Jimi Hendrix

Alex Rover | 15 grudnia, 2022

Post Views: 10

Streszczenie

James Marshall „Jimi” Hendrix (27 listopada 1942 – 18 września 1970) był amerykańskim gitarzystą, piosenkarzem i autorem tekstów. Mimo że jego kariera trwała zaledwie cztery lata, jest powszechnie uważany za jednego z najbardziej wpływowych gitarzystów elektrycznych w historii muzyki popularnej i jednego z najbardziej znanych muzyków XX wieku. Rock and Roll Hall of Fame opisuje go jako „prawdopodobnie największego instrumentalistę w historii muzyki rockowej”.

Urodzony w Seattle w stanie Waszyngton, Hendrix zaczął grać na gitarze w wieku 15 lat. W 1961 roku zaciągnął się do armii amerykańskiej, ale już w następnym roku został zwolniony. Wkrótce potem przeniósł się do Clarksville, a następnie Nashville w stanie Tennessee i zaczął grać koncerty w chitlin” circuit, zdobywając miejsce w zespole wspierającym braci Isley, a później z Little Richardem, z którym współpracował do połowy 1965 roku. Następnie grał z Curtisem Knightem i Squires, po czym przeniósł się do Anglii pod koniec 1966 roku, kiedy to basista Chas Chandler z Animalsów został jego menedżerem. W ciągu kilku miesięcy Hendrix zdobył trzy brytyjskie przeboje w pierwszej dziesiątce z Jimi Hendrix Experience: „Hey Joe”, „Purple Haze” i „The Wind Cries Mary”. Sławę w USA zdobył po występie na Monterey Pop Festival w 1967 roku, a w 1968 roku jego trzeci i ostatni album studyjny, Electric Ladyland, osiągnął numer jeden w USA. Podwójny LP był najbardziej udanym komercyjnie wydawnictwem Hendrixa i jego pierwszym i jedynym numerem jeden. Jako najlepiej opłacany wykonawca na świecie, Hendrix był gwiazdą festiwalu Woodstock w 1969 roku i Isle of Wight Festival w 1970 roku, zanim zmarł przypadkowo w Londynie z powodu asfiksji spowodowanej barbituranami 18 września 1970 roku.

Hendrix inspirował się amerykańskim rock and rollem i elektrycznym bluesem. Preferował przesterowane wzmacniacze o dużej głośności i wzmocnieniu, a także walnie przyczynił się do spopularyzowania niepożądanych wcześniej dźwięków powodowanych przez sprzężenie zwrotne wzmacniacza gitarowego. Był również jednym z pierwszych gitarzystów, którzy w głównym nurcie rocka szeroko wykorzystywali efekty zmieniające brzmienie, takie jak fuzz distortion, Octavia, wah-wah i Uni-Vibe. Był pierwszym muzykiem, który zastosował w nagraniach stereofoniczne efekty phasingowe. Holly George-Warren z Rolling Stone skomentowała: „Hendrix był pionierem w wykorzystaniu instrumentu jako elektronicznego źródła dźwięku. Gracze przed nim eksperymentowali ze sprzężeniami i zniekształceniami, ale Hendrix przekształcił te i inne efekty w kontrolowane, płynne słownictwo, tak samo osobiste jak blues, od którego zaczynał.”

Hendrix był laureatem kilku nagród muzycznych za życia i pośmiertnie. W 1967 roku czytelnicy Melody Maker uznali go za Pop Musician of the Year, w 1968 roku Billboard uznał go za Artystę Roku, a Rolling Stone za Wykonawcę Roku. Disc i Music Echo uhonorowały go tytułem World Top Musician of 1969, a w 1970 roku Guitar Player nazwał go Gitarzystą Rockowym Roku. The Jimi Hendrix Experience został wprowadzony do Rock and Roll Hall of Fame w 1992 roku i UK Music Hall of Fame w 2005 roku. Rolling Stone zaliczył trzy studyjne albumy zespołu, Are You Experienced, Axis: Bold as Love i Electric Ladyland, do 100 największych albumów wszech czasów, a Hendrixa uznał za największego gitarzystę i szóstego największego artystę wszech czasów.

Hendrix miał afroamerykański i irlandzki rodowód. Jego ojcowski dziadek, Bertran Philander Ross Hendrix, urodził się w 1866 roku z pozamałżeńskiego romansu kobiety o imieniu Fanny i kupca zbożowego z Urbany, Ohio lub Illinois, jednego z najbogatszych ludzi w okolicy w tym czasie. Ojcowska babka Hendrixa, Zenora „Nora” Rose Moore, była byłą tancerką i wykonawczynią wodewili. Hendrix i Moore przenieśli się do Vancouver, gdzie 10 czerwca 1919 roku urodził im się syn, któremu nadali imię James Allen Hendrix; rodzina nazywała go „Al”.

W 1941 roku, po przeprowadzce do Seattle, Al poznał Lucille Jeter (pobrali się 31 marca 1942 roku. Ojcem Lucille (dziadkiem macierzystym Jimiego) był Preston Jeter (ur. 1875), którego matka urodziła się w podobnych okolicznościach jak Bertran Philander Ross Hendrix. Matka Lucille, z domu Clarice Lawson, miała afroamerykańskich przodków, którzy byli niewolnikami. Al, który został powołany przez armię amerykańską do służby w II wojnie światowej, wyjechał na rozpoczęcie szkolenia podstawowego trzy dni po ślubie. Johnny Allen Hendrix urodził się 27 listopada 1942 roku w Seattle; był pierwszym z pięciorga dzieci Lucille. W 1946 roku rodzice Johnny”ego zmienili jego nazwisko na James Marshall Hendrix, na cześć Ala i jego zmarłego brata Leona Marshalla.

Stacjonując w Alabamie w czasie narodzin Hendrixa, Alowi odmówiono standardowego urlopu wojskowego przyznawanego żołnierzom w związku z porodem; jego dowódca umieścił go w blokadzie, aby uniemożliwić mu ucieczkę do Seattle, aby zobaczyć swojego nowonarodzonego syna. Spędził dwa miesiące w zamknięciu bez procesu, a podczas pobytu w obozie otrzymał telegram z wiadomością o narodzinach syna. Podczas trzyletniej nieobecności Ala, Lucille zmagała się z wychowaniem ich syna. Kiedy Al był daleko, Hendrixem zajmowali się głównie członkowie rodziny i przyjaciele, zwłaszcza siostra Lucille, Delores Hall i jej przyjaciółka Dorothy Harding. Al otrzymał honorowe zwolnienie z armii amerykańskiej 1 września 1945 roku. Dwa miesiące później, nie mogąc odnaleźć Lucille, Al udał się do Berkeley w Kalifornii do domu przyjaciółki rodziny, pani Champ, która opiekowała się i próbowała adoptować Hendrixa; tam Al po raz pierwszy zobaczył swojego syna.

Po powrocie ze służby Al połączył się z Lucille, ale jego niemożność znalezienia stałej pracy sprawiła, że rodzina zubożała. Oboje zmagali się z alkoholem i często bili się, gdy byli pod wpływem alkoholu. Przemoc czasami doprowadzała Hendrixa do wycofania się i ukrywania w szafie w ich domu. Jego relacje z bratem Leonem (z Leonem w i poza opieką zastępczą, żyli z prawie stałą groźbą braterskiej separacji. Oprócz Leona, Hendrix miał trójkę młodszego rodzeństwa: Josepha, urodzonego w 1949 roku, Kathy w 1950 roku i Pamelę w 1951 roku, z których wszyscy Al i Lucille oddali do opieki zastępczej i adopcji. Rodzina często się przeprowadzała, zatrzymując się w tanich hotelach i mieszkaniach w okolicach Seattle. Od czasu do czasu członkowie rodziny zabierali Hendrixa do Vancouver, by zatrzymać się u babci. Nieśmiały i wrażliwy chłopiec, był głęboko dotknięty przez swoje doświadczenia życiowe. W późniejszych latach zwierzył się swojej dziewczynie, że padł ofiarą seksualnego wykorzystania przez mężczyznę w mundurze. 17 grudnia 1951 roku, gdy Hendrix miał dziewięć lat, jego rodzice rozwiedli się; sąd przyznał Alowi opiekę nad nim i Leonem.

Przeczytaj także: biografie-pl – Władysław I Łokietek

Pierwsze instrumenty

W Horace Mann Elementary School w Seattle w połowie lat 50-tych, zwyczaj Hendrixa noszenia ze sobą miotły, aby naśladować gitarę, zwrócił uwagę szkolnego pracownika socjalnego. Po ponad roku jego trzymania się miotły jak koca bezpieczeństwa, napisała ona list z prośbą o dofinansowanie szkoły przeznaczonej dla dzieci z biednych rodzin, nalegając, że pozostawienie go bez gitary może spowodować szkody psychiczne. Jej starania spełzły na niczym, a Al odmówił kupienia mu gitary.

W 1957 roku, pomagając ojcu w pracy na boku, Hendrix znalazł ukulele wśród śmieci, które usuwali z domu starszej kobiety. Powiedziała mu, że może zatrzymać instrument, który miał tylko jedną strunę. Ucząc się ze słuchu, grał pojedyncze nuty, naśladując piosenki Elvisa Presleya, zwłaszcza „Hound Dog”. W wieku 33 lat matka Hendrixa, Lucille, zachorowała na marskość wątroby, a 2 lutego 1958 roku zmarła, gdy pękła jej śledziona. Al odmówił zabrania Jamesa i Leona na pogrzeb matki; zamiast tego dał im shoty z whisky i pouczył ich, że tak właśnie mężczyźni powinni radzić sobie ze stratą. W 1958 roku Hendrix ukończył naukę w Washington Junior High School i zaczął uczęszczać, ale nie ukończył, Garfield High School.

W połowie 1958 roku, w wieku 15 lat, Hendrix nabył swoją pierwszą gitarę akustyczną, za 5 dolarów (równowartość 47 dolarów w 2021 roku). Grał codziennie godzinami, obserwując innych i ucząc się od bardziej doświadczonych gitarzystów, a także słuchając artystów bluesowych, takich jak Muddy Waters, B.B. King, Howlin” Wolf i Robert Johnson. Pierwszą melodią, którą Hendrix nauczył się grać był telewizyjny temat „Peter Gunn”. Mniej więcej w tym czasie Hendrix jammował z przyjacielem z lat chłopięcych Sammym Drainem i jego grającym na keyboardzie bratem. W 1959 roku, uczestnicząc w koncercie Hank Ballard & the Midnighters w Seattle, Hendrix poznał gitarzystę grupy, Billy”ego Davisa. Davis pokazał mu kilka chwytów gitarowych i załatwił mu krótki występ z Midnighters. Obaj pozostali przyjaciółmi aż do śmierci Hendrixa w 1970 roku.

Wkrótce po nabyciu gitary akustycznej Hendrix założył swój pierwszy zespół – Velvetones. Bez gitary elektrycznej, ledwo było go słychać ponad dźwiękami grupy. Po około trzech miesiącach zrozumiał, że potrzebuje gitary elektrycznej. W połowie 1959 roku jego ojciec ustąpił i kupił mu białą Supro Ozark. Pierwszy koncert Hendrixa odbył się z nienazwanym zespołem w Jaffe Room w Seattle”s Temple De Hirsch, ale zwolnili go między setami za popisywanie się. Dołączył do Rocking Kings, który grał profesjonalnie w miejscach takich jak klub Birdland. Kiedy jego gitara została skradziona po tym jak zostawił ją na noc za kulisami, Al kupił mu czerwone Silvertone Danelectro.

Zanim Hendrix skończył 19 lat, organy ścigania dwukrotnie przyłapały go na jeździe w kradzionych samochodach. Mając do wyboru więzienie lub wstąpienie do armii, wybrał to drugie i zaciągnął się 31 maja 1961 roku. Po ukończeniu ośmiotygodniowego szkolenia podstawowego w Fort Ord w Kalifornii, został przydzielony do 101 Dywizji Powietrznodesantowej i stacjonował w Fort Campbell w Kentucky. Przybył tam 8 listopada i wkrótce potem napisał do ojca: „Przez dwa tygodnie nie ma tu nic poza treningiem fizycznym i nękaniem, a potem, gdy idziesz do szkoły skoków (…) dostajesz piekło. Pracują z tobą na śmierć, marudząc i walcząc”. W swoim kolejnym liście do domu, Hendrix, który zostawił swoją gitarę w Seattle w domu swojej dziewczyny Betty Jean Morgan, poprosił ojca, aby wysłał mu ją jak najszybciej, stwierdzając: „Naprawdę potrzebuję jej teraz”. Jego ojciec zobowiązał się i wysłał do Fort Campbell czerwone Silvertone Danelectro, na którym Hendrix miał ręcznie namalowane słowa „Betty Jean”. Jego widoczna obsesja na punkcie instrumentu przyczyniła się do zaniedbywania obowiązków, co doprowadziło do szyderstw i fizycznej przemocy ze strony rówieśników, którzy przynajmniej raz ukryli przed nim gitarę, dopóki nie zaczął błagać o jej zwrot. W listopadzie 1961 roku kolega z wojska Billy Cox przechodził obok klubu wojskowego i usłyszał, jak Hendrix gra. Będąc pod wrażeniem techniki Hendrixa, którą Cox opisał jako połączenie „Johna Lee Hookera i Beethovena”, Cox pożyczył gitarę basową i obaj zagrali. W ciągu kilku tygodni zaczęli występować w weekendy w klubach w bazie z innymi muzykami w luźno zorganizowanym zespole, the Casuals.

Hendrix ukończył szkolenie spadochroniarzy i 11 stycznia 1962 roku generał dywizji C. W. G. Rich przyznał mu prestiżową naszywkę Screaming Eagles. W lutym, jego osobiste zachowanie zaczęło przyciągać krytykę ze strony przełożonych. Nazywali go niewykwalifikowanym strzelcem i często przyłapywali go na drzemce podczas służby oraz na niezgłaszaniu się na kontrole łóżek. 24 maja sierżant plutonu Hendrixa, James C. Spears, złożył raport, w którym stwierdził: „Nie ma on żadnego zainteresowania armią … Moim zdaniem szeregowy Hendrix nigdy nie sprosta standardom wymaganym od żołnierza. Uważam, że służba wojskowa skorzysta, jeśli zostanie on zwolniony tak szybko, jak to możliwe”. 29 czerwca 1962 roku Hendrixowi udzielono ogólnego zwolnienia z wojska na warunkach honorowych. Hendrix mówił później o swojej niechęci do armii i że otrzymał zwolnienie lekarskie po złamaniu kostki podczas 26. skoku ze spadochronem. Jednakże nie przedstawiono żadnych dokumentów wojskowych, które wskazywałyby, że otrzymał lub został zwolniony z powodu jakichkolwiek obrażeń.

Przeczytaj także: biografie-pl – William Wordsworth

Wczesne lata

We wrześniu 1963 roku, po tym jak Cox został zwolniony z armii, on i Hendrix przenieśli się około 20 mil (32 km) przez linię stanu z Fort Campbell do Clarksville w Tennessee i utworzyli zespół, King Kasuals. W Seattle Hendrix widział, jak Butch Snipes gra zębami i teraz drugi gitarzysta Kasuals, Alphonso „Baby Boo” Young, wykonywał ten gimmick gitarowy. Nie chcąc być upstrzonym, Hendrix również nauczył się grać w ten sposób. Później wyjaśnił: „Pomysł zrobienia tego przyszedł do mnie … w Tennessee. Tam musisz grać zębami, bo inaczej zostaniesz zastrzelony. Na całej scenie jest ślad po połamanych zębach”.

Chociaż na początku grali niskopłatne koncerty w mało znanych miejscach, zespół w końcu przeniósł się na Jefferson Street w Nashville, która była tradycyjnym sercem czarnej społeczności miasta i domem dla kwitnącej rhythm and bluesowej sceny muzycznej. Przez następne dwa lata Hendrix zarabiał na życie grając w popularnym lokalu na południu, Club del Morocco, zrzeszonym w Theater Owners” Booking Association (TOBA), znanym powszechnie jako chitlin” circuit. Oprócz gry we własnym zespole, Hendrix występował jako muzyk pomocniczy dla różnych muzyków soulowych, R&B i bluesowych, w tym Wilsona Picketta, Slima Harpo, Sama Cooke”a, Ike”a i Tiny Turner.

W styczniu 1964 r., czując, że artystycznie przerósł zespół, a także sfrustrowany koniecznością podporządkowania się regułom bandleaderów, Hendrix postanowił wyruszyć na własną rękę. Zamieszkał w hotelu Theresa w Harlemie, gdzie zaprzyjaźnił się z Lithofayne Pridgon, znaną jako „Faye”, która została jego dziewczyną. Pochodząca z Harlemu, mająca powiązania z tamtejszą sceną muzyczną, Pridgon zapewniła mu schronienie, wsparcie i zachętę. Hendrix poznał również bliźniaków Allenów, Arthura i Alberta. W lutym 1964 roku Hendrix zdobył pierwszą nagrodę w konkursie dla amatorów w Apollo Theater. Mając nadzieję na zapewnienie sobie możliwości kariery, grał w harlemskich klubach i występował z różnymi zespołami. Za namową byłego współpracownika Joe Texa, Ronniego Isleya, Hendrix otrzymał przesłuchanie, które zaowocowało propozycją objęcia funkcji gitarzysty w zespole wspierającym braci Isley, I.B. Specials, którą chętnie przyjął.

Przeczytaj także: biografie-pl – Maria Ludwika Burbon-Parmeńska

Pierwsze nagrania

W marcu 1964 roku Hendrix nagrał dwuczęściowy singiel „Testify” z braćmi Isley. Wydany w czerwcu, nie trafił na listy przebojów. W maju dostarczył gitarową instrumentację do piosenki Dona Covaya, „Mercy Mercy”. Wydany w sierpniu przez Rosemart Records i dystrybuowany przez Atlantic, utwór osiągnął numer 35 na liście Billboard.

Hendrix koncertował z Isleyami przez większą część 1964 roku, ale pod koniec października, po tym jak zmęczył się graniem co wieczór tego samego zestawu, opuścił zespół. Wkrótce potem Hendrix dołączył do zespołu koncertowego Little Richarda, The Upsetters. Podczas postoju w Los Angeles w lutym 1965 roku nagrał swój pierwszy i jedyny singiel z Richardem, „I Don”t Know What You Got (But It”s Got Me)”, napisany przez Dona Covaya i wydany przez Vee-Jay Records. Popularność Richarda słabła w tym czasie, a singiel osiągnął szczyt na poziomie 92, gdzie pozostał przez tydzień, zanim spadł z listy przebojów. Hendrix poznał piosenkarkę Rosę Lee Brooks podczas pobytu w hotelu Wilcox w Hollywood, a ona zaprosiła go do udziału w sesji nagraniowej do swojego singla, który zawierał utwór Arthura Lee „My Diary” jako stronę A i „Utee” jako stronę B. Hendrix zagrał na gitarze w obydwu utworach, w których pojawiły się również wokale Lee. Singiel nie trafił na listy przebojów, ale Hendrix i Lee nawiązali przyjaźń, która trwała kilka lat; Hendrix stał się później gorącym zwolennikiem zespołu Lee, Love.

W lipcu 1965 roku Hendrix po raz pierwszy wystąpił w telewizji w Nashville”s Channel 5 Night Train. Występując w zespole Little Richarda, wsparł wokalistów Buddy”ego i Stacy w utworze „Shotgun”. Nagranie wideo z tego występu jest najwcześniejszym znanym materiałem filmowym przedstawiającym występ Hendrixa. Richard i Hendrix często ścierali się o spóźnienia, garderobę i sceniczne wybryki Hendrixa, a pod koniec lipca brat Richarda, Robert, zwolnił go z pracy. 27 lipca Hendrix podpisał swój pierwszy kontrakt nagraniowy z Juggy Murrayem w Sue Records i Copa Management. Następnie na krótko dołączył do Isley Brothers i nagrał z nimi drugi singiel „Move Over and Let Me Dance” wsparty „Have You Ever Been Disappointed”. Jeszcze tego samego roku dołączył do nowojorskiego zespołu R&B, Curtis Knight and the Squires, po tym jak poznał Knighta w lobby hotelu, w którym obaj panowie się zatrzymali. Hendrix występował z nimi przez osiem miesięcy. W październiku 1965 roku nagrał z Knightem singiel „How Would You Feel” wsparty utworem „Welcome Home”. Pomimo dwuletniego kontraktu z Sue, Hendrix podpisał 15 października trzyletni kontrakt nagraniowy z przedsiębiorcą Edem Chalpinem. Podczas gdy związek z Chalpinem był krótkotrwały, jego kontrakt pozostał w mocy, co później spowodowało problemy prawne i zawodowe dla Hendrixa. Podczas czasu spędzonego z Knightem, Hendrix krótko koncertował z Joey Dee and the Starliters, a także współpracował z Kingiem Curtisem przy kilku nagraniach, w tym przy dwuczęściowym singlu Raya Sharpe”a „Help Me”. Hendrix zdobył swoje pierwsze kompozytorskie uznanie za dwa instrumentale, „Hornets Nest” i „Knock Yourself Out”, wydane jako singiel Curtisa Knighta i Squires w 1966 roku.

Czując się ograniczonym przez swoje doświadczenia jako sideman R&B, Hendrix przeniósł się w 1966 roku do nowojorskiego Greenwich Village, gdzie istniała żywa i zróżnicowana scena muzyczna. Tam zaproponowano mu pobyt w Cafe Wha na MacDougal Street i w czerwcu założył własny zespół Jimmy James and the Blue Flames, w skład którego wchodził przyszły gitarzysta Spirit, Randy California. The Blue Flames grali w kilku klubach w Nowym Jorku, a Hendrix zaczął rozwijać swój gitarowy styl i materiał, który wkrótce wykorzysta z The Experience. We wrześniu dali jedne z ostatnich koncertów w Cafe Au Go Go na Manhattanie, jako grupa wspierająca wokalistę i gitarzystę, który wówczas występował jako John Hammond.

Przeczytaj także: biografie-pl – André Breton

The Jimi Hendrix Experience

W maju 1966 roku Hendrix miał problemy z zarabianiem na życie grając na scenie R&B, więc na krótko dołączył do Curtisa Knighta i Squires, by wystąpić w jednym z najpopularniejszych nocnych lokali Nowego Jorku, Cheetah Club. Podczas występu Linda Keith, dziewczyna gitarzysty Rolling Stonesów Keitha Richardsa, zauważyła Hendrixa i była „zahipnotyzowana” jego grą. Zaprosiła go do siebie na drinka i oboje zostali przyjaciółmi.

Podczas gdy Hendrix grał z Jimmy James and the Blue Flames, Keith polecił go menadżerowi Stonesów Andrew Loog Oldhamowi i producentowi Seymourowi Steinowi. Nie dostrzegli oni muzycznego potencjału Hendrixa i odrzucili go. Keith skierował go do Chasa Chandlera, który odchodził z Animalsów i był zainteresowany zarządzaniem i produkcją artystów. Chandler widział jak Hendrix grał w Cafe Wha?, klubie nocnym w Greenwich Village, w Nowym Jorku. Chandlerowi spodobała się piosenka Billy”ego Robertsa „Hey Joe” i był przekonany, że z odpowiednim artystą mógłby stworzyć hitowy singiel. Będąc pod wrażeniem wersji piosenki Hendrixa, sprowadził go do Londynu 24 września 1966 roku i podpisał z nim kontrakt menedżerski i produkcyjny ze sobą i byłym menedżerem Animals Michaelem Jefferym. Tego wieczoru Hendrix dał improwizowany solowy występ w The Scotch of St James i rozpoczął związek z Kathy Etchingham, który trwał dwa i pół roku.

Po przybyciu Hendrixa do Londynu, Chandler rozpoczął rekrutację członków do zespołu mającego podkreślić jego talent – Jimi Hendrix Experience. Hendrix poznał gitarzystę Noela Reddinga na przesłuchaniu do New Animals, gdzie znajomość bluesowych progresji Reddinga zaimponowała Hendrixowi, który stwierdził, że podoba mu się również fryzura Reddinga. Chandler zapytał Reddinga, czy chciałby grać na gitarze basowej w zespole Hendrixa; Redding się zgodził. Chandler zaczął szukać perkusisty i wkrótce potem skontaktował się z Mitchellem przez wspólnego znajomego. Mitchell, który niedawno został zwolniony z Georgie Fame and the Blue Flames, uczestniczył w próbie z Reddingiem i Hendrixem, gdzie znaleźli wspólny język w ich wspólnym zainteresowaniu rhythm and bluesem. Kiedy później tego samego dnia Chandler zadzwonił do Mitchella, aby zaproponować mu stanowisko, ten chętnie je przyjął. Chandler przekonał również Hendrixa do zmiany pisowni swojego imienia z Jimmy na bardziej egzotyczne Jimi.

1 października 1966 roku Chandler przyprowadził Hendrixa do londyńskiej politechniki przy Regent Street, gdzie zaplanowany był występ Cream i gdzie poznali się Hendrix i gitarzysta Eric Clapton. Clapton powiedział później: „Zapytał, czy może zagrać kilka numerów. Powiedziałem ”Oczywiście”, ale miałem co do niego dziwne przeczucia”. W połowie setu Cream, Hendrix wszedł na scenę i wykonał szaleńczą wersję piosenki Howlin” Wolf „Killing Floor”. W 1989 roku Clapton opisał ten występ: „Grał właściwie każdy styl, o którym mógłbyś pomyśleć, i to nie w krzykliwy sposób. To znaczy zrobił kilka swoich sztuczek, jak granie zębami i za plecami, ale nie było to w ogóle w sensie upstrzonym i to było to … Odszedł, a moje życie już nigdy nie było takie samo”.

W połowie października 1966 roku Chandler załatwił angaż dla Experience jako support act Johnny”ego Hallydaya podczas krótkiej trasy po Francji. W ten sposób Jimi Hendrix Experience zagrał swój pierwszy koncert 13 października 1966 roku w Novelty w Evreux. Ich entuzjastycznie przyjęty 15-minutowy występ w teatrze Olympia w Paryżu 18 października oznacza najwcześniejsze znane nagranie zespołu. Pod koniec października Kit Lambert i Chris Stamp, menedżerowie The Who, podpisali Experience do swojej nowo utworzonej wytwórni, Track Records, a grupa nagrała swój pierwszy utwór, „Hey Joe”, 23 października. „Stone Free”, który był pierwszym wysiłkiem Hendrixa w pisaniu piosenek po przybyciu do Anglii, został nagrany 2 listopada.

W połowie listopada wystąpili w klubie nocnym Bag O”Nails w Londynie, z udziałem Claptona, Johna Lennona, Paula McCartneya, Jeffa Becka, Pete”a Townshenda, Briana Jonesa, Micka Jaggera i Kevina Ayersa. Ayers opisał reakcję tłumu jako oszołomione niedowierzanie: „Wszystkie gwiazdy tam były, a ja słyszałem poważne komentarze, wiesz ”gówno”, ”Jezus”, ”cholera” i inne gorsze od tego słowa”. Występ ten przyniósł Hendrixowi pierwszy wywiad, opublikowany w Record Mirror z nagłówkiem: „Mr. Phenomenon”. „Teraz posłuchajcie tego … przewidujemy, że to będzie wirować wokół biznesu jak tornado”, napisał Bill Harry, który zadał retoryczne pytanie: „Czy ten pełny, wielki, kołyszący dźwięk naprawdę jest tworzony przez zaledwie trzy osoby?”. Hendrix odpowiedział: „Nie chcemy być klasyfikowani w żadnej kategorii … Jeśli to musi mieć jakąś metkę, to chciałbym, żeby nosiło nazwę, ”Free Feeling”. To mieszanka rocka, freak-outu, rave i bluesa”. Dzięki umowie dystrybucyjnej z Polydor Records, pierwszy singiel The Experience, „Hey Joe”, z podkładem „Stone Free”, został wydany 16 grudnia 1966 roku. Po występach w brytyjskich programach telewizyjnych Ready Steady Go! i Top of the Pops, „Hey Joe” wszedł na brytyjską listę przebojów 29 grudnia i osiągnął szóstą pozycję. Dalszy sukces przyszedł w marcu 1967 roku z numerem trzy hitu „Purple Haze”, a w maju z „The Wind Cries Mary”, który pozostał na brytyjskich listach przebojów przez jedenaście tygodni, osiągając numer sześć. 12 marca 1967 roku wystąpił w Troutbeck Hotel, Ilkley, West Yorkshire, gdzie po tym jak około 900 osób się pojawiło (hotel był licencjonowany na 250) lokalna policja zatrzymała koncert z powodu obaw o bezpieczeństwo.

31 marca 1967 roku, kiedy The Experience czekało na występ w londyńskiej Astorii, Hendrix i Chandler dyskutowali nad sposobami, dzięki którym mogliby zwiększyć ekspozycję zespołu w mediach. Kiedy Chandler poprosił o radę dziennikarza Keitha Althama, Altham zasugerował, że muszą zrobić coś bardziej dramatycznego niż sceniczne show The Who, które polegało na rozbijaniu instrumentów. Hendrix zażartował: „Może uda mi się rozbić słonia”, na co Altham odpowiedział: „Cóż, szkoda, że nie możesz podpalić swojej gitary”. Chandler poprosił wtedy menadżera trasy Gerry”ego Stickellsa o zdobycie płynu do zapalniczek. Podczas koncertu Hendrix dał wyjątkowo dynamiczny występ, po czym pod koniec 45-minutowego setu podpalił swoją gitarę. Po tym wyczynie londyńska prasa nazwała Hendrixa „Czarnym Elvisem” i „Dzikim człowiekiem z Borneo”.

Po sukcesie na brytyjskich listach przebojów dwóch pierwszych singli, „Hey Joe” i „Purple Haze”, The Experience zaczęli zbierać materiał na pełnowymiarowy album. W Londynie, nagrania rozpoczęły się w De Lane Lea Studios, a później zostały przeniesione do prestiżowego Olympic Studios. Album, Are You Experienced, zawiera różnorodność stylów muzycznych, w tym utwory bluesowe, takie jak „Red House” i „Highway Chile”, oraz piosenkę R&B „Remember”. Zawierał również eksperymentalny utwór science fiction, „Third Stone from the Sun” oraz postmodernistyczne pejzaże dźwiękowe utworu tytułowego, z wydatnie wyeksponowaną gitarą wsteczną i perkusją. „I Don”t Live Today” posłużyło jako medium dla improwizacji Hendrixa w zakresie gitarowych sprzężeń zwrotnych, a „Fire” było napędzane przez perkusję Mitchella.

Wydany w Wielkiej Brytanii 12 maja 1967 roku, Are You Experienced spędził 33 tygodnie na listach przebojów, osiągając numer 2. W osiągnięciu najwyższego miejsca przeszkodził Beatlesom Sgt. Pepper”s Lonely Hearts Club Band. 4 czerwca 1967 roku Hendrix otworzył koncert w Saville Theatre w Londynie swoim wykonaniem tytułowego utworu Sgt. Pepper, który został wydany zaledwie trzy dni wcześniej. Menedżer Beatlesów Brian Epstein był w tym czasie właścicielem Saville i zarówno George Harrison, jak i Paul McCartney uczestniczyli w tym występie. McCartney opisał ten moment: „Kurtyny odleciały do tyłu, a on wyszedł do przodu grając ”Sgt. Pepper”. To dość duży komplement w każdej książce. Zapisuję to jako jeden z największych zaszczytów w mojej karierze”. Wydany w USA 23 sierpnia przez Reprise Records, Are You Experienced osiągnął numer pięć na liście Billboard 200.

W 1989 roku Noe Goldwasser, założyciel Guitar World, opisał Are You Experienced jako „album, który wstrząsnął światem… pozostawiając go na zawsze zmienionym”. W 2005 roku Rolling Stone nazwał ten podwójnie platynowy album „epokowym debiutem” Hendrixa i umieścił go na 15 miejscu największych albumów wszechczasów, zauważając jego „eksploatację wycia wzmacniacza” i charakteryzując jego grę na gitarze jako „zapalającą … historyczną samą w sobie”.

Choć popularny w Europie w tym czasie, pierwszy singiel Experience, „Hey Joe”, nie dotarł do listy Billboard Hot 100 po wydaniu 1 maja 1967 roku. Ich los się poprawił, kiedy McCartney polecił ich organizatorom Monterey Pop Festival. Nalegał, by impreza była niekompletna bez Hendrixa, którego nazwał „absolutnym asem na gitarze”. McCartney zgodził się dołączyć do rady organizatorów pod warunkiem, że The Experience wystąpi na festiwalu w połowie czerwca.

18 czerwca 1967 roku, przedstawiony przez Briana Jonesa jako „najbardziej ekscytujący wykonawca, jakiego kiedykolwiek słyszano”, Hendrix rozpoczął od szybkiej aranżacji piosenki Howlin” Wolfa „Killing Floor”, ubrany w coś, co autor Keith Shadwick opisał jako „ubranie tak egzotyczne, jak każde inne wystawione gdzie indziej”. było nie tylko czymś zupełnie nowym muzycznie, ale całkowicie oryginalną wizją tego, jak powinien i mógł wyglądać czarny amerykański artysta rozrywkowy”. The Experience przeszedł do wykonywania wykonań „Hey Joe”, „Rock Me Baby” B.B. Kinga, „Wild Thing” Chipa Taylora i „Like a Rolling Stone” Boba Dylana oraz czterech oryginalnych kompozycji: „Foxy Lady”, „Can You See Me”, „The Wind Cries Mary” i „Purple Haze”. Set zakończył Hendrix niszcząc swoją gitarę i podrzucając jej kawałki publiczności. Alex Vadukul z Rolling Stone napisał:

Kiedy Jimi Hendrix podpalił swoją gitarę na Monterey Pop Festival w 1967 roku, stworzył jeden z najdoskonalszych momentów rocka. W pierwszym rzędzie tego koncertu stał 17-letni chłopak Ed Caraeff. Caraeff nigdy wcześniej nie widział Hendrixa ani nie słyszał jego muzyki, ale miał ze sobą aparat fotograficzny, a na rolce filmu pozostało jedno ujęcie. Gdy Hendrix zapalał swoją gitarę, Caraeff zrobił ostatnie zdjęcie. Stanie się ono jednym z najsłynniejszych zdjęć w historii rock and rolla.

Caraeff stanął na krześle obok krawędzi sceny i zrobił cztery monochromatyczne zdjęcia Hendrixa palącego swoją gitarę. Caraeff był na tyle blisko ognia, że musiał użyć swojego aparatu, aby ochronić twarz przed gorącem. Rolling Stone później pokolorował zdjęcie, dopasowując je do innych zdjęć zrobionych na festiwalu, zanim użył ujęcia na okładce magazynu z 1987 roku. Według autorki Gail Buckland, końcowy kadr „Hendrixa klęczącego przed swoją płonącą gitarą, z podniesionymi rękami, jest jednym z najbardziej znanych obrazów w rocku”. Autor i historyk Matthew C. Whitaker napisał, że „Spalenie gitary przez Hendrixa stało się ikonicznym obrazem w historii rocka i przyniosło mu uwagę narodową”. Los Angeles Times stwierdził, że po zejściu ze sceny Hendrix „przeszedł od plotki do legendy”. Autor John McDermott napisał, że „Hendrix pozostawił publiczność w Monterey oszołomioną i niedowierzającą temu, co właśnie usłyszeli i zobaczyli”. Według Hendrixa: „Postanowiłem zniszczyć moją gitarę na końcu piosenki jako ofiarę. Poświęcasz rzeczy, które kochasz. Ja kocham moją gitarę”. Występ został sfilmowany przez D. A. Pennebakera i włączony do koncertowego dokumentu Monterey Pop, który pomógł Hendrixowi zdobyć popularność wśród amerykańskiej publiczności.

Po festiwalu, Experience został zarezerwowany na pięć koncertów w Fillmore Billa Grahama, z Big Brother and the Holding Company i Jefferson Airplane. The Experience przewyższał Jefferson Airplane podczas dwóch pierwszych wieczorów, a podczas piątego zastąpił ich na pierwszym miejscu. Po udanym wprowadzeniu na Zachodnie Wybrzeże, które obejmowało darmowy koncert pod gołym niebem w Golden Gate Park i koncert w Whisky a Go Go, The Experience zostało zarezerwowane jako akt otwierający pierwszą amerykańską trasę Monkees. The Monkees poprosili Hendrixa o występ jako support, ponieważ byli fanami, ale ich młoda publiczność nie lubiła Experience, który opuścił trasę po sześciu koncertach. Chandler powiedział później, że zaprojektował trasę, aby zdobyć rozgłos dla Hendrixa.

Drugi album Experience, Axis: Bold as Love, otwiera utwór „EXP”, który wykorzystuje mikrofoniczne i harmoniczne sprzężenie zwrotne w nowy, kreatywny sposób. Pokazał również eksperymentalny efekt stereo panning, w którym dźwięki emanujące z gitary Hendrixa poruszają się przez obraz stereo, obracając się wokół słuchacza. Utwór odzwierciedlał jego rosnące zainteresowanie science fiction i kosmosem. Tytułowy utwór i finał albumu skomponował wokół dwóch wersów i dwóch refrenów, podczas których łączy emocje z osobowościami, porównując je do kolorów. W kodzie utworu pojawia się pierwsze nagranie stereo phasing. Shadwick opisał tę kompozycję jako „prawdopodobnie najbardziej ambitny utwór na Axis, ekstrawaganckie metafory tekstu sugerują rosnącą pewność siebie” w pisaniu piosenek przez Hendrixa. Jego gra na gitarze w całym utworze jest naznaczona arpeggiami akordowymi i ruchem kontrapunktowym, z tremolo-picked częściowymi akordami zapewniającymi muzyczny fundament dla refrenu, który kulminuje w tym, co muzykolog Andy Aledort opisał jako „po prostu jedną z największych solówek na gitarze elektrycznej, jakie kiedykolwiek zagrano”. Utwór wygasa na tremolo-picked 32 nutowych podwójnych stopach.

Planowana data wydania Axis została niemalże opóźniona, kiedy Hendrix zgubił taśmę główną pierwszej strony LP, zostawiając ją na tylnym siedzeniu londyńskiej taksówki. W obliczu zbliżającego się terminu, Hendrix, Chandler i inżynier Eddie Kramer zremiksowali większość pierwszej strony podczas jednej nocnej sesji, ale nie mogli dorównać jakości zagubionego miksu „If 6 Was 9”. Redding miał taśmę z nagraniem tego miksu, która musiała być wygładzona żelazkiem, ponieważ się pomarszczyła. Podczas wersów Hendrix dublował swój śpiew linią gitary, którą grał o oktawę niżej od swojego wokalu. Hendrix wyraził swoje rozczarowanie tym, że tak szybko zmiksował album i czuł, że mógłby być lepszy, gdyby dano mu więcej czasu.

Axis zawierał psychodeliczną okładkę, która przedstawiała Hendrixa i The Experience jako różne awatary Wisznu, włączając w to obraz ich autorstwa Rogera Law, z fotoportretu Karla Ferrisa. Obraz ten został następnie nałożony na kopię masowo produkowanego plakatu religijnego. Hendrix stwierdził, że okładka, na której wyprodukowanie Track wydał 5 tysięcy dolarów, byłaby bardziej odpowiednia, gdyby podkreślała jego dziedzictwo amerykańskich Indian. Powiedział: „Pomyliliście się … Nie jestem takim Indianinem”. Track wydał album w Wielkiej Brytanii 1 grudnia 1967 roku, gdzie osiągnął szczyt na piątym miejscu, spędzając 16 tygodni na listach przebojów. W lutym 1968 roku Axis: Bold as Love osiągnął numer trzy w USA.

Podczas gdy autor i dziennikarz Richie Unterberger opisał Axis jako najmniej imponujący album Experience, według autora Petera Doggetta, wydanie „zwiastowało nową subtelność w twórczości Hendrixa”. Mitchell powiedział: „Axis był pierwszym momentem, kiedy stało się jasne, że Jimi całkiem nieźle pracował za deską mikserską, jak również grał, i miał kilka pozytywnych pomysłów na to, jak chciał, aby rzeczy były nagrane. To mógł być początek wszelkich potencjalnych konfliktów między nim a Chasem w studio.”

Nagrywanie na trzeci i ostatni studyjny album The Experience, Electric Ladyland, rozpoczęło się już 20 grudnia 1967 roku w Olympic Studios. Podjęto próbę nagrania kilku piosenek, jednak w kwietniu 1968 roku Experience, z Chandlerem jako producentem i inżynierami Eddiem Kramerem i Garym Kellgrenem, przeniósł sesje do nowo otwartego Record Plant Studios w Nowym Jorku. W miarę postępu sesji Chandler stawał się coraz bardziej sfrustrowany perfekcjonizmem Hendrixa i jego żądaniami wielokrotnych ujęć. Hendrix pozwolił również licznym przyjaciołom i gościom dołączyć do nich w studiu, co przyczyniło się do chaotycznego i zatłoczonego środowiska w pokoju kontrolnym i doprowadziło do zerwania przez Chandlera jego zawodowych relacji z Hendrixem. Redding wspominał później: „W studiu były tony ludzi; nie można było się ruszyć. To była impreza, a nie sesja”. Redding, który w połowie 1968 roku założył własny zespół Fat Mattress, miał coraz większe trudności z wypełnianiem swoich zobowiązań z Experience, więc Hendrix zagrał wiele partii basowych na Electric Ladyland. Na okładce albumu widniała informacja, że został on „wyprodukowany i wyreżyserowany przez Jimiego Hendrixa”. Podczas sesji nagraniowych Electric Ladyland, Hendrix zaczął eksperymentować z innymi kombinacjami muzyków, w tym Jefferson Airplane”s Jack Casady i Traffic”s Steve Winwood, którzy grali na basie i organach, odpowiednio, na 15-minutowym slow-bluesowym jamie „Voodoo Chile”. Podczas produkcji albumu, Hendrix pojawił się na improwizowanym jamie z B.B. Kingiem, Alem Kooperem i Elvinem Bishopem. Electric Ladyland został wydany 25 października, a w połowie listopada osiągnął numer jeden w USA, spędzając dwa tygodnie na pierwszym miejscu. Podwójny LP był najbardziej komercyjnym sukcesem Hendrixa i jego jedynym albumem z numerem jeden. W Wielkiej Brytanii osiągnął szóstą pozycję, spędzając 12 tygodni na liście przebojów. Electric Ladyland zawierał cover Hendrixa piosenki Boba Dylana, „All Along the Watchtower”, który stał się najlepiej sprzedającym się singlem Hendrixa i jego jedynym hitem w USA w top 40, osiągając numer 20; singiel osiągnął numer 5 w Wielkiej Brytanii. „Burning of the Midnight Lamp”, jego pierwszy nagrany utwór, w którym zastosowano pedał kaczki, został dodany do albumu. Został on pierwotnie wydany jako jego czwarty singel w Wielkiej Brytanii w sierpniu 1967 roku i osiągnął numer 18 na listach przebojów.

W 1989 roku Noe Goldwasser, redaktor założyciel Guitar World, określił Electric Ladyland jako „arcydzieło Hendrixa”. Według autora Michaela Heatleya „większość krytyków zgadza się”, że album jest „najpełniejszą realizacją dalekosiężnych ambicji Jimiego”. W 2004 roku autor Peter Doggett napisał: „Za czysty geniusz eksperymentalny, melodyczny polot, koncepcyjną wizję i instrumentalny błyskotliwość, Electric Ladyland pozostaje głównym pretendentem do statusu najwspanialszego albumu rocka.” Doggett opisał LP jako „pokaz muzycznej wirtuozerii nigdy nie przewyższonej przez żadnego muzyka rockowego.”

Przeczytaj także: biografie-pl – Ferdynand VII

Podział doświadczenia

W styczniu 1969 roku, po ponad sześciomiesięcznej nieobecności, Hendrix na krótko wprowadził się z powrotem do mieszkania Brook Street swojej dziewczyny Kathy Etchingham, które znajdowało się obok tego, co obecnie jest muzeum Haendla i Hendrixa w West End w Londynie. Po wykonaniu „Voodoo Child”, w programie BBC Happening for Lulu w styczniu 1969 roku, zespół zatrzymał się w połowie próby swojego pierwszego hitu „Hey Joe”, a następnie rozpoczął instrumentalną wersję „Sunshine of Your Love”, jako hołd dla niedawno rozwiązanego zespołu Cream, dopóki producenci nie doprowadzili do przedwczesnego zakończenia piosenki. Ponieważ nieplanowany występ wykluczył zwyczajowy numer zamykający Lulu, Hendrixowi powiedziano, że nigdy więcej nie będzie pracował w BBC. W tym czasie The Experience odbył trasę po Skandynawii, Niemczech i dał dwa ostatnie występy we Francji. 18 i 24 lutego zagrali wyprzedane koncerty w londyńskiej Royal Albert Hall, które były ostatnimi europejskimi występami tego składu.

W lutym 1969 roku Redding był już zmęczony nieprzewidywalną etyką pracy Hendrixa i jego kreatywną kontrolą nad muzyką Experience. Podczas trasy po Europie w poprzednim miesiącu, stosunki interpersonalne w grupie uległy pogorszeniu, szczególnie pomiędzy Hendrixem i Reddingiem. W swoim dzienniku Redding udokumentował narastającą frustrację podczas wczesnych sesji nagraniowych w 1969 roku: „Pierwszego dnia, jak się prawie spodziewałem, nic się nie działo … Drugiego nie było żadnego show. Poszedłem do pubu na trzy godziny, wróciłem, a Jimi wszedł dopiero po wiekach. Potem się kłóciliśmy… Ostatniego dnia po prostu patrzyłem na to przez chwilę, a potem wróciłem do swojego mieszkania”. Ostatnie sesje Experience, które obejmowały Reddinga – ponowne nagranie „Stone Free” do wykorzystania jako ewentualne wydanie singla – odbyły się 14 kwietnia w Olmstead i Record Plant w Nowym Jorku. Hendrix następnie przyleciał do Nowego Jorku z basistą Billym Coxem; 21 kwietnia rozpoczęli wspólne nagrywanie i próby.

Ostatni występ Experience w oryginalnym składzie miał miejsce 29 czerwca 1969 roku, na Barry Fey”s Denver Pop Festival, trzydniowej imprezie zorganizowanej na Mile High Stadium w Denver, która została naznaczona przez policję używającą gazu łzawiącego do kontroli publiczności. Zespół ledwo uciekł z miejsca imprezy na pace wynajętej ciężarówki, która została częściowo zmiażdżona przez fanów, którzy wspięli się na szczyt pojazdu. Przed koncertem dziennikarz zdenerwował Reddinga pytając, dlaczego tam jest; reporter poinformował go, że dwa tygodnie wcześniej Hendrix ogłosił, że zastąpił go Billy Cox. Następnego dnia Redding opuścił Experience i wrócił do Londynu. Ogłosił, że opuścił zespół i zamierza kontynuować karierę solową, obwiniając plany Hendrixa dotyczące rozbudowy grupy bez dopuszczenia jego wkładu jako główny powód odejścia. Redding powiedział później: „Mitch i ja spędzaliśmy dużo czasu razem, ale jesteśmy Anglikami. Jeśli my wychodziliśmy, Jimi zostawał w swoim pokoju. Ale wszelkie złe uczucia wynikały z tego, że byliśmy trzema facetami, którzy zbyt ciężko podróżowali, zbytnio się męczyli i brali za dużo narkotyków … Lubiłem Hendrixa. Nie lubię Mitchella.”

Wkrótce po odejściu Reddinga, Hendrix zaczął mieszkać w ośmiopokojowym Ashokan House, w wiosce Boiceville niedaleko Woodstock w stanie Nowy Jork, gdzie spędzał wakacje w połowie 1969 roku. Menedżer Michael Jeffery zorganizował zakwaterowanie w nadziei, że wytchnienie może zachęcić Hendrixa do napisania materiału na nowy album. W tym czasie Mitchell był nieosiągalny dla zobowiązań podjętych przez Jeffery”ego, które obejmowały pierwszy występ Hendrixa w amerykańskiej telewizji – w The Dick Cavett Show – gdzie wspierała go orkiestra studyjna, oraz występ w The Tonight Show, gdzie pojawił się z Coxem i perkusistą sesyjnym Edem Shaughnessy.

Przeczytaj także: biografie-pl – Langston Hughes

Woodstock

Do 1969 roku Hendrix był najlepiej opłacanym muzykiem rockowym na świecie. W sierpniu wystąpił na czele Woodstock Music and Art Fair, na którym pojawiło się wiele najpopularniejszych zespołów tamtych czasów. Na potrzeby koncertu dodał gitarzystę rytmicznego Larry”ego Lee oraz grających na conga Jumę Sultana i Jerry”ego Veleza. Zespół miał próby przez niecałe dwa tygodnie przed występem i według Mitchella nigdy nie połączył się muzycznie. Przed przybyciem na zaręczyny Hendrix usłyszał raporty, że wielkość publiczności bardzo wzrosła, co go zaniepokoiło, gdyż nie lubił występować dla dużych tłumów. Był ważnym elementem przyciągającym uwagę na imprezę, i chociaż przyjął znacznie mniej pieniędzy za występ niż jego zwykłe honorarium, był najwyżej opłacanym wykonawcą festiwalu.

Hendrix postanowił przenieść swój niedzielny slot o północy na poniedziałkowy poranek, zamykając tym samym koncert. Zespół wyszedł na scenę około 8:00 rano, do tego czasu Hendrix nie spał już od ponad trzech dni. Publiczność, która w szczytowym momencie liczyła około 400 000 osób, zmniejszyła się do 30 000-40 000, z których wielu czekało, aby zobaczyć Hendrixa, zanim wyjdzie w trakcie jego występu. MC festiwalu, Chip Monck, przedstawił grupę jako „the Jimi Hendrix Experience”, ale Hendrix wyjaśnił: „Postanowiliśmy zmienić całą sprawę i nazwać ją ”Gypsy Sun and Rainbows”. W skrócie, to nic innego jak ”Band of Gypsys””.

Występ Hendrixa zawierał wykonanie hymnu Stanów Zjednoczonych „The Star-Spangled Banner” z dużą ilością sprzężeń, zniekształceń i sustainów, które miały imitować dźwięki wydawane przez rakiety i bomby. Współcześni politycy opisali jego interpretację jako wypowiedź przeciwko wojnie w Wietnamie. Trzy tygodnie później Hendrix powiedział: „Wszyscy jesteśmy Amerykanami … to było jak ”Go America!” … Gramy to tak, jak wygląda powietrze w dzisiejszej Ameryce. Powietrze jest lekko statyczne, zobacz”. Uwieczniona w filmie dokumentalnym z 1970 roku, Woodstock, wersja Hendrixa stała się częścią zeitgeistu lat sześćdziesiątych. Krytyk pop Al Aronowitz z New York Post napisał: „To był najbardziej elektryzujący moment Woodstock, i prawdopodobnie był to pojedynczy największy moment lat sześćdziesiątych.” Zdjęcia z występu pokazujące Hendrixa ubranego w niebieską, białą skórzaną kurtkę z frędzlami, czerwoną chustę na głowie i niebieskie dżinsy są uznawane za ikoniczne obrazy, które uchwyciły definiujący moment epoki. Na bis zagrał „Hey Joe”, kończąc 31⁄2-dniowy festiwal. Schodząc ze sceny, zasłabł z wyczerpania. W 2011 roku redakcja Guitar World uznała jego wykonanie „The Star-Spangled Banner” za najwspanialsze wykonanie wszech czasów.

Przeczytaj także: biografie-pl – Antonio Meucci

Band of Gypsys

W 1966 roku powstał spór prawny dotyczący kontraktu płytowego, który Hendrix zawarł rok wcześniej z producentem Edem Chalpinem. Po dwóch latach sporu, strony zgodziły się na rozwiązanie, które przyznawało Chalpinowi prawa do dystrybucji albumu z oryginalnym materiałem Hendrixa. Hendrix zdecydował, że nagrają LP, Band of Gypsys, podczas dwóch występów na żywo. W ramach przygotowań do występów utworzył całkowicie czarne power trio z Coxem i perkusistą Buddy Milesem, wcześniej grającym z Wilsonem Pickettem, Electric Flag i Buddy Miles Express. Krytyk John Rockwell opisał Hendrixa i Milesa jako jazz-rockowych fusionistów, a ich współpracę jako pionierską. Inni wskazywali na wpływ funku i soulu w ich muzyce. Promotor koncertów Bill Graham nazwał występy „najbardziej błyskotliwym, emocjonalnym pokazem wirtuozerii gitary elektrycznej”, jaki kiedykolwiek słyszał. Biografowie spekulowali, że Hendrix założył zespół, aby udobruchać członków ruchu Black Power i innych przedstawicieli czarnych społeczności, którzy wzywali go do wykorzystania swojej sławy w walce o prawa obywatelskie.

Hendrix nagrywał z Coxem od kwietnia i jammował z Milesem od września, a trio napisało i przećwiczyło materiał, który wykonało podczas serii czterech koncertów w ciągu dwóch nocy 31 grudnia i 1 stycznia w Fillmore East. Nagrania z tych koncertów wykorzystali do zmontowania LP, który został wyprodukowany przez Hendrixa. Na płycie znalazł się utwór „Machine Gun”, który muzykolog Andy Aledort określił jako szczyt kariery Hendrixa i „premierowy przykład niezrównanego geniuszu jako gitarzysty rockowego …. W tym wykonaniu Jimi przekroczył medium muzyki rockowej i ustanowił zupełnie nowy standard dla potencjału gitary elektrycznej.” Podczas rozbudowanych przerw instrumentalnych w piosence, Hendrix tworzył za pomocą swojej gitary dźwięki, które dźwiękowo przedstawiały działania wojenne, w tym rakiety, bomby i samoloty nurkujące.

Album Band of Gypsys był jedynym oficjalnym żywym LP Hendrixa udostępnionym komercyjnie za jego życia; kilka utworów z koncertów Woodstock i Monterey zostało wydanych później w tym samym roku. Album został wydany w kwietniu 1970 roku przez Capitol Records; osiągnął pierwszą dziesiątkę zarówno w USA, jak i w Wielkiej Brytanii. W tym samym miesiącu wydano singiel z „Stepping Stone” jako stroną A i „Izabella” jako stroną B, ale Hendrix był niezadowolony z jakości masteringu i zażądał wycofania go i ponownego zmiksowania, co uniemożliwiło utworom wejście na listy przebojów i spowodowało najmniej udany singiel Hendrixa; był to również jego ostatni.

28 stycznia 1970 roku miał miejsce trzeci i ostatni występ Band of Gypsys; wystąpili podczas festiwalu muzycznego w Madison Square Garden na rzecz antywojennego Komitetu Moratorium, zatytułowanego „Winter Festival for Peace”. Amerykański gitarzysta bluesowy Johnny Winter był za kulisami przed koncertem; wspominał: ” wszedł ze spuszczoną głową, usiadł samotnie na kanapie i schował głowę w dłoniach … Nie ruszał się, dopóki nie nadszedł czas na występ”. Kilka minut po wejściu na scenę pstryknął wulgarną odpowiedź w stronę kobiety, która wykrzyczała prośbę o „Foxy Lady”. Następnie zaczął grać „Earth Blues”, zanim powiedział publiczności: „Tak się dzieje, gdy ziemia pieprzy się z kosmosem”. Chwilę później na krótko usiadł na pionie perkusyjnym, po czym zszedł ze sceny. Zarówno Miles jak i Redding stwierdzili później, że Jeffery podał Hendrixowi LSD przed występem. Miles wierzył, że Jeffery dał Hendrixowi narkotyki w celu sabotowania obecnego zespołu i doprowadzenia do powrotu oryginalnego składu Experience. Jeffery zwolnił Milesa po występie, a Cox odszedł, kończąc działalność Band of Gypsys.

Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – Rewolucja serbska

Cry of Love Tour

Wkrótce po gwałtownie zakończonym występie Band of Gypsys i ich późniejszym rozwiązaniu, Jeffery poczynił ustalenia, aby ponownie połączyć oryginalny skład Experience. Chociaż Hendrix, Mitchell i Redding udzielili wywiadu dla Rolling Stone w lutym 1970 roku jako zjednoczona grupa, Hendrix nigdy nie zamierzał pracować z Reddingiem. Kiedy Redding wrócił do Nowego Jorku w oczekiwaniu na próby z ponownie uformowanym Experience, powiedziano mu, że został zastąpiony przez Coxa. Podczas wywiadu z Keithem Althamem z Rolling Stone”a, Hendrix bronił tej decyzji: „To nic osobistego przeciwko Noelowi, ale skończyliśmy to, co robiliśmy z Experience i styl gry Billy”ego bardziej pasuje do nowej grupy”. Chociaż oficjalna nazwa nigdy nie została przyjęta dla składu Hendrixa, Mitchella i Coxa, promotorzy często rozliczali ich jako Jimi Hendrix Experience lub po prostu Jimi Hendrix.

W pierwszej połowie 1970 roku Hendrix sporadycznie pracował nad materiałem, który miał być jego kolejnym LP. Wiele z tych utworów zostało wydanych pośmiertnie w 1971 roku jako The Cry of Love. Hendrix zaczął pisać piosenki na ten album w 1968 roku, ale w kwietniu 1970 roku powiedział Keithowi Althamowi, że projekt został porzucony. Wkrótce potem wraz z zespołem zrobił sobie przerwę w nagrywaniu i rozpoczął trasę koncertową Cry of Love w L.A. Forum, występując dla 20 000 osób. Set-listy podczas trasy zawierały liczne utwory Experience, jak również wybór nowszego materiału. Kilka koncertów zostało nagranych, a ich efektem były jedne z najbardziej pamiętnych występów Hendrixa na żywo. Na jednym z nich, drugim Atlanta International Pop Festival, 4 lipca, Hendrix zagrał dla największej amerykańskiej publiczności w swojej karierze. Jak podają autorzy Scott Schinder i Andy Schwartz, na koncercie pojawiło się aż 500 tysięcy osób. 17 lipca wystąpili na New York Pop Festival; Hendrix przed występem ponownie spożył zbyt wiele narkotyków, a set uznano za katastrofę. Amerykańska część trasy, która obejmowała 32 występy, zakończyła się w Honolulu na Hawajach 1 sierpnia 1970 roku. Był to ostatni koncert Hendrixa w USA.

Przeczytaj także: historia-pl – Unia kalmarska

Electric Lady Studios

W 1968 roku Hendrix i Jeffery wspólnie zainwestowali w zakup Generation Club w Greenwich Village. Początkowo planowali ponownie otworzyć lokal, ale kiedy audyt wydatków Hendrixa ujawnił, że ponosił on niebotyczne opłaty za blokowanie studiów nagraniowych na długie sesje po najwyższych stawkach, postanowili przekształcić budynek w jego własne studio. Hendrix mógł wtedy pracować do woli, jednocześnie zmniejszając swoje wydatki na nagrania, które sięgały podobno 300 000 dolarów rocznie. Architekt i akustyk John Storyk zaprojektował Electric Lady Studios dla Hendrixa, który zażyczył sobie, aby w miarę możliwości unikać kątów prostych. Z okrągłymi oknami, maszyną do oświetlania otoczenia i psychodelicznym muralem, Storyk chciał, aby studio miało relaksujące otoczenie, które pobudzałoby kreatywność Hendrixa. Projekt zajął dwa razy więcej czasu niż planowano i kosztował dwa razy więcej niż Hendrix i Jeffery przewidzieli w budżecie, a ich całkowita inwestycja została oszacowana na 1 milion dolarów.

Hendrix po raz pierwszy użył Electric Lady 15 czerwca 1970 roku, kiedy jammował ze Stevem Winwoodem i Chrisem Woodem z Traffic; następnego dnia nagrał tam swój pierwszy utwór, „Night Bird Flying”. Studio zostało oficjalnie otwarte 25 sierpnia, a następnego dnia odbyła się uroczysta impreza z okazji otwarcia. Zaraz potem Hendrix wyjechał do Anglii; nigdy nie wrócił do Stanów. Wsiadł na pokład samolotu Air India do Londynu z Coxem, dołączając do Mitchella na występ jako headlining act festiwalu Isle of Wight.

Przeczytaj także: biografie-pl – Agnes Martin

Trasa europejska

Kiedy rozpoczął się europejski etap trasy Cry of Love, Hendrix był stęskniony za swoim nowym studiem i twórczym ujściem, i nie był skory do wypełnienia zobowiązania. 2 września 1970 roku porzucił występ w Aarhus po trzech piosenkach, stwierdzając: „Jestem martwy od dawna”. Cztery dni później dał swój ostatni koncert, na festiwalu Isle of Fehmarn w Niemczech. Spotkał się z gwizdami i szyderstwami ze strony fanów w odpowiedzi na odwołanie przez niego koncertu zaplanowanego na koniec poprzedniego wieczoru z powodu ulewnego deszczu i ryzyka porażenia prądem. Bezpośrednio po festiwalu Hendrix, Mitchell i Cox udali się do Londynu.

Trzy dni po występie Cox, który cierpiał na ciężką paranoję po zażyciu LSD lub nieświadomym jego podaniu, zrezygnował z trasy i udał się do rodziców w Pensylwanii. W ciągu kilku dni od przybycia Hendrixa do Anglii, rozmawiał on z Chasem Chandlerem, Alanem Douglasem i innymi o odejściu od swojego menedżera, Michaela Jeffery”ego. 16 września Hendrix po raz ostatni wystąpił publicznie podczas nieformalnego jamu w Ronnie Scott”s Jazz Club w Soho z Ericiem Burdonem i jego najnowszym zespołem War. Rozpoczęli od zagrania kilku swoich ostatnich hitów, a po krótkiej przerwie Hendrix dołączył do nich podczas „Mother Earth” i „Tobacco Road”. Jego występ był nietypowo stonowany; spokojnie grał na gitarze, powstrzymywał się od histerii, której ludzie od niego oczekiwali. Zmarł niecałe 48 godzin później.

Hendrix wszedł do małego klubu w Clarksville, Tennessee, w lipcu 1962 roku, przyciągnięty przez muzykę na żywo. Zatrzymał się na drinka i skończyło się na tym, że wydał większość z 400 dolarów, które zaoszczędził podczas pobytu w wojsku. „Wszedłem do tego jazzowego jointa i napiłem się” – wyjaśnił. „Spodobało mi się i zostałem. Ludzie mówią mi, że czasami robię się głupi, dobroduszny. W każdym razie chyba tego dnia poczułem się naprawdę życzliwie. Musiałem rozdawać rachunki każdemu, kto mnie poprosił. Wyszedłem z tego miejsca z szesnastoma dolarami”. Alkohol stał się w końcu „plagą jego egzystencji, doprowadzając go do napadów złości, a nawet rzadkich wybuchów nietypowej, fizycznej przemocy”.

Roby i Schreiber twierdzą, że Hendrix po raz pierwszy użył LSD, gdy poznał Lindę Keith pod koniec 1966 roku. Shapiro i Glebbeek twierdzą natomiast, że Hendrix użył go najwcześniej w czerwcu 1967 roku podczas Monterey Pop Festival. Według biografa Hendrixa, Charlesa Crossa, temat narkotyków pojawił się pewnego wieczoru w 1966 roku w nowojorskim mieszkaniu Keith. Jeden z przyjaciół Keitha zaproponował Hendrixowi kwas, uliczną nazwę LSD, ale Hendrix poprosił o LSD zamiast tego, pokazując to, co Cross opisuje jako „jego naiwność i kompletny brak doświadczenia z psychodelikami”. Wcześniej Hendrix tylko sporadycznie używał narkotyków, w tym marihuany, haszyszu, amfetaminy i sporadycznie kokainy. Po 1967 roku regularnie używał marihuany, haszyszu, LSD i amfetaminy, szczególnie podczas tras koncertowych. Według Crossa „niewiele gwiazd było tak blisko związanych z kulturą narkotykową jak Jimi”.

Przeczytaj także: mitologia_p – Penelopa

Narkomania i przemoc

Kiedy Hendrix pił w nadmiarze lub mieszał narkotyki z alkoholem, często stawał się zły i gwałtowny. Jego przyjaciel Herbie Worthington powiedział, że Hendrix „po prostu zmieniał się w drania”, kiedy pił. Według przyjaciółki Sharon Lawrence, alkohol „uruchomił butelkowany gniew, destrukcyjną furię, której prawie nigdy nie pokazywał w inny sposób”.

W styczniu 1968 roku The Experience udał się do Szwecji, aby rozpocząć tygodniową trasę po Europie. We wczesnych godzinach porannych pierwszego dnia, Hendrix wdał się w pijacką bójkę w hotelu Opalen w Göteborgu, rozbijając szklaną szybę i raniąc prawą rękę, co spotkało się z pomocą lekarską. Incydent zakończył się jego aresztowaniem i zwolnieniem, w oczekiwaniu na stawienie się w sądzie, które zakończyło się wysoką grzywną.

W 1969 roku Hendrix wynajął dom w Benedict Canyon w Kalifornii, do którego dokonano włamania. Później, będąc pod wpływem narkotyków i alkoholu, oskarżył o kradzież swojego przyjaciela Paula Caruso, obrzucił go ciosami i kamieniami i wygonił z domu. Kilka dni później Hendrix uderzył swoją dziewczynę, Carmen Borrero, nad okiem butelką po wódce podczas pijackiej, zazdrosnej furii i zadał jej cięcie, które wymagało założenia szwów.

Przeczytaj także: biografie-pl – Salvador Dalí

Kanadyjskie zarzuty dotyczące narkotyków i proces

Hendrix przechodził przez odprawę celną na międzynarodowym lotnisku w Toronto 3 maja 1969 roku, kiedy władze znalazły w jego bagażu niewielką ilość heroiny i haszyszu i oskarżyły go o posiadanie narkotyków. Został zwolniony za kaucją w wysokości 10 000 dolarów i musiał stawić się 5 maja na przesłuchanie. Incydent ten okazał się stresujący dla Hendrixa i mocno zaważył na jego psychice podczas siedmiu miesięcy poprzedzających proces w grudniu 1969 roku. Aby Korona mogła udowodnić posiadanie, musiała wykazać, że Hendrix wiedział, że narkotyki tam się znajdują. Podczas procesu przysięgłych Hendrix zeznał, że jeden z fanów dał mu fiolkę z lekami, które uważał za legalne i włożył do swojej torby. Został uniewinniony od zarzutów. Mitchell i Redding ujawnili później, że wszyscy zostali ostrzeżeni o planowanym nalocie na narkotyki dzień przed wylotem do Toronto; obaj mężczyźni stwierdzili również, że uważają, iż narkotyki zostały podłożone w torbie Hendrixa bez jego wiedzy.

Sporne są szczegóły dotyczące ostatniego dnia i śmierci Hendrixa. Większość 17 września 1970 roku spędził z Moniką Dannemann w Londynie, jedynym świadkiem jego ostatnich godzin. Dannemann powiedziała, że przygotowała dla nich posiłek w swoim apartamencie w hotelu Samarkand około godziny 23.00, kiedy to podzielili się butelką wina. O godzinie 1:45 zawiozła go do mieszkania znajomego, gdzie pozostał przez około godzinę, po czym odebrała go i odwiozła do swojego mieszkania o godzinie 3:00. Dannemann obudziła się około 11 rano i znalazła Hendrixa oddychającego, ale nieprzytomnego i nieodpowiadającego. Zadzwoniła po karetkę o 11:18, a ta przybyła dziewięć minut później. Paramedycy przetransportowali Hendrixa do szpitala St Mary Abbots, gdzie dr John Bannister orzekł jego zgon o 12:45 18 września.

Koroner Gavin Thurston zarządził sekcję zwłok, którą 21 września przeprowadził profesor Robert Donald Teare, patolog sądowy. Thurston zakończył śledztwo 28 września i stwierdził, że Hendrix zaaspirował własne wymiociny i zmarł w wyniku asfiksji podczas odurzenia barbituranami. Powołując się na „niewystarczające dowody okoliczności”, ogłosił otwarty werdykt. Dannemann ujawnił później, że Hendrix zażył dziewięć z przepisanych przez siebie tabletek nasennych Vesparax, 18 razy więcej niż zalecana dawka.

Desmond Henley zabalsamował ciało Hendrixa, które 29 września przyleciało do Seattle. Rodzina i przyjaciele Hendrixa odprawili nabożeństwo w Dunlap Baptist Church w Rainier Valley w Seattle w czwartek, 1 października; jego ciało zostało pochowane na Greenwood Cemetery w pobliskim Renton, gdzie znajduje się grób jego matki. Rodzina i przyjaciele przyjechali 24 limuzynami, a w pogrzebie uczestniczyło ponad 200 osób, w tym Mitch Mitchell, Noel Redding, Miles Davis, John Hammond i Johnny Winter.

Hendrix jest często przywoływany jako jeden z przykładów rzekomo nieproporcjonalnie dużej liczby muzyków umierających w wieku 27 lat, w tym Briana Jonesa, Jima Morrisona i Janis Joplin w tej samej epoce, zjawiska określanego jako Klub 27.

Do 1967 roku, kiedy Hendrix zyskiwał na popularności, wiele z jego nagrań sprzed Experience było sprzedawanych niczego nie podejrzewającej publiczności jako albumy Jimiego Hendrixa, czasami z mylącymi późniejszymi zdjęciami Hendrixa. Nagrania, które znalazły się pod kontrolą producenta Eda Chalpina z PPX, z którym Hendrix podpisał kontrakt nagraniowy w 1965 roku, były często remiksowane pomiędzy ich wielokrotnymi reedycjami i licencjonowane wytwórniom takim jak Decca i Capitol. Hendrix publicznie potępił te wydania, określając je jako „złośliwe” i „znacznie gorsze”, stwierdzając: „W PPX spędzaliśmy średnio około jednej godziny na nagrywaniu piosenki. Dzisiaj spędzam co najmniej dwanaście godzin nad każdą piosenką”. Te nieautoryzowane wydania długo stanowiły znaczną część jego katalogu nagrań, liczącego setki albumów.

Część niedokończonego czwartego studyjnego albumu Hendrixa została wydana jako tytuł The Cry of Love z 1971 roku. Chociaż album osiągnął numer trzy w USA i numer dwa w Wielkiej Brytanii, producenci Mitchell i Kramer skarżyli się później, że nie mogli wykorzystać wszystkich dostępnych piosenek, ponieważ niektóre utwory zostały wykorzystane na Rainbow Bridge z 1971 roku; jeszcze inne zostały wydane na War Heroes z 1972 roku. Materiał z The Cry of Love został ponownie wydany w 1997 roku jako First Rays of the New Rising Sun, wraz z innymi utworami, które Mitchell i Kramer chcieli włączyć. Cztery lata po śmierci Hendrixa producent Alan Douglas nabył prawa do produkcji niewydanej muzyki Hendrixa; spotkał się z krytyką za wykorzystywanie muzyków studyjnych do zastępowania lub dodawania utworów.

W 1993 roku MCA Records opóźniła wielomilionową sprzedaż praw autorskich do wydawnictw Hendrixa, ponieważ Al Hendrix był niezadowolony z tego układu. Przyznał, że sprzedał prawa do dystrybucji zagranicznej korporacji w 1974 roku, ale stwierdził, że nie obejmowały one praw autorskich i argumentował, że zachował prawo weta w sprawie sprzedaży katalogu. Na mocy ugody zawartej w lipcu 1995 roku Al Hendrix odzyskał kontrolę nad prawami do piosenek i wizerunku syna. Następnie udzielił licencji na nagrania MCA poprzez utworzoną w 1995 roku rodzinną firmę Experience Hendrix LLC. W sierpniu 2009 roku Experience Hendrix ogłosił, że zawarł nową umowę licencyjną z działem Legacy Recordings Sony Music Entertainment, która miała wejść w życie w 2010 roku. Legacy i Experience Hendrix rozpoczęły projekt 2010 Jimi Hendrix Catalog Project, zaczynając od wydania Valleys of Neptune w marcu tego roku. W miesiącach poprzedzających jego śmierć, Hendrix nagrał dema do albumu koncepcyjnego wstępnie zatytułowanego Black Gold, obecnie będącego w posiadaniu Experience Hendrix LLC, ale nie został on wydany.

Przeczytaj także: cywilizacje – Imperium hiszpańskie

Gitary

Hendrix grał na różnych gitarach, ale najbardziej kojarzony był z Fenderem Stratocasterem. Swoją pierwszą nabył w 1966 roku, kiedy to dziewczyna pożyczyła mu wystarczająco dużo pieniędzy, aby kupić używanego Stratocastera zbudowanego około 1964 roku. Używał go często podczas występów i nagrań. W 1967 roku opisał Stratocastera jako „najlepszą gitarę do rzeczy, które robimy”; chwalił jej „jasne wysokie tony i głęboki bas”.

Hendrix grał głównie na gitarach dla praworęcznych, które zostały odwrócone i przestrojone do gry lewą ręką. Z powodu nachylenia przetwornika mostkowego Stratocastera, jego najniższa struna miała jaśniejszy dźwięk, podczas gdy najwyższa struna miała ciemniejszy dźwięk, co było przeciwieństwem zamierzonego projektu. Hendrix używał także Fender Jazzmasters, Duosonics, dwóch różnych Gibson Flying Vs, Gibson Les Paul, trzech Gibson SG, Gretsch Corvette i Fender Jaguar. Używał białego Gibsona SG Custom podczas występów w The Dick Cavett Show we wrześniu 1969 roku, oraz czarnego Gibsona Flying V podczas festiwalu Isle of Wight w 1970 roku.

Przeczytaj także: biografie-pl – Gieorgij Plechanow

Wzmacniacze

W latach 1965 i 1966, gdy Hendrix grał w USA jako back-up dla zespołów soulowych i R&B, używał 85-watowego wzmacniacza Fender Twin Reverb. Kiedy Chandler sprowadził Hendrixa do Anglii w październiku 1966 roku, dostarczył mu 30-watowe wzmacniacze Burns, które zdaniem Hendrixa były zbyt małe jak na jego potrzeby. Po jednym z wczesnych londyńskich koncertów, kiedy nie mógł użyć swojego Fendera Twin, zapytał o wzmacniacze Marshalla, których używanie zauważył u innych grup. Lata wcześniej Mitch Mitchell brał lekcje gry na perkusji u założyciela Marshalla Jima Marshalla i to on przedstawił Hendrixa Marshallowi. Na ich pierwszym spotkaniu Hendrix kupił cztery kolumny głośnikowe i trzy 100-watowe wzmacniacze Super Lead; przyzwyczaił się do używania wszystkich trzech w połączeniu. Sprzęt dotarł 11 października 1966 roku i The Experience używał go podczas swojej pierwszej trasy koncertowej.

Wzmacniacze Marshalla były ważne dla rozwoju przesterowanego brzmienia Hendrixa i jego wykorzystania sprzężenia zwrotnego, tworząc to, co autor Paul Trynka opisał jako „ostateczne słownictwo dla gitary rockowej”. Hendrix zazwyczaj przekręcał wszystkie gałki kontrolne do maksymalnego poziomu, co stało się znane jako ustawienie Hendrixa. W ciągu czterech lat przed śmiercią zakupił od 50 do 100 wzmacniaczy Marshalla. Jim Marshall powiedział, że Hendrix był „największym ambasadorem”, jakiego kiedykolwiek miała jego firma.

Przeczytaj także: biografie-pl – Józef Anchieta

Efekty

Jednym z charakterystycznych efektów Hendrixa był pedał wah-wah, który po raz pierwszy usłyszał użyty z gitarą elektryczną w utworze Cream „Tales of Brave Ulysses”, wydanym w maju 1967 roku. W lipcu tego roku, podczas występu w klubie Scene w Nowym Jorku, Hendrix poznał Franka Zappę, którego zespół Mothers of Invention występował w sąsiednim Garrick Theater. Hendrix był zafascynowany zastosowaniem pedału przez Zappę i eksperymentował z nim jeszcze tego samego wieczoru. Użył pedału „wah” podczas otwarcia „Voodoo Child (Slight Return)”, tworząc jeden z najbardziej znanych riffów „wah-wah” ery klasycznego rocka. Efekt ten wykorzystuje również w „Up from the Skies”, „Little Miss Lover” i „Still Raining, Still Dreaming”.

Podczas sesji nagraniowych i występów Hendrix używał Dallas Arbiter Fuzz Face i pedału Vox wah, ale eksperymentował także z innymi efektami gitarowymi. Przez długi czas współpracował z entuzjastą elektroniki Rogerem Mayerem, którego nazwał kiedyś „sekretem” swojego brzmienia. W grudniu 1966 roku Mayer przedstawił mu Octavię, pedał efektowy podwajający oktawę, z którym po raz pierwszy nagrał solówkę do utworu „Purple Haze”.

Hendrix używał również Uni-Vibe, zaprojektowanego do symulowania efektów modulacyjnych obracającego się głośnika Leslie. Użył tego efektu podczas występu na Woodstocku oraz w utworze Band of Gypsys „Machine Gun”, w którym pojawia się Uni-Vibe wraz z Octavią i Fuzz Face. Podczas występów podłączał swoją gitarę do kaczki, która była podłączona do Fuzz Face, następnie do Uni-Vibe, a na końcu do wzmacniacza Marshalla.

Jako nastolatek w latach 50-tych, Hendrix zainteresował się artystami rock and rolla, takimi jak Elvis Presley, Little Richard i Chuck Berry. W 1968 roku powiedział magazynowi Guitar Player, że elektryczni artyści bluesowi Muddy Waters, Elmore James i B.B. King inspirowali go na początku jego kariery; wymienił także Eddiego Cochrana jako wczesny wpływ. O Muddy Watersie, pierwszym elektrycznym gitarzyście, o którym Hendrix stał się świadomy, powiedział: „Usłyszałem jedną z jego płyt, gdy byłem małym chłopcem i przeraziło mnie to na śmierć, bo usłyszałem te wszystkie dźwięki”. W 1970 roku powiedział Rolling Stone, że był fanem artysty western swingu Boba Willsa i podczas gdy mieszkał w Nashville, telewizyjnego show the Grand Ole Opry.

Cox stwierdził, że w czasie służby w wojsku amerykańskim on i Hendrix słuchali przede wszystkim południowych artystów bluesowych, takich jak Jimmy Reed i Albert King. Według Coxa, „King był bardzo, bardzo silnym wpływem”. Howlin” Wolf również zainspirował Hendrixa, który wykonał „Killing Floor” Wolfa jako utwór otwierający jego amerykański debiut na Monterey Pop Festival. Wpływ soulowego artysty Curtisa Mayfielda można usłyszeć w grze gitarowej Hendrixa, a wpływ Boba Dylana można usłyszeć w pisaniu piosenek przez Hendrixa; był znany z wielokrotnego grania płyt Dylana, szczególnie Highway 61 Revisited i Blonde on Blonde.

Biografia Rock and Roll Hall of Fame dotycząca Experience stwierdza: „Jimi Hendrix był prawdopodobnie największym instrumentalistą w historii muzyki rockowej. Hendrix rozszerzył zakres i słownictwo gitary elektrycznej na obszary, na które żaden muzyk nie zapuszczał się wcześniej. Jego bezgraniczny napęd, zdolności techniczne i kreatywne zastosowanie takich efektów jak wah-wah i distortion na zawsze zmieniły brzmienie rock and rolla.” Muzykolog Andy Aledort opisał Hendrixa jako „jednego z najbardziej kreatywnych” i „wpływowych muzyków, którzy kiedykolwiek żyli”. Dziennikarz muzyczny Chuck Philips napisał: „W dziedzinie niemal wyłącznie zaludnionej przez białych muzyków, Hendrix służył jako wzór do naśladowania dla kadry młodych czarnych rockmanów. Jego osiągnięciem było odzyskanie tytułu do formy muzycznej, której pionierami byli czarni innowatorzy, tacy jak Little Richard i Chuck Berry w latach 50.”

Hendrix preferował przesterowane wzmacniacze o dużej głośności i wzmocnieniu. Przyczynił się do rozwoju niepożądanej wcześniej techniki sprzężenia zwrotnego we wzmacniaczu gitarowym i pomógł spopularyzować użycie pedału „kaczki” w głównym nurcie rocka. Odrzucił standardową technikę fretowania akordów barre, stosowaną przez większość gitarzystów, na rzecz fretowania kciukiem niskich dźwięków z szóstej struny. Technikę tę zastosował podczas początkowych taktów „Little Wing”, co pozwoliło mu na podtrzymanie podstawowej nuty akordów przy jednoczesnym graniu melodii. Metoda ta została opisana jako styl fortepianowy, gdzie kciuk gra to co lewa ręka pianisty, a pozostałe palce grają melodię jak prawa ręka. Spędziwszy kilka lat na czele tria, rozwinął umiejętność grania akordów rytmicznych i linii prowadzących razem, dając wrażenie dźwiękowe, że występuje więcej niż jeden gitarzysta. Był pierwszym artystą, który zastosował stereofoniczne efekty phasingowe w nagraniach muzyki rockowej. Holly George-Warren z Rolling Stone napisał: „Hendrix był pionierem w wykorzystaniu instrumentu jako elektronicznego źródła dźwięku. Gracze przed nim eksperymentowali ze sprzężeniem zwrotnym i zniekształceniem, ale Hendrix przekształcił te efekty i inne w kontrolowane, płynne słownictwo co najmniej tak osobiste jak blues, od którego zaczął.”

Tworząc swój unikalny głos muzyczny i styl gry na gitarze, Hendrix dokonał syntezy różnych gatunków, w tym bluesa, R&B, soulu, brytyjskiego rocka, amerykańskiej muzyki ludowej, rock and rolla z lat 50. i jazzu. Muzykolog David Moskowitz podkreślił znaczenie muzyki bluesowej w stylu gry Hendrixa, który według autorów Stevena Roby”ego i Brada Schreibera „eksplorował zewnętrzne granice psychodelicznego rocka”. Jego wpływ jest widoczny w różnych formach muzyki popularnej, a on sam przyczynił się znacząco do rozwoju hard rocka, heavy metalu, funku, post-punku, grunge”u. Jego trwały wpływ na współczesnych gitarzystów jest trudny do przecenienia; jego techniki i sposób gry były obficie naśladowane przez innych. Pomimo gorączkowego koncertowania i notorycznego perfekcjonizmu, był płodnym artystą nagrywającym, który pozostawił po sobie wiele niepublikowanych nagrań. Ponad 40 lat po śmierci Hendrix pozostaje tak popularny, jak nigdy dotąd, a roczna sprzedaż albumów przekracza tę z każdego roku za jego życia.

Podobnie jak jego współczesny Sly Stone, Hendrix objął eksperymentalizm białych muzyków w rocku progresywnym pod koniec lat 60. i zainspirował falę progresywnych muzyków soulowych, którzy pojawili się w następnej dekadzie. Miał bezpośredni wpływ na wielu artystów funkowych i funk rockowych, w tym Prince”a, George”a Clintona, Johna Frusciante z Red Hot Chili Peppers, Eddiego Hazela z Funkadelic i Erniego Isleya z Isley Brothers. Hendrix wpłynął na gitarzystów post-punkowych, takich jak John McGeoch z Siouxsie and the Banshees i Robert Smith z The Cure. Gitarzyści grunge”owi tacy jak Jerry Cantrell z Alice in Chains oraz Mike McCready i Stone Gossard z Pearl Jam wymieniali Hendrixa jako wpływ. Wpływ Hendrixa obejmuje także wielu artystów hip-hopowych, w tym De La Soul, A Tribe Called Quest, Digital Underground, Beastie Boys i Run-D.M.C. Miles Davis był pod głębokim wrażeniem Hendrixa i porównywał jego zdolności improwizacyjne z umiejętnościami saksofonisty Johna Coltrane”a.

Fani rock and rolla wciąż debatują, czy Hendrix rzeczywiście powiedział, że współzałożyciel Chicago Terry Kath był lepszym gitarzystą od niego, ale Kath wymienił Hendrixa jako główny wpływ: „Ale potem był Hendrix, człowieku. Jimi był tak naprawdę ostatnim kotem, który mnie uwolnił. Jimi grał wszystkie rzeczy, które miałem w głowie. Nie mogłem w to uwierzyć, kiedy pierwszy raz go usłyszałem. Nikt nie może zrobić tego, co on zrobił z gitarą. Nikt nigdy nie może zająć jego miejsca”.

Hendrix wpłynął również na Black Sabbath, artystę industrialnego Marilyn Manson, legendę bluesa Stevie Ray Vaughan, Randy Hansen, Uli Jon Roth, Ace Frehley z Kiss, Kirk Hammett z Metalliki, Brad Whitford z Aerosmith, gitarzysta rocka instrumentalnego Joe Satriani, wokalista King”s X

Przeczytaj także: biografie-pl – James Ensor

Uznanie i nagrody

Hendrix otrzymał za życia i pośmiertnie kilka prestiżowych nagród muzyki rockowej. W 1967 roku czytelnicy Melody Maker uznali go za Muzyka Pop Roku. W 1968 roku Rolling Stone uznał go za Wykonawcę Roku. Również w 1968 roku miasto Seattle dało mu klucze do miasta. Gazeta Disc & Music Echo uhonorowała go tytułem World Top Musician of 1969, a w 1970 roku magazyn Guitar Player uznał go za Gitarzystę Rockowego Roku.

Rolling Stone umieścił jego trzy nie pośmiertne albumy studyjne, Are You Experienced (1967), Axis: Bold as Love (1967) i Electric Ladyland (1968), na liście 500 największych albumów wszech czasów. Na swojej liście 100 największych gitarzystów wszech czasów Hendrix zajął pierwsze miejsce, a na liście 100 największych artystów wszech czasów – szóste. Czytelnicy Guitar World wybrali sześć solówek Hendrixa na 100 najlepszych solówek gitarowych wszech czasów: „Purple Haze” (z Band of Gypsys), „Little Wing” (18), „Voodoo Child (Slight Return)” (11) i „All Along the Watchtower” (5). Rolling Stone umieścił siedem jego nagrań na swojej liście 500 Greatest Songs of All Time: „Purple Haze” (17), „All Along the Watchtower” (47) „Voodoo Child (Slight Return)” (102), „Foxy Lady” (153), „Hey Joe” (201), „Little Wing” (366) i „The Wind Cries Mary” (379). Umieścili również trzy utwory Hendrixa na swojej liście 100 Greatest Guitar Songs of All Time: „Purple Haze” (2), „Voodoo Child” (12) i „Machine Gun” (49).

Gwiazda na Hollywood Walk of Fame została poświęcona Hendrixowi 14 listopada 1991 roku, pod adresem 6627 Hollywood Boulevard. The Jimi Hendrix Experience został wprowadzony do Rock and Roll Hall of Fame w 1992 roku, a UK Music Hall of Fame w 2005 roku. W 1998 roku Hendrix został włączony do Native American Music Hall of Fame w pierwszym roku jej istnienia. W 1999 roku czytelnicy Rolling Stone i Guitar World zaliczyli Hendrixa do najważniejszych muzyków XX wieku. W 2005 roku jego debiutancki album, Are You Experienced, był jednym z 50 nagrań dodanych w tym roku do U.S. National Recording Registry w Bibliotece Kongresu, ” części spuścizny dźwiękowej narodu”. W Seattle 27 listopada 1992 roku, który byłby 50-tymi urodzinami Hendrixa, został ustanowiony Dniem Jimiego Hendrixa, w dużej mierze dzięki staraniom jego przyjaciela z lat chłopięcych, gitarzysty Sammy”ego Draina.

Niebieska tablica identyfikująca byłą rezydencję Hendrixa przy 23 Brook Street w Londynie (obok byłej rezydencji George”a Friderica Haendla) była pierwszą wydaną przez English Heritage, która upamiętniała gwiazdę muzyki pop. Pomnikowy posąg Hendrixa grającego na Stratocasterze stoi w pobliżu rogu ulic Broadway i Pine w Seattle. W maju 2006 roku miasto przemianowało park w pobliżu Central District Jimi Hendrix Park, na jego cześć. W 2012 roku w miejscu, gdzie w lipcu 1970 roku odbył się Drugi Międzynarodowy Festiwal Popowy w Atlancie w pobliżu Byron w stanie Georgia, postawiono oficjalny historyczny znacznik. W tekście markera czytamy częściowo: „Wystąpiło ponad trzydzieści aktów muzycznych, w tym ikona rocka Jimi Hendrix grający dla największej amerykańskiej publiczności w swojej karierze”.

Muzyka Hendrixa otrzymała wiele nagród Hall of Fame Grammy, począwszy od nagrody za całokształt twórczości w 1992 roku, a następnie dwie nagrody Grammy w 1999 roku za albumy Are You Experienced i Electric Ladyland; Axis: Bold as Love otrzymał nagrodę Grammy w 2006 roku. W 2000 roku otrzymał nagrodę Hall of Fame Grammy za oryginalną kompozycję „Purple Haze”, a w 2001 roku za nagranie „All Along the Watchtower” Dylana. Wykonanie przez Hendrixa „The Star-Spangled Banner” zostało uhonorowane nagrodą Grammy w 2009 roku.

United States Postal Service wydała pamiątkowy znaczek pocztowy honorujący Hendrixa w 2014 roku. 21 sierpnia 2016 roku Hendrix został wprowadzony do Rhythm and Blues Music Hall of Fame w Dearborn, Michigan. The James Marshall „Jimi” Hendrix United States Post Office w Renton Highlands w pobliżu Seattle, około mili od grobu i pomnika Hendrixa, został przemianowany na Hendrixa w 2019 roku.

23 czerwca 2019 roku Band of Gypsys zostali wprowadzeni do Rhythm and Blues Music Hall of Fame, w Charles H. Wright Museum of African-American History w Detroit, Michigan. Billy Cox, ostatni żyjący członek grupy był pod ręką, aby zaakceptować, wraz z przedstawicielami posiadłości Buddy”ego Milesa i Hendrixa.

The Jimi Hendrix Experience

Jimi Hendrix

Źródła

Jimi Hendrix
Jimi Hendrix
Według innego źródła urodził się o 10:15 [1] (ang.).
Wersja skrócona. Pełne drzewo genealogiczne rodziny Hendrixów znajduje się w książce Jimi Hendrix: Electric Gypsy (autorzy: Harry Shapiro, Caesar Glebbeek), strony 700, 701.
Jeff Hannusch napisał w krótkim eseju, zamieszczonym w książeczce dołączonej do płyty Blues, że już w wieku 12 lat grał on na gitarze w kilku lokalnych zespołach, wykonując przeboje Elvisa Presleya, Billa Haleya, Eddiego Cochrana i The Coasters – JeffJ. Hannusch JeffJ., Blues, wyd. CD, książeczka, MCA Records, Experience Hendrix, 1994, s. 7 (ang.).
Według innego źródła jego pierwszą gitarą było znalezione przez ojca Ukulele (również jednostrunowe) – JoeJ. Boyd JoeJ., A Film about Jimi Hendrix, wyd. DVD, film, Warner Bros., 2005 (pol.).
Hendrix twierdził, że został wyrzucony za trzymanie za rękę białej dziewczyny, Frank Hanawalt (dyrektor szkoły) zaprzeczył temu i powiedział, iż przyczyną były słabe stopnie i niska frekwencja – Charles R. Cross: Pokój pełen luster. Biografia Jimiego Hendriksa. Wydawnictwo Dolnośląskie, 2005, s. 71. ISBN 978-83-245-9265-4. (pol.).
^ Author Charles R. Cross in Room Full of Mirrors writes „He [Hendrix”s paternal grandfather, Bertran Philander Ross Hendrix] was born out of wedlock, and from the biracial coupling of his mother, a former enslaved person, and a white merchant who had once enslaved her.”[5]
^ Several non-Native Hendrix biographers have noted Hendrix”s belief that he had Cherokee heritage.[7] Shapiro and Glebbeek write that Nora”s grandmother was a „full-blood Cherokee princess” [sic] in their 1990 biography,[8] although there is no known record of Hendrix or his family members referring to a „Cherokee princess” (the Cherokee did not have „princesses”, but this nomenclature is very common among non-Natives who claim Cherokee identities for ancestors who were actually white or Black.[9][10]) Hendrix was not „enrolled in any Cherokee tribe”[11] and „no documentation of Hendrix”s Cherokee blood has been found, and its absence is potentially problematic, especially given the history of appropriation of Indian cultures and identities by non-Indians”.[12]
^ Authors Harry Shapiro and Caesar Glebbeek speculate that the change from Johnny to James may have been a response to Al”s knowledge of an affair Lucille had with a man who called himself John Williams.[19] As a young child, friends and family called Hendrix „Buster”. His brother Leon claims that Jimi chose the nickname after his hero Buster Crabbe, of Flash Gordon and Buck Rogers fame.[20]
Selon l”auteur Charles R. Cross, le divorce des parents de Jimi Hendrix n”aurait pas mis fin à leur relation, mais les biographes ne s”accordent pas tous sur ce point. Concernant les frères et sœurs de Jimi, seul Cross est aussi affirmatif quant à la paternité de Joe (né en 1949), Kathy (née le 27 septembre 1950), Pamela (née le 27 octobre 1951). Pour lui, c”est bien Al, le père. Les deux sœurs furent rapidement adoptées. Le cas d”Alfred, né en 1952 (donc après le divorce) est plus compliqué encore…
Le corps et le manche étaient brisés et les micros et le « pickguard » avaient fondu. Il la légua ensuite à son fils, Dweezil qui l”a mise aux enchères sans succès en raison de son prix trop élevé. Ce n”est qu”en 2008 que l”on apprend qu”elle a été adjugée 346 000 euros ce qui en fait la guitare la plus chère du monde[45],[44].
Gold et Goldstein ont filmé the Royal Albert Hall shows, mais ne l”ont jamais sorti officiellement[56].
Zenora «Nora» Rose Moore fue una bailarina de vodevil que se mudó de Tennessee a Vancouver, Canadá, después de conocer a su marido, el agente de policía Bertram Philander Ross Hendrix.[3] Nora compartía con Hendrix su amor por la ropa teatral, los abalorios y la música. También le empapó con historias, rituales, y música que habían sido parte de su herencia afro-cheroqui. Además, debido a su asistencia a la iglesia pentacostal, algunos escritores han sugerido que este hecho le hubiera podido instruir en su forma de pensar sobre la conexión entre emociones, espiritualidad y música.[6]

Jimi Hendrix

Streszczenie

Pierwsze instrumenty

Wczesne lata

Pierwsze nagrania

The Jimi Hendrix Experience

Podział doświadczenia

Woodstock

Band of Gypsys

Cry of Love Tour

Electric Lady Studios

Trasa europejska

Narkomania i przemoc

Kanadyjskie zarzuty dotyczące narkotyków i proces

Gitary

Wzmacniacze

Efekty

Uznanie i nagrody

Related

Ads Blocker Detected!!!