Orson Welles

gigatos | Mai 11, 2023

Zusammenfassung

George Orson Welles (6. Mai 1915 – 10. Oktober 1985) war ein amerikanischer Regisseur, Schauspieler, Drehbuchautor und Produzent, der für seine innovativen Arbeiten in den Bereichen Radio, Theater und Film bekannt ist. Er gilt als einer der größten und einflussreichsten Filmemacher aller Zeiten.

In seinen 20er Jahren führte Welles bei hochkarätigen Bühnenproduktionen für das Federal Theatre Project Regie, darunter eine Adaption von Macbeth mit einer ausschließlich afroamerikanischen Besetzung und das politische Musical The Cradle Will Rock. 1937 gründete er zusammen mit John Houseman das Mercury Theatre, ein unabhängiges Repertoiretheater, das bis 1941 eine Reihe von Produktionen am Broadway aufführte, darunter Caesar (1937), eine Adaption von William Shakespeares Julius Caesar.

Im Jahr 1938 erlangte Welles durch seine Radioserie The Mercury Theatre on the Air internationale Berühmtheit als Regisseur und Sprecher einer Radioadaption von H. G. Wells‘ Roman The War of the Worlds, die einige Hörer glauben ließ, dass tatsächlich eine Invasion durch außerirdische Wesen stattfand. Obwohl die Berichte über die Panik zumeist falsch und übertrieben waren, verhalfen sie dem 23-jährigen Welles zu großer Berühmtheit.

Sein erster Film war Citizen Kane (1941), der durchweg als einer der besten Filme aller Zeiten gilt und bei dem er als Co-Autor, Produzent, Regisseur und Hauptdarsteller der Titelfigur Charles Foster Kane fungierte. Welles drehte zwölf weitere Filme, darunter The Magnificent Ambersons (1942), The Lady from Shanghai (1947), Touch of Evil (1958), The Trial (1962), Chimes at Midnight (1966) und F for Fake (1973), die zu den bekanntesten zählen. Sein unverwechselbarer Regiestil zeichnete sich durch vielschichtige und nichtlineare Erzählformen, den Einsatz von Lichttechniken wie Hell-Dunkel, ungewöhnliche Kameraperspektiven, dem Radio entlehnte Tontechniken, Tiefenschärfeaufnahmen und lange Einstellungen aus. Er wurde als „der ultimative Autorenfilmer“ gepriesen: 6

Welles war ein Außenseiter im Studiosystem und kämpfte schon früh mit den großen Filmstudios in Hollywood um die kreative Kontrolle über seine Projekte und später mit verschiedenen unabhängigen Geldgebern in Europa, wo er den größten Teil seiner Karriere verbrachte. Viele seiner Filme wurden entweder stark bearbeitet oder blieben unveröffentlicht. Einige, wie z. B. Touch of Evil, wurden anhand seiner Notizen sorgfältig neu bearbeitet. Welles‘ letzter Film, The Other Side of the Wind (Die andere Seite des Windes), der sich über fast 50 Jahre erstreckte, wurde 2018 posthum veröffentlicht.

Welles war dreimal verheiratet, unter anderem mit Rita Hayworth, und hatte drei Kinder. Welles, der für seine Baritonstimme bekannt war, hatte zahlreiche Auftritte in Theater, Radio und Film. Er war ein lebenslanger Zauberkünstler, der in den Kriegsjahren mit Truppenvarietés auftrat. Im Jahr 2002 wurde er in zwei Umfragen des British Film Institute unter Regisseuren und Kritikern zum größten Filmregisseur aller Zeiten gewählt. 2018 wurde er von The Daily Telegraph in die Liste der 50 größten Hollywood-Schauspieler aller Zeiten aufgenommen.

George Orson Welles wurde am 6. Mai 1915 in Kenosha, Wisconsin, als Sohn von Richard Head Welles (1883-1924) geboren. Er wurde nach einem seiner Urgroßväter, dem einflussreichen Kenosha-Anwalt Orson S. Head, und dessen Bruder George Head benannt: 37 Eine alternative Geschichte über die Herkunft seines Vor- und Zweitnamens wurde von George Ade erzählt, der Welles‘ Eltern Ende 1914 auf einer Kreuzfahrt durch Westindien kennenlernte. Ade war mit einem Freund, Orson Wells (nicht verwandt), unterwegs, und die beiden saßen am selben Tisch wie Herr und Frau Richard Welles. Mrs. Welles war damals schwanger, und als sie sich verabschiedeten, erzählte sie ihnen, dass sie ihre Gesellschaft so sehr genossen hatte, dass sie beabsichtigte, das Kind, falls es ein Junge sein sollte, nach ihnen zu benennen: George Orson.

Trotz des Wohlstands seiner Familie hatte Welles in seiner Kindheit mit Schwierigkeiten zu kämpfen. Seine Eltern trennten sich und zogen 1919 nach Chicago. Sein Vater, der als Erfinder einer beliebten Fahrradlampe ein Vermögen gemacht hatte, wurde zum Alkoholiker und stellte seine Arbeit ein. Welles‘ Mutter, eine Pianistin, spielte während der Vorlesungen von Dudley Crafts Watson am Art Institute of Chicago, um ihren Sohn und sich selbst zu unterstützen; der älteste Welles-Junge, „Dickie“, wurde wegen seiner Lernschwierigkeiten schon früh in ein Heim eingewiesen. Beatrice starb am 10. Mai 1924, kurz nach Welles‘ neuntem Geburtstag, in einem Krankenhaus in Chicago an Hepatitis: 326 Das Gordon String Quartet, ein Vorläufer des Berkshire String Quartet, das 1921 zum ersten Mal bei ihr zu Hause aufgetreten war, spielte bei Beatrice‘ Beerdigung.

Nach dem Tod seiner Mutter hörte Welles auf, sich mit Musik zu beschäftigen. Es wurde beschlossen, dass er den Sommer mit der Familie Watson in einer von Lydia Avery Coonley Ward gegründeten privaten Künstlerkolonie im Dorf Wyoming in der Finger Lakes Region von New York verbringen sollte: 8 Dort spielte er und freundete sich mit den Kindern des Aga Khan an, darunter der 12-jährige Prinz Aly Khan. Danach lebte er in einer Chicagoer Wohnung mit seinem Vater und Maurice Bernstein, einem Chicagoer Arzt, der mit seinen Eltern eng befreundet war, was Welles später als „eine hektische Zeit“ bezeichnete. Welles besuchte kurzzeitig eine öffentliche Schule: 133 bevor sein alkoholkranker Vater das Geschäft ganz aufgab und ihn auf seine Reisen nach Jamaika und in den Fernen Osten mitnahm. Nach ihrer Rückkehr ließen sie sich in einem Hotel in Grand Detour, Illinois, nieder, das seinem Vater gehörte. Als das Hotel abbrannte, machten sich Welles und sein Vater wieder auf den Weg: 9

„Während der drei Jahre, die Orson bei seinem Vater lebte, fragten sich einige Beobachter, wer sich um wen kümmerte“, schrieb der Biograf Frank Brady: 9

„In gewisser Weise war er nie ein richtiger Junge, wissen Sie“, sagte Roger Hill, der Welles‘ Lehrer und lebenslanger Freund wurde. 24

Welles besuchte kurzzeitig eine öffentliche Schule in Madison, Wisconsin, und besuchte die vierte Klasse: 9 Am 15. September 1926 trat er in das Todd Seminary for Boys ein,: 3 eine teure, unabhängige Schule in Woodstock, Illinois, die sein älterer Bruder, Richard Ives Welles, zehn Jahre zuvor besucht hatte, bis er wegen schlechten Benehmens von der Schule verwiesen wurde: 48 An der Todd School geriet Welles unter den Einfluss von Roger Hill, einem Lehrer, der später der Schulleiter der Todd School war. Hill bot Welles ein pädagogisches Umfeld, das sich für seine kreative Erfahrung als unschätzbar erwies und es ihm ermöglichte, sich auf Themen zu konzentrieren, die ihn interessierten. Welles spielte und inszenierte dort Theaterexperimente und -produktionen.

„Todd vermittelte Welles viele wertvolle Erfahrungen“, schrieb der Kritiker Richard France. „Er konnte erforschen und experimentieren in einer Atmosphäre der Akzeptanz und Ermutigung. Neben einem Theater stand ihm auch der schuleigene Radiosender zur Verfügung.“: 27 Welles‘ erste Radioerfahrung machte er beim Sender Todd, wo er eine von ihm geschriebene Adaption von Sherlock Holmes aufführte: 7

Am 28. Dezember 1930, als Welles 15 Jahre alt war, starb sein Vater im Alter von 58 Jahren an Herz- und Nierenversagen, allein in einem Hotel in Chicago. Kurz zuvor hatte Welles seinem Vater angekündigt, dass er ihn nicht mehr sehen würde, weil er glaubte, dass dies seinen Vater dazu bringen würde, nicht mehr zu trinken. Orson fühlte sich daraufhin schuldig, weil er glaubte, sein Vater habe sich seinetwegen zu Tode getrunken. Das Testament seines Vaters überließ es Orson, seinen Vormund zu bestimmen. Als Roger Hill ablehnte, wählte Welles Maurice Bernstein: 71-72

Nach seinem Abschluss an der Todd University im Mai 1931 erhielt 3 Welles ein Stipendium für das Harvard College, während sein Mentor Roger Hill ihm den Besuch des Cornell College in Iowa empfahl. Anstatt sich einzuschreiben, entschied er sich für eine Reise. Er studierte einige Wochen am Art Institute of Chicago: 117 bei Boris Anisfeld, der ihn ermutigte, sich der Malerei zu widmen: 18

Welles kehrte gelegentlich nach Woodstock zurück, den Ort, den er schließlich nannte, als er 1960 in einem Interview gefragt wurde: „Wo ist Zuhause?“ Welles antwortete: „Ich nehme an, es ist Woodstock, Illinois, wenn es irgendwo ist. Ich bin dort vier Jahre lang zur Schule gegangen. Wenn ich versuche, an ein Zuhause zu denken, dann ist es das.“

Nach dem Tod seines Vaters reiste Welles mit einem kleinen Teil seines Erbes nach Europa. Welles erzählte, dass er während einer Wander- und Malreise durch Irland das Gate Theatre in Dublin betrat und behauptete, er sei ein Broadway-Star. Der Manager des Gate, Hilton Edwards, sagte später, er habe ihm nicht geglaubt, sei aber von seiner Unverfrorenheit und einem leidenschaftlichen Vorsprechen beeindruckt gewesen, das er gegeben habe: 134 Sein Bühnendebüt am Gate Theatre gab Welles am 13. Oktober 1931 in Ashley Dukes‘ Adaption von Jew Suss als Herzog Karl Alexander von Württemberg. In den folgenden Gate-Produktionen spielte er kleine Nebenrollen, und er produzierte und gestaltete eigene Produktionen in Dublin. Im März 1932 spielte Welles in W. Somerset Maughams The Circle am Dubliner Abbey Theatre und reiste nach London, um weitere Arbeit im Theater zu finden. Da er keine Arbeitserlaubnis erhielt, kehrte er in die USA zurück: 327-330

Welles fand, dass sein Ruhm vergänglich war, und wandte sich einem Schreibprojekt an der Todd School zu, das sehr erfolgreich wurde und zunächst den Titel Everybody’s Shakespeare und später The Mercury Shakespeare trug. Welles reiste nach Nordafrika, während er an Tausenden von Illustrationen für die Shakespeare-Lehrbuchreihe „Everybody’s Shakespeare“ arbeitete, eine Reihe, die jahrzehntelang im Druck blieb.

1933 luden Roger und Hortense Hill Welles zu einer Party in Chicago ein, wo Welles Thornton Wilder kennenlernte. Wilder arrangierte für Welles ein Treffen mit Alexander Woollcott in New York, um ihn Katharine Cornell vorzustellen, die ein Repertoiretheater zusammenstellte. Cornells Ehemann, der Regisseur Guthrie McClintic, nahm Welles sofort unter Vertrag und besetzte ihn in drei Stücken..: 46-49 Romeo und Julia, The Barretts of Wimpole Street und Candida gingen ab November 1933 36 Wochen lang auf Tournee, wobei die erste von mehr als 200 Vorstellungen in Buffalo, New York, stattfand: 330-331

1934 bekam Welles seinen ersten Job beim Radio – bei der American School of the Air – durch den Schauspieler und Regisseur Paul Stewart, der ihn dem Regisseur Knowles Entrikin vorstellte: 331 In jenem Sommer veranstaltete Welles zusammen mit der Todd School ein Theaterfestival im Opernhaus in Woodstock, Illinois, und lud Micheál Mac Liammóir und Hilton Edwards vom Dubliner Gate Theatre ein, zusammen mit New Yorker Bühnengrößen in Produktionen wie Trilby, Hamlet, The Drunkard und Tsar Paul aufzutreten. In der alten Feuerwache in Woodstock drehte er auch seinen ersten Film, einen achtminütigen Kurzfilm mit dem Titel The Hearts of Age: 330-331

Am 14. November 1934 heiratete Welles die Chicagoer Prominente und Schauspielerin Virginia Nicolson: 332 (oft falsch geschrieben „Nicholson“) in einer zivilen Zeremonie in New York. Um die Nicolsons zu besänftigen, die über die Flucht des Paares wütend waren, fand am 23. Dezember 1934 eine formelle Zeremonie in der Villa der Patin der Braut in New Jersey statt. Welles trug einen Cutaway, den er sich von seinem Freund George Macready geliehen hatte: 182

Eine überarbeitete Fassung von Katharine Cornells Romeo und Julia wurde am 20. Dezember 1934 im Martin Beck Theatre in New York uraufgeführt. Die Broadway-Produktion machte den 19-jährigen Welles (der nun den Tybalt spielte) auf John Houseman aufmerksam, einen Theaterproduzenten, der die Hauptrolle in der Erstaufführung eines Versdramas von Archibald MacLeish, Panic, besetzte: 144-158 Am 22. März 1935 gab Welles sein Debüt in der CBS-Radioserie The March of Time, indem er eine Szene aus Panic für einen Nachrichtenbericht über die Bühnenproduktion spielte: 70-71

Bis 1935 ergänzte Welles seine Einkünfte im Theater als Rundfunkschauspieler in Manhattan und arbeitete mit vielen Schauspielern zusammen, die später den Kern seines Mercury Theaters in Programmen wie America’s Hour, Cavalcade of America, Columbia Workshop und The March of Time bildeten: 331-332 „Innerhalb eines Jahres nach seinem Debüt konnte Welles die Mitgliedschaft in jener elitären Gruppe von Rundfunkschauspielern beanspruchen, die nur den bestbezahlten Filmstars nachstanden“, schrieb der Kritiker Richard France: 172.

Föderales Theaterprojekt

Das Federal Theatre Project (1935-39) gehörte zur Works Progress Administration und war ein Programm des New Deal zur Finanzierung von Theatervorstellungen und anderen künstlerischen Live-Auftritten und Unterhaltungsprogrammen in den Vereinigten Staaten während der Großen Depression. Es wurde als Hilfsmaßnahme geschaffen, um Künstler, Autoren, Regisseure und Theaterarbeiter zu beschäftigen. Unter der nationalen Direktorin Hallie Flanagan entwickelte es sich zu einem echten Nationaltheater, das relevante Kunst schuf, Experimente und Innovationen förderte und es Millionen von Amerikanern ermöglichte, zum ersten Mal live Theater zu sehen.

John Houseman, Direktor der Negro Theatre Unit in New York, lud Welles 1935 ein, sich dem Federal Theatre Project anzuschließen. Weit davon entfernt, arbeitslos zu sein – „ich war so beschäftigt, dass ich vergaß, wie man schläft“ – steckte Welles einen großen Teil seiner wöchentlichen Radioeinnahmen von 1.500 Dollar in seine Bühnenproduktionen, umging so den bürokratischen Aufwand und setzte die Projekte schneller und professioneller um. „Roosevelt sagte einmal, ich sei der einzige Unternehmer in der Geschichte, der jemals illegal Geld in ein Washingtoner Projekt gesteckt habe“, so Welles: 11-13

Das Federal Theatre Project war das ideale Umfeld, in dem Welles seine Kunst entwickeln konnte. Da es der Beschäftigung diente, konnte er eine beliebige Anzahl von Künstlern, Handwerkern und Technikern einstellen und die Bühne mit Darstellern besetzen: 3 Bei der ersten Produktion, einer Adaption von William Shakespeares Macbeth mit ausschließlich afroamerikanischer Besetzung, zählte das Ensemble 150 Personen. Die Inszenierung wurde als Voodoo-Macbeth bekannt, weil Welles den Schauplatz auf eine mythische Insel verlegte, die an den haitianischen Hof von König Henri Christophe erinnert: 179-180, wobei der haitianische Vodou die Rolle der schottischen Hexerei übernahm: 86 Das Stück wurde am 14. April 1936 im Lafayette Theatre in Harlem uraufgeführt und begeistert aufgenommen. Mit 20 Jahren wurde Welles als Wunderkind gefeiert. Die Produktion ging anschließend auf eine 4.000 Meilen lange nationale Tournee, die auch zwei Wochen auf der Texas Centennial Exposition in Dallas umfasste.

Als nächstes wurde die Farce Horse Eats Hat aufgeführt, eine Adaption von Welles und Edwin Denby von The Italian Straw Hat, einer Farce in fünf Akten von Eugène Marin Labiche und Marc-Michel aus dem Jahr 1851: 114 Das Stück wurde vom 26. September bis 5. Dezember 1936 am Maxine Elliott’s Theatre in New York aufgeführt: 334 und zeigte Joseph Cotten in seiner ersten Hauptrolle: 34 Es folgte eine Adaption von Dr. Faustus, die das Licht als wichtigstes szenisches Element auf einer fast schwarzen Bühne einsetzte und vom 8. Januar bis 9. Mai 1937 im Maxine Elliott’s Theatre aufgeführt wurde: 335

Außerhalb des Federal Theatre Project wählte der amerikanische Komponist Aaron Copland Welles für die Regie von The Second Hurricane (1937) aus, einer Operette mit einem Libretto von Edwin Denby. Die Produktion wurde am 21. April 1937 an der Henry Street Settlement Music School in New York zugunsten von High-School-Schülern aufgeführt und erlebte die geplanten drei Aufführungen..: 337

1937 probte Welles Marc Blitzsteins politische Operette The Cradle Will Rock. Ursprünglich sollte das Stück am 16. Juni 1937 in einer ersten öffentlichen Vorpremiere aufgeführt werden. Aufgrund schwerer staatlicher Kürzungen im Rahmen der Works Progress Projects wurde die Premiere der Show im Maxine Elliott Theatre abgesagt. Das Theater wurde verschlossen und bewacht, um zu verhindern, dass von der Regierung gekaufte Materialien für eine kommerzielle Produktion des Werks verwendet wurden. In letzter Minute teilte Welles den wartenden Karteninhabern mit, dass die Vorstellung in das 20 Blocks entfernte Venice Theatre verlegt wurde. Ein Teil der Schauspieler, der Crew und des Publikums legten die Strecke zu Fuß zurück. Die gewerkschaftlich organisierten Musiker weigerten sich, in einem kommerziellen Theater für niedrigere, nicht gewerkschaftlich organisierte Regierungslöhne aufzutreten. Die Schauspielergewerkschaft erklärte, die Produktion gehöre zum Bundestheaterprojekt und könne nicht ohne Genehmigung außerhalb dieses Rahmens aufgeführt werden. Da die Gewerkschaftsmitglieder nicht mitwirkten, begann The Cradle Will Rock damit, dass Blitzstein das Stück vorstellte und die Klavierbegleitung auf der Bühne spielte, während einige Darsteller aus dem Publikum auftraten. Diese improvisierte Aufführung wurde vom Publikum gut aufgenommen.

Merkur-Theater

Im Jahr 1937 brachen Welles und Houseman mit dem Federal Theatre Project und gründeten ihr eigenes Repertoiretheater, das sie Mercury Theatre nannten. Der Name war inspiriert vom Titel der ikonoklastischen Zeitschrift The American Mercury: 119-120 Welles war ausführender Produzent, und zum ursprünglichen Ensemble gehörten Schauspieler wie Joseph Cotten, George Coulouris, Geraldine Fitzgerald, Arlene Francis, Martin Gabel, John Hoyt, Norman Lloyd, Vincent Price, Stefan Schnabel und Hiram Sherman.

„Ich denke, er war das größte Regietalent, das wir je im Theater hatten“, sagte Lloyd 2014 in einem Interview über Welles. „Wenn man eine Welles-Inszenierung sah, sah man, dass der Text beeinflusst worden war, die Inszenierung war bemerkenswert, die Bühnenbilder waren ungewöhnlich, Musik, Ton, Beleuchtung, eine Gesamtheit von allem. Einen solchen Mann hatten wir in unserem Theater noch nicht gehabt. Er war der erste und bleibt der größte.

Das Mercury Theatre eröffnete am 11. November 1937 mit Caesar, Welles‘ modern gekleideter Adaption von Shakespeares Tragödie Julius Caesar – eine antifaschistische Tour de Force, die Joseph Cotten später als „so kraftvoll, so zeitgemäß, dass sie den Broadway in Aufruhr versetzte“ beschrieb: 108 Das Bühnenbild war völlig offen, ohne Vorhang, und die Backsteinwand war dunkelrot gestrichen. Szenenwechsel wurden allein durch Beleuchtung erreicht:: 165 Auf der Bühne befand sich eine Reihe von Risern, in die in regelmäßigen Abständen Quadrate geschnitten wurden, unter denen Lichter angebracht waren, die gerade nach oben zeigten, um an die „Kathedrale des Lichts“ bei den Nürnberger Kundgebungen zu erinnern. „Er inszenierte es wie ein politisches Melodrama, das in der Nacht zuvor stattfand“, sagte Lloyd.

Ab dem 1. Januar 1938 wurde Caesar zusammen mit The Shoemaker’s Holiday aufgeführt; beide Produktionen zogen in das größere Nationaltheater um. Es folgten Heartbreak House (29. April 1938) und Danton’s Death (5. November 1938): 344 Im Dezember 1937 wurde The Cradle Will Rock in einer reduzierten Oratorienfassung sonntagabends im Mercury Theatre aufgeführt, und 13 Wochen lang (4. Januar – 2. April 1938) war The Cradle Will Rock im Windsor Theatre zu sehen: 340 Der Erfolg des Mercury Theatre war so groß, dass Welles in der Ausgabe vom 9. Mai 1938 – drei Tage nach seinem 23. Geburtstag – in voller Montur als Captain Shotover in Heartbreak House auf dem Cover des Time Magazine erschien.

Am 6. April 1938 stach Orson Welles bei einer Inszenierung von Caesar während des 3. Akts, Szene 1, in der Brutus Caesar verrät, versehentlich mit einem Stahlmesser auf Joseph Holland ein, das wegen des dramatischen Lichteinfalls in der Szene verwendet wurde. Holland brauchte einen Monat, um sich von der Verletzung zu erholen, und dieser Vorfall beschädigte die Beziehungen zwischen den beiden dauerhaft.

Parallel zu seiner Arbeit am Theater arbeitete Welles ausgiebig im Radio als Schauspieler, Autor, Regisseur und Produzent, oft ohne Anerkennung:: 77 Zwischen 1935 und 1937 verdiente er bis zu 2.000 Dollar pro Woche und pendelte in einem solchen Tempo zwischen den Radiostudios hin und her, dass er gerade noch rechtzeitig ankam, um kurz seinen Text zu überfliegen, bevor er auf Sendung ging. Während er bei Voodoo Macbeth Regie führte, pendelte Welles dreimal täglich zwischen Harlem und Midtown Manhattan, um seinen Verpflichtungen im Radio nachzukommen: 172

Im Herbst 1936 spielte Welles nicht nur weiterhin in The March of Time mit, sondern adaptierte und spielte Hamlet in einer frühen zweiteiligen Folge des Columbia Workshop von CBS Radio. Sein Auftritt als Ansager in Archibald MacLeishs Versdrama The Fall of the City im April 1937 war ein wichtiger Schritt in seiner Radiokarriere: 78 und machte den 21-jährigen Welles über Nacht zum Star: 46

Im Juli 1937 beauftragte das Mutual Network Welles mit einer siebenwöchigen Serie zur Adaption von Les Misérables. Es war seine erste Arbeit als Autor und Regisseur für das Radio,: 338 das Radio-Debüt des Mercury Theatre und eine von Welles‘ frühesten und besten Leistungen: 160 Er erfand den Einsatz von Erzählungen im Radio.: 88

„Indem er sich selbst in den Mittelpunkt des Erzählprozesses stellte, förderte Welles den Eindruck der Selbstbeweihräucherung, der seine Karriere bis zu seinem Tod verfolgen sollte“, schrieb der Kritiker Andrew Sarris. „Im Großen und Ganzen war Welles jedoch einzigartig großzügig zu den anderen Mitgliedern seiner Besetzung und inspirierte sie zu einer Loyalität, die über den Ruf der Professionalität hinausging“: 8

Im September dieses Jahres wählte Mutual Welles für die Rolle des Lamont Cranston, auch bekannt als The Shadow, aus. Er spielte die Rolle anonym bis Mitte September 1938.

Das Mercury-Theater auf Sendung

Nach den Theatererfolgen des Mercury Theatre lud CBS Radio Orson Welles ein, eine 13-wöchige Sommersendung zu gestalten. Die Serie begann am 11. Juli 1938 und trug zunächst den Titel First Person Singular, wobei Welles in jeder Sendung die Hauptrolle spielen sollte. Einige Monate später wurde die Sendung in The Mercury Theatre on the Air umbenannt: 12 Die wöchentliche einstündige Sendung präsentierte Hörspiele, die auf klassischen literarischen Werken basierten, mit Originalmusik, komponiert und dirigiert von Bernard Herrmann.

Die Radioadaption von The War of the Worlds von H. G. Wells durch das Mercury Theatre am 30. Oktober 1938 brachte Welles sofortigen Ruhm. Die Kombination der Nachrichtenform der Aufführung mit den Gewohnheiten der Hörer, zwischen den Pausen die Wählscheibe zu drehen, soll später zu einer weit verbreiteten Verwirrung unter den Hörern geführt haben, die die Einleitung überhörten, obwohl das Ausmaß dieser Verwirrung in Frage gestellt wurde. Berichten zufolge verbreitete sich Panik unter den Hörern, die den fiktiven Nachrichtenberichten über eine Invasion der Marsmenschen Glauben schenkten. Der durch die Kombination geschaffene Mythos des Ergebnisses wurde weltweit als Tatsache gemeldet und von Adolf Hitler in einer öffentlichen Rede abfällig erwähnt.

Welles‘ wachsender Ruhm zog Angebote aus Hollywood nach sich, denen der unabhängige Welles zunächst widerstand. Das Mercury Theatre on the Air, das ohne Sponsoring auskam, wurde von Campbell Soup übernommen und in The Campbell Playhouse umbenannt. Das Mercury Theatre on the Air machte seine letzte Sendung am 4. Dezember 1938, und The Campbell Playhouse begann fünf Tage später.

Welles begann, für die beiden Sonntagssendungen von The Campbell Playhouse von Kalifornien nach New York zu pendeln, nachdem er im August 1939 einen Filmvertrag mit RKO Pictures unterzeichnet hatte. Im November 1939 wurde die Produktion der Show von New York nach Los Angeles verlegt..: 353

Nach 20 Sendungen begann Campbell, mehr kreative Kontrolle auszuüben und hatte die vollständige Kontrolle über die Auswahl der Geschichten. Als sein Vertrag mit Campbell auslief, entschied sich Welles, nicht für eine weitere Staffel zu unterschreiben. Nach der Sendung vom 31. März 1940 trennten sich Welles und Campbell freundschaftlich: 221-226

Der Präsident von RKO Radio Pictures, George Schaefer, bot Welles schließlich einen Vertrag an, der allgemein als der größte gilt, der einem Filmemacher angeboten wurde, noch dazu einem, der noch unerprobt war. Der Vertrag, der ihn verpflichtete, zwei Filme zu schreiben, zu produzieren, Regie zu führen und darin mitzuwirken, ordnete die finanziellen Interessen des Studios der kreativen Kontrolle von Welles unter und brach mit allen Präzedenzfällen, indem er Welles das Recht auf den endgültigen Schnitt einräumte: 1-2 Nachdem er am 22. Juli eine Kurzvereinbarung mit RKO unterzeichnet hatte, unterschrieb Welles am 21. August 1939 einen 63-seitigen Vertrag in voller Länge: 353 Die Vereinbarung wurde von den Hollywood-Studios erbittert angefeindet und in der Fachpresse immer wieder verspottet.: 2

Citizen Kane

RKO lehnte Welles‘ erste beiden Filmvorschläge ab, stimmte aber dem dritten Angebot zu – Citizen Kane. Welles war Co-Autor, Produzent und Regisseur des Films und spielte die Hauptrolle. Welles konzipierte das Projekt zusammen mit dem Drehbuchautor Herman J. Mankiewicz, der Hörspiele für das Campbell Playhouse schrieb: 16 Mankiewicz stützte den ursprünglichen Entwurf des Drehbuchs auf das Leben von William Randolph Hearst, den er privat kannte und zu hassen begann, nachdem er aus Hearsts Kreisen verbannt worden war: 231

Nachdem er sich auf die Handlung und die Charaktere geeinigt hatte, übergab Welles Mankiewicz 300 Seiten mit Notizen und beauftragte ihn, unter der Aufsicht von John Houseman den ersten Drehbuchentwurf zu schreiben. Welles schrieb seinen eigenen Entwurf,: 54 dann beide Fassungen drastisch kürzen und umgestalten und eigene Szenen hinzufügen. Die Branche warf Welles vor, Mankiewiczs Beitrag zum Drehbuch unterzubewerten, aber Welles konterte die Angriffe mit den Worten: „Am Ende war ich natürlich derjenige, der den Film gemacht hat – und der die Entscheidungen treffen musste. Ich habe das verwendet, was ich von Mankiewicz wollte, und, ob zu Recht oder zu Unrecht, das behalten, was mir an meinem eigenen Buch gefiel.“: 54

Das Projekt von Welles zog einige der besten Techniker Hollywoods an, darunter den Kameramann Gregg Toland. Für die Besetzung setzte Welles vor allem Schauspieler aus seinem Mercury Theatre ein. Die Dreharbeiten zu Citizen Kane dauerten zehn Wochen.

Die Zeitungen von Hearst untersagten jegliche Erwähnung von Citizen Kane und übten enormen Druck auf die Filmgemeinde in Hollywood aus, um RKO zu zwingen, den Film aus dem Verkehr zu ziehen: 111 RKO-Chef George Schaefer erhielt von Louis B. Mayer von MGM und anderen großen Studiomanagern ein Barangebot, wenn er das Negativ und die vorhandenen Kopien des Films vernichten würde: 112

Während er auf die Veröffentlichung von Citizen Kane wartete, produzierte und inszenierte Welles die Original-Broadway-Produktion von Native Son, einem Drama von Paul Green und Richard Wright, das auf Wrights Roman basiert. Die Show mit Canada Lee in der Hauptrolle lief vom 24. März bis 28. Juni 1941 im St. James Theatre. Die Mercury-Produktion war das letzte Mal, dass Welles und Houseman zusammenarbeiteten: 12

Citizen Kane wurde nur in begrenztem Umfang veröffentlicht, und der Film wurde von der Kritik in den höchsten Tönen gelobt. Er wurde vom National Board of Review und dem New York Film Critics Circle zum besten Film des Jahres 1941 gewählt. Der Film wurde für neun Oscars nominiert, gewann aber nur für das beste Originaldrehbuch, das sich Mankiewicz und Welles teilten. Variety berichtete, dass Citizen Kane aufgrund von Blockabstimmungen durch Statisten keinen Oscar für den besten Film und den besten Schauspieler (Welles) erhielt, und ähnliche Vorurteile waren wahrscheinlich auch dafür verantwortlich, dass der Film keine technischen Auszeichnungen erhielt: 117

Der verspätete Kinostart und die ungleichmäßige Verteilung des Films trugen zu den mittelmäßigen Ergebnissen an den Kinokassen bei. Nachdem der Film in den Kinos gelaufen war, wurde Citizen Kane 1942 in den Tresorraum zurückgezogen. Im Nachkriegsfrankreich wuchs das Ansehen des Films jedoch, nachdem er 1946 zum ersten Mal gezeigt wurde: 117-118 In den Vereinigten Staaten begann man, den Film neu zu bewerten, nachdem er 1956 im Fernsehen zu sehen war. In jenem Jahr wurde er auch wieder in die Kinos gebracht,: 119 und der Filmkritiker Andrew Sarris bezeichnete ihn als „den großen amerikanischen Film“ und „das Werk, das das Kino stärker beeinflusst hat als jeder andere amerikanische Film seit The Birth of a Nation.“ Citizen Kane wird heute weithin als einer der größten Filme aller Zeiten gefeiert.

Die glorreichen Bernsteinkönige

Welles‘ zweiter Film für RKO war The Magnificent Ambersons, den Welles nach dem mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Roman von Booth Tarkington drehte. Da Toland nicht verfügbar war, wurde Stanley Cortez zum Kameramann ernannt. Der akribische Cortez arbeitete langsam, und der Film blieb hinter dem Zeitplan zurück und überschritt das Budget. Vor der Produktion wurde Welles‘ Vertrag neu verhandelt, wodurch ihm das Recht genommen wurde, den endgültigen Schnitt zu kontrollieren. The Magnificent Ambersons wurde vom 28. Oktober 1941 bis zum 22. Januar 1942 gedreht.

Während der Dreharbeiten zu dem Film produzierte Welles auch eine wöchentliche halbstündige Radioserie, die Orson Welles Show. Viele der Darsteller der Ambersons nahmen an der CBS-Radioserie teil, die vom 15. September 1941 bis zum 2. Februar 1942 lief: 525

Die Reise in die Angst

Auf Wunsch von RKO arbeitete Welles an einer Adaption von Eric Amblers Spionagethriller Journey into Fear, den er gemeinsam mit Joseph Cotten schrieb. Welles spielte nicht nur in dem Film mit, sondern war auch der Produzent. Die Regie wurde Norman Foster anvertraut. Welles sagte später, dass sie es so eilig hatten, dass derjenige, der der Kamera am nächsten war, den Regisseur jeder Szene bestimmte: 165

Journey into Fear wurde vom 6. Januar bis 12. März 1942 produziert.

Kriegsarbeit

Ende November 1941 wurde Welles von Nelson Rockefeller, dem US-Koordinator für interamerikanische Angelegenheiten und Hauptaktionär von RKO Radio Pictures, zum Botschafter des guten Willens in Lateinamerika ernannt: 244 Die Aufgabe der OCIAA bestand in der Kulturdiplomatie, der Förderung der hemisphärischen Solidarität und der Bekämpfung des wachsenden Einflusses der Achsenmächte in Lateinamerika. 10-11 John Hay Whitney, Leiter der Motion Picture Division der Agentur, wurde von der brasilianischen Regierung gebeten, einen Dokumentarfilm über die jährliche Karnevalsfeier in Rio zu produzieren, die Anfang Februar 1942 stattfand: 40-41 In einem Telegramm vom 20. Dezember 1941 schrieb Whitney an Welles: „Ich persönlich glaube, dass Sie mit diesem Projekt einen großen Beitrag zur Solidarität in der Hemisphäre leisten würden.“: 65

Die OCIAA sponserte Kulturreisen nach Lateinamerika und ernannte Botschafter des guten Willens, darunter George Balanchine und das American Ballet, Bing Crosby, Aaron Copland, Walt Disney, John Ford und Rita Hayworth. Welles wurde in Washington, D.C., unmittelbar vor seiner Abreise nach Brasilien gründlich informiert, und die Filmwissenschaftlerin Catherine L. Benamou, eine Spezialistin für lateinamerikanische Angelegenheiten, hält es für „nicht unwahrscheinlich“, dass er zu den Botschaftern des guten Willens gehörte, die zusätzlich zu ihren kulturellen Aufgaben auch Informationen für die US-Regierung sammeln sollten. Sie kommt zu dem Schluss, dass Welles‘ Annahme von Whitneys Anfrage „eine logische und offensichtlich patriotische Entscheidung“ war: 245-247

Neben der Arbeit an seinem unglückseligen Filmprojekt It’s All True war Welles für Radiosendungen, Vorträge, Interviews und informelle Gespräche im Rahmen seiner von der OCIAA gesponserten Kulturmission verantwortlich, die als Erfolg angesehen wurde: 192 Er sprach bei Versammlungen der brasilianischen Elite über Themen von Shakespeare bis hin zur bildenden Kunst, und seine beiden interkontinentalen Radiosendungen im April 1942 sollten vor allem dem US-Publikum vermitteln, dass Präsident Vargas ein Partner der Alliierten war. Welles‘ Botschafterauftrag wurde ausgeweitet, um ihm Reisen in andere Länder zu ermöglichen, darunter Argentinien, Bolivien, Chile, Kolumbien, Ecuador, Guatemala, Mexiko, Peru und Uruguay: 247-249, 328 Welles arbeitete mehr als ein halbes Jahr lang ohne Bezahlung: 189

Welles‘ eigene Erwartungen an den Film waren bescheiden. „It’s All True sollte keine Filmgeschichte schreiben, und das war auch nicht beabsichtigt“, sagte er später. „Es sollte eine vollkommen ehrenhafte Ausführung meiner Aufgabe als Botschafter des guten Willens sein, der nördlichen Hemisphäre Unterhaltung zu bringen, die ihnen etwas über die südliche zeigt.“: 253

Im Juli 1941 konzipierte Welles It’s All True als eine Mischung aus Dokumentarfilm und Dokufiktion: 27 in einem Projekt, das die Würde der Arbeit betonte und die kulturelle und ethnische Vielfalt Nordamerikas feierte. Es sollte sein dritter Film für RKO sein, nach Citizen Kane (1941) und The Magnificent Ambersons (1942): 109 Duke Ellington wurde unter Vertrag genommen, um ein Segment mit dem Arbeitstitel „The Story of Jazz“ zu vertonen, das aus Louis Armstrongs Autobiografie Swing That Music (1936) stammt: 232-233 Armstrong sollte sich selbst in der kurzen Dramatisierung der Geschichte des Jazz spielen, von seinen Wurzeln bis zu seinem Platz in der amerikanischen Kultur in den 1940er Jahren: 109 „The Story of Jazz“ sollte im Dezember 1941 in Produktion gehen: 119-120

Mercury Productions kaufte die Geschichten für zwei weitere Segmente – „My Friend Bonito“ und „The Captain’s Chair“ – vom Dokumentarfilmer Robert J. Flaherty: 33, 326 Der von Norman Foster und John Fante adaptierte Film „Mein Freund Bonito“ war das einzige Segment des ursprünglichen Films It’s All True, das in Produktion ging: 109 Die Dreharbeiten fanden von September bis Dezember 1941 in Mexiko statt, wobei Norman Foster unter Welles‘ Aufsicht Regie führte: 311

Im Dezember 1941 bat das Office of the Coordinator of Inter-American Affairs Welles, einen Film in Brasilien zu drehen, der den Karneval in Rio de Janeiro zum Thema haben sollte: 65 Nachdem die Dreharbeiten zu „My Friend Bonito“ zu zwei Dritteln abgeschlossen waren, beschloss Welles, die Geografie von It’s All True zu verlagern und Flahertys Geschichte in einen Omnibus-Film über Lateinamerika einzubinden – und damit die Politik der guten Nachbarn der Roosevelt-Administration zu unterstützen, die Welles nachdrücklich befürwortete. 41, 246 In diesem überarbeiteten Konzept wurde „The Story of Jazz“ durch die Geschichte des Samba ersetzt, eine Musikform mit einer vergleichbaren Geschichte, die Welles faszinierte. Außerdem entschied er sich für eine Episode über die epische Reise von vier armen brasilianischen Fischern, den Jangadeiros, die zu Nationalhelden geworden waren, die aus den Schlagzeilen gerissen wurden. Welles sagte später, dies sei die wertvollste Geschichte: 15

Als er Anfang Februar 1942 den Karneval in Rio de Janeiro filmen musste, beeilte sich Welles, The Magnificent Ambersons zu bearbeiten und seine Schauspielszenen in Journey into Fear zu beenden. Er beendete seine lukrative CBS-Radiosendung: 189 Am 2. Februar flog er zu einer Besprechung nach Washington, D.C., und stellte dann in Miami mit dem Cutter Robert Wise einen Rohschnitt von Ambersons zusammen: 369-370 Welles nahm die Erzählung des Films in der Nacht vor seiner Abreise nach Südamerika auf: „Ich ging gegen vier Uhr morgens in den Vorführraum, machte das Ganze, stieg dann ins Flugzeug und flog nach Rio – und zum Ende der Zivilisation, wie wir sie kennen.“: 115

Welles reiste am 4. Februar nach Brasilien und begann am 8. Februar 1942 mit den Dreharbeiten in Rio: 369-370 Zu diesem Zeitpunkt schien es nicht so, als würden Welles‘ andere Filmprojekte unterbrochen werden, aber wie die Filmhistorikerin Catherine L. Benamou schrieb, „war die Ernennung zum Botschafter der erste in einer Reihe von Wendepunkten, die – eher im „Zickzack“ und „Zack“ als in einer geraden Linie – zu Welles‘ Verlust der vollständigen Kontrolle über die Regie von The Magnificent Ambersons und It’s All True, zur Kündigung seines Vertrags mit dem RKO Radio Studio, zum Ausschluss seiner Firma Mercury Productions vom RKO-Gelände und schließlich zur völligen Einstellung von It’s All True führten“: 46

1942 kam es bei RKO Pictures unter neuer Leitung zu großen Veränderungen. Nelson Rockefeller, der Hauptförderer des Brasilien-Projekts, verließ den Vorstand, und Welles‘ wichtigster Förderer bei RKO, Studiochef George Schaefer, trat zurück. RKO übernahm die Kontrolle über Ambersons und brachte den Film in ein Format, das das Studio für kommerziell hielt. Die Versuche von Welles, seine Version zu schützen, scheiterten letztendlich. In Südamerika bat Welles um Ressourcen für die Fertigstellung von It’s All True. Mit einer begrenzten Menge an Schwarz-Weiß-Filmmaterial und einer Stummfilmkamera konnte er die Episode über die Jangadeiros fertigstellen, aber RKO weigerte sich, die weitere Produktion des Films zu unterstützen.

„Also wurde ich von RKO gefeuert“, erinnerte sich Welles später. „Und sie machten einen großen Werbepunkt aus der Tatsache, dass ich ohne Drehbuch nach Südamerika gegangen war und all dieses Geld weggeworfen hatte. Von diesem Angriff habe ich mich nie wieder erholt.“: 188 Später im Jahr 1942, als RKO Pictures begann, sein neues Firmenmotto „Showmanship In Place of Genius: A New Deal at RKO“ (Ein neuer Deal bei RKO),: 29 verstand Welles dies als eine Anspielung auf ihn:: 188

Nach mehr als sechs Monaten in Südamerika kehrte Welles am 22. August 1942 in die Vereinigten Staaten zurück. Er produzierte und moderierte die ersten zwei Stunden einer siebenstündigen, von Küste zu Küste ausgestrahlten War Bond Drive-Sendung mit dem Titel I Pledge America. Die Sendung, die am 29. August 1942 im Blue Network ausgestrahlt wurde, wurde in Zusammenarbeit mit dem Finanzministerium der Vereinigten Staaten, Western Union (die kostenlos Anleihezeichnungen übermittelte) und den American Women’s Voluntary Services präsentiert. Mit 21 Tanzbands und einer Reihe von Bühnen-, Film- und Radiostars brachte die Sendung mehr als 10 Millionen Dollar ein – heute mehr als 146 Millionen Dollar.

Am 12. Oktober 1942 präsentierte Cavalcade of America Welles‘ Hörspiel Admiral of the Ocean Sea, eine unterhaltsame und sachliche Auseinandersetzung mit der Legende von Christoph Kolumbus.

„Sie stammt aus einer Zeit, in der die Einheit der Hemisphäre von entscheidender Bedeutung war und viele Programme dem gemeinsamen Erbe der Amerikas gewidmet waren“, schreibt der Rundfunkhistoriker Erik Barnouw. „Viele dieser Sendungen wurden ins Spanische und Portugiesische übersetzt und in Lateinamerika ausgestrahlt, um der jahrelangen erfolgreichen Propaganda der Achsenmächte in dieser Region entgegenzuwirken. Die Achsenmächte versuchten, Lateinamerika gegen Angloamerika aufzuhetzen, indem sie ständig die Unterschiede zwischen den beiden Ländern betonten. Die Aufgabe des amerikanischen Rundfunks war es nun, die gemeinsamen Erfahrungen und die wesentliche Einheit hervorzuheben.“: 3

Admiral of the Ocean Sea, auch bekannt als Columbus Day, beginnt mit den Worten „Hallo Amerikaner“ – der Titel, den Welles fünf Wochen später für seine eigene Serie wählen würde: 373

Hello Americans, eine CBS-Radioserie, die vom 15. November 1942 bis zum 31. Januar 1943 ausgestrahlt wurde, wurde von Welles unter der Schirmherrschaft des Office of the Coordinator for Inter-American Affairs produziert, geleitet und moderiert. Die 30-minütige wöchentliche Sendung warb für interamerikanische Verständigung und Freundschaft und stützte sich auf die Recherchen für den unglücklichen Film It’s All True. Die Serie wurde zeitgleich mit Welles‘ anderer CBS-Serie Ceiling Unlimited (9. November 1942 – 1. Februar 1943) produziert, die von der Lockheed-Vega Corporation gesponsert wurde. Die Sendung sollte die Luftfahrtindustrie glorifizieren und ihre Rolle im Zweiten Weltkrieg dramatisieren. Welles‘ Sendungen wurden als wichtige Beiträge zu den Kriegsanstrengungen angesehen: 64

Während des gesamten Krieges arbeitete Welles an patriotischen Radiosendungen wie Command Performance, G.I. Journal, Mail Call, Nazi Eyes on Canada, Stage Door Canteen und Treasury Star Parade.

Anfang 1943 waren die beiden parallel laufenden Radioserien (Ceiling Unlimited, Hello Americans), die Orson Welles für CBS zur Unterstützung der Kriegsanstrengungen geschaffen hatte, beendet. Außerdem waren die Dreharbeiten zur Verfilmung von Jane Eyre 1943 abgeschlossen, und diese Gage, zusätzlich zu den Einnahmen aus seinen regelmäßigen Gastrollen im Radio, ermöglichte es Welles, sich einen Lebenstraum zu erfüllen. Er wandte sich an die War Assistance League of Southern California und schlug eine Show vor, die sich zu einem großen Spektakel entwickelte, das zum Teil Zirkus und zum Teil Zauberei war. Er bot seine Dienste als Zauberkünstler und Regisseur an: 40 und investierte etwa 40.000 Dollar seines eigenen Geldes in eine Extravaganz, die er zusammen mit seinem Freund Joseph Cotten produzierte: Die Mercury Wonder Show for Service Men. Der Eintritt für Angehörige der US-Streitkräfte war frei, während die Allgemeinheit zahlen musste: 26 Die Show unterhielt jeden Abend mehr als 1.000 Soldaten, und die Einnahmen gingen an die War Assistance League, eine Wohltätigkeitsorganisation für Militärangehörige.

Die Entwicklung der Show fiel mit der Klärung von Welles‘ oft wechselndem Einberufungsstatus im Mai 1943 zusammen, als er schließlich aus verschiedenen medizinischen Gründen für 4-F – untauglich für den Militärdienst – erklärt wurde. „Ich fühlte mich schuldig wegen des Krieges“, sagte Welles seiner Biografin Barbara Leaming. „Ich hatte Schuldgefühle wegen meines zivilen Status“: 86 Seit Citizen Kane, als die Hearst-Presse hartnäckig nachfragte, warum Welles nicht eingezogen worden war, wurde er öffentlich auf seinen Patriotismus angesprochen.

Die Mercury Wonder Show fand vom 3. August bis zum 9. September 1943 in einem 80 mal 120 Fuß großen Zelt am 900 Cahuenga Boulevard im Herzen von Hollywood statt: 26

In der Pause am 7. September 1943 interviewte das KMPC-Radio Zuschauer und Darsteller der Mercury Wonder Show – darunter auch Welles und Rita Hayworth, die an diesem Tag geheiratet hatten. Welles bemerkte, dass die Mercury Wonder Show für etwa 48.000 Mitglieder der US-Streitkräfte aufgeführt worden war: 129

Die Idee, eine Radio-Varieté-Show zu machen, kam Welles nach seinem Erfolg als Ersatzmoderator von vier aufeinanderfolgenden Folgen (14. März – 4. April 1943) des Jack Benny Program, der populärsten Radiosendung, als Benny sich auf einer Tournee durch Militärbasen eine Lungenentzündung zuzog. The Orson Welles Almanac, eine halbstündige Varietéshow, die vom 26. Januar bis 19. Juli 1944 im Columbia Pacific Network ausgestrahlt wurde, präsentierte Sketch-Comedy, Zauberei, Gedankenlesen, Musik und Lesungen aus klassischen Werken. Viele der Shows entstanden in US-Militärlagern, wo Welles und seine Repertoiretruppe und Gäste die Truppen mit einer reduzierten Version der Mercury Wonder Show unterhielten. Die Auftritte der All-Star-Jazzgruppe, die Welles für die Show zusammenstellte, waren so beliebt, dass die Band zu einem festen Bestandteil der Show wurde und eine wichtige Rolle bei der Wiederbelebung des Interesses am traditionellen New Orleans Jazz spielte: 85  Am 15. Mai 1944 wurde Welles vom US-Finanzministerium als Sachverständiger für die Dauer des Krieges angestellt und erhielt ein Honorar von 1 Dollar pro Jahr. Auf Empfehlung von Präsident Franklin D. Roosevelt beauftragte Finanzminister Henry Morgenthau Welles mit der Leitung der Fifth War Loan Drive, die am 12. Juni mit einer einstündigen Radiosendung aus Texarkana, Texas, auf allen vier Sendern eröffnet wurde. In der Sendung, die auch eine Erklärung des Präsidenten enthielt, wurden die Ursachen des Krieges dargelegt und die Amerikaner aufgefordert, Anleihen im Wert von 16 Milliarden Dollar zu kaufen, um die Landung in der Normandie und die heftigste Phase des Zweiten Weltkriegs zu finanzieren. Welles produzierte am 14. Juni aus dem Hollywood Bowl und am 16. Juni aus dem Soldier Field in Chicago weitere Sendungen zur Kriegsanleihenkampagne: 371-373 Während der fünften Kriegsanleihenkampagne, die am 8. Juli 1944 endete, kauften die Amerikaner Kriegsanleihen in Höhe von 20,6 Milliarden Dollar.

Welles setzte sich 1944 vehement für Roosevelt ein. Als langjähriger Unterstützer und Wahlkampfredner von FDR schickte er dem Präsidenten gelegentlich Ideen und Phrasen, die manchmal in das eingearbeitet wurden, was Welles als „weniger wichtige Reden“ bezeichnete: 372, 374 Eine dieser Ideen war der Witz in der so genannten Fala-Rede, Roosevelts landesweit ausgestrahlter Rede vom 23. September vor der International Teamsters Union, mit der der Präsidentschaftswahlkampf 1944 eröffnet wurde.

Welles betrieb im Herbst 1944 fast Vollzeit Wahlkampf für das Roosevelt-Truman-Ticket und reiste in fast alle Bundesstaaten: 373-374 auf Kosten seiner eigenen Gesundheit: 219 Zusätzlich zu seinen Radioansprachen vertrat er Roosevelt gegenüber dem republikanischen Präsidentschaftskandidaten Thomas E. Dewey im New York Herald Tribune Forum, das am 18. Oktober im Blue Network ausgestrahlt wurde: 292 Welles begleitete Roosevelt zu seiner letzten Wahlkampfveranstaltung, bei der er am 4. November im Bostoner Fenway Park vor 40.000 Menschen sprach, und nahm am 6. November an einer historischen Wahlkampfsendung teil, die am Wahlabend in allen vier Radiosendern übertragen wurde: 166-167

Am 21. November 1944 begann Welles seine Zusammenarbeit mit This Is My Best, einer CBS-Radioserie, die er kurzzeitig produzierte, leitete, schrieb und moderierte (13. März – 24. April 1945). Von Januar bis November 1945 schrieb er für die New York Post eine politische Kolumne mit dem Titel Orson Welles‘ Almanac (später Orson Welles Today), in der er sich für die Fortsetzung der New-Deal-Politik von Roosevelt und seine internationale Vision einsetzte, insbesondere für die Gründung der Vereinten Nationen und den Weltfrieden: 84

Am 12. April 1945, dem Tag, an dem Franklin D. Roosevelt starb, versammelte das Blue-ABC-Network seine gesamte Führungsriege und nationale Führungskräfte, um dem verstorbenen Präsidenten zu huldigen. „Zu den herausragenden Programmen, die große Aufmerksamkeit auf sich zogen, gehörte eine besondere Hommage von Orson Welles“, berichtete das Broadcasting Magazine. Welles sprach um 22.10 Uhr östlicher Kriegszeit aus Hollywood und betonte, wie wichtig es sei, das Werk von FDR fortzusetzen: „Er braucht keine Huldigung, und wir, die ihn liebten, haben keine Zeit für Tränen … Unsere kämpfenden Söhne und Brüder können heute Abend nicht innehalten, um den Tod desjenigen zu begehen, dessen Name dem Zeitalter, in dem wir leben, gegeben werden wird.“

Am folgenden Abend präsentierte Welles eine weitere Sondersendung zum Tod von Roosevelt: „Wir müssen über den bloßen Tod hinausgehen und zu jener freien Welt gelangen, die die Hoffnung und die Arbeit seines Lebens war.“: 242

Die Folge vom 17. April von This Is My Best widmete er Roosevelt und der Zukunft Amerikas am Vorabend der Konferenz der Vereinten Nationen über die internationale Organisation. Welles war Berater und Korrespondent des Blue-ABC-Radionetzes bei der Berichterstattung über die Konferenz in San Francisco, auf der die UNO gegründet wurde und die vom 24. April bis 23. Juni 1945 stattfand. Am Eröffnungstag der Konferenz präsentierte er ein halbstündiges dramatisches Programm, das von Ben Hecht geschrieben wurde, und am Sonntagnachmittag (29. April – 10. Juni) leitete er eine wöchentliche Diskussion im San Francisco Civic Auditorium.

Der Fremde

Im Herbst 1945 begann Welles mit der Arbeit an The Stranger (1946), einem Film-Noir-Drama über einen Kriegsverbrecher-Ermittler, der einen hochrangigen Nazi-Flüchtling in einer idyllischen Stadt in Neuengland aufspürt. Edward G. Robinson, Loretta Young und Welles spielen die Hauptrollen.

Der Produzent Sam Spiegel wollte ursprünglich den Regisseur John Huston engagieren, der das Drehbuch von Anthony Veiller umgeschrieben hatte. Als Huston zum Militär ging, erhielt Welles die Chance, Regie zu führen und zu beweisen, dass er in der Lage war, einen Film termingerecht und unter Budget zu drehen: 19 – worauf er so erpicht war, dass er einen nachteiligen Vertrag akzeptierte. Eines der Zugeständnisse war, dass er sich bei kreativen Streitigkeiten dem Studio unterordnen würde..: 309-310

The Stranger war Welles‘ erste Arbeit als Filmregisseur seit vier Jahren..: 391 Ihm wurde gesagt, dass er, wenn der Film erfolgreich sei, einen Vertrag über vier Filme mit International Pictures unterzeichnen könne, um Filme seiner eigenen Wahl zu drehen: 379 Welles erhielt ein gewisses Maß an kreativer Kontrolle,: 19 und er bemühte sich, dem Film eine persönliche Note zu geben und einen alptraumhaften Ton zu entwickeln.: 2:30 Er arbeitete an der allgemeinen Neufassung des Drehbuchs und schrieb zu Beginn des Films Szenen, die zwar gedreht, aber anschließend von den Produzenten herausgeschnitten wurden.: 186 Er drehte in langen Einstellungen, die die Kontrolle, die dem Cutter Ernest J. Nims gemäß den Vertragsbedingungen zugestanden wurde, weitgehend vereitelten.: 15:45

The Stranger war der erste kommerzielle Film, der Dokumentarfilmmaterial aus den Konzentrationslagern der Nazis verwendete. Welles hatte das Filmmaterial Anfang Mai 1945 gesehen: 56 als Korrespondent und Diskussionsleiter bei der UN-Konferenz für Internationale Organisation: 304 In seiner Kolumne in der New York Post vom 7. Mai 1945 schrieb er über die Holocaust-Aufnahmen: 56-57

Er wurde einen Tag früher als geplant und unter dem Budget fertiggestellt: 379-380 The Stranger war der einzige Film von Welles, der bei seinem Erscheinen ein echter Kassenerfolg war. Seine Kosten betrugen 1,034 Millionen Dollar; 15 Monate nach seiner Veröffentlichung hatte er 3,216 Millionen Dollar eingespielt. Wenige Wochen nach der Fertigstellung des Films zog sich International Pictures aus dem versprochenen Vier-Filme-Vertrag mit Welles zurück. Ein Grund wurde nicht genannt, aber es entstand der Eindruck, dass The Stranger kein Geld einspielen würde: 381

Rund um die Welt

Im Sommer 1946 zog Welles nach New York, um das Broadway-Musical Around the World zu inszenieren, eine Bühnenadaption des Jules-Verne-Romans Around the World in Eighty Days mit einem Buch von Welles und Musik von Cole Porter. Der Produzent Mike Todd, der später die erfolgreiche Verfilmung von 1956 produzieren sollte, zog sich aus der aufwendigen und teuren Produktion zurück und überließ Welles die Finanzierung. Als Welles das Geld ausging, überzeugte er den Präsidenten von Columbia Pictures, Harry Cohn, genug Geld zu schicken, um die Show fortzusetzen, und im Gegenzug versprach Welles, für Cohn einen Film zu schreiben, zu produzieren, Regie zu führen und die Hauptrolle zu spielen, ohne dass er dafür ein weiteres Honorar erhalten würde. Die Bühnenshow scheiterte bald an den schlechten Einspielergebnissen, und Welles konnte die Verluste nicht steuerlich geltend machen.

Radio (1946)

1946 begann Welles mit zwei neuen Radioserien – dem Mercury Summer Theatre of the Air für CBS und den Orson Welles Commentaries für ABC. Während das Mercury Summer Theatre halbstündige Adaptionen einiger klassischer Mercury-Radioshows aus den 1930er Jahren enthielt, war die erste Folge eine Zusammenfassung seines Bühnenstücks Around the World und ist die einzige Aufzeichnung der Musik von Cole Porter für das Projekt. Mehrere Mercury-Darsteller kehrten für die Serie zurück, ebenso wie Bernard Herrmann. Welles investierte seine Einnahmen in sein scheiterndes Theaterstück. Commentaries war für ihn ein politisches Vehikel, das die Themen seiner Kolumne in der New York Post aufgriff. Wieder fehlte Welles ein klarer Fokus, bis die NAACP ihn auf den Fall Isaac Woodard aufmerksam machte. Welles lenkte die Aufmerksamkeit auf Woodards Anliegen.

Die letzte Sendung von Orson Welles‘ Kommentaren am 6. Oktober 1946 markierte das Ende von Welles‘ eigenen Radiosendungen: 401

Die Dame aus Shanghai

Der Film, den Welles als Gegenleistung für Harry Cohns Hilfe bei der Finanzierung der Bühnenproduktion Around the World drehen musste, war The Lady from Shanghai, der 1947 für Columbia Pictures gedreht wurde. Der Film war als bescheidener Thriller geplant, doch das Budget wurde in die Höhe geschraubt, nachdem Cohn vorgeschlagen hatte, Welles‘ damals entfremdete zweite Ehefrau Rita Hayworth für die Hauptrolle zu gewinnen.

Cohn missfiel Welles‘ Rohschnitt, insbesondere die verwirrende Handlung und das Fehlen von Nahaufnahmen, und er war nicht einverstanden mit Welles‘ Brecht’scher Verwendung von Ironie und schwarzer Komik, insbesondere in einer absurden Gerichtsszene. Cohn ordnete umfangreiche Bearbeitungen und Neudrehs an. Nach einer umfangreichen Bearbeitung durch das Studio wurde etwa eine Stunde von Welles‘ erstem Schnitt entfernt, einschließlich eines Großteils einer klimatischen Konfrontationsszene in einem Vergnügungspark. Welles äußerte zwar seinen Unmut über die Kürzungen, war aber vor allem über die Filmmusik entsetzt. Der Film wurde zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung in Amerika als Katastrophe angesehen, obwohl die abschließende Schießerei in einem Spiegelsaal (die Verwendung von Spiegeln ist ein wiederkehrendes Motiv von Welles) seitdem zu einem Prüfstein des Film Noir geworden ist. Kurz nach der Veröffentlichung des Films schlossen Welles und Hayworth ihre Scheidung ab.

Obwohl The Lady from Shanghai in Europa hochgelobt wurde, fand er in den USA erst Jahrzehnte später Anklang, wo er heute oft als Klassiker des Film Noir angesehen wird. Ähnlich unterschiedlich wurde der von Welles inspirierte Chaplin-Film Monsieur Verdoux auf beiden Seiten des Atlantiks aufgenommen. Ursprünglich sollte Welles Regie führen und Chaplin in der Hauptrolle spielen, dann führte Chaplin Regie, wobei die Idee Welles zugeschrieben wurde.

Macbeth

Vor 1948 überzeugte Welles Republic Pictures, ihn bei einer Low-Budget-Version von Macbeth Regie führen zu lassen, die mit stark stilisierten Kulissen und Kostümen ausgestattet war und bei der die Schauspieler zu einem vorab aufgenommenen Soundtrack Lippensynchronisationen vortrugen – eine von vielen innovativen Sparmaßnahmen, mit denen Welles versuchte, aus B-Movie-Ressourcen einen epischen Film zu machen. Das von Welles adaptierte Drehbuch ist eine gewaltsame Überarbeitung von Shakespeares Original, bei der Zeilen mit Hilfe einer Collagetechnik frei ausgeschnitten und in neue Kontexte eingefügt werden und Macbeth als Zusammenstoß heidnischer und urchristlicher Ideologien dargestellt wird. Einige Voodoo-Elemente des berühmten Welles

Republic hat den Film zunächst als wichtiges Werk angepriesen, sich aber gegen die schottischen Akzente entschieden und die Veröffentlichung fast ein Jahr lang hinausgezögert, nachdem die Presse zunächst negativ reagiert hatte, u. a. mit dem Kommentar von Life, Welles‘ Film „schlachte Shakespeare auf üble Weise ab“. Welles reiste nach Europa, während sein Mitproduzent und lebenslanger Unterstützer Richard Wilson den Soundtrack überarbeitete. Welles kehrte zurück und schnitt auf Wunsch von Republic 20 Minuten aus dem Film heraus und nahm eine Erzählung auf, um einige Lücken zu schließen. Der Film wurde als Katastrophe verschrien. Macbeth hatte in Europa einflussreiche Fans, insbesondere den französischen Dichter und Filmemacher Jean Cocteau, der die „krude, respektlose Kraft“ des Films und die sorgfältige Bildgestaltung lobte und die Figuren als „die Gänge einer traumhaften U-Bahn, eine verlassene Kohlenmine und verfallene Keller, aus denen das Wasser tropft“ beschrieb.

In Italien spielte er 1948 die Rolle des Cagliostro in dem Film Black Magic. Sein Co-Star, Akim Tamiroff, beeindruckte Welles so sehr, dass Tamiroff in den 1950er und 1960er Jahren in vier von Welles‘ Produktionen auftrat.

Im folgenden Jahr spielte Welles die Rolle des Harry Lime in Carol Reeds Der dritte Mann an der Seite von Joseph Cotten, seinem Freund und Co-Star aus Citizen Kane, mit einem Drehbuch von Graham Greene und einer denkwürdigen Musik von Anton Karas.

Ein paar Jahre später ließ der britische Radioproduzent Harry Alan Towers die Figur des Lime in der Radioserie The Adventures of Harry Lime wieder aufleben.

Welles spielte 1949 die Rolle des Cesare Borgia in dem italienischen Film Prinz der Füchse mit Tyrone Power und dem Mercury-Theater-Absolventen Everett Sloane und 1950 den Mongolenkrieger Bayan in der Verfilmung des Romans Die schwarze Rose (ebenfalls mit Tyrone Power).

Othello

In dieser Zeit steckte Welles sein Geld aus Schauspieljobs in eine selbstfinanzierte Verfilmung von Shakespeares Othello. Von 1949 bis 1951 arbeitete Welles an Othello und drehte vor Ort in Italien und Marokko. In dem Film spielten Welles‘ Freunde Micheál Mac Liammóir als Jago und Hilton Edwards als Desdemonas Vater Brabantio mit. Suzanne Cloutier spielte die Hauptrolle der Desdemona und Robert Coote, ein ehemaliger Schüler des Campbell Playhouse, trat als Jago’s Partner Roderigo auf.

Die Dreharbeiten wurden mehrmals unterbrochen, da Welles die finanziellen Mittel ausgingen und er sich für Schauspieljobs entschied, worüber MacLiammóir in seinen veröffentlichten Memoiren Put Money in Thy Purse ausführlich berichtet. Die amerikanischen Kopien hatten eine technisch mangelhafte Tonspur, die in jedem ruhigen Moment einen Tonausfall aufwies. Welles‘ Tochter, Beatrice Welles-Smith, restaurierte Othello im Jahr 1992 für eine breite Wiederveröffentlichung. Die Restaurierung umfasste die Rekonstruktion der Originalmusik von Angelo Francesco Lavagnino, die ursprünglich unhörbar war, und die Hinzufügung von Stereotoneffekten, die im Originalfilm nicht vorhanden waren. Die Restaurierung wurde in Amerika erfolgreich in die Kinos gebracht.

1952 fand Welles nach dem Erfolg der Harry-Lime-Radioshow weiterhin Arbeit in England. Harry Alan Towers bot Welles eine weitere Serie an, The Black Museum, die 52 Wochen lang mit Welles als Moderator und Erzähler lief. Regisseur Herbert Wilcox bot Welles die Rolle des ermordeten Opfers in Trent’s Last Case an, die auf dem Roman von E. C. Bentley basiert. 1953 engagierte die BBC Welles, um eine Stunde lang Auszüge aus Walt Whitmans epischem Gedicht Song of Myself zu lesen. Towers engagierte Welles erneut für die Rolle des Professor Moriarty in der Radioserie The Adventures of Sherlock Holmes mit John Gielgud und Ralph Richardson in den Hauptrollen.

Welles kehrte kurz nach Amerika zurück, um seinen ersten Auftritt im Fernsehen zu absolvieren. Er spielte die Hauptrolle in der Omnibus-Präsentation von King Lear, die am 18. Oktober 1953 live auf CBS gesendet wurde. Unter der Regie von Peter Brook spielten Natasha Parry, Beatrice Straight und Arnold Moss in dieser Produktion mit.

1954 bot der Regisseur George More O’Ferrall Welles die Titelrolle in „Lord Mountdrago“ in „Drei Mordfälle“ an, in der er mit Alan Badel spielte. Herbert Wilcox besetzte Welles als Antagonist in Trouble in the Glen mit Margaret Lockwood, Forrest Tucker und Victor McLaglen. Sein alter Freund John Huston besetzte ihn 1956 als Father Mapple in seiner Verfilmung von Herman Melvilles Moby-Dick mit Gregory Peck in der Hauptrolle.

Herr Arkadin

Welles‘ nächste Regiearbeit war der Film Mr. Arkadin (1955), der von seinem politischen Mentor aus den 1940er Jahren, Louis Dolivet, produziert wurde. Er wurde in Frankreich, Deutschland, Spanien und Italien mit einem sehr begrenzten Budget gedreht. In der Hauptrolle spielt Welles einen Milliardär, der einen Mann anheuert, der die Geheimnisse seiner Vergangenheit erforschen soll. In den Hauptrollen spielen Robert Arden, der an der Harry-Lime-Serie mitgearbeitet hatte, Welles‘ dritte Ehefrau Paola Mori, deren Stimme von der Schauspielerin Billie Whitelaw synchronisiert wurde, sowie die Gaststars Akim Tamiroff, Michael Redgrave, Katina Paxinou und Mischa Auer. Aus Frustration über seine langsamen Fortschritte im Schneideraum zog Produzent Dolivet Welles aus dem Projekt heraus und stellte den Film ohne ihn fertig. Letztendlich wurden fünf verschiedene Versionen des Films veröffentlicht, zwei auf Spanisch und drei auf Englisch. Die Version, die Dolivet fertigstellte, wurde in Confidential Report umbenannt. Im Jahr 2005 überwachte Stefan Droessler vom Münchner Filmmuseum eine Rekonstruktion der erhaltenen Filmelemente.

Projekte im Bereich Fernsehen

1955 führte Welles auch Regie bei zwei Fernsehserien für die BBC. Die erste war Orson Welles‘ Sketch Book, eine Serie von sechs 15-minütigen Sendungen, in denen Welles in einem Skizzenbuch zeichnete, um seine Erinnerungen für die Kamera zu illustrieren (darunter Themen wie die Dreharbeiten zu It’s All True und der Fall Isaac Woodard), und die zweite war Around the World with Orson Welles, eine Serie von sechs Reiseberichten, die an verschiedenen Orten in Europa spielten (z. B. in Wien, im Baskenland zwischen Frankreich und Spanien und in England). Welles fungierte als Gastgeber und Interviewer, wobei er sowohl dokumentarische Fakten als auch seine eigenen persönlichen Beobachtungen einfließen ließ (eine Technik, die er auch in späteren Werken anwenden sollte).

In Episode 3 von Sketchbook greift Welles bewusst den Missbrauch von Polizeigewalt in der ganzen Welt an. Zu Beginn der Episode erzählt er die Geschichte von Isaac Woodard, einem afroamerikanischen Veteranen des Südpazifiks während des Zweiten Weltkriegs, der von einem Busfahrer fälschlicherweise beschuldigt wird, betrunken und ordnungswidrig zu sein, woraufhin ein Polizist den Mann aus dem Bus entfernt. Woodard wird nicht sofort verhaftet, sondern fast bis zur Bewusstlosigkeit geschlagen, und als er schließlich das Bewusstsein wiedererlangt, ist er dauerhaft geblendet. Als die Ärzte der US-Armee ihn drei Wochen später auffinden, kann nichts mehr getan werden. Welles versichert dem Publikum, dass er sich persönlich darum gekümmert hat, dass diesem Polizisten Gerechtigkeit widerfährt, obwohl er nicht erwähnt, welche Art von Gerechtigkeit ihm widerfahren ist. Welles führt dann weitere Beispiele dafür an, dass die Polizei mehr Macht und Befugnisse erhält, als nötig ist. Der Titel dieser Folge lautet „Die Polizei“.

1956 stellte Welles das Porträt von Gina fertig. Die einzige Kopie des Films ließ er in seinem Zimmer im Hôtel Ritz in Paris zurück. Die Filmdosen blieben mehrere Jahrzehnte lang in einem Fundbüro des Hotels, wo sie 1986, nach Welles‘ Tod, entdeckt wurden.

Im Jahr 1956 kehrte Welles nach Hollywood zurück.

Er begann mit den Dreharbeiten zu einem geplanten Pilotfilm für Desilu, das Lucille Ball und ihrem Mann Desi Arnaz gehörte, die vor kurzem die ehemaligen RKO-Studios gekauft hatten. Der Film hieß The Fountain of Youth (Der Jungbrunnen), basierend auf einer Geschichte von John Collier. Ursprünglich wurde der Film als Pilotfilm für untauglich befunden und erst 1958 ausgestrahlt – und gewann den Peabody Award für hervorragende Leistungen.

Welles hatte Gastauftritte in Fernsehsendungen wie I Love Lucy. Im Radio war er Sprecher von Tomorrow (17. Oktober 1956), einem Drama über einen nuklearen Holocaust, das von ABC und der Federal Civil Defense Administration produziert und syndiziert wurde.

Welles‘ nächste Filmrolle war 1957 in Man in the Shadow für Universal Pictures, mit Jeff Chandler in der Hauptrolle.

Der Hauch des Bösen

Welles blieb bei Universal, um Regie zu führen (und mit Charlton Heston die Hauptrolle in dem Film Touch of Evil von 1958 zu spielen, der auf Whit Mastersons Roman Badge of Evil basiert. Ursprünglich nur als Schauspieler angestellt, wurde Welles auf Drängen von Charlton Heston von den Universal Studios zum Regisseur befördert: 154 Der Film brachte viele Schauspieler und Techniker wieder zusammen, mit denen Welles in den 1940er Jahren in Hollywood zusammengearbeitet hatte, darunter Kameramann Russell Metty (Der Fremde), Maskenbildner Maurice Seiderman (Citizen Kane) und die Schauspieler Joseph Cotten, Marlene Dietrich und Akim Tamiroff. Die Dreharbeiten verliefen reibungslos, Welles beendete den Film termingerecht und im Rahmen des Budgets, und die Studiobosse lobten die täglichen Eilaufträge. Nach dem Ende der Produktion überarbeitete das Studio den Film, drehte Szenen neu und drehte neue Expositionsszenen, um die Handlung zu verdeutlichen: 175-176 Welles schrieb ein 58-seitiges Memo, in dem er Vorschläge und Einwände darlegte und erklärte, dass der Film nicht mehr seine Version sei, sondern die des Studios, aber als solche sei er immer noch bereit, dabei zu helfen: 175-176

Im Jahr 1978 wurde eine längere Vorabversion des Films entdeckt und veröffentlicht.

Während Universal „Touch of Evil“ überarbeitete, begann Welles in Mexiko mit den Dreharbeiten zu seiner Verfilmung von Miguel de Cervantes‘ Roman „Don Quijote“ mit Mischa Auer als Quijote und Akim Tamiroff als Sancho Panza in den Hauptrollen.

Er setzte die Dreharbeiten zu Don Quijote in Spanien und Italien fort, ersetzte jedoch Mischa Auer durch Francisco Reiguera und nahm seine Arbeit als Schauspieler wieder auf. In Italien inszenierte Welles 1959 seine eigenen Szenen als König Saul in Richard Pottiers Film David und Goliath. In Hongkong spielte er an der Seite von Curt Jürgens in Lewis Gilberts Film Ferry to Hong Kong. 1960 spielte er in Paris die Hauptrolle in Richard Fleischers Film Crack in the Mirror. In Jugoslawien spielte er in Richard Thorpes Film The Tartars und Veljko Bulajićs Battle of Neretva.

In den 1960er Jahren wurden die Dreharbeiten zu Quijote bis zum Ende des Jahrzehnts immer wieder unterbrochen, da Welles das Konzept, den Ton und das Ende mehrmals änderte. Obwohl er mindestens einmal eine vollständige Version des Films gedreht und geschnitten hatte, spielte er bis in die 1980er Jahre hinein mit dem Schnitt herum. Er stellte nie eine Version des Films fertig, mit der er vollständig zufrieden war, und verwarf vorhandenes Material und drehte neues Material. (In einem Fall hatte er einen kompletten Schnitt fertig, in dem Quijote und Sancho Panza am Ende zum Mond fliegen, aber er war der Meinung, dass das Ende durch die Mondlandung von 1969 obsolet geworden war, und verbrannte 10 Rollen dieser Version.) Im Laufe des Prozesses sprach Welles nach und nach alle Figuren selbst ein und lieferte die Erzählung. 1992 erstellte der Regisseur Jesús Franco einen Film aus den von Welles zurückgelassenen Teilen von Quijote. Das Filmmaterial war zum Teil stark verwittert. Während das Welles-Material mit Interesse aufgenommen wurde, stieß die Nachbearbeitung durch Franco auf harsche Kritik.

1961 führte Welles Regie bei In the Land of Don Quixote, einer Serie von acht halbstündigen Episoden für den italienischen Fernsehsender RAI. Ähnlich wie bei der Serie Around the World with Orson Welles wurden Reiseberichte über Spanien gezeigt, an denen auch Welles‘ Frau Paola und die gemeinsame Tochter Beatrice teilnahmen. Obwohl Welles fließend Italienisch sprach, war der Sender wegen seines Akzents nicht daran interessiert, dass er die italienische Sprache spricht, und so blieb die Serie bis 1964 unveröffentlicht, bis der Sender seine eigene italienische Sprache einführte. Schließlich wurden Versionen der Episoden mit der von Welles genehmigten Originalmusik, aber ohne die Erzählung veröffentlicht.

Der Prozess

1962 führte Welles Regie bei seiner Verfilmung von Der Prozess, die auf dem Roman von Franz Kafka basiert und von Michael und Alexander Salkind produziert wurde. Zur Besetzung gehörten Anthony Perkins als Josef K., Jeanne Moreau, Romy Schneider, Paola Mori und Akim Tamiroff. Während der Außenaufnahmen in Zagreb wurde Welles darüber informiert, dass den Salkinds das Geld ausgegangen war, was bedeutete, dass kein Set gebaut werden konnte. Welles, dem es nicht fremd war, an gefundenen Orten zu drehen, drehte die Innenaufnahmen bald im Gare d’Orsay, einem damals verlassenen Bahnhof in Paris. Welles war der Meinung, dass dieser Ort einen „Jules-Verne-Modernismus“ und ein melancholisches Gefühl des „Wartens“ ausstrahlte, beides passend für Kafka. Um im Geiste Kafkas zu bleiben, richtete Welles den Schneideraum zusammen mit dem Cutter Frederick Muller (als Fritz Muller) in dem alten, unbenutzten, kalten und deprimierenden Büro des Bahnhofsvorstehers ein. Der Film scheiterte an den Kinokassen. Peter Bogdanovich bemerkte später, dass Welles den Film zum Brüllen komisch fand. Außerdem sagte Welles in einem BBC-Interview, es sei sein bester Film. Während der Dreharbeiten zu The Trial lernte Welles Oja Kodar kennen, der später für die letzten 20 Jahre seines Lebens sein Partner und Mitarbeiter wurde: 428

Welles spielte einen Filmregisseur in La Ricotta (1963), Pier Paolo Pasolinis Teil des Ro.Go.Pa.G.-Films, obwohl seine berühmte Stimme von dem italienischen Schriftsteller Giorgio Bassani synchronisiert wurde: 516 Er nahm weiterhin jede Arbeit an, die er als Schauspieler, Sprecher oder Moderator anderer Leute finden konnte, und begann mit den Dreharbeiten zu Chimes at Midnight, die 1965 abgeschlossen wurden.

Glockenspiel um Mitternacht

Der in Spanien gedrehte Film Chimes at Midnight basiert auf Welles‘ Theaterstück Five Kings, in dem er aus sechs Shakespeare-Stücken die Geschichte von Sir John Falstaff (Welles) und seiner Beziehung zu Prinz Hal erzählt (die von Ralph Richardson gesprochene Erzählung des Films stammt von dem Chronisten Raphael Holinshed). 249 Welles schätzt den Film sehr: „Es ist mein Lieblingsfilm, ja. Wenn ich mit einem einzigen Film in den Himmel kommen wollte, würde ich diesen Film vorschlagen“: 203

1966 führte Welles bei einem Film für das französische Fernsehen Regie, einer Verfilmung von Die unsterbliche Geschichte von Karen Blixen. In dem 1968 veröffentlichten Film spielen Jeanne Moreau, Roger Coggio und Norman Eshley mit. Der Film lief erfolgreich in den französischen Kinos. Zu dieser Zeit traf Welles Oja Kodar wieder und übergab ihr einen Brief, den er ihr geschrieben und vier Jahre lang aufbewahrt hatte; sie würden sich nicht wieder trennen. Sofort begannen sie eine persönliche und berufliche Zusammenarbeit. Das erste Projekt war eine Verfilmung von Blixens Die Heldin, die als Begleitstück zu Die unsterbliche Geschichte gedacht war und in der Kodar die Hauptrolle spielen sollte. Leider wurde die Finanzierung nach einem Drehtag eingestellt. Nach der Fertigstellung dieses Films trat er in einem kurzen Cameo-Auftritt als Kardinal Wolsey in Fred Zinnemanns Verfilmung von Ein Mann für alle Fälle auf – eine Rolle, für die er viel Beifall erhielt.

1967 begann Welles mit der Regie von The Deep, der auf dem Roman Dead Calm von Charles Williams basiert und vor der jugoslawischen Küste gedreht wurde. Zu den Darstellern gehören Jeanne Moreau, Laurence Harvey und Kodar. Welles und Kodar finanzierten das Projekt persönlich, konnten es aber nicht zu Ende führen, so dass es einige Jahre später nach dem Tod von Harvey aufgegeben wurde. Das überlebende Filmmaterial wurde schließlich vom Filmmuseum München bearbeitet und veröffentlicht. 1968 begann Welles mit den Dreharbeiten zu einem TV-Special für CBS unter dem Titel Orson’s Bag, einer Kombination aus Reisebericht, Comedy-Sketchen und einer Zusammenfassung von Shakespeares Stück Der Kaufmann von Venedig mit Welles als Shylock. 1969 rief Welles erneut den Filmeditor Frederick Muller an, um mit ihm an der Überarbeitung des Materials zu arbeiten, und sie richteten in den Safa Palatino Studios in Rom Schnitträume ein. Die von CBS an Welles in der Schweiz gesendeten Gelder für die Show wurden von der Steuerbehörde beschlagnahmt. Ohne die Finanzierung wurde die Show nicht fertig gestellt. Die überlebenden Teile der Filmausschnitte wurden schließlich vom Filmmuseum München freigegeben.

1969 genehmigte Welles die Verwendung seines Namens für ein Kino in Cambridge, Massachusetts. Das Orson Welles Cinema blieb bis 1986 in Betrieb, wobei Welles 1977 persönlich dort auftrat. Ebenfalls 1969 spielte er eine Nebenrolle in John Hustons The Kremlin Letter. Aufgrund zahlreicher Angebote für Fernseh- und Filmarbeiten und eines Skandals in der Boulevardpresse, in dem über seine Affäre mit Kodar berichtet wurde, gab Welles die Bearbeitung von Don Quijote auf und zog 1970 zurück nach Amerika.

Welles kehrte nach Hollywood zurück, wo er seine Film- und Fernsehprojekte weiterhin selbst finanzierte. Neben weiteren Angeboten als Schauspieler, Erzähler und Moderator war Welles auch in Fernseh-Talkshows sehr gefragt. Er trat häufig bei Dick Cavett, Johnny Carson, Dean Martin und Merv Griffin auf.

In seinen letzten Lebensjahren konzentrierte sich Welles vor allem auf The Other Side of the Wind, ein Projekt, das mit Unterbrechungen zwischen 1970 und 1976 gedreht wurde. Der Film, der von Welles und Oja Kodar gemeinsam geschrieben wurde, erzählt die Geschichte eines alternden Regisseurs (John Huston), der nach Mitteln sucht, um seinen letzten Film fertigzustellen. Zu den Darstellern gehören Peter Bogdanovich, Susan Strasberg, Norman Foster, Edmond O’Brien, Cameron Mitchell und Dennis Hopper. Der Film wurde von iranischen Geldgebern finanziert und geriet nach der Absetzung des Schahs von Iran in einen juristischen Sumpf. Aufgrund der Rechtsstreitigkeiten blieb der Film bis Anfang 2017 unvollendet und wurde schließlich im November 2018 veröffentlicht.

Welles spielte 1970 in dem Film Waterloo den französischen König Ludwig XVIII. und sprach die Anfangs- und Endszenen der historischen Komödie Start the Revolution Without Me (1970).

1971 führte Welles Regie bei einer kurzen Adaption von Moby-Dick, einer Ein-Mann-Performance auf einer nackten Bühne, die an seine Bühnenproduktion Moby Dick – Rehearsed von 1955 erinnert. Der Film wurde nie vollendet, wurde aber vom Filmmuseum München veröffentlicht. Außerdem spielte er in Ten Days‘ Wonder mit Anthony Perkins unter der Regie von Claude Chabrol (der sich mit einer kleinen Rolle in Other Wind revanchierte), der auf einem Kriminalroman von Ellery Queen basiert. Im selben Jahr verlieh ihm die Academy of Motion Picture Arts and Sciences den Academy Honorary Award „for superlative artistry and versatility in the creation of motion pictures“. Welles gab vor, nicht in der Stadt zu sein, und schickte John Huston, um den Preis entgegenzunehmen und der Academy per Film zu danken. In seiner Rede kritisierte Huston die Akademie dafür, dass sie den Preis verliehen hatte, während sie sich weigerte, Welles‘ Projekte zu unterstützen.

1972 fungierte Welles als Erzähler für die Filmdokumentation von Alvin Tofflers Buch Future Shock (1970). Wiederum im Auftrag eines britischen Produzenten spielte Welles die Rolle des Long John Silver in Treasure Island (1972) von Regisseur John Hough, einer Adaption des Romans von Robert Louis Stevenson, der 1938 als zweite Geschichte vom Mercury Theatre on the Air ausgestrahlt worden war. Dies war das letzte Mal, dass er die Hauptrolle in einem großen Film spielte. Welles trug auch zum Drehbuch bei, obwohl er unter dem Pseudonym „O. W. Jeeves‘. In einigen Versionen des Films wurde Welles‘ ursprünglich aufgenommener Dialog von Robert Rietty neu synchronisiert.

1973 stellte Welles F für Fake fertig, einen persönlichen Essayfilm über den Kunstfälscher Elmyr de Hory und den Biografen Clifford Irving. Der Film basiert auf einem bestehenden Dokumentarfilm von François Reichenbach und enthält neues Material mit Oja Kodar, Joseph Cotten, Paul Stewart und William Alland. Für den Film wurde ein Ausschnitt aus Welles‘ „Krieg der Welten“-Sendung aus den 1930er Jahren nachgestellt; allerdings stimmt keiner der Dialoge, die im Film zu hören sind, mit dem überein, was ursprünglich gesendet wurde. Welles drehte einen fünfminütigen Trailer, der in den USA abgelehnt wurde und in dem mehrere Aufnahmen einer barbusigen Kodar zu sehen sind.

In der Fernsehsaison 1973/74 moderierte Welles eine britische Anthologieserie mit dem Titel Orson Welles‘ Great Mysteries. Seine kurzen Einführungen zu den 26 halbstündigen Episoden wurden im Juli 1973 von Gary Graver gedreht:: 443 Im Jahr 1974 lieh Welles auch seine Stimme für die Neuverfilmung von Agatha Christies Krimiklassiker Zehn kleine Indianer, die von seinem ehemaligen Mitarbeiter Harry Alan Towers produziert wurde und in der eine internationale Besetzung mit Oliver Reed, Elke Sommer und Herbert Lom mitwirkte.

1975 sprach Welles in dem Dokumentarfilm Bugs Bunny: Superstar, der sich auf die Cartoons von Warner Bros. aus den 1940er Jahren konzentriert. Ebenfalls 1975 verlieh das American Film Institute Welles seinen dritten Lifetime Achievement Award (die ersten beiden gingen an den Regisseur John Ford und den Schauspieler James Cagney). Bei der Zeremonie zeigte Welles zwei Szenen aus dem fast fertigen Film The Other Side of the Wind.

1976 erwarb Paramount Television die Rechte an allen Nero-Wolfe-Geschichten von Rex Stout für Orson Welles. Welles hatte einst eine Reihe von Nero-Wolfe-Filmen drehen wollen, doch Rex Stout – der nach zwei enttäuschenden Filmen aus den 1930er Jahren zu Lebzeiten Hollywood-Verfilmungen gegenüber misstrauisch war – hatte ihn abgewiesen. Paramount plante, mit einem ABC-Fernsehfilm zu beginnen und hoffte, Welles davon zu überzeugen, die Rolle in einer Miniserie fortzusetzen. Frank D. Gilroy wurde als Drehbuchautor und Regisseur für den TV-Film verpflichtet, mit der Zusicherung, dass Welles die Hauptrolle spielen würde, doch im April 1977 stieg Welles aus. 1980 berichtete die Associated Press von der „eindeutigen Möglichkeit“, dass Welles in einer Nero-Wolfe-Fernsehserie für das NBC-Fernsehen mitspielen würde. Auch hier stieg Welles wegen kreativer Differenzen aus dem Projekt aus, und die Rolle wurde mit William Conrad besetzt: 87-88

1979 stellte Welles seinen Dokumentarfilm Filming Othello fertig, in dem Michael MacLiammoir und Hilton Edwards mitwirkten. Er wurde für das westdeutsche Fernsehen gedreht und kam auch in die Kinos. Im selben Jahr stellte Welles seinen selbst produzierten Pilotfilm für die Fernsehserie The Orson Welles Show fertig, der Interviews mit Burt Reynolds, Jim Henson und Frank Oz enthält und in dem die Muppets und Angie Dickinson als Gast auftreten. Da der Sender kein Interesse zeigte, wurde der Pilotfilm nie ausgestrahlt. Ebenfalls 1979 trat Welles in dem Biopic The Secret of Nikola Tesla und in einem Cameo-Auftritt in The Muppet Movie als Lew Lord auf.

Ab Ende der 1970er Jahre wirkte Welles in einer Reihe berühmter Fernsehwerbespots mit. Zwei Jahre lang stand er für die Paul Masson Vineyards vor der Kamera, und die Verkaufszahlen stiegen in dieser Zeit um ein Drittel an, als Welles den beliebten Satz intonierte: „Wir werden keinen Wein vor seiner Zeit verkaufen“. Er war auch die Stimme hinter der langjährigen Carlsberg-Kampagne „Probably the best lager in the world“ (Wahrscheinlich das beste Lagerbier der Welt), warb für Domecq-Sherry im britischen Fernsehen und war Sprecher in Werbespots für Findus, obwohl die eigentlichen Werbespots von einer berühmten Pannenrolle mit Sprachaufnahmen überschattet wurden, die als „Frozen Peas Reel“ bekannt ist. Er drehte auch Werbespots für den Preview Subscription Television Service, die auf Sendern im ganzen Land zu sehen waren, darunter WCLQ

1981 moderierte Welles den Dokumentarfilm The Man Who Saw Tomorrow über den Propheten Nostradamus aus der Renaissance. 1982 strahlte die BBC in der Reihe Arena The Orson Welles Story aus. In einem Interview mit Leslie Megahey befasste sich Welles ausführlich mit seiner Vergangenheit, und auch mehrere Personen aus seiner beruflichen Vergangenheit wurden interviewt. Das Buch wurde 1990 unter dem Titel With Orson Welles neu aufgelegt: Stories of a Life in Film. Welles lieferte den Kommentar zu den Titeln „Defender“ von Manowars Album Fighting the World aus dem Jahr 1987 und „Dark Avenger“ auf ihrem Album Battle Hymns von 1982. Er nahm auch die Konzerteinleitung für die Live-Auftritte von Manowar auf, in der es heißt: „Ladies and Gentlemen, from the United States of America, all hail Manowar.“ Seitdem verwenden Manowar diese Einleitung für alle ihre Konzerte.

In den 1980er Jahren arbeitete Welles an Filmprojekten wie The Dreamers (Die Träumer), basierend auf zwei Geschichten von Isak Dinesen und mit Oja Kodar in der Hauptrolle, und Orson Welles‘ Magic Show (Orson Welles‘ Zaubershow), bei dem Material aus seinem gescheiterten Fernsehpilotfilm wiederverwendet wurde. Ein weiteres Projekt, an dem er arbeitete, war Filming the Trial, der zweite Teil einer geplanten Reihe von Dokumentarfilmen über seine Spielfilme. Für diese Projekte wurde zwar viel gedreht, aber keines von ihnen wurde fertig gestellt. Sie wurden schließlich alle vom Filmmuseum München veröffentlicht.

1984 sprach Welles die kurzlebige Fernsehserie Scene of the Crime. In den ersten Jahren von Magnum, P.I. war Welles die Stimme der unsichtbaren Figur Robin Masters, einem berühmten Schriftsteller und Playboy. Nach dem Tod von Welles musste diese Nebenfigur weitgehend aus der Serie gestrichen werden. In einer schrägen Hommage an Welles beendeten die Produzenten von Magnum, P.I. diesen Handlungsbogen auf zweideutige Weise, indem sie eine Figur eine andere beschuldigen ließen, einen Schauspieler angeheuert zu haben, um Robin Masters darzustellen. In diesem vorletzten Jahr veröffentlichte er auch eine Musiksingle mit dem Titel „I Know What It Is to Be Young (But You Don’t Know What It Is to Be Old)“, die er unter dem italienischen Label Compagnia Generale del Disco aufnahm. Der Song wurde mit dem Nick Perito Orchestra und den Ray Charles Singers aufgeführt und von Jerry Abbott (Vater des Gitarristen „Dimebag Darrell“ Abbott) produziert.

Zu den letzten Filmrollen vor Welles‘ Tod gehörten die Sprechrollen in den Zeichentrickfilmen Enchanted Journey (1984) und dem Animationsfilm The Transformers: The Movie (1986), in dem er dem planetenfressenden Superschurken Unicron seine Stimme leiht. Seinen letzten Filmauftritt hatte er 1987 in Henry Jagloms Independent-Film Someone to Love, der zwei Jahre nach seinem Tod, aber noch vor seiner Synchronisation in Transformers: Der Film. Sein letzter Fernsehauftritt war in der Fernsehsendung Moonlighting. Er nahm eine Einleitung zu einer Folge mit dem Titel „The Dream Sequence Always Rings Twice“ auf, die teilweise in Schwarzweiß gedreht wurde. Die Folge wurde fünf Tage nach seinem Tod ausgestrahlt und war seinem Andenken gewidmet.

Mitte der 1980er Jahre nahm Henry Jaglom Gespräche mit Welles beim Mittagessen im Ma Ma Maison in Los Angeles und in New York auf. Bearbeitete Transkripte dieser Gespräche erscheinen in Peter Biskinds 2013 erschienenem Buch My Lunches With Orson: Conversations Between Henry Jaglom and Orson Welles.

Beziehungen und Familie

Orson Welles und die aus Chicago stammende Schauspielerin und Prominente Virginia Nicolson (1916-1996) heirateten am 14. November 1934: 332. Das Paar trennte sich im Dezember 1939: 226 und wurde am 1. Februar 1940 geschieden. Nachdem sie Welles‘ Romanzen in New York ertragen hatte, erfuhr Virginia, dass Welles sich in die mexikanische Schauspielerin Dolores del Río verliebt hatte.: 227

Welles, der seit seiner Jugend in sie vernarrt war, lernte del Río auf der Ranch von Darryl Zanuck kennen: 206 kurz nachdem er 1939 nach Hollywood gezogen war: 168 Ihre Beziehung wurde bis 1941 geheim gehalten, als del Río die Scheidung von ihrem zweiten Mann einreichte. Sie traten öffentlich zusammen in New York auf, als Welles bei der Mercury-Bühnenproduktion Native Son Regie führte: 212 Sie spielten zusammen in dem Film Journey into Fear (1943). Ihre Beziehung endete, unter anderem wegen Welles‘ Untreue. Del Río kehrte 1943 nach Mexiko zurück, kurz bevor Welles Rita Hayworth heiratete.

Welles heiratete Rita Hayworth am 7. September 1943: 278 Sie wurden am 10. November 1947 geschieden: 142 In seinem letzten Interview, das er am Abend vor seinem Tod für die Merv Griffin Show aufzeichnete, nannte Welles Hayworth „eine der liebsten und süßesten Frauen, die je gelebt haben … und wir waren lange zusammen – ich hatte das Glück, länger mit ihr zusammen gewesen zu sein als alle anderen Männer in ihrem Leben.“

1955 heiratete Welles die Schauspielerin Paola Mori (geborene Gräfin Paola di Gerfalco), eine italienische Aristokratin, die 1955 die Hauptrolle der Raina Arkadin in seinem Film Mr. Arkadin spielte. Das Paar begann eine leidenschaftliche Affäre und heiratete auf Drängen ihrer Eltern: 168 Sie heirateten am 8. Mai 1955 in London: 417, 419 und ließen sich nie scheiden.

Die in Kroatien geborene Künstlerin und Schauspielerin Oja Kodar wurde ab 1966 Welles‘ langjährige Lebensgefährtin, sowohl privat als auch beruflich, und sie verbrachten einen Teil der letzten 20 Jahre seines Lebens zusammen: 255-258

Welles hatte drei Töchter aus seinen Ehen: Christopher Welles Feder (und Beatrice Welles (geboren 1955, mit Paola Mori)..: 419

Es wird angenommen, dass Welles einen Sohn, den britischen Regisseur Michael Lindsay-Hogg (geboren 1940), mit der irischen Schauspielerin Geraldine Fitzgerald, der damaligen Frau von Sir Edward Lindsay-Hogg, 4. Baronet. Als Lindsay-Hogg 16 Jahre alt war, gab seine Mutter widerwillig die weit verbreiteten Gerüchte preis, sein Vater sei Welles, und sie dementierte sie – allerdings so ausführlich, dass er an ihrem Wahrheitsgehalt zweifelte: 15 Fitzgerald wich dem Thema für den Rest ihres Lebens aus. Lindsay-Hogg kannte Welles, arbeitete mit ihm am Theater und traf ihn in Abständen während Welles‘ Leben. Nachdem er erfahren hatte, dass Welles‘ älteste Tochter Chris, seine Spielkameradin aus Kindertagen, schon lange vermutete, dass er ihr Bruder sei, veranlasste Lindsay-Hogg einen DNA-Test, der sich als nicht aussagekräftig erwies. In seiner Autobiografie von 2011 berichtet Lindsay-Hogg, dass seine Fragen von der engen Freundin seiner Mutter, Gloria Vanderbilt, geklärt wurden, die schrieb, dass Fitzgerald ihr gesagt habe, dass Welles sein Vater sei: 265-267 Eine Welles-Biografie von Patrick McGilligan aus dem Jahr 2015 berichtet jedoch, dass Welles‘ Vaterschaft unmöglich ist: Fitzgerald verließ die USA im Mai 1939 in Richtung Irland, und ihr Sohn wurde vor ihrer Rückkehr Ende Oktober gezeugt, während Welles in dieser Zeit nicht nach Übersee reiste..: 602

Nach dem Tod von Rebecca Welles Manning stellte sich heraus, dass ein Mann namens Marc McKerrow ihr Sohn und damit ein direkter Nachkomme von Orson Welles und Rita Hayworth ist, nachdem er die Freigabe seiner Adoptionsunterlagen beantragt hatte. Obwohl McKerrow und Rebecca sich aufgrund ihrer Krebserkrankung nie treffen konnten, standen sie vor ihrem Tod in Kontakt, und er nahm an ihrer Beerdigung teil. McKerrows Reaktionen auf die Enthüllung und sein Treffen mit Oja Kodar sind in dem 2008 erschienenen Film Prodigal Sons von seiner Schwester Kim Reed dokumentiert. McKerrow starb am 18. Juni 2010 im Alter von 44 Jahren plötzlich im Schlaf an den Komplikationen eines nächtlichen Anfalls“, der auf einen Autounfall und die daraus resultierenden Verletzungen in seiner Jugend zurückzuführen war.

In den 1940er Jahren hatte Welles eine kurze Beziehung mit Maila Nurmi, die laut der Biografie Glamour Ghoul: The Passions and Pain of the Real Vampira, Maila Nurmi, schwanger wurde; da Welles zu dieser Zeit mit Hayworth verheiratet war, gab Nurmi das Kind zur Adoption frei. Das im Buch erwähnte Kind wurde jedoch erst 1944 geboren. Nurmi erzählte in einem Interview Wochen vor ihrem Tod im Januar 2008, wie sie Welles im Frühjahr 1946 in einem New Yorker Casting-Büro kennenlernte.

Trotz einer von Welles verbreiteten urbanen Legende ist er nicht mit Abraham Lincolns Marineminister Gideon Welles verwandt. Der Mythos geht auf den ersten Zeitungsartikel zurück, der jemals über Welles geschrieben wurde – „Cartoonist, Schauspieler, Dichter und nur 10“ – in der Ausgabe der Capital Times vom 19. Februar 1926. In dem Artikel wurde fälschlicherweise behauptet, er stamme von „Gideon Welles ab, der Mitglied des Kabinetts von Präsident Lincoln war“: 311 Wie Charles Higham in einer Ahnentafel, die seine Welles-Biographie von 1985 einleitet, darlegt, war Orson Welles‘ Vater Richard Head Welles (geborener Wells), Sohn von Richard Jones Wells, Sohn von Henry Hill Wells (der einen Onkel namens Gideon Wells hatte), Sohn von William Hill Wells, Sohn von Richard Wells (1734-1801).

Physikalische Merkmale

Peter Nobles Biographie von 1956 beschreibt Welles als „eine prächtige Gestalt von einem Mann, über sechs Fuß groß, gut aussehend, mit blitzenden Augen und einer herrlich resonanten Sprechstimme“: 19 Welles sagte, ein Stimmspezialist habe ihm einmal gesagt, er sei zum Heldentenor geboren, ein heroischer Tenor, aber als er jung war und am Gate Theatre in Dublin arbeitete, habe er seine Stimme zu einem Bassbariton heruntergezwungen: 144

Schon als Baby war Welles anfällig für Krankheiten, darunter Diphtherie, Masern, Keuchhusten und Malaria. Von klein auf litt er an Asthma, Kopfschmerzen in den Nebenhöhlen und Rückenschmerzen: 8 die, wie sich später herausstellte, auf angeborene Anomalien der Wirbelsäule zurückzuführen waren. Fuß- und Knöchelprobleme während seines ganzen Lebens waren die Folge von Plattfüßen: 560 „Als er älter wurde“, schrieb Brady, „verschlimmerte sich sein schlechter Gesundheitszustand durch die späten Stunden, in denen er eine frühe Vorliebe für Alkohol und Tabak behalten durfte“: 8

Im Jahr 1928, im Alter von 13 Jahren, war Welles bereits mehr als 1,83 Meter groß und wog über 81,6 Kilogramm: 50 In seinem Reisepass wurde seine Größe mit sechs Fuß drei Zoll (192 cm), braunem Haar und grünen Augen angegeben: 229

„Crash-Diäten, Drogen und Korsetts hatten ihn für seine frühen Filmrollen schlank gemacht“, schrieb der Biograf Barton Whaley. „Dann kehrte er immer wieder zum gigantischen Konsum von kalorienreicher Nahrung und Alkohol zurück. Im Sommer 1949, als er 34 Jahre alt war, war sein Gewicht auf stolze 230 Pfund (104 kg) angewachsen. Im Jahr 1953 wuchs er von 250 auf 275 Pfund (113 auf 125 kg) an. Nach 1960 blieb er dauerhaft fettleibig.“: 329

Religiöse Überzeugungen

Als Peter Bogdanovich ihn einmal nach seiner Religion fragte, antwortete Welles unwirsch, dass ihn das nichts angehe, und teilte ihm dann fälschlicherweise mit, dass er katholisch erzogen worden sei: 12

Obwohl die Familie Welles nicht mehr gläubig war, gehörte sie in vierter Generation der Episkopalkirche und davor den Quäkern und Puritanern an: 12

Die Beerdigung von Welles‘ Vater, Richard H. Welles, war episkopalisch.

Als ihn der Interviewer Merv Griffin im April 1982 nach seinen religiösen Überzeugungen fragte, antwortete Welles: „Ich versuche, ein Christ zu sein. Ich bete nicht wirklich, weil ich Gott nicht langweilen will.“: 576 Gegen Ende seines Lebens speiste Welles im Ma Maison, seinem Lieblingsrestaurant in Los Angeles, als der Besitzer Patrick Terrail eine Einladung vom Oberhaupt der griechisch-orthodoxen Kirche überbrachte, der Welles bat, als Ehrengast an der göttlichen Liturgie in der Sophienkathedrale teilzunehmen. Welles antwortete: „Bitte sagen Sie ihm, dass ich dieses Angebot sehr zu schätzen weiß, aber ich bin Atheist“: 104-105

„Orson hat sich nie über die religiösen Überzeugungen anderer lustig gemacht“, schrieb sein Biograf Barton Whaley. „Er akzeptierte sie als ein kulturelles Artefakt, geeignet für die Geburten, Todesfälle und Eheschließungen von Fremden und sogar einigen Freunden – aber ohne emotionale oder intellektuelle Bedeutung für ihn selbst“: 12

Welles war von Beginn seiner Karriere an politisch aktiv. Er blieb Zeit seines Lebens der linken Politik und der amerikanischen Linken verbunden und bezeichnete seine politische Orientierung stets als „progressiv“. Als Demokrat war er ein ausgesprochener Kritiker des Rassismus in den Vereinigten Staaten und der Rassentrennung: 46 Er war ein starker Befürworter von Franklin D. Roosevelt und des New Deal und sprach sich häufig im Radio für eine progressive Politik aus. Bei den Wahlen 1944 warb er intensiv für Roosevelt. Welles unterstützte 1948 nicht die Präsidentschaftskandidatur von Roosevelts zweitem Vizepräsidenten Henry A. Wallace für die Fortschrittspartei und bezeichnete Wallace später als „einen Gefangenen der Kommunistischen Partei“. S. 66

In einem Gespräch mit seinem Freund Roger Hill 1983 erinnerte sich Welles: „Während eines Dinners im Weißen Haus, als ich für Roosevelt kandidierte, sagte er in einem Toast mit einem Augenzwinkern: ‚Orson, du und ich sind die beiden größten Schauspieler, die heute leben.‘ Unter vier Augen drängte er mich an diesem Abend und bei mehreren anderen Gelegenheiten, für einen Senatssitz in Kalifornien oder Wisconsin zu kandidieren. Er war nicht allein.“: 115 In den 1980er Jahren drückte Welles immer noch seine Bewunderung für Roosevelt aus, bezeichnete seine Präsidentschaft aber auch als „eine Halbdiktatur“. S. 187

Während eines Auftritts in der Dick Cavett Show 1970 behauptete Welles, Hitler beim Wandern in Österreich mit einem Lehrer, der ein „angehender Nazi“ war, getroffen zu haben. Er sagte, Hitler habe ihn überhaupt nicht beeindruckt und könne sich nicht an ihn erinnern. Er sagte, er habe keinerlei Persönlichkeit gehabt: „Er war unsichtbar. Es war nichts da, bis 5.000 Leute „Sieg Heil“ riefen.

Mehrere Jahre lang schrieb er eine Zeitungskolumne zu politischen Themen und erwog, 1946 für seinen Heimatstaat Wisconsin für den US-Senat zu kandidieren – ein Sitz, den schließlich Joseph McCarthy gewann.

Über Welles‘ politische Aktivitäten wurde auf den Seiten 155-157 von Red Channels berichtet, der antikommunistischen Publikation, die zum Teil die bereits florierende Schwarze Liste Hollywoods befeuerte. Er befand sich während des Höhepunkts der Roten Angst in Europa, was für das Hollywood-Establishment einen weiteren Grund darstellte, ihn zu ächten.

1970 erzählte Welles einen satirischen politischen Bericht über den Aufstieg von Präsident Richard Nixon mit dem Titel The Begatting of the President (aber er schrieb ihn nicht).

Er war lebenslanges Mitglied der International Brotherhood of Magicians und der Society of American Magicians.

Am Abend des 9. Oktober 1985 nahm Welles sein letztes Interview in der Fernsehsendung The Merv Griffin Show auf, in dem er mit der Biografin Barbara Leaming auftrat. „Sowohl Welles als auch Leaming sprachen über Welles‘ Leben, und der Beitrag war ein nostalgisches Zwischenspiel“, schrieb der Biograf Frank Brady: 590-591 Welles kehrte in sein Haus in Hollywood zurück und arbeitete bis in die frühen Morgenstunden an den Regieanweisungen für das Projekt, das er und Gary Graver am folgenden Tag an der UCLA drehen wollten. Welles starb irgendwann am Morgen des 10. Oktober an den Folgen eines Herzinfarkts: 453 Er wurde von seinem Chauffeur gegen 10 Uhr morgens gefunden; der erste von Welles‘ Freunden, der eintraf, war Paul Stewart: 295-297 Welles war bei seinem Tod 70 Jahre alt.

Welles wurde nach vorheriger Absprache mit dem Nachlassverwalter Greg Garrison eingeäschert,: 592 dessen Ratschläge zu lukrativen Fernsehauftritten in den 1970er Jahren es Welles ermöglichten, einen Teil der Steuern, die er dem Finanzamt schuldete, zu begleichen:: 549-550 An einer kurzen privaten Beerdigung nahmen Paola Mori und Welles‘ drei Töchter teil – das erste Mal, dass sie zusammen waren. Nur ein paar enge Freunde waren eingeladen: Garrison, Graver, Roger Hill: 298 und Prinz Alessandro Tasca di Cuto. Chris Welles Feder beschrieb die Beerdigung später als eine schreckliche Erfahrung: 1-9

Eine öffentliche Gedenkfeier: 593 fand am 2. November 1985 im Directors Guild of America Theater in Los Angeles statt. Gastgeber Peter Bogdanovich stellte die Redner vor, darunter Charles Champlin, Geraldine Fitzgerald, Greg Garrison, Charlton Heston, Roger Hill, Henry Jaglom, Arthur Knight, Oja Kodar, Barbara Leaming, Janet Leigh, Norman Lloyd, Dan O’Herlihy, Patrick Terrail und Robert Wise.: 299-300

„Ich weiß, wie er über seinen Tod dachte“, schrieb Joseph Cotten später. „Er wollte keine Beerdigung; er wollte in aller Stille an einem kleinen Ort in Spanien begraben werden. Er wollte keine Gedenkfeier …“ Cotten lehnte es ab, an der Gedenkfeier teilzunehmen; stattdessen schickte er eine kurze Nachricht, die mit den letzten beiden Zeilen eines Shakespeare-Sonetts endete, das Welles ihm zu seinem letzten Geburtstag geschickt hatte:: 216

Aber wenn ich an dich denke, lieber Freund, werden alle Verluste wiederhergestellt und die Sorgen enden: 217

1987 wurde die Asche von Welles nach Ronda, Spanien, gebracht und in einem alten, mit Blumen bedeckten Brunnen auf dem Landgut eines langjährigen Freundes, des Stierkämpfers Antonio Ordóñez, beigesetzt.

Welles‘ Vertrauen in die Eigenproduktion führte dazu, dass viele seiner späteren Projekte nur stückweise gedreht oder nicht vollendet wurden. Welles finanzierte seine späteren Projekte durch eigene Fundraising-Aktivitäten. Oft nahm er auch andere Arbeiten an, um Geld zur Finanzierung seiner eigenen Filme zu erhalten.

Don Quijote

Mitte der 1950er Jahre begann Welles mit der Arbeit an Don Quijote, ursprünglich ein Auftrag des Fernsehsenders CBS. Welles weitete den Film auf Spielfilmlänge aus und entwickelte das Drehbuch, um Quijote und Sancho Pansa in die Moderne zu versetzen. Die Dreharbeiten wurden mit dem Tod von Francisco Reiguera, dem Darsteller des Quijote, 1969 eingestellt. Orson Welles setzte die Bearbeitung des Films bis in die frühen 1970er Jahre fort. Zum Zeitpunkt seines Todes blieb der Film weitgehend eine Sammlung von Filmmaterial in verschiedenen Bearbeitungsstadien. Das Projekt und, was noch wichtiger ist, Welles‘ Konzeption des Projekts veränderten sich im Laufe der Zeit radikal.

Eine Version, die Oja Kodar mit Hilfe von Jess Franco, dem Regieassistenten während der Produktion, überwachte, wurde 1992 veröffentlicht und erhielt schlechte Kritiken.

Frederick Muller, der Filmeditor von The Trial, Chimes at Midnight und dem CBS-Special Orson Bag, arbeitete an der Bearbeitung von drei Rollen der ursprünglichen, unverfälschten Fassung. Als er 2013 von einem Journalisten des Magazins Time Out nach seiner Meinung gefragt wurde, sagte er, er habe das Gefühl, dass der Film, wenn er ohne Bildbearbeitung, aber mit ad hoc hinzugefügtem Ton und Musik veröffentlicht worden wäre, wahrscheinlich ziemlich erfolgreich gewesen wäre.

Der Kaufmann von Venedig

1969 erhielt Welles einen TV-Auftrag, eine gekürzte Adaption von Der Kaufmann von Venedig zu drehen: xxxiv Welles stellte den Film 1970 fertig, aber das fertige Negativ wurde später auf mysteriöse Weise aus seinem Produktionsbüro in Rom gestohlen: 234 Eine restaurierte und rekonstruierte Version des Films, die unter Verwendung des Originaldrehbuchs und der Notizen des Komponisten erstellt wurde, feierte 2015 bei der Voreröffnungszeremonie der 72. internationalen Filmfestspiele von Venedig neben Othello Premiere.

Die andere Seite des Windes

1970 begann Welles mit den Dreharbeiten zu The Other Side of the Wind. Der Film erzählt von den Bemühungen eines Filmregisseurs (gespielt von John Huston), seinen letzten Hollywood-Film fertigzustellen, und spielt größtenteils auf einer üppigen Party. Bis 1972 waren die Dreharbeiten laut Welles „zu 96 % abgeschlossen“,: 546 obwohl Welles bis 1979 nur etwa 40 Minuten des Films geschnitten hatte: 320 In jenem Jahr wurde das Negativ wegen rechtlicher Komplikationen bezüglich des Eigentums am Film in einen Pariser Tresorraum gebracht. Im Jahr 2004 kündigte Regisseur Peter Bogdanovich, der in dem Film mitspielte, seine Absicht an, die Produktion abzuschließen.

Am 28. Oktober 2014 gab die in Los Angeles ansässige Produktionsfirma Royal Road Entertainment bekannt, dass sie mit Unterstützung des Produzenten Frank Marshall eine Vereinbarung ausgehandelt hatte und die Rechte für die Fertigstellung und Veröffentlichung von The Other Side of the Wind erwerben würde. Bogdanovich und Marshall planten, den fast fertigen Film von Welles in Los Angeles fertigzustellen, um ihn am 6. Mai 2015, dem 100. Royal Road Entertainment und der deutsche Produzent Jens Koethner Kaul erwarben die Rechte von Les Films de l’Astrophore und dem verstorbenen Mehdi Boushehri. Sie erzielten eine Einigung mit Oja Kodar, der Welles‘ Eigentum an dem Film geerbt hatte, und Beatrice Welles, der Verwalterin des Welles-Nachlasses; Ende 2015 befanden sich die Bemühungen um die Fertigstellung des Films jedoch in einer Sackgasse.

Im März 2017 erwarb Netflix die Vertriebsrechte an dem Film. Im selben Monat trafen das Originalnegativ, die Tagesaufnahmen und weiteres Material für die Nachbearbeitung in Los Angeles ein; der Film wurde 2018 fertiggestellt. Der Film wurde bei den 75. Internationalen Filmfestspielen von Venedig am 31. August 2018 uraufgeführt.

Am 2. November 2018 feierte der Film in ausgewählten Kinos und auf Netflix Premiere, achtundvierzig Jahre nach Beginn der Dreharbeiten.

Einige Aufnahmen sind in den Dokumentarfilmen Working with Orson Welles (1993), Orson Welles: One Man Band (1995) und vor allem in They’ll Love Me When I’m Dead (2018).

Andere unvollendete Filme und unverfilmte Drehbücher

Too Much Johnson ist eine Filmkomödie von 1938, bei der Welles das Drehbuch schrieb und Regie führte. Der Film wurde als filmischer Aspekt von Welles‘ Mercury Theatre-Bühnenpräsentation von William Gillettes Komödie aus dem Jahr 1894 konzipiert, wurde aber nicht vollständig bearbeitet oder öffentlich vorgeführt. Bis August 2013 galt Too Much Johnson als verlorener Film. Dann wurde bekannt, dass 2008 in Italien eine unverfälschte Kopie entdeckt worden war. Eine vom George Eastman House Museum restaurierte Kopie sollte am 9. Oktober 2013 auf dem Stummfilmfestival in Pordenone uraufgeführt werden, eine US-Premiere sollte folgen. Am 3. Mai 2014 wurde der Film in einer einzigen Vorführung im Los Angeles County Museum of Art gezeigt. Eine einzige Aufführung von Too Much Johnson, am 2. Februar 2015 im Film Forum in New York City, war ein großer Erfolg. Produziert von Bruce Goldstein, adaptiert und inszeniert von Allen Lewis Rickman, traten die Film Forum Players mit Live-Piano auf.

Herz der Finsternis war Welles‘ erster Film, den er 1940 drehen wollte. Er wurde bis ins kleinste Detail geplant, und es wurden einige Probeaufnahmen gedreht; das Material ist heute verloren. Der Film sollte vollständig in langen Einstellungen aus der Sicht des Erzählers Marlow gedreht werden, der von Welles gespielt werden sollte; sein Spiegelbild würde gelegentlich im Fenster zu sehen sein, wenn sein Boot den Fluss hinunterfährt. Das Projekt wurde aufgegeben, weil es das Budget nicht einhalten konnte, und stattdessen wurde Citizen Kane gedreht: 30-33, 355-356

1941 plante Welles mit seiner damaligen Partnerin, der mexikanischen Schauspielerin Dolores del Río, einen Film. Santa wurde nach dem Roman des mexikanischen Schriftstellers Federico Gamboa gedreht. Der Film wäre das Debüt von Dolores del Río im mexikanischen Kino gewesen. Welles nahm eine Korrektur des Drehbuchs in 13 außergewöhnlichen Sequenzen vor. Die hohe Gage, die del Río forderte, stoppte das Projekt. 1943 wurde der Film schließlich mit den Einstellungen von Welles, unter der Leitung von Norman Foster und mit der mexikanischen Schauspielerin Esther Fernández in der Hauptrolle fertiggestellt.

1941 plante Welles auch ein mexikanisches Drama mit Dolores del Río, das er RKO zur Budgetierung übergab. Der Film war eine Verfilmung des gleichnamigen Romans von Calder Marshall. In der Geschichte sollte del Río Elena Medina spielen, „das schönste Mädchen der Welt“, und Welles einen Amerikaner, der in eine Mission verwickelt wird, um ein Nazi-Komplott zum Sturz der mexikanischen Regierung zu vereiteln. Welles plante, in Mexiko zu drehen, aber die mexikanische Regierung musste die Geschichte genehmigen, was nie geschah.

1941 erhielt Welles die Unterstützung von Bischof Fulton Sheen für eine Nacherzählung des Lebens von Christus, die im amerikanischen Westen der 1890er Jahre spielen sollte. Nachdem die Dreharbeiten zu Citizen Kane abgeschlossen waren, suchten Welles, Perry Ferguson und Gregg Toland nach Drehorten in Baja California und Mexiko. Welles schrieb ein Drehbuch mit Dialogen aus den Evangelien von Markus, Matthäus und Lukas. „Jedes Wort im Film sollte aus der Bibel stammen – kein Originaldialog, sondern eine Art amerikanisches Primitivum“, sagte Welles, „das im Grenzland des letzten Jahrhunderts spielt.“ Das nicht realisierte Projekt wurde von Welles in den 1950er Jahren wieder aufgegriffen, als er ein zweites unverfilmtes Drehbuch schrieb, das in Ägypten gedreht werden sollte: 361-362

Ursprünglich wollte Welles bei It’s All True, einem Dokumentarfilm über Südamerika aus dem Jahr 1942, nicht Regie führen, doch nachdem RKO das Projekt aufgegeben hatte, verbrachte er einen Großteil der 1940er Jahre mit dem Versuch, das Negativ seines Materials von RKO zu kaufen, um es zu bearbeiten und in irgendeiner Form zu veröffentlichen. Das Material blieb jahrzehntelang ungesehen in den Tresoren und galt als verloren. Mehr als 50 Jahre später wurden einige (aber nicht alle) der erhaltenen Aufnahmen in dem Dokumentarfilm It’s All True: Based on an Unfinished Film by Orson Welles von 1993 veröffentlicht.

1944 schrieb Welles den ersten Entwurf des Drehbuchs für Monsieur Verdoux, einen Film, bei dem er auch Regie führen wollte. Charlie Chaplin erklärte sich zunächst bereit, die Hauptrolle zu übernehmen, änderte aber später seine Meinung mit der Begründung, er habe noch nie in einem Spielfilm Regie geführt. Chaplin kaufte die Filmrechte und drehte den Film 1947 mit einigen Änderungen selbst. Im endgültigen Film wird Chaplin das Drehbuch zugeschrieben, das „auf einer Idee von Orson Welles“ basiert.

Welles verbrachte 1947-48 etwa neun Monate damit, zusammen mit Ben Hecht das Drehbuch für Cyrano de Bergerac zu schreiben, ein Projekt, bei dem Welles für Alexander Korda Regie führen sollte. Während der Dreharbeiten zu Black Magic begann er mit der Suche nach Drehorten in Europa, aber Korda war knapp bei Kasse und verkaufte die Rechte an Columbia Pictures, die Welles schließlich aus dem Projekt entließen und dann die Rechte an United Artists verkauften, die 1950 eine Verfilmung produzierten, die nicht auf Welles‘ Drehbuch basierte: 106-108

Nachdem Welles‘ aufwändige musikalische Bühnenfassung dieses Jules-Verne-Romans, die 38 verschiedene Kulissen umfasste, 1946 in die Kinos kam, drehte er 1947 in Marokko einige Probeaufnahmen für eine Filmversion. Das Material wurde nie bearbeitet, die Finanzierung kam nicht zustande, und Welles gab das Projekt auf. Neun Jahre später drehte der Produzent der Bühnenshow, Mike Todd, seine eigene preisgekrönte Verfilmung des Buches: 402

Moby Dick – Rehearsed war eine Verfilmung von Welles‘ Londoner Meta-Drama aus dem Jahr 1955 mit Gordon Jackson, Christopher Lee, Patrick McGoohan und Welles als Ahab in den Hauptrollen. In kahlen, minimalistischen Kulissen ließ Welles abwechselnd Schauspieler aus dem 19. Jahrhundert, die eine Inszenierung von Moby Dick proben, und Szenen aus Moby Dick selbst auftreten. Kenneth Williams, ein Darsteller, der dem gesamten Projekt mit Besorgnis gegenüberstand, schrieb in seiner Autobiografie, dass Welles‘ schummriges, stimmungsvolles Bühnenlicht einige der Aufnahmen so dunkel machte, dass sie nicht zu sehen waren. Das gesamte Stück wurde gefilmt, gilt aber heute als verschollen. Es wurde an einem Wochenende im Hackney Empire Theater gedreht.

Die Produzenten von Histoires extraordinaires, einem Anthologie-Film aus dem Jahr 1968, der auf Kurzgeschichten von Edgar Allan Poe basiert, kündigten im Juni 1967 an, dass Welles sowohl bei „Maske des roten Todes“ als auch bei „Das Fass von Amontillado“ für den Omnibus-Film Regie führen würde. Welles zog sich im September 1967 zurück und wurde ersetzt. Das Drehbuch, das von Welles und Oja Kodar in englischer Sprache verfasst wurde, befindet sich in der Sammlung des Filmmuseums München.

Diese an Monty Python erinnernde Parodie, in der Welles alle Figuren bis auf eine spielt (einschließlich zweier verkleideter Figuren), entstand um 1968-9. Welles wollte, dass dieser fertige Sketch einer von mehreren Teilen eines Fernsehspecials über London wird. Andere Beiträge, die für dieses Special gedreht wurden – und die alle in der Dokumentation „One Man Band“ von seinem Partner Oja Kodar enthalten sind -, umfassten einen Sketch über Winston Churchill (von Welles als Silhouette gespielt), einen Sketch über Gleichaltrige in einem Herrenhaus, einen Beitrag über Londoner Herrenclubs und einen Sketch, in dem Welles von seinem abfälligen Schneider aus der Savile Row (gespielt von Charles Gray) verspottet wird.

Welles schrieb in den 1960er Jahren zwei Drehbücher für die Schatzinsel und suchte eifrig nach finanzieller Unterstützung für die Regie. Sein Plan war, den Film in Spanien zusammen mit Chimes at Midnight zu drehen. Welles beabsichtigte, die Rolle des Long John Silver zu spielen. Er wollte, dass Keith Baxter die Rolle des Doktor Livesey und John Gielgud die Rolle des Squire Trelawney übernahmen. Der in Australien geborene Kinderdarsteller Fraser MacIntosh (The Boy Cried Murder), damals 11 Jahre alt, wurde für die Rolle des Jim Hawkins gecastet und für die Dreharbeiten, bei denen Jess Franco Regie führen sollte, nach Spanien geflogen. Etwa 70 Prozent der Besetzung von Chimes at Midnight hätten in Treasure Island eine Rolle spielen sollen. Die Finanzierung des Projekts kam jedoch nicht zustande. Schließlich wurde Welles‘ eigenes Drehbuch (unter dem Pseudonym O.W. Jeeves) weiter umgeschrieben und bildete die Grundlage für die Verfilmung von 1972 unter der Regie von John Hough, in der Welles Long John Silver spielte.

The Deep, eine Adaption von Charles Williams‘ Dead Calm, wurde komplett auf zwei Booten gedreht und hauptsächlich in Nahaufnahmen. Der Film wurde zwischen 1966 und 1969 vor den Küsten Jugoslawiens und der Bahamas gedreht, wobei alle Szenen bis auf eine fertiggestellt wurden. Ursprünglich war der Film als kommerzieller Thriller geplant, um zu zeigen, dass Welles einen populären und erfolgreichen Film drehen konnte. Er wurde 1970 auf Eis gelegt, als Welles befürchtete, dass die Kritiker diesen Film als Nachfolger des viel gelobten Chimes at Midnight nicht positiv aufnehmen würden, und Welles konzentrierte sich stattdessen auf F for Fake. Der Film wurde 1973 ganz aufgegeben, vielleicht wegen des Todes seines Stars Laurence Harvey. In einem Interview von 2015 machte Oja Kodar die Weigerung von Jeanne Moreau, an der Synchronisation mitzuwirken, dafür verantwortlich, dass Welles den Film nicht fertigstellen konnte.

In Dune, einem frühen Versuch des chilenischen Regisseurs Alejandro Jodorowsky, den Science-Fiction-Roman von Frank Herbert zu verfilmen, sollte Welles den bösen Baron Vladimir Harkonnen spielen. Jodorowsky hatte Welles persönlich für die Rolle ausgewählt, aber der geplante Film kam nie über die Vorproduktion hinaus.

1978 wurde Welles von seinem langjährigen Schützling Peter Bogdanovich (der damals als Welles‘ De-facto-Agent fungierte) beauftragt, bei Saint Jack Regie zu führen, einer Verfilmung des 1973 erschienenen Romans von Paul Theroux über einen amerikanischen Zuhälter in Singapur. Hugh Hefner und Bogdanovichs damalige Partnerin Cybill Shepherd waren beide als Produzenten an dem Projekt beteiligt, wobei Hefner die Finanzierung über seine Playboy-Produktionen sicherstellte. Doch sowohl Hefner als auch Shepherd waren überzeugt, dass Bogdanovich selbst ein kommerziell besserer Regisseur als Welles wäre, und bestanden darauf, dass Bogdanovich das Projekt übernahm. Da Bogdanovich nach einer Reihe von Flops an den Kinokassen ebenfalls Arbeit brauchte, willigte er ein. Als der Film schließlich 1979 von Bogdanovich und Hefner (aber ohne Beteiligung von Welles oder Shepherd) gedreht wurde, fühlte sich Welles verraten und Bogdanovich zufolge „haben sich die beiden ein wenig auseinandergelebt“.

Nach dem Erfolg seines 1978 für das westdeutsche Fernsehen gedrehten Films Filming Othello, der größtenteils aus einem Monolog in die Kamera besteht, begann Welles mit den Dreharbeiten für diesen Nachfolgefilm, stellte ihn aber nie fertig: 253 Was Welles jedoch filmte, war eine 80-minütige Frage-und-Antwort-Runde mit Filmstudenten, die sich über den Film erkundigten. Das Material wurde von Welles‘ Kameramann Gary Graver aufbewahrt, der es dem Münchner Filmmuseum schenkte, das es dann zusammen mit Welles‘ Trailer für den Film zu einem 83-minütigen Film zusammensetzte, der gelegentlich auf Filmfestivals gezeigt wird.

Das von Welles zusammen mit Oja Kodar geschriebene Buch The Big Brass Ring wurde von Regisseur George Hickenlooper in Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller F.X. Feeney adaptiert und verfilmt. Sowohl im Welles-Drehbuch als auch im Film von 1999 geht es um einen US-Präsidentschaftsanwärter in den Vierzigern, seinen älteren Mentor – einen ehemaligen Präsidentschaftskandidaten, der durch einen Homosexuellenskandal in Verruf geraten ist – und den italienischen Journalisten, der die Wahrheit über die Beziehung zwischen diesen Männern herausfinden will. In seinen letzten Lebensjahren bemühte sich Welles um die Finanzierung des geplanten Films; seine Bemühungen, Jack Nicholson, Robert Redford, Warren Beatty, Clint Eastwood, Burt Reynolds und Paul Newman für die Hauptrolle zu gewinnen, waren jedoch erfolglos. Alle diese Schauspieler lehnten die Rolle aus verschiedenen Gründen ab.

1984 schrieb Welles das Drehbuch für einen Film, bei dem er Regie führen wollte, ein autobiografisches Drama über die Inszenierung von The Cradle Will Rock von 1937: 157-159 Rupert Everett sollte den jungen Welles spielen. Welles war jedoch nicht in der Lage, die Finanzierung zu sichern. Tim Robbins führte später bei einem ähnlichen Film Regie, der jedoch nicht auf Welles‘ Drehbuch basierte.

Zum Zeitpunkt seines Todes war Welles in Gesprächen mit einer französischen Produktionsfirma, um eine Verfilmung des Shakespeare-Stücks König Lear zu drehen, in der er auch die Titelrolle spielen sollte.

Ada oder Ardor: Eine Familienchronik war eine Adaption des Romans von Vladimir Nabokov. Welles bewunderte Nabokovs Ada or Ardor: Eine Familienchronik und initiierte in Zusammenarbeit mit dem Autor ein Filmprojekt mit demselben Titel. Welles flog nach Paris, um das Projekt persönlich mit Nabokov zu besprechen, da der russische Autor zu dieser Zeit von Amerika nach Europa zog. Welles und Nabokov führten ein vielversprechendes Gespräch, aber das Projekt wurde nicht zu Ende geführt.

Dokumentarfilme über Citizen Kane (1941)

Dokumentarfilme über It’s All True (1942)

Dokumentarfilm über Herrn Arkadin (1955)

Dokumentarfilm über Touch of Evil (1958)

Dokumentarfilm über Chimes at Midnight (1965)

Dokumentarfilme über Die andere Seite des Windes (1970-1976)

Archivierte Quellen

Quellen

1. Orson Welles
2. Orson Welles
3. ^ Richard H. Welles had changed the spelling of his surname by the time of the 1900 Federal Census, when he was living at Rudolphsheim, the 1888 Kenosha mansion built by his mother Mary Head Wells and her second husband, Frederick Gottfredsen.
4. Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
5. D’après imdb.com, pour quelques scénarios et une émission de télévision, cf. filmographie détaillée en infra.
6. Les classements successifs de l’Institut cinématographique américain, mais aussi le magazine britannique Sight & Sound, ont élu Citizen Kane en tant que plus grand film de l’histoire du cinéma américain.
7. Dès 1958, durant l’Exposition universelle de Bruxelles, un jury international de critiques appelé à juger l’ensemble de la production cinématographique, classe le film en 6e position.
8. O. Welles se sentait artistiquement très proche de Kubrick : « Pour moi, Kubrick est meilleur que John Huston. Je n’ai pas vu Lolita, mais je crois que Kubrick peut tout faire. Il possède un talent que n’ont pas Ray, Aldrich et les autres cinéastes de la génération précédente. C’est peut-être parce que son tempérament correspond davantage au mien. », cité par Alain Bergala, Jean Narboni, Claudine Paquot in Orson Welles, Éditions Cahiers du cinéma, 1986, p. 47.
9. Valentinetti 1988, pp. 118-119
10. McBride 1979, p. 19
11. Ross, Ronald (January 1974). „The Role of Blacks in the Federal Theatre, 1935–1939“. The Journal of Negro History. 59 (1): 38–50. doi:10.2307/2717139. JSTOR 2717139. S2CID 150210872.