Joan Crawford

Alex Rover | junio 28, 2023

Resumen

Joan Crawford (San Antonio, 23 de marzo de 1904 – Nueva York, 10 de mayo de 1977) fue una actriz estadounidense. Comenzó como bailarina en compañías de teatro ambulantes antes de debutar en Broadway. En 1925, Crawford firmó un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer. Al principio frustrada por el tamaño y la calidad de sus papeles, Crawford inició una campaña de autopublicidad y se dio a conocer a nivel nacional como mujer meliflua a finales de la década de 1920. En la década de 1930, la fama de Crawford rivalizaba con la de sus colegas de la MGM Greta Garbo y Norma Shearer, con las que protagonizó las películas «Grand Hotel» y «The Women» respectivamente. Crawford solía interpretar a jóvenes trabajadoras que encuentran el romance y el éxito financiero. Estas historias «de la pobreza a la riqueza» fueron bien recibidas por el público en la época de la Gran Depresión y gozaron de gran popularidad entre las mujeres. Crawford se convirtió en una de las estrellas de cine más destacadas de Hollywood y en una de las mujeres mejor pagadas de Estados Unidos, pero sus películas empezaron a perder dinero y a finales de los años 30 fue tachada de «veneno para la taquilla».

Su carrera mejoró gradualmente a principios de la década de 1940, culminando en un gran regreso en 1945 con su papel protagonista en el drama «Alma en pena», por el que recibió un Oscar a la Mejor Actriz. Sería nominada en dos ocasiones más, por «Hoguera de pasiones» (1947) y «Precipicios del alma» (1952). Crawford siguió actuando en las décadas siguientes, logrando un gran rendimiento en taquilla con la película de suspense «¿Qué fue de Baby Jane?» (1962), que protagonizó junto a su rival Bette Davis. A pesar del éxito de la película, sus papeles posteriores se limitaron a películas de suspense de serie B y episodios de programas de televisión.

En 1955, entró a formar parte de Pepsi-Cola Company al casarse con el entonces presidente de la empresa, Alfred Steele. Tras su muerte en 1959, Crawford fue elegida para ocupar su vacante en el consejo de administración de la empresa, convirtiéndose en una de las primeras mujeres en ocupar el cargo de consejera delegada en Estados Unidos. Se vio obligada a retirarse en 1973, tras la elección de su rival Don Kendall como presidente de la empresa. Durante este tiempo, Crawford se convirtió en una especie de imagen informal de la empresa, viajando por todo el mundo para inaugurar fábricas de refrescos, apareciendo en los anuncios de televisión de la marca e insistiendo a los directores de sus películas para que insertaran el producto en ellas.

Tras el estreno de la película británica de terror «Trog, el monstruo de las cavernas» en 1970, Crawford decidió retirarse de la pantalla, aunque aún apareció en un episodio de la serie de televisión «El sexto sentido» en 1972. Tras una aparición pública en 1974, en la que se publicaron fotos que disgustaron a la actriz en los periódicos, Crawford decidió retirarse definitivamente de la vida pública y se recluyó cada vez más. En aquel momento, sumaba casi cinco décadas de vida pública, en un periodo que abarcaba desde el cine mudo hasta la llegada de la televisión. Fallecería casi tres años después de un ataque al corazón, y fue enterrada en el cementerio de Ferncliff.

Crawford se casó cuatro veces. Sus tres primeros matrimonios acabaron en divorcio; el último terminó con la muerte de su marido Alfred Steele. Adoptó a cinco hijos, uno de los cuales fue devuelto a su madre biológica tras ser reclamado por ella. La relación de Crawford con sus dos hijos mayores, Christina y Christopher, era amarga. Crawford renegó de ellos y, tras su muerte, Christina escribió unas famosas memorias, «Mommy Dearest», en las que relata los supuestos abusos de los que ella y su hermano habrían sido víctimas. Las hijas menores de la actriz, Cathy y Cindy, niegan los abusos. Los relatos de Christina reavivaron el interés por Crawford, dando lugar a una película sobre la actriz que la transformó en un icono de la cultura camp, venerada por las nuevas generaciones.

Crawford nació como Lucille Fay LeSueur en San Antonio, Texas, el 23 de marzo; el año de su nacimiento es objeto de desacuerdo. 1904, 1905 y 1906 son las estimaciones más probables. Era la tercera hija de Thomas E. LeSueur (1867-1938), lavandero, y Anna Bell Johnson (1884-1958). Johnson tenía ascendencia inglesa, francesa-hugonote, sueca e irlandesa. Sus hermanos mayores fueron Daisy LeSueur, nacida en 1902 y fallecida antes de que naciera Lucille, y el también actor Hal LeSueur (fallecido el 3 de mayo de 1963).

El padre de Crawford abandonó a la familia unos meses antes de su nacimiento, reapareciendo más tarde en Abilene en 1930, momento en el que trabajaba en la construcción de edificios. Después de que LeSueur abandonara a la familia, la madre de Crawford se casó con Henry J. Cassin (fallecido el 25 de octubre de 1922). Este matrimonio figura en los registros del censo como el primero de la madre de Crawford, lo que pone en duda que Thomas LeSueur y Anna Bell Johnson estuvieran legalmente casados. Crawford vivía con su padrastro, su madre y sus hermanos en Lawton, Oklahoma. Cassin era un pequeño empresario de la industria del entretenimiento y dirigía la Ópera de Ramsey, que consiguió traer a la ciudad a diversos y notables artistas como la bailarina Anna Pavlova y la cantante de vodevil Eva Tanguay. La joven Lucille no sabía que Cassin, al que llamaba «papá», no era su padre biológico hasta que su hermano Hal le contó la verdad. De niña Lucille prefería el apodo de «Billie» y le encantaba asistir a espectáculos de vodevil y actuar en el escenario del teatro de su padrastro. La inestabilidad de su vida familiar afectó a su educación y escolarización, y nunca pasó de la escuela primaria.

Desde niña, la ambición de Crawford había sido convertirse en bailarina. Sin embargo, un día, mientras intentaba escaparse de la clase de piano para jugar con sus amigos, saltó desde el porche de la casa y se hizo un profundo corte en el pie con una botella de leche rota. Como consecuencia, tuvo que someterse a tres operaciones reparadoras y no pudo bailar ni asistir a la escuela durante 18 meses. Finalmente se recuperó por completo y volvió a bailar.

Cuando la familia aún vivía en Lawson, Cassin fue acusado de malversación de fondos, y aunque fue absuelto en el juicio, se convirtió en persona non grata en Lawton, y la familia se trasladó a Kansas City, Missouri, alrededor del año 1916. Cassin, católica, matriculó a Crawford en la Academia St. Agnes de Kansas City. Tras la separación de su madre y su padrastro, permaneció en el internado como estudiante-trabajadora; sin embargo, pasaba mucho más tiempo trabajando, sobre todo cocinando para los demás estudiantes y limpiando las dependencias del colegio, que estudiando.

Más tarde asistió a la Academia Rockingham, también como estudiante-trabajadora. Mientras asistía a este internado, empezó a salir y tuvo su primera relación seria, con un trompetista llamado Ray Sterling, de quien se dice que la inspiró para desafiarse a sí misma académicamente.

En 1922, Lucille se matriculó en el Stephens College de Columbia, Missouri, dando como año de nacimiento 1906. Asistió a esa institución educativa sólo unos meses antes de abandonar la vida académica tras darse cuenta de que no estaba preparada para la universidad. Debido a la inestabilidad de su familia, la escolarización de Crawford nunca pasó del nivel elemental.

Carrera profesional

Bajo el nombre de Lucille LeSueur, Crawford empezó a bailar en los coros de varios espectáculos itinerantes y fue descubierta en Detroit, Michigan, por el famoso productor Jacob J. Shubert. Shubert la colocó en el coro de su espectáculo de 1924 «Innocent Eyes», representado en el Winter Garden Theatre de Broadway, en Nueva York. En una de sus actuaciones en la obra, Crawford conoció a un saxofonista llamado James Welton. Los dos supuestamente se casaron en 1924 y vivieron juntos durante varios meses, aunque esta supuesta unión nunca fue mencionada por Crawford después de la fama.

Crawford quería más trabajo y se puso en contacto con el publicista del Loews Theatre, Nils Granlund. Granlund le consiguió un papel en las actuaciones del cantante Harry Richmond y le organizó una prueba de cámara con el productor Harry Rapf en Hollywood. Aún hoy persisten los rumores de que Crawford habría complementado sus ingresos durante este periodo apareciendo en una o más películas porno, aunque la veracidad de este extremo es muy discutida.

Rapf informó a Granlund el 24 de diciembre de 1924 de que Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) había ofrecido a Crawford un contrato de 75 dólares a la semana. Granlund le envió inmediatamente un telegrama a ella -que había regresado a casa de su madre en Kansas City- con la noticia; ella pidió prestados 400 dólares para hacer el viaje. Salió de Kansas City el 26 de diciembre y llegó a Culver City, California, el 1 de enero de 1925.

Acreditada como Lucille LeSueur, su primera película fue «Lady of the Night», de 1925, donde actuó como doble de la estrella femenina más popular de MGM, Norma Shearer. También apareció en «The Circle» («The Other’s Wife») y «Pretty Ladies» («The Black Fly»), ambas también de 1925. Le siguieron papeles igualmente pequeños y sin acreditar en otros dos éxitos de 1925, «The Only Thing» y «The Merry Widow».

El jefe de publicidad de MGM, Pete Smith, reconoció su capacidad para convertirse en una gran estrella, pero consideró que su nombre sonaba falso; le dijo al jefe del estudio Louis B. Mayer que el apellido LeSueur sonaba a «cloaca» («sewer» en inglés). Smith organizó un concurso llamado «Name a Star» en la revista Movie Weekly para que el público eligiera el nuevo nombre artístico de Lucille. El nombre más votado fue «Joan Arden», pero tras descubrirse que ya había una actriz con ese nombre, se eligió el apellido alternativo «Crawford». Crawford declaró posteriormente que quería que su nombre de pila se pronunciara como «Jo-Anne» y que odiaba el apellido Crawford porque sonaba a «cangrejo de río», pero también admitió que le «gustaba la seguridad» que transmitía el nombre.

Al estrellato

Cada vez más frustrada por el tamaño y la calidad de los papeles que le ofrecían, Crawford se embarcó en una campaña de autopromoción. Frederica Sagor Maas, guionista de MGM, recuerda: «Nadie decidió convertir a Joan Crawford en una estrella. Joan Crawford se convirtió en estrella porque Joan Crawford decidió convertirse ella misma en estrella». Empezó a asistir a bailes por las tardes y noches en hoteles de Hollywood, donde a menudo ganaba concursos de baile con sus movimientos de charlestón y culo negro.

Su estrategia funcionó, y MGM le dio un papel en la primera película en la que llamó la atención del público: «Sally, Irene y Mary» («Sally, Irene y Mary»), de 1925, escrita y dirigida por Edmund Goulding. Al principio de su carrera, Crawford consideraba a Norma Shearer -la actriz más popular del estudio- su enemiga profesional. Shearer estaba casada con el jefe de producción de MGM, Irving Thalberg, por lo que podía elegir los guiones y tenía más control sobre las películas que ella haría o no. Se dice que Crawford dijo una vez: «¿Cómo puedo competir con Norma? Se acuesta con su jefe».

En 1926, Crawford fue nombrada una de las trece estrellas de cine en ascenso por la Western Film Advertisers Association, junto a Mary Astor, Dolores del Río, Janet Gaynor y Fay Wray, entre otras. Ese mismo año, protagonizó «París» junto a Charles Ray. En pocos años, Crawford se convirtió en la pareja romántica de las mayores estrellas masculinas de MGM, como Ramón Novarro, John Gilbert, William Haines y Tim McCoy.

Crawford apareció en «El desconocido» (Crawford, con un modesto traje, interpretó a su joven ayudante, con la que esperaba casarse. Afirmó que aprendió más sobre interpretación viendo el trabajo de Chaney que de cualquier otra persona en su carrera. «Fue entonces», afirmó, «cuando me di cuenta por primera vez de la diferencia entre estar delante de una cámara y actuar». También en 1927, apareció junto a su amigo William Haines en «Social Prestige», la primera de las tres películas que rodaron juntos.

En 1928, Crawford protagonizó junto a Ramón Novarro la película «Across to Singapore» («Al otro lado del corazón»), pero fue su papel de Diana Medford en «Modern Girls» (1928), el que la catapultó al estrellato. El papel la consagró como símbolo de la feminidad moderna de los años veinte, rivalizando con Clara Bow, la «it girl» original y la melindrosa más famosa de Hollywood en aquella época. Crawford protagonizó varios éxitos después de «Nuestras hijas bailarinas», incluidas otras dos películas de temática almibarada, en las que encarnó para su legión de fans (muchos de los cuales eran mujeres) una visión idealizada de la mujer estadounidense independiente y de espíritu libre.

En aquella época, el novelista F. Scott Fitzgerald escribió lo siguiente sobre Crawford:

«Joan Crawford es sin duda el mejor ejemplo de la melindrosa, la chica que se ve en los clubes nocturnos, vestida en el colmo de la sofisticación, jugando con copas heladas con una expresión remota y ligeramente amarga, bailando deliciosamente, riendo mucho con ojos anchos y sufrientes. Jóvenes con talento para vivir».

El 3 de junio de 1929, durante el rodaje de «Nuestras doncellas modernas» («Today’s Maidens»), la secuela de «Nuestras hijas bailarinas», Crawford se casó con su coprotagonista Douglas Fairbanks, Jr. en la iglesia de San Malaquías (conocida como la «Capilla de los Actores» por su proximidad a los teatros de Broadway) en Manhattan, aunque ninguno de los dos era católico. Fairbanks era hijo de Douglas Fairbanks e hijastro de Mary Pickford, considerados la familia real de Hollywood. Fairbanks y Pickford se opusieron a la unión y no invitaron a la pareja a su casa, la famosa mansión Pickfair, hasta ocho meses después de la boda.

La relación entre Crawford y el padre de Fairbanks mejoró gradualmente; ella le llamaba «tío Doug» y él la llamaba «Billie», su apodo de la infancia. Sin embargo, Pickford y ella seguían despreciándose. Tras una invitación inicial para frecuentar la mansión, Crawford y Fairbanks Jr. se convirtieron en invitados habituales. Mientras los hombres jugaban juntos al golf, Crawford era marginada por Pickford, que se retiraba a sus aposentos.

Para librarse de su acento tejano, Crawford practicó incansablemente la dicción y la elocución. Una vez dijo:

«Si iba a dar un discurso, sería una gran idea, pensaba, leérmelo en voz alta, escuchando atentamente la calidad y la enunciación de mi voz e intentando hablar de una determinada manera. Me gustaba encerrarme en mi habitación y leer periódicos, revistas y libros en voz alta. Llevaba un diccionario bajo el brazo. Cuando encontraba una palabra que no sabía pronunciar, la buscaba y la pronunciaba correctamente quince veces».

Transición al cine sonoro y éxito continuado

Tras el estreno de «El cantor de jazz» -el primer largometraje con sonido sincronizado- en 1927, el cine sonoro causó conmoción en Hollywood. La transición del cine mudo al sonoro provocó el pánico de muchos, si no todos, los actores de la industria cinematográfica; muchas estrellas del cine mudo se vieron incapaces de encontrar trabajo debido a sus voces poco atractivas y acentos difíciles de entender, o simplemente porque se negaban a hacer la transición al cine sonoro.

Algunos estudios y estrellas evitaron hacer la transición durante el mayor tiempo posible, en particular MGM, que fue el último estudio en hacerla. «The Hollywood Revue of 1929» fue una de las primeras películas habladas del estudio y su primer intento de mostrar al público la capacidad de transición de sus estrellas. Crawford formó parte de la docena de estrellas incluidas en la película; cantó la canción «Got a Feeling for You» durante el primer acto de la película. Estudió canto con Estelle Liebling, la profesora de canto de Beverly Sills, en los años veinte y treinta.

Crawford realizó con éxito la transición al cine sonoro. Su primer papel protagonista en un largometraje sonoro fue en Untamed («Los indomables»), de 1929, coprotagonizada por Robert Montgomery. A pesar del éxito de taquilla de la película, recibió críticas poco favorables por parte de la crítica, que señaló que Crawford parecía nerviosa por hacer la transición al cine mudo justo cuando se había convertido en una de las actrices más populares del mundo.

«Montana Moon» («Mujer… y nada más»), de 1930, una incómoda mezcla de western y musical, unió a la actriz con John Mack Brown y Ricardo Cortez. Aunque la película tuvo problemas con la censura, fue un gran éxito en el momento de su estreno. «Nuestras novias sonrojadas» (1930), también coprotagonizada por Robert Montgomery y Anita Page, fue el último capítulo de la trilogía iniciada con «Nuestras hijas bailarinas». Se convirtió en el mayor éxito -tanto de crítica como financiero- de las películas habladas de Crawford, y fue citada por la actriz como una de sus favoritas. Su siguiente película, «Paid» («La mujer que perdió su alma»), de 1930, la emparejó con Robert Armstrong y fue otro gran éxito de taquilla. Durante la era del cine sonoro, la MGM empezó a contratar a Crawford para papeles más sofisticados, en lugar de seguir promocionando su melosa imagen construida durante la época del cine mudo.

En 1931, MGM estrenó cinco películas protagonizadas por Crawford. Tres de ellas la emparejaron con la mayor estrella masculina del estudio, Clark Gable, apodado el «Rey de Hollywood». «Dance, Fools, Dance» («Cuando el mundo baila»), estrenada en febrero de 1931, fue su primera película juntos. Su segunda película, «Laughing Sinners» («Pecadores que ríen»), fue dirigida por Harry Beaumont y coprotagonizada por Neil Hamilton, y se estrenó en mayo de ese año. «Possessed» («Poseídos»), la tercera película, fue dirigida por Clarence Brown y se estrenó en octubre. Estas películas fueron populares entre el público y bien recibidas por la crítica, elevando a Crawford a la categoría de principal estrella femenina de MGM a principios de la década de 1930, junto con Norma Shearer, Greta Garbo y Jean Harlow. Su otra película destacada de 1931 fue «This Modern Age» («En este siglo XX»), estrenada en octubre, que a pesar de las críticas desfavorables, tuvo éxito de público.

Luego, en 1932, MGM la puso en la película «Grand Hotel», dirigida por Edmund Goulding. Crawford compartía cartel con Greta Garbo, Wallace Beery y John y Lionel Barrymore, entre otros. Su nombre aparecía en tercer lugar en los carteles y créditos de la película e interpretaba a una taquígrafa de clase media que trabaja para el director de una empresa controladora, interpretado por Beery. Crawford confesó más tarde que estaba nerviosa durante el rodaje, ya que trabajaba con «estrellas muy grandes», y que también estaba decepcionada por no tener ninguna escena con la «divina Garbo». «Grand Hotel» se estrenó en abril de 1932 y fue un éxito de crítica y público. Fue una de las películas más taquilleras del año y ganó el Oscar a la mejor película.

Crawford mantuvo su éxito con «Letty Lynton» («Redimida»), de 1932, coprotagonizada de nuevo junto a Robert Montgomery. Poco después de su estreno, MGM fue acusada de plagio y obligada a retirarla de la circulación. Nunca se emitió por televisión ni se puso a la venta en vídeo doméstico, por lo que Crawford la considera una «película perdida». El vestido de Adrian con grandes mangas y volantes, que Crawford lleva en la película, se hizo popular ese año y fue copiado y vendido por Macy’s.

Cedida a United Artists, Crawford encarnó a la prostituta Sadie Thompson en «Rain» («El pecado de la carne», 1932, versión cinematográfica de la obra teatral de John Colton de 1923. La actriz Jeanne Eagels interpretó el papel en el teatro y Gloria Swanson lo originó en el cine en la versión muda de 1928. La interpretación de Crawford fue muy criticada y la película no tuvo éxito. A pesar de ello, Crawford quedó tercera en la lista de las diez estrellas más rentables en taquilla, publicada por primera vez en 1932, sólo por detrás de Marie Dressler y Janet Gaynor. Permaneció entre las diez primeras de la lista durante los cuatro años siguientes, apareciendo por última vez en ella en 1936.

En mayo de 1933, Crawford se divorció de Fairbanks. Ella alegó «grave crueldad mental» como motivo de la demanda de divorcio, alegando que Fairbanks tenía «actitudes celosas y suspicaces» dirigidas hacia sus amigos y que mantenían «fuertes discusiones sobre los asuntos más triviales» que duraban hasta «altas horas de la noche». Tras su divorcio, volvió a formar equipo con Clark Gable, y también con Franchot Tone y Fred Astaire, para rodar el éxito «Dancer’s Love», en el que aparecía de forma destacada en los carteles y créditos. Interpretó el papel principal en «Sadie McKee» (1934), coprotagonizada por Franchot Tone y Gene Raymond. Ese mismo año, coprotagonizó con Clark Gable por quinta vez «Encadenados» («Chained»), y por sexta vez «Abandonando a todos los demás» («When the Devil Stings»), ambas de 1934. Las películas de Crawford de esta época fueron algunas de las más populares y taquilleras de la década de 1930.

En 1935, Crawford se casó con Franchot Tone, un actor neoyorquino que planeaba utilizar sus ganancias cinematográficas para financiar su grupo de teatro. La pareja construyó un pequeño teatro en la casa de Crawford en Brentwood y montó producciones de obras clásicas para grupos selectos de amigos. Tone y Crawford habían aparecido juntos por primera vez en Today We Live, de 1933, dirigida por Howard Hawks, pero ella dudaba en iniciar otra relación tan pronto después de su separación de Fairbanks.

Antes y durante su matrimonio, Crawford trabajó para promover la carrera de Tone en Hollywood, pero él no estaba interesado en convertirse en una estrella de cine, y Crawford finalmente se cansó del esfuerzo. Después de que Tone empezara a beber y a maltratarla físicamente, ella solicitó el divorcio, que le fue concedido en 1939. Mucho más tarde, Crawford y Tone reavivaron su amistad e incluso Tone volvió a proponerle matrimonio en 1964. A su muerte, en 1968, Crawford organizó la cremación de su cuerpo y el esparcimiento de sus cenizas en Muskoka Lakes (Canadá).

Crawford continuó su reinado como actriz de cine popular hasta mediados de la década de 1930. «No More Ladies» («Adiós mujeres»), de 1935, coprotagonizada por Robert Montgomery y su entonces marido Franchot Tone, fue un éxito. Crawford llevaba tiempo instando al jefe de la MGM, Louis B. Mayer, que le diera papeles más dramáticos, y aunque éste se mostró reacio a hacerlo, la contrató para la sofisticada comedia dramática de 1935 «Vivo mi vida» («This is the Only Way I Want to Live»), dirigida por W. S. Van Dyke. La película fue bien recibida por la crítica e hizo más dinero del que esperaba el estudio.

Al año siguiente, Crawford protagonizó «Mujer sublime» junto a Robert Taylor, Lionel Barrymore y su marido Franchot Tone. La película fue un éxito de crítica y taquilla, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de Crawford de la década. La comedia romántica de 1936 Amor a la fuga, dirigida por W.S. Van Dyke, fue su séptima película con Clark Gable y la sexta con Franchot Tone. su sexta con Franchot Tone. En el momento de su estreno, fue calificada por la crítica como «un montón de tonterías alegres»; sin embargo, tuvo éxito financiero.

Disminución de la popularidad

Aunque Crawford siguió siendo una de las actrices más respetadas de MGM y sus películas siguieron dando beneficios, su popularidad decayó a finales de los años treinta. En 1937, la revista Life nombró a Crawford la primera «Reina del Cine». Ese mismo año, cayó inesperadamente del séptimo al decimosexto puesto en la lista de estrellas más rentables en taquilla y, en consecuencia, su popularidad entre el público también empezó a decaer. También en 1937, Richard Boleslawski la dirigió en la comedia dramática de 1937 The Last of Mrs. Cheyney, que la emparejó con William Powell por primera y única vez en su carrera. Esta película fue el último éxito de taquilla de Crawford antes de que la calificaran de «veneno de taquilla».

Coprotagonizó con Franchot Tone por séptima y última vez «La novia vestía de rojo» («Happiness by Lying»), también de 1937. La película fue recibida desfavorablemente por la mayoría de los críticos, uno de los cuales argumentó que se trataba de la «misma historia de pobreza y fortuna» que Crawford había estado haciendo durante años. Tampoco tuvo éxito en taquilla, convirtiéndose en uno de los mayores fracasos financieros de MGM ese año. La siguiente película de la actriz, «Mannequin», coprotagonizada por Spencer Tracy, tuvo más éxito. Según The New York Times, la película «devolvió a Crawford al trono de reina de las trabajadoras». La mayoría de las críticas fueron positivas y la película consiguió reportar algunos beneficios al estudio, pero no fue un éxito lo bastante grande como para resucitar la popularidad de Crawford.

El 3 de mayo de 1938, Crawford -junto a Greta Garbo, Norma Shearer, Luise Rainer, John Barrymore, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Marlene Dietrich y Dolores del Río, entre otros- fue calificada de «veneno para la taquilla» por Harry Brandt, presidente de la Asociación de Propietarios de Salas de Cine de Estados Unidos. En una carta abierta publicada en el Independent Film Journal, Brandt afirmaba que, aunque estas estrellas poseían «incuestionables» dotes dramáticas, sus elevados salarios no se traducían en ventas de entradas, perjudicando así a los propietarios de salas de cine. Quizá como consecuencia de la publicación de la lista, la siguiente película de Crawford, The Shining Hour («La mujer prohibida»), de 1938, coprotagonizada por Margaret Sullavan y Melvyn Douglas, y dirigida por Frank Borzage, fue un fracaso de taquilla, a pesar de ser bien recibida por la crítica especializada.

Crawford tuvo un buen regreso en 1939 interpretando a la antagonista Crystal Allen en «The Women» («Las mujeres»), junto a su némesis profesional, Norma Shearer. Un año después, rompió con la fórmula que le había dado notoriedad interpretando a la poco glamurosa Julie en «Strange Cargo» («Almas rebeldes»), de 1940, su octava y última película con Clark Gable. En 1941, protagonizó el papel de una chantajista desfigurada en «La cicatriz del mal», un remake de la película sueca «En kvinnas ansikte» (1938), protagonizada originalmente por Ingrid Bergman. Aunque la película obtuvo un éxito moderado en taquilla, su interpretación fue elogiada por muchos críticos.

En 1940, Crawford adoptó a su primera hija. Como era soltera y la ley de California impedía la adopción por personas solteras, tramitó la adopción a través de una agencia de Las Vegas. La niña recibió temporalmente el nombre de Joan Crawford, hasta que la estrella cambió su nombre por el de Christina. Crawford se casó con el actor Phillip Terry el 21 de julio de 1942 tras seis meses de noviazgo. Juntos adoptaron a otro niño, al que llamaron Christopher, pero la madre biológica no tardó en recuperar al niño. A continuación adoptaron a otro niño, al que llamaron Phillip Terry, Jr. Tras finalizar su matrimonio en 1946, Crawford cambió el nombre del niño por el de Christopher Crawford.

Después de dieciocho años, el contrato de Crawford con MGM se rescindió de mutuo acuerdo el 29 de junio de 1943. En lugar de protagonizar otra película, como había anticipado su contacto, Crawford recibió 100.000 dólares de la productora. Durante la Segunda Guerra Mundial, la actriz formó parte del American Women’s Volunteer Services.

Éxito en Warner Bros.

Crawford firmó un contrato de 500.000 dólares con Warner Bros. que incluía la cláusula de que protagonizaría tres películas. Entró a formar parte de la nómina del estudio el 1 de julio de 1943. Su primera película para el estudio fue «Un sueño en Hollywood» (1944), una producción rodada con todas las estrellas del estudio para levantar la moral de las tropas estadounidenses que luchaban en la guerra. Crawford declaró que una de las principales razones por las que firmó un contrato con Warner fue porque quería interpretar a Mattie en una versión cinematográfica de la novela de Edith Wharton Ethan Frome, que el estudio tenía previsto rodar en 1944.

La actriz también aspiraba a hacerse con el papel de Mildred Pierce en Alma en pena (1945), pero el estudio quería que Bette Davis la interpretara. Sin embargo, Davis rechazó el papel porque pensaba que era demasiado joven para interpretar a la madre de una adolescente. El director Michael Curtiz no quería a Crawford en el papel, alegando que Davis debía ser sustituida por Barbara Stanwyck, Olivia de Havilland o Joan Fontaine. Warner se opuso al director y contrató a Crawford para la producción. Durante la producción de la película, Curtiz criticó a Crawford. Al parecer, le dijo a Jack Warner: «Aparece aquí con su aire altivo, con su sombrero y sus malditas hombreras… ¿Por qué debería perder el tiempo dirigiéndola?». Curtiz exigió que Crawford demostrara su idoneidad para el papel mediante una prueba. Tras la prueba, finalmente accedió a ponerla en la película. «Mildred Pierce» fue un éxito rotundo de público y crítica. Sintetizaba el exuberante estilo visual del género del cine negro y la sensibilidad que definiría las películas de Warner Bros. de finales de los años cuarenta. Por su papel, Crawford recibió el Oscar a la mejor actriz al año siguiente, así como el primer premio de la National Board of Review a la mejor actriz.

El éxito de «Mildred Pierce» reavivó la carrera cinematográfica de Crawford. Durante varios años protagonizó una serie de melodramas de primera categoría. Su siguiente película fue «Acordes del corazón» (1946), coprotagonizada por John Garfield, un drama romántico sobre una relación amorosa entre una mujer mayor y un hombre más joven. Protagonizó junto a Van Heflin «La hoguera de las pasiones» (1947), película por la que recibió su segunda nominación al Oscar a la Mejor Actriz, aunque perdió el premio en favor de Loretta Young, que lo ganó por «Ambiciosos». En «Éxtasis de amor» (1947), apareció junto a Dana Andrews y Henry Fonda, y en «Flamingo Road» («Redemption Road»), de 1949, interpretó a una bailarina de un parque de atracciones junto a Zachary Scott y David Brian. Hizo una aparición en «Mademoiselle Fifi» (1949), parodiando su propia imagen como actriz dramática. En 1950, protagonizó la película de cine negro «Los condenados no lloran» y el drama «Harriet Craig» («The Dominatrix»).

En 1947, Crawford adoptó a otras dos niñas, a las que llamó Cindy y Cathy. Las niñas fueron adoptadas de la Tennessee Children’s Home Society, un orfanato

Tras finalizar el rodaje de This Woman Is Dangerous («Las tragedias de mi destino»), de 1952, una película que Crawford calificó de «la peor», pidió que la liberaran de su contrato con Warner Bros. En aquel momento, sintió que Warner estaba perdiendo interés en ella y decidió que era el momento de seguir adelante con su carrera de forma independiente.

Radio y televisión

Crawford trabajó en la serie radiofónica «The Screen Guild Theatre» el 8 de enero de 1939; «Good News»; «Baby», emitida el 2 de marzo de 1940, en el programa «Lights Out» de Arch Oboler; «The Word» en el Everyman Theatre («Chained» en el Lux Radio Theatre, y el «Document A

Al Steele y Pepsi

El 10 de mayo de 1955, Crawford se casó con su cuarto y último marido, el ejecutivo de Pepsi Alfred Steele, en el Hotel Flamingo de Las Vegas. Crawford y Steele se conocieron en una fiesta en 1950. Volvieron a verse en una fiesta de Nochevieja en 1954. Para entonces, Steele se había convertido en presidente de Pepsi-Cola. Más tarde, Alfred Steele sería nombrado presidente del consejo de administración y consejero delegado de la empresa. Después de casarse, Crawford viajó mucho en nombre de Pepsi. Calcula que recorrió más de 161.000 kilómetros en nombre de la empresa. Steele murió de un ataque al corazón en abril de 1959. En un principio, la empresa informó a Crawford de que sus servicios ya no eran necesarios. Después de revelarlo de primera mano a la columnista de cotilleos Louella Parsons, Pepsi revocó su decisión y Crawford fue elegida para ocupar la vacante de su marido en el Consejo de Administración de la empresa.

Crawford recibió el sexto «Premio Pally» anual, que tenía la forma de una botella de Pepsi de bronce. El trofeo se concedía al empleado que más contribuía a las ventas de la empresa. En 1973, Crawford se jubiló oficialmente de Pepsi al cumplir 65 años.

Carrera posterior

Tras su nominación al Oscar por «Precipicios del alma» (1952), Crawford siguió trabajando con regularidad durante el resto de la década. Tras diez años de ausencia de MGM, regresó al estudio para protagonizar «If I Knew How to Love» (1953), un drama musical centrado en la vida de una exigente estrella de teatro que se enamora de un pianista ciego, interpretado por Michael Wilding. Aunque la película fue muy publicitada como el «gran regreso» de Crawford, fue un fracaso financiero y de crítica. En 1954, protagonizó junto a Sterling Hayden y Mercedes McCambridge la película del oeste «Johnny Guitar» que, a pesar de la reacción inicial desfavorable, se convirtió en un clásico de culto con el paso de los años. En 1955, actuó en «Mujer en la playa» («Frenesí de pasiones») con Jeff Chandler, y en «Los amores secretos de Eva» con John Ireland. Al año siguiente, actuó junto al joven Cliff Robertson en «Hojas muertas» y en el papel principal de «La historia de Esther Costello» (1957), coprotagonizada por Rossano Brazzi. Crawford estuvo a punto de arruinarse tras la muerte de Steele, lo que la llevó a aceptar un papel secundario en «Bajo el signo del sexo» (1959). Aunque estaba lejos de ser la estrella de la película, recibió críticas positivas por su interpretación. Posteriormente, Crawford citó este papel como uno de sus favoritos. A principios de los 60, sin embargo, el estatus de Crawford como estrella de cine había decaído

En 1961, Joan Crawford volvió a ser su propia máquina publicitaria cuando recibió un guión para una película de Robert Aldrich. Luego, en 1962, Crawford protagonizó el exitoso thriller psicológico «¿Qué fue de Baby Jane?». Interpretó a Blanche Hudson, una ex estrella de cine envejecida y atrapada en una silla de ruedas tras un misterioso accidente, que comparte casa con su psicótica hermana Jane, interpretada por Bette Davis. A pesar de las tensiones previas entre las actrices, se dice que Crawford sugirió a Davis para el papel de Jane. Durante el rodaje, declararon públicamente que no existía ningún tipo de enemistad entre ellas. El director de la película, Robert Aldrich, explicó públicamente que Davis y Crawford eran muy conscientes de lo importante que era la película para relanzar sus respectivas carreras, y comentó: «Es exacto decir que realmente se odiaban, pero se comportaron a la perfección».

Una vez finalizado el rodaje, los comentarios públicos de una actriz contra la otra espolearon una enemistad que duraría hasta el final de sus vidas. La película fue un gran éxito de taquilla, recuperando los costes de producción en menos de dos semanas tras su estreno, y revitalizando temporalmente la carrera de Crawford. Davis fue nominada al Oscar a la mejor actriz por su interpretación, lo que enfureció a Crawford. Se puso en contacto en secreto con las otras nominadas (Katharine Hepburn, Lee Remick, Geraldine Page y Anne Bancroft) para informarles de que estaría encantada de recibir el premio en su nombre si no podían asistir a la ceremonia. Todas aceptaron. Tanto Davis como Crawford estaban entre bastidores en la ceremonia cuando Anne Bancroft, que no estaba presente, fue anunciada como ganadora por «El milagro de Anne Sullivan». Crawford aceptó el premio en su nombre. Davis afirmó durante el resto de su vida que Crawford había hecho campaña contra ella y, por tanto, contra su película, algo que Crawford siempre negó.

El mismo año del incidente del Oscar, Crawford protagonizó el papel de Lucy Harbin en «Strait-Jacket» («Almas muertas») (1964), una película del maestro del terror William Castle. Aldrich volvió a contar con Crawford para protagonizar junto a Davis «Con el mal en el alma» (1964). Tras una supuesta campaña de acoso profesional que Davis habría emprendido contra ella durante el rodaje en Luisiana, Crawford regresó a Los Ángeles y fue ingresada en un hospital. Tras una prolongada ausencia de los estudios de rodaje, durante la cual la actriz fue acusada de fingir estar enferma, Aldrich se vio obligado a sustituirla por otra actriz. La elegida fue Olivia de Havilland. Crawford declaró sentirse desolada por la noticia: «Me enteré de mi sustitución por la radio, tumbada en la cama del hospital… lloré durante nueve horas». Lloré durante nueve horas». Crawford guardó rencor a Davis y Aldrich durante el resto de su vida. Sobre el director, dijo: «Es un hombre al que le gustan las cosas malas, horribles y viles», a lo que Aldrich respondió: «Si el zapato te queda bien, póntelo, porque quiero a la Srta. Crawford». A pesar de su sustitución, en la película se puede ver una escena rápida de Crawford, cuando está sentada en un taxi.

En 1965, interpretó a Amy Nelson en «I Saw What You Did», otra película de William Castle. En 1967 interpretó a Monica Rivers en «Berserk!» («Espectáculo sangriento»), un thriller del productor Herman Cohen. Tras el estreno , Crawford hizo una aparición especial como ella misma en «The Lucy Show» en el episodio «Lucy and the Lost Star», emitido por primera vez el 26 de febrero de 1968. Crawford tuvo problemas durante los ensayos y bebió mucho en el plató, lo que llevó a la estrella de la serie Lucille Ball a sugerir su sustitución por Gloria Swanson. El día del rodaje, sin embargo, Crawford estuvo perfecta y recibió dos ovaciones del público. En octubre de ese mismo año, la hija mayor de la actriz, Christina, de 29 años, necesitó una intervención médica para extirparle un tumor de ovario. En aquel momento, actuaba en la telenovela de la CBS «La tormenta secreta». A pesar de que el personaje de Christina tenía 28 años y Crawford ya superaba los 60, se ofreció a interpretar el papel hasta que Christina se recuperara de la operación; la productora Gloria Monty aceptó de buen grado la idea, suponiendo que una estrella de la época dorada de Hollywood aumentaría la audiencia del programa. Aunque Crawford lo había hecho bien en los ensayos, perdió la compostura durante la grabación, y el director y el productor tuvieron problemas para hacer un montaje coherente de sus escenas.

La aparición de Crawford en el telefilme de 1969 «Galería Nocturna» («Terror Gallery») ayudó a lanzar la carrera como director del entonces recién llegado Steven Spielberg. Apareció en el primer episodio de la comedia de situación «The Tim Conway Show», emitido el 30 de enero de 1970. Su última aparición en pantalla fue como la Dra. Brockton en la película de ciencia ficción «Trog the Cave Monster» (1970), también producida por Herman Cohen. Este fue su 45º año actuando en la industria cinematográfica, habiendo aparecido en más de ochenta películas. Crawford hizo dos apariciones más en televisión, como Stephanie Whitem en un episodio de 1970 («The Nightmare») de «The Virginian» y como Joan Fairchild (su última actuación) en un episodio de 1972 («Dear Joan: We’re Going to Scare You to Death») de «The Sixth Sense». En 1973, Crawford se vio obligada a retirarse de Pepsi tras enfrentarse con el ejecutivo de la empresa Don Kendall, a quien Crawford se había referido peyorativamente durante años como «Caninos».

Últimos años y muerte

En 1970, Crawford recibió el premio Cecil B. DeMille de manos de John Wayne durante la ceremonia de entrega de los Globos de Oro, retransmitida desde el Coconut Grove del Hotel Ambassador de Los Ángeles. También dio una conferencia en el Stephens College, al que asistió durante dos meses en 1922.

Crawford publicó su autobiografía «A Portrait of Joan», coescrita con Jane Kesner Ardmore, en 1962. Su siguiente libro, «My Way of Life», fue publicado en 1971 por Simon & Schuster. Quienes esperaban un libro que revelara todos los aspectos de la vida de la actriz quedaron decepcionados, aunque Crawford reveló su meticuloso cuidado de la higiene personal, el vestuario, las actividades físicas e incluso el almacenamiento de alimentos.

Tras su muerte, se encontraron en su piso fotografías de John F. Kennedy, por quien habría votado en las elecciones presidenciales de 1960. Crawford se identificaba con el Partido Demócrata y admiraba las administraciones de Kennedy y Roosevelt. En una ocasión dijo: «Siempre he seguido al Partido Demócrata. He luchado duro en la vida desde que nací y me siento orgullosa de formar parte de algo que se centra en los ciudadanos de clase trabajadora y los moldea para convertirlos en seres orgullosos. Roosevelt y Kennedy hicieron mucho en ese sentido por las generaciones que conquistaron a lo largo de sus carreras».

En septiembre de 1973, Crawford se trasladó del piso 22-G a un piso más pequeño (22-H) en el edificio Imperial House de Nueva York. Su última aparición pública fue el 23 de septiembre de 1974, en un acto en honor de su vieja amiga Rosalind Russell en el Rainbow Room. Russell padecía entonces cáncer de mama y artritis. Cuando Crawford vio las fotos poco favorecedoras de ambas en los periódicos del día siguiente, al parecer dijo: «Si así es como me ven, entonces no me verán más». La actriz canceló todas sus apariciones públicas, empezó a rechazar entrevistas, dejó de recibir visitas y cada vez salía menos de su piso.

Desde 1972 hasta mediados de 1975, la actriz estuvo aquejada de problemas dentales, incluida una intervención quirúrgica que la obligó a recibir cuidados de enfermería las 24 horas del día. Mientras recibía tratamiento antibiótico para este problema, en octubre de 1974, sufrió un colapso y se lesionó la cara. El incidente hizo que Joan dejara de beber, aunque ella afirmaba que se debía a su regreso a la ciencia cristiana. El incidente consta en una serie de cartas que la actriz envió a su compañía de seguros, guardadas en una pila de archivos situada en la tercera planta de la Biblioteca Pública de Artes Escénicas de Nueva York. También está documentado en la biografía «Joan Crawford: The Last Years», escrita por Carl Johnnes.

El 8 de mayo de 1977, Crawford donó a su querida perra shih-tzu, «Princesa Flor de Loto», porque se consideraba demasiado débil para cuidar de ella. Murió dos días después de un ataque al corazón en su piso de Nueva York. El 13 de mayo de 1977 se celebró un funeral en la funeraria Campbell de Nueva York. En su testamento, firmado el 28 de octubre de 1976, Crawford legó a sus dos hijas menores, Cindy y Cathy, 77.500 dólares a cada una de su patrimonio de 2.000.000 de dólares. Desheredó explícitamente a sus dos hijos mayores, Christina y Christopher, escribiendo: «Es mi intención no proporcionar ninguna provisión a mi hijo Christopher ni a mi hija Christina, por razones que ellos conocen bien». Tampoco dejó nada a su sobrina Joan Lowe (1933-1999, nacida como Joan Crawford LeSueur e hija única de su distanciado hermano Hal). Crawford dejó dinero a sus organizaciones benéficas favoritas: la U.S.O. de Nueva York, la Motion Picture Home, la American Cancer Society, la Muscular Dystrophy Association, la American Heart Association y la Wiltwyck School for Boys.

El 16 de mayo de 1977 se celebró una misa en memoria de Crawford en la Iglesia Unitaria de Lexington Avenue, a la que asistieron, entre otros, su vieja amiga de Hollywood Myrna Loy. Otro servicio fúnebre, organizado por George Cukor, se celebró el 24 de junio en el Samuel Goldwyn Theater de la sede de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en Beverly Hills. Crawford fue incinerada y sus cenizas se depositaron en una cripta junto a las de su cuarto y último marido, Alfred Steele, en el cementerio Ferncliff de Hartsdale, Nueva York.

Los pies y las manos de Crawford están inmortalizados en el pavimento del Teatro Chino de Hollywood Boulevard. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, situado en el 1750 de Vine Street. Playboy incluyó a Crawford en la lista de las 84 mujeres más sexys del siglo XX. En 1999, el American Film Institute eligió a Joan Crawford como la décima mayor estrella de cine.

En noviembre de 1978, Christina Crawford publicó el libro Mommie Dearest, en el que denunciaba que su madre adoptiva abusaba física y emocionalmente de ella y de su hermano Christopher. Según el relato de Christina, Crawford estaba más interesada en su carrera que en la maternidad. Muchos amigos y compañeros de trabajo de la actriz, como Van Johnson, Ann Blyth, Marlene Dietrich, Myrna Loy, Katharine Hepburn, César Romero, Gary Gray, Betty Barker (su secretaria durante casi 50 años), Douglas Fairbanks Jr. (el primer marido de Crawford) y sus dos hijas pequeñas -Cathy y Cindy- denunciaron el libro como una mentira, negando categóricamente cualquier abuso. Pero otros, entre ellos Betty Hutton, Helen Hayes, Rex Reed y el director Vincent Sherman (que dirigió tres películas protagonizadas por Crawford) han afirmado haber sido testigos de algún tipo de comportamiento abusivo de la actriz hacia sus hijos. Otra secretaria de la actriz, Jeri Binder Smith, confirmó los relatos que Christina hace en el libro. «Mommie Dearest» se convirtió en un bestseller y fue llevada al cine por Paramount Pictures (el único de los seis grandes estudios de la Edad de Oro de Hollywood para el que Crawford nunca trabajó) en 1981. Aunque tuvo éxito en taquilla, la película fue un fracaso de crítica y se llevó el premio Golden Raspberry a la peor película del año. En la película, Joan Crawford es interpretada por Faye Dunaway, que más tarde dijo que se arrepentía de haber aceptado el papel.

Se utilizaron fotos de Crawford en la portada del álbum Exile on Main St. (1972) de The Rolling Stones.

La actriz Barrie Youngfellow interpretó a Crawford en la película de 1980 «La guerra de Scarlett O’Hara».

Cuatro años después de su muerte, el grupo de hard rock Blue Öyster Cult publicó la canción Joan Crawford, en el álbum Fire of Unknown Origin (en ella se hace referencia a la tormentosa relación de la actriz con su hija Christina.

La supuesta enemistad entre Crawford y Bette Davis se describe en el libro de 1989 «Bette and Joan: The Divine Feud». Fue alimentada por la competencia por papeles en películas, premios Oscar y Franchot Tone (segundo marido de Joan Crawford), que coprotagonizó con Davis «Dangerous» (1935).

Crawford fue interpretada por Faye Dunaway en la película «Mommy Dearest» (1981), basada en los relatos de abusos infantiles hechos por la hija de la actriz en el polémico libro del mismo nombre publicado en 1978. La forma en que la película retrata a la actriz y la interpretación exagerada de Dunaway fueron responsables de convertir a Crawford en un icono de la cultura camp y en uno de los personajes favoritos de las drag queens.

La rivalidad Crawford-Davis fue el tema de la primera temporada de la serie de televisión «Feud» (2017), inspirada en el libro «Bette y Joan». Crawford fue interpretada por Jessica Lange y Davis por Susan Sarandon. En 2018, la emisión de la serie fue paralizada por orden de restricción de tribunales inferiores de California hasta que Olivia de Havilland pudiera ser oída por el Tribunal Supremo de Estados Unidos sobre si los productores tenían derecho a utilizar su imagen (de Havilland fue interpretada por Catherine Zeta-Jones) sin permiso, a pesar de ser una figura pública. En enero de 2019, el Tribunal Supremo se negó a escuchar el caso.

Fuentes

1. Joan Crawford
2. Joan Crawford
3. O ano de nascimento de Crawford é incerto, já que fontes diferentes listam 1904, 1905, 1906 e 1908.[1] O censo de 1910 traz sua idade à época como sendo de 5 anos em abril.[2] Ela mesma falava que tinha nascido em 1908 (a data em sua lápide),[3] mas os biógrafos citam 1904 como o ano mais provável de seu nascimento.[4][5][6][7][8][9][10][11][12][13] Sua filha, Christina, na biografia «Mamãezinha Querida» (1978), cita 1904 duas vezes: «Publicamente, sua data de nascimento era 23 de março de 1908, mas a vovó me disse que ela nasceu na verdade em 1904».[14]:20 «Minha mãe nasceu como Lucille LeSueur em San Antonio, Texas em 1904, apesar de que quando ela veio para Hollywood ela mentiu sobre sua idade e mudou o ano para 1908».[14]:66
4. ^ La voce dell’altra!, in L’eco del cinema, n. 115, giugno 1933, p. 12.
5. Discussie over Crawfords geboortedatum op de Engelstalige Wikipedia
6. [1] Joan Crawfords stamboom
7. Inne źródła podają rok 1903, 1904, 1905, 1908. W Mommie Dearest córka aktorki, Christina, twierdziła, że jej babcia powiedziała, iż Joan w rzeczywistości urodziła się w 1904 r. W dokumentacji MGM z 1925 r. aktorka przedstawiona jest jako 19-latka, co sugerowałoby 1905 r. jako datę urodzenia. Z kolei 1906 r. widnieje w dokumentacji z college’u.[1].