Federico Fellini

Dimitris Stamatios | julio 21, 2023

Resumen

Federico Fellini, Cavaliere di Gran Croce OMRI (20 de enero de 1920 – 31 de octubre de 1993) fue un director de cine y guionista italiano conocido por su estilo distintivo, que mezcla imágenes fantásticas y barrocas con terrenalidad. Está reconocido como uno de los cineastas más grandes e influyentes de todos los tiempos. Sus películas han ocupado los primeros puestos en las encuestas de la crítica, como la de Cahiers du Cinéma y Sight & Sound, que incluye su película de 1963 8+1⁄2 como la décima mejor película.

Entre las películas más conocidas de Fellini figuran La Strada (1954), Las noches de Cabiria (1957), La Dolce Vita (1960), 8½ (1963), Julieta de los espíritus (1965), el segmento «Toby Dammit» de Los espíritus de los muertos (1968), Fellini Satyricon (1969), Roma (1972), Amarcord (1973) y Casanova de Fellini (1976).

Fellini fue nominado a 16 premios de la Academia a lo largo de su carrera, y ganó un total de cuatro en la categoría de mejor película de habla no inglesa (la mayor cantidad para cualquier director en la historia del premio). En la 65ª edición de los Óscar, celebrada en Los Ángeles, recibió el premio honorífico a toda una carrera. Fellini también ganó la Palma de Oro por La Dolce Vita en 1960, dos veces el Festival Internacional de Cine de Moscú en 1963 y 1987, y el León de Oro de la Carrera en el 42º Festival Internacional de Cine de Venecia en 1985. En la lista de 2002 de Sight & Sound de los mejores directores de todos los tiempos, Fellini ocupó el 2º puesto en la encuesta de directores y el 7º en la de críticos.

Rímini (1920-1938)

Fellini nació el 20 de enero de 1920, de padres de clase media, en Rímini, entonces una pequeña ciudad del Adriático. El 25 de enero, en la iglesia de San Nicolò, fue bautizado como Federico Domenico Marcello Fellini. Su padre, Urbano Fellini (1894-1956), nacido en una familia de campesinos y pequeños propietarios romañoles de Gambettola, se trasladó a Roma en 1915 como panadero aprendiz en la fábrica de pasta Pantanella. Su madre, Ida Barbiani (1896-1984), procedía de una familia católica burguesa de comerciantes romanos. A pesar de la vehemente desaprobación de su familia, se había fugado con Urbano en 1917 para vivir en casa de los padres de él, en Gambettola. En 1918 se casaron por lo civil y un año más tarde celebraron la ceremonia religiosa en Santa Maria Maggiore (Roma).

La pareja se instaló en Rímini, donde Urbano se convirtió en vendedor ambulante y mayorista. Fellini tuvo dos hermanos, Riccardo (1929-2002).

En 1924 inicia la escuela primaria en un instituto de monjas de San Vincenzo, en Rímini, y dos años más tarde asiste a la escuela pública Carlo Tonni. Estudiante atento, dedicaba su tiempo libre a dibujar, montar espectáculos de marionetas y leer Il corriere dei piccoli, la popular revista infantil que reproducía los tradicionales dibujos animados estadounidenses de Winsor McCay, George McManus y Frederick Burr Opper (el Happy Hooligan de Opper serviría de inspiración visual para Gelsomina en la película de Fellini La Strada, de 1954; el Little Nemo de McCay influiría directamente en su película Ciudad de mujeres, de 1980). En 1926, descubrió el mundo del Grand Guignol, el circo con Pierino el Payaso y el cine. Maciste all’Inferno (1926), de Guido Brignone, la primera película que vio, le marcaría de formas vinculadas a Dante y al cine a lo largo de toda su carrera.

Matriculado en el Ginnasio Giulio Cesare en 1929, entabla amistad con Luigi Titta Benzi, más tarde un destacado abogado de Rímini (y modelo del joven Titta en Amarcord (1973)). En la Italia de Mussolini, Fellini y Riccardo se hicieron miembros del Avanguardista, el grupo juvenil fascista obligatorio para varones. Fellini visitó Roma con sus padres por primera vez en 1933, año del viaje inaugural del transatlántico SS Rex (que aparece en Amarcord). La criatura marina que aparece en la playa al final de La Dolce Vita (1960) tiene su origen en un pez gigante abandonado en una playa de Rímini durante una tormenta en 1934.

Aunque Fellini adaptó acontecimientos clave de su infancia y adolescencia en películas como I Vitelloni (1953), 8+1⁄2 (1963) y Amarcord (1973), insistía en que esos recuerdos autobiográficos eran invenciones:

No es la memoria lo que domina mis películas. Decir que mis películas son autobiográficas es una liquidación demasiado fácil, una clasificación apresurada. Me parece que lo he inventado casi todo: la infancia, el personaje, las nostalgias, los sueños, los recuerdos, por el placer de poder contarlos.

En 1937, Fellini abre Febo, una tienda de retratos en Rímini, con el pintor Demos Bonini. Su primer artículo humorístico aparece en la sección «Postales a nuestros lectores» del periódico milanés Domenica del Corriere. Decidido a hacer carrera como caricaturista y escritor de chistes, Fellini viajó a Florencia en 1938, donde publicó su primera viñeta en el semanario 420. Según un biógrafo, Fellini encontraba la escuela «exasperante». Tras suspender el examen de cultura militar, se graduó en el instituto en julio de 1938 tras doblar el examen.

Roma (1939)

En septiembre de 1939 se matriculó en Derecho en la Universidad de Roma para complacer a sus padres. Su biógrafo Hollis Alpert afirma que «no hay constancia de que haya asistido nunca a clase». Instalado en una pensión familiar, conoció a otro amigo de toda la vida, el pintor Rinaldo Geleng. Desesperadamente pobres, se unieron sin éxito para dibujar bocetos de clientes de restaurantes y cafés. Finalmente, Fellini encontró trabajo como reportero en los diarios Il Piccolo e Il Popolo di Roma, pero lo abandonó al poco tiempo, aburrido de las noticias de los tribunales locales.

Cuatro meses después de publicar su primer artículo en Marc’Aurelio, la influyente revista quincenal de humor, entra a formar parte del consejo de redacción, alcanzando el éxito con una columna periódica titulada Pero ¿me estás escuchando? Descrito como «el momento determinante en la vida de Fellini», la revista le proporcionó un empleo estable entre 1939 y 1942, cuando se relacionó con escritores, gagmen y guionistas. De estos encuentros surgieron oportunidades en el mundo del espectáculo y del cine. Entre sus colaboradores en el consejo editorial de la revista se encontraban el futuro director Ettore Scola, el teórico marxista y guionista Cesare Zavattini, y Bernardino Zapponi, futuro guionista de Fellini. La realización de entrevistas para CineMagazzino también resultó agradable: cuando se le pidió que entrevistara a Aldo Fabrizi, el artista de variedades más popular de Italia, estableció una relación personal tan inmediata con él que colaboraron profesionalmente. Especializado en monólogos humorísticos, Fabrizi encargó material a su joven protegido.

Primeros guiones (1940-1943)

Retenido por negocios en Rímini, Urbano envió a su mujer y a su familia a Roma en 1940 para compartir piso con su hijo. Fellini y Ruggero Maccari, también en la plantilla de Marc’Aurelio, empezaron a escribir sketches radiofónicos y gags para películas.

A los veinte años, con la ayuda de Fabrizi, obtiene su primer crédito como guionista de comedias en Il pirata sono io (El sueño del pirata), de Mario Mattoli. En Cinecittà colaboró en numerosas películas y amplió su círculo de amistades profesionales con el novelista Vitaliano Brancati y el guionista Piero Tellini. A raíz de la declaración de guerra de Mussolini contra Francia y Gran Bretaña, el 10 de junio de 1940, Fellini descubrió La metamorfosis de Kafka, Gogol, John Steinbeck y William Faulkner, junto con películas francesas de Marcel Carné, René Clair y Julien Duvivier. En 1941 publicó Il mio amico Pasqualino, un librito de 74 páginas en diez capítulos que describía las absurdas aventuras de Pasqualino, un alter ego.

En otoño de 1942, escribiendo para la radio mientras intentaba evitar el servicio militar, conoció a su futura esposa Giulietta Masina en un estudio de la radio pública italiana EIAR. Bien pagada como la voz de Pallina en el serial radiofónico de Fellini, Cico y Pallina, Masina también era conocida por sus emisiones de comedias musicales que animaban a una audiencia deprimida por la guerra.

Giulietta es práctica y le gusta ganar un buen sueldo por su trabajo en la radio, mientras que el teatro nunca está bien pagado. Y, por supuesto, la fama también cuenta. La radio es un negocio en auge y las revistas de humor tienen un público amplio y devoto.

En noviembre de 1942, Fellini fue enviado a Libia, ocupada por la Italia fascista, para trabajar en el guión de I cavalieri del deserto (Los caballeros del desierto, 1942), dirigida por Osvaldo Valenti y Gino Talamo. El encargo fue bien acogido por Fellini, ya que le permitía «asegurarse otra prórroga de su orden de reclutamiento». Responsable de la reescritura de urgencia, dirigió también las primeras escenas de la película. Cuando Trípoli cayó bajo el asedio de las fuerzas británicas, él y sus colegas escaparon por los pelos embarcando en un avión militar alemán que volaba hacia Sicilia. Su aventura africana, publicada más tarde en Marc’Aurelio con el título «El primer vuelo», marca «la aparición de un nuevo Fellini, que ya no es sólo un guionista que trabaja y dibuja en su escritorio, sino un cineasta sobre el terreno».

El apolítico Fellini se libró finalmente del servicio militar obligatorio cuando un ataque aéreo aliado sobre Bolonia destruyó su historial médico. Fellini y Giulietta se escondieron en el apartamento de la tía de ella hasta la caída de Mussolini, el 25 de julio de 1943. Tras nueve meses de noviazgo, la pareja se casó el 30 de octubre de 1943. Varios meses después, Masina se cayó por las escaleras y sufrió un aborto. Tuvo un hijo, Pierfederico, el 22 de marzo de 1945, pero el niño murió de encefalitis 11 días después, el 2 de abril de 1945. La tragedia tuvo repercusiones emocionales y artísticas duraderas.

Aprendizaje neorrealista (1944-1949)

Tras la liberación de Roma por los Aliados el 4 de junio de 1944, Fellini y Enrico De Seta abrieron la tienda Funny Face Shop, donde sobrevivieron a la recesión de la posguerra dibujando caricaturas de soldados estadounidenses. Se vinculó al neorrealismo italiano cuando Roberto Rossellini, que trabajaba en Historias de antaño (más tarde Roma, ciudad abierta), conoció a Fellini en su tienda y le propuso que contribuyera con gags y diálogos para el guión. Consciente de la reputación de Fellini como «musa creativa» de Aldo Fabrizi, Rossellini también le pidió que intentara convencer al actor para que interpretara el papel del padre Giuseppe Morosini, el párroco ejecutado por las SS el 4 de abril de 1944.

En 1947, Fellini y Sergio Amidei recibieron una nominación al Oscar por el guión de Roma, ciudad abierta.

En 1946, cuando trabajaba como guionista y ayudante de dirección en Paisà (Paisano), de Rossellini, le encargaron que filmara las escenas sicilianas en Maiori. En febrero de 1948 le presentan a Marcello Mastroianni, entonces un joven actor de teatro que actuaba en una obra con Giulietta Masina. Entabló una estrecha relación con Alberto Lattuada, con quien escribió Senza pietà (Sin piedad) e Il mulino del Po (El molino del Po). También trabajó con Rossellini en la película antológica L’Amore (1948), coescribiendo el guión y actuando junto a Anna Magnani en un segmento titulado «El milagro». Para interpretar el papel de un pícaro vagabundo al que Magnani confunde con un santo, Fellini tuvo que decolorarse el pelo negro de rubio.

Primeras películas (1950-1953)

En 1950 Fellini coprodujo y codirigió con Alberto Lattuada Luces de variedades, su primer largometraje. Se trata de una comedia entre bastidores ambientada en el mundo de los artistas ambulantes de poca monta, con Giulietta Masina y la mujer de Lattuada, Carla Del Poggio. Su estreno, con malas críticas y una distribución limitada, resultó desastroso para todos los implicados. La productora quebró, dejando a Fellini y Lattuada con deudas que pagar durante más de una década. En febrero de 1950, Paisà recibió una nominación al Oscar por el guión de Rossellini, Sergio Amidei y Fellini.

Tras viajar a París para una conferencia sobre el guión con Rossellini en Europa ’51, Fellini comenzó la producción de El jeque blanco en septiembre de 1951, su primer largometraje dirigido en solitario. Protagonizada por Alberto Sordi en el papel principal, la película es una versión revisada de un tratamiento escrito por Michelangelo Antonioni en 1949 y basado en los fotoromanzi, los romances de tiras cómicas fotografiadas populares en la Italia de la época. El productor Carlo Ponti encargó el guión a Fellini y Tullio Pinelli, pero Antonioni rechazó la historia que habían desarrollado. Con Ennio Flaiano, reelaboraron el material en una sátira desenfadada sobre la pareja de recién casados Ivan y Wanda Cavalli (Leopoldo Trieste, Brunella Bovo) en Roma para visitar al Papa. La obsesión de su esposa por el Jeque Blanco no tarda en derribar la máscara de respetabilidad de Ivan. Destacando la música de Nino Rota, la película fue seleccionada en Cannes (entre las películas a concurso estaba Otelo, de Orson Welles) y luego retirada. Proyectada en el 13º Festival Internacional de Cine de Venecia, fue acribillada por la crítica en «la atmósfera de un partido de fútbol». Un crítico declaró que Fellini no tenía «la más mínima aptitud para la dirección cinematográfica».

En 1953, I Vitelloni encontró el favor de la crítica y del público. Ganó el León de Plata de Venecia y consiguió su primer distribuidor internacional.

Más allá del neorrealismo (1954-1960)

Fellini dirigió La Strada basándose en un guión completado en 1952 con Pinelli y Flaiano. Durante las tres últimas semanas de rodaje, Fellini experimentó los primeros síntomas de una grave depresión clínica. Ayudado por su mujer, inicia un breve periodo de terapia con el psicoanalista freudiano Emilio Servadio.

Fellini eligió al actor estadounidense Broderick Crawford para interpretar el papel de un viejo estafador en Il Bidone. Basándose en parte en las historias que le contó un ladronzuelo durante la producción de La Strada, Fellini desarrolló el guión en el lento descenso de un estafador hacia una muerte solitaria. Para encarnar el «rostro intenso y trágico» del papel, la primera elección de Fellini había sido Humphrey Bogart, pero tras enterarse del cáncer de pulmón del actor, eligió a Crawford después de ver su rostro en el cartel teatral de Todos los hombres del rey (1949). El rodaje estuvo plagado de dificultades derivadas del alcoholismo de Crawford. Maltratada por la crítica en el 16º Festival Internacional de Cine de Venecia, la película fue un fracaso de taquilla y no recibió distribución internacional hasta 1964.

Durante el otoño, Fellini investigó y desarrolló un tratamiento basado en una adaptación cinematográfica de la novela de Mario Tobino, Las mujeres libres de Magliano. Ambientada en una institución psiquiátrica para mujeres, el proyecto se abandonó cuando los financiadores consideraron que el tema no tenía potencial.

Mientras preparaba Las noches de Cabiria en la primavera de 1956, Fellini se enteró de la muerte de su padre, de un paro cardíaco, a los sesenta y dos años. La película, producida por Dino De Laurentiis y protagonizada por Giulietta Masina, se inspira en las noticias sobre la cabeza cortada de una mujer en un lago y en los relatos de Wanda, una prostituta de barrio que Fellini conoció en el plató de Il Bidone. Pier Paolo Pasolini fue contratado para traducir los diálogos de Flaiano y Pinelli al dialecto romano y para supervisar las investigaciones en los suburbios de Roma afectados por el vicio. La película ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en la 30ª edición de los premios de la Academia y le valió a Masina el premio a la mejor actriz en Cannes por su interpretación.

Con Pinelli desarrolló Viaje con Anita para Sophia Loren y Gregory Peck. El guión, una «invención nacida de la verdad íntima», se basaba en el regreso de Fellini a Rímini con una amante para asistir al funeral de su padre. Debido a la indisponibilidad de Loren, el proyecto fue archivado y resucitado veinticinco años después como Amantes y mentirosos (1981), una comedia dirigida por Mario Monicelli con Goldie Hawn y Giancarlo Giannini. Eduardo De Filippo coescribió el guión de Fortunella, adaptando el papel protagonista a la particular sensibilidad de Masina.

El fenómeno Hollywood on the Tiber de 1958, en el que los estudios americanos se beneficiaron de la mano de obra barata disponible en Roma, sirvió de telón de fondo para que los reporteros gráficos robaran imágenes de famosos en la vía Veneto. El escándalo provocado por el striptease improvisado de la bailarina turca Haish Nana en un club nocturno cautivó la imaginación de Fellini, que decidió terminar su último guión en curso, Moraldo en la ciudad, con una «orgía» nocturna en una villa costera. Las fotos de Pierluigi Praturlon de Anita Ekberg vadeando completamente vestida la Fontana de Trevi sirvieron de inspiración a Fellini y a sus guionistas.

Tras cambiar el título del guión por el de La Dolce Vita, Fellini no tardó en enfrentarse a su productor por el reparto: El director insistía en el relativamente desconocido Mastroianni, mientras que De Laurentiis quería a Paul Newman como garantía de su inversión. Al llegar a un punto muerto, De Laurentiis vendió los derechos al magnate editorial Angelo Rizzoli. El rodaje comenzó el 16 de marzo de 1959 con Anita Ekberg subiendo las escaleras hasta la cúpula de San Pedro en un decorado gigantesco construido en Cinecittà. La estatua de Cristo llevada en helicóptero sobre Roma hasta la plaza de San Pedro se inspiró en un acontecimiento mediático real del 1 de mayo de 1956, del que Fellini había sido testigo. La película terminó el 15 de agosto en una playa desierta de Passo Oscuro con un pez mutante hinchado diseñado por Piero Gherardi.

La Dolce Vita batió todos los récords de taquilla. A pesar de que los revendedores vendían entradas a 1.000 liras, las multitudes hicieron cola durante horas para ver una «película inmoral» antes de que la censura la prohibiera. En una proyección exclusiva en Milán, el 5 de febrero de 1960, un espectador indignado escupió a Fellini mientras otros le lanzaban insultos. Denunciado en el Parlamento por los conservadores de derechas, el subsecretario Domenico Magrì, de la Democracia Cristiana, exigió tolerancia para los temas controvertidos de la película. El órgano de prensa oficial del Vaticano, l’Osservatore Romano, abogó por la censura, mientras que la Junta de Párrocos Romanos y la Junta Genealógica de la Nobleza Italiana atacaron la película. En un caso documentado de críticas favorables escritas por los jesuitas de San Fedele, la defensa de La Dolce Vita tuvo graves consecuencias. En la competición de Cannes, junto a L’Avventura de Antonioni, la película ganó la Palma de Oro, concedida por el presidente del jurado Georges Simenon. El escritor belga fue rápidamente «abucheado» por el público del festival, que lo desaprobó.

Películas de arte y ensayo (1961-1969)

Uno de los principales descubrimientos de Fellini tras su etapa en el neorrealismo italiano (1950-1959) fue la obra de Carl Jung. Tras conocer al psicoanalista junguiano Dr. Ernst Bernhard a principios de 1960, leyó la autobiografía de Jung, Recuerdos, sueños, reflexiones (1963) y experimentó con LSD. Bernhard también recomendó a Fellini que consultara el I Ching y llevara un registro de sus sueños. Lo que antes Fellini aceptaba como «sus percepciones extrasensoriales» se interpretaba ahora como manifestaciones psíquicas del inconsciente. El interés de Bernhard por la psicología profunda de Jung resultó ser la mayor influencia en el estilo maduro de Fellini y marcó el punto de inflexión en su obra, que pasó del neorrealismo a un cine «principalmente onírico». En consecuencia, las ideas fundamentales de Jung sobre el ánima y el ánimus, el papel de los arquetipos y el inconsciente colectivo influyeron directamente en películas como 8+1⁄2 (1963), Julieta de los espíritus (1965), Fellini Satyricon (1969), Casanova (1976) y Ciudad de mujeres (1980). Otras influencias clave en su obra son Luis Buñuel, Sergei Eisenstein, Laurel y Hardy y Roberto Rossellini.

Aprovechando el éxito de La Dolce Vita, el financiero Angelo Rizzoli creó en 1960 Federiz, una compañía de cine independiente, para que Fellini y el director de producción Clemente Fracassi descubrieran y produjeran nuevos talentos. A pesar de las mejores intenciones, su excesiva prudencia editorial y empresarial obligó a la empresa a cerrar poco después de cancelar el proyecto de Pasolini, Accattone (1961).

Condenado como «pecador público» por La Dolce Vita, Fellini respondió con Las tentaciones del doctor Antonio, un segmento del ómnibus Boccaccio ’70. Su segunda película en color fue el único proyecto aprobado por Federiz. Impregnada de la sátira surrealista que caracterizaba el trabajo del joven Fellini en Marc’Aurelio, la película ridiculizaba a un cruzado contra el vicio, interpretado por Peppino De Filippo, que enloquece al intentar censurar una valla publicitaria de Anita Ekberg pregonando las virtudes de la leche.

En una carta de octubre de 1960 a su colega Brunello Rondi, Fellini esbozó por primera vez sus ideas cinematográficas sobre un hombre que sufre un bloqueo creativo: «Pues bien: un tipo (¿un escritor? ¿algún tipo de profesional? ¿un productor teatral?) tiene que interrumpir durante dos semanas el ritmo habitual de su vida a causa de una enfermedad no demasiado grave. Es una señal de alarma: algo está bloqueando su organismo». Sin tener claro el guión, su título y la profesión de su protagonista, exploró localizaciones por toda Italia «en busca de la película», con la esperanza de resolver su confusión. Flaiano sugirió La bella confusione (literalmente La bella confusión) como título de la película. Presionado por sus productores, Fellini se decidió finalmente por 8+1⁄2, un título autorreferencial que aludía principalmente (pero no exclusivamente) al número de películas que había dirigido hasta entonces.

Con la orden de iniciar la producción en la primavera de 1962, Fellini firmó acuerdos con su productora Rizzoli, fijó fechas, mandó construir decorados, eligió a Mastroianni, Anouk Aimée y Sandra Milo para los papeles principales e hizo pruebas de pantalla en los estudios Scalera de Roma. Contrató, entre otros, al director de fotografía Gianni Di Venanzo. Pero, aparte de bautizar a su héroe con el nombre de Guido Anselmi, seguía sin decidir a qué se dedicaba su personaje. La crisis llegó a su punto álgido en abril cuando, sentado en su despacho de Cinecittà, empezó una carta a Rizzoli confesando que había «perdido su película» y que tenía que abandonar el proyecto. Interrumpido por el jefe de máquinas, que le pedía que celebrara el lanzamiento de 8+1⁄2, Fellini dejó a un lado la carta y se dirigió al plató. Brindando por el equipo, «se sintió abrumado por la vergüenza… Estaba en una situación sin salida. Era un director que quería hacer una película de la que ya no se acordaba. Y he aquí que en ese mismo momento todo encajó. Llegué directamente al corazón de la película. Narraría todo lo que me había estado pasando. Haría una película contando la historia de un director que ya no sabe qué película quería hacer». La estructura autorreflejante hace que toda la película sea inseparable de su construcción reflexiva.

El rodaje comenzó el 9 de mayo de 1962. Deena Boyer, entonces jefa de prensa del director en Estados Unidos, perpleja por la caótica e incesante improvisación del rodaje, le pidió una explicación. Fellini le respondió que quería transmitir los tres niveles «en los que vive nuestra mente: el pasado, el presente y el condicional, el reino de la fantasía». Al finalizar el rodaje, el 14 de octubre, Nino Rota compuso varias marchas circenses y fanfarrias que más tarde se convertirían en melodías características del cine del maestro. Nominada a cuatro Oscar, 8+1⁄2 ganó los premios a la mejor película en lengua extranjera y al mejor diseño de vestuario en blanco y negro. El día después de la ceremonia, Fellini visitó Disneyland con Walt Disney.

Cada vez más atraído por la parapsicología, Fellini conoció al anticuario turinés Gustavo Rol en 1963. Rol, antiguo banquero, le introdujo en el mundo del espiritismo y las sesiones espiritistas. En 1964, Fellini tomó LSD bajo la supervisión de Emilio Servadio, su psicoanalista durante la producción de La Strada en 1954. Durante años reservado sobre lo que realmente ocurrió aquella tarde de domingo, en 1992 admitió que

… los objetos y sus funciones ya no tenían ningún significado. Todo lo que percibía era la percepción misma, el infierno de formas y figuras desprovistas de emoción humana y desvinculadas de la realidad de mi entorno irreal. Yo era un instrumento en un mundo virtual que renovaba constantemente su propia imagen sin sentido en un mundo vivo que se percibía a sí mismo fuera de la naturaleza. Y como la apariencia de las cosas ya no era definitiva sino ilimitada, esta conciencia paradisíaca me liberaba de la realidad exterior a mi yo. El fuego y la rosa, por así decirlo, se convirtieron en uno.

Las intuiciones alucinatorias de Fellini florecen en su primer largometraje en color, Julieta de los espíritus (1965), en el que Giulietta Masina interpreta a Julieta, un ama de casa que sospecha con razón de la infidelidad de su marido y sucumbe a las voces de los espíritus convocados durante una sesión de espiritismo en su casa. Su vecina Suzy (Sandra Milo), sexualmente voraz, introduce a Juliet en un mundo de sensualidad desinhibida, pero Juliet está atormentada por los recuerdos de su infancia, de su culpa católica y de una amiga adolescente que se suicidó. Compleja y llena de simbolismo psicológico, la película está ambientada con una alegre partitura de Nino Rota.

Nostalgia, sexualidad y política (1970-1980)

Para ayudar a promocionar Satyricon en Estados Unidos, Fellini voló a Los Ángeles en enero de 1970 para entrevistarse con Dick Cavett y David Frost. También se reunió con el director de cine Paul Mazursky, que quería contar con él junto a Donald Sutherland en su nueva película, Alex en el País de las Maravillas. En febrero, Fellini buscó localizaciones en París para Los payasos, una docuficción tanto para cine como para televisión, basada en sus recuerdos infantiles del circo y en una «teoría coherente del clown». Según él, el payaso «siempre fue la caricatura de una sociedad bien establecida, ordenada y pacífica. Pero hoy todo es provisional, desordenado, grotesco. ¿Quién puede reírse todavía de los payasos? Ahora todo el mundo hace de payaso».

En marzo de 1971, Fellini comenzó la producción de Roma, una colección aparentemente aleatoria de episodios basados en los recuerdos y las impresiones que el director tenía de Roma. Las «diversas secuencias», escribe el estudioso de Fellini Peter Bondanella, «se mantienen unidas sólo por el hecho de que todas ellas proceden en última instancia de la fértil imaginación del director». La escena inicial de la película anticipa Amarcord, mientras que su secuencia más surrealista consiste en un desfile de moda eclesiástica en el que monjas y sacerdotes patinan entre restos de esqueletos llenos de telarañas.

Durante seis meses, entre enero y junio de 1973, Fellini rodó Amarcord, ganadora de un Oscar. Basada libremente en su ensayo autobiográfico Mi Rímini (1968), la película presenta al adolescente Titta y a sus amigos, que desarrollan sus frustraciones sexuales en el contexto religioso y fascista de una ciudad de provincias de la Italia de los años treinta. Producida por Franco Cristaldi, la película seriocómica se convirtió en el segundo mayor éxito comercial de Fellini después de La Dolce Vita. De forma circular, Amarcord evita la trama y la narrativa lineal de un modo similar a Los payasos y Roma. La preocupación primordial del director por desarrollar una forma poética de cine se esbozó por primera vez en una entrevista que concedió en 1965 a la periodista de The New Yorker Lillian Ross: «Intento liberar mi trabajo de ciertas restricciones: una historia con un principio, un desarrollo y un final. Debería parecerse más a un poema con métrica y cadencia».

Últimas películas y proyectos (1981-1990)

Organizada en 1982 por su editor, Diogenes Verlag, la primera gran exposición de 63 dibujos de Fellini se celebró en París, Bruselas y la Galería Pierre Matisse de Nueva York. Fellini, caricaturista de talento, se inspiraba en gran medida en sus propios sueños para realizar sus dibujos, mientras que las películas en curso le servían de inspiración y estímulo para dibujar personajes, decorados, trajes y decorados. Bajo el título I disegni di Fellini (Los diseños de Fellini), publicó 350 dibujos realizados a lápiz, acuarela y rotulador.

El 6 de septiembre de 1985, Fellini recibió el León de Oro a toda su carrera en la 42ª edición del Festival de Venecia. Ese mismo año, se convirtió en el primer no estadounidense en recibir el premio anual de la Film Society of Lincoln Center por sus logros cinematográficos.

Fellini, fascinado desde hacía tiempo por Las enseñanzas de Don Juan: una vía yaqui de conocimiento de Carlos Castaneda, acompañó al autor peruano en un viaje a Yucatán para evaluar la viabilidad de una película. Tras reunirse por primera vez con Castaneda en Roma en octubre de 1984, Fellini redactó con Pinelli un tratamiento titulado Viaggio a Tulun. El productor Alberto Grimaldi, dispuesto a comprar los derechos cinematográficos de toda la obra de Castaneda, pagó entonces la investigación previa a la producción, que llevó a Fellini y a su séquito de Roma a Los Ángeles y a las selvas de México en octubre de 1985. Cuando Castaneda desapareció inexplicablemente y el proyecto se vino abajo, las aventuras místico-chamánicas de Fellini fueron guionizadas con Pinelli y publicadas por entregas en el Corriere della Sera en mayo de 1986. Viaggio a Tulun, una interpretación satírica apenas velada de la obra de Castaneda, se publicó en 1989 como novela gráfica con ilustraciones de Milo Manara y como Viaje a Tulum en América en 1990.

Para Intervista, producida por Ibrahim Moussa y la RAI Televisión, Fellini intercala recuerdos de la primera vez que visitó Cinecittà en 1939 con imágenes actuales en las que se le ve trabajando en la adaptación a la pantalla de Amerika, de Franz Kafka. Esta meditación sobre la naturaleza de la memoria y la producción cinematográfica obtuvo el Premio Especial del 40º Aniversario en Cannes y el Premio de Oro del 15º Festival Internacional de Cine de Moscú. Ese mismo año, en Bruselas, un jurado de treinta profesionales de dieciocho países europeos nombró a Fellini mejor director del mundo y a 8+1⁄2 mejor película europea de todos los tiempos.

A principios de 1989 Fellini inició la producción de La voz de la luna, basada en la novela de Ermanno Cavazzoni Il poema dei lunatici (El poema de los lunáticos). Se construyó una pequeña ciudad en los estudios Empire, en la vía Pontina, a las afueras de Roma. Protagonizado por Roberto Benigni en el papel de Ivo Salvini, un poético loco recién salido de un psiquiátrico, el personaje es una combinación de Gelsomina de La Strada, Pinocho y el poeta italiano Giacomo Leopardi. Fellini improvisó durante el rodaje, utilizando como guía un borrador escrito con Pinelli. A pesar de su modesto éxito comercial y de crítica en Italia, y de la buena acogida por parte de la crítica francesa, no logró interesar a los distribuidores norteamericanos.

Fellini ganó el Praemium Imperiale, premio internacional de artes visuales concedido por la Asociación Japonesa de Arte en 1990.

Últimos años (1991-1993)

En julio de 1991 y abril de 1992, Fellini trabajó en estrecha colaboración con el cineasta canadiense Damian Pettigrew para establecer «las conversaciones más largas y detalladas jamás grabadas en una película». Descritas como «el testamento espiritual del Maestro» por su biógrafo Tullio Kezich, los extractos de las conversaciones sirvieron más tarde de base para su documental Fellini: I’m a Born Liar (2002) y para el libro I’m a Born Liar: A Fellini Lexicon. Como cada vez le resultaba más difícil conseguir financiación para largometrajes, Fellini desarrolló una serie de proyectos televisivos cuyos títulos reflejan sus temas: Attore, Napoli, L’Inferno, L’opera lirica y L’America.

En abril de 1993, Fellini recibió su quinto Oscar a toda una carrera, «en reconocimiento a sus logros cinematográficos que han emocionado y entretenido al público de todo el mundo». El 16 de junio ingresó en el Hospital Cantonal de Zúrich para someterse a una angioplastia de la arteria femoral, pero dos meses después sufrió un derrame cerebral en el Gran Hotel de Rímini. Paralizado parcialmente, fue trasladado primero a Ferrara para su rehabilitación y luego al Policlínico Umberto I de Roma para estar cerca de su esposa, también hospitalizada. Sufrió un segundo derrame cerebral y cayó en coma irreversible.

Fellini falleció en Roma el 31 de octubre de 1993, a los 73 años de edad, a consecuencia de un infarto que había sufrido unas semanas antes, un día después de su 50 aniversario de boda. Al funeral, celebrado en el Estudio 5 de Cinecittà, asistieron unas 70.000 personas. A petición de Giulietta Masina, el trompetista Mauro Maur tocó el «Improvviso dell’Angelo» de Nino Rota durante la ceremonia.

Cinco meses después, el 23 de marzo de 1994, Masina murió de cáncer de pulmón. Fellini, Masina y su hijo, Pierfederico, están enterrados en un sepulcro de bronce esculpido por Arnaldo Pomodoro. Diseñada como la proa de un barco, la tumba se encuentra en la entrada principal del cementerio de Rímini. El aeropuerto Federico Fellini de Rímini lleva su nombre en su honor.

Fellini creció en el seno de una familia católica romana y se consideraba católico, pero evitó la actividad formal en la Iglesia Católica. Las películas de Fellini incluyen temas católicos; algunas celebran las enseñanzas católicas, mientras que otras critican o ridiculizan el dogma eclesiástico.

En 1965, Fellini dijo:

Voy a la iglesia sólo cuando tengo que rodar una escena en la iglesia, o por una razón estética o nostálgica. Para tener fe, puedes ir a una mujer. Quizá eso sea más religioso».

Fellini era en general indiferente a la política, pero le disgustaban las instituciones autoritarias y, según Bondanella, creía en «la dignidad e incluso la nobleza del ser humano individual». En una entrevista de 1966, declaró: «Me fijo si ciertas ideologías o actitudes políticas amenazan la libertad privada del individuo. Pero por lo demás, no estoy dispuesto ni pienso interesarme por la política».

A pesar de que varios famosos actores italianos favorecían a los comunistas, Fellini se oponía al comunismo. Prefería moverse en el mundo de la izquierda moderada, y votó al Partido Republicano Italiano de su amigo Ugo La Malfa, así como a los socialistas reformistas de Pietro Nenni, otro amigo suyo, y sólo votó una vez a los democristianos en 1976 para mantener a los comunistas fuera del poder. Bondanella escribe que la DC «estaba demasiado alineada con una Iglesia anterior al Vaticano II extremadamente conservadora e incluso reaccionaria para satisfacer los gustos de Fellini».

Aparte de satirizar a Silvio Berlusconi y a la televisión dominante en Ginger y Fred, Fellini rara vez expresó opiniones políticas en público y nunca dirigió una película abiertamente política. En los años noventa dirigió dos anuncios televisivos electorales: uno para DC y otro para el Partido Republicano Italiano (PRI). Su eslogan «Non si interrompe un’emozione» (No interrumpas una emoción) iba dirigido contra el uso excesivo de anuncios televisivos. El Partido Democrático de Izquierda también utilizó el eslogan en los referendos de 1995.

Visiones personales y muy idiosincrásicas de la sociedad, las películas de Fellini son una combinación única de memoria, sueños, fantasía y deseo. Los adjetivos «felliniano» y «felliniesco» son «sinónimos de cualquier tipo de imagen extravagante, fantasiosa, incluso barroca en el cine y en el arte en general». La Dolce Vita aportó el término paparazzi a la lengua inglesa, derivado de Paparazzo, el fotógrafo amigo del periodista Marcello Rubini (Marcello Mastroianni).

Cineastas contemporáneos como Tim Burton o Emir Kusturica han citado la influencia de Fellini en su obra.

El director polaco Wojciech Has, cuyas dos películas mejor recibidas, El manuscrito de Zaragoza (1965) y El sanatorio del reloj de arena (1973), son ejemplos de fantasías modernistas, ha sido comparado con Fellini por la pura «exuberancia de sus imágenes».

I Vitelloni inspiró a los directores europeos Juan Antonio Bardem, Marco Ferreri y Lina Wertmüller, e influyó en Mean Streets (1973), de Martin Scorsese, American Graffiti (1974), de George Lucas, St. Elmo’s Fire (1985), de Joel Schumacher, y Diner (1982), de Barry Levinson, entre muchas otras. Cuando en 1963 la revista estadounidense Cinema pidió a Stanley Kubrick que nombrara sus diez películas favoritas, éste situó I Vitelloni en el puesto número uno.

Las noches de Cabiria fue adaptada como el musical de Broadway Sweet Charity y la película Sweet Charity (1969) de Bob Fosse protagonizada por Shirley MacLaine. Ciudad de mujeres fue adaptada al teatro berlinés por Frank Castorf en 1992.

8+1⁄2 inspiró, entre otras, Mickey One (Arthur Penn, 1965), Alex en el país de las maravillas (Paul Mazursky, 1970), Cuidado con la puta santa (Rainer Werner Fassbinder, 1971), Día por noche (François Truffaut, 1973), All That Jazz (Bob Fosse, 1979), Stardust Memories (Woody Allen, 1980), Sogni d’oro (Nanni Moretti, 1981), Parad Planet (Vadim Abdrashitov, 1984), La Película del rey (Carlos Sorin, 1986), Living in Oblivion (Tom DiCillo, 1995), 8+1⁄2 Women (Peter Greenaway, 1999), Falling Down (Joel Schumacher, 1993) y el musical de Broadway Nine (Maury Yeston y Arthur Kopit, 1982). ¡Yo-Yo Boing! (1998), novela española de la escritora puertorriqueña Giannina Braschi, incluye una secuencia onírica con Fellini inspirada en 8+1⁄2.

Se hace referencia a la obra de Fellini en los álbumes Fellini Days (2001) de Fish, Another Side of Bob Dylan (1964) de Bob Dylan con Motorpsycho Nitemare, Funplex (2008) de los B-52’s con la canción Juliet of the Spirits, y en el atasco inicial del vídeo musical Everybody Hurts de R.E.M. La cantante estadounidense Lana Del Rey ha citado a Fellini como influencia. Su obra influyó en los programas de televisión estadounidenses Northern Exposure y Third Rock from the Sun. El cortometraje de Wes Anderson Castello Cavalcanti (2013) es en muchos momentos un homenaje directo a Fellini. En 1996, Entertainment Weekly incluyó a Fellini en el décimo puesto de su lista de «Los 50 mejores directores». En 2002, la revista MovieMaker incluyó a Fellini en el noveno puesto de su lista de los 25 directores más influyentes de todos los tiempos. En 2007, la revista Total Film incluyó a Fellini en el puesto 67 de su lista de «Los 100 mejores directores de cine de la historia».

Diversos materiales relacionados con el cine y documentos personales de Fellini se encuentran en los Archivos Cinematográficos de la Universidad Wesleyan, a los que tienen pleno acceso estudiosos y expertos en medios de comunicación. En octubre de 2009, el Jeu de Paume de París inauguró una exposición dedicada a Fellini que incluía material efímero, entrevistas televisivas, fotografías entre bastidores, el Libro de los Sueños (basado en 30 años de sueños y notas ilustradas del director), junto con fragmentos de La dolce vita y 8+1⁄2.

En 2014, el semanario especializado en espectáculos Variety anunció que el director francés Sylvain Chomet seguía adelante con Las mil millas, un proyecto basado en varias obras de Fellini, incluidos sus dibujos y escritos inéditos.

Como guionista

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Fuentes

Fuentes

1. Federico Fellini
2. Federico Fellini
3. ^ Fellini & Pettigrew 2003, p. 87. Buñuel is the auteur I feel closest to in terms of an idea of cinema or the tendency to make particular kinds of films.
4. ^ Stubbs 2006, pp. 152–153. One of Cabiria’s finest moments comes in the movie’s nightclub scene. It begins when the actor’s girlfriend deserts him, and the star picks up Cabiria on the street as a replacement. He whisks her away to the nightclub. Fellini has admitted that this scene owes a debt to Chaplin’s City Lights (1931). Peter Bondanella points out that Gelsomina’s costume, makeup, and antics as a clown figure had «clear links to Fellini’s past as a cartoonist-imitator of Happy Hooligan and Charlie Chaplin.
5. ^ Bondanella 1978, p. 167. In his study of Fellini Satyricon, Italian novelist Alberto Moravia observes that with «the oars of his galleys suspended in the air, Fellini revives for us the lances of the battle in Eisenstein’s Alexander Nevsky (film).
6. ^ Fellini & Pettigrew 2003, pp. 17–18. Roberto Rossellini walked into my life at a moment when I needed to make a choice, when I needed someone to show me the path to follow. He was the stationmaster, the green light of providence… He taught me how to thrive on chaos by ignoring it and focusing on what was essential: constructing your film day by day. In Fellini on Fellini, the director explains that his «meeting with Rossellini was a determining factor… he taught me to make a film as if I were going for a picnic with friends».
7. ^ Ramacci.
8. ^ «Giulio Cesare», su liceocesarevalgimigli.it. URL consultato il 24 gennaio 2012 (archiviato dall’url originale il 27 dicembre 2011).
9. ^ Pier Mario Fasanotti, Tra il Po, il monte e la marina. I romagnoli da Artusi a Fellini, Neri Pozza, Vicenza, 2017, pp. 251-273.
10. ^ Note biografiche Fellini, su ibc.regione.emilia-romagna.it. URL consultato il 17 marzo 2019 (archiviato il 19 gennaio 2020).
11. ^ Kezich, Tullio., Federico Fellini : his life and work, I.B. Tauris, 2007, ISBN 9781845114251, OCLC 76852740. URL consultato il 21 marzo 2019 (archiviato il 28 maggio 2021).
12. a b Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. április 9.)
13. a b Nagy szovjet enciklopédia (1969–1978), Феллини Федерико, 2015. szeptember 28.
14. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
15. Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. december 10.)
16. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Directors’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 13. Oktober 2018; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk
17. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Critics’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 3. März 2016; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk
18. Quelle: Tullio Kezich: Federico Fellini: His Life and Work, 2006, in: Google Bücher, S. 74, aufgerufen am 4. November 2013.
19. vgl. Chandler, S. 388.
20. a b c Chandler, S. 388.