Jean-Luc Godard

Mary Stone | 21 czerwca, 2023

Streszczenie

Jean-Luc Godard był francusko-szwajcarskim filmowcem, który urodził się 3 grudnia 1930 roku w Paryżu, a zmarł 13 września 2022 roku w Rolle (kanton Vaud).

Jest całkowitym autorem swoich filmów, często je reżyseruje, pisze scenariusze, dialogi i montuje. Od czasu do czasu pojawia się w nich, czasem w niewielkiej roli, czasem nie jako aktor, ale jako podmiot. Jest producentem i scenarzystą, a także krytykiem filmowym i teoretykiem filmu.

Podobnie jak Éric Rohmer, François Truffaut, Claude Chabrol i Jacques Rivette, Jean-Luc Godard rozpoczął swoją karierę w latach 50. jako krytyk filmowy. Pisał w szczególności dla La Gazette du cinéma, Les Cahiers du cinéma i Arts. W tym samym czasie nakręcił kilka krótkich filmów na taśmie 16 mm: Opération Béton (1954), dokument o budowie tamy Grande-Dixence w Szwajcarii; Une femme coquette (1955), inspirowany Guy de Maupassantem i nakręcony bez budżetu; Tous les garçons s’appellent Patrick, marivaudage napisany wspólnie z Éricem Rohmerem; Une histoire d’eau (1958), który zmontował z materiału nakręconego przez François Truffauta; oraz Charlotte et son jules (1958).

W 1959 roku zajął się filmem fabularnym À bout de souffle. Film okazał się wielkim sukcesem i stał się jednym z założycieli Nouvelle Vague. W latach 60. podjął się wielu projektów, kręcąc kilka filmów rocznie. W 1960 roku nakręcił Le Petit Soldat, film o wojnie w Algierii, oraz Une femme est une femme, hołd dla musicalu. Następnie nakręcił Vivre sa vie (1962), film o młodej kobiecie, która zostaje prostytutką, Les Carabiniers (1963), kolejny film o wojnie, oraz Le Mépris (1963), o świecie kina. W 1964 roku nakręcił Bande à part i Une femme mariée. W 1965 roku wyreżyserował Alphaville, dziwną przygodę Lemmy’ego Caution, film science-fiction, a następnie Pierrot le Fou, film drogi, który wielu specjalistów uważa za jego arcydzieło. Następnie nakręcił Masculin féminin, film o młodości, Made in USA, Deux ou trois choses que je sais d’elle, w którym ponownie zajął się tematem prostytucji, La Chinoise (1967) i Week-end (1967).

Godard stał się głównym filmowcem i czołową postacią świata artystycznego i inteligencji. W 1968 roku wydarzenia majowe, zapowiadane przez niektóre z jego wcześniejszych filmów, doprowadziły do zerwania z systemem kinowym. Godard stał się politycznie zradykalizowany i zmarginalizowany. Wraz z Jean-Pierre’em Gorinem próbował stworzyć kino polityczne i podpisywał swoje filmy pod zbiorowym pseudonimem „grupy Dziga Vertova”. W tym okresie jego filmy były rzadko pokazywane. Od 1974 roku eksperymentował z wideo ze swoją partnerką Anne-Marie Miéville, pracował dla telewizji i odszedł od kina.

Powrócił do kina na przełomie lat 80. z filmem Sauve qui peut (la vie). Powrócił do głównej roli, którą zajmował w latach sześćdziesiątych.

Od końca lat 80. poświęcił się serii esejów filmowych zatytułowanych Histoire(s) du cinéma, które ukończył w 1998 roku i które stanowiły próbę nakreślenia filmowej historii kina. W latach 2000 kontynuował swoją pracę w kinie z Éloge de l’amour (2001), Notre musique (2004) i Film Socialisme (2010). Zorganizował również wystawę w Centre Georges-Pompidou w Paryżu. Niezwykle ambitny projekt został ostatecznie porzucony i dał początek wystawie zatytułowanej Voyage(s) en utopie. W poszukiwaniu utraconego twierdzenia. JLG 1945-2005″, na której zaprezentowano makiety planowanej wystawy.

Jean-Luc Godard zdobył Złotego Niedźwiedzia na festiwalu w Berlinie w 1965 roku za Alphaville, a także dwa Srebrne Niedźwiedzie (dla najlepszego reżysera w 1960 roku za Bez tchu i Nadzwyczajnego Srebrnego Niedźwiedzia w 1961 roku za Kobieta jest kobietą). Zdobył także Honorowego Złotego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1982 roku oraz Złotego Lwa dla Najlepszego Filmu za Prénom Carmen w 1983 roku. Otrzymał także Nagrodę Jury na Festiwalu Filmowym w Cannes za Adieu au langage w 2014 roku, a także dwa honorowe Cezary w 1987 i 1998 roku oraz honorowego Oscara w 2010 roku za całokształt twórczości. W 2018 roku otrzymał specjalną Złotą Palmę za Le Livre d’image i cały swój dorobek na 71. festiwalu filmowym w Cannes.

Dzieci i młodzież

Jean-Luc Godard urodził się 3 grudnia 1930 roku przy 2, rue Cognacq-Jay w 7. dzielnicy Paryża. Był drugim z czworga dzieci. Jego najstarsza siostra, Rachel, urodzona 6 stycznia 1930 roku, zmarła w 1993 roku. Kolejna siostra, Véronique, jest fotografem.

Jego ojciec, Paul Godard (1899-1964), urodził się 1 czerwca 1899 roku w rodzinie, której matka pochodziła z północnej Francji (Le Cateau-Cambrésis), a ojciec, Georges Godard, pochodził ze starej protestanckiej rodziny w Sancerre. W 1916 roku wraz z rodziną przeniósł się do Szwajcarii jako pacyfista, osiedlając się w Vevey, a następnie w Genewie. Studiował medycynę i obronił pracę magisterską w Paryżu w 1925 roku. Następnie pracował zarówno w Paryżu, jak i w Szwajcarii.

Jego matka, Odile Monod (1909-1954), należała do dużej francuskiej rodziny protestanckiej, wywodzącej się od pastora Jeana Monoda, urodzonego w Genewie w 1765 roku, i pastora Adolphe’a Monoda, urodzonego w 1802 roku. Jego dziadek ze strony matki, Julien Monod, kierował Société Financière d’Orient i był jednym z założycieli Banque de Paris et des Pays-Bas. W 1924 roku kupił mieszkanie przy 16, boulevard Raspail w budynku zaprojektowanym przez architekta Henri Sauvage. Często przebywał wśród pisarzy i bardzo zbliżył się do Paula Valéry’ego, którego poznał w 1924 roku. Jako wielki wielbiciel poety, gromadził jego książki, rękopisy i korespondencję w pokoju w swoim mieszkaniu, znanym jako „valerianum”.

Paul Godard poślubił Odile Monod w Oratoire du Louvre 16 października 1928 roku.

W 1933 roku znalazł pracę w klinice w Szwajcarii, a rodzina Godardów osiedliła się nad brzegiem Jeziora Genewskiego między Nyon i Rolle, a następnie przeniosła się do Nyon w 1938 roku na Rue du Prieuré 4. Jean-Luc Godard chodził do szkoły podstawowej w Nyon od 1936 roku. Jego dzieciństwo było szczególnie sportowe, z piłką nożną, narciarstwem i koszykówką. Było również naznaczone religią protestancką. Młody Jean-Luc Godard najpierw rozwinął pasję do malarstwa. Jego wczesne prace wydają się być inspirowane przez Paula Klee i Oskara Kokoschkę. Wakacje spędzał w posiadłości dziadków ze strony matki w Anthy-sur-Léman.

W czerwcu 1940 roku Jean-Luc Godard przebywał z dziadkami w Paryżu, kiedy Niemcy dokonali inwazji. Najpierw został wysłany do swojej ciotki Aude w Bretanii, gdzie rozpoczął rok szkolny 1940, zanim przedostał się przez Francję do Szwajcarii. Rodzina Monodów była republikańska i lewicowa, ale Julien Monod, jego dziadek, był bardziej konserwatywny, bronił marszałka Pétaina i czytał kolaboracyjną prasę. Z drugiej strony rodzice Godarda pracowali dla Czerwonego Krzyża i byli anglofilami.

Po wojnie Jean-Luc Godard ukończył szkołę średnią w Nyon i został wysłany do Paryża, aby zdać maturę w Lycée Buffon. Następnie został odseparowany od rodziny. Jego rodzice byli na skraju separacji. Jego ojciec cierpiał na chorobę Charcota i miał trudności z postawą rodziny Monod wobec niego, podczas gdy jego matka miała trudności z przebywaniem z dala od rodziny. Opuściła dom małżeński, aby przenieść się do Genewy w 1949 roku, a następnie do Lozanny w 1951 roku, a para rozwiodła się w listopadzie 1952 roku. Godard przeprowadził się wtedy na rue d’Assas, tuż pod mieszkaniem pisarza i wydawcy Jeana Schlumbergera. Stracił zainteresowanie studiami i nie zdał matury w 1947 roku. Zaczął uczęszczać do klubów filmowych i Cinémathèque Française. Jego odkrywanie kina wiązało się również z czytaniem tekstów krytycznych, takich jak te w Revue du cinéma, w których odkrył pisma Maurice’a Schérera, lepiej znanego dziś jako Éric Rohmer.

Odkąd był nastolatkiem w Nyon, Jean-Luc Godard, pomimo życia w zamożnej rodzinie, miał w zwyczaju kraść. Nawyk ten przerodził się w manię, a Jean-Luc Godard okradał także swoją rodzinę i przyjaciół. W szczególności ukradł książki z biblioteki Jeana Schlumbergera, które sprzedał na Pont-Neuf. Ukradł również dzieła Paula Valéry’ego z biblioteki swojego dziadka, które sprzedał do księgarni Gallimard naprzeciwko domu dziadka. Jego dziadek odkrył kradzież i Jean-Luc Godard stał się czarną owcą swojej rodziny w wieku siedemnastu lat. Później, w 1952 roku, ukradł również kasę Cahiers du cinéma i kasę Café de la Comédie, znajdującą się w pobliżu Palais-Royal i prowadzoną przez rodziców jego przyjaciela Charlesa Bitscha. W listopadzie 1947 roku, skłócony z rodziną, Godard napisał przeciwko nim pamflet zatytułowany Le Cercle de famille. Or impressions d’ensemble.

Wrócił do Szwajcarii w 1948 roku i przygotowywał się do matury w Collège Lémania w Lozannie. Po drugim niepowodzeniu, zdał za trzecim razem, w 1949 roku. W tym czasie Godard wciąż wahał się między malarstwem, kinem i literaturą. Napisał swój pierwszy scenariusz, zatytułowany Aline, oparty na powieści Charlesa Ferdinanda Ramuza.

Jesienią 1949 roku zapisał się na antropologię na Sorbonie w Paryżu, ale wkrótce stracił zainteresowanie tematem. Na Sorbonie poznał Suzanne Klochendler, która później stała się Suzanne Schiffman i współpracowała z Godardem przy wielu filmach, oraz pisarza Jeana Parvulesco. Napisał drugi scenariusz na podstawie La Fiancée George’a Mereditha, zatytułowany La Trêve d’ironie, Claire. W tym okresie obejrzał ogromną liczbę filmów. W cinémathèque kierowanej przez Henriego Langloisa regularnie spotykał się z Suzanne Klochendler, François Truffautem, Jeanem Gruaultem i Jacquesem Rivette. Uczęszczał również do klubu filmowego Quartier Latin założonego przez Frédérica Frœschela w 1947 roku, gdzie poznał Maurice’a Schérera, Paula Gégauffa, Truffauta, Chabrola, Gruaulta i Rivette’a. Grupa wydawała Bulletin du ciné-club du Quartier latin, który pod koniec 1949 roku stał się pełnoprawnym magazynem zatytułowanym La Gazette du cinéma. To właśnie w tym magazynie Godard opublikował swoje pierwsze teksty krytyczne w wieku 19 lat. Od czerwca do listopada 1950 roku opublikował dwanaście artykułów pod własnym nazwiskiem lub pod pseudonimem Hans Lucas, niemieckim tłumaczeniem jego imienia Jean-Luc. We wrześniu 1950 roku, wraz z przyjaciółmi z klubu filmowego Quartier Latin, wziął udział w Festival du film maudit de Biarritz organizowanym przez klub filmowy Objectif 49, któremu przewodniczył Jean Cocteau. Festiwal ten był ważnym momentem w rozwoju młodych krytyków skupionych wokół Gazette du cinéma, którzy nie wahali się krytykować wyborów programowych swoich starszych kolegów.

W grudniu 1950 roku jego ojciec zaproponował, że zabierze go w podróż do Ameryki. Najpierw odwiedził Nowy Jork, a następnie Kingston na Jamajce, gdzie jego ojciec kupił dom do zamieszkania. Następnie Jean-Luc Godard wyruszył samotnie w kilkumiesięczną podróż po Ameryce Południowej. Odwiedził Panamę, Peru, Boliwię i Brazylię, po czym wrócił do Francji w kwietniu 1951 roku.

Lata Cahiers du cinéma (1950-1959)

W kwietniu 1951 roku Jacques Doniol-Valcroze założył Cahiers du cinéma. Magazyn, stworzony w celu kontynuowania ducha Revue du cinéma, przyjmował krytyków różnych przekonań, w tym Maurice’a Schérera, który próbował nakłonić swoich przyjaciół z Gazette du cinéma do dołączenia do Cahiers. Godard opublikował swój pierwszy artykuł w nowym czasopiśmie w styczniu 1952 roku na temat La Flamme qui s’éteint Rudolpha Maté. W kwietniu 1952 roku opublikował polemiczną pochwałę filmu Alfreda Hitchcocka L’Inconnu du Nord-Express zatytułowaną „Suprématie du sujet” („Supremacja tematu”), a we wrześniu tego samego roku zaatakował André Bazina artykułem zatytułowanym „Défense et illustration du découpage classique” („Obrona i ilustracja klasycznego cięcia”).

Wiosną 1953 roku jego ojciec znalazł mu pracę jako kamerzysta w szwajcarskiej telewizji w Zurychu. To doświadczenie skończyło się źle. Godard ponownie okradł kasę telewizyjną. Został zgłoszony na policję i spędził trzy noce w więzieniu. Aby uniknąć wyjazdu na wojnę w Indochinach, Godard wybrał szwajcarskie obywatelstwo, gdy osiągnął pełnoletność, ale nie wypełnił swoich zobowiązań wojskowych w Szwajcarii, a zatem był poza prawem. Jego ojciec oddał go na kilka tygodni do szpitala psychiatrycznego La Grangette w Lozannie. Po tym epizodzie nie widział się z ojcem przez dziesięć lat. Kiedy został zwolniony ze szpitala, jego matka znalazła mu pracę na zaporze Grande-Dixence w Valais. Godard pracował tam latem 1953 roku i przez cały 1954 rok, a wolny czas spędzał w Genewie, gdzie spotykał się z grupą przypadkowych dandysów. Wraz ze swoim przyjacielem Jean-Pierrem Laubscherem nakręcił 16-milimetrowy film dokumentalny o budowie tamy. Od tego pierwszego filmu, zatytułowanego Opération béton, Godard zwracał szczególną uwagę na dźwięk, starając się go wiernie zarejestrować. Następnie sprzedał go Compagnie de la Grande-Dixence. 21 kwietnia 1954 roku, w wieku 45 lat, jego matka zginęła w wypadku na skuterze. Po sprzedaży dokumentu Godard przeprowadził się do Genewy i nakręcił drugi film krótkometrażowy, Une femme coquette, nakręcony w listopadzie 1955 roku na Île Rousseau.

Wrócił do Paryża w styczniu 1956 roku i ponownie dołączył do gangu Gazette du Cinéma. Dzięki Claude’owi Chabrolowi został rzecznikiem prasowym Foxa, gdzie pracował nieregularnie przez dwa lata. Powrócił również do Cahiers du cinéma. Na swój powrót wybrał publikację tekstu o filmowcu spoza klasycznego panteonu bronionego przez innych młodych Turków, Franku Tashlinie. Dzięki François Truffautowi dołączył również do tygodnika Arts w lutym 1958 roku. W tym samym czasie pracował również jako montażysta dla producenta Pierre’a Braunbergera pod kierownictwem Myriam Borsoutsky.

W czerwcu 1957 roku nakręcił swój pierwszy profesjonalny film krótkometrażowy, Tous les garçons s’appellent Patrick ou Charlotte et Véronique. Napisany wspólnie z Éricem Rohmerem i wyprodukowany przez Pierre’a Braunbergera film opowiada historię dwóch kokieteryjnych i naiwnych młodych dziewcząt, które zostają uwiedzione przez tego samego mężczyznę w Ogrodach Luksemburskich. Film jest lekki i ma szybkie tempo. Był pokazywany w kinach wiosną 1958 roku jako uzupełnienie filmu Un témoin dans la ville Édouarda Molinaro.

W lutym 1958 roku region Île-de-France został zalany przez ulewne deszcze. Po dyskusji z Godardem i Pierre’em Braunbergerem, François Truffaut postanowił nakręcić historię młodej dziewczyny mieszkającej na przedmieściach, która podczas powodzi chciała udać się do Paryża. Film nosi tytuł Une histoire d’eau. Truffaut nie był zadowolony ze zdjęć próbnych i porzucił projekt, ale Godard napisał tekst, który przeczytał z Anne Colette i zmontował film. Film został ostatecznie pokazany w marcu 1961 roku jako pierwsza część Loli Jacquesa Demy’ego.

Następnie Godard nakręcił Charlotte et son jules z Jean-Paulem Belmondo i Anne Colette. Film, zainspirowany Bel Indifférent Jeana Cocteau, jest długim monologiem chłopaka przed swoją dziewczyną, która po prostu wróciła do niego, aby powiedzieć mu, że go opuszcza i odebrać szczoteczkę do zębów. Belmondo był nieobecny podczas postsynchronów i ostatecznie to sam Godard dubbingował jego postać. Film był również emitowany w tym samym czasie co Lola w marcu 1961 roku.

W wywiadzie udzielonym Marguerite Duras w 1987 roku Jean-Luc Godard powiedział, że pierwszym filmem, który chciał nakręcić, był inspirowany literaturą Le Mythe de Sisyphe (Mit Syzyfa) Alberta Camusa, który zaproponował producentom, aby zaadaptowali go na potrzeby kina. Pamiętnik uwodziciela Sørena Kierkegaarda również był powieścią, którą chciałby sfilmować.

Bez tchu

Po sukcesie Czterystu ciosów François Truffauta na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1959 roku, Godard zdał sobie sprawę, że nie powinien przegapić tej fali i postanowił nakręcić swój pierwszy film fabularny. Wykorzystał pomysł ze scenariusza Truffauta oparty na wiadomości i skontaktował się z producentem Georgesem de Beauregardem, aby sfinansował jego film. Breathless opowiada historię Michela Poiccarda, młodego mężczyzny, który kradnie samochód w Marsylii, aby spotkać się z Amerykanką w Paryżu. Po drodze jest ścigany przez dwóch policjantów i zabija jednego z nich. W końcu odnajduje Amerykankę w Paryżu. Zgodnie z tradycją amerykańskiego kina noir, film został zainspirowany prawdziwą historią. Film został nakręcony w sierpniu i wrześniu 1959 roku z Jean-Paulem Belmondo i Jean Seberg w rolach głównych. Choć zdjęcia trwały stosunkowo krótko, materiał był zbyt obszerny i Godard był zmuszony dokonać cięć w swoim filmie, ale zamiast wycinać całe ujęcia, jak to było tradycją, dokonał cięć w obrębie ujęć. W ten sposób poszedł za radą swojego przyjaciela Jean-Pierre’a Melville’a, który powiedział mu, że po nakręceniu filmu niemożliwego, powinien teraz pójść na całość i dokończyć go jako taki. W ten sposób stworzył nieciągłości w swoim filmie, które nadały mu szczególny rytm. Wydany w marcu 1960 roku film odniósł wielki sukces wśród publiczności (2,2 miliona sprzedanych biletów we Francji). Był to również sukces krytyczny, a Godard otrzymał wsparcie czołowych krytyków, takich jak Georges Sadoul w Les Lettres françaises.

Lata Kariny (1959-1967)

Zaraz po premierze À bout de souffle Godard rozpoczął zdjęcia do Le Petit Soldat. Robiąc to, poszedł na przekór tym, którzy zarzucali młodemu kinu, że mówi tylko o problemach z zaliczaniem, a nie zajmuje się bardziej aktualnymi kwestiami, takimi jak wojna w Algierze czy cenzura. Akcja filmu rozgrywa się w Genewie 13 maja 1958 roku, w dniu przejęcia władzy w Algierze przez generała Massu. Film opowiada historię dezertera z francuskiej armii, który pracuje dla skrajnie prawicowej grupy terrorystycznej w Genewie. Chce odejść, ale zostaje wzięty jako zakładnik przez FLN i udaje mu się uciec, podczas gdy jego dziewczyna zostaje wzięta jako zakładniczka przez skrajnie prawicowych terrorystów. Pod względem politycznym film jest niejednoznaczny, a tortury są dziełem zarówno skrajnej prawicy, jak i FLN. Film został ocenzurowany przez ministra informacji Louisa Terrenoire’a, który uzasadnił swoją decyzję słowami: „W czasach, gdy cała francuska młodzież jest wzywana do służby i walki w Algierii, wydaje się trudne do zaakceptowania, że przeciwne zachowanie powinno być ujawnione, zilustrowane i ostatecznie usprawiedliwione”. Film został wydany w 1963 roku, po zakończeniu wojny w Algierii.

Na planie filmu uwiódł aktorkę Annę Karinę. Po zauważeniu jej w reklamie latem 1959 roku, zaproponował jej rolę w Bez tchu, którą odrzuciła, ponieważ nie chciała się rozbierać. Następnie zaproponował jej główną rolę w Le Petit Soldat. Anna Karina stała się muzą Jean-Luca Godarda i w latach 60. nakręciła z nim siedem filmów (Le Petit Soldat, Une femme est une femme, Vivre sa vie, Bande à part, Alphaville, Pierrot le Fou i Made in USA). Poślubił ją 3 marca 1961 roku w Begnins w Szwajcarii, a następnie w kościele protestanckim przy Avenue Marceau w Paryżu. Ich małżeństwo jednak nie wypaliło i Jean-Luc Godard i Anna Karina oficjalnie rozwiedli się 21 grudnia 1964 roku.

Pod koniec 1960 roku Godard nakręcił swój trzeci film fabularny, Une femme est une femme, z Jean-Paulem Belmondo, Jean-Claude Brialy i Anną Kariną. Film opowiada historię Angeli (Anna Karina), która chce mieć dziecko w ciągu 24 godzin. Kiedy jej partner Émile (Jean-Claude Brialy) odmawia, grozi, że będzie miała dziecko z Alfredem (Jean-Paul Belmondo). Podobnie jak jego poprzednicy, film podzielił krytyków i spolaryzował uwagę gazet. Film zdobył Nagrodę Specjalną Jury na Festiwalu Filmowym w Berlinie w czerwcu 1961 roku, a Anna Karina otrzymała nagrodę dla najlepszej aktorki. Sukces publiczny filmu nie spełnił jednak oczekiwań wytwórni (550 000 sprzedanych biletów we Francji).

W filmie Vivre sa vie (1962) Godard wciela się w postać kobiety uprawiającej prostytucję. Film został pokazany na Festiwalu Filmowym w Wenecji w sierpniu 1962 roku i zdobył Nagrodę Specjalną Jury oraz Nagrodę Krytyków. Film miał swoją premierę w Paryżu 20 września i przyciągnął 148 000 widzów podczas pierwszego pokazu w Paryżu, co wydawało się sukcesem dla budżetu filmu, a przyjęcie krytyków było jednogłośne, z wyjątkiem Positif, Cinéma 62 i Le Figaro.

W tym samym roku Godard wystąpił wraz z Anną Kariną w Cléo de 5 à 7, filmie Agnès Vardy, który zawierał w jednej scenie bardzo krótki czarno-biały film burleskowy w hołdzie dla kina niemego zatytułowany Les fiancés du pont MacDonald.

Również w 1962 roku zaadaptował „Karabinierów” włoskiego dramaturga Beniamino Joppolo. Film jest opisem wojny i jej ekscesów poprzez historię dwóch wieśniaków, Ulyssesa i Michelangelo, którzy wyruszają na wojnę i ku swojej radości odkrywają, że wszystko im wolno. Po powrocie nie mogą wrócić do normalnego życia, a kiedy słyszą w oddali odgłos armat, wracają na wojnę i zostają zastrzeleni. Do tego filmu Godard celowo wybrał nieznanych aktorów i niemal amatorską jakość obrazu. Chciał pokazać wojnę taką, jaka była, bez gloryfikowania jej i bez heroizmu. Film, wydany w Paryżu w marcu 1963 roku, był komercyjną porażką (20 000 widzów wyłącznie w Paryżu), a reakcja prasy była również bardzo negatywna.

W przeciwieństwie do swojego poprzednika, Le Mépris (1963) był filmem wysokobudżetowym, w którym wystąpiła jedna z najsłynniejszych aktorek tamtych czasów, Brigitte Bardot. Film jest adaptacją powieści o tym samym tytule autorstwa włoskiego powieściopisarza Alberto Moravii. Opowiada historię Paula Javala (Michel Piccoli), scenarzysty teatralnego ożenionego z Camille (Brigitte Bardot), który udaje się do Cinecitta, aby negocjować kontrakt z producentem Jeremym Prokoschem na przeróbkę scenariusza filmu o Odysei w reżyserii Fritza Langa, który gra samego siebie. Godard powrócił do opinii publicznej (1,5 miliona sprzedanych biletów). W tamtym czasie Le Mépris nie wzbudził entuzjazmu krytyków, ale film stał się jednym z wielkich klasyków Godarda. Film był jednak chwalony przez znanych krytyków, takich jak Jean-Louis Bory (Arts) i Jean Collet (Télérama), a przede wszystkim przez pisarza Louisa Aragona w Les Lettres françaises.

Wiosną 1964 roku nakręcił Bande à part. Film, oparty na powieści noir zatytułowanej Pigeon vole, opowiada historię dwóch przyjaciół, Franza i Arthura, którzy manipulują młodą kobietą, Odile Monod (Anna Karina), aby ukraść pieniądze od jej opiekuna. Sceny, w których Odile, Franz i Arthur biegną przez wielką galerię Luwru, aby pobić rekord prędkości, oraz ta, w której trójka bohaterów tańczy madisona w kawiarni, pozostały sławne.

Une femme mariée ukazuje życie paryżanki podzielonej między kochanka i męża do momentu zajścia w ciążę. Godard w chłodny sposób pokazuje momenty z życia tej kobiety, „filmując podmioty jako przedmioty”. Film został nakręcony w ciągu czterech miesięcy, między majem, kiedy Godard zaproponował pierwszy szkic swojemu producentowi, a Festiwalem Filmowym w Wenecji we wrześniu. Pod koniec września film został zakazany przez Komisję Kontroli Filmowej, która uznała, że początkowy tytuł, La Femme mariée (Kobieta zamężna), był obraźliwy dla wszystkich kobiet, a przedstawienie seksualności było zbyt sugestywne. Zakaz ten wywołał skandal w prasie. Ostatecznie Godard zgodził się zmienić tytuł i zmontować kilka scen, aby jego film mógł zostać pokazany.

W styczniu 1965 roku Godard nakręcił Alphaville, dziwną przygodę Lemmy’ego Caution, film science fiction z niezwykłą cechą kręconą w Paryżu na prawdziwych planach filmowych, a nie w studiu. Ta estetyczna tendencyjność wynika z przekonania, że przyszłość już tu jest i że w 1965 roku Paryż i jego mieszkańcy stali się już maszynami. Szczególna atmosfera filmu wynika w dużej mierze z wyboru kręcenia w nocy i bez oświetlenia, przy użyciu bardzo czułej taśmy filmowej, która daje czarno-biały obraz o wysokim kontraście i wrażenie zmierzchu. Film zdobył Złotego Niedźwiedzia na Festiwalu Filmowym w Berlinie w czerwcu 1965 roku.

Po Alphaville Godard nakręcił Pierrot le Fou. Film jest kinem drogi przez Francję. Ferdinand (Jean-Paul Belmondo) i Marianne (Anna Karina) uciekają z Paryża i społeczeństwa, które ich nudzi, na południe Francji. Kryminalna intryga, która stanowi trzon filmu, została potraktowana z dużą swobodą. Film został pokazany na Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1965 roku i wywołał kontrowersyjne reakcje, ale Godard otrzymał duże wsparcie, w tym artykuł Louisa Aragona w Les Lettres françaises zatytułowany „Qu’est-ce que l’art, Jean-Luc Godard? Aragon docenił sztukę kolażu Godarda i postrzegał jego twórczość jako kontynuację kubizmu. Z kolei krytyk Bernard Dort ostro zaatakował Godarda w Les Temps modernes, postrzegając go jako nostalgicznego reakcjonistę. Film sprzedał 1,3 miliona biletów.

Pierrot le Fou był swego rodzaju kulminacją w twórczości Godarda, który musiał teraz zacząć coś innego. Pod koniec 1965 roku nakręcił Masculin féminin, film zaadaptowany z dwóch opowiadań Guya de Maupassanta, Le Signe i La Femme de Paul, w którym główne role zagrali Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya i Marlène Jobert. Film jest socjologicznym śledztwem na temat młodzieży w latach 60. ubiegłego wieku. Postać grana przez Jean-Pierre’a Léauda, Paul Doinel, przypomina Antoine’a Doinela François Truffauta. Podobnie jak on jest niedostosowany społecznie i nieszczęśliwie zakochany.

W latach 60. orientacja polityczna Godarda przesunęła się w lewo. Cenzura Une femme mariée (1964) była ważnym momentem w jego politycznej ewolucji. Kiedy w 1966 roku minister informacji zakazał wyświetlania filmu Suzanne Simonin Jacquesa Rivette’a, Diderot’s Religieuse, Godard publicznie zaatakował André Malraux, publikując w Le Nouvel Observateur tekst zatytułowany „Lettre ouverte à André Malraux, ministre de la Kultur” („List otwarty do André Malraux, ministra kultury”). Malraux ostatecznie zezwolił na pokaz La Religieuse na Festiwalu Filmowym w Cannes w tym samym roku.

Latem 1966 roku nakręcił dwa filmy w krótkim odstępie czasu. Made in USA powstał w pośpiechu na prośbę producenta Pierre’a Braunbergera, który potrzebował nowego projektu dla swojej firmy produkcyjnej. Film pokazuje życie reporterki Pauli Nelson, która bada śmierć swojego przyjaciela Richarda Politzera, ale większość komentatorów wskazywała na niespójność tej historii. W sierpniu 1966 roku Godard nakręcił Deux ou trois choses que je sais d’elle. Film opowiada dzień z życia młodej kobiety, Juliette Janson (Marina Vlady), która mieszka na osiedlu mieszkaniowym i od czasu do czasu uprawia prostytucję, aby kupić sukienki lub pójść do fryzjera. Podejście Godarda było otwarcie inspirowane strukturalizmem, a jego celem było przeprowadzenie „socjologicznego badania” francuskiego społeczeństwa.

Lata Mao (1967-1973)

Jean-Luc Godard poznał Anne Wiazemsky, wnuczkę François Mauriaca, na planie filmu Roberta Bressona Au hasard Balthazar w sierpniu 1965 roku. Po odrzuceniu jego zalotów, napisała do niego list miłosny w czerwcu 1966 roku. Anne Wiazemsky właśnie zdała maturę i rozpoczynała studia na Uniwersytecie Nanterre, i to właśnie dzięki niej Godard odkrył środowisko studenckie, które wykorzystał jako tło dla La Chinoise. Poślubił Anne Wiazemsky 21 lipca 1967 roku. Para rozstała się w październiku 1970 roku.

W 1967 roku Godard nakręcił La Chinoise i Week-end. Pierwszy z nich opowiada historię grupy młodych maoistów w momencie, gdy ruch ten rodził się we Francji. Film został pokazany na festiwalu w Awinionie w sierpniu 1967 roku na dziedzińcu Pałacu Papieży, a następnie na festiwalu filmowym w Wenecji we wrześniu i wydany w Paryżu w tym samym czasie. Godard był wówczas u szczytu sławy, a film był niecierpliwie oczekiwany, ale nie został zbyt dobrze przyjęty. Krytycy filmowi byli dość pozytywni, ale działacze maoistyczni byli bardzo gwałtowni przeciwko filmowi: postrzegali go jako prowokację i byli oburzeni faktem, że maoiści zostali przedstawieni jako młodzi burżuazyjni bawiący się w rewolucję.

W filmie Weekend Godard pokazuje parę, która wyjeżdża na weekend do teściowej w nadziei na odzyskanie spadku. Weekend szybko przeradza się w apokaliptyczną sytuację, w której bohaterowie pozbawieni są jakiegokolwiek człowieczeństwa. Sam Godard przewidywał, że jego film nie spodoba się publiczności, opisując go jako „paskudny, prymitywny i karykaturalny”. Po tym filmie Godard planował przestać kręcić filmy, przynajmniej tak jak robił to od początku lat 60. i doradził swoim głównym współpracownikom, Raoulowi Coutardowi, Suzanne Schiffman i Agnès Guillemot, aby pracowali z innymi filmowcami.

Rok 1968 był przełomowy w karierze Godarda, który odszedł od klasycznego kina, które uprawiał do tej pory, zaangażował się w różne walki polityczne tamtych czasów (afera Langlois, wojna w Wietnamie i, na swój sposób, Maj 68) i szukał nowych sposobów tworzenia kina poprzez dydaktyzm Gai Savoir i traktaty filmowe May 68.

W styczniu nakręcił Le Gai Savoir dla francuskiej telewizji z Jean-Pierre Léaud i Juliet Berto. W swoim dydaktyzmie film był rozwinięciem La Chinoise. Zmontowany w sierpniu tego samego roku po wydarzeniach 1968 roku, został odrzucony przez ORTF i zakazany w kinach przez komisję kontrolną.

W lutym 1968 roku minister kultury André Malraux postanowił wybrać nowego dyrektora artystycznego Cinémathèque Française, który zastąpiłby Henriego Langlois. Podobnie jak jego nowofalowi towarzysze, Godard odkrył kinematografię w Cinémathèque dzięki Langlois i nie mógł znieść myśli, że rząd chce go zastąpić. Wraz z innymi filmowcami i kinomanami wziął udział w demonstracjach 12 lutego na rue d’Ulm i 14 lutego w Palais de Chaillot i założył Comité de défense de la cinémathèque française. Langlois został ostatecznie przywrócony do pracy 22 kwietnia 1968 roku.

Wraz z innymi filmowcami, takimi jak Philippe Garrel i Chris Marker, wziął udział w wydarzeniach Maja 68, śledząc i filmując demonstracje, biorąc udział w Estates General of French Cinema w École Technique de Photographie et de Cinéma przy rue de Vaugirard oraz w IDHEC, a także domagając się, wraz z François Truffaut, Alainem Resnaisem, Claude’em Lelouchem, Louisem Malle i innymi, wstrzymania festiwalu w Cannes w ramach „solidarności ze studentami”. Wraz z Chrisem Markerem brał udział w produkcji cinétracts, krótkich 3-minutowych filmów łączących rewolucyjne hasła z obrazami demonstracji lub porwanymi obrazami reklamowymi. Ale Maj 68 był także czasem rozczarowania dla Godarda, który odłączył się od ruchu filmowców i nie wziął udziału w tworzeniu Société des réalisateurs de films. Wreszcie, był to również moment, w którym Godard zakwestionował swoją sławę i chciał ponownie stać się anonimowy. Zakwestionował również pojęcie autora, którego bronił, gdy był krytykiem w Cahiers du cinéma.

Po maju 68 roku udał się do Londynu, by sfilmować Rolling Stonesów nagrywających Sympathy for the Devil. W swoim filmie, początkowo zatytułowanym One + One, Godard zestawia sfilmowane próby Rolling Stonesów ze scenami bez widocznego związku z nagraniami, w których występują między innymi Czarne Pantery. Film pokazuje Stonesów przy pracy, dekonstruując mit twórczego geniuszu. W lipcu Godard nakręcił we Francji Un film comme les autres, w którym zaprosił studentów z Nanterre i robotników z fabryki Renault we Flins do rozmowy o lekcjach z Maja 68. Film jest celowo antyspektakularny i rzadko pokazywany.

Jesienią 1968 roku Richard Leacock i Don Alan Pennebaker poprosili Godarda o przyjazd do Stanów Zjednoczonych w celu nakręcenia filmu o stanie Ameryki. Po prawie miesiącu zdjęć w Ameryce Godard porzucił projekt. Był bardzo rozczarowany zdjęciami i nie podobał mu się styl filmowania Pennebakera. Ostatecznie Pennebaker i Leacock wykorzystali materiał do nakręcenia filmu zatytułowanego One Parallel Movie. Następnie pracował z Jean-Henri Rogerem, 20-letnim studentem maoizmu, nad British Sounds (1969), filmem o stanie Wielkiej Brytanii dla brytyjskiego kanału telewizyjnego LWT. Następnie wyjechali do Pragi, aby nakręcić Pravdę, film o Czechosłowacji rok po Praskiej Wiośnie.

Latem 1969 roku Godard postanowił nakręcić w Rzymie „skrajnie lewicowy western” wraz z Marc’O i Danielem Cohn-Benditem, których znał od 1967 roku za pośrednictwem Anne Wiazemsky. Początkowo był to utopijny projekt, w którym wszyscy uczestnicy mieli być opłacani w równych częściach, a przede wszystkim, w którym scenariusz i plan pracy miały być opracowywane wspólnie na walnych zebraniach. Zespół szybko się podzielił, a anarchistyczni przyjaciele Cohn-Bendita nie byli w stanie dogadać się z maoistowskimi przyjaciółmi Godarda. Niektórzy, jak Marc’O, porzucili projekt. Godard wezwał swojego przyjaciela Jeana-Pierre’a Gorina, aby pomógł mu przywrócić film na właściwe tory. Po zakończeniu zdjęć Godard i Gorin przez cztery miesiące pracowali samotnie nad montażem filmu. Ostatecznie Vent d’est stał się początkiem grupy Dziga Vertov, zbiorowego pseudonimu stworzonego przez Godarda i Gorina w nawiązaniu do radzieckiego reżysera Dzigi Vertova. Godard i Gorin dążyli do stworzenia „kina politycznego”. Wraz z tą grupą Godard starał się również zapomnieć o swoim statusie „twórcy”. Nakręcili Struggles in Italy dla RAI, inspirując się głównie pismami Louisa Althussera, a następnie wyjechali do Palestyny z Armandem Marco i Eliasem Sanbarem, aby nakręcić Until Victory. Film pozostał niedokończony, ale nagrane obrazy i dźwięki zostały później ponownie wykorzystane w Ici et ailleurs (1974). Po niepowodzeniu palestyńskiego filmu, grupa Dziga Vertova nakręciła Vladimira i Rosę, zainspirowaną procesem Chicago 8. Po raz pierwszy Godard był także aktorem i próbował swoich sił w burlesce.

W latach 1968-1973 Godard i Gorin nakręcili wspólnie filmy o szczególnie maoistycznym przesłaniu. Z inicjatywy producenta Jean-Pierre’a Rassama powrócili do bardziej klasycznej formy kina filmem Tout va bien, ponownie współpracując ze znanymi aktorami (Yves Montand i Jane Fonda). Film, wydany w kwietniu 1972 roku, kosztował 2,5 miliona franków i przyciągnął w Paryżu jedynie 78 000 widzów.

9 czerwca 1971 roku, podczas przygotowywania filmu Tout va bien, Jean-Luc Godard uległ poważnemu wypadkowi motocyklowemu, w wyniku którego doznał złamania miednicy i przez tydzień pozostawał w śpiączce. Przeszedł liczne operacje i spędził ponad sześć miesięcy w szpitalu, z regularnymi pobytami w szpitalu przez trzy lata. W tym czasie poznał Anne-Marie Miéville, którą spotkał kilka miesięcy wcześniej w Lozannie. Kiedy opuścił szpital w listopadzie 1971 roku, zamieszkał z nią i poprosił, by pracowała z nim przy filmie Tout va bien jako fotograf na planie.

Po Tout va bien Jean-Pierre Gorin próbował nakręcić swój własny film L’Ailleurs immédiat, ale napotkał liczne trudności i nie czuł wsparcia ze strony Godarda, co oznaczało koniec ich współpracy. Gorin opuścił Francję na początku 1973 roku i zamieszkał w Meksyku, a następnie w Kalifornii. Kilka miesięcy później François Truffaut na dobre zerwał z Godardem. Po premierze La Nuit américaine Godard napisał list do Truffauta, w którym ostro skrytykował film i poprosił o pieniądze na sfinansowanie kolejnego filmu. Truffaut odpowiedział gwałtownie, oskarżając go o nie zwracanie uwagi na innych, „kochanie ludzi tylko w teorii” i zachowywanie się jak diva.

Lata wideo (1973-1979)

Na początku 1973 roku, po rozwiązaniu grupy Dzigi Vertova, Godard planował nakręcić film w formie autobiograficznego wyznania zatytułowanego Moi Je. Po raz pierwszy planował porzucić tradycyjny film kinowy i nakręcić go w całości na wideo, inwestując wszystkie pieniądze uzyskane z CNC na film w sprzęt wideo, aby mógł stać się całkowicie niezależny. W tym momencie poznał Jean-Pierre’a Beauviala, inżyniera z Grenoble, wynalazcę Paluche, ultralekkiej kamery i dyrektora firmy Aäton, który zaprosił go do przeprowadzki do Grenoble pod koniec 1973 roku. Godard nagle opuścił Paryż wraz z Anne-Marie Miéville i odtworzył swoje studio wideo w Grenoble, gdzie założył nową firmę produkcyjną o nazwie Sonimage. Sprowadził do Grenoble Gérarda Teissèdre’a, specjalistę w dziedzinie wideo, fotografii i automatyki, aby założył i rozwinął studio wideo.

Anne-Marie Miéville i Jean-Luc Godard wykorzystali materiał nakręcony w Palestynie do filmu Jusqu’à la victoire w 1970 roku i poddali go krytycznej analizie, aby stworzyć nowy film: Ici et ailleurs (1974). Godard i Miéville odkryli, że niektórzy palestyńscy bojownicy bali się izraelskiej armii i nie mieli zaufania do swoich przywódców. Film wszedł na ekrany 15 września 1976 roku przy względnej obojętności, ale później wywołał skandal ze względu na radykalne nastawienie pro-palestyńskie i montaż między zdjęciem Goldy Meir, premier Izraela w latach 1969-1974, a zdjęciem Adolfa Hitlera.

Producent Georges de Beauregard poprosił wówczas Godarda o nakręcenie remake’u Bez tchu. Godard odmówił i nakręcił film zatytułowany Numéro deux, w którym pokazał codzienne życie trzech pokoleń: młodej pary, dwójki ich dzieci i ich rodziców w Grenoble. Film, wydany w Paryżu we wrześniu 1974 roku, okazał się komercyjną porażką, ale po raz kolejny podzielił krytyków, podobnie jak to miało miejsce w przypadku Pierrot le Fou. Szczególną cechą techniczną tego filmu było to, że został nakręcony na wideo, a następnie przeniesiony na srebrną taśmę.

W czerwcu 1976 roku Institut National de l’Audiovisuel zlecił mu nakręcenie serii sześciu jednogodzinnych filmów dla francuskiego kanału telewizyjnego FR3, które miały zostać wyprodukowane w bardzo krótkim czasie dwóch miesięcy. Godard od dłuższego czasu myślał o produkcji telewizyjnej i był zachwycony, że w końcu nadarzyła się taka okazja. Seria, zatytułowana Six fois deux

W 1976 r., mając dość życia w Grenoble, zlecił opróżnienie pomieszczeń Sonimage bez informowania o tym pracowników. Sonimage został później skazany za te czyny. Wiosną 1977 roku Godard przeprowadził się ze swoją partnerką Anne-Marie Miéville do Rolle w Szwajcarii, niedaleko miasta Nyon, gdzie spędził dzieciństwo. Aby uczcić stulecie publikacji Le Tour de la France par deux enfants, francuski kanał telewizyjny Antenne 2 chciał stworzyć telewizyjną adaptację tej historii w formie serii dwunastu 26-minutowych odcinków i ostatecznie zlecił to Godardowi. Ten, jak zwykle, odwrócił pierwotne zamówienie i wyprodukował serial zatytułowany France tour détour deux enfants, w którym sfilmował codzienne życie dwójki dzieci we współczesnej Francji. Antenne 2 straciło zainteresowanie serialem i nie wyemitowało go aż do kwietnia 1980 roku.

Powrót do kina (1980-1988)

Po latach wideo Jean-Luc Godard próbował powrócić do klasycznego obiegu kina. W maju 1979 roku skontaktował się z Jean-Paulem Belmondo, który kupił prawa do adaptacji biografii Jacquesa Mesrine’a, ale Belmondo nie ufał Godardowi i odmówił ponownej współpracy z nim, obawiając się, że jego film będzie zbyt eksperymentalny. Godard rozważał wtedy nakręcenie filmu w Stanach Zjednoczonych z Francisem Fordem Coppolą. Wraz ze scenarzystą Jean-Claude Carrière napisał scenariusz zatytułowany The Story, oparty na książce pisarza Henry’ego Sergga o gangsterze Bugsy Siegelu. Projekt utknął w martwym punkcie i Godard ostatecznie go porzucił, zwłaszcza po tym, jak Diane Keaton odmówiła zagrania w filmie.

Godard ostatecznie powrócił do kina filmem Sauve qui peut (la vie) (1980). Film zapoczątkował nowy okres w jego twórczości, z siedmioma pełnometrażowymi filmami w ciągu siedmiu lat. Przedstawiał trzy postacie w czterech oddzielnych epizodach. Godard, który był nieufny wobec pisanych scenariuszy, wprowadził innowację, wysyłając kasetę wideo do komisji CNC ds. zaliczek. Film został dobrze przyjęty przez publiczność (620 000 widzów), ale po raz kolejny podzielił krytyków. W magazynie Cinéma 80, Gérard Courant uznał Sauve qui peut (la vie) za „genialny film geniusza kina”.

Kolejny film, Pasja (1982), zrodził się z chęci nakręcenia zdjęć z muzą Rainera Wernera Fassbindera, Hanną Schygullą. Film pokazuje kręcenie filmu, w którym reżyser próbuje odtworzyć słynne obrazy, hotel, w którym zatrzymuje się ekipa filmowa z szefową (Hanna Schygulla) i jej mężem (Michel Piccoli), kierownikiem fabryki, oraz Isabelle (Isabelle Huppert), młodą pracownicą strajkującą w fabryce męża. Chociaż film został dobrze przyjęty przez krytyków, liczba widzów była znacznie niższa niż w przypadku poprzedniego filmu (207 000).

Następnie Godard nakręcił Prénom Carmen, adaptację Carmen przeniesioną do współczesnego świata, w której zastąpił kwartety smyczkowe Beethovena muzyką Georgesa Bizeta. Początkowo film miał być kręcony z Isabelle Adjani, ale opuściła ona plan po kilku dniach, ponieważ nie mogła znieść sposobu, w jaki Godard ją filmował. Zastąpiła ją Maruschka Detmers. Prénom Carmen był również pierwszym filmem, w którym Godard dał sobie główną rolę od czasu Vladimira i Rosy, a tym samym po raz pierwszy publiczność odkryła jego aktorstwo na ekranie. Film zdobył Złotego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1983 roku i był hitem wśród publiczności (395 000 widzów).

Na planie Pasji Godard poznał Myriem Roussel, młodą aktorkę, z którą stał się bliski i z którą planował kilka projektów filmowych, w tym Dora et Freud, film o relacji między Zygmuntem Freudem a jego pierwszą pacjentką, oraz L’Homme de ma vie, film o kazirodztwie. Godard dał jej ważną rolę w Prénom Carmen, ale dopiero Je vous salue, Marie (1985) zaowocował ich współpracą. Powraca on do historii Marii, opierając się na książce Françoise Dolto i Gérarda Sévérina L’Évangile au risque de la psychanalyse i przenosząc ją do współczesnego świata. W tym samym czasie Anne-Marie Miéville nakręciła własny film na ten sam temat, zatytułowany Le Livre de Marie, który został zaprezentowany jako przedmowa do filmu Godarda. Film Godarda wywołał ogromny skandal i oburzenie wśród katolików, początkowo we Francji, ale także w Ameryce Łacińskiej. Po raz kolejny film przyciągnął 350 000 widzów we Francji.

Aby ukończyć Je vous salue, Marie, którego kręcenie trwało dłużej niż oczekiwano, Godard podjął się nakręcenia Détective, który został przedstawiony jako thriller Godarda. Do tego filmu, nakręconego z inicjatywy producenta Alaina Sarde’a, Godard zaprosił Johnny’ego Hallydaya, Nathalie Baye, Claude’a Brasseura, Jean-Pierre’a Léauda, Alaina Cuny’ego i Laurenta Terzieffa. Film, nakręcony we wrześniu 1984 roku, został zaprezentowany na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1985 roku. Film spotkał się z chłodnym przyjęciem prasy, ale po raz kolejny odniósł sukces kasowy (380 000 sprzedanych biletów we Francji).

W lutym 1986 roku nakręcił Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma dla telewizji z Jean-Pierre Mocky w roli producenta i Jean-Pierre Léaud w roli reżysera. Następnie nakręcił Soigne ta droite, komedię slapstickową z udziałem Jacquesa Villereta, Dominique Lavanant, Michela Galabru i Les Rita Mitsouko, w której gra siebie w slapstickowej roli filmowca-idioty. Film, wydany w grudniu 1987 roku, przyciągnął tylko 130 000 widzów we Francji. W 1985 roku podpisał kontrakt z producentem Menahem Golanem na wyreżyserowanie adaptacji Króla Leara Williama Szekspira w Stanach Zjednoczonych. Projekt okazał się jednak trudny do zrealizowania. Godard poprosił amerykańskiego pisarza Normana Mailera o scenariusz, który następnie odrzucił. Ostatecznie nakręcił film w lutym 1987 roku nad brzegiem Jeziora Genewskiego z Peterem Sellarsem, Burgessem Meredithem, Molly Ringwald, Julie Delpy i Leosem Caraxem i zaprezentował go na Festiwalu Filmowym w Cannes w tym samym roku. Producent był zgorszony pracą Godarda, a w szczególności faktem, że Godard wykorzystał w filmie ich prywatne rozmowy. Film nie został pokazany we Francji i był wyświetlany tylko przez pięć dni w Stanach Zjednoczonych. Dystrybuowany we Francji w 2002 roku, sprzedał tylko 9000 biletów.

Historia kina (1988-2000)

W latach 1988-1998 realizował Histoire(s) du cinéma, obszerny filozoficzno-estetyczny fresk złożony z kolaży i cytatów w stylu Musée imaginaire André Malraux. Z tej serii ośmiu programów opublikował wersję ilustrowaną fotogramami z Gallimard. Projekt został ukończony w 1998 roku. W swojej Histoire(s) du cinéma Godard używa kina jako środka myślenia. W wywiadzie udzielonym Les Inrockuptibles w 1998 roku wyjaśnił: „Stworzyłem echografię historii poprzez kino. Dzięki swojemu materiałowi, który jest jednocześnie czasem, projekcją i pamięcią, kino może zrobić USG historii, robiąc własne USG. I dać mgliste pojęcie o czasie i historii czasu. Ponieważ kino jest o przemijaniu czasu. Gdybyśmy użyli środków kina – do czego zostało stworzone – uzyskalibyśmy pewien sposób myślenia, który pozwoliłby nam widzieć rzeczy. Ten filmowy esej porusza złożone kwestie praw autorskich. Godard wykorzystuje fragmenty filmów, aby umieścić je w swojej Histoire(s) du cinéma, ale w kinie nie ma prawa do cytowania, jak ma to miejsce w literaturze, co utrudnia wydanie filmu.

Równolegle do pracy nad Histoire(s) du cinéma, Godard kontynuował kręcenie filmów. Wyreżyserował Nouvelle Vague (1990) z Alainem Delonem. Film opowiada historię mężczyzny, który zostaje porzucony przez żonę podczas utonięcia, a następnie odnajduje ją, uwodzi i ratuje przed utonięciem, zanim ona go rozpozna. Film został zaprezentowany na Festiwalu Filmowym w Cannes w maju 1990 roku. Odniósł umiarkowany sukces kasowy (140 000 sprzedanych biletów we Francji). Następnie nakręcił Allemagne 90 neuf zéro ze swoim byłym asystentem Romainem Goupilem. Nakręcił również krótkie eseje, takie jak L’Enfance de l’art dla Unicef, Pour Thomas Wainggai dla Amnesty International i (Parisienne People) s, reklamę wyprodukowaną z Anne-Marie Miéville dla marki papierosów Parisienne, a następnie bardziej ambitny film Les Enfants jouent à la Russie (en).

Nakręcił Hélas pour moi (1993) z aktorem Gérardem Depardieu. Film nie odniósł wielkiego sukcesu (80 000 sprzedanych biletów we Francji). Następnie nakręcił autoportret dla Gaumont zatytułowany JLG

W 1996 roku wyreżyserował film For Ever Mozart. Film sprzedał 56 000 biletów w całej Unii Europejskiej. Sam Godard ocenił film dość surowo: uważał, że aktorzy nie byli wystarczająco dobrzy, a film pozostał zbyt teoretyczny.

Anne-Marie Miéville obsadziła go w Nous sommes tous encore ici (1996), zastępując innego aktora, który wycofał się w ostatniej chwili, a następnie ponownie w Après la réconciliation (1999).

2000s

Projekt Éloge de l’amour narodził się w 1996 roku, ale okres ciąży filmu był szczególnie długi i Godard przerobił scenariusz co najmniej cztery razy. Zdjęcia również zajęły dużo czasu, rozciągając się na cały 1999 rok, a montaż zajął kolejne piętnaście miesięcy. Wydany w 2001 roku film spotkał się ze stosunkowo chłodnym przyjęciem krytyków i odniósł niewielki sukces wśród publiczności (75 000 widzów we Francji).

Następnie Godard wyreżyserował Notre musique. Wydany w 2004 roku film został słabo przyjęty przez publiczność (28 000 widzów we Francji).

W 2006 roku Dominique Païni dał Jean-Luc Godardowi carte blanche na zorganizowanie wystawy w Centre Georges-Pompidou, początkowo zatytułowanej Collage(s) de France. Archeologia kina. Zaproponował projekt, który okazał się niewykonalny finansowo, a wystawa została zaprezentowana publiczności pod niedokończonym tytułem Voyage(s) en utopie. W poszukiwaniu utraconego twierdzenia. JLG 1945-2005.

To doświadczenie niemożliwej wystawy było punktem wyjścia dla filmu Alaina Fleischera o Jean-Lucu Godardzie, Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard. Film pokazuje Godarda przy pracy w Rolle, spotkania ze studentami Fresnoy i dyskusje z Jean-Marie Straubem, Danièle Huillet, Nicole Brenez, Dominique Païni, Jean-Michelem Frodonem, Jeanem Douchetem, Jeanem Narboni i André S. Labarthe.

W 2008 roku wyreżyserował zwiastun wiedeńskiego festiwalu filmowego zatytułowany Une catastrophe. W 2010 roku, po śmierci Érica Rohmera, Godard nakręcił 3 min 26 sek. film w hołdzie. W filmie wykorzystano tytuły artykułów Rohmera z lat 50-tych, podczas gdy Godard wspomina wspólne wspomnienia w lektorze.

Rok 2010

W 2010 roku Godard wyreżyserował Film Socialisme. Film został wybrany na Festiwal Filmowy w Cannes w 2010 roku w sekcji „Un certain regard”. Przed pokazem swojego filmu opublikował jego skondensowane wersje w Internecie, pokazując wszystkie obrazy filmu w przyspieszonej formie. Film, który składa się z serii sklejonych ze sobą szkiców, obejrzało 38 000 osób we wszystkich krajach Unii Europejskiej.

W listopadzie 2010 roku Jean-Luc Godard otrzymał honorowego Oscara za całokształt twórczości. Odbierając nagrodę w listopadzie 2010 roku, scenarzysta Phil Alden Robinson powiedział: „Godard zmienił sposób, w jaki piszemy, reżyserujemy, kręcimy i montujemy. On nie tylko łamał zasady. Zmiażdżył je w samochodzie, a następnie przejechał po nich tyłem, aby upewnić się, że są martwe.

Ceremonia rozdania Oscarów ponownie wywołała oskarżenia o antysemityzm, które padały pod adresem Godarda od lat 70-tych. Kontrowersje ponownie rozgorzały w Stanach Zjednoczonych 6 października 2010 r., kiedy Jewish Journal of Greater Los Angeles opublikował nagłówek „Czy Jean-Luc Godard jest antysemitą? W tym samym czasie Alain Fleischer zajął się tą kwestią w książce zatytułowanej Réponse du muet au parlant (Odpowiedź od filmu niemego do filmu mówiącego), podkreślając kilka niepokojących komentarzy na ten temat. Daniel Cohn-Bendit w Le Monde i Antoine de Baecque na stronie Rue89 uznali, że antysyjonizm Godarda nie może być utożsamiany z antysemityzmem. Oskarżenie o antysemityzm podważa również pisarz Maurice Darmon w książce zatytułowanej La Question juive de Jean-Luc Godard.

Po filmie Socialisme Jean-Luc Godard eksperymentował z kinem 3D. Nakręcił film krótkometrażowy Les Trois Désastres, zaprezentowany podczas Tygodnia Krytyki na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2013 roku jako część wspólnego tryptyku z Peterem Greenawayem i Edgarem Pêrą zatytułowanego 3x3D, oraz film pełnometrażowy Adieu au langage, zakwalifikowany do konkursu na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2014 roku. Godard nie pojechał do Cannes, aby zaprezentować swój film, ale wysłał „filmowy list do Gillesa Jacoba i Thierry’ego Frémaux”, ośmiominutowy film krótkometrażowy, aby wyjaśnić swój gest. Pomimo jego pragnienia, aby nie otrzymywać żadnych nagród, jury przyznało mu pierwszą nagrodę w Cannes po ośmiu selekcjach: Nagrodę Jury.

Na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2018 roku zaprezentował Le Livre d’image, eksperymentalny film poświęcony w dużej mierze światu arabskiemu, cytując obszernie z Une ambition dans le désert Alberta Cossery’ego. Reżyser nie przyjechał do Cannes, lecz zorganizował konferencję prasową za pośrednictwem wideokonferencji. Tym razem otrzymał za film „specjalną” Złotą Palmę. Jean-Michel Frodon opisuje go jako „wspaniałą podróż przez obrazy, dźwięki i wydarzenia, (która) buduje refleksję skupioną na historii Bliskiego Wschodu, aby przeformułować sporne kwestie w rewolucyjne aspiracje na przyszłość”.

W październiku 2019 roku trafił na pierwszą stronę Cahiers du Cinéma z cygarem w ustach. W długim wywiadzie ze Stéphane Delorme i Joachimem Lepastierem filmowiec opowiada o swoim życiu i najnowszym filmie Le Livre d’image.

Od 2002 roku reżyser Fabrice Aragno współpracował z Jean-Luc Godardem przy jego ostatnich filmach, stając się jego najbardziej zaufanym powiernikiem aż do jego śmierci.

Jean-Luc Godard zmarł 13 września 2022 roku w wieku 91 lat. Reżyser uciekł się do wspomaganego samobójstwa z powodu wyniszczających polipatologii, praktyki, która jest legalna i regulowana w Szwajcarii. Jego ciało zostało skremowane 15 września, a prochy zostały przekazane wdowie po nim.

Papiery wartościowe

Godard zazwyczaj wybiera tytuł swojego kolejnego filmu, zanim jeszcze wie, jaki on będzie. W wywiadzie udzielonym Serge’owi Kagańskiemu w 2004 roku wyjaśnił: „Tytuł zawsze jest pierwszy. Jedyny tytuł, jaki wymyśliłem po filmie, to „Bez tchu” i wcale mi się nie podobał. W przypadku następnego filmu miałem pomysł na tytuł, Mały żołnierz, jeszcze zanim wiedziałem, jaki będzie film. Tytuły stały się artystycznymi drogowskazami. Tytuł mówi mi, w którym kierunku powinienem patrzeć.

Godard i sztuka cytatu

Filmy Godarda są pełne cytatów, czy to obrazowych, muzycznych, literackich, filozoficznych, historycznych czy kinematograficznych. Na konferencji prasowej, którą wygłosił na festiwalu w Cannes w 1990 roku, w czasie premiery Nouvelle Vague, Godard zdefiniował siebie jako „świadomego organizatora filmu”, a nie autora, i wyjaśnił swój związek z cytatami: „Dla mnie wszystkie cytaty – czy to obrazowe, muzyczne czy literackie – należą do ludzkości. Jestem po prostu facetem, który pewnego dnia łączy Raymonda Chandlera i Fedora Dostojewskiego w restauracji, z małymi i dużymi aktorami. To wszystko.

Elementy autobiograficzne

Jean-Luc Godard nie tworzy filmów autobiograficznych. Niemniej jednak niektóre z jego filmów zawierają elementy autobiografii. Na przykład w À bout de souffle scena, w której Michel Poiccard kradnie pieniądze swojej przyjaciółce Liliane podczas ubierania się, przypomina nawyk młodego Jean-Luca Godarda do kradzieży pieniędzy od bliskich mu osób. W Le Petit Soldat widzimy młodzieńca biegłego w politycznych prowokacjach, wymyślnych samochodach i obsesyjnym flirtowaniu, prawdopodobnie dość podobnego do środowiska, w którym Godard bywał w Genewie w 1953 i 1954 roku. W Prénom Carmen sam Godard wciela się w postać wujka Jeana, filmowca umieszczonego w szpitalu psychiatrycznym. Sam Godard spędził czas w szpitalu psychiatrycznym w 1953 roku, internowany na prośbę ojca, aby uciec z więzienia po napadzie.

Konstrukcja filmu

Godard wyjaśnia: „Mam tendencję do robienia filmów jak dwóch lub trzech muzyków jazzowych: dajesz sobie temat, grasz, a potem wszystko się łączy”. W różnym stopniu i w zależności od okresu, filmowiec zerwał z narracyjnym wymiarem klasycznego kina i z ideą postaci. Jednak jego wczesne filmy były pod wpływem filmów klasy B, thrillerów i filmów noir, które starał się przekroczyć poprzez krytyczne ponowne odczytanie gatunków, ze szkodą dla tradycyjnej narracji. Alphaville z kolei powraca do oczekiwania. Jego dzieło bawi się fałszywymi połączeniami i rozłącza obraz i dźwięk, które stają się dwoma bytami samymi w sobie. Co więcej, Godard bezkrytycznie miesza fikcję, dokument, wojowniczość, malarstwo, socjologię, muzykę i sztukę wideo. Niekoniecznie istnieje scenariusz, ani z góry ustalone dialogi, ale seria kolaży lub mozaika wizualnych fragmentów i rozproszonych notatek, zmontowanych zgodnie z plastikowymi i dźwiękowymi powiązaniami. W jego pracach znaczenie, jakie należy nadać obrazom, należy do widza: znaczenie rodzi się po wizji, a nie przed nią.

Montaż

Dla filozofa Gillesa Deleuze’a sztuka montażu Godarda opiera się na użyciu AND, tego, co pomiędzy, aby pokazać ziemię niczyją granic: „To, co się u niego liczy, to nie 2 czy 3, czy jakakolwiek ich liczba, to ET, koniunkcja ET”. Użycie AND przez Godarda jest kluczowe. Jest ważne, ponieważ nasze myślenie jest wzorowane na czasowniku być, EST. AND nie jest ani jednym, ani drugim, zawsze znajduje się pomiędzy nimi, jest granicą, do której dąży Godard: „zobaczyć granice”, innymi słowy, uczynić widzialnym to, co niedostrzegalne.

Gry mise en abyme w kinie

Kino bardzo często ingeruje w swoje filmy, bawiąc się mise en abyme. Przykładem może być Détective, gdzie widzimy filmującą kamerę JVC. W pewnym momencie odwraca się ona w stronę wujka (Terzieffa), w rzeczywistości odwracając się w stronę kamery, która ją filmuje, tworząc efekt mise en abyme podobny do tego z początku Le Mépris.

Filmowiec często odnosi się również do sprzętu wideo: neonu AGFA w Détective, VHS i sklepu wideo w Hélas pour moi…

Mise en abyme jest bardzo obecne poprzez działania bohaterów, którzy :

Czasami pojawiają się plakaty z innych filmów. Przykłady: w Éloge de l’amour widzimy plakat Matrixa. W Le Mépris i 2 lub 3 choses widzimy plakat Vivre sa vie.

Odniesienia do scen filmowych

Odniesienia do reżyserów: wysoce referencyjne kino Godarda jest pełne hołdów dla jego rówieśników, a wymienianie ich wszystkich byłoby nużące. Kilka przykładów: w Le Petit soldat Anna Karina gra postać Veroniki Dreyer, co wydaje się być hołdem dla jednego z ulubionych reżyserów Godarda, Dreyera. W Vivre sa vie jest przytłoczona twarzą Falconetti, Joanny d’Arc Dreyera. Fritz Lang gra samego siebie w Le Mépris, co jest hołdem Godarda dla jednego z jego mistrzów. Ogólnie rzecz biorąc, w dziełach Godarda prawie zawsze pojawia się reżyser in abyme: w Le Mépris jest to Lang, w Pierrot le Fou jest to Fuller, w La Chinoise jest to on sam, w Tout va bien jest to Montand, w Sauve qui peut (la vie) jest to Dutronc, w Passion jest to Djerzy, w Prénom Carmen jest to on, w Soigne ta droite, King Lear i Notre musique również.

Odniesienia do malarstwa

Twórczość Godarda zawiera liczne odniesienia do malarstwa:

Wzajemne oddziaływanie między filmami Godarda

Kinematografia Godarda ma silny wymiar autoreferencyjny, jego filmy odnoszą się do siebie nawzajem:

Jean-Luc Godard wypowiadał się przeciwko walkom byków, bronił Romana Polańskiego, gdy ten został aresztowany w 2009 roku i sprzeciwiał się ustawie Hadopi.

Począwszy od lat 70. Jean-Luc Godard demonstrował swoje poparcie dla sprawy palestyńskiej i antyizraelskie poglądy, zwłaszcza w filmach takich jak Ici et ailleurs i Notre musique, co doprowadziło do oskarżenia go o antysemityzm. Pierwsze kontrowersje pojawiły się w 1974 roku, gdy nałożył na siebie wizerunek Adolfa Hitlera z wizerunkiem izraelskiej premier Goldy Meïr, skrytykował Biblię jako „zbyt totalitarny tekst” i wyciągnął obraźliwe, jego zdaniem, powiązania między ludobójstwem Żydów a konfliktem izraelsko-palestyńskim. W kolejnych latach wygłaszał inne polemiczne komentarze na temat narodu żydowskiego i Izraelczyków, w szczególności porównując Żydów do nazistów w filmie z 1970 roku o konflikcie izraelsko-palestyńskim: „Żydzi robią Arabom to, co naziści zrobili Żydom”. Jednak Jean-Luc Godard powiedział również, że był zszokowany antysemityzmem swojego dziadka ze strony matki i czuł się winny z powodu Shoah. Dla jego biografa Antoine de Baecque: „Stanowisko Godarda nie jest antysemickie. Jest w nim oczywisty antysyjonizm, zrodzony w 1967 roku, po wojnie sześciodniowej, kiedy wizerunek Izraela został wywrócony do góry nogami. Ta propalestyńska postawa, która była stosunkowo powszechna w latach siedemdziesiątych, dziś obraża naszą wrażliwość. Kwestia żydowska powraca, ale jest to raczej kwestia antysyjonizmu”. W 2009 roku Alain Fleischer oskarżył Jeana-Luca Godarda o wygłaszanie antysemickich uwag podczas kręcenia swojego filmu. W 2010 r. The Daily Beast i amerykańscy Żydzi skrytykowali przyznanie honorowego Oscara Jean-Lucowi Godardowi i zaprotestowali przeciwko nagrodzie, powołując się na jego „antyżydowskie” poglądy. W maju 2018 roku podpisał petycję o bojkot sezonu Francja-Izrael Instytutu Francuskiego, który według sygnatariuszy miał promować wizerunek Izraela.

Od czasu Bez tchu Godard wciąż dzieli krytyków. Przez jednych jest uwielbiany, przez innych znienawidzony.

Z okazji premiery Deux ou trois choses que je sais d’elle, François Truffaut, współproducent filmu, uzasadnia swój udział:

„Jean-Luc Godard nie jest jedynym filmowcem, który oddycha, ale oddycha najlepiej. Jest szybki jak Rossellini, złośliwy jak Sacha Guitry, muzykalny jak Orson Welles, prosty jak Pagnol, zraniony jak Nicholas Ray, skuteczny jak Hitchcock, głęboki, głęboki, głęboki jak Ingmar Bergman i bezczelny jak nikt inny”.

W tym samym tekście nie waha się porównać Godarda do Picassa, co później uczyni Olivier Assayas:

„Mijające lata utwierdzają nas w przekonaniu, że Bez tchu będzie decydującym punktem zwrotnym w historii kina, tak jak Obywatel Kane w 1940 roku. Godard zburzył system, narobił bałaganu w kinie, tak jak Picasso w malarstwie, i tak jak Picasso uczynił wszystko możliwym…”.

Niektórzy filmowcy potępiają niektóre dzieła Godarda. Costa-Gavras, na przykład, mówi, że nie jest zainteresowany tak zwanym okresem komunistycznym, który uważa za „nic innego jak lewicowe filmy”.

Jean-Luc Godard pozostaje kontrowersyjnym filmowcem. Niektórzy nienawidzą jego twórczości. Na przykład amerykański powieściopisarz Philip Roth uważa, że twórczość Godarda jest nie do zniesienia: „Z wyjątkiem Bez tchu, który miał niekwestionowane znaczenie, jego twórczość wydaje mi się nie do zniesienia”.

Jacques Lourcelles, w swoim Dictionnaire des films, jest szczególnie krytyczny wobec twórczości Godarda, który jego zdaniem „poświęcił się przedstawieniu, nie bez samozadowolenia, umysłowego zamieszania swojego pokolenia, dostarczając wystarczającej ilości materiału na dziesiątki filmów”. Krytykował również jego i innych filmowców Nowej Fali za arogancję ich komentarzy: „Nikt przed nimi nie odważył się powiedzieć tyle dobrego o sobie i tyle złego o innych”, cytując Godarda: „Między jednym z naszych filmów a filmem Verneuila, Delannoya, Duviviera i Carné istnieje naprawdę różnica w rodzaju.

Woody Allen, który filmował z Godardem w 1987 roku w Królu Learze, z niepokojem komentuje swoje doświadczenie: „Bardzo dobrze gra francuskiego intelektualistę, z pewną niejasnością. Kiedy przyjechałem na plan, miał na sobie piżamę – górę i dół – szlafrok i kapcie, i palił duże cygaro. Miałem dziwne wrażenie, że reżyseruje mnie Rufus T. Firefly. Firefly”. Firefly to imię postaci granej przez Groucho Marxa w Kaczej zupie.

Według niektórych źródeł, Yves Montand powiedział, że Godard był „najgłupszym ze szwajcarskich maoistów”. Christophe Bourseiller wspomina, że fraza „Godard: le plus con des Suisses prochinois” („Godard: najgłupszy ze szwajcarskich zwolenników”) to graffiti, które pojawiło się na murach Paryża w maju 68 roku z inicjatywy Międzynarodówki Sytuacjonistycznej.

Kościół katolicki oskarżył Godarda o herezję po premierze jego filmu Je vous salue, Marie (1985).

W 1987 roku jego interpretacja Króla Leara Williama Szekspira została skrytykowana przez Shakespeare Bulletin, który określił ją jako „bardzo złą”.

W połowie lat 60. kilku młodych filmowców było pod bezpośrednim wpływem Godarda. Należeli do nich Jean Eustache, którego średniometrażowy film Le Père Noël a les yeux bleus (1966) został częściowo sfinansowany przez Godarda, Jean-Michel Barjol, Francis Leroi, Luc Moullet, Romain Goupil i Philippe Garrel. Godard szczególnie lubił twórczość Garrela i był pod wielkim wrażeniem filmów, które dwudziestoletni wówczas Garrel nakręcił w maju 68 roku.

Jednocześnie Godard wywarł również wpływ na pokolenie amerykańskich filmowców urodzonych w latach 40. XX wieku, w tym Petera Bogdanovicha, Paula Schradera, Monte Hellmana, Martina Scorsese, George’a Lucasa, Francisa Forda Coppolę i Briana De Palmę. Jest też Quentin Tarantino, którego firma producencka „A Band Apart” została nazwana na cześć filmu Godarda.

Marie Cardinal opisuje okres poprzedzający nakręcenie Deux ou trois choses que je sais d’elle w swojej książce Cet été-là, napisanej w 1967 r. Drugie wydanie (jedyne dostępne), opublikowane przez Nouvelles Éditions Oswald w 1979 r., zawiera dwa dodatki: „Examen du film dans son état actuel” i „Choses à filmer”.

Jego była żona Anne Wiazemsky opowiada o ich wspólnym życiu z Jean-Luc Godardem w dwóch historiach, Une année studieuse (2012) i Un an après (2015).

W 2016 roku wystąpił w filmie dokumentalnym Jeana-Baptiste’a Thoreta En Ligne de mire, comment filmer la guerre (Canal+).

W 2017 roku reżyser Michel Hazanavicius zaadaptował książkę Anne Wiazemsky Un an après na film zatytułowany Le Redoutable. W rolę Jean-Luca Godarda wcielił się Louis Garrel. W rolę Anne Wiazemsky wcieliła się Stacy Martin.

Francuski box office

Wielokrotnie nagradzany, najbardziej znany jest z dziewięciu filmów w oficjalnej selekcji festiwalu w Cannes, sześciu filmów w konkursie o Złotego Lwa na festiwalu w Wenecji oraz licznych występów na Berlinale. To właśnie dzięki różnorodności i oryginalności jego filmów selekcjonerzy często zwracają na niego uwagę.

W 1981 roku Jean-Luc Godard został nominowany do Ordre National du Mérite, ale odmówił. Oświadczył: „Nie lubię otrzymywać orderów i nie mam żadnych zasług”.

Linki zewnętrzne

Źródła

1. Jean-Luc Godard
2. Jean-Luc Godard
3. Par la famille de sa mère, Jean-Luc Godard est le neveu de Théodore Monod et le cousin de Jérôme Monod[6].
4. Anne Wiazemsky raconte sa rencontre avec Jean-Luc Godard sur le tournage de Au hasard Balthazar dans Jeune Fille (2007) et leur vie commune dans Une année studieuse (2012).
5. ^ a b c Grant 2007, Vol. 3, p. 235.
6. ^ a b c Ankeny, Jason. „Biography”. AllMovie. Archived from the original on 2 August 2020. Retrieved 18 May 2020.
7. ^ „’Godard shattered cinema’: Martin Scorsese, Mike Leigh, Abel Ferrara, Claire Denis and more pay tribute”. The Guardian. 14 September 2022. Retrieved 22 September 2022.
8. 1 2 Jean-Luc Godard // Encyclopædia Britannica (англ.)
9. 1 2 Jean-Luc Godard // filmportal.de — 2005.
10. 1 2 https://www.liberation.fr/culture/cinema/mort-de-jean-luc-godard-histoire-du-cinema-20220913_4CZHL3TCIZELDKSELOABOVFREM/
11. 1 2 Pulver A. Jean-Luc Godard, giant of the French new wave, dies at 91 (брит. англ.) — United Kingdom: Guardian Media Group, 2022. — 107899 экз. — ISSN 0261-3077
12. 1 2 https://www.swissinfo.ch/fre/le-cinéaste-jean-luc-godard-est-décédé-à-l-âge-de-91-ans/47896180
13. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Critics’ Top Ten Directors. 23. Juni 2011, archiviert vom Original am 23. Juni 2011; abgerufen am 2. Dezember 2020.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/www.bfi.org.uk
14. Jean-Luc Godard: a beginner’s guide. 2. Dezember 2015, abgerufen am 2. Dezember 2020 (englisch).