Orson Welles

Alex Rover | mei 28, 2023

Samenvatting

George Orson Welles (6 mei 1915 – 10 oktober 1985) was een Amerikaans regisseur, acteur, scenarioschrijver en producent die wordt herinnerd voor zijn vernieuwende werk op het gebied van radio, theater en film. Hij wordt beschouwd als een van de grootste en meest invloedrijke filmmakers aller tijden.

Als twintiger regisseerde Welles spraakmakende toneelproducties voor het Federal Theatre Project, waaronder een bewerking van Macbeth met een volledig Afro-Amerikaanse cast en de politieke musical The Cradle Will Rock. In 1937 richtte hij samen met John Houseman het Mercury Theatre op, een onafhankelijk repertoiretheatergezelschap dat tot 1941 een reeks producties op Broadway bracht, waaronder Caesar (1937), een bewerking van William Shakespeare’s Julius Caesar.

In 1938 gaf zijn radio anthologieserie The Mercury Theatre on the Air Welles het platform om internationale bekendheid te vinden als de regisseur en verteller van een radiobewerking van H. G. Wells’s roman The War of the Worlds, die sommige luisteraars deed geloven dat er in feite een invasie van buitenaardse wezens plaatsvond. Hoewel de berichten over paniek meestal vals en overdreven waren, maakten ze de 23-jarige Welles beroemd.

Zijn eerste film was Citizen Kane (1941), die steevast wordt beschouwd als een van de beste films ooit gemaakt en waarin hij meeschreef, produceerde, regisseerde en de hoofdrol speelde als de hoofdpersoon, Charles Foster Kane. Welles bracht nog twaalf andere films uit, waarvan The Magnificent Ambersons (1942), The Lady from Shanghai (1947), Touch of Evil (1958), The Trial (1962), Chimes at Midnight (1966) en F for Fake (1973) de meest geprezen zijn. Zijn kenmerkende regiestijl bestond uit gelaagde en niet-lineaire verhaalvormen, gebruik van belichting zoals clair-obscur, ongewone camerahoeken, geluidstechnieken ontleend aan de radio, deep focus shots en lange takes. Hij werd geprezen als “de ultieme auteur”: 6

Welles was een buitenstaander van het studiosysteem en worstelde al vroeg om creatieve controle over zijn projecten met de grote filmstudio’s in Hollywood en later met allerlei onafhankelijke financiers in Europa, waar hij het grootste deel van zijn carrière doorbracht. Veel van zijn films werden zwaar bewerkt of bleven onuitgebracht. Sommige, zoals Touch of Evil, zijn nauwgezet opnieuw gemonteerd op basis van zijn aantekeningen. Met een ontwikkeling van bijna 50 jaar werd Welles’ laatste film, The Other Side of the Wind, postuum uitgebracht in 2018.

Welles had drie huwelijken, waaronder een met Rita Hayworth, en drie kinderen. Bekend om zijn bariton stem, trad Welles veelvuldig op in theater, radio en film. Hij was een levenslange goochelaar, bekend van het presenteren van variétéshows voor de troepen in de oorlogsjaren. In 2002 werd hij in twee peilingen van het British Film Institute onder regisseurs en critici uitgeroepen tot de beste filmregisseur aller tijden. In 2018 werd hij door The Daily Telegraph opgenomen in de lijst van de 50 grootste Hollywood-acteurs aller tijden.

George Orson Welles werd geboren op 6 mei 1915 in Kenosha, Wisconsin, als zoon van Richard Head Welles (1883-1924). Hij werd genoemd naar een van zijn overgrootvaders, de invloedrijke Kenosha advocaat Orson S. Head, en diens broer George Head: 37 Een alternatief verhaal over de bron van zijn voor- en achternaam werd verteld door George Ade, die Welles’ ouders ontmoette op een West-Indische cruise eind 1914. Ade reisde met een vriend, Orson Wells (geen relatie), en de twee zaten aan dezelfde tafel als de heer en mevrouw Richard Welles. Mevrouw Welles was op dat moment zwanger, en toen ze afscheid namen, vertelde ze dat ze zo van hun gezelschap had genoten dat als het kind een jongen zou zijn, ze van plan was hem naar hen te noemen: George Orson.

Ondanks de rijkdom van zijn familie kreeg Welles in zijn jeugd te maken met ontberingen. Zijn ouders scheidden en verhuisden in 1919 naar Chicago. Zijn vader, die een fortuin verdiende als uitvinder van een populaire fietslamp, werd alcoholist en stopte met werken. Welles’ moeder, een pianiste, speelde tijdens lezingen van Dudley Crafts Watson aan het Art Institute of Chicago om haar zoon en zichzelf te onderhouden; de oudste Welles jongen, “Dickie”, werd op jonge leeftijd in een instelling opgenomen omdat hij leermoeilijkheden had. Beatrice stierf aan hepatitis in een ziekenhuis in Chicago op 10 mei 1924, net na Welles’ negende verjaardag: 326 Het Gordon String Quartet, een voorloper van het Berkshire String Quartet, dat in 1921 voor het eerst bij haar thuis was opgetreden, speelde op Beatrice’s begrafenis.

Na de dood van zijn moeder stopte Welles met muziek maken. Er werd besloten dat hij de zomer zou doorbrengen met de familie Watson in een privé-kunstkolonie in het dorp Wyoming in het Finger Lakes-gebied van New York, opgericht door Lydia Avery Coonley Ward.: 8 Daar speelde hij en raakte hij bevriend met de kinderen van de Aga Khan, waaronder de 12-jarige prins Aly Khan. Daarna, in wat Welles later beschreef als “een hectische periode” in zijn leven, woonde hij in een appartement in Chicago met zowel zijn vader als Maurice Bernstein, een arts uit Chicago die goed bevriend was geweest met zijn beide ouders. Welles ging kort naar de openbare school: 133 voordat zijn alcoholische vader het bedrijfsleven helemaal verliet en hem meenam op zijn reizen naar Jamaica en het Verre Oosten. Toen ze terugkwamen, vestigden ze zich in een hotel in Grand Detour, Illinois, dat eigendom was van zijn vader. Toen het hotel afbrandde, gingen Welles en zijn vader weer op pad: 9

“Gedurende de drie jaar dat Orson bij zijn vader woonde, vroegen sommige waarnemers zich af wie voor wie zorgde,” schreef biograaf Frank Brady: 9

“In sommige opzichten was hij nooit echt een jonge jongen, weet je,” zei Roger Hill, die Welles’ leraar en levenslange vriend werd.: 24

Welles ging kort naar de openbare school in Madison, Wisconsin, ingeschreven in de vierde klas: 9 Op 15 september 1926 ging hij naar de Todd Seminary for Boys,: 3 een dure onafhankelijke school in Woodstock, Illinois, waar zijn oudere broer, Richard Ives Welles, tien jaar eerder naar toe was gegaan tot hij wegens wangedrag van school werd gestuurd…: 48 Op de Todd School kwam Welles onder de invloed van Roger Hill, een leraar die later Todd’s schoolhoofd werd. Hill voorzag Welles van een ad hoc educatieve omgeving die van onschatbare waarde bleek voor zijn creatieve ervaring, waardoor Welles zich kon concentreren op onderwerpen die hem interesseerden. Welles voerde er theatrale experimenten en producties op.

“Todd voorzag Welles van veel waardevolle ervaringen,” schreef criticus Richard France. “Hij kon onderzoeken en experimenteren in een sfeer van acceptatie en aanmoediging. Naast een theater stond het eigen radiostation van de school tot zijn beschikking.”: 27 Welles’ eerste radio-ervaring was op het Todd station, waar hij een door hem geschreven bewerking van Sherlock Holmes uitvoerde.: 7

Op 28 december 1930, toen Welles 15 was, stierf zijn vader op 58-jarige leeftijd aan hart- en nierfalen, alleen in een hotel in Chicago. Kort daarvoor had Welles aan zijn vader aangekondigd dat hij hem niet meer zou zien, in de overtuiging dat het zijn vader ertoe zou aanzetten niet meer te drinken. Als gevolg daarvan voelde Orson zich schuldig omdat hij geloofde dat zijn vader zich door hem had doodgedronken. Het testament van zijn vader liet het aan Orson over om zijn voogd te benoemen. Toen Roger Hill weigerde, koos Welles Maurice Bernstein.: 71-72

Na zijn afstuderen aan Todd in mei 1931: 3 kreeg Welles een beurs voor Harvard College, terwijl zijn mentor Roger Hill hem voorstelde naar Cornell College in Iowa te gaan. In plaats van zich in te schrijven, koos hij voor reizen. Hij studeerde een paar weken aan het Art Institute of Chicago: 117 bij Boris Anisfeld, die hem aanmoedigde om te gaan schilderen: 18

Welles keerde af en toe terug naar Woodstock, de plaats die hij uiteindelijk noemde toen hem in 1960 in een interview werd gevraagd: “Waar is thuis?” Welles antwoordde: “Ik denk dat het Woodstock, Illinois is, als het ergens is. Ik ging daar vier jaar naar school. Als ik aan een thuis probeer te denken, is het dat.”

Na de dood van zijn vader reisde Welles naar Europa met een klein deel van zijn erfenis. Welles vertelde dat hij tijdens een wandel- en schilderreis door Ierland het Gate Theatre in Dublin binnenstapte en beweerde dat hij een Broadway-ster was. De manager van de Gate, Hilton Edwards, zei later dat hij hem niet had geloofd, maar onder de indruk was van zijn brutaliteit en een gepassioneerde auditie die hij gaf: 134 Welles maakte zijn toneeldebuut in het Gate Theatre op 13 oktober 1931, optredend in Ashley Dukes’ bewerking van Jew Suss als hertog Karl Alexander van Württemberg. Hij speelde kleine bijrollen in volgende Gate producties, en hij produceerde en ontwierp zijn eigen producties in Dublin. In maart 1932 trad Welles op in W. Somerset Maugham’s The Circle in het Abbey Theatre in Dublin en reisde naar Londen om meer werk in het theater te vinden. Omdat hij geen werkvergunning kon krijgen, keerde hij terug naar de VS: 327-330

Welles vond zijn roem vergankelijk en richtte zich op een schrijfproject aan de Todd School dat enorm succesvol werd, eerst getiteld Everybody’s Shakespeare en vervolgens The Mercury Shakespeare. Welles reisde naar Noord-Afrika terwijl hij werkte aan duizenden illustraties voor de reeks educatieve boeken van Everybody’s Shakespeare, een reeks die tientallen jaren werd gedrukt.

In 1933 nodigden Roger en Hortense Hill Welles uit voor een feestje in Chicago, waar Welles Thornton Wilder ontmoette. Wilder zorgde ervoor dat Welles Alexander Woollcott in New York ontmoette om hem voor te stellen aan Katharine Cornell, die een repertoire theatergezelschap aan het samenstellen was. Cornell’s man, regisseur Guthrie McClintic, zette Welles onmiddellijk onder contract en castte hem in drie toneelstukken..: 46-49 Romeo and Juliet, The Barretts of Wimpole Street en Candida tourden vanaf november 1933 36 weken lang in repertoria, waarbij de eerste van meer dan 200 voorstellingen plaatsvond in Buffalo, New York.: 330-331

In 1934 kreeg Welles zijn eerste baan bij de radio – bij The American School of the Air – via acteur-regisseur Paul Stewart, die hem voorstelde aan regisseur Knowles Entrikin.: 331 Die zomer organiseerde Welles samen met de Todd School een dramafestival in het Opera House in Woodstock, Illinois, waarbij Micheál Mac Liammóir en Hilton Edwards van Dublin’s Gate Theatre werden uitgenodigd om samen met New Yorkse toneelgrootheden op te treden in producties als Trilby, Hamlet, The Drunkard en Tsar Paul. In de oude brandweerkazerne in Woodstock maakte hij ook zijn eerste film, een korte film van acht minuten getiteld The Hearts of Age…: 330-331

Op 14 november 1934 trouwde Welles in een burgerlijke ceremonie in New York met de socialiste en actrice Virginia Nicolson uit Chicago: 332 (vaak verkeerd gespeld als “Nicholson”). Om de Nicolsons, die woedend waren over de elopement van het paar, te sussen, vond een formele ceremonie plaats op 23 december 1934 in het New Jersey landhuis van de peettante van de bruid. Welles droeg een coupe geleend van zijn vriend George Macready. 182

Een herziene productie van Katharine Cornell’s Romeo en Julia opende 20 december 1934 in het Martin Beck Theatre in New York. De Broadway productie bracht de 19-jarige Welles (die nu Tybalt speelde) onder de aandacht van John Houseman, een theaterproducent die bezig was de hoofdrol te casten in de debuutproductie van een van Archibald MacLeish’s verzen, Panic.: 144-158 Op 22 maart 1935 maakte Welles zijn debuut in de CBS radioserie The March of Time, met een scène uit Panic voor een nieuwsbericht over de toneelproductie: 70-71

Tegen 1935 vulde Welles zijn inkomsten uit het theater aan als radio-acteur in Manhattan, waar hij samenwerkte met vele acteurs die later de kern van zijn Mercury Theatre vormden in programma’s als America’s Hour, Cavalcade of America, Columbia Workshop en The March of Time: 331-332 “Binnen een jaar na zijn debuut kon Welles aanspraak maken op het lidmaatschap van die elitegroep van radio-acteurs die salarissen verdienden die alleen de hoogstbetaalde filmsterren evenaarden,” schreef criticus Richard France: 172.

Federaal Theater Project

Het Federal Theatre Project (1935-39) maakte deel uit van de Works Progress Administration en was een New Deal-programma voor de financiering van theater- en andere live-artistieke voorstellingen en amusementsprogramma’s in de Verenigde Staten tijdens de Grote Depressie. Het werd opgezet als een hulpmaatregel om kunstenaars, schrijvers, regisseurs en theatermedewerkers in dienst te nemen. Onder leiding van nationaal directeur Hallie Flanagan werd het gevormd tot een echt nationaal theater dat relevante kunst creëerde, experimenten en innovatie aanmoedigde en het voor miljoenen Amerikanen mogelijk maakte voor het eerst live theater te zien.

John Houseman, directeur van de Negro Theatre Unit in New York, nodigde Welles in 1935 uit om deel te nemen aan het Federal Theatre Project. Welles was verre van werkloos – “ik had zoveel werk dat ik vergat te slapen” – dat hij een groot deel van zijn $1.500 per week aan radio-inkomsten in zijn theaterproducties stak, waardoor hij de administratieve rompslomp omzeilde en de projecten sneller en professioneler kon uitvoeren. “Roosevelt zei ooit dat ik de enige ondernemer in de geschiedenis was die ooit illegaal geld naar een project in Washington had overgeheveld,” zei Welles.: 11-13

Het Federal Theatre Project was de ideale omgeving waarin Welles zijn kunst kon ontwikkelen. Het doel was werkgelegenheid, dus hij kon een willekeurig aantal kunstenaars, ambachtslieden en technici inhuren, en hij vulde het podium met performers: 3 Het gezelschap voor de eerste productie, een bewerking van William Shakespeare’s Macbeth met een volledig Afro-Amerikaanse cast, telde 150 man. De productie werd bekend als de Voodoo Macbeth omdat Welles de setting veranderde naar een mythisch eiland dat het Haïtiaanse hof van Koning Henri Christophe suggereert,: 179-180 met Haïtiaanse vodou in de rol van Schotse hekserij.: 86 Het stuk opende 14 april 1936 in het Lafayette Theatre in Harlem en werd enthousiast ontvangen. Welles, 20 jaar oud, werd geprezen als een wonderkind. De productie maakte vervolgens een nationale tournee van 4000 mijl, waaronder twee weken op de Texas Centennial Exposition in Dallas.

De volgende klucht was Horse Eats Hat, een bewerking door Welles en Edwin Denby van The Italian Straw Hat, een vijfdelige klucht uit 1851 van Eugène Marin Labiche en Marc-Michel: 114 Het stuk werd 26 september – 5 december 1936 opgevoerd in Maxine Elliott’s Theatre, New York: 334 en had Joseph Cotten in zijn eerste hoofdrol: 34 Het werd gevolgd door een bewerking van Dr. Faustus die licht gebruikte als een eerste verenigend scenisch element in een bijna zwart toneel, gepresenteerd 8 januari – 9 mei 1937, in Maxine Elliott’s Theatre…: 335

Buiten het kader van het Federal Theatre Project,: 100 koos de Amerikaanse componist Aaron Copland Welles om The Second Hurricane (1937) te regisseren, een operette met een libretto van Edwin Denby. Gepresenteerd in de Henry Street Settlement Music School in New York ten behoeve van middelbare scholieren, opende de productie op 21 april 1937 en liep de geplande drie voorstellingen…: 337

In 1937 repeteerde Welles de politieke operette The Cradle Will Rock van Marc Blitzstein. Het was oorspronkelijk gepland om 16 juni 1937 te openen, in zijn eerste publieke preview. Vanwege ernstige federale bezuinigingen in de Works Progress projecten, werd de première van de show in het Maxine Elliott Theatre geannuleerd. Het theater werd afgesloten en bewaakt om te voorkomen dat door de overheid aangeschafte materialen zouden worden gebruikt voor een commerciële productie van het werk. Op het laatste moment kondigde Welles aan de wachtende tickethouders aan dat de show werd verplaatst naar het Venice, 20 blokken verderop. Een deel van de cast, en een deel van de crew en het publiek, liepen de afstand te voet. De vakbondsmuzikanten weigerden op te treden in een commercieel theater voor lagere, niet door de vakbond betaalde lonen. De acteursbond stelde dat de productie behoorde tot het Federal Theatre Project en niet zonder toestemming daarbuiten kon worden opgevoerd. Bij gebrek aan deelname van de vakbondsleden begon The Cradle Will Rock met een inleiding van Blitzstein en het spelen van de pianobegeleiding op het podium, waarbij enkele castleden vanuit het publiek optraden. Deze geïmproviseerde voorstelling werd goed ontvangen door het publiek.

Mercurius Theater

Welles en Houseman braken in 1937 met het Federal Theatre Project en richtten hun eigen repertoiregezelschap op, dat zij het Mercury Theatre noemden. De naam was geïnspireerd op de titel van het iconoclastische tijdschrift The American Mercury: 119-120 Welles was uitvoerend producent, en het oorspronkelijke gezelschap bestond uit acteurs als Joseph Cotten, George Coulouris, Geraldine Fitzgerald, Arlene Francis, Martin Gabel, John Hoyt, Norman Lloyd, Vincent Price, Stefan Schnabel en Hiram Sherman.

“Ik denk dat hij het grootste regietalent was dat we ooit in het theater hebben gehad,” zei Lloyd over Welles in een interview uit 2014. “Als je een productie van Welles zag, zag je dat de tekst was aangetast, de enscenering was opmerkelijk, de decors waren ongewoon, muziek, geluid, belichting, een totaliteit van alles. Zo’n man hadden we nog niet in ons theater gehad. Hij was de eerste en blijft de grootste.”

Het Mercury Theatre opende 11 november 1937 met Caesar, Welles’ modern geklede bewerking van Shakespeares tragedie Julius Caesar, gestroomlijnd tot een antifascistische tour de force die Joseph Cotten later omschreef als “zo krachtig, zo eigentijds dat Broadway op zijn kop stond”: 108 Het decor was volledig open zonder gordijn en de bakstenen toneelmuur was donkerrood geschilderd. Scènewisselingen werden alleen door licht gerealiseerd: 165 Op het toneel stond een reeks stellages; in één daarvan werden met tussenpozen vierkanten gesneden en daaronder werden lichten geplaatst die recht omhoog wezen om de “kathedraal van licht” bij de Neurenbergse bijeenkomsten op te roepen. “Hij ensceneerde het als een politiek melodrama dat de avond ervoor was gebeurd,” zei Lloyd.

Vanaf 1 januari 1938 werd Caesar opgevoerd in repertoire met The Shoemaker’s Holiday; beide producties verhuisden naar het grotere National Theatre. Ze werden gevolgd door Heartbreak House (29 april 1938) en Danton’s Death (5 november 1938)…: 344 The Cradle Will Rock werd in december 1937 niet alleen in een afgeslankte oratoriumversie gepresenteerd in het Mercury Theatre op zondagavond, maar stond ook 13 weken lang in het Windsor Theatre (4 januari – 2 april 1938)…: 340 Het succes van het Mercury Theatre was zo groot dat Welles op de cover van Time magazine verscheen, in volledige make-up als Captain Shotover in Heartbreak House, in het nummer van 9 mei 1938 – drie dagen na zijn 23e verjaardag.

Op 6 april 1938, tijdens een productie van Caesar, stak Orson Welles per ongeluk Joseph Holland met een stalen mes tijdens Act 3 Scene 1 waar Brutus Caesar verraadt, een echt mes werd gebruikt vanwege de manier waarop het dramatisch het licht ving tijdens de scène. Holland had een maand nodig om te herstellen van de verwonding, en dit incident beschadigde permanent de relaties tussen de twee.

Tussen 1935 en 1937 verdiende hij wel 2.000 dollar per week en pendelde hij in zo’n tempo tussen radiostudio’s dat hij nauwelijks op tijd aankwam om zijn tekst te scannen voordat hij in de lucht was. Terwijl hij de Voodoo Macbeth regisseerde, pendelde Welles drie keer per dag tussen Harlem en Manhattan om aan zijn radioverplichtingen te voldoen..: 172

Naast het doorgaan als een repertoire speler in The March of Time, in de herfst van 1936 bewerkte Welles Hamlet en voerde deze op in een vroege tweedelige aflevering van CBS Radio’s Columbia Workshop. Zijn optreden als de omroeper in de april 1937 presentatie van Archibald MacLeish’s versdrama The Fall of the City was een belangrijke ontwikkeling in zijn radiocarrière: 78 en maakte van de 21-jarige Welles een ster van de ene op de andere dag: 46

In juli 1937 gaf de Mutual Network Welles een zeven weken durende serie om Les Misérables te bewerken. Het was zijn eerste klus als schrijver-regisseur voor de radio,: 338 het radiodebuut van het Mercury Theatre, en een van Welles’ vroegste en mooiste prestaties…: 160 Hij vond het gebruik van vertellingen op de radio uit.: 88

“Door zichzelf tot middelpunt van het vertelproces te maken, voedde Welles de indruk van zelfverheerlijking die zijn carrière tot op zijn sterfdag zou achtervolgen”, schreef criticus Andrew Sarris. “Voor het grootste deel was Welles echter bijzonder genereus voor de andere leden van zijn cast en wekte hij bij hen loyaliteit op die verder ging dan het professionele.”: 8

Die september koos Mutual Welles om Lamont Cranston te spelen, ook bekend als The Shadow. Hij speelde de rol anoniem tot half september 1938.

Het Mercury Theater in de lucht

Na de theatrale successen van het Mercury Theatre, nodigde CBS Radio Orson Welles uit om een zomershow te maken voor 13 weken. De serie begon op 11 juli 1938, aanvankelijk getiteld First Person Singular, met de formule dat Welles in elke show de hoofdrol zou spelen. Enkele maanden later heette de show The Mercury Theatre on the Air: 12 De wekelijkse show van een uur presenteerde hoorspelen gebaseerd op klassieke literaire werken, met originele muziek gecomponeerd en gedirigeerd door Bernard Herrmann.

De radiobewerking door het Mercury Theater van The War of the Worlds van H.G. Wells op 30 oktober 1938 bracht Welles onmiddellijke roem. De combinatie van het nieuwsbulletin van de voorstelling met de gewoonten van de luisteraars om tussen de pauzes door de draaischijf te draaien, zou later tot grote verwarring hebben geleid bij luisteraars die de inleiding niet hoorden, hoewel de omvang van deze verwarring in twijfel is getrokken. Naar verluidt werd paniek gezaaid onder luisteraars die de fictieve nieuwsberichten over een Marsinvasie geloofden. De door de combinatie gecreëerde mythe van het resultaat werd wereldwijd als feit gemeld en door Adolf Hitler in een openbare toespraak geringschattend genoemd.

Welles’ groeiende roem trok Hollywood aanbiedingen, lokken die de onafhankelijke Welles eerst weerstond. The Mercury Theatre on the Air, dat een duurzame show was geweest (zonder sponsoring) werd opgepikt door Campbell Soup en omgedoopt tot The Campbell Playhouse. The Mercury Theatre on the Air maakte zijn laatste uitzending op 4 december 1938, en The Campbell Playhouse begon vijf dagen later.

Welles begon van Californië naar New York te pendelen voor de twee zondagse uitzendingen van The Campbell Playhouse nadat hij in augustus 1939 een filmcontract had getekend met RKO Pictures. In november 1939 verhuisde de productie van de show van New York naar Los Angeles..: 353

Na 20 shows begon Campbell meer creatieve controle uit te oefenen en had volledige controle over de verhaalselectie. Toen zijn contract met Campbell afliep, koos Welles ervoor om niet nog een seizoen te tekenen. Na de uitzending van 31 maart 1940, gingen Welles en Campbell in der minne.: 221-226

RKO Radio Pictures president George Schaefer bood Welles uiteindelijk wat algemeen beschouwd wordt als het grootste contract aangeboden aan een filmmaker, veel minder aan een die nog geen ervaring had. Het contract gaf hem de opdracht te schrijven, te produceren, te regisseren en in twee films op te treden. Het contract maakte de financiële belangen van de studio ondergeschikt aan Welles’ creatieve controle en brak alle precedenten door Welles het recht op de laatste snede te geven: 1-2 Nadat Welles op 22 juli een beknopte overeenkomst met RKO had getekend, tekende hij op 21 augustus 1939 een volledig contract van 63 pagina’s.: 353 De overeenkomst werd de Hollywood-studio’s bitter kwalijk genomen en hardnekkig bespot in de vakpers.: 2

Citizen Kane

RKO wees Welles’ eerste twee filmvoorstellen af, maar ging akkoord met het derde aanbod – Citizen Kane. Welles schreef mee, produceerde en regisseerde de film, en hij vertolkte de hoofdrol. Welles bedacht het project samen met scenarioschrijver Herman J. Mankiewicz, die hoorspelen schreef voor The Campbell Playhouse: 16 Mankiewicz baseerde de oorspronkelijke opzet van het filmscript op het leven van William Randolph Hearst, die hij sociaal kende en ging haten nadat hij uit Hearst’s kring was verbannen: 231

Nadat hij het eens was geworden over de verhaallijn en het personage, leverde Welles Mankiewicz 300 pagina’s met aantekeningen en gaf hem een contract om het eerste scenario te schrijven onder toezicht van John Houseman. Welles schreef zijn eigen ontwerp,: 54 verkortte en herschikte beide versies en voegde zijn eigen scènes toe. De industrie beschuldigde Welles ervan Mankiewicz’ bijdrage aan het script te bagatelliseren, maar Welles weerlegde de aanvallen door te zeggen: “Uiteindelijk was ik natuurlijk degene die de film maakte – die moest de beslissingen nemen. Ik gebruikte wat ik wilde van Mank en hield, terecht of onterecht, wat ik leuk vond van mezelf.”: 54

Welles’ project trok enkele van Hollywoods beste technici aan, waaronder cinematograaf Gregg Toland. Voor de cast gebruikte Welles voornamelijk acteurs uit zijn Mercury Theatre. Het filmen van Citizen Kane duurde tien weken.

De kranten van Hearst verboden elke verwijzing naar Citizen Kane en oefenden enorme druk uit op de filmwereld in Hollywood om RKO te dwingen de film in de ijskast te zetten: 111 RKO-chef George Schaefer kreeg een aanbod in contanten van MGM’s Louis B. Mayer en andere grote studiodirecteuren als hij het negatief en de bestaande afdrukken van de film zou vernietigen: 112

In afwachting van Citizen Kane produceerde en regisseerde Welles de originele Broadway productie van Native Son, een drama geschreven door Paul Green en Richard Wright, gebaseerd op Wright’s roman. De show, met Canada Lee in de hoofdrol, liep van 24 maart tot 28 juni 1941 in het St. James Theatre. De Mercury Productie was de laatste keer dat Welles en Houseman samenwerkten: 12

Citizen Kane werd beperkt uitgebracht en de film kreeg overweldigende kritieken. Hij werd door de National Board of Review en de New York Film Critics Circle uitgeroepen tot de beste film van 1941. De film kreeg negen Academy Award nominaties maar won alleen voor Best Original Screenplay, gedeeld door Mankiewicz en Welles. Variety rapporteerde dat blokstemming door figuranten Citizen Kane beroofde van Oscars voor Beste Film en Beste Acteur (Welles), en soortgelijke vooroordelen waren waarschijnlijk verantwoordelijk voor het feit dat de film geen technische prijzen ontving: 117

De vertraging in de release van de film en de ongelijke distributie droegen bij tot middelmatige resultaten aan de kassa. Nadat de film in de bioscoop was uitgekomen, werd Citizen Kane in 1942 in de kluis gelegd. In het naoorlogse Frankrijk groeide de reputatie van de film echter nadat hij in 1946 voor het eerst was gezien: 117-118 In de Verenigde Staten begon men de film te herwaarderen nadat hij in 1956 op televisie was verschenen. Dat jaar werd hij ook opnieuw uitgebracht in de bioscoop: 119 en filmcriticus Andrew Sarris beschreef hem als “de grote Amerikaanse film” en “het werk dat de film meer diepgaand beïnvloedde dan enige andere Amerikaanse film sinds The Birth of a Nation.” Citizen Kane wordt nu alom geprezen als een van de beste films ooit gemaakt.

The Magnificent Ambersons

Welles’ tweede film voor RKO was The Magnificent Ambersons, door Welles bewerkt naar de Pulitzer Prize-winnende roman van Booth Tarkington. Toland was niet beschikbaar, dus werd Stanley Cortez benoemd tot cinematograaf. De nauwgezette Cortez werkte traag en de film liep achter op het schema en overschreed het budget. Voor de productie werd Welles’ contract heronderhandeld, waardoor hij niet langer het recht had om de uiteindelijke versie te controleren. The Magnificent Ambersons was in productie van 28 oktober 1941 tot 22 januari 1942.

Tijdens de opnamen van de film produceerde Welles ook een wekelijkse radioreeks van een half uur, The Orson Welles Show. Veel van de cast van Ambersons namen deel aan de CBS radioserie, die liep van 15 september 1941 tot 2 februari 1942: 525

Reis naar de angst

Op verzoek van RKO werkte Welles aan een bewerking van Eric Amblers spionagethriller Journey into Fear, geschreven samen met Joseph Cotten. Naast het acteren in de film, was Welles de producent. De regie was in handen van Norman Foster. Welles zei later dat ze zo’n haast hadden dat de regisseur van elke scène werd bepaald door degene die het dichtst bij de camera stond.: 165

Journey into Fear was in productie van 6 januari tot 12 maart 1942.

Oorlogswerk

Eind november 1941 werd Welles door Nelson Rockefeller, Amerikaans coördinator van Inter-Amerikaanse Zaken en grootaandeelhouder van RKO Radio Pictures, aangesteld als goodwill-ambassadeur voor Latijns-Amerika: 244 De missie van de OCIAA was culturele diplomatie, het bevorderen van de solidariteit tussen de halfronden en het tegengaan van de groeiende invloed van de As-mogendheden in Latijns-Amerika. : 10-11 John Hay Whitney, hoofd van de Motion Picture Division van het agentschap, werd door de Braziliaanse regering gevraagd een documentaire te maken van het jaarlijkse carnavalsfeest in Rio dat begin februari 1942 plaatsvond: 40-41 In een telegram van 20 december 1941 schreef Whitney aan Welles: “Persoonlijk geloof ik dat u met dit project een grote bijdrage zou leveren aan de solidariteit op het halfrond.”: 65

De OCIAA sponsorde culturele reizen naar Latijns-Amerika en benoemde goodwill ambassadeurs waaronder George Balanchine en het Amerikaanse Ballet, Bing Crosby, Aaron Copland, Walt Disney, John Ford en Rita Hayworth. Welles werd vlak voor zijn vertrek naar Brazilië grondig gebrieft in Washington D.C., en filmwetenschapper Catherine L. Benamou, een specialist in Latijns-Amerikaanse zaken, vindt het “niet onwaarschijnlijk” dat hij bij de goodwill-ambassadeurs hoorde die werden gevraagd om naast hun culturele taken ook inlichtingen te verzamelen voor de Amerikaanse regering. Zij concludeert dat Welles’ aanvaarding van Whitney’s verzoek “een logische en patriottische keuze” was…: 245-247

Naast zijn mislukte filmproject It’s All True was Welles verantwoordelijk voor radioprogramma’s, lezingen, interviews en informele gesprekken als onderdeel van zijn door OCIAA gesponsorde culturele missie, die als een succes werd beschouwd: 192 Hij sprak over onderwerpen variërend van Shakespeare tot beeldende kunst op bijeenkomsten van de Braziliaanse elite, en zijn twee intercontinentale radio-uitzendingen in april 1942 waren vooral bedoeld om het Amerikaanse publiek te vertellen dat president Vargas een partner van de geallieerden was. Welles’ ambassadeursmissie werd uitgebreid zodat hij ook naar andere landen kon reizen, waaronder Argentinië, Bolivia, Chili, Colombia, Ecuador, Guatemala, Mexico, Peru en Uruguay.: 247-249, 328 Welles werkte meer dan een half jaar zonder vergoeding…: 189

Welles’ eigen verwachtingen voor de film waren bescheiden. “It’s All True zou geen filmgeschiedenis schrijven, en dat was ook niet de bedoeling,” zei hij later. “Het was bedoeld als een perfect eervolle uitvoering van mijn taak als goodwill-ambassadeur, die het noordelijk halfrond entertainment bracht dat hen iets liet zien over het zuidelijk halfrond.”: 253

In juli 1941 bedacht Welles It’s All True als een omnibusfilm die documentaire en docufictie mengde: 27 in een project dat de waardigheid van arbeid benadrukte en de culturele en etnische diversiteit van Noord-Amerika vierde. Het zou zijn derde film voor RKO worden, na Citizen Kane (1941) en The Magnificent Ambersons (1942): 109 Duke Ellington werd onder contract gezet om een segment te scoren met de werktitel “The Story of Jazz”, ontleend aan Louis Armstrongs autobiografie uit 1936, Swing That Music.: 232-233 Armstrong werd gecast om zichzelf te spelen in de korte dramatisering van de geschiedenis van de jazzuitvoering, van zijn wortels tot zijn plaats in de Amerikaanse cultuur in de jaren 1940…: 109 “The Story of Jazz” zou in december 1941 in productie gaan.: 119-120

Mercury Productions kocht de verhalen voor twee andere segmenten – “My Friend Bonito” en “The Captain’s Chair” – van documentairemaker Robert J. Flaherty: 33, 326 Aangepast door Norman Foster en John Fante, was “My Friend Bonito” het enige segment van het originele It’s All True dat in productie ging…: 109 Het filmen vond plaats in Mexico september-december 1941, waarbij Norman Foster regisseerde onder toezicht van Welles…: 311

In december 1941 vroeg het Office of the Coordinator of Inter-American Affairs Welles om een film in Brazilië te maken die het Carnaval in Rio de Janeiro zou laten zien: 65 Met het filmen van “My Friend Bonito” voor tweederde voltooid, besloot Welles dat hij de geografie van It’s All True kon verschuiven en Flaherty’s verhaal kon opnemen in een omnibusfilm over Latijns-Amerika – ter ondersteuning van de Good Neighbor policy van de regering Roosevelt, waar Welles een groot voorstander van was. : 41, 246 In dit herziene concept werd “The Story of Jazz” vervangen door het verhaal van de samba, een muziekvorm met een vergelijkbare geschiedenis en een die Welles ging fascineren. Hij besloot ook een van de krantenkoppen gerukte aflevering te maken over de epische reis van vier arme Braziliaanse vissers, de jangadeiros, die nationale helden waren geworden. Welles zei later dat dit het meest waardevolle verhaal was: 15

Verplicht om begin februari 1942 het Carnaval in Rio de Janeiro te filmen, haastte Welles zich om The Magnificent Ambersons te bewerken en zijn acteerscènes in Journey into Fear af te maken. Hij beëindigde zijn lucratieve CBS radio show: 189 februari 2, vloog naar Washington, D.C., voor een briefing, en las vervolgens in Miami met redacteur Robert Wise een ruwe montage van Ambersons in elkaar: 369-370 Welles nam het verhaal van de film op de avond voor zijn vertrek naar Zuid-Amerika: “Ik ging naar de projectiekamer om ongeveer vier uur ’s ochtends, deed het hele ding, en stapte toen op het vliegtuig en op weg naar Rio – en het einde van de beschaving zoals wij die kennen.” 115

Welles vertrok op 4 februari naar Brazilië en begon op 8 februari 1942 met filmen in Rio: 369-370 Op dat moment leek het er niet op dat Welles’ andere filmprojecten zouden worden verstoord, maar zoals filmhistorica Catherine L. Benamou schreef, “de benoeming als ambassadeur zou de eerste zijn in een reeks van keerpunten die, eerder in ‘zigs’ en ‘zags’ dan in een rechte lijn, zouden leiden tot Welles’ verlies van de volledige regiecontrole over zowel The Magnificent Ambersons als It’s All True, de opzegging van zijn contract bij RKO Radio Studio, de verbanning van zijn bedrijf Mercury Productions van het RKO-kavel, en, uiteindelijk, de totale opschorting van It’s All True: 46

In 1942 onderging RKO Pictures grote veranderingen onder nieuw management. Nelson Rockefeller, de voornaamste geldschieter van het Braziliaanse project, verliet de raad van bestuur en Welles’ voornaamste sponsor bij RKO, studiopresident George Schaefer, nam ontslag. RKO nam de controle over Ambersons en monteerde de film in wat de studio beschouwde als een commercieel formaat. Welles’ pogingen om zijn versie te beschermen mislukten uiteindelijk. In Zuid-Amerika vroeg Welles om middelen om It’s All True af te maken. Met een beperkte hoeveelheid zwart-wit film en een stille camera kon hij de aflevering over de jangadeiros afmaken, maar RKO weigerde verdere productie van de film te steunen.

“Dus ik werd ontslagen bij RKO,” herinnerde Welles zich later. “En ze maakten er een groot publicitair punt van dat ik zonder script naar Zuid-Amerika was gegaan en al dat geld had weggegooid. Ik ben die aanval nooit te boven gekomen.”: 188 Later in 1942, toen RKO Pictures haar nieuwe bedrijfsmotto begon te promoten, “Showmanship In Place of Genius: A New Deal at RKO”,: 29 begreep Welles het als een verwijzing naar hem.: 188

Welles keerde terug naar de Verenigde Staten op 22 augustus 1942, na meer dan zes maanden in Zuid-Amerika. Hij produceerde en presenteerde de eerste twee uur van een zeven uur durende uitzending met de titel I Pledge America. Op 29 augustus 1942 werd het programma uitgezonden op het Blue Network in samenwerking met het United States Department of the Treasury, Western Union (die gratis obligatie-abonnementen doorstuurde) en de American Women’s Voluntary Services. Met 21 dansgroepen en een groot aantal podium-, scherm- en radiosterren bracht de uitzending meer dan 10 miljoen dollar op – vandaag meer dan 146 miljoen dollar.

Op 12 oktober 1942 presenteerde Cavalcade of America Welles’ hoorspel Admiral of the Ocean Sea, een onderhoudende en feitelijke kijk op de legende van Christoffel Columbus.

“Het behoort tot een periode waarin de eenheid van het halfrond een cruciale zaak was en veel programma’s werden gewijd aan het gemeenschappelijke erfgoed van de Amerika’s,” schreef omroephistoricus Erik Barnouw. “Veel van dergelijke programma’s werden vertaald in het Spaans en Portugees en uitgezonden naar Latijns-Amerika, om tegenwicht te bieden aan de jarenlange succesvolle Axis-propaganda naar dat gebied. De As probeerde Latijns-Amerika op te hitsen tegen Anglo-Amerika en benadrukte voortdurend de verschillen tussen beide. Het werd de taak van de Amerikaanse radio om hun gemeenschappelijke ervaring en essentiële eenheid te benadrukken.”: 3

Admiral of the Ocean Sea, ook bekend als Columbus Day, begint met de woorden “Hello Americans” – de titel die Welles vijf weken later voor zijn eigen serie zou kiezen.: 373

Hello Americans, een CBS radioserie die werd uitgezonden van 15 november 1942 tot 31 januari 1943, werd geproduceerd, geregisseerd en gepresenteerd door Welles onder auspiciën van het Bureau van de Coördinator voor Inter-Amerikaanse Zaken. Het wekelijkse programma van 30 minuten bevorderde inter-Amerikaans begrip en vriendschap, gebruik makend van het onderzoek dat was verzameld voor de mislukte film It’s All True. De serie werd gelijktijdig geproduceerd met Welles’ andere CBS-serie, Ceiling Unlimited (9 november 1942 – 1 februari 1943), gesponsord door de Lockheed-Vega Corporation. Het programma was bedoeld om de luchtvaartindustrie te verheerlijken en de rol ervan in de Tweede Wereldoorlog te dramatiseren. Welles’ shows werden beschouwd als belangrijke bijdragen aan de oorlogsinspanning..: 64

Gedurende de hele oorlog werkte Welles aan patriottische radioprogramma’s waaronder Command Performance, G.I. Journal, Mail Call, Nazi Eyes on Canada, Stage Door Canteen en Treasury Star Parade.

Begin 1943 waren de twee gelijktijdige radioseries (Ceiling Unlimited, Hello Americans) die Orson Welles voor CBS maakte om de oorlogsinspanning te ondersteunen, afgelopen. Het filmen van de verfilming van Jane Eyre in 1943 was ook voltooid en dat honorarium, naast de inkomsten uit zijn regelmatige gastrollen op de radio, maakte het voor Welles mogelijk om een levenslange droom te vervullen. Hij benaderde de War Assistance League of Southern California en stelde een show voor die uitgroeide tot een groot spektakel, deels circus en deels goochelshow. Hij bood zijn diensten aan als goochelaar en regisseur: 40 en investeerde zo’n 40.000 dollar van zijn eigen geld in een extravaganza die hij samen met zijn vriend Joseph Cotten produceerde: The Mercury Wonder Show for Service Men. Leden van de Amerikaanse strijdkrachten hadden gratis toegang, terwijl het grote publiek moest betalen: 26 De show vermaakte elke avond meer dan 1.000 militairen en de opbrengst ging naar de War Assistance League, een liefdadigheidsinstelling voor militairen.

De ontwikkeling van de show viel samen met de oplossing van Welles’ vaak veranderende dienstplichtstatus in mei 1943, toen hij uiteindelijk 4-F werd verklaard – ongeschikt voor militaire dienst om verschillende medische redenen. “Ik voelde me schuldig over de oorlog,” vertelde Welles aan biograaf Barbara Leaming. “Ik voelde me schuldig over mijn burgerlijke status”: 86 Hij werd publiekelijk opgejaagd over zijn patriottisme sinds Citizen Kane, toen de Hearst pers hardnekkig begon te vragen waarom Welles niet was opgeroepen.

De Mercury Wonder Show liep van 3 augustus tot 9 september 1943, in een tent van 80 bij 120 meter op 900 Cahuenga Boulevard, in het hart van Hollywood.: 26

Tijdens de pauze op 7 september 1943 interviewde KMPC radio publiek en castleden van The Mercury Wonder Show – waaronder Welles en Rita Hayworth, die eerder die dag getrouwd waren. Welles merkte op dat The Mercury Wonder Show was opgevoerd voor ongeveer 48.000 leden van de Amerikaanse strijdkrachten…: 129

Welles kwam op het idee om een variétéshow te maken na zijn succes als vervangend presentator van vier opeenvolgende afleveringen (14 maart – 4 april 1943) van The Jack Benny Program, radio’s populairste show, toen Benny een longontsteking opliep tijdens een tournee langs militaire bases. The Orson Welles Almanac, een variétéshow van een half uur die van 26 januari tot 19 juli 1944 werd uitgezonden op het Columbia Pacific Network, bestond uit sketchcomedy, magie, mindreading, muziek en voordrachten uit klassieke werken. Veel van de shows vonden hun oorsprong in Amerikaanse militaire kampen, waar Welles en zijn repertoiregezelschap en gasten de troepen vermaakten met een gereduceerde versie van The Mercury Wonder Show. De optredens van de all-star jazzgroep die Welles voor de show bijeenbracht waren zo populair dat de band een vast onderdeel werd en een belangrijke kracht was om de belangstelling voor de traditionele New Orleans jazz nieuw leven in te blazen: 85  Welles werd op 15 mei 1944 op de loonlijst van het Amerikaanse ministerie van Financiën geplaatst als deskundige adviseur voor de duur van de oorlog, met een voorschot van $ 1 per jaar. Op aanbeveling van President Franklin D. Roosevelt, vroeg Secretary of the Treasury Henry Morgenthau aan Welles om de Vijfde War Loan Drive te leiden, die 12 juni opende met een één uur durende radioshow op alle vier netwerken, uitgezonden vanuit Texarkana, Texas. Inclusief een verklaring van de president, definieerde het programma de oorzaken van de oorlog en moedigde Amerikanen aan om voor $ 16 miljard aan obligaties te kopen om de landing in Normandië en de meest gewelddadige fase van de Tweede Wereldoorlog te financieren. Welles produceerde extra uitzendingen over de oorlogsleningen op 14 juni vanuit de Hollywood Bowl, en op 16 juni vanuit Soldier Field, Chicago.: 371-373 Amerikanen kochten voor 20,6 miljard dollar aan oorlogsobligaties tijdens de vijfde oorlogsleningenactie, die eindigde op 8 juli 1944.

Welles voerde in 1944 vurig campagne voor Roosevelt. Als oude supporter en campagneleider van FDR stuurde hij de president af en toe ideeën en zinnen die soms werden opgenomen in wat Welles omschreef als “minder belangrijke toespraken”..: 372, 374 Een van deze ideeën was de grap in wat later de Fala-speech werd genoemd, Roosevelts nationaal uitgezonden toespraak van 23 september tot de International Teamsters Union, waarmee de presidentiële campagne van 1944 werd geopend.

Welles voerde in de herfst van 1944 bijna fulltime campagne voor het Roosevelt-Truman ticket, en reisde naar bijna elke staat: 373-374 ten koste van zijn eigen gezondheid: 219 Naast zijn radiotoespraken viel hij in voor Roosevelt, tegenover de Republikeinse presidentskandidaat Thomas E. Dewey, tijdens The New York Herald Tribune Forum dat op 18 oktober werd uitgezonden op het Blue Network: 292 Welles vergezelde FDR naar zijn laatste campagnebijeenkomst, waar hij op 4 november in Boston’s Fenway Park voor 40.000 mensen sprak, en nam deel aan een historische verkiezingscampagne-uitzending op 6 november op alle vier de radionetwerken: 166-167

Op 21 november 1944 begon Welles zijn samenwerking met This Is My Best, een CBS radioserie die hij kort zou produceren, regisseren, schrijven en presenteren (13 maart – 24 april 1945). Hij schreef een politieke column genaamd Orson Welles’ Almanac (later getiteld Orson Welles Today) voor The New York Post januari-november 1945, en bepleitte de voortzetting van FDR’s New Deal beleid en zijn internationale visie, in het bijzonder de oprichting van de Verenigde Naties en de zaak van de wereldvrede: 84

Op 12 april 1945, de dag dat Franklin D. Roosevelt overleed, verzamelde het Blue-ABC netwerk zijn hele staf en nationale leiders om een eerbetoon te brengen aan de overleden president. “Onder de uitstekende programma’s die veel aandacht trokken was een speciaal eerbetoon van Orson Welles”, meldde Broadcasting Magazine. Welles sprak om 22.10 uur Eastern War Time, vanuit Hollywood, en benadrukte het belang om het werk van FDR voort te zetten: “Hij heeft geen behoefte aan eerbetoon en wij die van hem hielden hebben geen tijd voor tranen … Onze strijdende zonen en broeders kunnen vanavond niet stilstaan bij de dood van hem wiens naam zal worden gegeven aan het tijdperk waarin wij leven.”

Welles presenteerde de volgende avond nog een speciale uitzending over de dood van Roosevelt: “We moeten verder gaan dan alleen de dood, naar die vrije wereld die de hoop en het werk van zijn leven was.” 242

Hij wijdde de aflevering van This Is My Best van 17 april aan Roosevelt en de toekomst van Amerika aan de vooravond van de Conferentie van de Verenigde Naties over internationale organisatie. Welles was adviseur en correspondent voor het Blue-ABC radio netwerk bij het verslaan van de San Francisco conferentie die de VN vormde, die plaatsvond van 24 april tot 23 juni 1945. Hij presenteerde een half uur durend dramatisch programma geschreven door Ben Hecht op de openingsdag van de conferentie, en op zondagmiddag (29 april – 10 juni) leidde hij een wekelijkse discussie vanuit het San Francisco Civic Auditorium.

De vreemdeling

In de herfst van 1945 begon Welles te werken aan The Stranger (1946), een film noir drama over een onderzoeker van oorlogsmisdaden die een hoge Nazi vluchteling opspoort in een idyllisch stadje in New England. Edward G. Robinson, Loretta Young en Welles spelen de hoofdrollen.

Producent Sam Spiegel was aanvankelijk van plan regisseur John Huston in te huren, die het scenario van Anthony Veiller had herschreven. Toen Huston het leger inging, kreeg Welles de kans om te regisseren en te bewijzen dat hij in staat was een film op tijd en onder budget te maken: 19 -iets wat hij zo graag wilde doen dat hij een nadelig contract accepteerde. Een van zijn concessies was dat hij zich zou onderwerpen aan de studio in elk creatief geschil..: 309-310

The Stranger was Welles’ eerste klus als filmregisseur in vier jaar..: 391 Hem werd verteld dat als de film succesvol was, hij een deal voor vier films kon tekenen met International Pictures, waarbij hij zelf films kon maken..: 379 Welles kreeg enige mate van creatieve controle,: 19 en hij trachtte de film te personaliseren en een nachtmerrieachtige toon te ontwikkelen.: 2:30 Hij werkte aan de algemene herschrijving van het script en schreef scènes aan het begin van de film die werden opgenomen maar vervolgens door de producenten werden geschrapt.: 186 Hij filmde in lange takes die de controle die redacteur Ernest J. Nims onder de voorwaarden van het contract had gekregen, grotendeels doorkruisten.: 15:45

The Stranger was de eerste commerciële film waarin documentaire beelden van de nazi-concentratiekampen werden gebruikt. Welles had de beelden begin mei 1945 gezien: 56 als correspondent en gespreksleider op de VN-conferentie over internationale organisatie..: 304 Hij schreef over de Holocaust beelden in zijn gesyndiceerde New York Post column van 7 mei 1945.: 56-57

Een dag eerder voltooid dan gepland en onder budget: 379-380 The Stranger was de enige film van Welles die bij de release een echt kassucces was. Hij kostte 1,034 miljoen dollar; 15 maanden na de release had hij 3,216 miljoen dollar opgebracht. Binnen enkele weken na de voltooiing van de film trok International Pictures zich terug uit de beloofde deal van vier films met Welles. Er werd geen reden opgegeven, maar de indruk werd gewekt dat The Stranger geen geld zou opbrengen: 381

Over de hele wereld

In de zomer van 1946 verhuisde Welles naar New York om de Broadway musical Around the World te regisseren, een toneelbewerking van de Jules Verne roman Around the World in Eighty Days met een boek van Welles en muziek van Cole Porter. Producent Mike Todd, die later de succesvolle verfilming van 1956 zou produceren, trok zich terug uit de uitbundige en dure productie en liet Welles achter om de financiën te ondersteunen. Toen Welles geen geld meer had, overtuigde hij Columbia Pictures president Harry Cohn om genoeg geld te sturen om de show voort te zetten, en in ruil daarvoor beloofde Welles om voor Cohn een film te schrijven, te produceren, te regisseren en er de hoofdrol in te spelen, zonder verdere vergoeding. De show mislukte al snel door slechte kassa’s en Welles kon de verliezen niet verhalen op zijn belastingen.

Radio (1946)

In 1946 begon Welles met twee nieuwe radioseries: Mercury Summer Theatre of the Air voor CBS en Orson Welles Commentaries voor ABC. Terwijl Mercury Summer Theatre bestond uit half uur durende adaptaties van enkele klassieke Mercury radioshows uit de jaren 1930, was de eerste aflevering een condensatie van zijn toneelstuk Around the World, en is de enige opname van Cole Porter’s muziek voor het project. Verschillende originele Mercury acteurs keerden terug voor de serie, evenals Bernard Herrmann. Welles investeerde zijn inkomsten in zijn mislukte toneelstuk. Commentaries was een politiek voertuig voor hem, een voortzetting van de thema’s uit zijn New York Post column. Wederom had Welles geen duidelijke focus, totdat de NAACP zijn aandacht vestigde op de zaak van Isaac Woodard. Welles bracht aanzienlijke aandacht voor Woodard’s zaak.

De laatste uitzending van Orson Welles Commentaries op 6 oktober 1946 betekende het einde van Welles’ eigen radioshows..: 401

De dame uit Shanghai

De film die Welles moest maken in ruil voor Harry Cohn’s hulp bij de financiering van de toneelproductie Around the World was The Lady from Shanghai, gefilmd in 1947 voor Columbia Pictures. Bedoeld als een bescheiden thriller, schoot het budget omhoog nadat Cohn voorstelde om Welles’ toenmalige tweede vrouw Rita Hayworth mee te laten spelen.

Cohn had een hekel aan Welles’ ruwe montage, met name de verwarrende plot en het gebrek aan close-ups, en was het niet eens met Welles’ Brechtiaanse gebruik van ironie en zwarte komedie, met name in een kluchtige rechtbankscène. Cohn gaf opdracht tot uitgebreide montage en heropnames. Na zware montage door de studio werd ongeveer een uur van Welles’ eerste cut verwijderd, inclusief een groot deel van een climaxscène in een pretpark funhouse. Welles uitte zijn ongenoegen over de cuts, maar was vooral ontzet over de muzikale score. De film werd beschouwd als een ramp in Amerika op het moment van de release, hoewel de afsluitende schietpartij in een spiegelzaal (het gebruik van spiegels is een terugkerend motief van Welles) sindsdien een toetssteen van de film noir is geworden. Niet lang na de release zijn Welles en Hayworth gescheiden.

Hoewel The Lady from Shanghai werd geprezen in Europa, werd het pas decennia later omarmd in de VS, waar het nu vaak wordt beschouwd als een klassieker van de film noir. Een vergelijkbaar verschil in ontvangst aan weerszijden van de Atlantische Oceaan, gevolgd door een grotere Amerikaanse aanvaarding, overkwam de door Welles geïnspireerde Chaplin-film Monsieur Verdoux, oorspronkelijk te regisseren door Welles met Chaplin in de hoofdrol, vervolgens geregisseerd door Chaplin met het idee toegeschreven aan Welles.

Macbeth

Voor 1948 overtuigde Welles Republic Pictures om hem een low-budget versie van Macbeth te laten regisseren, met sterk gestileerde sets en kostuums, en een cast van acteurs die lipsynchroniseerden op een vooraf opgenomen soundtrack, een van de vele innovatieve kostenbesparende technieken die Welles gebruikte in een poging om een epische film te maken met B-film middelen. Het script, bewerkt door Welles, is een gewelddadige bewerking van Shakespeare’s origineel, waarbij hij vrijelijk lijnen in nieuwe contexten knipt en plakt via een collagetechniek en Macbeth herschrijft als een botsing van heidense en proto-christelijke ideologieën. Enkele voodoo-trekjes van de beroemde Welles

Republic trompetterde de film aanvankelijk op als een belangrijk werk, maar besloot dat het niet gaf om de Schotse accenten en hield de algemene release bijna een jaar tegen na vroege negatieve reacties in de pers, waaronder de opmerking van Life dat Welles’ film “doth foully slaughter Shakespeare”. Welles vertrok naar Europa, terwijl medeproducent en levenslange supporter Richard Wilson de soundtrack herwerkte. Welles keerde terug en knipte 20 minuten uit de film op verzoek van Republic en nam vertellingen op om enkele gaten te dichten. De film werd afgedaan als een ramp. Macbeth had invloedrijke fans in Europa, vooral de Franse dichter en filmmaker Jean Cocteau, die de film prees om zijn “ruwe, oneerbiedige kracht” en zorgvuldige shot design, en die de personages beschreef als rondspokend in “de gangen van een droomachtige metro, een verlaten kolenmijn, en geruïneerde kelders die druipen van het water”.

In Italië speelde hij de rol van Cagliostro in de film Black Magic uit 1948. Zijn tegenspeler, Akim Tamiroff, maakte zoveel indruk op Welles dat Tamiroff in de jaren vijftig en zestig in vier van Welles’ producties zou verschijnen.

Het jaar daarop speelde Welles de rol van Harry Lime in Carol Reed’s The Third Man, naast Joseph Cotten, zijn vriend en medespeler uit Citizen Kane, met een script van Graham Greene en een memorabele score van Anton Karas.

Een paar jaar later zou de Britse radioproducent Harry Alan Towers het personage Lime doen herleven in de radioserie The Adventures of Harry Lime.

Welles verscheen als Cesare Borgia in de Italiaanse film Prince of Foxes uit 1949, met Tyrone Power en Mercury Theatre-alumnus Everett Sloane, en als de Mongoolse krijger Bayan in de filmversie uit 1950 van de roman The Black Rose (opnieuw met Tyrone Power).

Othello

In die tijd stak Welles zijn geld uit acteerwerk in een zelf gefinancierde filmversie van Shakespeares toneelstuk Othello. Van 1949 tot 1951 werkte Welles aan Othello en filmde op locatie in Italië en Marokko. In de film speelden Welles’ vrienden, Micheál Mac Liammóir als Iago en Hilton Edwards als Desdemona’s vader Brabantio. Suzanne Cloutier speelde Desdemona en Campbell Playhouse alumnus Robert Coote verscheen als Iago’s medewerker Roderigo.

Het filmen werd verschillende keren onderbroken toen Welles zonder geld kwam te zitten en vertrok voor acteerwerk, waarover MacLiammóirs gepubliceerde memoires Put Money in Thy Purse gedetailleerd verslag doen. De afdrukken van de Amerikaanse release hadden een technisch gebrekkige soundtrack, die op elk stil moment een geluidsverlies vertoonde. Welles’ dochter, Beatrice Welles-Smith, restaureerde Othello in 1992 voor een grote heruitgave. De restauratie omvatte de reconstructie van Angelo Francesco Lavagnino’s originele muzikale score, die oorspronkelijk onhoorbaar was, en het toevoegen van omgevingsgeluidseffecten in stereo, die niet in de oorspronkelijke film zaten. De restauratie kende een succesvolle bioscooprelease in Amerika.

In 1952 bleef Welles werk vinden in Engeland na het succes van de Harry Lime radioshow. Harry Alan Towers bood Welles een andere serie aan, The Black Museum, die 52 weken liep met Welles als gastheer en verteller. Regisseur Herbert Wilcox bood Welles de rol aan van het vermoorde slachtoffer in Trent’s Last Case, gebaseerd op de roman van E. C. Bentley. In 1953 huurde de BBC Welles in om een uur voor te lezen uit Walt Whitman’s epische gedicht Song of Myself. Towers huurde Welles opnieuw in, om Professor Moriarty te spelen in de radioserie The Adventures of Sherlock Holmes, met John Gielgud en Ralph Richardson in de hoofdrollen.

Welles keerde kort terug naar Amerika om zijn eerste optreden op televisie te maken. Hij speelde in de Omnibus presentatie van King Lear, live uitgezonden op CBS op 18 oktober 1953. De productie, geregisseerd door Peter Brook, had Natasha Parry, Beatrice Straight en Arnold Moss in de hoofdrollen.

In 1954 bood regisseur George More O’Ferrall Welles de titelrol aan in het ‘Lord Mountdrago’-segment van Three Cases of Murder, met Alan Badel in de hoofdrol. Herbert Wilcox castte Welles als de antagonist in Trouble in the Glen tegenover Margaret Lockwood, Forrest Tucker en Victor McLaglen. Oude vriend John Huston castte hem als Father Mapple in zijn verfilming van Herman Melville’s Moby-Dick in 1956, met Gregory Peck in de hoofdrol.

Mr. Arkadin

Welles’ volgende rol als regisseur was de film Mr. Arkadin (1955), die werd geproduceerd door zijn politieke mentor uit de jaren veertig, Louis Dolivet. Hij werd gefilmd in Frankrijk, Duitsland, Spanje en Italië met een zeer beperkt budget. Losjes gebaseerd op verschillende afleveringen van de Harry Lime radioshow, speelt Welles de rol van een miljardair die een man inhuurt om in de geheimen van zijn verleden te duiken. In de film speelt Robert Arden, die had gewerkt aan de Harry Lime serie; Welles’ derde vrouw, Paola Mori, wiens stem werd nagesynchroniseerd door actrice Billie Whitelaw; en gaststerren Akim Tamiroff, Michael Redgrave, Katina Paxinou en Mischa Auer. Gefrustreerd door zijn trage vorderingen in de montagekamer, verwijderde producent Dolivet Welles van het project en maakte de film af zonder hem. Uiteindelijk zouden er vijf verschillende versies van de film worden uitgebracht, twee in het Spaans en drie in het Engels. De versie die Dolivet voltooide kreeg de nieuwe titel Confidential Report. In 2005 hield Stefan Droessler van het filmmuseum in München toezicht op een reconstructie van de overgebleven filmelementen.

Televisieprojecten

In 1955 regisseerde Welles ook twee televisieseries voor de BBC. De eerste was Orson Welles’ Sketch Book, een serie van zes shows van 15 minuten waarin Welles in een schetsboek tekent om zijn herinneringen voor de camera te illustreren (met onderwerpen als het filmen van It’s All True en de zaak Isaac Woodard), en de tweede was Around the World with Orson Welles, een serie van zes reisverslagen op verschillende locaties in Europa (zoals Wenen, Baskenland tussen Frankrijk en Spanje en Engeland). Welles fungeerde als gastheer en interviewer, waarbij zijn commentaar zowel documentaire feiten als zijn eigen persoonlijke observaties bevatte (een techniek die hij in latere werken verder zou uitdiepen).

Tijdens aflevering 3 van Sketchbook doet Welles een doelbewuste aanval op het misbruik van politiebevoegdheden over de hele wereld. De aflevering begint met het verhaal van Isaac Woodard, een Afro-Amerikaanse veteraan uit de South Pacific tijdens de Tweede Wereldoorlog die door een buschauffeur valselijk wordt beschuldigd van dronkenschap en ordeverstoring, waarna een politieagent de man uit de bus verwijdert. Woodard wordt niet meteen gearresteerd, maar hij wordt bewusteloos geslagen tot hij bijna dood is en wanneer hij eindelijk weer bij bewustzijn komt is hij blijvend blind. Tegen de tijd dat artsen van het Amerikaanse leger hem drie weken later opspoorden, was er niets meer aan te doen. Welles verzekert het publiek dat hij er persoonlijk op heeft toegezien dat deze politieman recht werd gedaan, hoewel hij niet vermeldt wat voor soort recht werd gedaan. Welles geeft vervolgens andere voorbeelden van politie die meer macht en gezag krijgt dan nodig is. De titel van deze aflevering is “The Police”.

In 1956 voltooide Welles Portrait of Gina. Hij liet de enige kopie ervan achter in zijn kamer in het Hôtel Ritz in Parijs. De filmblikken zouden tientallen jaren in een gevonden voorwerpen kluis in het hotel blijven, waar ze in 1986, na Welles’ dood, werden ontdekt.

In 1956 keerde Welles terug naar Hollywood.

Hij begon met het filmen van een geprojecteerde pilot voor Desilu, eigendom van Lucille Ball en haar man Desi Arnaz, die onlangs de voormalige RKO-studio’s hadden gekocht. De film was The Fountain of Youth, gebaseerd op een verhaal van John Collier. Oorspronkelijk werd de film niet levensvatbaar geacht als pilot, en werd pas in 1958 uitgezonden – en won de Peabody Award voor uitmuntendheid.

Welles speelde gastrollen in televisieshows waaronder I Love Lucy. Op de radio was hij de verteller van Tomorrow (17 oktober 1956), een nucleair holocaust drama geproduceerd en uitgezonden door ABC en de Federal Civil Defense Administration.

Welles volgende speelfilmrol was in Man in the Shadow voor Universal Pictures in 1957, met Jeff Chandler in de hoofdrol.

Touch of Evil

Welles bleef bij Universal om (samen met) Charlton Heston te regisseren in de film Touch of Evil uit 1958, gebaseerd op Whit Masterson’s roman Badge of Evil. Oorspronkelijk alleen ingehuurd als acteur, werd Welles op aandringen van Charlton Heston door Universal Studios gepromoveerd tot regisseur…: 154 De film herenigde vele acteurs en technici met wie Welles in de jaren 1940 in Hollywood had samengewerkt, waaronder cameraman Russell Metty (The Stranger), make-up artiest Maurice Seiderman (Citizen Kane), en acteurs Joseph Cotten, Marlene Dietrich en Akim Tamiroff. Het filmen verliep vlot, Welles eindigde op schema en binnen het budget, en de studiobazen prezen de dagelijkse rushes. Desondanks herzag de studio na het einde van de productie de film, nam scènes opnieuw op en nam nieuwe expositiescènes op om de plot te verduidelijken: 175-176 Welles schreef een memo van 58 pagina’s met suggesties en bezwaren, waarin hij stelde dat de film niet langer zijn versie was – het was die van de studio, maar als zodanig was hij nog steeds bereid eraan mee te werken: 175-176

In 1978 werd een langere voorvertoning van de film ontdekt en uitgebracht.

Terwijl Universal Touch of Evil herwerkte, begon Welles met het filmen van zijn bewerking van Miguel de Cervantes’ roman Don Quichot in Mexico, met Mischa Auer als Quichot en Akim Tamiroff als Sancho Panza.

Hij ging door met het opnemen van Don Quichot in Spanje en Italië, maar verving Mischa Auer door Francisco Reiguera, en hervatte zijn acteerwerk. In Italië regisseerde Welles in 1959 zijn eigen scènes als koning Saul in Richard Pottier’s film David en Goliath. In Hong Kong speelde hij samen met Curt Jürgens in Lewis Gilbert’s film Ferry to Hong Kong. In 1960 speelde hij in Parijs mee in de film Crack in the Mirror van Richard Fleischer. In Joegoslavië speelde hij in Richard Thorpe’s film The Tartars en Veljko Bulajić’s Battle of Neretva.

In de jaren zestig werd er tot het eind van het decennium af en aan doorgewerkt aan Quixote, terwijl Welles het concept, de toon en het einde meermaals wijzigde. Hoewel hij minstens één keer een complete versie van de film had opgenomen en gemonteerd, zou hij tot ver in de jaren tachtig met de montage blijven spelen. Hij voltooide nooit een versie van de film waar hij volledig tevreden over was en gooide bestaand beeldmateriaal weg en nam nieuw beeldmateriaal op. (In één geval had hij een complete cut klaar waarin Quichot en Sancho Panza uiteindelijk naar de maan gingen, maar hij vond dat het einde achterhaald was door de maanlandingen van 1969 en verbrandde 10 rollen van deze versie). Naarmate het proces vorderde, sprak Welles geleidelijk alle personages zelf in en verzorgde hij het verhaal. In 1992 maakte regisseur Jesús Franco een film van de delen van Quichot die Welles achterliet. Een deel van de filmvoorraad was ernstig vergaan. Terwijl de beelden van Welles met belangstelling werden begroet, werd de postproductie door Franco met harde kritiek ontvangen.

In 1961 regisseerde Welles In het land van Don Quichot, een serie van acht afleveringen van een half uur voor het Italiaanse televisienetwerk RAI. Vergelijkbaar met de serie Around the World with Orson Welles, werden reisverslagen van Spanje vertoond met Welles’ vrouw Paola en hun dochter Beatrice. Hoewel Welles vloeiend Italiaans sprak, was het netwerk niet geïnteresseerd in zijn Italiaanse vertelling vanwege zijn accent, en de serie bleef onuitgebracht tot 1964, toen het netwerk zelf Italiaanse vertellingen had toegevoegd. Uiteindelijk werden versies van de afleveringen uitgebracht met de originele muzikale score die Welles had goedgekeurd, maar zonder de vertelling.

Het proces

In 1962 regisseerde Welles zijn bewerking van The Trial, gebaseerd op de roman van Franz Kafka en geproduceerd door Michael en Alexander Salkind. De cast bestond uit Anthony Perkins als Josef K, Jeanne Moreau, Romy Schneider, Paola Mori en Akim Tamiroff. Tijdens het filmen van exterieurs in Zagreb kreeg Welles te horen dat het geld van de Salkinds op was, wat betekende dat er geen set gebouwd kon worden. Welles was niet onbekend met het filmen op gevonden locaties en filmde de interieurs in het Gare d’Orsay, destijds een verlaten treinstation in Parijs. Welles vond dat de locatie een “Jules Verne modernisme” en een melancholisch gevoel van “wachten” bezat, beide geschikt voor Kafka. Om in de geest van Kafka te blijven, richtte Welles samen met de filmredacteur, Frederick Muller (als Fritz Muller), de snijzaal in, in het oude, ongebruikte, koude, deprimerende kantoor van de stationschef. De film mislukte aan de kassa. Peter Bogdanovich zou later opmerken dat Welles de film ronduit grappig vond. Welles zei ook tegen een BBC-interviewer dat het zijn beste film was. Tijdens het filmen van The Trial ontmoette Welles Oja Kodar, die later zijn partner en medewerker werd voor de laatste 20 jaar van zijn leven.: 428

Welles speelde een filmregisseur in La Ricotta (1963), Pier Paolo Pasolini’s segment van de Ro.Go.Pa.G. film, hoewel zijn vermaarde stem werd nagesynchroniseerd door de Italiaanse schrijver Giorgio Bassani.: 516 Hij ging door met het aannemen van elk werk dat hij kon vinden om te acteren, te vertellen of andermans werk te hosten, en begon met het filmen van Chimes at Midnight, dat in 1965 werd voltooid.

Chimes at Midnight

Chimes at Midnight, gefilmd in Spanje, was gebaseerd op Welles’ toneelstuk Five Kings, waarin hij materiaal uit zes Shakespeare-stukken gebruikte om het verhaal te vertellen van Sir John Falstaff (Welles) en zijn relatie met Prins Hal (de vertelling in de film, gesproken door Ralph Richardson, is ontleend aan de kroniekschrijver Raphael Holinshed: 249 Welles had grote waardering voor de film: “Het is mijn favoriete film, ja. Als ik op basis van één film in de hemel zou willen komen, is dat de film die ik zou aanbieden.”: 203

In 1966 regisseerde Welles een film voor de Franse televisie, een bewerking van The Immortal Story van Karen Blixen. Uitgebracht in 1968, met Jeanne Moreau, Roger Coggio en Norman Eshley in de hoofdrollen. De film was succesvol in de Franse bioscopen. Op dat moment ontmoette Welles Oja Kodar opnieuw, en gaf haar een brief die hij haar had geschreven en vier jaar lang had bewaard; ze zouden niet meer uit elkaar gaan. Ze begonnen onmiddellijk een persoonlijke en professionele samenwerking. De eerste was een bewerking van Blixens De Heldin, bedoeld als begeleidend stuk bij Het onsterfelijke verhaal en met Kodar in de hoofdrol. Helaas verdween de financiering na één dag filmen. Na deze film verscheen hij in een korte cameo als kardinaal Wolsey in Fred Zinnemanns bewerking van A Man for All Seasons – een rol waarvoor hij veel lof oogstte.

In 1967 begon Welles met de regie van The Deep, gebaseerd op de roman Dead Calm van Charles Williams en gefilmd voor de kust van Joegoslavië. De cast bestond uit Jeanne Moreau, Laurence Harvey en Kodar. Persoonlijk gefinancierd door Welles en Kodar, kregen ze niet de fondsen om het project te voltooien, en het werd een paar jaar later opgegeven na de dood van Harvey. De overgebleven beelden werden uiteindelijk bewerkt en uitgebracht door het Filmmuseum München. In 1968 begon Welles met het filmen van een TV-special voor CBS onder de titel Orson’s Bag, een combinatie van reisverslag, komische sketches en een condensatie van Shakespeare’s toneelstuk De koopman van Venetië met Welles als Shylock. In 1969 riep Welles opnieuw de filmredacteur Frederick Muller op om met hem te werken aan het opnieuw bewerken van het materiaal en ze richtten snijzalen in de Safa Palatino Studios in Rome in. Financiering voor de show die CBS naar Welles in Zwitserland stuurde, werd in beslag genomen door de IRS. Zonder financiering werd de show niet afgemaakt. De overgebleven filmfragmenten werden uiteindelijk vrijgegeven door het Filmmuseum München.

In 1969 gaf Welles toestemming voor het gebruik van zijn naam voor een bioscoop in Cambridge, Massachusetts. De Orson Welles Cinema bleef in bedrijf tot 1986, en Welles maakte er een persoonlijke verschijning in 1977. Ook in 1969 speelde hij een bijrol in John Huston’s The Kremlin Letter. Aangetrokken door de vele aanbiedingen die hij kreeg om te werken in televisie en films, en ontdaan door een tabloidschandaal over zijn affaire met Kodar, stopte Welles met de montage van Don Quichot en verhuisde terug naar Amerika in 1970.

Welles keerde terug naar Hollywood, waar hij zijn film- en televisieprojecten zelf bleef financieren. Terwijl de aanbiedingen om te acteren, te vertellen en gastheer te zijn bleven, werd Welles ook veel gevraagd in televisie talkshows. Hij trad regelmatig op voor Dick Cavett, Johnny Carson, Dean Martin en Merv Griffin.

Welles’ primaire focus tijdens zijn laatste jaren was The Other Side of the Wind, een project dat met tussenpozen werd gefilmd tussen 1970 en 1976. Mede geschreven door Welles en Oja Kodar, is het het verhaal van een ouder wordende filmregisseur (John Huston) op zoek naar fondsen om zijn laatste film te voltooien. De cast bestaat uit Peter Bogdanovich, Susan Strasberg, Norman Foster, Edmond O’Brien, Cameron Mitchell en Dennis Hopper. Gefinancierd door Iraanse geldschieters, kwam het eigendom van de film in een juridisch moeras terecht nadat de Sjah van Iran was afgezet. De juridische geschillen hielden de film in onvoltooide staat tot begin 2017 en hij werd uiteindelijk in november 2018 uitgebracht.

Welles portretteerde Lodewijk XVIII van Frankrijk in de film Waterloo (1970), en sprak de begin- en eindscènes in van de historische komedie Start the Revolution Without Me (1970).

In 1971 regisseerde Welles een korte bewerking van Moby-Dick, een eenmansvoorstelling op een kaal podium, die doet denken aan zijn toneelproductie Moby Dick – Rehearsed uit 1955. Nooit voltooid, werd het uiteindelijk uitgebracht door het Filmmuseum München. Hij verscheen ook in Ten Days’ Wonder, samen met Anthony Perkins en geregisseerd door Claude Chabrol (die op zijn beurt een rolletje speelde in Other Wind), gebaseerd op een detectiveroman van Ellery Queen. Datzelfde jaar gaf de Academy of Motion Picture Arts and Sciences hem een Academy Honorary Award “for superlative artistry and versatileatility in the creation of motion pictures”. Welles deed alsof hij de stad uit was en stuurde John Huston om de prijs op te eisen, waarbij hij de Academy op film bedankte. In zijn toespraak bekritiseerde Huston de Academy voor het uitreiken van de prijs terwijl hij weigerde Welles’ projecten te steunen.

In 1972 trad Welles op als verteller op het scherm voor de film documentaire versie van Alvin Toffler’s 1970 boek Future Shock. Opnieuw werkend voor een Britse producent, speelde Welles Long John Silver in regisseur John Hough’s Treasure Island (1972), een bewerking van de Robert Louis Stevenson roman, die het tweede verhaal was dat in 1938 door The Mercury Theatre on the Air werd uitgezonden. Dit was de laatste keer dat hij de hoofdrol speelde in een grote film. Welles droeg ook bij aan het script, hoewel zijn schrijfcredit werd toegekend aan het pseudoniem ‘O. W. Jeeves’. In sommige versies van de film werd Welles’ oorspronkelijke opgenomen dialoog opnieuw ingesproken door Robert Rietty.

In 1973 voltooide Welles F for Fake, een persoonlijke essayfilm over kunstvervalser Elmyr de Hory en de biograaf Clifford Irving. Gebaseerd op een bestaande documentaire van François Reichenbach, bevatte het nieuw materiaal met Oja Kodar, Joseph Cotten, Paul Stewart en William Alland. Een fragment van Welles’ 1930 War of the Worlds uitzending werd opnieuw gemaakt voor deze film; maar geen van de dialogen in de film komt overeen met wat oorspronkelijk werd uitgezonden. Welles filmde een trailer van vijf minuten, die in de V.S. werd afgekeurd, waarin verschillende shots van een topless Kodar te zien zijn.

Welles presenteerde een Britse anthologieserie, Orson Welles’s Great Mysteries, tijdens het televisieseizoen 1973-74. Zijn korte introducties voor de 26 afleveringen van een half uur werden in juli 1973 opgenomen door Gary Graver.: 443 In 1974 leende Welles ook zijn stem voor de remake van Agatha Christie’s klassieke thriller Ten Little Indians, geproduceerd door zijn vroegere medewerker Harry Alan Towers, met een internationale cast van Oliver Reed, Elke Sommer en Herbert Lom.

In 1975 vertelde Welles de documentaire Bugs Bunny: Superstar, over de Warner Bros. cartoons uit de jaren 1940. Ook in 1975 overhandigde het American Film Institute aan Welles zijn derde Lifetime Achievement Award (de eerste twee gingen naar regisseur John Ford en acteur James Cagney). Tijdens de ceremonie vertoonde Welles twee scènes uit het bijna voltooide The Other Side of the Wind.

In 1976 kocht Paramount Television de rechten voor de hele reeks Nero Wolfe-verhalen van Rex Stout voor Orson Welles. Welles had ooit een reeks Nero Wolfe films willen maken, maar Rex Stout – die tijdens zijn leven huiverig was voor Hollywood adaptaties na twee teleurstellende films uit de jaren 1930 – wees hem af. Paramount wilde beginnen met een ABC-TV film en hoopte Welles over te halen de rol voort te zetten in een miniserie. Frank D. Gilroy werd aangetrokken om het televisiescript te schrijven en de tv-film te regisseren met de verzekering dat Welles de hoofdrol zou spelen, maar in april 1977 had Welles zich teruggetrokken. In 1980 meldde de Associated Press “de duidelijke mogelijkheid” dat Welles de hoofdrol zou spelen in een Nero Wolfe TV serie voor NBC televisie. Opnieuw boog Welles zich uit het project wegens creatieve verschillen en William Conrad werd gecast in de rol: 87-88

In 1979 voltooide Welles zijn documentaire Filming Othello, met Michael MacLiammoir en Hilton Edwards. Gemaakt voor de West-Duitse televisie, werd het ook uitgebracht in de bioscoop. Datzelfde jaar voltooide Welles zijn zelf geproduceerde pilot voor The Orson Welles Show tv-serie, met interviews met Burt Reynolds, Jim Henson en Frank Oz en met de Muppets en Angie Dickinson als gastrolspelers. De pilot werd nooit uitgezonden omdat het netwerk er geen belangstelling voor had. Ook in 1979 verscheen Welles in de biopic The Secret of Nikola Tesla, en een cameo in The Muppet Movie als Lew Lord.

Vanaf het einde van de jaren zeventig nam Welles deel aan een reeks beroemde reclamespotjes op televisie. Twee jaar lang was hij voor de camera woordvoerder van de Paul Masson Vineyards, en de verkoop steeg met een derde in de tijd dat Welles een populaire slogan uitsprak: “We zullen geen wijn verkopen voor het te laat is. Hij was ook de stem achter de langlopende Carlsberg-campagne “Probably the best lager in the world”, promootte Domecq sherry op de Britse televisie en verzorgde het commentaar bij advertenties voor Findus, hoewel de eigenlijke advertenties zijn overschaduwd door een beroemde blooper reel van stemopnames, bekend als de Frozen Peas reel. Hij deed ook reclamespots voor de Preview Subscription Television Service die te zien waren op stations in het hele land, waaronder WCLQ

In 1981 presenteerde Welles de documentaire The Man Who Saw Tomorrow, over de profeet Nostradamus uit de Renaissance. In 1982 zond de BBC The Orson Welles Story uit in de serie Arena. Geïnterviewd door Leslie Megahey, onderzocht Welles zijn verleden in groot detail, en verschillende mensen uit zijn professionele verleden werden ook geïnterviewd. Het werd in 1990 opnieuw uitgegeven als With Orson Welles: Stories of a Life in Film. Welles verzorgde het verhaal voor de nummers “Defender” van Manowar’s album Fighting the World uit 1987 en “Dark Avenger” op hun album Battle Hymns uit 1982. Hij nam ook de concertintroductie op voor de live-optredens van Manowar die luidt: “Ladies and gentlemen, from the United States of America, all hail Manowar.” Manowar gebruikt deze introductie sindsdien voor al hun concerten.

In de jaren tachtig werkte Welles aan filmprojecten als The Dreamers, gebaseerd op twee verhalen van Isak Dinesen en met Oja Kodar in de hoofdrol, en Orson Welles’ Magic Show, waarin materiaal van zijn mislukte tv-pilot werd hergebruikt. Een ander project waaraan hij werkte was Filming the Trial, het tweede in een voorgestelde reeks documentaires over zijn speelfilms. Hoewel er veel werd opgenomen voor deze projecten, werd geen ervan voltooid. Ze werden uiteindelijk allemaal uitgebracht door het Filmmuseum München.

In 1984 sprak Welles de kortstondige televisieserie Scene of the Crime in. Tijdens de eerste jaren van Magnum, P.I., was Welles de stem van het onzichtbare personage Robin Masters, een beroemde schrijver en playboy. Door Welles’ dood werd dit minder belangrijke personage grotendeels uit de serie geschreven. In een schuin eerbetoon aan Welles sloten de producers van Magnum, P.I. het verhaal ambigu af door het ene personage het andere te laten beschuldigen dat het een acteur had ingehuurd om Robin Masters uit te beelden. In dit voorlaatste jaar bracht hij ook een muzieksingle uit, getiteld “I Know What It Is to Be Young (But You Don’t Know What It Is to Be Old)”, die hij opnam onder het Italiaanse label Compagnia Generale del Disco. Het nummer werd uitgevoerd met het Nick Perito Orchestra en de Ray Charles Singers en geproduceerd door Jerry Abbott (vader van gitarist “Dimebag Darrell” Abbott).

De laatste filmrollen voor Welles’ dood omvatten stemwerk in de animatiefilms Enchanted Journey (1984) en de animatiefilm The Transformers: The Movie (1986), waarin hij de stem verzorgde voor de planeetetende superschurk Unicron. Zijn laatste filmoptreden was in Henry Jaglom’s onafhankelijke film Someone to Love uit 1987, die twee jaar na zijn dood werd uitgebracht maar geproduceerd werd vóór zijn voice-over in Transformers: The Movie. Zijn laatste televisieoptreden was in het televisieprogramma Moonlighting. Hij nam een inleiding op voor de aflevering “The Dream Sequence Always Rings Twice”, die gedeeltelijk in zwart-wit werd gefilmd. De aflevering werd vijf dagen na zijn dood uitgezonden en opgedragen aan zijn nagedachtenis.

Halverwege de jaren tachtig nam Henry Jaglom lunchgesprekken met Welles op in Ma Maison in Los Angeles en in New York. Bewerkte transcripties van deze sessies staan in Peter Biskind’s boek My Lunches With Orson: Conversations Between Henry Jaglom and Orson Welles.

Relaties en familie

Orson Welles en de in Chicago geboren actrice en socialite Virginia Nicolson (1916-1996) trouwden op 14 november 1934: 332 Het paar scheidde in december 1939: 226 en scheidde op 1 februari 1940. Nadat ze Welles’ romances in New York had verdragen, had Virginia vernomen dat Welles verliefd was geworden op de Mexicaanse actrice Dolores del Río.: 227

Verliefd op haar sinds zijn adolescentie, ontmoette Welles del Río op de ranch van Darryl Zanuck: 206 kort nadat hij in 1939 naar Hollywood was verhuisd.: 168 Hun relatie werd geheim gehouden tot 1941, toen del Río de scheiding van haar tweede man aanvroeg. Ze verschenen openlijk samen in New York terwijl Welles de Mercury toneelproductie Native Son regisseerde: 212 Ze acteerden samen in de film Journey into Fear (1943). Aan hun relatie kwam een einde, onder meer door Welles’ ontrouw. Del Río keerde in 1943 terug naar Mexico, kort voordat Welles met Rita Hayworth trouwde.

Welles trouwde op 7 september 1943 met Rita Hayworth.: 278 Ze scheidden op 10 november 1947.: 142 Tijdens zijn laatste interview, opgenomen voor The Merv Griffin Show op de avond voor zijn dood, noemde Welles Hayworth “een van de liefste en liefste vrouwen die ooit heeft geleefd … en we waren een lange tijd samen – ik had het geluk dat ik langer bij haar was dan alle andere mannen in haar leven.”

In 1955 trouwde Welles met actrice Paola Mori (née Countess Paola di Gerfalco), een Italiaanse aristocrate die als Raina Arkadin speelde in zijn film Mr. Arkadin uit 1955. Het paar begon een gepassioneerde affaire, en ze trouwden op aandringen van haar ouders: 168 Ze trouwden in Londen op 8 mei 1955: 417, 419 en zijn nooit gescheiden.

De in Kroatië geboren kunstenares en actrice Oja Kodar werd vanaf 1966 Welles’ langdurige persoonlijke en professionele metgezel en zij leefden samen gedurende de laatste 20 jaar van zijn leven.: 255-258

Welles had drie dochters uit zijn huwelijken: Christopher Welles Feder (en Beatrice Welles (geboren 1955, met Paola Mori). ..: 419

Welles zou een zoon hebben gehad, de Britse regisseur Michael Lindsay-Hogg (geboren in 1940), met de Ierse actrice Geraldine Fitzgerald, destijds de vrouw van Sir Edward Lindsay-Hogg, 4e baronet. Toen Lindsay-Hogg 16 was, onthulde zijn moeder met tegenzin de alomtegenwoordige geruchten dat zijn vader Welles was, en ze ontkende ze – maar zo gedetailleerd dat hij twijfelde aan haar waarheidsgetrouwheid: 15 Fitzgerald ontweek het onderwerp voor de rest van haar leven. Lindsay-Hogg kende Welles, werkte met hem in het theater en ontmoette hem met tussenpozen gedurende Welles’ leven. Nadat hij vernam dat Welles’ oudste dochter, Chris, zijn jeugdspeelkameraadje, al lang vermoedde dat hij haar broer was, startte Lindsay-Hogg een DNA-test die geen uitsluitsel gaf. In zijn autobiografie uit 2011 meldde Lindsay-Hogg dat zijn vragen werden opgelost door zijn moeders goede vriendin Gloria Vanderbilt, die schreef dat Fitzgerald haar had verteld dat Welles zijn vader was.: 265-267 Een Welles-biografie uit 2015 van Patrick McGilligan meldt echter de onmogelijkheid van Welles’ vaderschap: Fitzgerald vertrok in mei 1939 van de VS naar Ierland, en haar zoon werd verwekt vóór haar terugkeer eind oktober, terwijl Welles in die periode niet overzee reisde…: 602

Na de dood van Rebecca Welles Manning bleek een man genaamd Marc McKerrow haar zoon te zijn – en dus een directe afstammeling van Orson Welles en Rita Hayworth – nadat hij zijn adoptiegegevens had opgevraagd. Hoewel McKerrow en Rebecca elkaar nooit hebben kunnen ontmoeten vanwege haar kanker, hadden ze voor haar dood contact en woonde hij haar begrafenis bij. McKerrow’s reacties op de onthulling en zijn ontmoeting met Oja Kodar zijn vastgelegd in de film Prodigal Sons uit 2008 van zijn zus Kim Reed. McKerrow stierf op 18 juni 2010, plotseling in zijn slaap op 44-jarige leeftijd. Zijn dood was “…veroorzaakt door complicaties van een nachtelijke aanval” in verband met een auto-ongeluk en daaruit voortvloeiend letsel toen hij jonger was.

In de jaren veertig had Welles een korte relatie met Maila Nurmi, die volgens de biografie Glamour Ghoul: The Passions and Pain of the Real Vampira, Maila Nurmi, zwanger werd; aangezien Welles op dat moment getrouwd was met Hayworth, gaf Nurmi het kind op ter adoptie. Het kind dat in het boek wordt genoemd, werd echter in 1944 geboren. Nurmi onthulde in een interview weken voor haar dood in januari 2008 hoe ze Welles ontmoette in een New Yorks castingbureau in het voorjaar van 1946.

Ondanks een door Welles gepromote urban legend is hij geen familie van Abraham Lincoln’s oorlogssecretaris van Marine, Gideon Welles. De mythe gaat terug tot het eerste krantenartikel dat ooit over Welles werd geschreven – “Cartoonist, Acteur, Dichter en slechts 10” – in de uitgave van 19 februari 1926 van The Capital Times. Het artikel stelt ten onrechte dat hij afstamt van “Gideon Welles, die lid was van het kabinet van president Lincoln”: 311 Zoals gepresenteerd door Charles Higham in een genealogisch schema dat zijn biografie van Welles uit 1985 inleidt, was de vader van Orson Welles Richard Head Welles (geboren Wells), zoon van Richard Jones Wells, zoon van Henry Hill Wells (die een oom had die Gideon Wells heette), zoon van William Hill Wells, zoon van Richard Wells (1734-1801).

Fysieke kenmerken

De biografie van Peter Noble uit 1956 beschrijft Welles als “een magnifieke man, meer dan 1.80 meter lang, knap, met flitsende ogen en een glorieuze resonerende spreekstem”: 19 Welles zei dat een stemspecialist hem ooit vertelde dat hij geboren was als heldentenor, een heldhaftige tenor, maar dat toen hij jong was en werkte in het Gate Theatre in Dublin, hij zijn stem dwong tot een bas-bariton.: 144

Zelfs als baby was Welles vatbaar voor ziekten, waaronder difterie, mazelen, kinkhoest en malaria. Vanaf zijn kindertijd leed hij aan astma, sinus hoofdpijn en rugpijn: 8 die later werd veroorzaakt door aangeboren afwijkingen aan de wervelkolom. Voet- en enkelproblemen waren zijn hele leven lang het gevolg van platvoeten:: 560 “Naarmate hij ouder werd”, schreef Brady, “werd zijn slechte gezondheid verergerd door de late uren die hij mocht houden een vroege voorliefde voor alcohol en tabak”: 8

In 1928, op 13-jarige leeftijd, was Welles al meer dan 1,83 meter lang en woog hij meer dan 81,6 kg: 50 Zijn paspoort vermeldde zijn lengte als six feet three inches (192 cm), met bruin haar en groene ogen.: 229

“Crash diëten, drugs en korsetten hadden hem afgeslankt voor zijn vroege filmrollen”, schreef biograaf Barton Whaley. “Daarna altijd terug naar een gigantische consumptie van calorierijk voedsel en drank. Tegen de zomer van 1949, toen hij 34 was, was zijn gewicht opgelopen tot een stevige 230 pond (104 kg). In 1953 steeg zijn gewicht van 113 naar 125 kilo. Na 1960 bleef hij permanent zwaarlijvig.”: 329

Religieuze overtuigingen

Toen Peter Bogdanovich hem eens vroeg naar zijn religie, antwoordde Welles nors dat het hem niet aanging, waarna hij hem verkeerd informeerde dat hij katholiek was opgevoed.: 12

Hoewel de familie Welles niet meer vroom was, was ze vierde generatie Episcopaal en daarvoor Quaker en Puritein.: 12

De begrafenis van Welles’ vader, Richard H. Welles, was Episcopaal.

In april 1982, toen interviewer Merv Griffin hem vroeg naar zijn religieuze overtuigingen, antwoordde Welles: “Ik probeer een christen te zijn. Ik bid niet echt, want ik wil God niet vervelen.”: 576 Tegen het einde van zijn leven dineerde Welles in Ma Maison, zijn favoriete restaurant in Los Angeles, toen uitbater Patrick Terrail een uitnodiging overbracht van het hoofd van de Grieks-orthodoxe kerk, die Welles vroeg zijn eregast te zijn bij de kerkelijke liturgie in de Sint-Sofiakathedraal. Welles antwoordde: “Zeg hem alsjeblieft dat ik dat aanbod zeer waardeer, maar ik ben een atheïst.”: 104-105

“Orson grapte of plaagde nooit over de religieuze overtuigingen van anderen”, schreef biograaf Barton Whaley. “Hij accepteerde het als een cultureel artefact, geschikt voor de geboortes, sterfgevallen en huwelijken van vreemden en zelfs sommige vrienden – maar zonder emotionele of intellectuele betekenis voor hemzelf.” 12

Welles was politiek actief vanaf het begin van zijn carrière. Hij bleef zijn hele leven lang aansluiten bij de linkse politiek en de Amerikaanse linkerzijde, en definieerde zijn politieke oriëntatie altijd als “progressief”. Als Democraat was hij een uitgesproken criticus van het racisme in de Verenigde Staten en de praktijk van de segregatie…: 46 Hij was een groot voorstander van Franklin D. Roosevelt en de New Deal en sprak zich op de radio vaak uit voor progressieve politiek. Hij voerde veel campagne voor Roosevelt tijdens de verkiezingen van 1944. Welles steunde niet het presidentiële bod van Roosevelts tweede vice-president Henry A. Wallace voor de Progressieve Partij in 1948 en beschreef Wallace later als “een gevangene van de Communistische Partij.”p. 66

In een gesprek uit 1983 met zijn vriend Roger Hill, herinnerde Welles zich: “Tijdens een diner in het Witte Huis, toen ik campagne voerde voor Roosevelt, zei hij in een toast, met een flinke knipoog: “Orson, jij en ik zijn de twee grootste acteurs die vandaag de dag leven. Privé die avond, en bij verschillende andere gelegenheden, drong hij er bij me op aan om me kandidaat te stellen voor een senaatszetel in Californië of Wisconsin. Hij was niet de enige.”: 115 In de jaren tachtig sprak Welles nog steeds bewondering uit voor Roosevelt, maar beschreef hij zijn presidentschap ook als “een semidictatuur.”p. 187

Tijdens een optreden in The Dick Cavett Show in 1970 beweerde Welles Hitler te hebben ontmoet tijdens een wandeling in Oostenrijk met een leraar die een “ontluikende nazi” was. Hij zei dat Hitler geen enkele indruk op hem maakte en herinnert zich hem niet. Hij zei dat hij helemaal geen persoonlijkheid had: “Hij was onzichtbaar. Er was niets totdat er 5000 mensen sieg heil riepen.”

Hij schreef enkele jaren een krantencolumn over politieke onderwerpen en overwoog zich in 1946 kandidaat te stellen voor de Amerikaanse Senaat als vertegenwoordiger van zijn thuisstaat Wisconsin – een zetel die uiteindelijk werd gewonnen door Joseph McCarthy.

Welles’ politieke activiteiten werden vermeld op pagina’s 155-157 van Red Channels, de anti-communistische publicatie die mede aan de basis lag van de reeds bloeiende Hollywood Blacklist. Hij was in Europa tijdens het hoogtepunt van de Red Scare, wat voor het Hollywood-establishment een reden te meer was om hem uit te sluiten.

In 1970 vertelde (maar schreef) Welles een satirisch politiek verslag over de opkomst van president Richard Nixon, getiteld The Begatting of the President.

Hij was levenslang lid van de International Brotherhood of Magicians en de Society of American Magicians.

Op de avond van 9 oktober 1985 nam Welles zijn laatste interview op in het tv-programma The Merv Griffin Show, samen met biografe Barbara Leaming. “Zowel Welles als Leaming spraken over Welles’ leven, en het segment was een nostalgisch intermezzo,” schreef biograaf Frank Brady.: 590-591 Welles keerde terug naar zijn huis in Hollywood en werkte tot in de vroege uurtjes aan het typen van regieaanwijzingen voor het project dat hij en Gary Graver van plan waren de volgende dag aan de UCLA op te nemen. Welles stierf ergens in de ochtend van 10 oktober, na een hartaanval…: 453 Hij werd gevonden door zijn chauffeur rond 10 uur; de eerste van Welles’ vrienden die arriveerde was Paul Stewart.: 295-297 Welles was 70 jaar oud bij zijn dood.

Welles werd gecremeerd in overleg met de uitvoerder van zijn nalatenschap, Greg Garrison,: 592 wiens advies over lucratieve tv-optredens in de jaren zeventig het voor Welles mogelijk maakte om een deel van de belastingen die hij de IRS verschuldigd was af te betalen: 549-550 Een korte privébegrafenis werd bijgewoond door Paola Mori en Welles’ drie dochters – de eerste keer dat ze ooit samen waren. Alleen een paar goede vrienden waren uitgenodigd: Garrison, Graver, Roger Hill: 298 en prins Alessandro Tasca di Cuto. Chris Welles Feder beschreef de begrafenis later als een vreselijke ervaring: 1-9

Een publieke herdenking: 593 vond plaats op 2 november 1985 in het Directors Guild of America Theater in Los Angeles. Gastheer Peter Bogdanovich introduceerde sprekers als Charles Champlin, Geraldine Fitzgerald, Greg Garrison, Charlton Heston, Roger Hill, Henry Jaglom, Arthur Knight, Oja Kodar, Barbara Leaming, Janet Leigh, Norman Lloyd, Dan O’Herlihy, Patrick Terrail en Robert Wise.: 299-300

“Ik weet wat zijn gevoelens waren over zijn dood”, schreef Joseph Cotten later. “Hij wilde geen begrafenis; hij wilde rustig begraven worden in een klein plaatsje in Spanje. Hij wilde geen herdenkingsdiensten …” Cotten weigerde het herdenkingsprogramma bij te wonen; in plaats daarvan stuurde hij een korte boodschap, eindigend met de laatste twee regels van een Shakespeare-sonnet dat Welles hem op zijn laatste verjaardag had gestuurd:: 216

Maar als ik aan u denk, beste vriend, worden alle verliezen hersteld en eindigt het verdriet. 217

In 1987 werd de as van Welles overgebracht naar Ronda, Spanje, en begraven in een oude put bedekt met bloemen op het landgoed van een oude vriend, stierenvechter Antonio Ordóñez.

Welles’ afhankelijkheid van zelfproductie betekende dat veel van zijn latere projecten versnipperd werden verfilmd of niet werden voltooid. Welles financierde zijn latere projecten door zelf fondsen te werven. Vaak nam hij ook ander werk aan om aan geld te komen om zijn eigen films te financieren.

Don Quichot

In het midden van de jaren 50 begon Welles te werken aan Don Quichot, aanvankelijk in opdracht van CBS televisie. Welles breidde de film uit tot speelfilmlengte en ontwikkelde het scenario om Quichot en Sancho Panza in de moderne tijd te brengen. Het filmen stopte met de dood van Francisco Reiguera, de acteur die Quichot speelde, in 1969. Orson Welles bleef de film bewerken tot het begin van de jaren 1970. Op het moment van zijn dood bleef de film grotendeels een verzameling beelden in verschillende stadia van bewerking. Het project en, nog belangrijker, Welles’ opvatting over het project veranderde radicaal in de loop der tijd.

Een door Oja Kodar gesuperviseerde versie, met hulp van Jess Franco, assistent-regisseur tijdens de productie, werd in 1992 uitgebracht met slechte kritieken.

Frederick Muller, de filmredacteur van The Trial, Chimes at Midnight en de CBS Special Orson Bag, werkte aan de montage van drie rollen van de originele, onvervalste versie. Toen hij in 2013 door een journalist van Time Out naar zijn mening werd gevraagd, zei hij dat hij vond dat de film, als hij was uitgebracht zonder beeldbewerking maar met toevoeging van ad hoc geluid en muziek, waarschijnlijk best geslaagd zou zijn geweest.

De koopman van Venetië

In 1969 kreeg Welles een tv-opdracht om een verkorte bewerking van The Merchant of Venice te verfilmen.:xxxiv Welles voltooide de film in 1970, maar het voltooide negatief werd later op mysterieuze wijze gestolen uit zijn productiekantoor in Rome.:234 Een gerestaureerde en gereconstrueerde versie van de film, gemaakt aan de hand van het originele script en de aantekeningen van de componist, ging in 2015 in première tijdens pre-openingsceremonies van het 72e Internationale Filmfestival van Venetië, naast Othello.

De andere kant van de wind

In 1970 begon Welles met de opnamen van The Other Side of the Wind. De film gaat over de inspanningen van een filmregisseur (gespeeld door John Huston) om zijn laatste Hollywood-film te voltooien en speelt zich grotendeels af op een uitbundig feest. In 1972 was het filmen volgens Welles voor “96% voltooid”,: 546 hoewel Welles in 1979 slechts ongeveer 40 minuten van de film had gemonteerd.: 320 In dat jaar brachten juridische complicaties over het eigendom van de film het negatief in een Parijse kluis. In 2004 kondigde regisseur Peter Bogdanovich, die in de film speelde, aan dat hij van plan was de productie te voltooien.

Op 28 oktober 2014 kondigde het in Los Angeles gevestigde productiebedrijf Royal Road Entertainment aan dat het met de hulp van producent Frank Marshall een overeenkomst had gesloten en de rechten zou kopen om The Other Side of the Wind te voltooien en uit te brengen. Bogdanovich en Marshall waren van plan om Welles’ bijna voltooide film in Los Angeles te voltooien, met als doel hem klaar te hebben voor vertoning op 6 mei 2015, de 100e geboortedag van Welles. Royal Road Entertainment en de Duitse producent Jens Koethner Kaul verwierven de rechten van Les Films de l’Astrophore en wijlen Mehdi Boushehri. Ze bereikten een akkoord met Oja Kodar, die Welles’ eigendom van de film erfde, en Beatrice Welles, beheerder van de nalatenschap van Welles; maar eind 2015 zaten de inspanningen om de film te voltooien in een impasse.

In maart 2017 verwierf Netflix de distributierechten van de film. Die maand kwamen het originele negatief, dailies en ander beeldmateriaal aan in Los Angeles voor de postproductie; de film werd in 2018 voltooid. De film ging in première op het 75e Venice International Film Festival op 31 augustus 2018.

Op 2 november 2018 debuteerde de film in geselecteerde bioscopen en op Netflix, achtenveertig jaar nadat de hoofdopnames begonnen.

Sommige beelden zijn opgenomen in de documentaires Working with Orson Welles (1993), Orson Welles: One Man Band (1995), en het meest uitgebreid They’ll Love Me When I’m Dead (2018).

Andere onvoltooide films en niet verfilmde scenario’s

Too Much Johnson is een komediefilm uit 1938, geschreven en geregisseerd door Welles. Ontworpen als het filmische aspect van Welles’ toneelpresentatie in het Mercury Theater van William Gillette’s komedie uit 1894, werd de film niet volledig bewerkt of publiekelijk vertoond. Too Much Johnson werd beschouwd als een verloren film tot augustus 2013, met nieuwsberichten dat een ongerepte print was ontdekt in Italië in 2008. Een door het George Eastman House museum gerestaureerde kopie zou op 9 oktober 2013 in première gaan op het Pordenone Silent Film Festival, waarna een Amerikaanse première zou volgen. De film werd vertoond tijdens een enkele vertoning in het Los Angeles County Museum of Art op 3 mei 2014. Een enkele voorstelling van Too Much Johnson, op 2 februari 2015 in het Film Forum in New York City, was een groot succes. Geproduceerd door Bruce Goldstein en bewerkt en geregisseerd door Allen Lewis Rickman, waren de Film Forum Players met live piano aanwezig.

Heart of Darkness was Welles’ geprojecteerde eerste film, in 1940. Hij werd tot in detail gepland en er werden enkele testopnamen gemaakt; de beelden zijn nu verloren gegaan. De film zou geheel in lange takes worden opgenomen vanuit het gezichtspunt van de verteller, Marlow, die zou worden gespeeld door Welles; zijn spiegelbeeld zou af en toe te zien zijn in het raam als zijn boot de rivier afvaart. Het project werd opgegeven omdat het niet binnen het budget kon worden geleverd, en in plaats daarvan werd Citizen Kane gemaakt.: 30-33, 355-356

In 1941 plande Welles een film met zijn toenmalige partner, de Mexicaanse actrice Dolores del Río. Santa werd bewerkt naar de roman van de Mexicaanse schrijver Federico Gamboa. De film zou het debuut van Dolores del Río in de Mexicaanse film betekenen. Welles corrigeerde het script in 13 bijzondere sequenties. Het hoge salaris dat del Río eiste stopte het project. In 1943 werd de film eindelijk voltooid met de instellingen van Welles, onder leiding van Norman Foster en met de Mexicaanse actrice Esther Fernández in de hoofdrol.

In 1941 plande Welles ook een Mexicaans drama met Dolores del Río, dat hij aan RKO gaf om gebudgetteerd te worden. De film was een verfilming van de gelijknamige roman van Calder Marshall. In het verhaal zou del Río Elena Medina spelen, “het mooiste meisje ter wereld”, met Welles die een Amerikaan speelt die verstrikt raakt in een missie om een nazi-complot te verstoren om de Mexicaanse regering omver te werpen. Welles was van plan in Mexico te filmen, maar de Mexicaanse regering moest het verhaal goedkeuren, en dat is nooit gebeurd.

In 1941 kreeg Welles de steun van bisschop Fulton Sheen voor een hervertelling van het leven van Christus in het Amerikaanse westen in de jaren 1890. Nadat het filmen van Citizen Kane was voltooid, verkenden Welles, Perry Ferguson en Gregg Toland locaties in Baja California en Mexico. Welles schreef een scenario met dialogen uit de evangeliën van Marcus, Mattheus en Lucas. “Elk woord in de film moest uit de Bijbel komen – geen originele dialoog, maar uitgevoerd als een soort Amerikaanse primitief,” zei Welles, “in het grensland van de vorige eeuw.” Het niet gerealiseerde project werd door Welles in de jaren 1950 opnieuw bekeken, toen hij een tweede niet verfilmd scenario schreef, dat in Egypte zou worden opgenomen.: 361-362

Welles wilde It’s All True, een documentaire over Zuid-Amerika uit 1942, oorspronkelijk niet regisseren, maar na het opgeven ervan door RKO probeerde hij een groot deel van de jaren veertig het negatief van zijn materiaal van RKO te kopen, zodat hij het kon bewerken en in een of andere vorm kon uitbrengen. De beelden bleven tientallen jaren ongezien in kluizen en werden als verloren beschouwd. Meer dan 50 jaar later werd een deel (maar niet alles) van het overgebleven materiaal uitgebracht in de documentaire It’s All True: Based on an Unfinished Film van Orson Welles uit 1993.

In 1944 schreef Welles het eerste concept-script van Monsieur Verdoux, een film die hij ook wilde regisseren. Charlie Chaplin stemde er aanvankelijk mee in om de hoofdrol te spelen, maar veranderde later van gedachten omdat hij nog nooit door iemand anders in een speelfilm was geregisseerd. Chaplin kocht de filmrechten en maakte de film zelf in 1947, met enkele wijzigingen. De uiteindelijke film credits Chaplin met het script, “gebaseerd op een idee van Orson Welles”.

Welles schreef ongeveer negen maanden rond 1947-48 mee aan het scenario voor Cyrano de Bergerac samen met Ben Hecht, een project dat Welles kreeg toegewezen om te regisseren voor Alexander Korda. Hij begon locaties in Europa te zoeken tijdens het filmen van Black Magic, maar Korda kwam geld tekort, dus verkocht hij de rechten aan Columbia pictures, die Welles uiteindelijk van het project ontsloegen, en vervolgens de rechten verkochten aan United Artists, die op hun beurt een filmversie maakten in 1950, die niet gebaseerd was op Welles’ script.: 106-108

Nadat Welles’ uitgebreide muzikale toneelversie van deze Jules Verne-roman, met 38 verschillende decors, in 1946 in première ging, maakte Welles in 1947 in Marokko proefopnamen voor een filmversie. De beelden werden nooit gemonteerd, de financiering kwam er niet, en Welles stopte met het project. Negen jaar later maakte Mike Todd, de producent van de show, zijn eigen bekroonde filmversie van het boek. 402

Moby Dick – Rehearsed was een filmversie van Welles’ Londense metaspel uit 1955, met Gordon Jackson, Christopher Lee, Patrick McGoohan, en met Welles als Ahab. Welles gebruikte kale, minimalistische decors en wisselde een cast van negentiende-eeuwse acteurs die een productie van Moby Dick repeteerden af met scènes uit Moby Dick zelf. Kenneth Williams, een castlid dat beducht was voor het hele project, schreef in zijn autobiografie dat Welles’ schemerige, sfeervolle toneelverlichting sommige opnamen zo donker maakte dat ze niet te bekijken waren. Het hele stuk werd gefilmd, maar is nu vermoedelijk verloren gegaan. Deze werd gemaakt tijdens een weekend in het Hackney Empire theater.

De producenten van Histoires extraordinaires, een anthologiefilm uit 1968 gebaseerd op korte verhalen van Edgar Allan Poe, kondigden in juni 1967 aan dat Welles een segment gebaseerd op zowel “Masque of the Red Death” als “The Cask of Amontillado” zou regisseren voor de omnibusfilm. Welles trok zich in september 1967 terug en werd vervangen. Het script, in het Engels geschreven door Welles en Oja Kodar, bevindt zich in de collectie van het Filmmuseum Munchen.

Deze Monty Python-achtige spoof, waarin Welles op één na alle personages speelt (waaronder twee personages in drag), werd gemaakt rond 1968-9. Welles wilde deze afgeronde sketch als een van de onderdelen van een televisiespecial over Londen. Andere items gefilmd voor deze special – allemaal opgenomen in de “One Man Band” documentaire van zijn partner Oja Kodar – omvatten een sketch over Winston Churchill (gespeeld in silhouet door Welles), een sketch over leeftijdsgenoten in een statig huis, een item over Londense gentlemen’s clubs, en een sketch met Welles die wordt bespot door zijn hatelijke Savile Row kleermaker (gespeeld door Charles Gray).

Welles schreef twee scenario’s voor Treasure Island in de jaren zestig, en wilde graag financiële steun om het te regisseren. Zijn plan was om het in Spanje te filmen in combinatie met Chimes at Midnight. Welles wilde de rol van Long John Silver spelen. Hij wilde Keith Baxter als dokter Livesey en John Gielgud als schildknaap Trelawney. De in Australië geboren kindacteur Fraser MacIntosh (The Boy Cried Murder), toen 11 jaar oud, werd gecast als Jim Hawkins en naar Spanje gevlogen voor de opnames, die geregisseerd zouden worden door Jess Franco. Ongeveer 70 procent van de cast van Chimes at Midnight zou een rol hebben gehad in Treasure Island. De financiering van het project ging echter niet door. Uiteindelijk werd Welles’ eigen scenario (onder het pseudoniem O.W. Jeeves) verder herschreven, en vormde de basis voor de filmversie uit 1972, geregisseerd door John Hough, waarin Welles Long John Silver speelde.

The Deep, een bewerking van Charles Williams’ Dead Calm, speelde zich volledig af op twee boten en werd voornamelijk in close-ups opgenomen. Het werd gefilmd voor de kusten van Joegoslavië en de Bahama’s tussen 1966 en 1969, waarbij alle scènes op één na werden voltooid. Het was oorspronkelijk gepland als een commercieel levensvatbare thriller, om te laten zien dat Welles een populaire, succesvolle film kon maken. Hij werd in 1970 in de ijskast gezet toen Welles vreesde dat de critici niet gunstig zouden reageren op deze film als zijn theatrale vervolg op het veelgeprezen Chimes at Midnight, en Welles richtte zich in plaats daarvan op F for Fake. De film werd helemaal opgegeven in 1973, misschien door de dood van de ster Laurence Harvey. In een interview uit 2015 wijt Oja Kodar het niet afmaken van de film aan de weigering van Jeanne Moreau om mee te werken aan de nasynchronisatie.

Dune, een vroege poging tot bewerking van Frank Herbert’s sciencefiction roman door de Chileense filmregisseur Alejandro Jodorowsky, zou Welles de hoofdrol geven als de kwaadaardige Baron Vladimir Harkonnen. Jodorowsky had Welles persoonlijk gekozen voor de rol, maar de geplande film kwam nooit verder dan de pre-productie.

In 1978 werd Welles door zijn jarenlange beschermeling Peter Bogdanovich (die toen optrad als Welles’ de facto agent) gevraagd Saint Jack te regisseren, een bewerking van de roman van Paul Theroux uit 1973 over een Amerikaanse pooier in Singapore. Hugh Hefner en Bogdanovich’s toenmalige partner Cybill Shepherd waren beiden als producenten aan het project verbonden, waarbij Hefner voor de financiering zorgde via zijn Playboy producties. Zowel Hefner als Shepherd raakten er echter van overtuigd dat Bogdanovich zelf een meer commercieel levensvatbare regisseur zou zijn dan Welles en stonden erop dat Bogdanovich het stokje overnam. Omdat Bogdanovich ook werk nodig had na een reeks flops, stemde hij toe. Toen de film uiteindelijk in 1979 werd gemaakt door Bogdanovich en Hefner (maar zonder deelname van Welles of Shepherd), voelde Welles zich verraden en volgens Bogdanovich dreven de twee “een beetje uit elkaar”.

Na het succes van zijn film Filming Othello uit 1978, gemaakt voor de West-Duitse televisie en voornamelijk bestaande uit een monoloog voor de camera, begon Welles met het opnemen van scènes voor deze vervolgfilm, maar voltooide deze nooit: 253 Wat Welles wel filmde was een 80 minuten durende vraag-en-antwoord sessie in 1981 met filmstudenten die vragen stelden over de film. De beelden werden bewaard door Welles’ cinematograaf Gary Graver, die ze schonk aan het filmmuseum van München, dat ze samen met Welles’ trailer voor de film samenvoegde tot een film van 83 minuten die af en toe op filmfestivals wordt vertoond.

Geschreven door Welles met Oja Kodar, werd The Big Brass Ring bewerkt en verfilmd door regisseur George Hickenlooper in samenwerking met schrijver F.X. Feeney. Zowel het script van Welles als de film uit 1999 draait om een Amerikaanse presidentskandidaat van in de 40, zijn oudere mentor – een voormalige presidentskandidaat die door een homoseksueel schandaal ten onder is gegaan – en de Italiaanse journalist die op zoek gaat naar de waarheid over de relatie tussen deze mannen. Tijdens de laatste jaren van zijn leven worstelde Welles om financiering te krijgen voor de geplande film; zijn pogingen om Jack Nicholson, Robert Redford, Warren Beatty, Clint Eastwood, Burt Reynolds en Paul Newman te casten als de hoofdrolspeler hadden echter geen succes. Alle acteurs wezen de rol om verschillende redenen af.

In 1984 schreef Welles het scenario voor een film die hij wilde regisseren, een autobiografisch drama over de opvoering van The Cradle Will Rock in 1937: 157-159 Rupert Everett zou de jonge Welles spelen. Welles slaagde er echter niet in de financiering rond te krijgen. Tim Robbins regisseerde later een soortgelijke film, maar die was niet gebaseerd op Welles’ script.

Op het moment van zijn dood was Welles in gesprek met een Franse productiemaatschappij om een filmversie te regisseren van het Shakespeare-stuk King Lear, waarin hij ook de titelrol zou spelen.

Ada of Ardor: A Family Chronicle was een bewerking van de roman van Vladimir Nabokov. Welles bewonderde Nabokovs Ada or Ardor: A Family Chronicle en initieerde een filmproject met dezelfde titel in samenwerking met de auteur. Welles vloog naar Parijs om het project persoonlijk met Nabokov te bespreken, omdat de Russische auteur op dat moment van Amerika naar Europa verhuisde. Welles en Nabokov hadden een veelbelovend gesprek, maar het project kwam niet af.

Documentaires over Citizen Kane (1941)

Documentaires over It’s All True (1942)

Documentaire over Mr. Arkadin (1955)

Documentaire over Touch of Evil (1958)

Documentaire over Chimes at Midnight (1965)

Documentaires over The Other Side of the Wind (1970-1976)

Archiefbronnen

Bronnen

1. Orson Welles
2. Orson Welles
3. ^ Richard H. Welles had changed the spelling of his surname by the time of the 1900 Federal Census, when he was living at Rudolphsheim, the 1888 Kenosha mansion built by his mother Mary Head Wells and her second husband, Frederick Gottfredsen.
4. ^ Sources vary regarding Beatrice Ives Welles’s birth year; her grave marker reads 1881, not 1883.[21] For more information see the talk page.
5. ^ Years later, the two men successively married Rita Hayworth.
6. ^ Pre-production materials for Nero Wolfe (1976) are contained in the Orson Welles – Oja Kodar Papers at the University of Michigan.[149]
7. Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
8. Valentinetti 1988, pp. 118-119
9. McBride 1979, p. 19