Federico Fellini

Delice Bette | 6 czerwca, 2023

Streszczenie

Federico Fellini, Cavaliere di Gran Croce OMRI (20 stycznia 1920 – 31 października 1993) był włoskim reżyserem filmowym i scenarzystą znanym ze swojego charakterystycznego stylu, który łączy fantazję i barokowe obrazy z ziemistością. Jest uznawany za jednego z największych i najbardziej wpływowych twórców filmowych wszech czasów. Jego filmy zajmowały wysokie pozycje w rankingach krytyków, takich jak Cahiers du Cinéma i Sight & Sound, które wymieniają jego film 8+1⁄2 z 1963 roku jako 10. największy film.

Najbardziej znane filmy Felliniego to La Strada (1954), Noce Cabirii (1957), La Dolce Vita (1960), 8½ (1963), Julia Duchów (1965), segment „Toby Dammit” z Duchów zmarłych (1968), Satyricon Felliniego (1969), Roma (1972), Amarcord (1973) i Casanova Felliniego (1976).

Fellini był nominowany do 16 Oscarów w trakcie swojej kariery, zdobywając w sumie cztery w kategorii Najlepszy Film Nieanglojęzyczny (najwięcej dla jakiegokolwiek reżysera w historii nagrody). Otrzymał honorową nagrodę za całokształt twórczości podczas 65. gali rozdania Oscarów w Los Angeles. Fellini zdobył także Złotą Palmę za film La Dolce Vita w 1960 roku, dwukrotnie na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Moskwie w 1963 i 1987 roku oraz Złotego Lwa Kariery na 42. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1985 roku. Na liście największych reżyserów wszech czasów magazynu Sight & Sound z 2002 roku Fellini zajął 2. miejsce w plebiscycie reżyserów i 7. miejsce w plebiscycie krytyków.

Rimini (1920-1938)

Fellini urodził się 20 stycznia 1920 roku w Rimini, wówczas małym mieście nad Adriatykiem, w rodzinie należącej do klasy średniej. 25 stycznia w kościele San Nicolò został ochrzczony jako Federico Domenico Marcello Fellini. Jego ojciec, Urbano Fellini (1894-1956), urodzony w rodzinie romskich chłopów i drobnych właścicieli ziemskich z Gambettola, przeniósł się do Rzymu w 1915 roku jako piekarz przyuczony do pracy w fabryce makaronu Pantanella. Jego matka, Ida Barbiani (1896-1984), pochodziła z mieszczańskiej katolickiej rodziny rzymskich kupców. Pomimo gwałtownej dezaprobaty rodziny, uciekła z Urbano w 1917 roku, aby zamieszkać w domu jego rodziców w Gambettola. Ślub cywilny odbył się w 1918 roku, a ceremonia religijna w Santa Maria Maggiore w Rzymie rok później.

Para osiedliła się w Rimini, gdzie Urbano został podróżującym sprzedawcą i hurtownikiem. Fellini miał dwoje rodzeństwa, Riccardo (1929-2002).

W 1924 roku Fellini rozpoczął naukę w szkole podstawowej prowadzonej przez siostry zakonne San Vincenzo w Rimini, a dwa lata później uczęszczał do szkoły publicznej Carlo Tonni. Jako pilny uczeń spędzał wolny czas na rysowaniu, wystawianiu przedstawień kukiełkowych i czytaniu Il corriere dei piccoli, popularnego magazynu dla dzieci, w którym reprodukowano tradycyjne amerykańskie kreskówki Winsora McCaya, George’a McManusa i Fredericka Burra Oppera (Happy Hooligan Oppera stanowił wizualną inspirację dla Gelsominy w filmie Felliniego La Strada z 1954 roku; Mały Nemo McCaya miał bezpośredni wpływ na jego film Miasto kobiet z 1980 roku). W 1926 roku odkrył świat Grand Guignol, cyrku z klaunem Pierino i kina. Maciste all’Inferno (1926) Guido Brignone, pierwszy film, który zobaczył, naznaczył go w sposób związany z Dantem i kinem przez całą jego karierę.

Zapisany do Ginnasio Giulio Cesare w 1929 roku, zaprzyjaźnił się z Luigim Tittą Benzim, później wybitnym prawnikiem z Rimini (i wzorem dla młodego Titty w Amarcord (1973)). We Włoszech Mussoliniego Fellini i Riccardo zostali członkami Avanguardista, obowiązkowej faszystowskiej grupy młodzieżowej dla mężczyzn. Po raz pierwszy odwiedził Rzym z rodzicami w 1933 roku, w roku dziewiczego rejsu transatlantyckiego liniowca SS Rex (który jest pokazany w Amarcord). Morskie stworzenie znalezione na plaży pod koniec La Dolce Vita (1960) ma swoją podstawę w gigantycznej rybie uwięzionej na plaży w Rimini podczas sztormu w 1934 roku.

Chociaż Fellini zaadaptował kluczowe wydarzenia ze swojego dzieciństwa i okresu dojrzewania w filmach takich jak I Vitelloni (1953), 8+1⁄2 (1963) i Amarcord (1973), podkreślał, że takie autobiograficzne wspomnienia były wymysłem:

To nie pamięć dominuje w moich filmach. Stwierdzenie, że moje filmy są autobiograficzne jest zbyt łatwą likwidacją, pochopną klasyfikacją. Wydaje mi się, że wymyśliłem prawie wszystko: dzieciństwo, charakter, nostalgie, marzenia, wspomnienia, dla przyjemności opowiadania o nich.

W 1937 roku Fellini otworzył Febo, sklep z portretami w Rimini, wraz z malarzem Demosem Boninim. Jego pierwszy humorystyczny artykuł ukazał się w dziale „Pocztówki do naszych czytelników” mediolańskiej gazety Domenica del Corriere. Decydując się na karierę karykaturzysty i autora gagów, Fellini udał się do Florencji w 1938 roku, gdzie opublikował swój pierwszy komiks w tygodniku 420. Według biografa, Fellini uważał szkołę za „irytującą”. Nie zdał egzaminu z kultury wojskowej, ale ukończył szkołę średnią w lipcu 1938 r. po podwojeniu wyniku egzaminu.

Rzym (1939)

We wrześniu 1939 r. zapisał się do szkoły prawniczej na Uniwersytecie Rzymskim, aby zadowolić swoich rodziców. Biograf Hollis Alpert donosi, że „nie ma żadnej wzmianki o tym, że kiedykolwiek uczęszczał na zajęcia”. Mieszkając w rodzinnym pensjonacie, poznał innego przyjaciela na całe życie, malarza Rinaldo Gelenga. Rozpaczliwie biedni, bezskutecznie połączyli siły, aby narysować szkice klientów restauracji i kawiarni. Fellini w końcu znalazł pracę jako młody reporter w dziennikach Il Piccolo i Il Popolo di Roma, ale zrezygnował po krótkim okresie, znudzony lokalnymi wiadomościami sądowymi.

Cztery miesiące po opublikowaniu swojego pierwszego artykułu w Marc’Aurelio, bardzo wpływowym dwutygodniku humorystycznym, dołączył do redakcji, odnosząc sukces dzięki regularnej kolumnie zatytułowanej Ale czy słuchasz? Opisywany jako „decydujący moment w życiu Felliniego”, magazyn zapewnił mu stałe zatrudnienie w latach 1939-1942, kiedy to współpracował z pisarzami, gagmenami i scenarzystami. Spotkania te ostatecznie doprowadziły do możliwości w show-biznesie i kinie. Wśród jego współpracowników w redakcji magazynu byli przyszły reżyser Ettore Scola, marksistowski teoretyk i scenarzysta Cesare Zavattini oraz Bernardino Zapponi, przyszły scenarzysta Felliniego. Przeprowadzanie wywiadów dla CineMagazzino również okazało się kongenialne: kiedy poproszono go o przeprowadzenie wywiadu z Aldo Fabrizim, najpopularniejszym włoskim performerem, nawiązał tak natychmiastową osobistą relację z mężczyzną, że współpracowali zawodowo. Specjalizujący się w humorystycznych monologach Fabrizi zamówił materiał u swojego młodego protegowanego.

Wczesne scenariusze (1940-1943)

Zatrzymany w interesach w Rimini, Urbano wysłał żonę i rodzinę do Rzymu w 1940 roku, by dzielić mieszkanie z synem. Fellini i Ruggero Maccari, również pracujący dla Marc’Aurelio, zaczęli pisać skecze radiowe i gagi do filmów.

Nie mając jeszcze dwudziestu lat i z pomocą Fabriziego, Fellini uzyskał swój pierwszy kredyt ekranowy jako scenarzysta komedii Mario Mattoli Il pirata sono io (Sen pirata). Jego krąg znajomych poszerzył się o powieściopisarza Vitaliano Brancatiego i scenarzystę Piero Telliniego. Po wypowiedzeniu przez Mussoliniego wojny Francji i Wielkiej Brytanii 10 czerwca 1940 roku, Fellini odkrył Metamorfozę Kafki, Gogola, Johna Steinbecka i Williama Faulknera, a także francuskie filmy Marcela Carné, René Claira i Juliena Duviviera. W 1941 roku opublikował Il mio amico Pasqualino, 74-stronicową broszurę w dziesięciu rozdziałach opisującą absurdalne przygody Pasqualino, alter ego.

Pisząc dla radia, próbując uniknąć poboru do wojska, Fellini poznał swoją przyszłą żonę Giuliettę Masinę w studiu włoskiego publicznego nadawcy radiowego EIAR jesienią 1942 roku. Dobrze opłacana jako głos Palliny w serialu radiowym Felliniego, Cico i Pallina, Masina była również dobrze znana ze swoich audycji muzyczno-komediowych, które rozweselały publiczność przygnębioną wojną.

Giulietta jest praktyczna i podoba jej się fakt, że za pracę w radiu dostaje sowite wynagrodzenie, podczas gdy teatr nigdy nie płaci dobrze. Oczywiście sława też się liczy. Radio to prężnie rozwijający się biznes, a recenzje komedii mają szeroką i oddaną publiczność.

W listopadzie 1942 roku Fellini został wysłany do Libii, okupowanej przez faszystowskie Włochy, aby pracować nad scenariuszem filmu I cavalieri del deserto (Rycerze pustyni, 1942) w reżyserii Osvaldo Valentiego i Gino Talamo. Fellini z radością przyjął to zlecenie, ponieważ pozwoliło mu ono „zapewnić sobie kolejne przedłużenie jego zamówienia”. Odpowiedzialny za awaryjne przeróbki, wyreżyserował także pierwsze sceny filmu. Kiedy Trypolis został oblężony przez siły brytyjskie, on i jego koledzy zdołali uciec, wsiadając do niemieckiego samolotu wojskowego lecącego na Sycylię. Jego afrykańska przygoda, opublikowana później w Marc’Aurelio jako „Pierwszy lot”, oznaczała „pojawienie się nowego Felliniego, już nie tylko scenarzysty, pracującego i szkicującego przy biurku, ale filmowca w terenie”.

Apolityczny Fellini został ostatecznie zwolniony z poboru, gdy aliancki nalot na Bolonię zniszczył jego dokumentację medyczną. Fellini i Giulietta ukrywali się w mieszkaniu jej ciotki aż do upadku Mussoliniego 25 lipca 1943 roku. Po dziewięciu miesiącach spotykania się, para pobrała się 30 października 1943 roku. Kilka miesięcy później Masina spadła ze schodów i poroniła. Urodziła syna, Pierfederico, 22 marca 1945 roku, ale dziecko zmarło na zapalenie mózgu 11 dni później, 2 kwietnia 1945 roku. Tragedia ta miała długotrwałe emocjonalne i artystyczne reperkusje.

Neorealistyczny staż (1944-1949)

Po wyzwoleniu Rzymu przez aliantów 4 czerwca 1944 roku, Fellini i Enrico De Seta otworzyli sklep Funny Face Shop, w którym przetrwali powojenną recesję, rysując karykatury amerykańskich żołnierzy. Zaangażował się we włoski neorealizm, gdy Roberto Rossellini, pracujący nad filmem Stories of Yesteryear (później Rome, Open City), spotkał Felliniego w swoim sklepie i zaproponował mu udział w gagach i dialogach do scenariusza. Wiedząc o reputacji Felliniego jako „twórczej muzy” Aldo Fabriziego, Rossellini poprosił go również, aby spróbował przekonać aktora do zagrania roli księdza Giuseppe Morosiniego, proboszcza rozstrzelanego przez SS 4 kwietnia 1944 roku.

W 1947 roku Fellini i Sergio Amidei otrzymali nominację do Oscara za scenariusz filmu Rzym, miasto otwarte.

Pracując jako scenarzysta i asystent reżysera przy filmie Rosselliniego Paisà (Paisan) w 1946 roku, Felliniemu powierzono nakręcenie sycylijskich scen w Maiori. W lutym 1948 roku został przedstawiony Marcello Mastroianniemu, wówczas młodemu aktorowi teatralnemu występującemu w sztuce z Giuliettą Masiną. Nawiązując bliską współpracę z Alberto Lattuadą, Fellini był współautorem filmów reżysera Senza pietà (Bez litości) i Il mulino del Po (Młyn nad Padem). Fellini współpracował również z Rossellinim przy filmie antologicznym L’Amore (1948), będąc współautorem scenariusza i w jednym z segmentów zatytułowanym „Cud”, grając u boku Anny Magnani. Aby zagrać rolę włóczęgi mylonego przez Magnani ze świętym, Fellini musiał rozjaśnić swoje czarne włosy na blond.

Wczesne filmy (1950-1953)

W 1950 roku Fellini współprodukował i współreżyserował z Alberto Lattuadą Variety Lights (Luci del varietà), swój pierwszy film fabularny. Zakulisowa komedia rozgrywająca się w świecie drobnych wędrownych artystów, w której wystąpiła Giulietta Masina i żona Lattuady, Carla Del Poggio. Premiera przy słabych recenzjach i ograniczonej dystrybucji okazała się katastrofalna dla wszystkich zainteresowanych. Firma produkcyjna zbankrutowała, pozostawiając zarówno Felliniego, jak i Lattuadę z długami do spłacenia przez ponad dekadę. W lutym 1950 roku Paisà otrzymał nominację do Oscara za scenariusz autorstwa Rosselliniego, Sergio Amidei i Felliniego.

Po podróży do Paryża na konferencję scenariuszową z Rossellinim na temat Europa ’51, Fellini rozpoczął produkcję filmu The White Sheik we wrześniu 1951 roku, swojego pierwszego samodzielnego filmu fabularnego. Film z Alberto Sordim w roli tytułowej jest poprawioną wersją scenariusza napisanego po raz pierwszy przez Michelangelo Antonioniego w 1949 roku i opartego na fotoromanach, fotografowanych romansach z kreskówek popularnych w tamtym czasie we Włoszech. Producent Carlo Ponti zlecił Felliniemu i Tullio Pinelliemu napisanie scenariusza, ale Antonioni odrzucił opracowaną przez nich historię. Wraz z Ennio Flaiano przerobili materiał na lekką satyrę o świeżo poślubionej parze Ivanie i Wandzie Cavalli (Leopoldo Trieste, Brunella Bovo), którzy odwiedzają papieża w Rzymie. Maska szacunku Iwana szybko zostaje zburzona przez obsesję jego żony na punkcie Białego Szejka. Podkreślający muzykę Nino Roty, film został wybrany w Cannes (wśród filmów konkursowych był Otello Orsona Wellesa), a następnie wycofany. Pokazany na 13. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji, został zrugany przez krytyków w „atmosferze meczu piłki nożnej”. Jeden z recenzentów stwierdził, że Fellini „nie ma najmniejszych predyspozycji do reżyserowania filmów”.

W 1953 roku I Vitelloni zyskał przychylność krytyków i publiczności. Zdobywając Srebrnego Lwa w Wenecji, film zapewnił Felliniemu pierwszego międzynarodowego dystrybutora.

Poza neorealizmem (1954-1960)

Fellini wyreżyserował La Stradę na podstawie scenariusza ukończonego w 1952 roku z Pinellim i Flaiano. Podczas ostatnich trzech tygodni zdjęć Fellini doświadczył pierwszych objawów ciężkiej depresji klinicznej. Z pomocą żony podjął krótką terapię u freudowskiego psychoanalityka Emilio Servadio.

Fellini obsadził amerykańskiego aktora Brodericka Crawforda w roli podstarzałego oszusta w filmie Il Bidone. Opierając się częściowo na historiach opowiedzianych mu przez drobnego złodziejaszka podczas produkcji La Strada, Fellini rozwinął scenariusz w powolne schodzenie oszusta ku samotnej śmierci. Aby wcielić się w „intensywne, tragiczne oblicze” roli, pierwszym wyborem Felliniego był Humphrey Bogart, ale po tym, jak dowiedział się o raku płuc aktora, wybrał Crawforda, widząc jego twarz na plakacie teatralnym Wszystkich ludzi króla (1949). Zdjęcia do filmu obfitowały w trudności wynikające z alkoholizmu Crawforda. Skrytykowany przez krytyków na 16. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji, film osiągnął mizerne wyniki kasowe i nie doczekał się międzynarodowej dystrybucji aż do 1964 roku.

Jesienią Fellini badał i rozwijał scenariusz oparty na filmowej adaptacji powieści Mario Tobino, The Free Women of Magliano. Rozgrywający się w zakładzie psychiatrycznym dla kobiet projekt został porzucony, gdy finansiści uznali, że temat nie ma potencjału.

Przygotowując Noce Cabirii wiosną 1956 roku, Fellini dowiedział się o śmierci swojego ojca, który zmarł na serce w wieku 62 lat. Wyprodukowany przez Dino De Laurentiisa film z Giuliettą Masiną w roli głównej inspirowany był doniesieniami prasowymi o odciętej głowie kobiety wyłowionej z jeziora oraz opowieściami Wandy, prostytutki z slumsów, którą Fellini poznał na planie Il Bidone. Pier Paolo Pasolini został zatrudniony do przetłumaczenia dialogów Flaiano i Pinellego na rzymski dialekt oraz do nadzorowania badań na dotkniętych chorobą przedmieściach Rzymu. Film zdobył Oscara dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego podczas 30. gali rozdania Oscarów, a Masina otrzymała za swoją rolę nagrodę dla najlepszej aktorki w Cannes.

Wraz z Pinellim stworzył Journey with Anita dla Sophii Loren i Gregory’ego Pecka. „Wynalazek zrodzony z intymnej prawdy”, scenariusz opierał się na powrocie Felliniego do Rimini z kochanką, aby wziąć udział w pogrzebie ojca. Ze względu na niedostępność Loren, projekt został odłożony na półkę i wskrzeszony dwadzieścia pięć lat później jako Lovers and Liars (1981), komedia w reżyserii Mario Monicelli z Goldie Hawn i Giancarlo Giannini. Eduardo De Filippo był współautorem scenariusza Fortunelli, dostosowując główną rolę do szczególnej wrażliwości Masiny.

Zjawisko Hollywood nad Tybrem z 1958 roku, w którym amerykańskie studia czerpały zyski z taniej siły roboczej dostępnej w Rzymie, stanowiło tło dla fotoreporterów kradnących zdjęcia celebrytów na via Veneto. Skandal wywołany improwizowanym striptizem tureckiej tancerki Haish Nany w nocnym klubie zawładnął wyobraźnią Felliniego, który postanowił zakończyć swój najnowszy scenariusz, Moraldo in the City, całonocną „orgią” w nadmorskiej willi. Zdjęcia Pierluigiego Praturlona przedstawiające Anitę Ekberg brodzącą w pełnym ubraniu w Fontannie di Trevi stanowiły kolejną inspirację dla Felliniego i jego scenarzystów.

Zmieniając tytuł scenariusza na La Dolce Vita, Fellini wkrótce zderzył się ze swoim producentem w kwestii obsady: Reżyser nalegał na stosunkowo nieznanego Mastroianniego, podczas gdy De Laurentiis chciał Paula Newmana jako zabezpieczenie swojej inwestycji. Osiągając impas, De Laurentiis sprzedał prawa do filmu potentatowi wydawniczemu Angelo Rizzoli. Zdjęcia rozpoczęły się 16 marca 1959 roku, a Anita Ekberg wspinała się po schodach na kopułę Świętego Piotra w gigantycznej dekoracji zbudowanej w Cinecittà. Posąg Chrystusa lecący helikopterem nad Rzymem na Plac Świętego Piotra został zainspirowany faktycznym wydarzeniem medialnym z 1 maja 1956 roku, którego Fellini był świadkiem. Film zakończył się 15 sierpnia na bezludnej plaży w Passo Oscuro z nadętą zmutowaną rybą zaprojektowaną przez Piero Gherardiego.

La Dolce Vita pobił wszelkie rekordy kasowe. Mimo że sprzedawcy sprzedawali bilety po 1000 lirów, tłumy ustawiały się godzinami w kolejkach, by zobaczyć „niemoralny film”, zanim cenzura zakazała jego wyświetlania. Podczas ekskluzywnego pokazu w Mediolanie 5 lutego 1960 roku, jeden z oburzonych widzów opluł Felliniego, a inni obrzucili go obelgami. Potępiony w parlamencie przez prawicowych konserwatystów, podsekretarz Domenico Magrì z Chrześcijańskich Demokratów domagał się tolerancji dla kontrowersyjnych tematów filmu. Oficjalny organ prasowy Watykanu, l’Osservatore Romano, lobbował za cenzurą, podczas gdy Rada Rzymskich Proboszczów i Rada Genealogiczna Włoskiej Szlachty zaatakowały film. W jednym udokumentowanym przypadku, w którym przychylne recenzje napisali jezuici z San Fedele, obrona La Dolce Vita miała poważne konsekwencje. W konkursie w Cannes, obok L’Avventury Antonioniego, film zdobył Złotą Palmę przyznaną przez przewodniczącego jury Georgesa Simenona. Belgijski pisarz został natychmiast „wysyczany” przez niezadowolony tłum festiwalowy.

Filmy artystyczne i marzenia (1961-1969)

Głównym odkryciem dla Felliniego po okresie włoskiego neorealizmu (1950-1959) była praca Carla Junga. Po spotkaniu z psychoanalitykiem jungowskim dr Ernstem Bernhardem na początku 1960 roku, przeczytał autobiografię Junga, Memories, Dreams, Reflections (1963) i eksperymentował z LSD. Bernhard zalecił również Felliniemu, aby skonsultował się z I Ching i prowadził rejestr swoich snów. To, co Fellini wcześniej akceptował jako „swoje pozazmysłowe percepcje”, zostało teraz zinterpretowane jako psychiczne przejawy nieświadomości. Skupienie się Bernharda na jungowskiej psychologii głębi okazało się mieć największy wpływ na dojrzały styl Felliniego i wyznaczyło punkt zwrotny w jego pracy od neorealizmu do kręcenia filmów, które były „przede wszystkim oniryczne”. W konsekwencji, przełomowe idee Junga dotyczące animy i animusa, roli archetypów i nieświadomości zbiorowej bezpośrednio wpłynęły na takie filmy jak 8+1⁄2 (1963), Julia Duchów (1965), Satyricon Felliniego (1969), Casanova (1976) i Miasto kobiet (1980). Inne kluczowe wpływy na jego twórczość to Luis Buñuel, Siergiej Eisenstein, Laurel i Hardy oraz Roberto Rossellini.

Wykorzystując sukces La Dolce Vita, finansista Angelo Rizzoli założył w 1960 roku Federiz, niezależną firmę filmową, dla Felliniego i kierownika produkcji Clemente Fracassi, aby odkrywać i produkować nowe talenty. Pomimo najlepszych intencji, ich zbyt ostrożne umiejętności redakcyjne i biznesowe zmusiły firmę do zamknięcia wkrótce po anulowaniu projektu Pasoliniego, Accattone (1961).

Potępiony jako „publiczny grzesznik” za La Dolce Vita, Fellini odpowiedział The Temptations of Doctor Antonio, segmentem w omnibusie Boccaccio ’70. Jego drugi kolorowy film był jedynym projektem, który otrzymał zielone światło od Federiz. Przepełniony surrealistyczną satyrą, która charakteryzowała pracę młodego Felliniego w Marc’Aurelio, film wyśmiewał krzyżowca przeciwko wadom, interpretowanego przez Peppino De Filippo, który oszalał, próbując ocenzurować billboard Anity Ekberg, propagujący zalety mleka.

W liście z października 1960 roku do swojego kolegi Brunello Rondiego, Fellini po raz pierwszy nakreślił swój pomysł na film o człowieku cierpiącym na blokadę twórczą: „A więc – facet (pisarz? jakikolwiek profesjonalista? producent teatralny?) musi przerwać zwykły rytm swojego życia na dwa tygodnie z powodu niezbyt poważnej choroby. To dzwonek ostrzegawczy: coś blokuje jego system”. Nie mając pewności co do scenariusza, jego tytułu i zawodu swojego bohatera, przeszukał lokalizacje we Włoszech „w poszukiwaniu filmu”, w nadziei na rozwiązanie swojej dezorientacji. Flaiano zasugerował La bella confusione (dosłownie Piękne zamieszanie) jako tytuł filmu. Pod naciskiem swoich producentów Fellini ostatecznie zdecydował się na 8+1⁄2, tytuł odnoszący się głównie (ale nie wyłącznie) do liczby filmów, które wyreżyserował do tego czasu.

Wydając polecenie rozpoczęcia produkcji wiosną 1962 roku, Fellini podpisał umowy ze swoim producentem Rizzoli, ustalił daty, zlecił budowę scenografii, obsadził Mastroianniego, Anouk Aimée i Sandrę Milo w głównych rolach i przeprowadził testy ekranowe w Scalera Studios w Rzymie. Wśród kluczowych pracowników zatrudnił operatora Gianniego Di Venanzo. Ale poza nazwaniem swojego bohatera Guido Anselmi, wciąż nie mógł zdecydować, czym jego postać się zajmuje. Kryzys osiągnął punkt kulminacyjny w kwietniu, kiedy siedząc w swoim biurze Cinecittà, rozpoczął list do Rizzoli, w którym wyznał, że „stracił swój film” i musiał porzucić projekt. Przerwany przez głównego maszynistę proszącego o uczczenie premiery 8+1⁄2, Fellini odłożył list na bok i udał się na plan. Wznosząc toast za ekipę, „poczuł się przytłoczony wstydem… Byłem w sytuacji bez wyjścia. Byłem reżyserem, który chciał nakręcić film, którego już nie pamięta. I oto w tym momencie wszystko ułożyło się na swoim miejscu. Od razu przeszedłem do sedna filmu. Opowiedziałbym wszystko, co mi się przydarzyło. Nakręciłbym film opowiadający historię reżysera, który nie wie już, jaki film chciał nakręcić”. Samopowielająca się struktura sprawia, że cały film jest nierozerwalnie związany ze swoją refleksyjną konstrukcją.

Zdjęcia rozpoczęły się 9 maja 1962 roku. Deena Boyer, ówczesna amerykańska rzeczniczka prasowa reżysera, zakłopotana pozornie chaotyczną, nieustanną improwizacją na planie, poprosiła o uzasadnienie. Fellini powiedział jej, że miał nadzieję przekazać trzy poziomy, „na których żyją nasze umysły: przeszłość, teraźniejszość i warunkowe – królestwo fantazji”. Po zakończeniu zdjęć 14 października Nino Rota skomponował różne marsze cyrkowe i fanfary, które później stały się charakterystycznymi melodiami kina mistrza. Nominowany do czterech Oscarów, 8+1⁄2 zdobył nagrody za najlepszy film nieanglojęzyczny i najlepsze czarno-białe kostiumy. Podczas ceremonii w Kalifornii Fellini zwiedził Disneyland z Waltem Disneyem dzień później.

Coraz bardziej zainteresowany parapsychologią, Fellini poznał turyńskiego antykwariusza Gustavo Rol w 1963 roku. Rol, były bankier, wprowadził go w świat spirytyzmu i seansów. W 1964 roku Fellini zażył LSD pod nadzorem Emilio Servadio, swojego psychoanalityka podczas produkcji La Strada w 1954 roku. Przez lata powściągliwy co do tego, co faktycznie wydarzyło się tego niedzielnego popołudnia, przyznał w 1992 roku, że

… przedmioty i ich funkcje nie miały już żadnego znaczenia. Wszystko, co postrzegałem, to sama percepcja, piekło form i postaci pozbawionych ludzkich emocji i oderwanych od rzeczywistości mojego nierzeczywistego środowiska. Byłem instrumentem w wirtualnym świecie, który nieustannie odnawiał swój bezsensowny obraz w żywym świecie, który sam był postrzegany poza naturą. A ponieważ wygląd rzeczy nie był już ostateczny, ale nieograniczony, ta rajska świadomość uwolniła mnie od rzeczywistości zewnętrznej wobec mojego ja. Ogień i róża stały się niejako jednym.

Halucynacyjne spostrzeżenia Felliniego rozkwitły w jego pierwszym kolorowym filmie Juliet of the Spirits (1965), przedstawiającym Giuliettę Masinę jako Juliet, gospodynię domową, która słusznie podejrzewa niewierność męża i ulega głosom duchów przywołanych podczas seansu w jej domu. Jej nienasycona seksualnie sąsiadka Suzy (Sandra Milo) wprowadza Juliet w świat nieskrępowanej zmysłowości, ale Juliet nawiedzają wspomnienia z dzieciństwa związane z jej katolickim poczuciem winy i nastoletnią przyjaciółką, która popełniła samobójstwo. Złożony i przepełniony psychologiczną symboliką film osadzony jest na wesołej ścieżce dźwiękowej autorstwa Nino Roty.

Nostalgia, seksualność i polityka (1970-1980)

Aby pomóc w promocji Satyricon w Stanach Zjednoczonych, Fellini poleciał do Los Angeles w styczniu 1970 roku na wywiady z Dickiem Cavettem i Davidem Frostem. Spotkał się także z reżyserem Paulem Mazurskym, który chciał obsadzić go u boku Donalda Sutherlanda w swoim nowym filmie Alex in Wonderland. W lutym Fellini szukał w Paryżu lokacji do filmu „The Clowns”, dokumentu zarówno kinowego, jak i telewizyjnego, opartego na jego wspomnieniach z cyrku z dzieciństwa i „spójnej teorii klaunady”. Według niego klaun „zawsze był karykaturą ugruntowanego, uporządkowanego, spokojnego społeczeństwa. Ale dziś wszystko jest tymczasowe, nieuporządkowane, groteskowe. Kto może jeszcze śmiać się z klaunów? Cały świat bawi się teraz w klauna”.

W marcu 1971 roku Fellini rozpoczął produkcję filmu Roma, pozornie przypadkowego zbioru epizodów opartych na wspomnieniach i wrażeniach reżysera z Rzymu. „Różnorodne sekwencje”, pisze badacz Felliniego Peter Bondanella, „trzymają się razem tylko dzięki temu, że wszystkie ostatecznie pochodzą z płodnej wyobraźni reżysera”. Scena otwierająca film antycypuje Amarcord, podczas gdy jego najbardziej surrealistyczna sekwencja obejmuje kościelny pokaz mody, w którym zakonnice i księża jeżdżą na wrotkach obok wraków pajęczynowych szkieletów.

W ciągu sześciu miesięcy, między styczniem a czerwcem 1973 roku, Fellini nakręcił nagrodzony Oscarem film Amarcord. Film, luźno oparty na autobiograficznym eseju reżysera z 1968 roku Moje Rimini, przedstawia dorastającego Tittę i jego przyjaciół pracujących nad swoimi frustracjami seksualnymi na tle religijnym i faszystowskim prowincjonalnego miasteczka we Włoszech w latach trzydziestych XX wieku. Wyprodukowany przez Franco Cristaldiego, seriokomiczny film stał się drugim największym sukcesem komercyjnym Felliniego po La Dolce Vita. Okrągły w formie Amarcord unika fabuły i linearnej narracji w sposób podobny do Klaunów i Romy. Nadrzędna troska reżysera o rozwój poetyckiej formy kina została po raz pierwszy nakreślona w wywiadzie udzielonym w 1965 roku dziennikarce The New Yorker, Lillian Ross: „Staram się uwolnić moją pracę od pewnych ograniczeń – historii z początkiem, rozwinięciem, zakończeniem. To powinno bardziej przypominać wiersz z metrum i kadencją”.

Późne filmy i projekty (1981-1990)

Zorganizowana przez jego wydawcę Diogenes Verlag w 1982 roku, pierwsza duża wystawa 63 rysunków Felliniego odbyła się w Paryżu, Brukseli i Pierre Matisse Gallery w Nowym Jorku. Jako utalentowany karykaturzysta, wiele inspiracji do swoich szkiców czerpał z własnych snów, podczas gdy filmy w toku zarówno powstawały, jak i stymulowały rysunki postaci, dekoracji, kostiumów i scenografii. Pod tytułem I disegni di Fellini (Projekty Felliniego) opublikował 350 rysunków wykonanych ołówkiem, akwarelami i flamastrami.

6 września 1985 roku Fellini otrzymał Złotego Lwa za całokształt twórczości na 42 Festiwalu Filmowym w Wenecji. W tym samym roku został pierwszym nie-Amerykaninem, który otrzymał doroczną nagrodę Film Society of Lincoln Center za osiągnięcia filmowe.

Od dawna zafascynowany książką Carlosa Castanedy The Teachings of Don Juan: A Yaqui Way of Knowledge, Fellini towarzyszył peruwiańskiemu autorowi w podróży na Jukatan, aby ocenić możliwość nakręcenia filmu. Po pierwszym spotkaniu z Castanedą w Rzymie w październiku 1984 roku, Fellini przygotował wraz z Pinellim scenariusz zatytułowany Viaggio a Tulun. Producent Alberto Grimaldi, przygotowany do zakupu praw filmowych do wszystkich prac Castanedy, zapłacił za badania przedprodukcyjne, zabierając Felliniego i jego świtę z Rzymu do Los Angeles i dżungli Meksyku w październiku 1985 roku. Kiedy Castaneda w niewytłumaczalny sposób zniknął, a projekt upadł, mistyczno-szamańskie przygody Felliniego zostały napisane przez Pinellego i opublikowane w Corriere della Sera w maju 1986 roku. Ledwie zawoalowana satyryczna interpretacja prac Castanedy, Viaggio a Tulun została opublikowana w 1989 roku jako powieść graficzna z grafikami Milo Manary, a w 1990 roku jako Trip to Tulum w Ameryce.

W filmie Intervista, wyprodukowanym przez Ibrahima Moussę i telewizję RAI, Fellini przeplótł wspomnienia z pierwszej wizyty w Cinecittà w 1939 roku ze współczesnymi ujęciami przedstawiającymi jego samego podczas pracy nad ekranizacją „Ameryki” Franza Kafki. Film, będący medytacją nad naturą pamięci i produkcji filmowej, zdobył specjalną nagrodę 40-lecia w Cannes oraz Złotą Nagrodę 15. Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Moskwie. W tym samym roku w Brukseli panel trzydziestu profesjonalistów z osiemnastu krajów europejskich uznał Felliniego za najlepszego reżysera na świecie, a 8+1⁄2 za najlepszy europejski film wszech czasów.

Na początku 1989 roku Fellini rozpoczął produkcję filmu Głos księżyca, opartego na powieści Ermanno Cavazzoniego Il poema dei lunatici (Poemat szaleńców). W Empire Studios przy via Pontina pod Rzymem zbudowano małe miasteczko. W roli głównej Roberto Benigni jako Ivo Salvini, szalony poeta świeżo zwolniony z zakładu psychiatrycznego, postać jest połączeniem Gelsominy z La Strady, Pinokia i włoskiego poety Giacomo Leopardiego. Fellini improwizował podczas kręcenia filmu, używając jako przewodnika wstępnej obróbki napisanej z Pinellim. Pomimo skromnego sukcesu krytycznego i komercyjnego we Włoszech oraz ciepłego przyjęcia przez francuskich krytyków, film nie zainteresował dystrybutorów z Ameryki Północnej.

Fellini zdobył Praemium Imperiale, międzynarodową nagrodę w dziedzinie sztuk wizualnych przyznawaną przez Japan Art Association w 1990 roku.

Ostatnie lata (1991-1993)

W lipcu 1991 i kwietniu 1992 roku Fellini pracował w ścisłej współpracy z kanadyjskim filmowcem Damianem Pettigrew, aby stworzyć „najdłuższe i najbardziej szczegółowe rozmowy, jakie kiedykolwiek zarejestrowano na taśmie filmowej”. Opisane jako „duchowy testament mistrza” przez jego biografa Tullio Kezicha, fragmenty rozmów posłużyły później jako podstawa ich pełnometrażowego filmu dokumentalnego, Fellini: I’m a Born Liar (2002) oraz książki, I’m a Born Liar: A Fellini Lexicon. Mając coraz większe trudności z zapewnieniem finansowania dla filmów fabularnych, Fellini opracował pakiet projektów telewizyjnych, których tytuły odzwierciedlają ich tematy: Attore, Napoli, L’Inferno, L’opera lirica i L’America.

W kwietniu 1993 roku Fellini otrzymał swojego piątego Oscara za całokształt twórczości, „w uznaniu jego filmowych dokonań, które zachwyciły i rozbawiły publiczność na całym świecie”. 16 czerwca zgłosił się do Szpitala Kantonalnego w Zurychu na zabieg angioplastyki tętnicy udowej, ale dwa miesiące później doznał udaru mózgu w Grand Hotelu w Rimini. Częściowo sparaliżowany, został najpierw przeniesiony do Ferrary na rehabilitację, a następnie do Policlinico Umberto I w Rzymie, aby być blisko swojej żony, również hospitalizowanej. Doznał drugiego udaru i zapadł w nieodwracalną śpiączkę.

Fellini zmarł w Rzymie 31 października 1993 roku w wieku 73 lat po ataku serca, którego doznał kilka tygodni wcześniej, dzień po 50. rocznicy ślubu. W uroczystości żałobnej w Studio 5 w Cinecittà wzięło udział około 70 000 osób. Na prośbę Giulietty Masiny trębacz Mauro Maur zagrał podczas ceremonii „Improvviso dell’Angelo” Nino Roty.

Pięć miesięcy później, 23 marca 1994 roku, Masina zmarł na raka płuc. Fellini, Masina i ich syn Pierfederico zostali pochowani w grobowcu z brązu wyrzeźbionym przez Arnaldo Pomodoro. Zaprojektowany jako dziób statku, grobowiec znajduje się przy głównym wejściu na cmentarz w Rimini. Lotnisko Federico Fellini w Rimini zostało nazwane na jego cześć.

Fellini wychował się w rodzinie rzymskokatolickiej i uważał się za katolika, ale unikał formalnej aktywności w Kościele katolickim. Filmy Felliniego zawierają wątki katolickie; niektóre celebrują nauki katolickie, podczas gdy inne krytykują lub wyśmiewają dogmaty kościelne.

W 1965 roku Fellini powiedział:

Chodzę do kościoła tylko wtedy, gdy muszę nakręcić w nim scenę, albo z powodów estetycznych lub nostalgicznych. Dla wiary można pójść do kobiety. Może to jest bardziej religijne”.

Podczas gdy Fellini był w większości obojętny na politykę, miał ogólną niechęć do instytucji autorytarnych i jest interpretowany przez Bondanellę jako wierzący w „godność, a nawet szlachetność pojedynczego człowieka”. W wywiadzie z 1966 roku powiedział: „Staram się sprawdzać, czy pewne ideologie lub postawy polityczne zagrażają prywatnej wolności jednostki. Ale co do reszty, nie jestem przygotowany ani nie planuję interesować się polityką”.

Pomimo tego, że wielu znanych włoskich aktorów faworyzowało komunistów, Fellini był przeciwnikiem komunizmu. Wolał poruszać się w świecie umiarkowanej lewicy i głosował na Włoską Partię Republikańską swojego przyjaciela Ugo La Malfy, a także na reformistycznych socjalistów Pietro Nenni, innego jego przyjaciela, i tylko raz głosował na Chrześcijańskich Demokratów w 1976 roku, aby utrzymać komunistów z dala od władzy. Bondanella pisze, że DC „był zbyt powiązany z niezwykle konserwatywnym, a nawet reakcyjnym kościołem sprzed Soboru Watykańskiego II, by odpowiadać gustom Felliniego”.

Poza satyrą na Silvio Berlusconiego i telewizję głównego nurtu w Ginger i Fred, Fellini rzadko publicznie wyrażał poglądy polityczne i nigdy nie wyreżyserował jawnie politycznego filmu. W latach 90. wyreżyserował dwa wyborcze spoty telewizyjne: jeden dla DC, a drugi dla Włoskiej Partii Republikańskiej (PRI). Jego slogan „Non si interrompe un’emozione” (Nie przerywaj emocji) był skierowany przeciwko nadmiernemu wykorzystaniu reklam telewizyjnych. Demokratyczna Partia Lewicy również użyła tego sloganu w referendach w 1995 roku.

Osobiste i wysoce idiosynkratyczne wizje społeczeństwa, filmy Felliniego są unikalnym połączeniem pamięci, marzeń, fantazji i pożądania. Przymiotniki „felliniański” i „felliniański” są „synonimami wszelkiego rodzaju ekstrawaganckich, fantazyjnych, a nawet barokowych obrazów w kinie i ogólnie w sztuce”. La Dolce Vita przyczynił się do powstania terminu paparazzi w języku angielskim, wywodzącego się od Paparazzo, fotografa zaprzyjaźnionego z dziennikarzem Marcello Rubinim (Marcello Mastroianni).

Współcześni filmowcy, tacy jak Tim Burton, Emir Kusturica, powoływali się na wpływ Felliniego na ich twórczość.

Polski reżyser Wojciech Has, którego dwa najlepiej przyjęte filmy, Rękopis znaleziony w Saragossie (1965) i Sanatorium pod Klepsydrą (1973), są przykładami modernistycznych fantazji, został porównany do Felliniego ze względu na czystą „bujność obrazów”.

I Vitelloni zainspirował europejskich reżyserów Juana Antonio Bardema, Marco Ferreriego i Linę Wertmüller, a także wywarł wpływ m.in. na Mean Streets (1973) Martina Scorsese, American Graffiti (1974) George’a Lucasa, St. Elmo’s Fire (1985) Joela Schumachera i Diner (1982) Barry’ego Levinsona. Kiedy w 1963 roku amerykański magazyn Cinema zapytał Stanleya Kubricka o jego dziesięć ulubionych filmów, ten umieścił I Vitelloni na pierwszym miejscu.

Nights of Cabiria został zaadaptowany jako broadwayowski musical Sweet Charity i film Sweet Charity (1969) Boba Fosse’a z Shirley MacLaine w roli głównej. Miasto kobiet zostało zaadaptowane na berlińską scenę przez Franka Castorfa w 1992 roku.

8+1⁄2 zainspirowało między innymi Mickey One (Arthur Penn, 1965), Alex in Wonderland (Paul Mazursky, 1970), Beware of a Holy Whore (Rainer Werner Fassbinder, 1971), Day for Night (François Truffaut, 1973), All That Jazz (Bob Fosse, 1979), Stardust Memories (Woody Allen, 1980), Sogni d’oro (Nanni Moretti, 1981), Parad Planet (Vadim Abdrashitov, 1984), La Película del rey (Carlos Sorin, 1986), Living in Oblivion (Tom DiCillo, 1995), 8+1⁄2 Women (Peter Greenaway, 1999), Falling Down (Joel Schumacher, 1993) oraz broadwayowski musical Nine (Maury Yeston i Arthur Kopit, 1982). Yo-Yo Boing! (1998), hiszpańska powieść portorykańskiej pisarki Gianniny Braschi, zawiera sekwencję snu z Fellinim inspirowaną 8+1⁄2.

Twórczość Felliniego jest przywoływana na albumach Fellini Days (2001) zespołu Fish, Another Side of Bob Dylan (1964) Boba Dylana z Motorpsycho Nitemare, Funplex (2008) zespołu B-52’s z piosenką Juliet of the Spirits oraz w korku otwierającym teledysk Everybody Hurts zespołu R.E.M. Amerykańska piosenkarka Lana Del Rey wymieniła Felliniego jako swój wpływ. Jego twórczość wpłynęła na amerykańskie programy telewizyjne Northern Exposure i Third Rock from the Sun. Krótkometrażowy film Wesa Andersona Castello Cavalcanti (2013) jest w wielu miejscach bezpośrednim hołdem dla Felliniego. W 1996 roku Entertainment Weekly umieścił Felliniego na dziesiątym miejscu listy „50 największych reżyserów”. W 2002 roku magazyn MovieMaker umieścił Felliniego na 9. miejscu listy 25 najbardziej wpływowych reżyserów wszech czasów. W 2007 roku magazyn Total Film umieścił Felliniego na 67. miejscu listy „100 największych reżyserów filmowych wszech czasów”.

Różne materiały związane z filmem i osobiste dokumenty Felliniego znajdują się w Wesleyan University Cinema Archives, do których naukowcy i eksperci medialni mają pełny dostęp. W październiku 2009 roku Jeu de Paume w Paryżu otworzyło wystawę poświęconą Felliniemu, która zawierała efemerydy, wywiady telewizyjne, zdjęcia zza kulis, Księgę snów (opartą na 30 latach ilustrowanych snów i notatek reżysera), a także fragmenty La dolce vita i 8+1⁄2.

W 2014 roku tygodnik Variety ogłosił, że francuski reżyser Sylvain Chomet pracuje nad filmem The Thousand Miles, opartym na różnych dziełach Felliniego, w tym jego niepublikowanych rysunkach i pismach.

Jako scenarzysta

Reklamy telewizyjne

Źródła

Źródła

1. Federico Fellini
2. Federico Fellini
3. ^ Fellini & Pettigrew 2003, p. 87. Buñuel is the auteur I feel closest to in terms of an idea of cinema or the tendency to make particular kinds of films.
4. ^ Stubbs 2006, pp. 152–153. One of Cabiria’s finest moments comes in the movie’s nightclub scene. It begins when the actor’s girlfriend deserts him, and the star picks up Cabiria on the street as a replacement. He whisks her away to the nightclub. Fellini has admitted that this scene owes a debt to Chaplin’s City Lights (1931). Peter Bondanella points out that Gelsomina’s costume, makeup, and antics as a clown figure had „clear links to Fellini’s past as a cartoonist-imitator of Happy Hooligan and Charlie Chaplin.
5. ^ Bondanella 1978, p. 167. In his study of Fellini Satyricon, Italian novelist Alberto Moravia observes that with „the oars of his galleys suspended in the air, Fellini revives for us the lances of the battle in Eisenstein’s Alexander Nevsky (film).
6. ^ Ramacci.
7. ^ «Giulio Cesare», su liceocesarevalgimigli.it. URL consultato il 24 gennaio 2012 (archiviato dall’url originale il 27 dicembre 2011).
8. ^ Pier Mario Fasanotti, Tra il Po, il monte e la marina. I romagnoli da Artusi a Fellini, Neri Pozza, Vicenza, 2017, pp. 251-273.
9. a b Nagy szovjet enciklopédia (1969–1978), Феллини Федерико, 2015. szeptember 28.
10. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
11. a b Archivio Storico Ricordi. (Hozzáférés: 2020. december 3.)
12. Internet Broadway Database (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
13. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Directors’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 13. Oktober 2018; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk
14. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Critics’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 3. März 2016; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk
15. Quelle: Tullio Kezich: Federico Fellini: His Life and Work, 2006, in: Google Bücher, S. 74, aufgerufen am 4. November 2013.