artísticas, embora se concentrassem nos aspectos formais, ignorando os elementos intuitivos e psicológicos do seu trabalho. Aceite pela sociedade e pelos críticos, Picasso era visto como parte da tradição francesa que se situava acima das artimanhas da nova geração de dadaístas anti-burgueses, que estavam a começar a ser suplantados pelo grupo que se tornaria conhecido como os surrealistas.

Em 1925 pintou Pablo de pierrot (O Filho do Artista) (Musée Picasso, Paris) para o quarto aniversário do seu filho, num estilo naturalista semelhante ao retrato do arlequim que pintou no ano anterior. Também pintou The Dance (Tate Modern, Londres), um momento crucial no desenvolvimento de Picasso, após um período em que trabalhou tanto numa forma decorativa de cubismo sintético como num estilo neoclássico figurativo. A dança está em dívida com ambos os estilos, mas a sua importância reside no facto de marcar uma ruptura com uma fase serena e clássica e o início de um novo período de violência emocional e de distorção expressionista.

A dança marcou o início do período surrealista de Picasso, entre 1925 e 1938. Antítese dos seus desenhos clássicos de dança, o carácter expressionista da pintura simbolizava a crescente irritação de Picasso para com Olga e as mulheres em geral; ferido pela morte do seu amigo Ramon Pichot, ele acreditava que a sua esposa Germaine, que tinha sido a causa da morte de Casagemas, destruía o seu amigo quando Olga o estava a destruir. A dor da morte de Pichot foi agravada pela do músico Erik Satie em Julho, e no Verão pintou The Kiss (Musée Picasso, Paris) em Juan-les-Pins, ainda mais agressivo no espírito do que The Dance. O motivo das cabeças sobrepostas, que aparece na figura da mulher e não na escultura, encontraria continuidade no seu trabalho posterior. As qualidades irracionais desta série de obras, bem como as das primeiras obras cubistas, foram o que Bretão achou análogo à teoria do automatismo praticado pelos artistas surrealistas.

No ensaio “Surrealismo e Pintura”, publicado em Julho de 1925 na edição 4 de La Révolution Surréaliste, Breton declarou Picasso como sendo um pintor modelo e declarou-o surrealista, ao mesmo tempo que apontava para a impossibilidade de aplicar um rótulo que restringisse o seu trabalho: “O rótulo ”Cubista” cometeu esse erro. Em Novembro, realizou-se a “Exposição: La Peinture Surréaliste”, na Galerie Pierre em Paris, que apresentou duas das primeiras pinturas cubistas de Picasso, bem como obras de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray e Pierre Roy; Breton e Robert Desnos escreveram o prefácio do catálogo. A crítica de Maurice Raynal à exposição em L”intransigeant disse: “O “pai do cubismo” tornou-se o filho adoptivo dos surrealistas! Em Novembro Picasso acompanhou a sua mãe, que tinha passado as férias com eles na costa, a Barcelona. Lá conheceu Dalí, e visitou a sua primeira exposição individual na Galeria Dalmau.

Em 1926 trabalhou num estilo que foi identificado como Cubismo Curvilíneo, combinando as superfícies sinuosas do Cubismo decorativo, a sobreposição de cabeças sobre figuras e as deformações curvas exploradas nos desenhos de constelações, aplicadas a uma grelha cubista. Isto pode ser visto em The Dressmakers (The Dressmaker”s Workshop) (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris) e The Painter and his Model (Musée Picasso, Paris), obras monocromáticas pintadas a cinzento, preto, branco e canela ocre. Também executou vários retratos com uma certa semelhança com Marie-Thérèse Walter, uma jovem adolescente que alguns autores acreditam ter conhecido pela primeira vez no início de 1925 na Gare Saint-Lazare em Paris. Também continuou a trabalhar sobre o motivo das cabeças sobrepostas.

Em Abril foi visitado no seu estúdio por Dalí; apesar da sua admiração mútua, os dois artistas não se tornaram amigos íntimos. A sua recomendação a Diagilev para trabalhar com Miró e Max Ernst nos cenários e figurinos do seu Romeu e Julieta levou a que este último fosse ameaçado de expulsão do grupo surrealista, que se opunha à colaboração com “uma produção burguesa para a alta sociedade”.

Em Janeiro de 1927 conheceu Marie-Thérèse Walter, uma loira de 17 anos, em frente às Galeries Lafayette em Paris (embora alguns autores tenham colocado a data dois anos antes). No prazo de seis meses tornaram-se amantes. Embora tenham mantido a sua relação em segredo até ao nascimento da sua filha Maya em 1935, as referências a Marie-Thérèse apareceram no seu trabalho pouco depois de a ter conhecido. A tensão matrimonial com Olga cresceu, a sua vida tornou-se muito complicada à medida que tentava manter a relação deles em segredo. Passou um Verão infeliz em Cannes a lutar por Marie-Thérèse enquanto Olga se ressentia do facto de Picasso nunca ter estado presente nas reuniões sociais que organizou.

No final do Verão executou um álbum de desenhos, Carnet des Métamorphoses, no qual dotou os banhistas biomórficos de formas escultóricas de elefantes, com atributos sexuais que atingiram proporções monumentais, como se pode ver em Banhista no Cockpit (Figura Feminina) (Musée Picasso, Paris). Embora estes sejam provavelmente estudos para um monumento a Apollinaire, Christian Zervos escreveu em 1929 que Picasso os propôs como monumentos para a Croisette, o elegante passeio que separa a praia dos grandes hotéis em Cannes. No final de 1927, de regresso a Paris, trabalhou com o tipógrafo Louis Fort numa série de treze gravuras, encomendadas pela Vollard, sobre o tema do “artista e modelo” para o livro Le Chef-d”œuvre Inconnu, que ele publicaria em 1931.

Em Março de 1928, retomou a sua amizade com o escultor Julio González, cujo estúdio na rue de Médéah visitou frequentemente para continuar a aprender técnicas de soldadura. Em Junho produziu a sua primeira escultura tridimensional desde 1914, a Metamorfose I de bronze (Banhista) (Musée Picasso, Paris), baseada em desenhos de Marie-Thérèse completados em 1927.

Na Primavera de 1929 fez a escultura em ferro soldado e pintado Mulher no Jardim (Musée Picasso, Paris), no estúdio de González. Iniciou também os primeiros estudos para The Crucifixion (Musée Picasso, Paris), que completou em 1930. A tensão do seu casamento com Olga reflectiu-se em obras como Busto de uma Mulher e Auto-Retrato (colecção privada), em que uma cabeça selvagem feminina com mandíbulas abertas se impõe a um perfil clássico de si próprio. Também em Grande Nu numa Poltrona Vermelha (Musée Picasso, Paris), onde a figura feminina é contorcida num grito, revelando elementos perturbadores no subconsciente do artista. A natureza surreal desta pintura é também visível em muitas outras obras.

Em Janeiro de 1930 pintou Bather Seated by the Sea (MoMA, Nova Iorque), uma mulher concebida como uma estrutura óssea, uma criatura ameaçadora em contraste com a atmosfera serena da praia, cuja cabeça se assemelha à de um mantis, um dos símbolos preferidos dos surrealistas (o mantis devora o seu parceiro durante as relações sexuais). Vários trabalhos anteriores e posteriores de Picasso têm o mesmo tipo de cabeça, e alguns também têm o que é conhecido como dentata vaginal, evocando o “medo da castração psicossexual” que os surrealistas simbolizaram através dos louva-a-deus.

Boisgeloup

As suas obras foram expostas pela primeira vez no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA), fundado no ano anterior, como parte da exposição “Pintura em Paris”. Em Junho adquiriu o Château de Boisgeloup, setenta quilómetros a noroeste de Paris. Boisgeloup iria tornar-se um refúgio ao qual poderia escapar com Marie-Thérèse; converteu os estábulos num estúdio de escultura onde o seu desejo de voltar a modelar em barro ou gesso e a inspiração do seu jovem amante o estimulou a criar grandes bustos em gesso, alguns deles de natureza indubitavelmente sexual. No Outono de 1930 produziu uma série de esculturas, na sua maioria esculpidas em madeira e posteriormente fundidas em bronze, pequenas em tamanho e altamente estilizadas. Por volta desta altura Marie-Thérèse mudou-se para 44 rue Boétie, em frente ao apartamento onde Picasso vivia com Olga. Durante estes primeiros anos da década de 1930, Picasso foi dividido entre a sua relutância em romper a sua relação com Olga e a sua obsessão por Marie-Thérèse, que foi a principal inspiração para as sensual e sugestiva figuras femininas no seu trabalho.

Em Setembro de 1930 iniciou a série de cem gravuras que formariam a Suite Vollard; Picasso trabalhou nesta série de 1930 a 1937, embora a maior parte do trabalho tenha sido feita entre 1933 (sessenta e uma gravuras) e 1934 (vinte e quatro gravuras). Hans Bollinger distinguiu sete grupos temáticos na Suite Vollard: ((e (vii) o Minotauro Cego). “O artista e o modelo” é um tema geral encontrado nas gravuras da Suite Vollard, especialmente naquelas dedicadas ao estúdio do escultor. Picasso poderia assim retratar-se “inocentemente” com Marie-Thérèse, muitas vezes nua. É um tema que Picasso utilizou durante a década de 1930; desapareceu do seu trabalho durante a Guerra Civil espanhola e a ocupação alemã de França, embora o tenha recuperado nos seus últimos anos.

Em Abril, a galeria londrina Alex Reid & Lefevre organizou uma retrospectiva de trinta e sete quadros, Trinta Anos de Pablo Picasso. Em Maio tomou finalmente posse do Château de Boisgeloup, onde continuou a trabalhar em metal com Gonzalez, incorporando objectos reais no seu trabalho escultórico. As suas esculturas de 1930, assemblages de elementos metálicos cortados e soldados, tais como Woman in the Garden (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), podem ser entendidas como “objectos poéticos, por vezes com um sabor surrealista”. Voltou também à modelação em barro ou gesso. Fez vários bustos e relevos retratando Marie-Thérèse, tais como Busto de uma Mulher (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Paris). As formas arredondadas e os relevos têm uma certa qualidade sexual e as características faciais assemelham-se por vezes a órgãos genitais (o nariz como um falo, a boca como uma vagina), reminiscente da escultura neolítica e africana. Durante as férias de Verão em Juan-les-Pins, completou uma série de desenhos e gravuras líricas e eróticas, que formaram a base para as gravuras na secção intitulada “The Sculptor”s Studio” na Vollard Suite. Também pintou várias pequenas pinturas a óleo da Villa Chêne-Roc, onde estava hospedado. No Outono voltou à sua obra escultórica.

A polarização política propagou-se por toda a Europa; em Espanha, foi declarada a Segunda República, cuja constituição, apesar das liberdades adquiridas, não conseguiu chegar a acordo em áreas chave com a direita conservadora, profundamente enraizada nas zonas rurais, e com a Igreja Católica, que foi despojada das escolas e dos subsídios públicos; no resto da Europa houve o surgimento de governos totalitários, especialmente o fascismo na Alemanha e Itália e o estalinismo na União Soviética. Tudo isto contra o pano de fundo de uma depressão económica mundial.

A 25 de Outubro de 1931 Picasso fez cinquenta anos e publicou Metamorfoses de Ovid para Albert Skira em Lausanne, um total de quinze gravuras de página inteira e quinze gravuras de meia página em que tinha estado a trabalhar desde o ano anterior. Nesta série de gravuras Picasso refere-se à simplicidade do desenho clássico, retratando claramente objectos e seres, como fez no Lysistrata de Aristófanes, publicado em 1934. A 12 de Novembro Ambroise Vollard publicou a obra-prima desconhecida de Balzac, com treze gravuras de Picasso, nas quais enfatiza o tema do artista e do modelo. No romance, Balzac coloca o conflito do artista entre completar a obra e alcançar a perfeição, o que se reflecte na gravura na série intitulada Pintor e Modelo de Tricô, na qual o pintor transforma o motivo prosaico numa elegante caligrafia curvilínea.

Em Março de 1932 completou a série de mulheres adormecidas com a jovem mulher em frente ao espelho (MoMA, Nova Iorque), combinando o contorno negro e as formas orgânicas das grandes naturezas mortas de 1931 numa das imagens mais simbólicas e “multi-evocativas” de Marie-Thérèse, criada por Picasso.

Em Junho foi apresentada uma retrospectiva nas Galeries Georges Petit em Paris, com duzentas e vinte e cinco pinturas, sete esculturas e seis livros ilustrados seleccionados pelo próprio Picasso, desde o Período Azul até aos seus últimos retratos de 1932. A reacção crítica não foi positiva, variando de cautelosa a negativa. Parece que durante esta exposição Olga descobriu a existência de Marie-Thérèse, o que provocou “cenas incandescentes” de ciúmes da sua parte, embora o confronto entre as duas mulheres que Picasso temia não tenha ocorrido. A exposição foi repetida em Setembro no Kunsthaus Zürich.

Enquanto Olga e Pablo passaram o Verão em Juan-les-Pins, Picasso passou o Verão em Boisgeloup com Marie-Thérèse, onde continuou a trabalhar em nus adormecidos, cenas de praia e algumas pequenas esculturas. Também produziu vários desenhos da série Crucifixo de Grünewald. No seu regresso a Paris no Outono, continuou com os retratos de Marie-Thérèse num Sofá e os desenhos da Crucificação de Grünewald. Em Outubro, Christian Zervos iniciou a publicação de um catálogo raisonné (entre 1932 e 1974, surgiram vinte e oito volumes, compreendendo mais de 16.000 obras.

Embora Picasso já tivesse abordado o tema numa colagem de 1928, o período entre 1933 e 1938 foi o Período Minotauro de Picasso, no qual esta figura mítica apareceu repetidamente na sua obra, juntamente com outros temas clássicos. Picasso encontrou no toureiro feminino uma forma pictórica de reflectir os seus conflitos com Marie-Thérèse e Olga, e no Minotauro, a besta consciente da sua bestialidade, uma personificação do seu próprio conflito sobre essa situação, a sua divisão entre desejo e responsabilidade moral. A primeira edição do Minotauro, com uma capa de Picasso, apareceu em Maio de 1933. Passou as férias de Verão de 1933 em Cannes com Olga e Pablo. Em Setembro, pintou A Morte de um Toureiro em Boisgeloup.

De Junho a Setembro de 1934 fez uma série de pinturas, desenhos e gravuras para touradas. Em Agosto, viajou para Espanha com Olga e Pablo, e foi às touradas em Burgos e Madrid. Visitou o Museu de Arte Catalã em Barcelona. Ele fez as esculturas Femme au feuillage e Femme à l”orange. Na Primavera de 1935, a galeria de exposições Pierre expôs os colés papiers. Gravou Minotauromaquia. Separou-se de Olga em Junho e em Outubro nasceu Maya Picasso, sua filha com Marie-Therese Walter.

Fez os desenhos da água e outros sobre o tema do Minotauro. Nesse mesmo ano, no início da guerra civil espanhola, foi nomeado director do Museu do Prado em Madrid. No início de Agosto, Picasso partiu para Mougins e encontrou-se com Dora Maar.

Guernica e pacifismo

Em Janeiro de 1937, o arquitecto catalão Josep Lluís Sert pediu-lhe para colaborar num grande mural para o pavilhão da Segunda República Espanhola na Exposição Internacional em Paris. O governo eleito do país enfrentava uma possível derrota durante a Guerra Civil espanhola pelos rebeldes militares de Franco, apoiados pela Alemanha nazi e pela Itália fascista. A república esperava mostrar ao mundo que eram eles que representavam o povo espanhol e as suas realizações. Picasso, que em 1936 tinha aceite um convite do então presidente da república Manuel Azaña para se tornar director honorário do Museu do Prado em Madrid, mostrou-se relutante no início, tanto devido à dimensão do projecto como porque nunca antes tinha aceite uma comissão de natureza propagandística. Em Fevereiro Dora Maar encontrou um estúdio muito grande na 7 rue des Grands-Augustins, onde Picasso poderia levar a cabo o projecto.

Nesse mesmo ano produziu o Sonho e Mentira de Franco, duas gravuras num formato semelhante às bandas desenhadas ou aleluia espanhola, com um total de dezoito cenas, destinadas a serem reproduzidas como gravuras ou postais, nas quais denunciou o golpe de Estado fascista e apontou os crimes da guerra, retratando Franco como uma figura maligna e grotesca. Picasso começou a gravar estas imagens a 8 de Janeiro, o que significou que pôde concebê-las por sua própria iniciativa antes de receber a comissão para Guernica. Acabou as placas em Junho, e o conjunto foi publicado em benefício da República, juntamente com um poema que escreveu (Fandango de lechuzas).

Também contra a guerra, pintou a famosa Pomba da Paz em 1949, por ocasião da sua adesão ao Conselho Mundial de Paz. Foi galardoado com o Prémio Internacional da Paz em 1955.

De Outubro a Dezembro de 1937, pintou The Weeping Woman (Paris, Musée Picasso). Depois, em 1938, fez uma grande colagem, Les Femmes à leur toilette (Paris, Musee National d”Art Moderne). Em Julho de 1938, foi para Mougins com Dora Maar. Em Julho de 1939, foi com Dora Maar viver com Man Ray em Antibes, onde fez Pêche de nuit à Antibes (Museu de Arte Moderna, Nova Iorque). De Setembro de 1939 ao início de 1940, pintou a Séquence de femmes au chapeau em Royan.

Em 1941 escreveu uma peça ao estilo surrealista, Desejo Apanhado pela Cauda, da qual fez uma leitura em Março de 1944 na casa de Michel Leiris com os seus amigos Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris e Pierre Reverdy, entre outros. A peça estreou finalmente em Julho de 1967. Também escreveu duas outras obras literárias: As Quatro Meninas e O Enterro do Conde Orgaz.

Entre 1942 e 1943 fez a montagem, Bull”s Head (Paris, Musée Picasso), La Aubade (Paris, Musee National d”Art Moderne), L”Homme au mouton (Paris, Musée Picasso) e conheceu Françoise Gilot em Maio de 1943.

Compromisso com o Partido Comunista

Após o fim da Segunda Guerra Mundial, as suas pinturas tornaram-se mais optimistas, mais alegres, mostrando, como o título de uma série de 1946, The joie de vivre sentia na altura. Picasso viveu com Marie-Therese durante a insurreição de Paris, em Agosto de 1944. Entrou para o Partido Comunista Francês em Outubro e também em Outubro abriu o Salon d”Automne e a retrospectiva de Picasso. O Ossuário (Nova Iorque, Museu de Arte Moderna) foi pintado em Abril e Maio de 1945, com base na memória da descoberta em Dezembro de 1944 do corpo do seu amigo executado, o jovem poeta surrealista Robert Rius.

Picasso partiu com Dora Maar para Cap d”Antibes em Julho, e a 26 de Novembro Françoise regressou para viver com Picasso. Após a guerra, o círculo de amigos de Picasso era constituído por artistas e intelectuais comunistas, o que, num certo sentido, marcou pelo menos parte do seu trabalho entre 1946 e 1953.

Período Vallauris

Em 1946, Picasso e Françoise foram viver para o Golfe-Juan, e ele visitou Matisse em Nice. No início de Julho foi para Ménerbes (Vaucluse) com Françoise, para a casa que tinha dado a Dora Maar. Recebia cartas diárias de Marie-Thérèse. Françoise ficou infeliz e partiu após três semanas para apanhar boleia para Marselha com amigos; Picasso conheceu-a no caminho e pediu-lhe que voltasse, sugerindo que deveriam ter um filho. Visitaram Vallauris, onde ela modelou três peças de olaria na oficina de olaria Madoura de Georges Ramié. No seu regresso a Golfe-Juan em Agosto, Françoise estava grávida. Picasso tinha conhecido Romual Dor de la Souchère, curador do Musée d”Antibes, no Palácio Grimaldi, mas preferiu decorar o museu; entre Setembro e Outubro pintou vinte e dois painéis para o palácio, para mais tarde se tornar o Musée Picasso em Antibes, com temas marinhos e composições mitológicas. Os estudos dos faunos e figuras clássicas culminaram no tríptico La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), título que pediu emprestado ao seu amigo Matisse, para uma pintura que reflecte a felicidade que ele partilhava nessa altura com Françoise. Em Outubro conheceu Breton, que tinha acabado de regressar do exílio nos Estados Unidos, no primeiro Festival de Cinema de Cannes. Bretão, que se tinha recusado a cumprimentá-lo em Agosto quando se encontraram no Golfe-Juan, mais uma vez desprezou Picasso por causa da sua filiação no Partido Comunista; nunca mais se voltaram a ver. Este gesto foi um prelúdio da ruptura violenta entre os surrealistas e o comunismo a partir de 1947.

Em 1947 trabalhou em naturezas mortas com o tema Coruja numa Cadeira, e gravuras de faunos, centauros e bacantes, seguindo o tema do Verão em Antibes; no final de Janeiro, terminou o Monumento a Óleo aos Mortos Espanhóis para França (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), que tinha começado no final de 1945. Em Fevereiro iniciou a série de quarenta e uma gravuras e aquatints para a edição de Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Vinte Poemas), publicada em Paris por Les Grands em 1949; no final de Março fez várias litografias sobre o David e Bathsheba por Lucas Cranach, o Ancião (1472-1553); a 15 de Maio o seu filho Claude nasceu em Paris, nome escolhido por Françoise em honra de Claude Gillot, professor de Watteau. O casal passou cada vez menos tempo no estúdio de Paris e cada vez mais no Golfe-Juan, onde se mudou com a criança no final de Junho; em Agosto revisitou a oficina de cerâmica de Georges Ramié em Vallauris, e iniciou uma intensa produção, cerca de duas mil peças entre Outubro de 1947 e 1948, introduzindo inovações formais, técnicas e coloristas que levaram a uma revitalização da indústria cerâmica da cidade, que estava em declínio desde a Primeira Guerra Mundial. Na pintura e gravura produziu algumas obras apenas até ao final do ano; o trabalho continuou nas gravuras para os Vingt Poèmes de Góngora, alguns retratos de Françoise e naturezas mortas. Em Dezembro fez os cenários para o Édipo Rex de Sófocles, dirigido por Pierre Blanchar.

Em Fevereiro de 1949, Louis Aragon foi ao estúdio de Picasso em Paris para seleccionar um desenho para o cartaz do Congresso Mundial de Partidários da Paz, a realizar em Paris em Abril do mesmo ano. O colombe, um desenho a lápis azul sobre papel, foi o motivo escolhido por Aragão, e a imagem ficou rapidamente conhecida como A Pomba da Paz.

Em Março começou uma série de quadros de Françoise sentada, intitulada Femme assise (Mulher sentada). Na Primavera regressou brevemente a Vallauris e comprou uma fábrica de essências abandonada para usar como estúdio, e utilizou algumas salas para armazenar o seu trabalho cerâmico. Começou também a recolher objectos e sucata, que mais tarde reutilizaria em várias peças. Intensificou o seu trabalho de escultura, que tinha retomado no ano anterior: Femme enceinte (Mulher Grávida) figura uma forma feminina a partir de uma longa haste metálica, à qual acrescentou dois braços acima e duas pernas abaixo, e uma barriga inchada com dois peitos pequenos no centro. Produziu novamente uma série de obras inspiradas por pinturas de Lucas Cranach, o Ancião: as litografias Vénus et l”Amour (Jeune fille inspirée par Cranach (Jovem Inspirada por Cranach), da Christie”s, e David et Bethsabée (Cranach) VII (David e Bathsheba (Cranach) VII), no Musée Picasso, Paris. As variações de Picasso sobre David e Bathsheba de Cranach tiveram origem numa reprodução a preto e branco do catálogo de uma exposição sobre o artista realizada em Berlim em 1937, que Kahnweiler lhe tinha dado.

A 19 de Abril de 1949 nasceu a sua segunda filha, no dia da abertura do Congresso da Paz, e ela decidiu dar-lhe o nome de Paloma, em homenagem ao símbolo que tinha criado para os cartazes que apareceram por todas as ruas de Paris.após o nascimento, Françoise retomou o seu trabalho como pintora, e Kahnweiler ofereceu-lhe um contrato para ser a sua concessionária de arte exclusiva. A família regressou a Vallauris no Outono, e Picasso, tendo perdido algum do seu interesse pela cerâmica, voltou à pintura e à escultura de uma forma mais concentrada, produzindo vários bronzes, alguns com motivos africanos. Durante o ano seguinte, a escultura ocupou a maior parte do seu tempo.

A 6 de Agosto de 1950 Laurent Casanova inaugurou a exposição L”Homme au mouton em Vallauris. Picasso pintou The Goat, Woman with a Pram and Girl Jumping Rope. A 15 de Janeiro de 1951, pintou Massacre na Coreia. Em 1952, desenhou Guerra e Paz para decorar a capela em Vallauris, escreveu uma segunda peça: Les Quatre Petites Filles.

Em Abril de 1954 pintou retratos de Sylvette David. Em Dezembro iniciou a série de variações sobre As Mulheres de Argel por Delacroix. Em Maio de 1955, mudou-se com Jacqueline Roque para a villa La California, em Cannes. Em Junho, foi realizada uma retrospectiva no Musée des Arts Décoratifs. Durante o Verão, trabalhou com Henri-Georges Clouzot para o filme Picasso Mystère.

Em 1956 fez The Bathers, esculturas de madeira (Stuttgart, Staatsgalerie) que mais tarde foram esculpidas em bronze. Pintou The California Workshop. A 17 de Agosto de 1957, começou a trabalhar numa série de 58 interpretações de Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). A 29 de Março de 1958 apresentou a decoração para a Unesco: A Queda de Ícaro. Em Setembro, Picasso comprou o Château de Vauvenargues e pintou A Baía de Cannes.

Casou-se com Jacqueline em Vallauris a 2 de Março de 1961, e em Junho mudou-se para Notre-Dame-de-Vie em Mougins (perto de Cannes). Ele pintou: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. Em Novembro de 1962 pintou The Rape of the Sabine Women, uma versão da qual se encontra no Musée National d”Art Moderne em Paris. A abertura da retrospectiva no Grand Palais e no Petit Palais teve lugar a 19 de Novembro de 1966.

Em Janeiro de 1970, o Museu Picasso de Barcelona recebeu uma doação das obras conservadas pela sua família. Uma exposição do seu trabalho foi realizada no Palais des Papes, em Avignon, de Maio a Outubro. Em Abril de 1971, a Galeria Louise Leiris exibiu 194 desenhos feitos entre 15 de Dezembro de 1969 e 12 de Janeiro de 1971. Uma nova exposição na Galeria Louise Leiris em Janeiro de 1973, mostrando 156 gravuras feitas entre o final de 1970 e Março de 1972.

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Morte

Em 1973, com a idade de noventa e um anos, morreu de edema pulmonar na sua casa em Mougins, França. Contudo, as autoridades locais não permitiriam que ele fosse enterrado na mansão e a sua esposa Jacqueline decidiu enterrá-lo no castelo de Vauvenargues, também propriedade de Picasso, onde ela também seria enterrada anos mais tarde.

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Fontes