Michael Curtiz

Delice Bette | Dezember 11, 2022

Zusammenfassung

Michael Curtiz (24. Dezember 1886 – 10. April 1962) war ein ungarisch-amerikanischer Filmregisseur, der als einer der produktivsten Regisseure der Geschichte gilt: 67 Er führte Regie bei klassischen Filmen der Stummfilmzeit und bei zahlreichen anderen Filmen des Hollywoods Goldenem Zeitalter, als das Studiosystem vorherrschend war.

Curtiz war in Europa bereits ein bekannter Regisseur, als Warner Bros. ihn 1926 im Alter von 39 Jahren nach Hollywood einlud. Er hatte bereits bei 64 Filmen in Europa Regie geführt und half Warner Bros. bald, das am schnellsten wachsende Filmstudio zu werden. Während seiner Hollywood-Karriere führte er bei 102 Filmen Regie, hauptsächlich bei Warner, wo er zehn Schauspieler zu Oscar-Nominierungen führte. James Cagney und Joan Crawford gewannen ihre einzigen Oscars unter Curtiz“ Regie. Er brachte Doris Day und John Garfield zum ersten Mal auf die Leinwand, und er machte Errol Flynn, Olivia de Havilland und Bette Davis zu Stars. Er selbst wurde fünfmal nominiert und gewann zweimal, einmal für den besten Kurzfilm für Söhne der Freiheit und einmal als bester Regisseur für Casablanca.

Curtiz gehörte zu denjenigen, die in Hollywood einen visuellen Stil mit künstlerischer Beleuchtung, ausgedehnten und fließenden Kamerabewegungen, hohen Kranaufnahmen und ungewöhnlichen Kamerawinkeln einführten. Er war vielseitig und konnte jedes Filmgenre bedienen: Melodrama, Komödie, Liebesgeschichte, Film Noir, Musical, Kriegsgeschichte, Western, Horror oder historisches Epos. Er achtete stets auf den menschlichen Aspekt einer jeden Geschichte und erklärte, dass die „menschlichen und grundlegenden Probleme echter Menschen“ die Grundlage für jedes gute Drama seien.

Mit Filmen wie Captain Blood (1935) und The Adventures of Robin Hood (1938) trug Curtiz zur Popularisierung des klassischen Haudegens bei. Er führte bei vielen anderen Dramen Regie, die als Klassiker gelten: Engel mit schmutzigen Gesichtern (1938), Der Seewolf (1941), Casablanca (1942) und Mildred Pierce (1945). Er führte Regie bei führenden Musicals, darunter Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army (1943) und White Christmas (1954), und er drehte Komödien wie Life With Father (1947) und We“re No Angels (1955).

Curtiz wurde 1886 als Manó Kaminer in einer jüdischen Familie in Budapest geboren, wo sein Vater Tischler und seine Mutter Opernsängerin war. Im Jahr 1905 ließ er seinen Namen in Mihály Kertész umwandeln. Curtiz wuchs in kleinbürgerlichen Verhältnissen auf. In einem Interview erinnerte er sich daran, dass seine Familie in einer beengten Wohnung lebte, in der er mit seinen zwei Brüdern und einer Schwester ein kleines Zimmer teilen musste. „Wir hatten oft Hunger“, fügte er hinzu: 20

Nach dem Abitur studierte er an der Markoszy-Universität und anschließend an der Königlichen Akademie für Theater und Kunst in Budapest, bevor er seine Karriere begann.

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Schauspieler

Curtiz fühlte sich schon als Kind in Ungarn zum Theater hingezogen. Als er 8 Jahre alt war, baute er im Keller seines Elternhauses ein kleines Theater, in dem er und fünf seiner Freunde Stücke nachspielten. Sie richteten die Bühne mit Kulissen und Requisiten ein, und Curtiz führte Regie.

Nach seinem College-Abschluss im Alter von 19 Jahren nahm er eine Stelle als Schauspieler bei einer reisenden Theatergruppe an, wo er als einer ihrer reisenden Spieler zu arbeiten begann. Nach diesem Job wurde er für eine Weile Pantomime bei einem Zirkus, kehrte dann aber zurück und schloss sich für einige Jahre einer anderen Gruppe von Wanderschauspielern an. Sie spielten Ibsen und Shakespeare in verschiedenen Sprachen, je nachdem, in welchem Land sie sich befanden. Sie traten in ganz Europa auf, unter anderem in Frankreich, Ungarn, Italien und Deutschland, und er lernte schließlich fünf Sprachen. Er hatte verschiedene Aufgaben:

Wir mussten alles machen – Plakate anfertigen, Programme drucken, Kulissen aufstellen, Garderobe flicken, manchmal sogar Stühle in den Sälen aufstellen. Manchmal reisten wir in Zügen, manchmal in Postkutschen, manchmal auf dem Pferderücken. Manchmal spielten wir in Stadthallen, manchmal in kleinen Restaurants ohne jede Kulisse. Manchmal traten wir auch im Freien auf. Diese Wanderschauspieler waren die gutherzigsten Menschen, die ich je gekannt habe. Sie würden alles füreinander tun.

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Direktor

Er arbeitete 1912 als Mihály Kertész am Ungarischen Nationaltheater: 5 und war Mitglied der ungarischen Fechtmannschaft bei den Olympischen Spielen in Stockholm. Kertész führte Regie bei Ungarns erstem Spielfilm, Heute und Morgen (Ma és holnap, 1912), in dem er auch eine Hauptrolle spielte. Es folgte ein weiterer Film, Der letzte Bohemien (Az utolsó bohém, ebenfalls 1912):  163

Ab 1913 lebte Curtiz in verschiedenen Städten Europas, um an Stummfilmen zu arbeiten. Zunächst besuchte er das Nordisk Studio in Dänemark, wo er als Schauspieler und Regieassistent von August Blom an Dänemarks erstem Mehrspulenfilm Atlantis (1913) arbeitete.

Nach Beginn des Ersten Weltkriegs 1914 kehrte er nach Ungarn zurück, wo er ein Jahr lang in der Armee diente, bevor er im Kampf an der russischen Front verwundet wurde. Curtiz schrieb über diese Zeit:

Die berauschende Freude am Leben war unterbrochen, die Welt war verrückt geworden … Man lehrte uns zu töten. Ich wurde in die kaiserliche Armee eingezogen … Danach geschahen viele Dinge: Zerstörung, Tausende wurden für immer zum Schweigen gebracht, verkrüppelt oder in anonyme Gräber geschickt. Dann kam der Zusammenbruch. Das Schicksal hatte mich verschont: 22

Er wurde beauftragt, Dokumentarfilme für das Rote Kreuz in Ungarn zu drehen, um Spenden zu sammeln. 1917 wurde er Produktionsleiter bei Phoenix Films, dem führenden Studio in Budapest, wo er bis zu seinem Weggang aus Ungarn blieb: 173 Allerdings hat keiner der Filme, bei denen er dort Regie führte, überlebt, und die meisten sind vollständig verloren: 173

Bis 1918 war er zu einem der wichtigsten Regisseure Ungarns geworden und hatte bis dahin etwa 45 Filme gedreht..:  163 Nach Kriegsende, im Jahr 1919, verstaatlichte die neue kommunistische Regierung die Filmindustrie, so dass er beschloss, nach Wien zurückzukehren und dort Filme zu drehen.

Curtiz arbeitete kurz bei der UFA GmbH, einer deutschen Filmgesellschaft, wo er lernte, große Gruppen von kostümierten Statisten zu dirigieren und komplizierte Handlungen, schnelles Tempo und romantische Themen zu verwenden. Seine Karriere begann mit seiner Arbeit für den Grafen Alexander Kolowrat (bekannt als Sascha), mit dem er mindestens 21 Filme für dessen Filmstudio Sascha Films drehte. Curtiz schrieb später, dass er bei Sascha „die Grundgesetze der Filmkunst erlernte, die in jenen Tagen in Wien weiter fortgeschritten war als irgendwo sonst“:  173

Zu den Filmen, bei denen er Regie führte, gehören biblische Epen wie Sodom und Gomorrha (1922) und Die Sklavenkönigin (1924) (in den USA unter dem Titel Moon of Israel). Er drehte auch Rote Fersen (1925) und Der goldene Schmetterling (1926), und einmal führte er bei der 14-jährigen Greta Garbo in Schweden Regie. In dieser Zeit spezialisierte er sich auf zwei Arten von Filmen, entweder auf anspruchsvolle leichte Komödien oder auf historische Spektakel:  173 Er lancierte die Karriere von Lucy Doraine, die zu einem internationalen Star wurde, sowie die von Lili Damita, die später Errol Flynn heiratete: 173

Der Mond von Israel (1924) war ein Spektakel über die Versklavung der Kinder Israels und ihre wundersame Befreiung durch das Rote Meer. Er wurde in Wien mit 5.000 Darstellern gedreht und thematisiert die Liebesgeschichte zwischen einem israelitischen Mädchen und einem ägyptischen Prinzen. 163 Paramount Pictures in den USA kaufte die Rechte an dem Film, um mit Cecil B. DeMilles Die Zehn Gebote zu konkurrieren. Der Mond von Israel erregte jedoch die Aufmerksamkeit von Jack und Harry Warner, und Harry reiste 1926 nach Europa, um Curtiz zu treffen und ihn bei seiner Arbeit als Regisseur zu beobachten.

Die Warners waren beeindruckt, dass Curtiz einen einzigartigen visuellen Stil entwickelt hatte, der stark vom deutschen Expressionismus beeinflusst war, mit hohen Kranaufnahmen und ungewöhnlichen Kamerawinkeln. Der Film zeigte auch, dass Curtiz es liebte, romantische Melodramen „vor dem Hintergrund von Ereignissen von großer historischer Bedeutung zu inszenieren, seine Figuren in Krisen zu treiben und sie zu moralischen Entscheidungen zu zwingen“, so Rosenzweig:  136 Er bot Curtiz einen Vertrag als Regisseur in seinem neuen Filmstudio in Hollywood, Warner Bros. an, wo er ein ähnliches geplantes Epos, Noah“s Ark (1928), drehen sollte. Als Curtiz das Angebot von Warner annahm, war er bereits ein produktiver Regisseur, der 64 Filme in Ländern wie Ungarn, Österreich und Dänemark gedreht hatte: 3

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1920s

Curtiz kam im Sommer 1926 in die Vereinigten Staaten, 63 Jahre alt, und begann bei Warner Bros. unter dem anglisierten Namen Michael Curtiz Regie zu führen. Während seiner 28-jährigen Tätigkeit bei Warner Bros. führte er bei 86 Filmen Regie, darunter sein bestes Werk.

Obwohl er mit 38 Jahren bereits ein erfahrener Filmemacher war, beauftragte Warners ihn mit der Regie einer Reihe von Filmen durchschnittlicher Qualität, um ihm den Einstieg zu erleichtern. Curtiz“ einzigartige Kameratechnik wurde durchgängig eingesetzt, sichtbar in dramatischen Kamerawinkeln, in einem Stil, um den ihn andere Regisseure wahrscheinlich beneiden würden, so ein Kritiker.

Das schnelle Erlernen der englischen Sprache stellte jedoch eine unmittelbare Hürde dar, da er keine Freizeit hatte. Als Jack Warner ihm den Film als Regisseur übertrug, erinnert sich Curtiz: „Ich konnte kein einziges Wort Englisch sprechen.“ Es war eine romantische Geschichte über das Leben im Gefängnis und über Gangster in Chicago, einem Ort, an dem er noch nie gewesen war, über amerikanische Unterweltfiguren, die er nie getroffen hatte.

Um direkte Erfahrungen mit dem Thema zu sammeln, überzeugte Curtiz den Sheriff von Los Angeles, ihn eine Woche im Gefängnis verbringen zu lassen. „Als ich herauskam, wusste ich, was ich für den Film brauchte“.

Curtiz war der festen Überzeugung, dass die Hintergründe jeder Geschichte zuerst und gründlich erforscht werden sollten, bevor man einen Film beginnt. Wenn ihn jemand fragte, wie er, ein Ausländer, amerikanische Filme machen könne, sagte er: „Die Menschen sind überall auf der Welt gleich. Menschliche Emotionen sind international“. Er betrachtete seine ersten Filme in den USA als Lernerfahrung:

Die einzigen Dinge, die in den verschiedenen Teilen der Welt unterschiedlich sind, sind die Bräuche … Aber diese Bräuche sind leicht herauszufinden, wenn man lesen und recherchieren kann. In der Stadt gibt es eine gute öffentliche Bibliothek. Dort können Sie ein Buch aufschlagen und alles herausfinden, was Sie wissen wollen.

Obwohl die Sprachbarriere die Kommunikation mit den Darstellern und der Crew erschwerte, investierte er weiterhin Zeit in die Vorbereitung. Bevor er seinen ersten Western drehte, verbrachte er beispielsweise drei Wochen damit, die Geschichte von Texas und das Leben seiner wichtigen Männer zu studieren. Er hielt es für notwendig, sich auch für die meisten anderen Filmgenres so intensiv mit der amerikanischen Kultur und den Gewohnheiten zu beschäftigen. Aber er war ganz zufrieden damit, in Hollywood zu sein:

Es ist herrlich, hier in diesem Land zu arbeiten. Man hat alles zur Hand, um damit zu arbeiten. Der Regisseur muss sich um nichts kümmern, außer um seine Ideen. Er kann sich auf diese konzentrieren, ohne sich um seine Produktion zu kümmern.

The Third Degree (1926), der in der Library of Congress verfügbar ist, nutzte Curtiz“ Erfahrung im Umgang mit bewegten Kameras, um expressionistische Szenen zu kreieren, wie zum Beispiel eine Sequenz, die aus der Perspektive einer sich bewegenden Kugel aufgenommen wurde. Der Film war der erste von acht Curtiz-Filmen, in denen Dolores Costello die Hauptrolle spielte.

Warner Bros. ließ Curtiz bei drei weiteren mittelmäßigen Filmen Regie führen, um sicherzugehen, dass er größere Projekte übernehmen konnte. In dieser Zeit konnte er sich mit ihren Methoden vertraut machen und mit den Technikern, einschließlich der Kameraleute, arbeiten, die er in späteren Produktionen einsetzen würde:  137 Wie der Biograf James C. Robertson erklärt, „bemühte sich Curtiz in jedem Fall tapfer, aber erfolglos, wenig überzeugende Drehbücher durch spektakuläre Kameraführung und starke Hauptdarsteller zu beleben, die bemerkenswertesten Merkmale all dieser Filme.“:  137

Als Ilja Tolstoi, der Sohn von Leo Tolstoi, der mit Curtiz in Europa befreundet war, 1927 Hollywood besuchte, wollte er, dass dieser mehrere Filme nach den Romanen seines Vaters drehte. Er entschied sich für Curtiz, weil er den Ort und die Menschen dort bereits kannte. In dieser Zeit begann Warner Bros. mit Tonfilmen zu experimentieren. Sie beauftragten Curtiz mit der Regie von zwei Filmen, die teils stumm, teils sprechend waren: Tenderloin (1928) und Noah“s Ark (1928), in denen auch Costello mitspielte.

Noah“s Ark enthielt zwei parallele Geschichten, von denen die eine die biblische Flut und die andere eine Romanze aus der Zeit des Ersten Weltkriegs erzählte. Es war der erste epische Film, den Warner Bros. in Angriff nahm, und als sie Curtiz mit der Produktion beauftragten, hofften sie, den Erfolg des Films sicherzustellen. Die kulminierende Überschwemmungssequenz galt damals als „spektakulär“, wie der Historiker Richard Schickel feststellte: 31 und der Biograph James C. Robertson bezeichnete sie als „eines der spektakulärsten Ereignisse der Filmgeschichte“:  16 Die Besetzung bestand aus über 10.000 Statisten. Bei der Neuauflage des Films im Jahr 1957 wurde jedoch die ursprüngliche Laufzeit von 2 Stunden und 15 Minuten um eine Stunde gekürzt. Die Geschichte war eine Adaption von Bess Meredyth, die einige Jahre später Curtiz heiratete.

Der kritische Erfolg dieser Curtiz-Filme trug dazu bei, dass Warner Bros. das am schnellsten wachsende Studio in Hollywood wurde.

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1930s

1930 führte Curtiz bei Mammy (1930) Regie, Al Jolsons viertem Film, nachdem er in Hollywoods erstem echten Tonfilm, The Jazz Singer (1927), mitgespielt hatte. In den 1930er Jahren führte Curtiz jedes Jahr bei mindestens vier Filmen Regie.

Obwohl es sich um ungewöhnliche Projekte für Warner Bros. handelte, führte Curtiz bei zwei Horrorfilmen für das Studio Regie, Doctor X (1932) und Mystery of the Wax Museum (1933), beide in frühem Technicolor, mit zahlreichen stimmungsvollen Szenen, die auf dem Gelände des Studios gedreht wurden.

Ein weiterer Durchbruch war der Film 20.000 Jahre in Sing Sing (1932), in dem die damals noch wenig bekannten Schauspieler Spencer Tracy und Bette Davis in einem ihrer ersten Filme auftraten. MGM-Chef Louis B. Mayer sah den Film und war von Tracys schauspielerischer Leistung so beeindruckt, dass er ihn in die Riege der MGM-Stars aufnahm: 221

Curtiz“ amerikanische Karriere nahm erst 1935 richtig Fahrt auf: 63 Anfang der 1930er Jahre hatte Warner Bros. Mühe, mit der größeren MGM zu konkurrieren, die Kostümdramen wie Queen Christina (1933) mit Greta Garbo, Treasure Island (1934) mit Wallace Beery und The Count of Monte Cristo (1934) herausbrachte, und beschloss, ein eigenes Kostümdrama zu produzieren.

Bis dahin war Warners davon ausgegangen, dass sie in den Jahren der Großen Depression mit diesem Genre aufgrund der höheren Produktionskosten keinen Erfolg haben würden. Im März 1935 kündigte Warners jedoch an, Captain Blood (1935) zu produzieren, ein Haudegen-Action-Drama nach dem Roman von Rafael Sabatini, bei dem Curtiz Regie führen würde:  63 Die Hauptrolle sollte der damals noch unbekannte Errol Flynn an der Seite der wenig bekannten Olivia de Havilland spielen.

Der Film war ein großer Erfolg und erhielt positive Kritiken. Er wurde für den Academy Award für den besten Film nominiert, und obwohl er nicht nominiert wurde, erhielt Curtiz die zweithöchste Anzahl von Stimmen für die beste Regie, die ausschließlich aus Briefwahlstimmen stammten. Der Film machte sowohl Flynn als auch de Havilland zu Stars und machte Curtiz zum führenden Regisseur des Studios:  63

Curtiz setzte das erfolgreiche Genre der Abenteuerfilme mit Flynn (oft mit de Havilland) fort, zu denen auch The Charge of the Light Brigade (1936) gehörte, eine Darstellung der britischen Leichten Brigade während des Krimkriegs. Der Film, der ebenfalls einen Oscar gewann, war ein größerer Erfolg an den Kinokassen als Captain Blood:  64 Es folgte The Adventures of Robin Hood (1938, Co-Regie mit William Keighley, den Curtiz ersetzte), der profitabelste Film des Jahres,: 64 der drei Oscars gewann und für den besten Film nominiert wurde. Er steht auf der Rotten Tomatoes-Liste der 100 besten Filme.

Da dies ihr dritter gemeinsamer Film mit Curtiz war, spielten Flynn und de Havilland auch in anderen sehr erfolgreichen Filmen unter seiner Regie mit, darunter The Private Lives of Elizabeth and Essex (1939), in dem Bette Davis mitspielte. Davis spielte in den meisten Jahren der 1930er Jahre in einem Curtiz-Film mit:  73 Aufgrund von Curtiz“ hoher Filmproduktivität schuf Warner Bros. eine spezielle Abteilung für seine Filme, die es ihm ermöglichte, zwei Filmteams zu leiten. Die eine arbeitete mit ihm während der eigentlichen Dreharbeiten, während die andere alles für den nächsten Film vorbereitete.

John Garfield gehörte zu den Entdeckungen von Curtiz, der sein Debüt in Vier Töchter (1938) gab, gefolgt von einer Co-Hauptrolle in der Fortsetzung Vier Frauen (1939). Curtiz entdeckte Garfield, einen Bühnenschauspieler, zufällig, als er auf eine ausrangierte Probeaufnahme von ihm stieß und ihn für sehr gut hielt. Garfield war davon ausgegangen, dass er die Probeaufnahmen nicht bestanden hatte, und war bereits auf dem Weg zurück nach New York, wo er angewidert war. Curtiz fuhr daraufhin nach Kansas City, um den Zug abzufangen, wo er Garfield aussteigen ließ und ihn zurück nach Hollywood brachte. Garfield spielte später auch eine Nebenrolle in Curtiz“ Der Seewolf (1941).

In Vier Töchter spielte Garfield zusammen mit Claude Rains, der im Laufe seiner Karriere in zehn Curtiz-Filmen mitwirkte, sechs davon in den 1930er Jahren. Garfield und Rains „waren brillant zusammen in diesem zu Unrecht vernachlässigten Curtiz-Klassiker“, sagt der Biograf Patrick J. McGrath über Vier Töchter. Garfield betrachtete ihn als sein „obskures Meisterwerk“. Die Kritiker lobten seine Rolle: „Das vielleicht größte Einzelereignis im Zusammenhang mit Vier Töchter scheint beim Lesen der Kritiken das Debüt von John Garfield zu sein, einem brillanten jungen Schauspieler, der von der Broadway-Bühne rekrutiert wurde.“ Ähnliche Anerkennung kam von der New York Times, die Garfields Schauspiel als „bitterböse brillant … eines der besten Bilder in seiner Karriere“ bezeichnete. Garfield und Rains spielten im folgenden Jahr gemeinsam in Curtiz“ Daughters Courageous (1939).

Nachdem James Cagney in Curtiz“ Engel mit schmutzigen Gesichtern (1938) mitgespielt hatte, wurde er zum ersten Mal für einen Oscar nominiert. Der New York Film Critics Circle wählte ihn zum besten Schauspieler für seine Darstellung in dem Film, in dem er einen Ganoven spielte, der sich rehabilitiert. Auch Curtiz wurde erneut nominiert, was seinen Status als wichtigster Regisseur des Studios weiter festigte:  64 Curtiz wurde 1938 für den Oscar für die beste Regie sowohl für Engel mit schmutzigen Gesichtern als auch für Vier Töchter nominiert und verlor gegen Frank Capra für You Can“t Take It With You. Curtiz hatte jedoch seine Stimmen auf zwei Filme aufgeteilt und verfügte über die größere Anzahl von Stimmen der Akademie.

Im folgenden Jahr drehte Curtiz Sons of Liberty (1939) mit Claude Rains in der Hauptrolle, ein mit dem Oscar ausgezeichnetes Biopic, das den jüdischen Beitrag zur Unabhängigkeit Amerikas dramatisiert:  44 Curtiz entlockte auch Edward G. Robinson in Kid Galahad (1937) eine der besten Arbeiten, in der Robinson einen harten und sardonischen, aber letztlich weichherzigen Boxmanager spielte. In dem Film spielten Bette Davis und Humphrey Bogart mit.

Drei Western unter der Regie von Curtiz, in denen Flynn ebenfalls die Hauptrolle spielte, waren Dodge City (1939) und Santa Fe Trail (1940), in dem der künftige US-Präsident Ronald Reagan mitspielte,

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1940s

In den 1940er Jahren wurden weitere von der Kritik gefeierte Filme unter der Regie von Curtiz veröffentlicht, darunter The Sea Hawk (1940), Dive Bomber (1941), The Sea Wolf (1941), Casablanca (1942), Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army (1943), Mildred Pierce (1945) und Life with Father (1947).

Einer der größten Hits des Jahres 1940 war The Sea Hawk mit Errol Flynn in der Rolle eines Abenteurers im Stile von Sir Francis Drake. Flora Robson spielte Königin Elisabeth I., und Claude Rains war der spanische Botschafter, dessen Aufgabe es war, die Königin in die Irre zu führen, die zu Recht vermutete, dass die spanische Armada im Begriff war, England zu überfallen. Einige Kritiker waren der Meinung, dass die Geschichte den damaligen Ereignissen in Europa entsprach, und bezeichneten den Film als eine „kaum verhüllte Hetzschrift gegen den amerikanischen Isolationismus am Rande des Zweiten Weltkriegs“. Der Filmkolumnist Boyd Martin bemerkte die Ähnlichkeiten:

Die Parallele zwischen den Reichsträumen König Philipps von Spanien und den Träumen, die Hitler anscheinend kurzzeitig genoss, ist so offensichtlich, dass sie auch dem jüngsten Kinogänger, der seine Zeitung liest und den Film sieht, nicht entgehen wird … Da er eine Parallele hat, reitet Herr Curtiz seinen Sea Hawk Kopf an Kopf mit der Zeitgeschichte.

Dive Bomber (der Film kam beim Publikum gut an und wurde als der sechstbeliebteste Film des Jahres eingestuft. Kein anderer Film aus der Zeit vor Pearl Harbor kam an die Qualität der Flugszenen heran. Die Filmkolumnistin Louella Parsons schrieb: „Dive Bomber macht uns wieder einmal froh, dass wir Amerikaner von einer so kompetenten Marine wie der unseren beschützt werden.“

Die Dreharbeiten auf dem aktiven Marinestützpunkt in San Diego erforderten große Sorgfalt, insbesondere bei den Luftaufnahmen. Curtiz drehte jeden Meter von „Dive Bomber“ mit Unterstützung der Navy und unter strenger Kontrolle der Navy. Um realistische Aufnahmen zu erzielen, montierte er Kameras auf die Flugzeuge der Navy, um „erstaunliche Point-of-View-Aufnahmen“ zu erhalten, die den Zuschauer während des Fluges in das Cockpit führen. Außerdem montierte er Kameras unter den Tragflächen der Flugzeuge, um die Starts von der Enterprise, einem Flugzeugträger, der einige Jahre zuvor vom Stapel gelaufen war, zu dramatisieren. Bosley Crowther von der New York Times gab ihm eine gute Kritik:

Die Warners haben diesen Film in den prächtigsten Farben fotografiert, die man je gesehen hat … Massen von Flugzeugen in leuchtenden Farben, die in beeindruckenden Reihen auf einem Luftwaffenstützpunkt oder auf den riesigen Flugdecks von Flugzeugträgern aufgereiht sind und in silberner Majestät, Flügel an Flügel, durch den grenzenlosen Himmel der Westküste donnern. Nie zuvor war ein Luftfahrtfilm so lebendig in seinen Bildern, vermittelte ein solches Gefühl von greifbarer Solidität, wenn er uns feste Dinge zeigt, oder war so voller Sonnenlicht und sauberer Luft, wenn die Kameras in der Luft sind. Abgesehen von ein paar schlecht abgestimmten Aufnahmen ist die Arbeit nahezu perfekt.

Edward G. Robinson spielte die Hauptrolle in Der Seewolf (1941), seinem zweiten Film unter der Regie von Curtiz. Er spielte den randalierenden, diktatorischen Kapitän eines Schiffes in einer Adaption eines der bekanntesten Romane von Jack London. Robinson sagte, die Figur, die er darstellte, „war ein Nazi in allem außer dem Namen“, was, wie Robinson bemerkte, für den Zustand der Welt zu dieser Zeit relevant war. John Garfield und Ida Lupino spielten das junge Liebespaar, das versucht, seiner Tyrannei zu entkommen. Einige Kritiken bezeichneten den Film als einen von Curtiz“ „versteckten Juwelen … eines der komplexesten Werke von Curtiz“. Robinson war beeindruckt von Garfields intensiver Persönlichkeit, die seiner Meinung nach zu seinem Tod im Alter von 39 Jahren beigetragen haben könnte:

John Garfield war einer der besten jungen Schauspieler, denen ich je begegnet bin, aber seine Leidenschaft für die Welt war so groß, dass ich befürchtete, er würde eines Tages einen Herzinfarkt bekommen. Es dauerte nicht lange, bis er es tat.

Curtiz führte Regie bei einem weiteren Luftwaffenfilm, Captains of the Clouds (1942), über die Royal Canadian Air Force. Darin spielten James Cagney und Brenda Marshall die Hauptrollen. Laut Hal B. Wallis, dem Produzenten, wurde es die umfangreichste und schwierigste Produktion von Warner Bros. und alles musste nach Kanada verlagert werden: 76 Wie bei Dive Bomber waren die lebhaften, in Technicolor gefilmten Luftszenen ein weiteres Merkmal, das die Aufmerksamkeit der Kritiker auf sich zog, und der Film wurde für die beste Art Direction und die beste Farbkinematografie nominiert.

Curtiz führte Regie bei Casablanca (1942), einem romantischen Drama aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs, das von Roger Ebert 1996 als einer der beliebtesten Filme aller Zeiten bezeichnet wurde. Zu den Stars des Films gehören Humphrey Bogart, der einen in Marokko lebenden Auswanderer spielt, und Ingrid Bergman als Frau, die vor den Nazis fliehen will. In den Nebenrollen sind Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sidney Greenstreet und Peter Lorre zu sehen. Der Film wurde für acht Oscars nominiert und gewann drei, darunter einen für Curtiz als bester Regisseur. Das Time Magazine bezeichnete Casablanca 2012 als „den besten Film, der je gedreht wurde“.

Kurz nach der Fertigstellung von Captains of the Clouds, aber noch vor Casablanca, führte Curtiz Regie bei der Musical-Biografie Yankee Doodle Dandy (1942), einem Film über den Sänger, Tänzer und Komponisten George M. Cohan. In der Hauptrolle spielte James Cagney eine völlig andere Rolle als die, die er vier Jahre zuvor in Curtiz“ Angels with Dirty Faces gespielt hatte. Während der frühere Film zu einem Karrierehöhepunkt für Cagneys Darstellung eines Gangsters wurde, eine Rolle, die er in vielen früheren Filmen spielte, zeigt Cagney in diesem Film, einem offenkundig patriotischen Musical, seine beachtlichen Tanz- und Gesangstalente. Es war Cagneys Lieblingsrolle in seiner Karriere.

Cagneys bravouröse Leistung brachte ihm seinen einzigen Oscar als bester Darsteller ein. Für Warner Bros. wurde der Film zum größten Kassenerfolg in der Geschichte des Unternehmens bis zu diesem Zeitpunkt, er wurde für neun Oscars nominiert und gewann vier. Der Erfolg des Films wurde auch zu einem Höhepunkt in der Karriere von Curtiz, der für die beste Regie nominiert wurde. Der Film ist als Filmklassiker in die Annalen Hollywoods eingegangen und wird im National Film Registry der Library of Congress als „kulturell, historisch oder ästhetisch bedeutsam“ geführt.

Ein weiterer patriotischer Film von Curtiz war This Is the Army (1943), ein Musical nach einem Bühnenstück mit einer Musik von Irving Berlin. Da Amerika in den Zweiten Weltkrieg verwickelt war, stärkte der Film die Moral der Soldaten und des Publikums. Unter den neunzehn Liedern war Kate Smiths Interpretation von „God Bless America“ einer der Höhepunkte des Films. Aufgrund der zahlreichen populären und allgemeinen Elemente des Films, wie Boden- und Luftkämpfe, Rekrutierung, Ausbildung und Marschieren sowie Komödie, Romantik, Gesang und Tanz, war er der finanziell erfolgreichste Kriegsfilm, der während des Zweiten Weltkriegs gedreht wurde.

In dieser Zeit führte Curtiz auch Regie bei dem Propagandafilm Mission to Moscow (1943), einem Film, der im Auftrag von Präsident Franklin D. Roosevelt gedreht wurde, um den Verbündeten der USA und Großbritanniens, die Sowjetunion, zu unterstützen, die zu diesem Zeitpunkt 80 % der deutschen Streitkräfte bei der Abwehr der Nazi-Invasion in Russland in Schach hielt. Der Film wurde von den Kritikern größtenteils positiv aufgenommen und war ein Erfolg an den Kinokassen, aber der Film erwies sich bald als kontrovers, nachdem er starke antikommunistische Gefühle geweckt hatte. Curtiz nahm die Kritik persönlich und gelobte, nie wieder einen offenkundig politischen Film zu drehen – ein Versprechen, das er hielt: 148

Mildred Pierce (1945) basiert auf dem Roman von James M. Cain. Sein Star, Joan Crawford, gab eine der stärksten Darbietungen ihrer Karriere. Sie spielte eine Mutter und erfolgreiche Geschäftsfrau, die alles für ihre verwöhnte Tochter, gespielt von Ann Blyth, opfert.

Als Crawford die Rolle bei Warner Bros. annahm, befand sich ihre 18-jährige Karriere bei MGM bereits im Niedergang. Sie war einer der prominentesten und bestbezahlten Stars Hollywoods gewesen, doch ihre Filme begannen, Geld zu verlieren, und Ende der 1930er Jahre wurde sie als „Kassengift“ bezeichnet. Anstatt bei MGM zu bleiben und zuzusehen, wie neuere, jüngere Talente mit besseren Rollen die meiste Aufmerksamkeit des Studios auf sich zogen, verließ sie MGM und unterzeichnete einen Vertrag mit Warner Bros. zu einem geringeren Gehalt.

Ursprünglich wollte Curtiz Barbara Stanwyck für die Rolle haben. Doch Crawford, die zu diesem Zeitpunkt seit zwei Jahren nicht mehr in einem Film mitgewirkt hatte, tat ihr Bestes, um die Rolle zu bekommen. Wie es sich für einen großen Star gehört, war sie sogar bereit, für Curtiz vorzusprechen. Sie war sich bereits bewusst, dass „Mr. Mike Curtiz mich hasste … Ich will nicht diese großen breiten Schultern“, sagte er. Als sie eine emotionale Szene vor seinen Augen vortrug, sah sie, wie er von ihrer Darbietung so überwältigt war, dass er weinte, und dann sagte er: „Ich liebe dich, Baby.“

Um Crawford bei der Vorbereitung auf bestimmte Gerichtsszenen zu helfen, nahm Curtiz sie mit in die Stadt, wo sie einige Zeit damit verbrachten, Gefängnisse zu besuchen und Strafprozesse zu beobachten. Beim Fotografieren verwendete er eine sorgfältige Film-Noir-Kameratechnik, einen Stil, den er in Europa gelernt hatte, um Crawfords Gesichtszüge mit satten Schwarz-Weiß-Lichtern hervorzuheben. Er war sich bewusst, dass Crawford ihr Image auf der Leinwand sehr sorgfältig hütete und dass sie wirklich Wert auf Qualität legte. Crawford lernte Curtiz“ Genialität mit der Kamera zu schätzen. Eve Arden, die für den Film als beste Nebendarstellerin nominiert war, sagte: „Curtiz war einer der wenigen Regisseure, die wussten, was sie wollten, und die in der Lage waren, sich genau auszudrücken, sogar mit seinem amüsanten ungarischen Akzent.“

Mildred Pierce wurde für sechs Oscars nominiert, darunter für den besten Film. Nur Crawford gewann als beste Darstellerin, ihren ersten und einzigen Oscar. Der Autor des Romans, James M. Cain, schenkte ihr ein in Leder gebundenes Exemplar von Mildred Pierce, das er beschriftete: „An Joan Crawford, die Mildred so zum Leben erweckt hat, wie ich es mir immer erhofft hatte, und der ich mein Leben lang dankbar bin.“ Der Film brachte Crawford zurück in die Riege der Hauptdarsteller.

Nach dem Erfolg des Films gab Jack Warner Curtiz zum Dank zwei neue, außergewöhnliche Verträge, die sein Gehalt erhöhten und die Anzahl der Filme, die er pro Jahr drehen musste, auf zwei reduzierten.

Curtiz führte Regie bei William Powell und Irene Dunne in Leben mit Vater (1947), einer Familienkomödie. Der Film war in den USA ein großer Erfolg und wurde für vier Oscars nominiert, darunter als bester Schauspieler für Powell. Im Laufe seiner Karriere wirkte Powell in 97 Filmen mit; seine dritte und letzte Nominierung war für diesen Film. In einer Kritik hieß es: „Er ist großartig in der Rolle, die er mit allen Attributen von Pomp, Würde, unbewusster Eitelkeit und völliger Liebenswürdigkeit ausstattet! Das ist eine der wirklich großen Leinwandleistungen des Jahres … die ein langes Leinwandleben krönt.“

In den späten 1940er Jahren schloss Curtiz einen neuen Vertrag mit Warner Bros. ab, der vorsah, dass sich das Studio und seine eigene Produktionsfirma die Kosten und Gewinne seiner späteren Filme teilen sollten, wobei seine Filme über Warner Bros. veröffentlicht werden sollten. „Ich werde versuchen, meine eigene Produktionsfirma aufzubauen und aus Unbekannten Stars zu machen. Es wird unmöglich, die großen Stars unter Vertrag zu nehmen, weil sie für die nächsten zwei Jahre gebunden sind“, sagte er. Er sagte auch, dass es ihm weniger auf das Aussehen als auf die Persönlichkeit eines Schauspielers ankomme. „Wenn sie gut aussehen, ist das etwas Besonderes. Aber ich achte auf die Persönlichkeit.“

Bald lernte er, dass gute Geschichten noch schwieriger zu bekommen waren: „Studios zahlen alles für gute Geschichten … sie kaufen sie auf, bevor jemand anderes sie bekommen kann“, beschwerte er sich. Die Geschichte für Life With Father soll das Studio 300.000 Dollar gekostet haben, und das gesamte Budget für die Produktion des Films belief sich auf etwa 3 Millionen Dollar. Die darauffolgenden Filme liefen jedoch schlecht, sei es als Teil der Veränderungen in der Filmindustrie in dieser Zeit oder weil Curtiz „keine Fähigkeiten hatte, die Gesamtheit eines Films zu gestalten“:  191 So oder so, wie Curtiz selbst sagte: „Man wird nur so weit geschätzt, wie man die Kohle in die Kinokassen trägt. Am nächsten Tag wirft man dich in die Gosse“:  332

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1950s

Curtiz“ Filme deckten weiterhin ein breites Spektrum an Genres ab, darunter Biopics, Komödien und Musicals. Zu den Kassenerfolgen und gut aufgenommenen Filmen gehören Young Man with a Horn (1950), Jim Thorpe – All-American (1951), The Story of Will Rogers (1952), White Christmas (1954), We“re No Angels (1955) und King Creole (1958).

In Young Man with a Horn (1950) spielten Kirk Douglas, Lauren Bacall und Doris Day die Hauptrollen, wobei Douglas den Aufstieg und Fall eines Jazzmusikers darstellte, der dem echten Kornettisten Bix Beiderbecke nachempfunden war. Curtiz führte Regie bei einer weiteren Filmbiografie, Jim Thorpe – All-American (1951), diesmal mit Burt Lancaster in der Hauptrolle, die auf der wahren Geschichte eines indianischen Sportlers basiert, der bei den Olympischen Sommerspielen 1912 in Stockholm mehr Goldmedaillen gewann als jeder andere Sportler. Der Film wurde als einer der fesselndsten Sportfilme überhaupt gelobt.

Curtiz folgte mit I“ll See You in My Dreams (1952), mit Doris Day und Danny Thomas. Der Film ist eine musikalische Biografie des Textdichters Gus Kahn. Es war Days vierter Film unter der Regie von Curtiz, der sie zum ersten Mal vorsprach und ihr eine Hauptrolle in ihrem Debütfilm Romance on the High Seas (1948) gab. Sie war schockiert, als man ihr eine Hauptrolle in ihrem ersten Film anbot, und gab gegenüber Curtiz zu, dass sie eine Sängerin ohne Schauspielerfahrung war. Was Curtiz nach dem Vorsprechen an ihr gefiel, war, dass „sie ehrlich war“, wie er sagte, und sich nicht scheute, ihm zu sagen, dass sie keine Schauspielerin war. Das und die Beobachtung, dass ihre Sommersprossen sie wie das All-American Girl aussehen ließen“, sagte er. Day sollte die Entdeckung sein, mit der er später in seiner Karriere am meisten prahlte.

The Story of Will Rogers (1952), ebenfalls eine Biografie, erzählt die Geschichte des Humoristen und Filmstars Will Rogers, gespielt von seinem Sohn Will Rogers jr.

Die lange Partnerschaft zwischen Curtiz und Warner Bros. endete schließlich in einem erbitterten Rechtsstreit. Nachdem seine Beziehung zu Warner Bros. zerbrochen war, führte Curtiz ab 1954 als freier Regisseur weiter Regie. The Egyptian (1954, nach dem Roman von Mika Waltari über Sinuhe) für Fox mit Jean Simmons, Victor Mature und Gene Tierney in den Hauptrollen. Er führte bei vielen Filmen für Paramount Regie, darunter White Christmas, We“re No Angels und King Creole. White Christmas (1954), Curtiz“ zweite Adaption eines Irving-Berlin-Musicals, war ein großer Kassenerfolg und der umsatzstärkste Film des Jahres 1954. In den Hauptrollen spielten Bing Crosby, Danny Kaye, Rosemary Clooney und Vera-Ellen.

In einem anderen Musical, King Creole (1958), spielten Elvis Presley und Carolyn Jones die Hauptrollen. Als er gebeten wurde, bei Presley, der damals der „King of Rock and Roll“ war, Regie zu führen, konnte Curtiz nur lachen, da er annahm, Presley könne nicht schauspielern. Nach einigen Gesprächen mit ihm änderte sich seine Meinung jedoch: „Ich wurde hellhörig“, sagte Curtiz und fügte hinzu: „Ich garantiere, dass er alle in Erstaunen versetzen wird. Er hat ein enormes Talent. Mehr noch, er wird den Respekt bekommen, den er sich so sehr wünscht. Während der Dreharbeiten war Presley immer der Erste am Set. Wenn man ihm sagte, was er tun sollte, egal wie ungewöhnlich oder schwierig, sagte er einfach: „Sie sind der Boss, Mr. Curtiz.“

Das Drehbuch, die Musik und die schauspielerische Leistung fügten sich zu einem bemerkenswerten Film zusammen, wie ihn Presley in seiner Karriere nie erreicht hat. Er erhielt gute Kritiken: Die Zeitschrift Variety erklärte, der Film zeige „den jungen Star als einen mehr als passablen Schauspieler“. Auch die New York Times gab ihm eine positive Bewertung: „Was Mr. Presley betrifft, so ist es ein Vergnügen, ihn bei seinem dritten Leinwandversuch zu sehen, wie er ein wenig mehr tut als nur in der Bourbon Street zu schreien und zu wackeln. Die Schauspielerei ist seine Aufgabe in diesem klug gepolsterten Schaufenster, und er tut es, so wahr uns Gott helfe, über einen Lattenzaun hinweg.“ Presley dankte Curtiz später dafür, dass er ihm die Möglichkeit gab, sein Potenzial als Schauspieler zu zeigen; von seinen 33 Filmen bezeichnete Elvis diesen als seinen Lieblingsfilm.

Der letzte Film, bei dem Curtiz Regie führte, war The Comancheros, der sechs Monate vor seinem Krebstod am 10. April 1962 veröffentlicht wurde. Curtiz war während der Dreharbeiten krank, aber der Star John Wayne übernahm die Regie an den Tagen, an denen Curtiz zu krank war, um zu arbeiten. Wayne wollte sich nicht als Co-Regisseur bezeichnen lassen.

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Vorbereitung

Curtiz investierte stets die notwendige Zeit, um alle Aspekte eines Films vor den Dreharbeiten vorzubereiten. „Was mich betrifft“, sagte er, „besteht die Hauptarbeit bei der Regie eines Films darin, eine Geschichte für die Leinwand vorzubereiten … Nichts ist so wichtig … Ein Regisseur kann mit dem Feldherrn einer Armee verglichen werden. Er sollte klarer als jeder andere wissen, was auf ihn zukommt, was er zu erwarten hat … Ich halte dies für einen guten Arbeitsplan.“

Indem er sich Zeit für die Vorbereitung nahm, verringerte er die Verzögerungen nach Produktionsbeginn, was es ihm ermöglichte, bis in die 1940er Jahre etwa sechs Filme pro Jahr zu drehen. Er drehte Front Page Woman (1935) in nur drei Wochen, der rasante Zeitungsdialoge mit Bette Davis enthielt, dann drehte er Captain Blood komplett auf der Tonbühne, ohne das Studio verlassen zu müssen.

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Kinematographie

Sidney Rosenzweig argumentiert, dass Curtiz seinen eigenen persönlichen Stil hatte, der zum Zeitpunkt seiner Übersiedlung nach Amerika bereits etabliert war: „hohe Kranaufnahmen, um die Umgebung einer Geschichte zu etablieren; ungewöhnliche Kamerawinkel und komplexe Kompositionen, bei denen die Charaktere oft von physischen Objekten eingerahmt werden; viel Kamerabewegung; subjektive Aufnahmen, bei denen die Kamera zum Auge des Charakters wird; und kontrastreiche Beleuchtung mit vielen Schatten“:  6-7 Aljean Harmetz stellt fest, dass „Curtiz“ Vision eines jeden Films… fast ausschließlich eine visuelle war“..:  183-184

Wenige Monate nach seiner Ankunft in Hollywood als neuer Regisseur von Warner Bros. erklärte Curtiz, dass er den Zuschauern das Gefühl geben wollte, eine Geschichte auf der Leinwand mitzuerleben:

Um dieses Ziel zu erreichen, muss die Kamera viele Persönlichkeiten annehmen. Die meiste Zeit nimmt sie die Persönlichkeit des Publikums an. In Momenten, in denen das Interesse hoch und die Illusion des Publikums am größten ist, versetzt sich die Kamera abwechselnd in die Position der verschiedenen Figuren, während die dramatische Last von Schauspieler zu Schauspieler wechselt. Das bedeutet, dass die Kamera viel bewegt werden muss. Wenn sie an jeder Stelle abbricht, so dass sie von einem Ort zum anderen zu springen scheint, ist der Effekt spürbar und die Rezeption der Geschichte wird beeinträchtigt. In vielen Fällen muss sich die Kamera daher ohne Unterbrechung von einer Position zur nächsten bewegen, so wie es eine Person tun würde.

Bei der Vorbereitung von Szenen verglich sich Curtiz gern mit einem Künstler, der mit Figuren, Licht, Bewegung und Hintergrund auf einer Leinwand malt. Doch während seiner Karriere wurde dieser „Individualismus“, so Robertson, „vor der Öffentlichkeit verborgen“ und unterbewertet, weil Curtiz“ Filme im Gegensatz zu vielen anderen Regisseuren ein so breites Spektrum verschiedener Genres abdeckten: 2 Er wurde daher von vielen eher als vielseitiger Meistertechniker gesehen, der unter der Regie von Warner Bros. arbeitete, und nicht als Autorenfilmer mit einem einzigartigen und erkennbaren Stil: 2

Hal B. Wallis, der Produzent vieler Curtiz-Filme, darunter auch Robin Hood, hatte stets ein Auge auf die Budgets. Während der Dreharbeiten zu diesem Film schrieb er an Jack Warner: „In seinem Enthusiasmus, großartige Aufnahmen und Kompositionen zu machen und die großartigen Produktionswerte in diesem Film zu nutzen, ist es natürlich wahrscheinlicher, dass er über die Stränge schlägt als jeder andere … Ich habe gestern nicht versucht, Mike zu stoppen, als er auf dem Kran stand und Einrichtungsaufnahmen machte.“:  123

Curtiz selbst hat sich nur selten schriftlich zu seiner Philosophie oder seinem Filmstil geäußert, da er immer zu sehr mit dem Drehen von Filmen beschäftigt war, so dass keine Autobiografie und nur wenige Medieninterviews existieren:  3 Sein Bruder bemerkte, dass Curtiz in seinem Privatleben „schüchtern, fast bescheiden“ war, im Gegensatz zu seiner „take-charge“-Haltung bei der Arbeit. Sein Bruder fügte hinzu, dass „er nicht wollte, dass jemand ein Buch über ihn schreibt. Er weigerte sich, auch nur über die Idee zu sprechen“. Als Curtiz einmal gebeten wurde, seine Philosophie des Filmemachens zusammenzufassen, sagte er: „Ich stecke all die Kunst in meine Filme, von der ich glaube, dass das Publikum sie ertragen kann.“

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Arten von Geschichten

Bevor er nach Hollywood kam, dachte Curtiz immer an die Geschichte, bevor er mit der Arbeit an einem Film begann. Das menschliche Interesse an einer Geschichte war der Schlüssel, zusammen mit der Entwicklung der Handlung im Laufe des Films. Er erklärt:

Wenn mir eine Geschichte vorgelegt wird, achte ich zunächst auf „menschliches Interesse“. Wenn dieses Interesse gegenüber der Handlung überwiegt, dann ist die Geschichte meiner Meinung nach gut. Ich möchte die Geschichte immer so erzählen, als wäre die Kamera eine Person, die über die Geschehnisse berichtet.

Seine Einstellung änderte sich auch nicht, als er zu einem großen Studio kam, obwohl er dort große Filme inszenieren sollte. Noch in den 1940er Jahren bevorzugte er „heimelige Bilder“. Er sagte, das sei so, „weil ich mich mit menschlichen und grundlegenden Problemen echter Menschen beschäftigen will. Das ist die Grundlage für jedes gute Drama. Das gilt sogar für ein Spektakel, bei dem man nie die zugrundeliegende Menschlichkeit und Identität der Figuren vergessen darf, egal wie prächtig die Kulissen oder Situationen sind.“ Er war jedoch auch der Meinung, dass selbst bei ein und derselben Geschichte fünf verschiedene Regisseure fünf unterschiedliche Versionen produzieren würden. „Keine zwei wären gleich“, sagte er, da das Werk eines jeden Regisseurs „ein Spiegelbild seiner selbst“ sei.

Der Filmhistoriker Peter Wollen sagt, dass in Curtiz“ Filmen immer wieder Figuren zu sehen sind, die „mit Ungerechtigkeit, Unterdrückung, Verhaftung, Vertreibung und Exil zu kämpfen haben“:  85 Er führt Beispiele von Curtiz-Filmen an, um dies zu belegen: 20.000 Years in Sing Sing (1932) behandelte das Thema der sozialen Entfremdung, während Captain Blood, The Adventures of Robin Hood und The Sea Hawk alle von einem tyrannischen Monarchen handelten, der die Freiheit der einfachen Engländer bedrohte: 90 Wollen stellt fest:

Das Argument für Curtiz als Autorenfilmer beruht auf seiner unglaublichen Fähigkeit, den richtigen Stil für den richtigen Film zu finden. Wenn er eine thematische Konsistenz über mehrere Genres hinweg aufweist, dann ist es seine konsequente Vorliebe, den Kampf des Rebellen und des Unterdrückten gegen die Etablierten und Mächtigen zu betonen. „74

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Persönliche Gewohnheiten

Curtiz war immer sehr aktiv: Er arbeitete sehr lange Tage, trieb in seiner Freizeit mehrere Sportarten und wurde oft dabei ertappt, wie er unter einer kalten Dusche schlief:: 188 Er ließ die Mittagspause ausfallen, da sie ihn bei seiner Arbeit störte und ihn oft müde machte. Er lehnte daher Schauspieler ab, die zu Mittag aßen, da er der Meinung war, dass „Mittagspenner“ keine Energie für die Arbeit am Nachmittag hätten..:  188

Wallis sagte, er sei „ein Arbeitsteufel“. Er stand jeden Morgen um 5 Uhr auf und blieb normalerweise bis 20 oder 21 Uhr im Studio. Er hasste es, am Ende des Tages nach Hause zu gehen, so Wallis. Mit seinem hohen Energielevel kümmerte er sich auch um jedes noch so kleine Detail am Set.

Um seine Lebenserfahrungen in den USA zu erweitern, reiste er nur selten außerhalb Hollywoods und neigte dazu, rastlos und neugierig auf alles in der Umgebung zu sein, wenn er zu Dreharbeiten ging. Wallis, die ihn als Produzentin oft begleitete, beobachtete, dass er alles erkundete:

Er war wissbegierig; er wollte die Billardzimmer, die Absteigen, die Chinesenviertel, die Slums sehen – alles, was fremd und exotisch und schäbig war, um das Wissen zu erweitern, das seinen Bildern ihren erstaunlichen Grad an Realismus verlieh.

Seine Freunde gaben ihm den Spitznamen „Iron Mike“, da er versuchte, sich körperlich fit zu halten, indem er Polo spielte, wenn er Zeit hatte, und zu Hause einen Pferdestall für seine Freizeitgestaltung besaß. Seine Fitness und sein Energielevel führte er ausschließlich auf sein nüchternes Leben zurück. Trotz seines großen Erfolges und Reichtums im Laufe der Jahre ließ er sich nicht „im Schoß des Luxus streicheln“.

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Zusammenarbeit mit Kollegen

Die Kehrseite seines Engagements war sein oft gefühlloses Auftreten, das viele auf seine ungarischen Wurzeln zurückführten. Fay Wray, die mit Curtiz bei „Das Geheimnis des Wachsfigurenkabinetts“ zusammenarbeitete, sagte: „Ich hatte das Gefühl, dass er nicht aus Fleisch und Blut war, dass er Teil des Stahls der Kamera war:  126 Curtiz war bei den meisten seiner Kollegen nicht beliebt, viele von ihnen hielten ihn für arrogant:  7 Das leugnete er auch nicht und erklärte: „Wenn ich einen faulen Mann oder ein gleichgültiges Mädchen sehe, macht mich das hart. Ich bin sehr kritisch gegenüber Schauspielern, aber wenn ich einen echten Schauspieler finde, bin ich der erste, der ihn schätzt.“:  124

Dennoch drehte Bette Davis, die 1932 kaum bekannt war, fünf weitere Filme mit ihm, obwohl sie sich bei den Dreharbeiten zu The Cabin in the Cotton (1932), einer ihrer frühesten Rollen, ständig stritten. Er hatte eine niedrige Meinung von Schauspielern im Allgemeinen und sagte, dass die Schauspielerei „zu fünfzig Prozent aus einem großen Sack voller Tricks besteht. Die anderen fünfzig Prozent sollten aus Talent und Können bestehen, was aber selten der Fall ist“. Im Großen und Ganzen kam er gut mit seinen Stars aus, was sich darin zeigte, dass es ihm gelang, einige der besten Schauspieler Hollywoods zu gewinnen und zu halten. Er verstand sich sehr gut mit Claude Rains, bei dem er in zehn Filmen Regie führte:  190

Curtiz hatte Schwierigkeiten mit der englischen Sprache, da er zu sehr mit Dreharbeiten beschäftigt war, um die Sprache zu lernen. Er benutzte manchmal Pantomimen, um zu zeigen, was er von einem Schauspieler wollte, was zu vielen amüsanten Anekdoten über seine Wortwahl beim Regieführen führte. David Niven vergaß nie Curtiz“ Ausspruch „bring on the empty horses“, wenn er „die Pferde ohne Reiter herausbringen“ wollte, so sehr, dass er ihn als Titel für seine Memoiren verwendete. Ähnliche Geschichten gibt es zuhauf: Für die Schlussszene in Casablanca bat Curtiz den Bühnenbildner um einen „Pudel“ auf dem Boden, damit man die nassen Schritte der Schauspieler auf der Kamera sehen konnte. Am nächsten Tag brachte der Bühnenbildner einen kleinen Hund, ohne zu wissen, dass Curtiz „Pfütze“ und nicht „Pudel“ meinte. Aber nicht alle Schauspieler, die unter Curtiz arbeiteten, waren über seine Wortspielereien so amüsiert. Edward G. Robinson, den Curtiz in Der Seewolf inszenierte, hatte eine andere Meinung zu sprachlichen Handicaps von Ausländern in Hollywood:

Sie könnten ein ganzes Buch füllen. Auch wenn ich nicht ahnte, dass Sie sie alle kennen, habe ich schon vor langer Zeit beschlossen, dass ich weder mich noch Sie mit Curtizismen, Pasternakismen, Goldwynismen oder Gaborismen langweilen möchte. Zu viele Autoren haben es sich zur Aufgabe gemacht, über den Missbrauch der englischen Sprache durch Hollywood-Leute zu berichten.

Als er in die Vereinigten Staaten ging, hinterließ Curtiz einen unehelichen Sohn und eine uneheliche Tochter: 122 Um 1918 heiratete er die Schauspielerin Lucy Doraine, 1923 ließen sie sich scheiden. Ab 1925 hatte er eine längere Affäre mit Lili Damita, die er manchmal geheiratet haben soll, aber der Filmwissenschaftler Alan K. Rode stellt in seiner 2017 erschienenen Biografie über Curtiz fest, dass dies eine moderne Legende ist, für die es keine zeitgenössischen Belege gibt. Ihre Nachrufe erwähnen eine solche Ehe nicht.

Curtiz hatte Europa noch vor dem Aufkommen des Nationalsozialismus verlassen; andere Mitglieder seiner Familie hatten weniger Glück. Einmal bat er Jack Warner, der 1938 nach Budapest reiste, Kontakt zu seiner Familie aufzunehmen und ihnen zu helfen, Ausreisevisa zu erhalten. Warner gelang es, Curtiz“ Mutter in die USA zu bringen, wo sie den Rest ihres Lebens bei ihrem Sohn lebte. Er konnte Curtiz“ einzige Schwester, ihren Mann und ihre drei Kinder nicht retten, die nach Auschwitz geschickt wurden, wo ihr Mann und zwei der Kinder ermordet wurden: 124

Curtiz zahlte einen Teil seines eigenen Gehalts in den European Film Fund ein, eine wohltätige Organisation, die europäischen Flüchtlingen im Filmgeschäft half, sich in den USA niederzulassen.

1933 wurde Curtiz als US-Bürger eingebürgert. In den frühen 1940er Jahren war er ziemlich wohlhabend geworden, verdiente 3.600 Dollar pro Woche und besaß ein beachtliches Anwesen mit Poloplatz: 76 Einer seiner regelmäßigen Polopartner war Hal B. Wallis, der Curtiz bei seiner Ankunft im Lande kennengelernt hatte und mit ihm eine enge Freundschaft geschlossen hatte. Wallis“ Frau, die Schauspielerin Louise Fazenda, und Curtiz“ dritte Frau, Bess Meredyth, eine Schauspielerin und Drehbuchautorin, waren schon vor Curtiz“ Heirat mit Meredyth im Jahr 1929 eng befreundet. Curtiz hatte zahlreiche Affären; Meredyth verließ ihn einmal für kurze Zeit, aber sie blieben bis 1961 verheiratet, als sie sich trennten: 121 Sie blieben bis zu seinem Tod verheiratet. Sie war Curtiz“ Helferin, wenn es darum ging, sich mit Drehbüchern oder anderen Elementen zu befassen, die seine Englischkenntnisse überstiegen, und er rief sie oft an, um sie um Rat zu fragen, wenn er während der Dreharbeiten vor einem Problem stand..:  123

Curtiz war der Stiefvater des Film- und Fernsehregisseurs John Meredyth Lucas, der in seiner Autobiografie Eighty Odd Years in Hollywood über ihn spricht.

Curtiz starb am 10. April 1962 im Alter von 75 Jahren an Krebs. Zum Zeitpunkt seines Todes lebte er allein in einer kleinen Wohnung in Sherman Oaks, Kalifornien. Er ist auf dem Forest Lawn Memorial Park Cemetery in Glendale, Kalifornien, beigesetzt.

Curtiz führte bei einigen der bekanntesten Filme des 20. Jahrhunderts Regie und erzielte zahlreiche preisgekrönte Leistungen von Schauspielern. Bevor er im Alter von 38 Jahren aus seinem Heimatland Ungarn nach Hollywood zog, hatte er in Europa bereits 64 Filme gedreht. Bald half er Warner Bros. dabei, das am schnellsten wachsende Studio des Landes zu werden, und führte während seiner Karriere in Hollywood bei 102 Filmen Regie, mehr als jeder andere Regisseur:  67 Jack Warner, der Curtiz zum ersten Mal entdeckte, nachdem er eines seiner Epen in Europa gesehen hatte, nannte ihn den „größten Regisseur der Warner Brothers“.

Er führte Regie bei 10 Schauspielern, die für den Oscar nominiert wurden: Paul Muni, John Garfield, James Cagney, Walter Huston, Humphrey Bogart, Claude Rains, Joan Crawford, Ann Blyth, Eve Arden und William Powell. Cagney und Crawford gewannen ihre einzigen Oscars unter Curtiz“ Regie, wobei Cagney später im Fernsehen einen Teil seines Erfolgs „dem unvergesslichen Michael Curtiz“ zuschrieb. Curtiz selbst wurde fünfmal nominiert und gewann als bester Regisseur für Casablanca.

Er erwarb sich den Ruf eines strengen Lehrmeisters für seine Schauspieler, da er jedes Detail am Set genauestens überwachte. Da er seit 1912 als Regisseur tätig war, machten ihn seine Erfahrung und seine Hingabe an die Kunst zu einem Perfektionisten. Er hatte eine erstaunliche Beherrschung der technischen Details. Hal B. Wallis, der eine Reihe seiner wichtigsten Filme, darunter Casablanca, produzierte, sagte, Curtiz sei immer sein Lieblingsregisseur gewesen:

Er war ein hervorragender Regisseur mit einer erstaunlichen Beherrschung von Licht, Stimmung und Handlung. Er konnte mit jeder Art von Film umgehen: Melodrama, Komödie, Western, historisches Epos oder Liebesgeschichte.

Einige, wie der Drehbuchautor Robert Rossen, fragen sich, ob Curtiz „von der Filmgeschichte falsch eingeschätzt wurde“, da er nicht zu den großen Regisseuren wie John Ford, Howard Hawks, Orson Welles und Alfred Hitchcock gezählt wird: „Er war offensichtlich ein Talent, das die kreativen Strömungen seiner Zeit wie den deutschen Expressionismus, das Genie des Hollywood-Studio-Systems, Genres wie den Film Noir und die Möglichkeiten, die talentierte Stars boten, sehr aufmerksam wahrnahm“.

Die Filmhistorikerin Catherine Portuges hat Curtiz als einen der „rätselhaftesten und oft unterschätzten Filmregisseure“ bezeichnet:  161 Der Filmtheoretiker Peter Wollen wollte den kritischen Ruf von Curtiz „wiederherstellen“ und bemerkte, dass er mit seiner enormen Erfahrung und Tatkraft „einem Drehbuch durch seine Regie mit Schauspielern und Kameramännern unerwartete Bedeutungen abtrotzen konnte“:  75

Curtiz gewann auch einen Oscar in der Kategorie „Bester Kurzfilm (zwei Rollen)“ für Söhne der Freiheit.

Sechs von Curtiz“ Filmen wurden für den besten Film nominiert: Captain Blood (1935), Die Abenteuer des Robin Hood (1938), Vier Töchter (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Casablanca (1943) und Mildred Pierce (1945). Von diesen Filmen gewann nur Casablanca den Preis für den besten Film.

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Regie bei der Oscar-Verleihung

Das American Film Institute setzte Casablanca auf Platz 3 und Yankee Doodle Dandy auf Platz 98 seiner Liste der besten amerikanischen Filme. The Adventures of Robin Hood und Mildred Pierce wurden für die Liste nominiert.

Quellen

1. Michael Curtiz
2. Michael Curtiz
3. ^ In Hungarian eastern name order Kaminer Manó
4. ^ In Hungarian eastern name order Kertész Mihály
5. ^ Other spellings that various biographers have used are Kertész Mihály, Michael Courtice, Michael Kertesz, Mihaly Kertesz, Michael Kertész, and Kertész Kaminer Manó
6. ^ According to biographer James C. Robertson, because Curtiz had given different accounts about his early life during his career, exact details about his early years have not been confirmed.[6]: 5  For example, he said that he once ran away from home to perform in various acts with a circus.
7. ^ Some sources state that Jack L. Warner, Harry“s younger brother, was who offered Curtiz a contract. In either case, Curtiz initially wanted to throw him off the set while he was working, since visitors made him nervous.[15]
8. «8th Academy Awards (1936)». Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (en inglés). Consultado el 23 de octubre de 2015.
9. «The 11th Academy Awards – 1939». Archivado desde el original el 4 de septiembre de 2012.
10. «15th Academy Awards (1943)». Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (en inglés). Consultado el 23 de octubre de 2015.
11. ^ „Michael Curtiz”, Gemeinsame Normdatei, accesat în 10 decembrie 2014
12. a b Michael Hanisch in Filmspiegel, Nr. 7, 1987, S. 25.
13. Meist als Der Stern von Damaskus bezeichnet, nach Zeitungsberichten aus der Zeit der Veröffentlichung (zum Beispiel hier oder hier dürfte aber Die Sterne … der Originaltitel gewesen sein)