Joan Crawford

gigatos | juin 4, 2023

Résumé

Joan Crawford (San Antonio, 23 mars 1904 – New York, 10 mai 1977) était une actrice américaine. Débutant comme danseuse dans des compagnies théâtrales itinérantes avant de faire ses débuts à Broadway, Crawford signe un contrat avec Metro-Goldwyn-Mayer en 1925. D’abord frustrée par la taille et la qualité de ses rôles, Crawford entame une campagne d’autopublicité et devient nationalement connue comme une femme mélodieuse à la fin des années 1920. Dans les années 1930, la notoriété de Crawford rivalise avec celle de ses collègues de la MGM, Greta Garbo et Norma Shearer, avec lesquelles elle joue respectivement dans les films « Grand Hotel » et « The Women ». Crawford avait l’habitude d’interpréter de jeunes travailleuses qui trouvaient la romance et la réussite financière. Ces histoires « de la pauvreté à la richesse » ont été bien accueillies par le public à l’époque de la Grande Dépression et ont été populaires auprès des femmes. Crawford est devenue l’une des stars les plus en vue d’Hollywood et l’une des femmes les mieux payées des États-Unis, mais ses films ont commencé à perdre de l’argent et, à la fin des années 1930, elle a été qualifiée de « poison du box-office ».

Sa carrière s’est progressivement améliorée au début des années 1940, culminant en 1945 avec son rôle principal dans le drame « Soul in Suffering », pour lequel elle a reçu l’Oscar de la meilleure actrice. Elle sera encore nominée deux fois, pour « Bonfire of Passions » (1947) et « Precipices of the Soul » (1952). Crawford continue à jouer dans les décennies suivantes, réalisant une grande performance au box-office avec le film à suspense « What Ever Happened to Baby Jane ? » (1962), dans lequel elle joue aux côtés de sa rivale Bette Davis. Malgré le succès du film, ses rôles ultérieurs se limitent à des films à suspense de série B et à des épisodes de séries télévisées.

En 1955, elle s’est engagée dans la Pepsi-Cola Company en épousant le président de l’époque, Alfred Steele. Après la mort de ce dernier en 1959, Mme Crawford a été élue au conseil d’administration de la société, devenant ainsi l’une des premières femmes à occuper le poste de président-directeur général aux États-Unis. Elle est contrainte de prendre sa retraite en 1973, après l’élection de son rival Don Kendall à la présidence de l’entreprise. Pendant cette période, Crawford est devenue une sorte de poster girl informelle pour l’entreprise, voyageant dans le monde entier pour ouvrir des usines de boissons gazeuses, apparaissant dans les publicités télévisées de la marque et insistant auprès des réalisateurs de ses films pour que le produit y soit inséré.

Après la sortie du film d’horreur britannique « Trog the Cave Monster » en 1970, Crawford décide de se retirer de l’écran, bien qu’elle apparaisse encore dans un épisode de la série télévisée « The Sixth Sense » en 1972. Après une apparition publique en 1974, au cours de laquelle des photos qui ont déplu à l’actrice ont été publiées dans les journaux, Crawford décide de se retirer définitivement de la vie publique et devient de plus en plus recluse. Elle cumule alors près de cinq décennies de vie publique, dans une période qui s’étend du cinéma muet à l’avènement de la télévision. Elle décédera près de trois ans plus tard d’une crise cardiaque et sera enterrée au cimetière de Ferncliff.

Crawford s’est mariée quatre fois. Ses trois premiers mariages se sont soldés par un divorce ; le dernier s’est terminé par la mort de son mari Alfred Steele. Elle adopte cinq enfants, dont l’un est finalement rendu à sa mère biologique après avoir été réclamé par elle. Les relations de Crawford avec ses deux enfants aînés, Christina et Christopher, sont amères. Crawford les a reniés et, après sa mort, Christina a écrit des mémoires célèbres, « Mommy Dearest », dans lesquelles elle raconte les abus dont elle et son frère auraient été victimes. Les filles cadettes de l’actrice, Cathy et Cindy, nient ces abus. Les récits de Christina ont ravivé l’intérêt pour Crawford, donnant lieu à un film sur l’actrice qui l’a transformée en icône de la culture campagnarde, vénérée par les nouvelles générations.

Crawford est née sous le nom de Lucille Fay LeSueur à San Antonio, Texas, le 23 mars ; l’année de sa naissance est sujette à désaccord. Les années 1904, 1905 et 1906 sont les estimations les plus probables. Elle est le troisième enfant de Thomas E. LeSueur (1867-1938), blanchisseur, et d’Anna Bell Johnson (1884-1958). Mme Johnson avait des ancêtres anglais, français-huguenots, suédois et irlandais. Ses frères et sœurs aînés sont Daisy LeSueur, née en 1902 et décédée avant la naissance de Lucille, et l’acteur Hal LeSueur (décédé le 3 mai 1963).

Le père de Crawford a abandonné la famille quelques mois avant la naissance de la jeune fille, avant de refaire surface à Abilene en 1930, époque à laquelle il travaillait dans la construction de bâtiments. Après l’abandon de la famille par LeSueur, la mère de Crawford épouse Henry J. Cassin (décédé le 25 octobre 1922). Ce mariage est indiqué dans les registres de recensement comme étant le premier de la mère de Crawford, ce qui remet en question le fait que Thomas LeSueur et Anna Bell Johnson étaient légalement mariés. Crawford a vécu avec son beau-père, sa mère et ses frères et sœurs à Lawton, Oklahoma. Cassin était un petit homme d’affaires dans l’industrie du spectacle et dirigeait le Ramsey Opera House, qui a réussi à faire venir en ville des artistes divers et remarquables tels que la ballerine Anna Pavlova et la chanteuse de vaudeville Eva Tanguay. La jeune Lucille ignore que Cassin, qu’elle appelle « Papa », n’est pas son père biologique jusqu’à ce que son frère Hal lui dise la vérité. Enfant, Lucille préfère le surnom de « Billie » et adore assister aux spectacles de vaudeville et se produire sur la scène du théâtre de son beau-père. L’instabilité de sa vie familiale a affecté son éducation et sa scolarité, et elle n’a jamais dépassé le stade de l’école primaire.

Depuis son enfance, Crawford avait pour ambition de devenir danseuse. Mais un jour, alors qu’elle tentait de s’échapper de son cours de piano pour aller jouer avec ses amis, elle a sauté du porche de la maison et s’est profondément coupé le pied dans une bouteille de lait cassée. Elle a dû subir trois interventions chirurgicales réparatrices et n’a pas pu danser ni aller à l’école pendant 18 mois. Elle s’est finalement complètement rétablie et a repris la danse.

Alors que la famille vit encore à Lawson, Cassin est accusé de détournement de fonds et, bien qu’il soit acquitté par le tribunal, il devient persona non grata à Lawton, et la famille déménage à Kansas City, dans le Missouri, aux alentours de l’année 1916. Catholique, Cassin inscrit Crawford à la St. Agnes Academy de Kansas City. Après la séparation de sa mère et de son beau-père, elle reste à l’internat en tant qu’étudiante-ouvrière ; cependant, elle passe beaucoup plus de temps à travailler, en particulier à cuisiner pour les autres étudiants et à nettoyer les quartiers du collège, qu’à étudier.

Elle a ensuite fréquenté la Rockingham Academy, également en tant qu’étudiante-travailleuse. Pendant qu’elle fréquentait cet internat, elle a commencé à sortir avec un trompettiste, Ray Sterling, et a eu sa première relation sérieuse avec lui, qui l’aurait incitée à se dépasser sur le plan académique.

En 1922, Lucille s’inscrit au Stephens College de Columbia, dans le Missouri, où elle est née en 1906. Elle ne fréquente cet établissement d’enseignement que pendant quelques mois avant d’abandonner la vie académique après avoir réalisé qu’elle n’était pas prête pour l’université. En raison de l’instabilité de sa famille, la scolarité de Crawford n’a jamais dépassé le niveau élémentaire.

Début de carrière

Sous le nom de Lucille LeSueur, Crawford commence à danser dans les chœurs de divers spectacles itinérants et est découverte à Détroit, dans le Michigan, par le célèbre producteur Jacob J. Shubert. Shubert la place dans le chœur de son spectacle de 1924 « Innocent Eyes », joué au Winter Garden Theatre sur Broadway à New York. Lors d’une de ses représentations, Crawford rencontre un saxophoniste nommé James Welton. Les deux se seraient mariés en 1924 et auraient vécu ensemble pendant plusieurs mois, bien que cette union supposée n’ait jamais été mentionnée par Crawford après la célébrité.

Crawford veut travailler davantage et s’adresse au publiciste du Loews Theatre, Nils Granlund. Granlund lui assure un rôle dans les spectacles du chanteur Harry Richmond et lui organise un test à l’écran avec le producteur Harry Rapf à Hollywood. Aujourd’hui encore, des rumeurs persistent selon lesquelles Crawford aurait complété ses revenus pendant cette période en apparaissant dans un ou plusieurs films pornographiques, bien que la véracité de cette information soit fortement contestée.

Le 24 décembre 1924, Rapf informe Granlund que la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) a proposé à Crawford un contrat de 75 dollars par semaine. Granlund envoie immédiatement un télégramme à Crawford, qui est retournée chez sa mère à Kansas City, pour lui annoncer la nouvelle ; elle emprunte 400 dollars pour faire le voyage. Elle quitte Kansas City le 26 décembre et arrive à Culver City, en Californie, le 1er janvier 1925.

Crédité sous le nom de Lucille LeSueur, son premier film est Lady of the Night (1925), où elle sert de doublure corporelle à Norma Shearer, la star féminine la plus populaire de la MGM. Elle apparaît également dans « The Circle » (« The Other’s Wife ») et « Pretty Ladies » (« The Black Fly »), tous deux datant de 1925. Elle a ensuite joué des rôles tout aussi modestes et non crédités dans deux autres succès de 1925, « The Only Thing » (La seule chose) et « The Merry Widow » (La veuve joyeuse).

Le chef de la publicité de la MGM, Pete Smith, reconnaît sa capacité à devenir une grande star, mais estime que son nom sonne faux ; il dit au chef du studio, Louis B. Mayer que le nom de famille LeSueur sonnait comme « sewer » (« égout » en anglais). Smith organise un concours intitulé « Name a Star » dans le magazine Movie Weekly pour permettre au public de choisir le nouveau nom de scène de Lucille. Le nom le plus voté était « Joan Arden », mais après avoir découvert qu’une actrice portait déjà ce nom, c’est le nom de famille alternatif « Crawford » qui a été choisi. Crawford déclara plus tard qu’elle voulait que son prénom se prononce comme « Jo-Anne » et qu’elle détestait le nom Crawford parce qu’il sonnait comme « écrevisse », mais admit également qu’elle « aimait la sécurité » que ce nom véhiculait.

L’ascension vers la célébrité

De plus en plus frustrée par la taille et la qualité des rôles qu’on lui propose, Joan Crawford se lance dans une campagne d’autopromotion. Comme le rappelle Frederica Sagor Maas, scénariste à la MGM, « personne n’a décidé de faire de Joan Crawford une star. Joan Crawford est devenue une star parce que Joan Crawford a décidé de devenir elle-même une star ». Elle commence à participer à des soirées dansantes l’après-midi et le soir dans les hôtels d’Hollywood, où elle gagne souvent des concours de danse grâce à ses mouvements de charleston et de black bottom.

Sa stratégie fonctionne et la MGM la fait jouer dans le premier film où elle attire l’attention du public : « Sally, Irene and Mary » (« Sally, Irene et Mary »), écrit et réalisé par Edmund Goulding en 1925. Au début de sa carrière, Crawford considérait Norma Shearer – l’actrice la plus populaire du studio – comme son ennemie professionnelle. Shearer était mariée au directeur de la production de la MGM, Irving Thalberg, et pouvait donc choisir les scénarios et avait plus de contrôle sur les films qu’elle tournerait ou ne tournerait pas. Crawford aurait dit un jour : « Comment puis-je rivaliser avec Norma ? Elle couche avec son patron !

En 1926, Crawford est nommée l’une des treize étoiles montantes du cinéma par la Western Film Advertisers Association, aux côtés de Mary Astor, Dolores del Río, Janet Gaynor et Fay Wray, entre autres. La même année, elle joue dans « Paris » aux côtés de Charles Ray. En quelques années, Crawford devient le couple romantique des plus grandes stars masculines de la MGM, telles que Ramón Novarro, John Gilbert, William Haines et Tim McCoy.

Crawford apparaît dans « The Unknown » (Crawford, portant un costume modeste, joue le rôle de sa jeune assistante, qu’il espère épouser. Elle affirme avoir appris davantage sur le métier d’acteur en regardant le travail de Chaney que de n’importe qui d’autre au cours de sa carrière. « C’est à ce moment-là, dit-elle, que j’ai pris conscience pour la première fois de la différence entre être devant une caméra et jouer la comédie. Toujours en 1927, elle apparaît aux côtés de son ami William Haines dans « Social Prestige », le premier des trois films qu’ils ont tournés ensemble.

En 1928, Crawford a joué aux côtés de Ramón Novarro dans le film « Across to Singapore » (« De l’autre côté du cœur »), mais c’est son rôle de Diana Medford dans « Modern Girls » (1928) qui l’a propulsée au rang de star. Ce rôle a fait d’elle un symbole de la féminité moderne des années 1920, rivalisant avec Clara Bow, la « it girl » originale et la mélindrosa la plus célèbre d’Hollywood à l’époque. Après « Our Dancing Daughters », Crawford a joué dans plusieurs succès, dont deux autres films au thème sirupeux, dans lesquels elle a incarné pour sa légion de fans (dont beaucoup de femmes) une vision idéalisée de la femme américaine indépendante et libre d’esprit.

À l’époque, le romancier F. Scott Fitzgerald a écrit ce qui suit à propos de Crawford :

« Joan Crawford est sans aucun doute le meilleur exemple de la melindrosa, la fille que l’on voit dans les boîtes de nuit, habillée au summum de la sophistication, jouant avec des verres glacés avec une expression distante et un peu amère, dansant délicieusement, riant beaucoup avec de grands yeux souffrants. Des jeunes qui ont le talent de vivre ».

Le 3 juin 1929, lors du tournage de « Our Modern Maidens » (« Today’s Maidens »), la suite de « Our Dancing Daughters », Crawford épouse son partenaire Douglas Fairbanks Jr. à l’église St. Malachy’s (connue sous le nom de « Actors’ Chapel » en raison de sa proximité avec les théâtres de Broadway) à Manhattan, bien qu’ils ne soient pas catholiques. Fairbanks était le fils de Douglas Fairbanks et le beau-fils de Mary Pickford, qui étaient considérés comme la famille royale d’Hollywood. Fairbanks et Pickford se sont opposés à l’union et n’ont pas invité le couple dans leur maison, le célèbre manoir Pickfair, pendant les huit mois qui ont suivi le mariage.

Les relations entre Crawford et le père de Fairbanks s’améliorent progressivement ; elle l’appelle « Oncle Doug » et il l’appelle « Billie », son surnom d’enfance. Pickford et elle continuent cependant à se mépriser. Après une première invitation à fréquenter le manoir, Crawford et Fairbanks Jr. deviennent des invités réguliers. Alors que les deux hommes jouent au golf ensemble, Crawford est mis à l’écart par Pickford, qui se retire dans ses quartiers.

Pour se débarrasser de son accent texan, Crawford s’exerce inlassablement à la diction et à l’élocution. Elle a dit un jour :

« Si je devais faire un discours, je pensais que ce serait une bonne idée de le lire à haute voix, en écoutant attentivement la qualité et l’énonciation de ma voix et en essayant de parler d’une certaine manière. J’aimais m’enfermer dans ma chambre et lire des journaux, des magazines et des livres à haute voix. Je gardais un dictionnaire sous le bras. Lorsque je rencontrais un mot que je ne savais pas prononcer, je le cherchais et le prononçais correctement quinze fois ».

La transition vers le cinéma parlant et le succès continu

Après la sortie du « Chanteur de jazz » – le premier long métrage avec son synchronisé – en 1927, les films parlants ont fait sensation à Hollywood. Le passage des films muets aux films parlés a provoqué la panique de nombreux acteurs de l’industrie cinématographique, si ce n’est de tous ; de nombreuses stars du cinéma muet n’ont pas pu trouver de travail en raison de leurs voix peu attrayantes et de leurs accents difficiles à comprendre, ou simplement parce qu’elles refusaient de passer aux films parlés.

Certains studios et certaines stars ont évité de faire la transition le plus longtemps possible, en particulier la MGM, qui a été le dernier studio à faire la transition. « The Hollywood Revue of 1929 » est l’un des premiers films parlés du studio et sa première tentative de montrer au public la capacité de ses stars à faire la transition. Crawford faisait partie de la douzaine de vedettes incluses dans le film ; elle a chanté la chanson « Got a Feeling for You » pendant le premier acte du film. Elle a étudié le chant avec Estelle Liebling, le professeur de chant de Beverly Sills, dans les années 1920 et 1930.

Crawford a réussi sa transition vers le cinéma parlant. Son premier rôle principal dans un long métrage sonore est dans Untamed (« L’indompté ») de 1929, avec Robert Montgomery. Malgré le succès du film au box-office, il n’a pas reçu un accueil favorable de la part des critiques, qui ont noté que Crawford semblait nerveuse à l’idée de passer au cinéma muet alors qu’elle était devenue l’une des actrices les plus populaires au monde.

« Montana Moon (« Femme… et rien d’autre »), de 1930, mélange malaisé de western et de comédie musicale, réunit l’actrice avec John Mack Brown et Ricardo Cortez. Bien que le film ait eu des problèmes avec la censure, il a connu un grand succès à l’époque de sa sortie. « Our Blushing Brides » (1930), avec Robert Montgomery et Anita Page, est le dernier chapitre de la trilogie commencée avec « Our Dancing Daughters ». Ce film est devenu le plus grand succès – tant critique que financier – des films parlés de Crawford et a été cité par l’actrice comme l’un de ses préférés. Son film suivant, « Paid » (« La femme qui a perdu son âme »), sorti en 1930, l’associe à Robert Armstrong et est un autre grand succès au box-office. À l’ère du son, la MGM commence à confier à Crawford des rôles plus sophistiqués plutôt que de continuer à promouvoir l’image mielleuse qu’elle s’était forgée à l’époque du muet.

En 1931, la MGM sort cinq films avec Crawford. Trois d’entre eux l’associent à la plus grande star masculine du studio, Clark Gable, surnommé le « roi d’Hollywood ». « Dance, Fools, Dance (« Quand le monde danse »), sorti en février 1931, est leur premier film ensemble. Leur deuxième film, « Laughing Sinners », a été réalisé par Harry Beaumont, avec Neil Hamilton, et est sorti en mai de la même année. Le troisième film, « Possessed » (« Possédés »), a été réalisé par Clarence Brown et est sorti en octobre. Ces films sont populaires auprès du public et bien accueillis par la critique, élevant Crawford au rang de première star féminine de la MGM au début des années 1930, aux côtés de Norma Shearer, Greta Garbo et Jean Harlow. Son autre film notable de 1931 est « This Modern Age » (« In This Twentieth Century »), sorti en octobre, qui, malgré des critiques défavorables, rencontre le succès auprès du public.

En 1932, la MGM la fait jouer dans le film « Grand Hotel », réalisé par Edmund Goulding. Crawford y partage l’affiche avec Greta Garbo, Wallace Beery, John et Lionel Barrymore, entre autres. Son nom apparaissait en troisième position sur les affiches et au générique du film et elle jouait une sténographe de la classe moyenne qui travaillait pour le directeur d’une société de contrôle, joué par Beery. Crawford avouera plus tard qu’elle était nerveuse pendant le tournage car elle travaillait avec de « très grandes stars », et qu’elle était également déçue de ne pas avoir de scènes avec la « divine Garbo ». « Grand Hotel » est sorti en avril 1932 et a été un succès critique et public. Il est l’un des plus gros succès de l’année au box-office et remporte l’Oscar du meilleur film.

Crawford maintient son succès avec « Letty Lynton » (« Redeemed ») en 1932, toujours aux côtés de Robert Montgomery. Peu après sa sortie, la MGM fut accusée de plagiat et contrainte de le retirer de la circulation. Il n’a jamais été diffusé à la télévision ni disponible en vidéo, et est donc considéré comme un « film perdu » par Crawford. La robe d’Adrian à larges manches et à volants, portée par Crawford dans le film, est devenue populaire cette année-là et a été copiée et vendue par Macy’s.

Prêté à United Artists, Crawford incarne la prostituée Sadie Thompson dans « Rain » (« The Sin of Flesh », 1932, version cinématographique de la pièce de John Colton de 1923. L’actrice Jeanne Eagels a joué le rôle au théâtre et Gloria Swanson l’a interprété au cinéma dans la version muette de 1928. L’interprétation de Crawford a été largement critiquée et le film n’a pas eu de succès. Malgré cela, Crawford arrive en troisième position dans la liste des dix stars les plus rentables au box-office, publiée pour la première fois en 1932, derrière Marie Dressler et Janet Gaynor. Elle reste dans le top 10 de la liste pendant les quatre années suivantes, sa dernière apparition remontant à 1936.

En mai 1933, Crawford divorce de Fairbanks. Elle invoque une « grave cruauté mentale » comme motif de la demande de divorce, affirmant que Fairbanks avait des « attitudes jalouses et suspicieuses » à l’égard de ses amis et qu’ils avaient de « fortes disputes sur les sujets les plus triviaux » qui duraient jusqu’à « tard dans la nuit ». Après son divorce, elle fait à nouveau équipe avec Clark Gable, ainsi qu’avec Franchot Tone et Fred Astaire, pour le film à succès « Dancer’s Love », dans lequel elle figure en bonne place sur les affiches et au générique. Elle joue le rôle-titre dans « Sadie McKee » (1934), avec Franchot Tone et Gene Raymond. La même année, elle partage l’affiche avec Clark Gable pour la cinquième fois dans « Chained » (« Enchaîné »), et pour la sixième fois dans « Forsaking All Others » (« When the Devil Stings »), tous deux en 1934. Les films de Crawford de cette époque sont parmi les plus populaires et les plus rentables des années 1930.

En 1935, Crawford épouse Franchot Tone, un acteur new-yorkais qui compte utiliser les recettes de ses films pour financer sa troupe de théâtre. Le couple construit un petit théâtre dans la maison de Crawford à Brentwood et monte des productions de pièces classiques pour des groupes d’amis triés sur le volet. Tone et Crawford étaient apparus ensemble pour la première fois en 1933 dans Today We Live, réalisé par Howard Hawks, mais elle hésitait à entamer une nouvelle relation si peu de temps après sa séparation d’avec Fairbanks.

Avant et pendant leur mariage, Crawford s’est efforcée de promouvoir la carrière de Tone à Hollywood, mais celui-ci n’était pas intéressé à devenir une star de cinéma, et Crawford a fini par se lasser de cet effort.Pendant leur mariage, ils ont essayé à deux reprises d’avoir des enfants, qui se sont tous deux soldés par des fausses couches. Après que Tone ait commencé à boire et soit devenu physiquement violent, elle a demandé le divorce, qui a été accordé en 1939. Bien plus tard, Crawford et Tone ont renoué leur amitié et Tone l’a même redemandée en mariage en 1964. Lorsqu’il meurt en 1968, Crawford organise l’incinération de son corps et la dispersion de ses cendres dans les lacs de Muskoka, au Canada.

Crawford reste une actrice populaire jusqu’au milieu des années 1930. Le film « No More Ladies » (« Goodbye Women ») de 1935, avec Robert Montgomery et son mari Franchot Tone, est un succès. Crawford demandait depuis longtemps au patron de la MGM, Louis B. Mayer de lui confier des rôles plus dramatiques et, bien qu’il soit réticent, il la fait jouer dans la comédie dramatique sophistiquée « I Live My Life » (« C’est la seule façon dont je veux vivre »), réalisée par W. S. Van Dyke en 1935. Le film est bien accueilli par la critique et rapporte plus d’argent que le studio ne l’espérait.

L’année suivante, Crawford joue dans « Sublime Woman » aux côtés de Robert Taylor, Lionel Barrymore et son mari Franchot Tone. Le film est un succès critique et commercial, devenant l’un des plus grands succès de Crawford au cours de la décennie. La comédie romantique Love on the Run, réalisée par W.S. Van Dyke en 1936, est son septième film avec Clark Gable et son sixième avec Franchot Tone. son sixième avec Franchot Tone. À l’époque de sa sortie, le film est qualifié de « tas de joyeuses bêtises » par la critique ; il remporte toutefois un succès financier.

Baisse de popularité

Bien que Crawford soit restée l’une des actrices les plus respectées de la MGM et que ses films aient continué à être rentables, sa popularité a décliné à la fin des années 1930. En 1937, Crawford est nommée la première « reine du cinéma » par le magazine Life. La même année, elle passe inopinément de la septième à la seizième place sur la liste des stars les plus rentables au box-office, et sa popularité auprès du public commence donc à décliner. Toujours en 1937, Richard Boleslawski la dirige dans la comédie dramatique The Last of Mrs. Cheyney, qui l’associe à William Powell pour la première et unique fois de sa carrière. Ce film fut le dernier succès de Crawford au box-office avant qu’elle ne soit qualifiée de « poison du box-office ».

Elle partage l’affiche avec Franchot Tone pour la septième et dernière fois dans « The Bride Wore Red » (« Le bonheur par le mensonge »), également en 1937. Le film est mal accueilli par la plupart des critiques, l’un d’entre eux estimant qu’il s’agit de la « même histoire de pauvreté et de fortune » que Crawford tourne depuis des années. Il est également un échec au box-office, devenant l’un des plus gros échecs financiers de la MGM cette année-là. Le film suivant de l’actrice, « Mannequin », avec Spencer Tracy, a eu plus de succès. Selon le New York Times, le film « rétablit Crawford sur le trône de la reine des working girls ». La plupart des critiques sont positives et le film réussit à rapporter quelques bénéfices au studio, mais ce n’est pas un succès suffisant pour ressusciter la popularité de Crawford.

Le 3 mai 1938, Crawford, ainsi que Greta Garbo, Norma Shearer, Luise Rainer, John Barrymore, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Marlene Dietrich et Dolores del Río, entre autres, sont qualifiés de « poison pour le box-office » par Harry Brandt, président de l’Association des propriétaires de salles de cinéma d’Amérique. Dans une lettre ouverte publiée dans l’Independent Film Journal, M. Brandt a déclaré que, bien que ces stars possèdent des talents dramatiques « incontestables », leurs salaires élevés ne se traduisent pas par des ventes de billets, ce qui nuit aux propriétaires de salles de cinéma. Peut-être en raison de la publication de la liste, le film suivant de Crawford, The Shining Hour (« La femme interdite ») de 1938, avec Margaret Sullavan et Melvyn Douglas, et réalisé par Frank Borzage, a été un échec au box-office, bien qu’il ait été bien accueilli par les critiques spécialisés.

Crawford fait un bon retour en 1939 en jouant l’antagoniste Crystal Allen dans « The Women », aux côtés de son ennemie professionnelle, Norma Shearer. Un an plus tard, elle rompt avec la formule qui a fait sa notoriété en incarnant la peu glorieuse Julie dans « Strange Cargo » (« Âmes rebelles ») en 1940, son huitième et dernier film avec Clark Gable. En 1941, elle incarne une maître chanteuse défigurée dans « The Scar of Evil », remake du film suédois « En kvinnas ansikte » (1938), interprété à l’origine par Ingrid Bergman. Bien que le film n’ait connu qu’un succès modéré au box-office, sa performance a été saluée par de nombreux critiques.

En 1940, Crawford adopte sa première fille. Comme elle était célibataire et que la loi californienne interdisait l’adoption par des célibataires, elle a organisé l’adoption par l’intermédiaire d’une agence de Las Vegas. L’enfant est temporairement appelée Joan Crawford, jusqu’à ce que la star change son nom en Christina. Crawford a épousé l’acteur Phillip Terry le 21 juillet 1942, après six mois de fréquentation. Ensemble, ils ont adopté un autre enfant, qu’ils ont appelé Christopher, mais la mère biologique a rapidement récupéré l’enfant. Ils ont ensuite adopté un autre garçon, qu’ils ont appelé Phillip Terry, Jr. Après la fin de leur mariage en 1946, Crawford a changé le nom de l’enfant en Christopher Crawford.

Après dix-huit ans, le contrat de Crawford avec la MGM est résilié par consentement mutuel le 29 juin 1943. Au lieu de jouer dans un nouveau film, comme son contact l’avait prévu, Crawford reçoit 100 000 dollars de la société de production. Pendant la Seconde Guerre mondiale, l’actrice fait partie de l’American Women’s Volunteer Services.

Succès chez Warner Bros.

Crawford signe un contrat de 500 000 dollars avec Warner Bros. qui prévoit qu’elle jouera dans trois films. Elle est inscrite sur la liste de paie du studio le 1er juillet 1943. Son premier film pour le studio est « A Dream in Hollywood » (1944), une production tournée avec toutes les stars du studio pour remonter le moral des troupes américaines engagées dans la guerre. Crawford a déclaré que l’une des principales raisons pour lesquelles elle avait signé un contrat avec Warner était qu’elle voulait jouer le rôle de Mattie dans une version cinématographique du roman Ethan Frome d’Edith Wharton, que le studio prévoyait de tourner en 1944.

L’actrice aspirait également à obtenir le rôle de Mildred Pierce dans Soul in Suffering (1945), mais le studio voulait que ce soit Bette Davis qui l’incarne. Cependant, Bette Davis refuse le rôle parce qu’elle se trouve trop jeune pour jouer la mère d’une adolescente. Le réalisateur Michael Curtiz ne voulait pas de Crawford dans le rôle, affirmant que Davis devait être remplacée par Barbara Stanwyck, Olivia de Havilland ou Joan Fontaine. Warner va à l’encontre du réalisateur et engage Crawford dans la production. Tout au long de la production du film, Curtiz critique Crawford. Il aurait dit à Jack Warner : « Elle apparaît ici avec son air hautain, avec son chapeau et ses épaulettes sanglantes… Pourquoi devrais-je perdre mon temps à la diriger ? ». Curtiz exigea que Crawford prouve qu’il était apte à jouer le rôle par le biais d’un test. Après ce test, il accepta finalement de la faire jouer dans le film. « Mildred Pierce » a connu un succès retentissant auprès du public et de la critique. Il synthétise le style visuel luxuriant du film noir et la sensibilité qui définira les films de la Warner Bros. à la fin des années 1940. Pour ce rôle, Crawford a reçu l’Academy Award de la meilleure actrice l’année suivante, ainsi que le premier prix de la meilleure actrice décerné par le National Board of Review.

Le succès de « Mildred Pierce » relance la carrière cinématographique de Crawford. Pendant plusieurs années, elle joue dans une série de mélodrames de premier ordre. Son film suivant est « Chords of the Heart » (1946), avec John Garfield, un drame romantique sur une histoire d’amour entre une femme plus âgée et un homme plus jeune. Elle joue aux côtés de Van Heflin dans « Bonfire of Passions » (1947), film pour lequel elle reçoit sa deuxième nomination à l’Oscar de la meilleure actrice, bien qu’elle perde le prix au profit de Loretta Young, qui l’a remporté pour « Ambitious ». Dans « Love Ecstasy » (1947), elle apparaît aux côtés de Dana Andrews et Henry Fonda, et dans « Flamingo Road » (« Redemption Road ») de 1949, elle joue le rôle d’une danseuse de parc d’attractions aux côtés de Zachary Scott et David Brian. Elle fait une apparition dans « Mademoiselle Fifi » (1949), parodiant sa propre image d’actrice dramatique. En 1950, elle joue dans le film noir « The Damned Don’t Cry ! » et dans le drame « Harriet Craig » (« The Dominatrix »).

En 1947, Crawford adopte deux autres enfants, qu’il appelle Cindy et Cathy. Les enfants ont été adoptés par la Tennessee Children’s Home Society, un orphelinat

Après la fin du tournage de This Woman Is Dangerous (« The Tragedies of My Destiny ») en 1952, un film que Crawford qualifie de « pire », elle demande à être libérée de son contrat avec Warner Bros. À l’époque, elle estime que Warner se désintéresse d’elle et décide qu’il est temps de poursuivre sa carrière de manière indépendante.

Radio et télévision

Crawford a travaillé sur la série radiophonique « The Screen Guild Theatre » le 8 janvier 1939 ; « Good News » ; « Baby », diffusé le 2 mars 1940, sur le programme « Lights Out » d’Arch Oboler ; « The Word » au Everyman Theatre (« Chained » au Lux Radio Theatre, et le « Document A » à la radio de l’Université de Londres).

Al Steele et Pepsi

Le 10 mai 1955, Crawford épouse son quatrième et dernier mari, Alfred Steele, cadre chez Pepsi, à l’hôtel Flamingo de Las Vegas. Crawford et Steele se sont rencontrés lors d’une soirée en 1950. Ils se sont revus lors d’un réveillon du Nouvel An en 1954. À cette époque, Steele est devenu président de Pepsi-Cola. Plus tard, Alfred Steele sera nommé président du conseil d’administration et PDG de la société. Après son mariage, Crawford voyage beaucoup pour le compte de Pepsi. Elle estime avoir parcouru plus de 161 000 kilomètres pour le compte de la société. Steele meurt d’une crise cardiaque en avril 1959. Crawford est d’abord informée par la société que ses services ne sont plus requis. Après qu’elle l’eut révélé de première main à la chroniqueuse à potins Louella Parsons, Pepsi revint sur sa décision et Crawford fut choisie pour occuper le poste vacant de son mari au sein du conseil d’administration de l’entreprise.

Crawford a reçu le sixième « Pally Award » annuel, qui avait la forme d’une bouteille de Pepsi en bronze. Ce trophée est décerné à l’employé qui a le plus contribué aux ventes de l’entreprise. En 1973, Crawford a officiellement pris sa retraite de Pepsi le jour de son 65e anniversaire.

La suite de la carrière

Après avoir été nommée aux Oscars dans « Precipices of the Soul » (1952), Crawford continue à travailler régulièrement pendant le reste de la décennie. Après une absence de dix ans de la MGM, elle revient au studio pour jouer dans « If I Knew How to Love » (1953), un drame musical centré sur la vie d’une star de théâtre exigeante qui tombe amoureuse d’un pianiste aveugle, joué par Michael Wilding. Bien que le film ait été fortement médiatisé comme le « grand retour » de Crawford, il a été un échec critique et financier, connu aujourd’hui pour son côté « camp ». En 1954, elle joue avec Sterling Hayden et Mercedes McCambridge dans le western « Johnny Guitar » qui, malgré une réaction initiale défavorable, est devenu un classique culte au fil des ans. En 1955, elle joue dans « Female on the Beach » (« Frenzy of Passions ») avec Jeff Chandler, et dans « The Secret Loves of Eve » avec John Ireland. L’année suivante, elle joue aux côtés du jeune Cliff Robertson dans « Dead Leaves » et dans le rôle-titre de « The Story of Esther Costello » en 1957, avec Rossano Brazzi. Crawford frôle la faillite après la mort de Steele, ce qui l’amène à accepter un second rôle dans « Under the Sign of Sex » (1959). Bien qu’elle soit loin d’être la star du film, elle reçoit des critiques positives pour sa performance. Crawford citera plus tard ce rôle comme l’un de ses préférés. Au début des années 1960, cependant, le statut de Crawford en tant que star de cinéma a considérablement diminué.

En 1961, Joan Crawford est à nouveau sa propre machine publicitaire lorsqu’elle reçoit un scénario de Robert Aldrich pour un film. Puis, en 1962, Crawford joue dans le thriller psychologique à succès « What Ever Happened to Baby Jane » (Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?). Elle y incarne Blanche Hudson, une ancienne star de cinéma vieillissante, clouée dans un fauteuil roulant à la suite d’un mystérieux accident, qui partage une maison avec sa sœur psychotique Jane, interprétée par Bette Davis. Malgré des tensions antérieures entre les deux actrices, Crawford aurait suggéré Davis pour le rôle de Jane. Pendant le tournage, elles ont déclaré publiquement qu’il n’y avait aucune querelle entre elles. Le réalisateur du film, Robert Aldrich, a expliqué publiquement que Davis et Crawford étaient très conscientes de l’importance du film pour relancer leurs carrières respectives, commentant : « Il est exact de dire qu’elles se détestaient vraiment, mais elles se sont comportées de manière absolument parfaite.

Une fois le tournage terminé, les commentaires publics de l’une des actrices à l’encontre de l’autre ont déclenché une inimitié qui allait durer jusqu’à la fin de leur vie. Le film fut un énorme succès au box-office, récupérant les coûts de production en moins de deux semaines après sa sortie, et relançant temporairement la carrière de Crawford. Davis est nommée pour l’Oscar de la meilleure actrice pour sa performance, ce qui exaspère Crawford. Elle contacte secrètement chacune des autres nominées dans la catégorie (Katharine Hepburn, Lee Remick, Geraldine Page et Anne Bancroft) pour les informer qu’elle serait heureuse de recevoir le prix en leur nom si elles n’étaient pas en mesure d’assister à la cérémonie de remise des prix. Elles ont toutes accepté. Davis et Crawford se trouvaient toutes deux dans les coulisses de la cérémonie lorsque Anne Bancroft, qui n’était pas présente, a été annoncée comme lauréate pour « Le miracle d’Anne Sullivan ». Crawford accepta le prix en son nom. Davis a prétendu jusqu’à la fin de sa vie que Crawford avait fait campagne contre elle et donc contre leur film, ce que Crawford a toujours nié.

La même année que l’incident des Oscars, Crawford joue le rôle de Lucy Harbin dans « Strait-Jacket » (« Dead Souls »), un film du maître de l’horreur William Castle. Aldrich confie à Crawford le rôle de Davis dans « With Evil in His Soul » (1964). À la suite d’une campagne de harcèlement professionnel que Davis aurait menée contre elle lors d’un tournage en Louisiane, Crawford retourne à Los Angeles et est admise à l’hôpital. Après une absence prolongée des studios de tournage, au cours de laquelle l’actrice est accusée de faire semblant d’être malade, Aldrich est contraint de la remplacer par une autre actrice. L’élue est Olivia de Havilland. Crawford se dit dévastée par la nouvelle : « J’ai appris mon remplacement à la radio, allongée sur mon lit d’hôpital… J’ai pleuré pendant neuf heures ». J’ai pleuré pendant neuf heures ». Crawford garda rancune à Davis et Aldrich jusqu’à la fin de sa vie. À propos du réalisateur, elle déclara : « C’est un homme qui aime les choses mauvaises, horribles et viles », ce à quoi Aldrich répondit : « Si la chaussure vous va, portez-la, parce que j’aime Mlle Crawford. » Malgré son remplacement, on peut voir une brève scène de Crawford dans le film, lorsqu’elle est assise dans un taxi.

En 1965, elle joue le rôle d’Amy Nelson dans « I Saw What You Did », un autre film de William Castle. En 1967, elle joue le rôle de Monica Rivers dans « Berserk ! » (« Blood Spectacle »), un thriller du producteur Herman Cohen. Après la sortie du film, Crawford a fait une apparition spéciale dans l’épisode « Lucy and the Lost Star » du Lucy Show, diffusé pour la première fois le 26 février 1968. Crawford s’est battue pendant les répétitions, buvant beaucoup sur le plateau, ce qui a conduit la star de la série Lucille Ball à suggérer de la remplacer par Gloria Swanson. Le jour du tournage, cependant, Crawford était parfaite, recevant deux ovations du public. En octobre de la même année, la fille aînée de l’actrice, Christina, 29 ans, doit subir une intervention médicale pour retirer une tumeur ovarienne. À l’époque, elle jouait dans le feuilleton « The Secret Storm » de la chaîne CBS. Bien que le personnage de Christina ait 28 ans et que Crawford ait déjà plus de 60 ans, elle propose de jouer le rôle jusqu’à ce que Christina se remette de l’opération ; la productrice Gloria Monty accepte volontiers l’idée, supposant qu’une star de l’âge d’or d’Hollywood augmenterait l’audience de la série. Bien que Crawford se soit bien comportée pendant les répétitions, elle a perdu son calme pendant l’enregistrement, et le réalisateur et le producteur ont eu du mal à faire un montage cohérent de ses scènes.

L’apparition de Crawford dans le téléfilm de 1969 « Night Gallery » (« Terror Gallery ») a contribué à lancer la carrière de Steven Spielberg, alors nouveau venu, en tant que réalisateur. Elle a fait une apparition dans le premier épisode de la sitcom « The Tim Conway Show », diffusé le 30 janvier 1970. Elle est apparue pour la dernière fois à l’écran dans le rôle du Dr Brockton dans le film de science-fiction « Trog the Cave Monster » (1970), également produit par Herman Cohen. C’est la 45e année qu’elle joue dans l’industrie cinématographique, après avoir joué dans plus de quatre-vingts films. Crawford fait deux autres apparitions à la télévision, dans le rôle de Stephanie Whitem dans un épisode de 1970 (« The Nightmare ») de « The Virginian » et dans le rôle de Joan Fairchild (sa dernière prestation) dans un épisode de 1972 (« Dear Joan : We’re Going to Scare You to Death ») de « The Sixth Sense ». En 1973, Crawford a été contrainte de se retirer de Pepsi après s’être opposée à Don Kendall, dirigeant de la société, que Crawford avait appelé de façon péjorative « Canines » pendant des années.

Dernières années et décès

En 1970, Crawford a reçu le prix Cecil B. DeMille des mains de John Wayne lors de la cérémonie des Golden Globe Awards, retransmise depuis le Coconut Grove de l’Ambassador Hotel à Los Angeles. Elle a également donné une conférence au Stephens College, qu’elle a fréquenté pendant deux mois en 1922.

Crawford a publié son autobiographie « A Portrait of Joan », coécrite avec Jane Kesner Ardmore, en 1962. Son livre suivant, « My Way of Life », a été publié en 1971 par Simon & Schuster. Ceux qui s’attendaient à un livre révélant tous les aspects de la vie de l’actrice ont été déçus, bien que Crawford ait révélé les soins méticuleux qu’elle apportait à son hygiène personnelle, à sa garde-robe, à ses activités physiques et même à la conservation de ses aliments.

Après sa mort, on a retrouvé dans son appartement des photographies de John F. Kennedy, pour qui elle aurait voté lors de l’élection présidentielle de 1960. Crawford s’identifie au parti démocrate et admire les administrations Kennedy et Roosevelt. Elle a déclaré un jour : « Le parti démocrate est celui que j’ai toujours suivi. Je me suis battue durement dans la vie depuis ma naissance et je suis fière de faire partie de quelque chose qui se concentre sur les citoyens de la classe ouvrière et qui les transforme en êtres fiers. Roosevelt et Kennedy ont fait beaucoup à cet égard pour les générations qu’ils ont conquises au cours de leur carrière. »

En septembre 1973, Crawford quitte l’appartement 22-G pour un appartement plus petit (22-H) dans l’immeuble Imperial House à New York. Sa dernière apparition publique a lieu le 23 septembre 1974, lors d’un événement organisé en l’honneur de sa vieille amie Rosalind Russell au Rainbow Room. Cette dernière souffrait alors d’un cancer du sein et d’arthrite. Lorsque Crawford vit les photos peu flatteuses des deux femmes dans les journaux du lendemain, elle aurait déclaré : « Si c’est ainsi qu’ils me voient, alors ils ne me verront plus. » L’actrice annule toutes ses apparitions publiques, commence à refuser des interviews, cesse de recevoir des visiteurs et quitte de moins en moins son appartement.

De 1972 à la mi-1975, l’actrice est confrontée à des problèmes dentaires, dont une intervention chirurgicale qui l’oblige à se faire soigner vingt-quatre heures sur vingt-quatre. En octobre 1974, alors qu’elle suit un traitement antibiotique pour ce problème, elle s’effondre et se blesse au visage. Cet incident pousse Joan à arrêter de boire, bien qu’elle prétende que c’est à cause de son retour à la science chrétienne. L’incident est consigné dans une série de lettres que l’actrice a envoyées à sa compagnie d’assurance et qui sont conservées dans une pile de dossiers située au troisième étage de la New York Public Library for the Performing Arts (Bibliothèque publique de New York pour les arts du spectacle). Il est également relaté dans la biographie « Joan Crawford : The Last Years », écrite par Carl Johnnes.

Le 8 mai 1977, Crawford fait don de sa chienne shih-tzu bien-aimée, « Princess Lotus Blossom », parce qu’elle se considère trop faible pour s’en occuper. Elle meurt deux jours plus tard d’une crise cardiaque dans son appartement de New York. Des funérailles ont été organisées au Campbell Funeral Home de New York le 13 mai 1977. Dans son testament, signé le 28 octobre 1976, Crawford lègue à ses deux plus jeunes filles, Cindy et Cathy, 77 500 dollars chacune sur ses 2 000 000 de dollars d’héritage. Elle a explicitement déshérité ses deux enfants aînés, Christina et Christopher, en écrivant : « J’ai l’intention de ne rien prévoir pour mon fils Christopher ou ma fille Christina, pour des raisons qu’ils connaissent bien ». Elle n’a rien laissé non plus à sa nièce, Joan Lowe (1933-1999, née sous le nom de Joan Crawford LeSueur et fille unique de son frère Hal, dont elle était séparée). Crawford a laissé de l’argent à ses œuvres caritatives préférées : l’U.S.O. de New York, le Motion Picture Home, l’American Cancer Society, la Muscular Dystrophy Association, l’American Heart Association et la Wiltwyck School for Boys.

Un service commémoratif a été organisé pour Crawford à l’église unitarienne de Lexington Avenue le 16 mai 1977, en présence, entre autres, de sa vieille amie hollywoodienne Myrna Loy. Un autre service commémoratif, organisé par George Cukor, s’est tenu le 24 juin au Samuel Goldwyn Theater, au siège de l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences à Beverly Hills. Crawford a été incinérée et ses cendres ont été placées dans une crypte à côté de son quatrième et dernier mari, Alfred Steele, au cimetière Ferncliff de Hartsdale, dans l’État de New York.

Les pieds et les mains de Crawford sont immortalisés sur le trottoir du Chinese Theatre sur Hollywood Boulevard. Elle possède une étoile sur le Hollywood Walk of Fame, situé au 1750 Vine Street. Playboy a classé Crawford au 84e rang des femmes les plus sexy du XXe siècle. En 1999, l’American Film Institute a élu Joan Crawford dixième plus grande star de cinéma.

En novembre 1978, Christina Crawford a publié le livre Mommie Dearest, dans lequel elle affirme que sa mère adoptive a été physiquement et émotionnellement violente envers elle et son frère Christopher. Selon le récit de Christina, Crawford était plus intéressée par sa carrière que par la maternité. De nombreux amis et collègues de l’actrice, dont Van Johnson, Ann Blyth, Marlene Dietrich, Myrna Loy, Katharine Hepburn, Cesar Romero, Gary Gray, Betty Barker (sa secrétaire pendant près de 50 ans), Douglas Fairbanks Jr (le premier mari de Crawford) et ses deux jeunes filles – Cathy et Cindy – ont dénoncé le livre comme étant un mensonge, niant catégoriquement toute forme d’abus. Mais d’autres, dont Betty Hutton, Helen Hayes, Rex Reed et le réalisateur Vincent Sherman (qui a réalisé trois films avec Crawford) ont affirmé avoir été témoins d’un comportement abusif de l’actrice envers ses enfants. Une autre secrétaire de l’actrice, Jeri Binder Smith, a confirmé les récits de Christina dans le livre. « Mommie Dearest » est devenu un best-seller et a été porté à l’écran par Paramount Pictures (le seul des six grands studios de l’âge d’or hollywoodien pour lequel Crawford n’a jamais travaillé) en 1981. Bien qu’il ait été un succès au box-office, le film a été un échec critique et a remporté le Golden Raspberry award du pire film de l’année. Dans le film, Joan Crawford est interprétée par Faye Dunaway, qui a déclaré plus tard qu’elle regrettait d’avoir accepté le rôle. Surtout connu pour une scène où Crawford bat Christina avec un cintre en fer (ce qui est raconté différemment dans le livre), le film a fini par gagner un groupe d’admirateurs dévoués et a fait de Crawford – ou du moins de l’interprétation qu’en a faite Dunaway – une icône de la culture campagnarde.

Des photos de Crawford ont été utilisées sur la couverture de l’album Exile on Main St. des Rolling Stones (1972).

Crawford a été représentée par l’actrice Barrie Youngfellow dans le film de 1980 « La guerre de Scarlett O’Hara ».

Quatre ans après sa mort, le groupe de hard rock Blue Öyster Cult a sorti la chanson Joan Crawford, sur l’album Fire of Unknown Origin (dans cette chanson, des références sont faites à la relation orageuse de l’actrice avec sa fille Christina.

La prétendue querelle entre Crawford et Bette Davis est décrite dans le livre de 1989 « Bette and Joan : The Divine Feud ». Elle a été alimentée par la concurrence pour les rôles dans les films, les récompenses des Oscars et Franchot Tone (le second mari de Joan Crawford), qui a joué avec Davis dans « Dangerous » (1935).

Crawford a été interprétée par Faye Dunaway dans le film « Mommy Dearest » (1981), basé sur les récits d’abus d’enfants faits par la fille de l’actrice dans le livre controversé du même nom publié en 1978. La façon dont le film dépeint l’actrice et l’interprétation exagérée de Dunaway ont contribué à faire de Crawford une icône de la culture « camp » et l’un des personnages préférés des drag queens.

La rivalité Crawford-Davis a été le thème de la première saison de la série télévisée « Feud » (2017), inspirée du livre « Bette and Joan ». Crawford était interprétée par Jessica Lange et Davis par Susan Sarandon. En 2018, la diffusion de la série a été interrompue par une ordonnance restrictive des tribunaux inférieurs de Californie jusqu’à ce qu’Olivia de Havilland puisse être entendue par la Cour suprême des États-Unis sur la question de savoir si les producteurs avaient le droit d’utiliser son image (de Havilland était jouée par Catherine Zeta-Jones) sans autorisation, malgré le fait qu’elle soit une personnalité publique. En janvier 2019, la Cour suprême a refusé d’entendre l’affaire.

Sources

1. Joan Crawford
2. Joan Crawford
3. O ano de nascimento de Crawford é incerto, já que fontes diferentes listam 1904, 1905, 1906 e 1908.[1] O censo de 1910 traz sua idade à época como sendo de 5 anos em abril.[2] Ela mesma falava que tinha nascido em 1908 (a data em sua lápide),[3] mas os biógrafos citam 1904 como o ano mais provável de seu nascimento.[4][5][6][7][8][9][10][11][12][13] Sua filha, Christina, na biografia « Mamãezinha Querida » (1978), cita 1904 duas vezes: « Publicamente, sua data de nascimento era 23 de março de 1908, mas a vovó me disse que ela nasceu na verdade em 1904 ».[14]:20 « Minha mãe nasceu como Lucille LeSueur em San Antonio, Texas em 1904, apesar de que quando ela veio para Hollywood ela mentiu sobre sua idade e mudou o ano para 1908 ».[14]:66
4. ^ La voce dell’altra!, in L’eco del cinema, n. 115, giugno 1933, p. 12.
5. Discussie over Crawfords geboortedatum op de Engelstalige Wikipedia
6. Inne źródła podają rok 1903, 1904, 1905, 1908. W Mommie Dearest córka aktorki, Christina, twierdziła, że jej babcia powiedziała, iż Joan w rzeczywistości urodziła się w 1904 r. W dokumentacji MGM z 1925 r. aktorka przedstawiona jest jako 19-latka, co sugerowałoby 1905 r. jako datę urodzenia. Z kolei 1906 r. widnieje w dokumentacji z college’u.[1].
7. Największą aktorką, w tym samym plebiscycie, ogłoszono Katharine Hepburn (osobno aktorki i aktorzy)