Луиз Буржоа

Delice Bette | септември 1, 2022

Резюме

Луиз Жозефин Буржоа (25 декември 1911 – 31 май 2010) е френско-американска художничка. Въпреки че е най-известна с мащабните си скулптури и инсталации, Буржоа е също така плодотворна художничка и графичка. През дългата си кариера тя изследва различни теми, включително домашния уют и семейството, сексуалността и тялото, както и смъртта и несъзнаваното. Тези теми са свързани със събития от детството ѝ, които тя смята за терапевтичен процес. Въпреки че Буржоа е участвала в изложби заедно с абстрактните експресионисти и творчеството ѝ има много общо със сюрреализма и феминисткото изкуство, тя не е била официално свързана с конкретно художествено движение.

Ранен живот

Буржоа е роден на 25 декември 1911 г. в Париж, Франция. Тя е средното от три деца, родени от родителите Жозефин Форио и Луи Буржоа. Родителите ѝ притежават галерия, която се занимава предимно със старинни гоблени. Няколко години след раждането ѝ семейството ѝ се премества от Париж и създава работилница за реставрация на гоблени под апартамента си в Шоази льо Роа, за която Буржоа попълва десените, където те са се изтъркали. Долната част на гоблените винаги е била повредена, което обикновено се дължи на краката на героите и лапите на животните.

През 1930 г. Буржоа постъпва в Сорбоната, за да изучава математика и геометрия – дисциплини, които цени заради тяхната стабилност, като казва: „Получих спокойствие само чрез изучаването на правила, които никой не може да промени.“

Майка ѝ умира през 1932 г., докато Буржоа учи математика. Смъртта на майка ѝ я вдъхновява да изостави математиката и да започне да изучава изкуство. Продължава да изучава изкуство, като се включва в класове, в които са необходими преводачи за англоговорящите студенти, особено защото за преводачите не се плаща такса за обучение. В един от тези класове Фернан Леже вижда работата ѝ и ѝ казва, че е скулптор, а не художник. Буржоа започва работа като доцент, който води обиколки в Музея на Лувъра.

Буржоа завършва Сорбоната през 1935 г. Започва да учи изкуство в Париж, първо в École des Beaux-Arts и École du Louvre, а след 1932 г. – в независимите академии на Монпарнас и Монмартър като Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière и при Андре Льоте, Фернан Леже, Пол Колин и Касандра. Буржоа е имал желание за непосредствен опит и често е посещавал ателиета в Париж, като е изучавал техники от художниците и е помагал при организирането на изложби.

През 1938 г. тя отваря собствена галерия в съседство с галерията за гоблени на баща си, където показва творби на художници като Еужен Делакроа, Анри Матис и Сюзан Валадон и където се запознава с гостуващия американски професор по изкуство Робърт Голдуотър като клиент. Двамата се женят и се преместват в САЩ (където той преподава в Нюйоркския университет). Имат трима сина, единият от които е осиновен. Бракът им продължава до смъртта на Голдуотър през 1973 г.

Буржоа се установява в Ню Йорк със съпруга си през 1938 г. Продължава образованието си в Лигата на студентите по изкуствата в Ню Йорк, където учи живопис при Вацлав Витлачил, а също така създава скулптури и графики. „Първата картина беше с решетка: решетката е нещо много спокойно, защото нищо не може да се обърка … всичко е завършено. Няма място за безпокойство… всичко си има място, всичко е добре дошло.“

Буржоа включва тези автобиографични препратки в скулптурата си Quarantania I, изложена в скулптурната градина Cullen в Музея за изящни изкуства в Хюстън.

Средни години

За Буржоа началото на 40-те години на ХХ в. представлява трудностите на прехода към нова страна и борбата за навлизане в изложбения свят на Ню Йорк. По това време творбите ѝ са изградени от отпадъци от сметища и плаващи дървета, които тя използва за изрязване на вертикални дървени скулптури. Нечистотиите в дървото се прикриват с боя, след което с пирони се правят дупки и драскотини, за да се изобрази някаква емоция. Спящата фигура е един такъв пример, който изобразява военна фигура, която не е в състояние да се изправи пред реалния свят поради уязвимост. През целия си живот творбите на Буржоа са създадени от връщането към собственото ѝ проблемно минало, тъй като тя намира вдъхновение и временен катарзис от детските си години и насилието, което е претърпяла от баща си. Бавно тя развива все по-голяма артистична увереност, въпреки че средните ѝ години са по-непрозрачни, което може би се дължи на факта, че получава много малко внимание от света на изкуството, въпреки че има първата си самостоятелна изложба през 1945 г. През 1951 г. баща ѝ умира и тя получава американско гражданство.

През 1954 г. Буржоа се присъединява към Групата на американските абстрактни художници заедно с няколко свои съвременници, сред които Барнет Нюман и Ад Райнхард. По това време тя се сприятелява и с художниците Вилем де Кунинг, Марк Ротко и Джаксън Полок. Като част от Американската група на абстрактните художници Буржоа преминава от дърво и вертикални конструкции към мрамор, гипс и бронз, като изследва проблеми като страх, уязвимост и загуба на контрол. Този преход е повратна точка. Тя нарича изкуството си поредица или последователност, тясно свързана с дните и обстоятелствата, описвайки ранните си работи като страх от падане, който по-късно се трансформира в изкуството да падаш, а последната еволюция – в изкуството да се задържиш там. Конфликтите в реалния живот ѝ дават възможност да удостовери своите преживявания и борби чрез уникална форма на изкуство. През 1958 г. Буржоа и съпругът ѝ се преместват в терасовидна къща на Западна 20-та улица в Челси, Манхатън, където тя живее и работи до края на живота си.

Въпреки че отхвърля идеята, че изкуството ѝ е феминистко, темата на Буржоа е жената. Творби като „Femme Maison“ (1946-1947), „Автопортрет на торса“ (1963-1964), „Арка на хистерията“ (1993) изобразяват женското тяло. В края на 60-те години на ХХ в. образите ѝ стават по-явно сексуални, тъй като тя изследва отношенията между мъжете и жените и емоционалното въздействие на проблемното си детство. Сексуално откровени скулптури като Janus Fleuri (1968 г.) показват, че тя не се страхува да използва женската форма по нови начини. Цитирани са думите ѝ: „Моята работа се занимава с проблеми, които са преди пола“, пише тя. „Например ревността не е нито мъжка, нито женска.“ С възхода на феминизма творбите ѝ намират по-широка публика. Въпреки това твърдение, през 1976 г. Femme Maison е представена на корицата на книгата на Люси Липард „От центъра“: и се превръща в икона на феминисткото движение за изкуство.

По-късен живот

През 1973 г. Буржоа започва да преподава в Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College и New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. От 1974 г. до 1977 г. Буржоа работи в Училището за визуални изкуства в Ню Йорк, където преподава графично изкуство и скулптура. Дълги години преподава и в държавните училища в Грейт Нек, Лонг Айлънд.

В началото на 70-те години Буржоа организира в дома си в Челси събирания, наречени „Неделя, кървава неделя“. Тези салони се изпълвали с млади художници и студенти, чиито творби били критикувани от Буржоа. Безпощадността на Буржоа в критиката и сухото ѝ чувство за хумор довеждат до наименованието на тези срещи. Буржоа вдъхновява много млади студенти да създават изкуство с феминистки характер. Дългогодишният приятел и асистент на Луиз, Джери Горовой, обаче заявява, че Луиз е смятала собственото си творчество за „предджендърно“.

Буржоа се присъединява към активисти и става член на групата Fight Censorship, феминистки колектив за борба с цензурата, основан от колежката ѝ художничка Анита Стекел. През 70-те години на ХХ в. групата защитава използването на сексуални образи в произведенията на изкуството. Стекел твърди: „Ако еректиралият пенис не е достатъчно благоприличен, за да влезе в музеите, той не трябва да се смята за достатъчно благоприличен, за да влезе в жените.“

През 1978 г. Буржоа получава поръчка от администрацията на Главните служби да създаде „Facets of the Sun“ – първата ѝ публична скулптура. Творбата е инсталирана пред федерална сграда в Манчестър, Ню Хемпшир. Първата ретроспектива на Буржоа е организирана през 1982 г. от Музея за модерно изкуство в Ню Йорк. Дотогава тя е била периферна фигура в изкуството, чието творчество е било по-скоро обект на възхищение, отколкото на признание. В интервю за Artforum, което съвпада с откриването на ретроспективата ѝ, тя разкрива, че образите в скулптурите ѝ са изцяло автобиографични. Тя споделя със света, че обсесивно преживява чрез изкуството си травмата от откритието като дете, че английската ѝ гувернантка е била и любовница на баща ѝ.

През 1989 г. Буржоа прави гравюра в сух печат, „Mud Lane“, на къщата, която поддържа в Стейпълтън, Стейтън Айлънд, към която се отнася по-скоро като към скулптурна среда, отколкото като към жилищно пространство.

Друга ретроспекция на Буржоа е организирана през 1989 г. на Documenta 9 в Касел, Германия. През 1993 г., когато Кралската академия на изкуствата организира цялостно изследване на американското изкуство през ХХ век, организаторите не смятат, че творчеството на Буржоа е от съществено значение за включването му в изследването. Това проучване обаче е критикувано за много пропуски, като един критик пише, че „цели раздели от най-доброто американско изкуство са изтрити“, и посочва, че са включени много малко жени. През 2000 г. нейни творби са избрани да бъдат показани при откриването на Tate Modern в Лондон. През 2001 г. тя прави изложба в Ермитажа.

През 2010 г., в последната година от живота си, Буржоа използва изкуството си, за да се застъпи за равенството на лесбийките, гейовете, бисексуалните и транссексуалните (ЛГБТ). Тя създава творбата „Аз правя“, изобразяваща две цветя, израстващи от едно стъбло, в полза на организацията с нестопанска цел „Свобода за брак“. Буржоа е казал: „Всеки трябва да има право да се ожени. Да поемеш ангажимент да обичаш някого завинаги е нещо прекрасно.“ Буржоа има история на активизъм в полза на равенството на ЛГБТ, като през 1993 г. създава произведения на изкуството за организацията на активистите за борба със СПИН ACT UP.

Смърт

Буржоа умира от сърдечна недостатъчност на 31 май 2010 г. в медицинския център „Бет Израел“ в Манхатън. Уенди Уилямс, управляващ директор на студиото на Луиз Буржоа, съобщава за смъртта ѝ. Тя продължава да създава произведения на изкуството до смъртта си, като последните ѝ творби са завършени седмица преди това.

Вестник „Ню Йорк Таймс“ пише, че творбите ѝ „споделят набор от повтарящи се теми, съсредоточени върху човешкото тяло и нуждата му от грижа и защита в един плашещ свят“.

Съпругът ѝ Робърт Голдуотър умира през 1973 г. Тя е преживяна от двама сина, Ален Буржоа и Жан-Луи Буржоа. Първият ѝ син, Мишел, умира през 1990 г.

Femme Maison

Femme Maison (1946-47) е серия от картини, в които Буржоа изследва връзката на жената с дома. В творбите главите на жените са заменени с къщи, което изолира телата им от външния свят и запазва съзнанието им домашно. Тази тема върви заедно с дехуманизацията на модерното изкуство.

Унищожаването на бащата

„Унищожението на бащата“ (1974) е биографично и психологическо изследване на властовата доминация на бащата и неговото потомство. Творбата представлява инсталация в телесни тонове в мека и подобна на утроба стая. Изработена от гипс, латекс, дърво, плат и червена светлина, Destruction of the Father е първата творба, в която тя използва меки материали в голям мащаб. Влизайки в инсталацията, зрителят застава пред последиците от престъпление. Разположени в стилизирана трапезария (с двойно въздействие на спалня), абстрактните капковидни деца на един властен баща са се разбунтували, убили са го и са го изяли.

… разказва на пленените слушатели колко е велик, колко прекрасни неща е направил, колко лоши хора е погубил днес. Но това продължава ден след ден. Във въздуха се усеща трагедия. Твърде често той си казва думата. Той е непоносимо доминиращ, макар че вероятно сам не го осъзнава. Нараства някаква неприязън и един ден с брат ми решихме: „Дойде времето!“. Хванахме го, сложихме го на масата и с ножовете си го препарирахме. Разглобихме го и го разчленихме, отрязахме пениса му. И той стана храна. Изядохме го… той беше ликвидиран по същия начин, по който ликвидираше децата.

Екзорсизмът в изкуството

През 1982 г. в Музея за модерно изкуство в Ню Йорк е представена творбата на неизвестната художничка Луиз Буржоа. Тя е на 70 години и е художник със смесена техника, който работи върху хартия, с метал, мрамор и кости от животински скелети. Семейните травми от детството „пораждат екзорсизъм в изкуството“ и тя отчаяно се опитва да изчисти вълненията си с творбите си. Чувствала, че може да се докосне до проблемите на женската идентичност, тялото, разбитото семейство, много преди светът на изкуството и обществото да ги сметнат за изразени теми в изкуството. Това е бил начинът на Буржоус да намери своя център и да стабилизира емоционалното си безпокойство. По онова време „Ню Йорк Таймс“ пише, че „творбите ѝ са заредени с нежност и насилие, приемане и предизвикателство, амбивалентност и убеденост“.

Клетки

През осемдесетте години Буржоа създава две серии затворени инсталации, които нарича „клетки“. Много от тях са малки помещения, в които зрителят е подканен да надникне навътре към подредени символични предмети; други са малки стаи, в които зрителят е поканен да влезе. В клетките Буржоа използва по-ранни скулптурни форми, намерени предмети, както и лични вещи, които носят силен личен емоционален заряд за художничката.

Клетките съдържат психологически и интелектуални състояния, най-вече чувства на страх и болка. Буржоа заявява, че клетките представляват „различни видове болка; физическа, емоционална и психологическа, умствена и интелектуална … Всяка клетка се занимава с определен страх. Страхът е болка … Всяка клетка се занимава с удоволствието на воайора, с тръпката да гледаш и да бъдеш гледан“.

Maman

В края на 90-те години на ХХ век Буржоа започва да използва паяка като централен образ в своето изкуство. Маман, която се издига на повече от девет метра височина, е скулптура от стомана и мрамор, от която впоследствие е отлята серия от шест бронза. За първи път тя се появява като част от поръчката на Буржоа за серията The Unilever за зала Turbine Hall на Tate Modern през 2000 г., а неотдавна скулптурата е инсталирана в Катарския национален конгресен център в Доха, Катар. Най-голямата ѝ скулптура на паяк, озаглавена Maman, е с височина над 30 фута (9,1 м) и е инсталирана на множество места по света. Това е най-голямата скулптура на паяк, правена някога от Буржоа. Освен това Maman загатва за силата на майката с метафори на предене, тъкане, отглеждане и защита. Преобладаващият мотив на паяка в творбите ѝ е дал повод да я нарекат Жената-паяк.

„Паякът“ е ода за майка ми. Тя беше най-добрият ми приятел. Подобно на паяк, майка ми беше тъкачка. Семейството ми се занимаваше с реставрация на гоблени, а майка ми ръководеше работилницата. Подобно на паяците, майка ми беше много умна. Паяците са приятелски настроени присъствия, които ядат комари. Знаем, че комарите разпространяват болести и затова са нежелани. Така че паяците са полезни и защитни, точно като майка ми.

Maisons fragiles

Крехките къщи на Буржоа

Печатане

Графиката на Буржоа процъфтява в ранния и късния етап на кариерата ѝ: през 30-те и 40-те години на ХХ век, когато за първи път пристига в Ню Йорк от Париж, и след това отново от 80-те години, когато творбите ѝ започват да получават широко признание. В началото тя прави гравюри вкъщи на малка преса или в прочутото ателие „Ателие 17“. Този период е последван от дълго прекъсване, когато Буржоа се насочва изцяло към скулптурата. Едва на седемдесетгодишна възраст тя отново започва да прави гравюри, насърчена първо от издателите на печатни издания. Тя създава старата си печатница и добавя втора, като същевременно работи в тясно сътрудничество с печатари, които идват в дома ѝ, за да си сътрудничат. Следва много активен период на печатна дейност, който продължава до смъртта на художничката. През живота си Буржоа създава около 1500 печатни композиции.

През 1990 г. Буржоа решава да дари пълния архив на своите печатни произведения на Музея за модерно изкуство. През 2013 г. Музеят пуска онлайн каталога raisonné „Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books“. Сайтът се фокусира върху творческия процес на художничката и поставя гравюрите и илюстрованите книги на Буржоа в контекста на цялостното ѝ творчество, като включва свързани творби в други медии, които разглеждат същите теми и образи.

Теми

Една от темите в творчеството на Буржоа е тази за травмите от детството и скритите емоции. След като майката на Луиза се разболява от грип, бащата на Луиза започва да има връзки с други жени, най-вече със Сейди, учителката по английски на Луиза. Той довеждал любовници вкъщи и изневерявал пред цялото си семейство. Луиза била изключително бдителна и наясно със ситуацията. Това е началото на ангажираността на художничката с двойните стандарти, свързани с пола и сексуалността, която намира израз в голяма част от творбите ѝ. Тя си спомня как баща ѝ многократно казва „Обичам те“ на майка ѝ, въпреки изневярата. „Той беше вълкът, а тя – разумният заек, който му прощаваше и го приемаше такъв, какъвто е“. Творбата ѝ от 1993 г. „Клетка: По-добре да пораснеш“, част от поредицата „Клетка“, говори директно за травмите от детството на Луиза и несигурността, която я е заобикаляла. Работата Give or Take от 2002 г. се определя от скритата емоция, представяща силната дилема, пред която хората се изправят през целия си живот, докато се опитват да балансират действията да дават и да вземат. Тази дилема е представена не само от формата на скулптурата, но и от тежестта на материала, от който е изработена тази творба.

Майчинството е друга повтаряща се тема в творчеството на Буржоа. Майка ѝ е тази, която насърчава Буржоа да рисува и я въвлича в бизнеса с гоблени. Буржоа смята майка си за интелектуална и методична; постоянният мотив на паяка в творбите ѝ често представлява майка ѝ. Представата за паяк, който преде и тъче мрежата си, е пряка препратка към бизнеса на родителите ѝ с гоблени и може да се разглежда и като метафора за майка ѝ, която поправя нещата.

Буржоа изследва концепцията за женственост, като оспорва патриархалните стандарти и създава произведения на изкуството, посветени на майчинството, вместо да показва жените като музи или идеали. Тя е определяна като „неохотния герой на феминисткото изкуство“. Луиз Буржоа е имала феминистки подход към творчеството си, подобен на този на колеги художници като Агнес Мартин и Ева Хесе, като не се е ръководила толкова от политическите мотиви, а е създавала творби, които са се опирали на техния опит в областта на пола и сексуалността, като по естествен начин се е ангажирала с проблемите на жените.

Архитектурата и паметта са важни компоненти в работата на Буржоа. Работите на Буржоа са много органични, биологични, репродуктивни; те привличат вниманието към самата работа. Луиза описва архитектурата като визуален израз на паметта или паметта като вид архитектура. Споменът, който присъства в голяма част от работите ѝ, е измислен спомен – за смъртта или екзорсизма на баща ѝ. Измисленият спомен се преплита с реалните ѝ спомени, включително живота срещу кланица и аферата на баща ѝ. За Луиза баща ѝ представлява нараняване и война, възвеличаване на себе си и принизяване на другите и най-вече човек, който представлява предателство. Творбата ѝ от 1993 г. „Клетка“ (три бели мраморни сфери) говори за страх и пленничество. Огледалата в нея представят една променена и изкривена реалност.

Сексуалността несъмнено е една от най-важните теми в творчеството на Луиз Буржоа. Връзката между сексуалността и крехкостта или несигурността също е силна. Твърди се, че това се дължи на спомените от детството ѝ и аферите на баща ѝ. През 1952 г. „Спираловидна жена“ съчетава фокуса на Луиз върху женската сексуалност и изтезанията. Свиването на мускулите на краката и ръцете показва, че Спираловидната жена все още е горе, въпреки че е задушена и обесена. В „Навътре и навън“ от 1995 г. се използват студени метални материали, за да се свърже сексуалността с гнева и може би дори с пленничеството.

Спиралата в творбите ѝ демонстрира опасното търсене на несигурно равновесие, постоянна промяна без инциденти, безпорядък, замаяност, вихрушка. В нея се крие едновременно позитивното и негативното, бъдещето и миналото, раздялата и завръщането, надеждата и суетата, планът и споменът.

Творчеството на Луиз Буржоа се захранва от изповеди, автопортрети, спомени, фантазии на едно неспокойно същество, което чрез скулптурата си търси спокойствие и ред, липсващи в детството му.

Сътрудничество

Това сътрудничество се осъществява в продължение на две години с британската художничка Трейси Емин. Работата е изложена в Лондон месеци след смъртта на Буржоа през 2010 г. Тематиката се състои от мъжки и женски образи. Въпреки че те изглеждат сексуални, тя изобразява малка женска фигура, която отдава почит на гигантска мъжка фигура, като Бог. Луиз Буржоа е направила акварелните бои, а Трейси Емин – рисунката отгоре. На Емин ѝ отнема две години, за да реши как да разбере какво ще допринесе в съвместната работа. Когато знаела какво да прави, завършила всички рисунки за един ден и смята, че всяка една от тях се е получила перфектно. Книгата „Изгубих те“ е за загубата на децата, за загубата на живота. Буржоа е трябвало да погребе сина си като родител. Изоставянето за нея е свързано не само със загубата на майка ѝ, но и на сина ѝ. Въпреки разликата във възрастта между двете художнички и различията в творчеството им, сътрудничеството се е получило леко и лесно.

Изложби

Сред основните колекции на нейни творби са Националната художествена галерия във Вашингтон, Музеят за модерно изкуство в Ню Йорк, Музеят за модерно изкуство в Сан Франциско, Тейт в Лондон, а през цялата си кариера Буржоа познава много от основните си колекционери, като Джини Уилямс, Агнес Гънд, Идеса Хенделс и Урсула Хаузер. Други частни колекции със забележителни творби на Буржоа включват колекцията Гьотц в Мюнхен.

Буржоа започва да работи с галеристката Пола Англим в Сан Франциско през 1987 г., с Карстен Греве в Париж през 1990 г. и с Hauser & Wirth през 1997 г. Hauser & Wirth е основната галерия за нейното наследство. Други, като галерия Kukje в Сеул и Xavier Hufkens в Брюксел, продължават да се занимават с нейното творчество.

През 2011 г. една от творбите на Буржоа, озаглавена „Паяк“, е продадена за 10,7 милиона долара, което е нов рекорд за художника на търг и най-високата цена, платена за творба на жена по това време. В края на 2015 г. творбата е продадена на друг търг на Christie’s за 28,2 млн. долара.

Луиз Буржоа в Музея за изящни изкуства, Хюстън: https:

Източници

1. Louise Bourgeois
2. Луиз Буржоа
3. ^ Christiane., Weidemann (2008). 50 women artists you should know. Larass, Petra., Klier, Melanie, 1970–. Munich: Prestel. ISBN 978-3-7913-3956-6. OCLC 195744889.
4. ^ „The Spider’s Web“. The New Yorker. 28 January 2002. Retrieved 4 February 2002.
5. ^ a b c d McNay, Michael (31 May 2010). „Louise Bourgeois obituary“. The Guardian. London. Retrieved 12 June 2010.
6. ^ Greenberg, J (2003) Runaway Girl: The Artist Louise Bourgeois. Harry N. Abrams, Inc p. 30. ISBN 978-0-8109-4237-0
7. Elle a acquis la nationalité américaine en 1955[3]
8. The truth is that Freud did nothing for artists, or for the artist’s problem, the artist’s torment – to be an artist involves some suffering. That’s why artists repeat themselves – because they have no access to a cure
9. https://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=53102684
10. «Louise Bourgeois, 1911-2010». theartnewspaper. 4 de junio de 2010. Archivado desde el original el 14 de julio de 2014. Consultado el 8 de julio de 2014.
11. Louise Bourgeois – Video bei Youtube (französisch)
12. Rachel Cooke: She’ll put a spell on you. In: The Guardian. 14. Oktober 2007. (englisch)
13. Lisa Zeitz: Sie ist die Bienenkönigin. Die Künstlerin Louise Bourgeois lebt im New Yorker Stadtteil Chelsea. Sonntags ist Salon für geladene Gäste. In: Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung. Nr. 32, 10. August 2003, Kunstmarkt, S. 50.
14. Tate Modern: Louise Bourgeois Maman 1999