Renesance

gigatos | 1 února, 2022

Souhrn

Renesance, renesance nebo renesancecentismus jsou pojmy označující období evropských dějin zhruba od poloviny 14. století do konce 16. století. Vědci se však na této chronologii neshodli a data se v závislosti na autorovi značně liší. Ačkoli se proměny projevily v kultuře, společnosti, ekonomice, politice a náboženství, charakterizují přechod od feudalismu ke kapitalismu a znamenají evoluci ve vztahu ke středověkým strukturám, termín se častěji používá pro popis jeho dopadů na umění, filozofii a vědu.

Renesancí byla nazývána kvůli intenzivnímu přehodnocování odkazů klasické antiky, které vedlo k postupnému zmírňování vlivu náboženského dogmatismu a mysticismu na kulturu a společnost a současně k rostoucímu uznání racionality, vědy a přírody. V tomto procesu získal člověk novou důstojnost a byl postaven do středu Stvoření, a proto hlavní myšlenkový proud tohoto období dostal název humanismus.

Hnutí se nejprve projevilo v italském Toskánsku, kde byla jeho hlavními centry města Florencie a Siena, odkud se rozšířilo do zbytku italského poloostrova a poté prakticky do všech zemí západní Evropy, a to díky rozvoji tisku a šíření umělců a děl. Itálie vždy zůstávala místem, kde se toto hnutí projevovalo nejtypičtěji, avšak renesanční projevy velkého významu se objevily také v Anglii, Francii, Německu, Holandsku a na Pyrenejském poloostrově. Mezinárodní šíření italských odkazů obecně vytvořilo umění velmi odlišné od svých vzorů, ovlivněné regionálními tradicemi, které je pro mnohé nejlépe definováno jako nový styl, manýrismus. Termín renesance poprvé použil v 16. století Giorgio Vasari, historik, který se snažil Florencii postavit do čela všech nejdůležitějších inovací, a jeho spisy měly rozhodující vliv na pozdější kritiku.

Dlouhou dobu bylo toto období ve Spojených státech a v Evropě vnímáno jako homogenní, soudržné a vždy progresivní hnutí, jako nejzajímavější a nejplodnější období od dob antiky, a jedna z jeho fází, vrcholná renesance, byla posvěcena jako apoteóza předchozího dlouhého hledání nejvznešenějšího výrazu a nejdokonalejšího napodobení klasiky a její umělecký odkaz byl považován za nepřekonatelné paradigma kvality. Studie z posledních desetiletí však tyto tradiční názory přehodnotily, považují je za nepodložené nebo stereotypní a vidí toto období jako mnohem složitější, rozmanitější, rozporuplnější a nepředvídatelnější, než se po generace předpokládalo. Nový konsenzus, který se prosadil, však uznává renesanci jako důležitý mezník v evropských dějinách, jako fázi rychlých a významných změn v mnoha oblastech, jako konstelaci kulturních znaků a symbolů, která určovala většinu toho, čím Evropa byla až do Francouzské revoluce, a která má dodnes velký vliv v mnoha částech světa, a to jak v akademických kruzích, tak v populární kultuře.

Za hlavní hodnotu pěstovanou v renesanci lze označit humanismus, který vycházel z pojmů, jež měly vzdálený původ v klasické antice. Podle Lorenza Casiniho byla „jedním ze základů renesančního hnutí myšlenka, že příklad klasické antiky představuje neocenitelný vzor dokonalosti, na který se může moderní doba, tak dekadentní a nehodná, spolehnout, aby napravila škody napáchané od pádu Římské říše“. Chápalo se také, že Bůh dal světu jen jednu Pravdu, z níž vzešlo křesťanství a která se jako jediná zachovala celá, ale její fragmenty byly dány jiným kulturám, mezi nimiž vynikala řecko-římská kultura, a proto se to, co z antiky zbylo v bibliografii a jiných památkách, těšilo velké úctě.

Ke zrodu humanismu v jeho nejtypičtější podobě v Itálii přispělo několik prvků. Důležitým aspektem je vzpomínka na slávu Římské říše, která se zachovala v ruinách a památkách, a přežití latiny jako živého jazyka. V dílech gramatiků, komentátorů, lékařů a dalších učenců se objevovaly odkazy na klasicismus a příprava právníků, sekretářů, notářů a dalších úředníků obecně vyžadovala studium latinské rétoriky a legislativy. Klasické dědictví pro Italy nikdy zcela nezmizelo a Toskánsko s ním bylo silně spojeno. Ale i když se tam pěstování klasiků udrželo, bylo slabé ve srovnání se zájmem, který vyvolávali antičtí autoři ve Francii a dalších severských zemích přinejmenším od 9. století. Když na konci 13. století začala klasicistní móda ve Francii upadat, začala se ve střední Itálii rozhořívat, a zdá se, že to bylo částečně způsobeno francouzským vlivem. Petrarca (1304-1374) je tradičně označován za zakladatele humanismu, ale vzhledem k existenci několika pozoruhodných předchůdců, jako byl Giovanni del Virgilio v Bologni nebo Albertino Mussato v Padově, byl spíše než zakladatelem prvním velkým představitelem tohoto hnutí.

Více než filozofií byl humanismus také literárním hnutím a metodou učení, která měla širokou škálu zájmů, v níž filozofie nebyla jediným a snad ani převládajícím zájmem. Na rozdíl od středověké scholastiky, která se v podstatě omezovala na konzultace s autoritami minulosti, především s Aristotelem a ranými církevními otci, a na diskuse o rozdílech mezi autory a komentátory, kladla větší důraz na používání individuálního rozumu a analýzu empirických důkazů. Humanismus tyto prameny nezavrhl a nezanedbatelná část jeho tvorby vychází ze středověkých základů, ale začal je znovu zkoumat ve světle nových tezí a řady dalších znovuobjevených starověkých textů. V popisu Encyclopaedia Britannica,

Humanismus se upevňoval od 15. století, a to především díky spisům Marsilia Ficina, Lorenza Valla, Leonarda Bruniho, Poggia Braccioliniho, Erasma Rotterdamského, Rudolfa Agricoly, Pica della Mirandola, Petra Ramuse, Juana Luise Vivese, Francise Bacona, Michela de Montaigne, Bernardina Telesia, Giordana Bruna, Tommasa Campanelly a Thomase Mora, kteří mimo jiné diskutovali o různých aspektech světa přírody, člověka, božství a společnosti, umění a myšlení, zahrnující množství odkazů z antiky, které se dostaly do oběhu prostřednictvím dosud neznámých textů – řeckých, latinských, arabských, židovských, byzantských a jiných – reprezentujících tak rozmanité školy a principy, jako je neoplatonismus, hédonismus, optimismus, individualismus, skepticismus, stoicismus, epikureismus, hermetismus, antropocentrismus, racionalismus, gnosticismus, kabalismus a mnoho dalších. Obnovení studia řečtiny, která byla v Itálii zcela opuštěna, umožnilo znovu prozkoumat původní texty Platóna, Aristotela a dalších autorů, vytvořit nové interpretace a přesnější překlady, které změnily dojem z jejich myšlenek. Jestliže však humanismus byl pozoruhodný tím, co ovlivnil v oblasti etiky, logiky, teologie, jurisprudence, rétoriky, poetiky, umění a humanitních věd, objevitelskou činností, exegezí, překlady a šířením klasických textů a přínosem pro renesanční filozofii v oblasti morální a politické filozofie, podle Smithe a dalších byla většina specificky filozofické práce tohoto období vykonána filozofy vzdělanými v antické scholastické tradici a následovníky Aristotela a metafyziky následovníky Platóna.

Zářivý renesanční kulturní a vědecký rozkvět postavil člověka a jeho logické uvažování a vědu jako měřítko a arbitra zjevného života. To vyvolávalo optimistické pocity, pozitivně otevíralo člověka novému a povzbuzovalo jeho badatelského ducha. Vývoj nového postoje k životu opustil přílišnou spiritualitu gotiky a viděl materiální svět s jeho přírodními a kulturními krásami jako místo, které je třeba užívat, s důrazem na individuální prožitek a skryté možnosti člověka. Italské demokratické experimenty, rostoucí prestiž umělce jako učence, a nikoliv pouhého řemeslníka, a nové pojetí vzdělání, které oceňovalo individuální nadání každého člověka a snažilo se rozvíjet člověka jako celistvou a integrovanou bytost s plným projevem jeho duchovních, morálních a fyzických schopností, navíc podpořily nové pocity společenské a individuální svobody.

Diskutovalo se o teoriích dokonalosti a pokroku a příprava, kterou humanisté prosazovali pro formování ideálního člověka, člověka tělesného i duchovního, zároveň filozofa, vědce a umělce, rozšířila středověkou strukturu výuky trívia a kvadrívia a vytvořila tak nové vědy a disciplíny, nové pojetí výuky a výchovy a novou vědeckou metodu. V tomto období byly vynalezeny různé vědecké přístroje, objeveny různé přírodní zákony a dosud neznámé fyzikální objekty a po objevech velkých mořeplaveckých cest se pro Evropany změnila samotná tvář planety, přičemž fyzika, matematika, medicína, astronomie, filozofie, inženýrství, filologie a různé další obory poznání dosáhly nebývalé úrovně složitosti, efektivity a přesnosti, přičemž každý z nich přispěl k exponenciálnímu růstu celkového poznání, což vedlo k tomu, že dějiny lidstva byly pojaty jako neustálý rozvoj a vždy k lepšímu. Tento duch důvěry v život a člověka spojuje renesanci s klasickou antikou a definuje velkou část jejího odkazu. Následující úryvek z knihy Pantagruel (1532) od Françoise Rabelaise je často citován pro ilustraci ducha renesance:

Navzdory představě, kterou si o sobě renesance mohla udělat, nemohlo být toto hnutí nikdy doslovnou nápodobou antické kultury, protože se vše odehrávalo pod pláštěm katolicismu, jehož hodnoty a kosmogonie se od antického pohanství značně lišily. Renesance tak byla svým způsobem originálním a eklektickým pokusem o harmonizaci pohanského neoplatonismu s křesťanským náboženstvím, erosu s charitas, spolu s východními, židovskými a arabskými vlivy, přičemž studium magie, astrologie a okultismu hrálo důležitou roli při vytváření systémů disciplíny, morálního a duchovního zdokonalování a nového symbolického jazyka.

Jestliže dříve bylo křesťanství jedinou cestou k Bohu, která zakládala celý výklad života a světa a poskytovala ospravedlnění panujícímu společenskému řádu, humanisté ukazovali, že existuje mnoho jiných cest a možností, že se nesnaží popírat podstatu víry – to by nebylo možné dlouho udržet, všechna radikální popření v té době končila násilným potlačením -, ale proměňují výklad dogmat a jejich vztah k životu a společenským dramatům. To poskytlo náboženství větší flexibilitu a přizpůsobivost, ale znamenalo to pokles jeho prestiže a vlivu na společnost, protože se člověk trochu více emancipoval od jeho poručnictví. Středověké myšlení mělo tendenci vidět člověka jako odporné stvoření, „hmotu hniloby, prachu a popela“, jak to v jedenáctém století vyjádřil Petr Damián. Když se však v 15. století objevil Pico della Mirandola, představoval již člověk střed vesmíru, zmutovanou, nesmrtelnou, autonomní, svobodnou, tvořivou a mocnou bytost, v níž se ozývaly starší hlasy Herma Trismegista („Velký zázrak je člověk“) a Araba Abdaly („Není nic úžasnějšího než člověk“).

Na jedné straně se někteří z nich považovali za dědice tradice, která zmizela před tisíci lety, věřili, že vlastně oživují velkou antickou kulturu, a dokonce se cítili trochu jako současníci Římanů. Byli však i jiní, kteří viděli svůj věk jako odlišný od středověku i starověku, s dosud nevídaným způsobem života, který byl často prohlašován za dokonalost staletí. Jiné proudy prosazovaly názor, že dějiny jsou cyklické a mají nevyhnutelné fáze vzestupu, apogea a úpadku a že člověk je bytostí podléhající silám, které jsou mimo jeho moc, a nemá úplnou vládu nad svými myšlenkami, schopnostmi a vášněmi, ani nad délkou svého života. Byli i nespokojenci, kterým se nelíbila rychlá sekularizace společnosti a okázalost bohatých a hlásali návrat ke středověké mystice a strohosti. Nedávné výzkumy ukázaly, že množící se eklektická díla, idiosynkratické metodologie, rozdílné názory, ambice na encyklopedické poznání a redefinování estetických a filozofických kánonů a etických kodexů vyvolaly v té době tolik diskusí, že se ukázalo, že renesanční myšlení bylo mnohem heterogennější, než se dosud soudilo, a že toto období bylo tak dynamické a tvůrčí mimo jiné i díky množství kontroverzí.

Renesance bývá často popisována jako optimistická doba – a dokumenty ukazují, že tak byla ve své době ve vlivných kruzích vnímána -, ale při konfrontaci s životem mimo knihy se její filozofové vždy potýkali s rozpory mezi rajským idealismem, který navrhovali jako přirozené dědictví člověka, bytost stvořenou k Boží podobě, a brutální krutost politické tyranie, lidová povstání a války, epidemie, endemická chudoba a hlad a chronická morální dramata obyčejného, skutečného člověka.

Optimismus, který se udržel alespoň mezi elitami, se každopádně znovu ztratil v 16. století, kdy se znovu objevil skepticismus, pesimismus, ironie a pragmatismus u Erasma, Machiavelliho, Rabelaise a Montaigna, kteří uctívali krásu ideálů klasicismu, ale bohužel konstatovali nemožnost jejich praktického uplatnění. Zatímco část kritiky chápe tuto změnu atmosféry jako závěrečnou fázi renesance, jiná část ji definuje jako jeden ze základů samostatného kulturního směru, manýrismu.

Renesance se obvykle dělí na tři hlavní etapy: Trecento, Quattrocento a Cinquecento, které odpovídají 14., 15. a 16. století, s krátkou přestávkou mezi posledními dvěma etapami nazývanou vrcholná renesance.

Přečtěte si také, bitvy – Bitva na Katalaunských polích

Trecento

Trecento (14. století) představuje přípravu na renesanci a je v podstatě italským fenoménem, přesněji řečeno fenoménem Toskánska, a přestože v různých centrech, jako je Pisa, Siena, Padova, Benátky, Verona a Milán, docházelo v této době k počínajícímu procesu humanizace myšlení a odklonu od gotiky, ve většině těchto míst byly vládní režimy příliš konzervativní, než aby umožnily výrazné kulturní změny. Florencii připadla role intelektuální avantgardy, která vedla transformaci od středověkého k modernímu modelu. Tato centralizace se však ve Florencii projevila až na konci trecenta.

Identifikace zakladatelských prvků italské renesance nutně zahrnuje studium florentské ekonomiky a politiky a jejich sociálních a kulturních dopadů, ale existuje mnoho nejasných aspektů a tato oblast je plná kontroverzí. Podle Richarda Lindholma však panuje poměrně široká shoda v tom, že ekonomická dynamika, pružnost společnosti tváří v tvář výzvám, její schopnost rychle reagovat v krizových situacích, ochota přijímat rizika a vřelé občanské cítění ve velkém měřítku byly určujícími faktory pro kulturní, architektonický a umělecký rozkvět, který se rozvíjel a posiloval.

Výrobní systém se vyvíjel novými metodami, s novou dělbou práce a postupující mechanizací. Florentské hospodářství bylo poháněno především výrobou a obchodem s látkami. Byla to nestabilní, ale dynamická ekonomika, která se dokázala radikálně přizpůsobit nepředvídaným událostem, jako byly války a epidemie. Příznivé období začalo kolem roku 1330 a po morové epidemii v roce 1348 se obnovilo a ještě více rozmohlo a nabízelo látky a oděvy vysokého luxusu a propracovanosti.

Od minulého století se v toskánské společnosti vytvářela střední třída, která se finančně emancipovala díky sdružování do cechů, řemeslnických korporací, jež si monopolizovaly poskytování určitých služeb a výrobu určitých materiálů a předmětů. Ve Florencii byly rozděleny do dvou kategorií: hlavní řemesla (kožešníci, lékaři a lékárníci) a vedlejší řemesla, která zahrnovala velké množství méně prestižních a výnosných řemesel, jako jsou rybáři, krčmáři, ševci, pekaři, zbrojíři, kováři apod. Art of Wool například kontroloval výrobu, barvení a obchod s tkaninami, záclonami, oděvy a vlněnou přízí, včetně dovozu a vývozu, kontroloval kvalitu výrobků, stanovoval ceny a bránil jakékoli konkurenci. Ostatní pracovali stejným způsobem. Cechy byly v mnoha ohledech směsicí odborové organizace, bratrstva, školy pro učně v řemesle, vzájemné pomoci pro členy a společenského klubu. Majorát zbohatl a stal se mocným, udržoval honosné kaple a oltáře v hlavních kostelech a stavěl pomníky. Všichni jednali v pozoruhodné shodě, měli společné cíle a prakticky ovládali řízení veřejných záležitostí prostřednictvím svých zástupců v občanských radách a magistrátech. Různé cechy v každém městě zaměstnávaly dohromady téměř veškeré ekonomicky aktivní městské obyvatelstvo a nebýt členem cechu svého řemesla bylo téměř nepřekonatelnou překážkou profesního úspěchu, protože přísně kontrolovaly trhy a nabídku pracovních sil. Na druhou stranu sounáležitost přinášela dělníkovi zjevné výhody a úspěch tohoto modelu znamenal, že obyvatelstvo mohlo poprvé ve velkém měřítku získat vlastnické bydlení, což bylo doprovázeno větším zájmem o umění a architekturu.

Jejich představitelé většinou vlastnili velké soukromé společnosti, měli velkou prestiž a společensky stoupali i díky zastávání veřejných funkcí, mecenášství v oblasti umění a církve, stavbě sídel a paláců, v nichž žili, a vytvářeli tak nový patriciát. Velcí obchodníci často souběžně podnikali ve směnárnách, předchůdcích bankovnictví, a přesouvali jmění do financování nebo správy majetků knížat, císařů a papežů. Toto posílené měšťanstvo se stalo oporou vlády a novým trhem pro umění a kulturu. Rodiny z této třídy, jako byli Mozziové, Strozziové, Peruzziové a Medicejští, se brzy zařadily mezi šlechtu a některé z nich dokonce vládly státům.

V tomto století Florencie zažila intenzivní třídní boje, víceméně chronickou socioekonomickou krizi a v průběhu století zaznamenala jasný úpadek moci. Byla to doba, kdy státy investovaly většinu své energie do dvou hlavních činností: buď útočily na své sousedy, plenily je a zabíraly jejich území, nebo se na druhé straně snažily útokům bránit. Florencie byla dlouho v ohrožení, město se účastnilo několika válek, z nichž většinou vyšlo poraženo, ale občas dosáhlo skvělých vítězství, několik významných bank zkrachovalo, město postihly morové epidemie; rychlé střídání u moci znepřátelených frakcí guelfů a ghibellinů, vedoucích krvavé spory, neumožňovalo sociální klid ani stanovení dlouhodobých politicko-správních cílů, vše ještě zhoršovala lidová povstání a zbídačování venkova, ale městská buržoazie přitom prováděla demokratické pokusy o vládu. Navzdory opakujícím se potížím a krizím dosáhne Florencie v polovině století postavení mocného města na italské scéně; v minulém století byla sice větší, ale stále jí podléhalo několik dalších měst a udržovala důležité obchodní loďstvo a hospodářské a diplomatické styky s několika státy na sever od Alp a kolem Středozemního moře. Je třeba poznamenat, že demokracie florentské republiky se liší od moderního výkladu tohoto pojmu. V roce 1426 Leonardo Bruni prohlásil, že právo uznává všechny občany za rovné, ale v praxi má přístup k veřejným úřadům a skutečný hlas v rozhodování pouze elita a střední třída. Velkou zásluhu na tom má téměř neustálý třídní boj v renesanci.

Na druhé straně vznik pojmu volná soutěž a silný důraz na obchod strukturovaly ekonomický systém podle kapitalistického a materialistického vzoru, kdy tradice, včetně náboženské, byla obětována racionalismu, finanční spekulaci a utilitarismu. Zároveň se u Florenťanů nikdy nevytvořily, jak se to stalo v jiných oblastech, morální předsudky vůči podnikání nebo vůči bohatství jako takovému, které považovali za prostředek pomoci bližnímu a aktivní účasti ve společnosti, a ve skutečnosti si byli vědomi, že intelektuální a umělecký pokrok do značné míry závisí na hmotném úspěchu, ale protože lakomství, pýcha, chamtivost a lichva byly považovány za hříchy, církev se spojila se zájmy podnikání tím, že utišovala konflikty svědomí a nabízela řadu kompenzačních mechanismů za poklesky.

Do učení se vtělila představa, že odpuštění hříchů a spásu duše lze získat také veřejnou službou a zkrášlováním měst a kostelů uměleckými díly, a to vedle praktikování dalších ctnostných skutků, jako je objednávání mší a sponzorování duchovních a bratrstev a jejich iniciativ, což byly věci, které byly pro ducha stejně spásné jako užitečné pro zvýšení prestiže dárce. Charita byla důležitým sociálním tmelem a zárukou veřejné bezpečnosti. Kromě podpory okrašlování měst zajišťoval také podporu chudých, nemocnic, azylů, škol a financování mnoha administrativních požadavků včetně válek, a proto měly státy vždy velký zájem na hladkém fungování tohoto systému. Pragmatická a sekulární kultura byla posilována různými způsoby, spolu s přispěním humanistů, z nichž mnozí byli poradci knížat nebo vedli vysoké občanské magistráty, což proměnilo společnost a přímo ovlivnilo trh s uměním a jeho formy výroby, distribuce a oceňování.

I když křesťanství nebylo nikdy vážně zpochybňováno, na konci století začalo období postupného úpadku prestiže církve a schopnosti náboženství ovládat lidi a nabízet ucelený model kultury a společnosti, a to nejen kvůli sekularizujícímu se politickému, ekonomickému a sociálnímu kontextu, ale také proto, že vědci a humanisté začali hledat racionální a prokazatelná vysvětlení přírodních jevů a zpochybňovali transcendentální, tradiční nebo lidová vysvětlení, což oslabilo náboženský kánon a změnilo vztah mezi Bohem, člověkem a ostatním stvořením. Z tohoto střetu, který pokračoval a obnovoval se po celou renesanci, měl člověk znovu vzejít dobrý, krásný, silný, zvětšený a svět měl být vnímán jako dobré místo k životu.

Florentská demokracie, jakkoli nedokonalá, nakonec zanikla v sérii vnějších válek a vnitřních nepokojů a v 70. letech 13. století se zdálo, že Florencie rychle směřuje k nové panské vládě. Mobilizace mocné rodiny Albizziů tento proces přerušila, ale namísto zachování komunálního systému převzala politickou hegemonii a nastolila oligarchickou republiku s podporou spojenců z řad vyššího měšťanského patriciátu. Současně se vytvořila opozice, v jejímž středu stáli Medicejští, kteří se začali prosazovat. Navzdory krátkosti těchto experimentů s demokracií a zmaření mnoha jejich ideálních cílů představoval jejich vznik milník ve vývoji evropského politického a institucionálního myšlení.

Přečtěte si také, zivotopisy – Ethelbald

Quattrocento

Poté, co Florencie zažila chvíle velkého lesku, se na konci trecenta ocitla v obležení milánského vévodství, ztratila několik území a všechny bývalé spojence a byl jí odříznut přístup k moři. Quattrocento (15. století) začalo s milánskými vojsky před branami Florencie, která v předchozích letech zpustošila krajinu. V roce 1402 však náhle přišel o život jejich generál Giangaleazzo Visconti, který se stal obětí nové morové epidemie a zabránil tomu, aby město postihl osud většiny severní a severozápadní Itálie, což vyvolalo oživení občanského ducha. Od té doby začali místní intelektuálové a historici, inspirovaní také politickými myšlenkami Platóna, Plútarcha a Aristotela, organizovat a hlásat diskurz, že Florencie prokázala „hrdinský odpor“ a stala se největším symbolem republikánské svobody, a navíc byla mistrem celé italské kultury, a nazývali ji Novými Aténami.

Spojením dosažení nezávislosti a filozofického humanismu, který nabýval na síle, se spojily některé z hlavních prvků, které Florencii zajistily setrvání v politickém, intelektuálním a uměleckém popředí. Ve dvacátých letech 14. století však dělnické třídy přišly o většinu moci, kterou získaly, a podřídily se novému politickému prostředí, jemuž po celé století dominovala vláda Medicejských, která byla nominálně republikánská, ale ve skutečnosti aristokratická a panská. To bylo pro měšťany obecně zklamáním, ale posílilo to zvyk mecenášství, zásadní pro vývoj klasicismu. Sociální napětí nebylo nikdy zcela potlačeno ani vyřešeno a zdá se, že vždy bylo dalším důležitým kvasem kulturní dynamiky města.

Rozvoj místní výroby luxusních tkanin ustal ve 20. letech 14. století, ale v polovině století se trhy obnovily a znovu se rozšířil obchod se španělskými a orientálními látkami a výroba oblíbenějších variant a navzdory obvyklým periodickým politickým otřesům město prošlo dalším obdobím prosperity a zintenzivnil se umělecký mecenát, znovu získalo území a koupilo doménu přístavních měst, aby restrukturalizovalo svůj mezinárodní obchod. Získalo politické prvenství v celém Toskánsku, ačkoli Milán a Neapol zůstávaly stálou hrozbou. Florentská buržoazní oligarchie pak ovládla celý evropský bankovní systém, získala aristokratický lesk a velkou kulturu a zaplnila své paláce a kaple klasicistními díly. Ostentace vyvolala nespokojenost střední třídy, která se zhmotnila v návratu k mystickému idealismu gotického stylu. Tyto dva protichůdné proudy poznamenaly první polovinu tohoto století, dokud maloměšťáctvo neopustilo svůj odpor a neumožnilo první velkou estetickou syntézu, která se z Florencie přelila téměř na celé italské území a byla definována primátem racionalismu a klasických hodnot.

V Evropě mezitím humanismus dozrával a šířil se prostřednictvím Ficina, Rodolpha Agricoly, Erasma Rotterdamského, Mirandoly a Thomase Mora. Leonardo Bruni zahájil moderní historiografii a vědu a filozofii rozvíjeli mimo jiné Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa a Georg von Peuerbach. Zájem o antickou historii zároveň vedl humanisty, jako byli Niccolò de“ Niccoli a Poggio Bracciolini, k pátrání po ztracených knihách klasických autorů v evropských knihovnách. Bylo nalezeno mnoho důležitých dokumentů, například Vitruviův spis De architectura, Ciceronovy projevy, Quintilianovy Oratorské instituty, Argonautika Valeria Flacca a Lucretiův spis De rerum natura. Znovudobytí Pyrenejského poloostrova od Maurů také zpřístupnilo evropským učencům rozsáhlou sbírku textů Aristotela, Euklida, Ptolemaia a Plotina, dochovaných v arabských překladech a v Evropě neznámých, a muslimských děl Avicenny, Gebera a Averroëse, což výrazně přispělo k novému rozkvětu filozofie, matematiky, medicíny a dalších vědeckých oborů.

Zdokonalení tisku Johannesem Gutenbergem v polovině století výrazně usnadnilo a zlevnilo šíření znalostí mezi širší veřejnost. Stejný zájem o kulturu a vědu vedl k zakládání velkých knihoven v Itálii a snažil se navrátit latině, která se stala mnohotvárným dialektem, její klasickou čistotu a učinit z ní novou lingua franca Evropy. Obnova latiny vycházela z praktické potřeby intelektuálně zvládnout tuto novou renesanční knihovnu. Současně způsobila revoluci v pedagogice a poskytla podstatný nový korpus syntaktických struktur a slovní zásoby, který mohli používat humanisté a literáti, kteří tak oblékli své vlastní spisy do autority starověku. Důležitý byl také zájem elit o sbírání antického umění, který podnítil výzkumy a vykopávky, jež vedly k objevům různých uměleckých děl, a tím podpořil rozvoj archeologie a ovlivnil výtvarné umění.

Další impuls do tohoto procesu vnesl řecký učenec Manuel Crisoloras, který v letech 1397 až 1415 obnovil studium řečtiny v Itálii, a po zániku Byzantské říše v roce 1453 mnoho dalších intelektuálů, například Demetrius Calcondilas, Jiří z Trebizondy, Jan Argirópulo, Theodor Gaza a Barlaon ze Seminara, emigrovali na Apeninský poloostrov a do dalších částí Evropy, kde šířili klasické filozofické texty a učili humanisty umění exegeze. Velká část dnes známé řecko-římské literatury a legislativy se zachovala v Byzantské říši a tato nová znalost původních klasických textů i jejich překladů byla podle Luize Marquese „jednou z největších operací přivlastnění jedné kultury druhou, do jisté míry srovnatelnou s přivlastněním Řecka Římem Skythů ve 2. století př. n. l. Odráží navíc přechod, který je pro dějiny quattrocenta zásadní, od intelektuální hegemonie Aristotela k hegemonii Platóna a Plotina. V rámci tohoto velkého přílivu myšlenek byla v Itálii znovu zavedena celá struktura antické Paideie, souboru etických, sociálních, kulturních a pedagogických zásad, které vytvořili Řekové a jejichž cílem bylo formovat vzorného občana. Nové informace a poznatky a s nimi spojená proměna ve všech oblastech kultury vedly intelektuály k pocitu, že se nacházejí uprostřed fáze obnovy srovnatelné se zářivými etapami starověkých civilizací, na rozdíl od předchozího středověku, který byl považován za věk nejasnosti a nevědomosti.

Smrt Lorenza Medicejského v roce 1492, který vládl Florencii téměř třicet let a proslavil se jako jeden z největších mecenášů století, a pád šlechtické vlády v roce 1494 znamenaly konec zlaté etapy města. Florencie byla po celé quattrocento hlavním – ale nikdy ne jediným – centrem šíření klasicismu a humanismu v severní a střední Itálii a pěstovala kulturu, která se proslavila jako nejdokonalejší projev renesance a vzor, s nímž byly srovnávány všechny ostatní projevy. Tato pochvalná tradice zesílila poté, co Vasari v 16. století vydal své Životy umělců, úvodní milník moderní historiografie umění, který Florenťanům přisuzoval jasnou převahu a vynikající kvalitu. Toto dílo mělo široký ohlas a ovlivnilo chod historiografie na celá staletí.

Přečtěte si také, dejiny – Druhá súdánská občanská válka

Vysoká renesance

Vrcholná renesance chronologicky zahrnuje poslední léta quattrocenta a první desetiletí cinquecenta a je zhruba ohraničena zralými díly Leonarda da Vinciho (od roku 1480) a pleněním Říma v roce 1527. V tomto období převzal Řím uměleckou a intelektuální avantgardu a Florencie zůstala v pozadí. Bylo to především díky papežskému patronátu a programu obnovy a zvelebování měst, který se snažil oživit bývalé císařské hlavní město, aby se inspirovalo právě slávou císařů, jejichž právoplatnými dědici se papežové považovali. Současně jako sídlo papežství a platforma pro jeho imperialistické nároky potvrdil svůj status „hlavy světa“.

To se dále projevilo obnovením společenských a symbolických zvyklostí, které napodobovaly antické, jako byly velké triumfální průvody, okázalé veřejné slavnosti, ražba medailí, velkolepá divadelní představení plná historických, mytologických a alegorických postav. Řím dosud nevytvořil žádné velké renesanční umělce a klasicismus se prosadil díky dočasné přítomnosti umělců odjinud. Když se však ve městě usadili mistři Rafaelova, Michelangelova a Bramantova formátu, vznikla zde dynamická škola, která z města učinila nejbohatší zásobárnu vrcholně renesančního umění.

V této době byl klasicismus v Itálii dominantním estetickým proudem s mnoha významnými centry pěstování a šíření. Poprvé byla antika chápána jako definovaná civilizace s vlastním duchem, nikoli jako sled izolovaných událostí. Zároveň byl tento duch identifikován jako velmi blízký duchu renesance, díky čemuž měli umělci a intelektuálové určitým způsobem pocit, že mohou vést rovnocenný dialog s mistry minulosti, které obdivovali. Konečně „zvládli“ jazyk, který dostali, a mohli ho nyní používat s větší svobodou a porozuměním.

V průběhu staletí se vytvořil široký konsenzus, že vrcholná renesance představovala dozrání nejvlastnějších ideálů celé předchozí renesanční generace, humanismu, pojetí autonomie umění, proměnu umělce ve vědce a učence, snahu o věrnost přírodě a koncept génia. Název „Vysoká“ dostala kvůli tomuto údajně příkladnému charakteru, vrcholu trajektorie neustálého vzestupu. Nemálo historiků zaznamenalo vášnivé svědectví obdivu k odkazu umělců tohoto období, označujíce je za „zázračnou“, „vznešenou“, „nesrovnatelnou“, „heroickou“, „transcendentní“ epochu, kterou kritici ještě dlouho oblékali do aury nostalgie a úcty. Stejně jako v případě všech starých konsensů a mýtů se i v případě této tradice novější kritika pustila do dekonstrukce a reinterpretace a považuje ji za poněkud eskapistickou, estetickou a povrchní vizi společenského kontextu, který byl vždy poznamenán obrovskou sociální nerovností, tyranií, korupcí, marnými válkami a dalšími problémy, „krásnou, ale nakonec tragickou fantazií“, jak poznamenal Brian Curran.

Toto přeceňování bylo také kritizováno za to, že se příliš opírá o koncept génia, přisuzuje veškerý relevantní přínos hrstce umělců a za „klasický“ a „nejlepší“ označuje pouze určitý estetický proud, zatímco přehled důkazů ukázal, že antika i vrcholná renesance byly mnohem rozmanitější, než tvrdil hegemonní pohled.

Byl však uznán historický význam vrcholné renesance jako historiografického konceptu, který byl více, ale stále je velmi vlivný, a bylo uznáno, že estetické normy zavedené zejména Leonardem, Rafaelem a Michelangelem vytvořily kánon odlišný od jejich předchůdců a mimořádně úspěšně jej přijaly, přičemž se rovněž stal na dlouhou dobu referenčním. Tito tři mistři jsou navzdory nedávnému revizionismu a následné relativizaci hodnot stále všeobecně považováni za vrcholný projev tohoto období a nejúplnější ztělesnění pojmu renesančního génia. Jejich styl se v této fázi vyznačuje vysoce idealizovaným a okázalým klasicismem, který syntetizoval vybrané prvky ze zvláště prestižních klasických zdrojů a zbavoval se realismu, který některé proudy quattrocenta ještě praktikovaly. Podle Hausera,

Během papežova exilu v Avignonu město Řím velmi upadalo, ale po jejich návratu v minulém století se papežové snažili o jeho reorganizaci a oživení a zaměstnali armádu archeologů, humanistů, antikvářů, architektů a umělců, aby studovali a konzervovali ruiny a památky a zkrášlili město tak, aby bylo opět hodno své slavné minulosti. Jestliže se pro mnohé renesanční lidi stalo zvykem tvrdit, že žijí v novém zlatém věku, podle Jill Burkeové to nikdy předtím nepotvrzovali s takovou razancí a nasazením jako papežové Julius II. a Lev X., hlavní osoby odpovědné za to, že se Řím stal jedním z největších a nejkosmopolitnějších evropských uměleckých center své doby, a hlavní hlasatelé myšlenky, že v jejich generaci dosáhla staletí své dokonalosti.

Důsledkem změny mentality mezi Quattrocentem a Cinquecentem je, že zatímco v prvním případě je forma koncem, v druhém případě je začátkem; zatímco v prvním případě příroda poskytovala vzory, které umění napodobovalo, v druhém případě bude společnost potřebovat umění, aby dokázala, že takové vzory existují. Nejprestižnější umění se stalo silně autoreferenčním a odtrženým od každodenní reality, ačkoli bylo lidem vnucováno v hlavních veřejných prostorách a v oficiálním diskurzu. Rafael tyto protiklady shrnul ve své slavné fresce Athénská škola, jedné z nejvýznamnějších maleb vrcholné renesance, která oživila filozofický dialog mezi Platónem a Aristotelem, tedy mezi idealismem a empirismem.

Klasicismus této etapy, ačkoli byl vyzrálý a bohatý a dokázal vytvořit díla velké síly, měl silný formalistický a retrospektivní náboj, a proto jej někteří nedávní kritici považují spíše za konzervativní než progresivní směr. Samotný humanismus ve své římské verzi ztratil svůj občanský a antiklerikální zápal a byl cenzurován a domestikován papeži, kteří jej v podstatě přeměnili ve filozofické ospravedlnění svého imperialistického programu. Etický kodex, který byl zaveden v ilustrovaných kruzích, abstraktní konstrukce a společenské divadlo v nejkonkrétnějším slova smyslu, předepisoval ve všem střídmost, sebeovládání, důstojnost a zdvořilost. Jeho teoretickou syntézou je Dvořan Baldassare Castiglioneho.

Navzdory etickému kodexu, který koloval mezi elitami, jsou dnes rozpory a nedostatky dominantní ideologie badatelům zřejmé. Program zkrášlování Říma byl kritizován jako spíše destruktivní než konstruktivní iniciativa, která zanechala řadu nedokončených děl a zničila nebo zbytečně upravila autentické antické památky a stavby. Tato společnost zůstala autoritářská, nerovná a zkažená a podle některých důkazů se zdá, že byla abnormálně zkažená natolik, že její soudobí kritici považovali vyplenění města v roce 1527 za boží trest za jeho zločiny, hříchy a skandály. V tomto smyslu je další důležitou „učebnicí“ tohoto období Machiavelliho Kníže, návod, jak se dostat k moci a udržet se u ní, kde prohlašuje, že „není dobrých zákonů bez dobrých zbraní“, nerozlišuje moc od autority a legitimizuje použití síly k ovládání občanů. Kniha se stala klíčovou referencí pro renesanční politické myšlení v jeho závěrečné fázi a důležitou inspirací pro moderní filozofii státu. Přestože je Machiavellimu někdy vytýkán chlad, cynismus, vypočítavost a krutost, a to do té míry, že od něj pochází výraz „machiavelista“, je dílo cenným historickým dokumentem jako komplexní analýza politické praxe a dominantních hodnot té doby.

Události, jako bylo objevení Ameriky a protestantská reformace, a technika, jako byl knihtisk, změnily kulturu a světonázor Evropanů, a zároveň se pozornost celé Evropy obrátila k Itálii a jejímu pokroku, přičemž velmoci Francie, Španělsko a Německo si ji chtěly rozdělit a učinily z ní pole bojů a plenění. S následnými invazemi se vliv italského umění rozšířil na rozsáhlou oblast kontinentu.

Přečtěte si také, dejiny – Osmdesátiletá válka

Cinquecento a italský manýrismus

Cinquecento (16. století) je závěrečnou fází renesance, kdy se toto hnutí transformuje a rozšiřuje do dalších částí Evropy. Po vyplenění Říma v roce 1527 a zpochybnění papežské autority protestanty se změnila politická rovnováha na kontinentu a jeho sociokulturní struktura se otřásla. Itálie utrpěla nejhorší následky: kromě toho, že byla napadena a vypleněna, přestala být obchodním centrem Evropy, protože velké námořní plavby otevřely nové obchodní cesty. Celé panorama se změnilo, protože vliv katolické církve upadal a objevily se pocity pesimismu, nejistoty a odcizení, které charakterizovaly atmosféru manýrismu.

Pád Říma znamenal, že již neexistovalo „jedno“ centrum, které by diktovalo estetiku a kulturu. Výrazně diferencované regionální školy se objevily ve Florencii, Ferraře, Neapoli, Miláně, Benátkách a mnoha dalších městech a renesance se pak definitivně rozšířila po celé Evropě, přičemž se výrazně proměnila a diverzifikovala, protože zahrnovala rozmanité regionální vlivy. Umění samotářů, jako byli Michelangelo a Tizian, stylově zaznamenalo přechod od doby jistoty a jasnosti k době pochybností a dramatu. Intelektuální a umělecké výdobytky vrcholné renesance byly stále čerstvé a nemohly být snadno zapomenuty, i když jejich filozofický základ již nemohl zůstat platný tváří v tvář novým politickým, náboženským a sociálním skutečnostem. Vzniklo nové umění a architektura, kde jména jako Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, ač inspirována antikou, přeorganizovala a přeložila její systémy proporcí a prostorového zobrazení a její symbolické hodnoty do neklidných, zkreslených, ambivalentních a vzácných děl.

Tato změna se připravovala již delší dobu. Ve dvacátých letech 15. století se papežství zapletlo do tolika mezinárodních konfliktů a tlak kolem něj byl tak velký, že jen málokdo pochyboval o tom, že Řím je odsouzen k zániku, a považoval jeho pád jen za otázku času. Sám Rafael, tradičně považovaný za jednoho z nejčistších představitelů umírněnosti a vyváženosti, které jsou považovány za typické pro vrcholnou renesanci, již dávno před katastrofou v roce 1527 v několika významných dílech vytvořil scény s tak silnými kontrasty, skupiny s tolika pohyby a postavy s tak vášnivým výrazem, a v tak nepřirozených a rétorických polohách, že by podle Fredericka Hartta mohl být považován nejen za předchůdce manýrismu, ale i baroka, a kdyby žil déle, nepochybně by doprovázel Michelangela a další při úplném přechodu ke stylu důsledně odlišnému od stylu počátku století.

Vasari, jeden z předních učenců Cinquecenta, nevnímal radikální řešení kontinuity mezi vrcholnou renesancí a následujícím obdobím, v němž sám žil, považoval se stále za renesančního člověka a při vysvětlování zjevných rozdílů mezi uměním obou období uvedl, že následovníci Leonarda, Michelangela a Rafaela pracovali „moderním stylem“, „novým způsobem“, který se snažil napodobit některá nejvýznamnější díla antiky, jež znali. Měl na mysli především skupinu Laocoon, znovuobjevenou v roce 1506, která způsobila v římských uměleckých kruzích obrovskou senzaci, a torzo Belvederu, které se ve stejné době začalo stávat slavným a hojně studovaným. Tato díla měla velký vliv na rané manýristy včetně Michelangela, ale nepatří do klasicistního období, nýbrž do helénistického, které bylo v mnoha ohledech protiklasicistní školou. Ani renesanční umělci nechápali pojem „klasický“ tak, jak byl chápán od 18. století, tedy jako výraz ideálu čistoty, vznešenosti, dokonalosti, rovnováhy, harmonie a citové umírněnosti, syntézy všeho dobrého, užitečného a krásného, který identifikovali jako existující ve starověkém Řecku mezi 5. a 4. stoletím př. n. l.. Je obtížné určit, jak renesance vnímala rozdíly mezi protikladnými estetickými proudy řecko-římské kultury jako celku („antiky“), téměř všechna antická díla, k nimž měla v té době přístup, byla helénistickým a římským přečtením ztracených řeckých vzorů, velmi eklektickým formálním repertoárem, který zahrnoval četné odkazy z téměř tisícileté řecko-římské historie, z období, v němž docházelo k různým a dramatickým změnám vkusu a stylu. Zdá se, že antiku vnímali spíše jako monolitní kulturní období, nebo alespoň jako období, z jehož ikonografické sbírky mohli libovolně čerpat vybrané prvky a vytvořit tak „použitelnou antiku“, přizpůsobenou požadavkům doby. Kritik Ascanio Condivi uvádí příklad tohoto postoje u Michelangela, když říká, že když chtěl mistr vytvořit ideální formu, nespokojil se s pozorováním jediného modelu, ale vyhledal jich mnoho a z každého čerpal ty nejlepší vlastnosti. Stejný přístup údajně používali i Rafael, Bramante a další.

Po 17. století byl však manýrismus dlouho považován za degeneraci autentických klasických ideálů, kterou rozvíjeli umělci, jimž vadila nebo se více zabývali rozmary chorobné a marnivé virtuozity. Mnozí pozdější kritici připisovali dramatičnost a asymetričnost děl tohoto období přehnanému napodobování stylu Michelangela a Giulia Romana, ale tyto rysy byly také interpretovány jako odraz neklidné a rozčarované doby. Hartt poukázal na vliv církevních reformních hnutí na změnu mentality. Současná kritika si uvědomuje, že kulturní hnutí jsou vždy výsledkem působení více faktorů, a italský manýrismus není výjimkou, ale má se za to, že byl v podstatě produktem konzervativního dvorského prostředí, složitého ceremoniálu a eklektické, ultrasofistikované kultury, a nikoli záměrně protiklasickým hnutím.

V každém případě měla tato polemika za následek rozdělení manýristických učenců na dva hlavní proudy. Šíření italského vlivu po Evropě v Cinquecentu vedlo k plastickým projevům tak polymorfním a odlišným od projevů Quattrocenta a vrcholné renesance, že se pro některé z nich stalo problémem označit je za součást původního fenoménu, který se jim v mnoha ohledech jevil jako protiklad klasických principů, jichž si předchozí fáze tolik cenily a které měly definovat „pravou“ renesanci. Tímto způsobem vytvořili manýrismus jako nezávislý směr a uznali ho za znamenitou, nápaditou a energickou formu vyjádření, jejíž význam byl umocněn tím, že se stala první školou moderního umění. Druhý kritický proud ji však analyzuje jako prohloubení a obohacení klasických předpokladů a jako legitimní završení renesančního cyklu; nejde ani tak o popření či překroucení těchto principů, ale o reflexi jejich praktické použitelnosti v daném historickém okamžiku a o přizpůsobení – někdy bolestné, ale zpravidla tvůrčí a úspěšné – dobovým okolnostem. Aby byl obraz ještě složitější, samotná identifikace charakteristických rysů manýrismu, stejně jako jeho chronologie a použitelnost v jiných oblastech a oborech než ve výtvarném umění, se staly středem dalšího monumentálního sporu, který mnozí považují za neřešitelný.

Kromě kulturních změn, které přineslo politické uspořádání kontinentu, se 16. století vyznačovalo další velkou krizí, protestantskou reformací, která navždy svrhla starobylou univerzální autoritu římské církve. Jedním z nejdůležitějších dopadů reformace na renesanční umění bylo odsouzení svatých obrazů, které zbavilo severské chrámy obrazových a sochařských vyobrazení světců a božských osobností, a mnoho uměleckých děl bylo zničeno ve vlnách obrazoborecké zuřivosti. Tím se reprezentativní umění pod vlivem reformistů obrátilo k profánním postavám a přírodě. Papežství si však brzy uvědomilo, že umění může být účinnou zbraní proti protestantům, napomáhat širší evangelizaci a více svádět velké masy lidí. Během protireformace byly systematizovány nové předpisy, které podrobně určovaly, jak má umělec vytvářet díla s náboženskou tematikou, snažící se zdůraznit emoce a pohyb, považované za nejsrozumitelnější a nejpřitažlivější prostředky k získání prosté oddanosti lidu, a zajistit si tak vítězství nad protestanty. Jestliže však na jedné straně protireformace dala vzniknout většímu počtu zakázek pro sakrální umění, zmizela dřívější svoboda uměleckého projevu, která se projevovala v dřívějších fázích, svoboda, která Michelangelovi umožnila vyzdobit jeho obrovskou desku Posledního soudu, namalovanou v srdci Vatikánu, množstvím nahých těl s velkou smyslností, i když profánní oblast zůstala cenzurou jen málo zasažena.

Cinquecento bylo také dobou vzniku prvních uměleckých akademií, jako byla Akademie umění designu ve Florencii a Akademie svatého Lukáše v Římě, což byla evoluce uměleckých cechů, která založila akademismus jako systém vyššího vzdělání a kulturní hnutí, které standardizovalo vzdělání, podněcovalo teoretickou diskusi a sloužilo jako nástroj vlád pro šíření a posvěcení nejen estetických, ale i politických a sociálních ideologií. Teoretici manýristického umění prohloubili debaty, které prosazovala předchozí generace, zdůraznili spojení lidského intelektu s božskou tvořivostí a dodali prestiž rozmanitosti. Pro Pierra Bourdieua znamenalo vytvoření akademického systému formulaci teorie, v níž bylo umění ztělesněním principů Krásy, Pravdy a Dobra, což bylo přirozeným pokračováním ideologie vrcholné renesance, ale manýristé byli otevřeni existenci různých platných norem, což umožňovalo tvůrcům velkou svobodu v různých aspektech, zejména v profánním umění, osvobozeném od kontroly církve. Důraz, který se na akademiích kladl na technické zdokonalování a neustálé odkazování na zavedené antické vzory, také sloužil k tomu, aby se část hlavního zájmu přesunula od toho, aby se něco řeklo, k tomu, aby se ukázalo, jak dobře bylo něco řečeno, a umělec se prezentoval jako učenec. Vliv akademií se projevil až po určité době, ale v období baroka a neoklasicismu ovládly celý evropský umělecký systém.

Renesance byla historicky velebena jako počátek nové éry, éry osvícené Rozumem, v níž lidé, stvoření k obrazu božství, naplní proroctví o moudré vládě nad světem a jejichž úžasná díla je zařadí do společnosti hrdinů, patriarchů, světců a andělů. Dnes se chápe, že společenská realita neodrážela vysoké ideály vyjádřené v umění a že tento exaltovaný ufanismus obklopující hnutí byl do značné míry dílem samotných renesančních osobností, jejichž intelektuální tvorba, která je sama sebe prezentovala jako zakladatele nového zlatého věku a která Florencii stavěla do centra všeho dění, určila do značné míry směr pozdější kritiky. I pozdější protiklasicistní směry, jako například baroko, uznávaly v klasice a jejích renesančních dědicích cenné hodnoty.

V polovině 19. století se toto období stalo jednou z hlavních oblastí vědeckého zkoumání a vydání klasických Dějin renesance v Itálii Jacoba Burckhardta v roce 1860 bylo završením pěti století historiografické tradice, která renesanci považovala za počáteční mezník modernity a přirovnávala ji k odstranění závoje z očí lidstva, což mu umožnilo jasně vidět. Burckhardtovo dílo se však objevilo v době, kdy již byla cítit revizionistická tendence této tradice, a ohlas, který vyvolalo, polemiku jen zvýraznil. Od té doby se díky množství nových studií převratně změnil způsob, jakým bylo antické umění studováno a chápáno.

Tradice a autority byly odloženy ve prospěch přednostního studia primárních pramenů a kritičtějších, diferencovanějších, kontextuálnějších a inkluzivnějších analýz; bylo si uvědomeno, že mezi samotnými renesančními osobnostmi existovala mnohem větší názorová rozmanitost, než se myslelo, a že právě této rozmanitosti vděčíme za dynamiku a originalitu tohoto období; rychlý rozvoj vědeckých technik datování a restaurování a fyzikálně-chemické analýzy materiálů umožnil upevnit řadu tradičních atribucí autorství a mnohé jiné definitivně opustit, čímž se výrazně změnila mapa umělecké produkce; byly stanoveny nové chronologie a nově definovány umělecké osobnosti a jejich přínos; byly identifikovány nové cesty šíření a vlivu a mnoho významných děl bylo znovuobjeveno. V tomto procesu byla převrácena řada historiografických kánonů a samotná tradice dělení dějin na definovaná období („renesance“, „baroko“, „neoklasicismus“) začala být považována za umělý konstrukt, který zkresluje chápání probíhajícího společenského procesu a vytváří nekonzistentní pojmové stereotypy. Kromě toho se výrazně prohloubilo a prohlubuje studium celého historického, politického a společenského kontextu, který kulturní projevy zasazuje do hodnotového kontextu a neustále je aktualizuje a zvyšuje jejich pluralitu.

Mnozí historikové tak začali docházet k závěru, že renesance byla zatížena příliš pozitivním hodnocením, které automaticky a bez pádných důvodů znehodnotilo středověk a další období. Velká část novodobé debaty se snažila zjistit, zda se skutečně jedná o zlepšení oproti dřívějšímu období. Bylo poukázáno na to, že mnohé negativní sociální faktory, které se běžně spojují se středověkem – chudoba, korupce, náboženské a politické pronásledování – se zřejmě ještě zhoršily. Mnoho lidí, kteří prožili renesanci, ji nepovažovalo za „zlatý věk“, ale uvědomovali si vážné sociální a morální problémy, jako například Savonarola, který na konci 15. století rozpoutal dramatické náboženské obrození, jež způsobilo zničení mnoha uměleckých děl a nakonec vedlo k jeho smrti na hranici. Johan Huizinga tvrdil, že renesance byla v určitých ohledech obdobím úpadku středověku, který zničil mnoho důležitých věcí. Například latina se do té doby dokázala vyvíjet a zůstat docela živá, ale posedlost klasickou čistotou tento přirozený proces přerušila a způsobila její návrat ke klasické podobě. Pro Jacquese Le Goffa a další příslušníky jeho školy byla renesance obdobím, v němž byla důležitější kontinuita se středověkem než zlomy – včetně trvalosti koncepce božského práva králů a rituálů posvátné monarchie, technických základů materiální výroby, pojetí dějin, o hledání autority v antice, o uvažování o základech společnosti a jejím rozdělení do tří řádů a o dominantní roli církve – a poukázal na to, že myšlenka renesance a touha po návratu k idealizovanému zlatému věku, který se nachází v antice, prostupovala evropskou kulturou až do doby po Velké francouzské revoluci; před a po italské renesanci vzkvétalo několik „renesancí“, zejména karolinská, otonská a neoklasicistní. Mnozí badatelé poukazují na to, že v této fázi převažovala hospodářská recese nad obdobími prosperity, jiní však namítají, že se zřejmě jednalo o evropský fenomén, nikoliv specificky italský či florentský, zatímco Eugenio Garin, Lynn Thorndike a někteří další se domnívají, že dosažený vědecký pokrok byl možná ve skutečnosti mnohem méně originální, než se předpokládá.

Marxističtí historikové dávají přednost materialistickému popisu renesance a tvrdí, že změny v umění, literatuře a filozofii byly pouze součástí obecného trendu odklonu od feudální společnosti ke kapitalismu, který vedl ke vzniku buržoazní třídy, jež měla čas a peníze věnovat se umění. Uvádí se také, že odvolávání se na klasické odkazy bylo v té době často záminkou k legitimizaci záměrů elity a inspirace v republikánském Římě a zejména v Římě císařském mohla vést k formování ducha soutěživosti a žoldnéřství, který aristokraté využívali k často bezohlednému společenskému vzestupu.

Počínaje vznikem moderní avantgardy na počátku dvacátého století a poté v několika po sobě jdoucích vlnách přehodnocování rozšířila nedávná kritika vztahy kulturní renesance prakticky na všechny aspekty života tohoto období a vykládá její odkaz tak různorodě, že se staré konsensy v mnoha konkrétních tématech rozpadly. Zůstal však jednoznačný dojem, že toto období bylo v mnoha oblastech plodné na mistrovské a inovativní výkony a že zanechalo hlubokou stopu v kultuře a společnosti Západu na dlouhou dobu dopředu.

Nedávná kritika sice silně otřásla tradiční prestiží renesance, která oceňuje všechna období stejně a oceňuje je pro jejich specifika, ale zároveň umožnila mimořádné obohacení a rozšíření jejího dnešního chápání, které však nikdy nebylo vážně ohroženo, především proto, že renesance byla nepopiratelným způsobem jedním ze základů a podstatnou součástí moderní západní civilizace a je dodnes živou referencí. Některá z jeho nejvýznamnějších děl se stala ikonami populární kultury, například Michelangelův David a Stvoření světa nebo Da Vinciho Mona Lisa. Počet studií na toto téma, který každým dnem roste, a pokračující polemiky o mnoha aspektech ukazují, že renesance je dostatečně bohatá na to, aby nadále přitahovala pozornost kritiků i veřejnosti.

I když se názory na jednotlivé aspekty značně rozcházejí, dnes se zdá, že panuje shoda v tom, že renesance byla obdobím, kdy se o mnoha hluboce zakořeněných názorech, které byly považovány za pravdivé, začalo diskutovat a byly ověřovány vědeckými metodami zkoumání, čímž byla zahájena etapa, v níž převaha náboženství a jeho dogmat přestala být absolutní a připravila cestu pro rozvoj vědy a techniky, jak je známe dnes. Pozdější politické myšlení by nebylo formulováno bez humanistických základů upevněných v renesanci, kdy filozofové hledali v antice precedenty na obranu republikánského režimu a lidské svobody a aktualizovali myšlenky, které měly rozhodující vliv na právní vědu, ústavní teorii a formování moderních států.

V oblasti výtvarného umění byly vyvinuty prostředky, které umožnily oproti středověku obrovský skok vpřed, pokud jde o schopnost zobrazovat prostor, přírodu a lidské tělo, oživit techniky, které byly od antiky ztraceny, a vytvořit od té doby nové. Architektonický jazyk paláců, kostelů a velkých památek, který vznikl na základě klasického dědictví, je stále platný a používá se, když chceme dodat důstojnost a důležitost moderní stavbě. V literatuře se lidové jazyky staly důstojným prostředkem pro zprostředkování kultury a vědění a studium textů řecko-římských filozofů šířilo výroky, které jsou dodnes přítomné v lidovém projevu a které podporují vysoké hodnoty, jako je hrdinství, veřejný duch a altruismus, jež jsou základními stavebními kameny pro budování spravedlivější a svobodnější společnosti pro všechny. Úcta ke klasické minulosti a jejím nejlepším hodnotám vytvořila nový pohled na dějiny a dala základ moderní historiografii a poskytla základ pro vytvoření systému vzdělání, který v té době přesáhl rámec elit a dodnes tvoří školní osnovy velké části Západu a je základem jeho společenského uspořádání a systémů vlády. Rozsáhlá umělecká produkce, která přežívá v mnoha evropských zemích, stále přitahuje davy lidí ze všech koutů světa a tvoří významnou součást samotné definice západní kultury.

Ať už se vědci snaží objasnit toto téma sebevíc, zůstává opředeno legendami, stereotypy a vášněmi, zejména v lidovém vnímání. Slovy Johna Jeffriese Martina, vedoucího katedry historie na Duke University a editora rozsáhlého svazku kritických esejů vydaného v roce 2003, v němž shrnul vývoj historiografie a trendy v novější kritice,

Přečtěte si také, zivotopisy – James McNeill Whistler

Výtvarné umění

Renesance se v umění vyznačovala, velmi obecně řečeno, inspirací starými Řeky a Římany a pojetím umění jako napodobeniny přírody, přičemž člověk měl v tomto panoramatu výsadní postavení. Aby však příroda mohla být dobře zobrazena, musela být více než napodobena přeložena a uspořádána pod racionální a matematickou optikou jako zrcadlo božského řádu, který mělo umění odhalit a vyjádřit v době, která se vyznačovala velkou intelektuální zvědavostí, analytickým a organizujícím duchem a matematizací a scientifikací všech přírodních jevů. Byla to doba velkolepých aspirací, umělec se sblížil s vědcem a filozofem a humanisté usilovali o encyklopedické znalosti; objevila se důležitá normalizační pojednání a rozmanité eseje o umění a architektuře, které položily základy nové historiografie a nového přístupu k procesu tvorby. Všechna umění těžila z vědeckého pokroku, který v různých oborech zaváděl vylepšení technik a materiálů. K nejvýznamnějším událostem patří například obnovení techniky lití ztraceného vosku, která umožnila vytvářet monumenty v nebývalém měřítku ve srovnání se středověkými bronzy, a popularizace optických a mechanických mechanismů jako pomůcek pro malířství a sochařství. Na druhou stranu věda těžila z umění, zvyšovala úroveň přesnosti a realističnosti ilustrací ve vědeckých pojednáních a v ikonografii historických postav a využívala myšlenek o geometrii a prostoru, které zavedli umělci, a podnětů ke zkoumání a pozorování přírodního světa.

Řecko-římský kánon proporcí opět určoval stavbu lidské postavy; vrátilo se také pěstování typicky klasické krásy. Studium lidské anatomie, rostoucí asimilace řecko-římské mytologie ve výtvarném diskurzu a opětovný výskyt aktu, zbaveného tabu, jímž bylo toto téma ve středověku zahaleno, rozsáhle obnovily ikonografii malířství a sochařství tohoto období a otevřely rozsáhlé nové oblasti formálního a symbolického výzkumu, podpořil zkoumání různých emocí a nálad, ovlivnil módu a mravy, podnítil kolektivismus, antikvářství a archeologii a vytvořil novou výtvarnou tradici s trvalým vlivem, zatímco občanský a soukromý mecenáš poskytl prostředky pro mimořádný rozkvět profánního umění. Zájem o zobrazování přirozenosti také oživil tradici portrétování, která byla po pádu Římské říše z velké části opuštěna.

Přečtěte si také, zivotopisy – Rabíndranáth Thákur

Výrobní systém

Umělec v renesanci byl profesionál. Až do 16. století jsou doložené příklady děl vytvořených mimo zakázkový systém velmi vzácné a drtivá většina profesionálů byla spojena s nějakým cechem. Florentští malíři patřili k jednomu z velkých umění, zajímavé je, že to byli lékaři a lékárníci. Bronzoví sochaři byli také významnou třídou, která patřila k umění hedvábí. Ostatní naopak patřili k menším uměním, jako například umělci z kamene a dřeva. Všichni byli považováni za profesionály v mechanických uměních, která v tehdejším žebříčku prestiže stála pod svobodnými uměními, jedinými, kterým se šlechta mohla věnovat profesionálně bez hanby. Cechy organizovaly systém výroby a obchodu a podílely se na rozdělování zakázek mezi různé soukromé dílny vedené mistry, kde bylo zaměstnáno mnoho pomocníků a kde byli přijímáni a připravováni učedníci do řemesla. Rodina postulantů platila většinu jejich výcviku, ale dostávali určitou pomoc od mistra, protože byli schopni dobře plnit své povinnosti a účinně spolupracovat v obchodním podnikání dílny. Ženy nebyly přijaty. Učňovská praxe byla náročná, přísně disciplinovaná a trvala mnoho let, studenti kromě studia řemeslných technik sloužili při úklidu a organizaci ateliéru a dalších úkonech podle uvážení mistra, spolupracovali při výuce mladších studentů a před ukončením kurzu a přijetím do cechu nesměl žádný student přijímat zakázky na své jméno. Existovali umělci, kteří neměli stálou dílnu a putovali po různých městech na brigády, připojovali se k již organizovaným skupinám nebo si najímali pomocníky přímo ve městě, kde měli práci vykonávat, ale těch byla menšina. Na druhou stranu udržování stálé základny nebránilo dílnám přijímat zakázky z jiných míst, zejména pokud byli jejich mistři renomovaní.

Přínos renesančních umělců je nejvíce připomínán díky velkým oltářům, pomníkům, sochám a obrazům, ale umělecké dílny byly podniky s velmi rozmanitým trhem. Vedle velkých děl pro kostely, paláce a veřejné budovy reagovali i na menší a populárnější zakázky, zdobili soukromé, občanské a náboženské slavnosti a události, vytvářeli divadelní kulisy a kostýmy, luxusní oděvy, šperky, malovali erby a znaky, Vyráběli zbroj, zbraně, držáky a zdobené domácí potřeby a řadu dalších předmětů a mnozí měli trvale otevřené obchody, kde vystavovali své domácí speciality.

Umělci byli obecně špatně placeni, existuje mnoho zpráv o chudobě, a pouze mistři a jejich hlavní pomocníci dosáhli pohodlného postavení, někteří mistři dokonce zbohatli, ale jejich příjmy vždy podléhaly velmi kolísavému trhu. Humanisté a přední umělci se po celou renesanci systematicky snažili emancipovat uměleckou třídu od mechanického umění a začlenit ji mezi liberály, což se jim dařilo sice se značným, ale ne úplným úspěchem. Zvyk oceňovat mimořádný talent umělce existoval již dříve; Giotto, Verrocchio, Donatello a mnozí další byli svými současníky nadšeně a široce chváleni, ale až do příchodu Michelangela, Rafaela a Leonarda nebyl žádný umělec předmětem lichotek mocných v tak velké míře, což téměř obrátilo vztah autority mezi zaměstnancem a zaměstnavatelem a mezi elitou a plebsem, a to jak díky změně v chápání role umění, tak díky vědomí těchto umělců o jejich hodnotě a jejich odhodlání dosáhnout jejího uznání.

Největší přínos renesančního malířství spočíval v novém způsobu zobrazování přírody, kdy díky takovému zvládnutí malířské techniky a středové perspektivy dokázalo vytvořit účinnou iluzi trojrozměrného prostoru na rovné ploše. Takový počin znamenal radikální odklon od středověkého systému zobrazování s jeho statičností, bezhloubkovým prostorem, figurálním schematismem a symbolickým systémem proporcí, kde nejdůležitější postavy byly větších rozměrů. Nově zavedený parametr měl matematický a fyzikální základ, jeho výsledek byl „realistický“ (ve smyslu vytvoření iluze efektivního prostoru) a jeho organizace se soustředila na hledisko pozorovatele. V tom lze spatřovat odraz popularizace principů racionalismu, antropocentrismu a humanismu. Vizuální jazyk renesančních malířů byl tak úspěšný, že je dodnes platný a mnozí jej považují za nejpřirozenější způsob zobrazení prostoru.

Renesanční malba je v podstatě lineární; kresba byla nyní považována za základ všech výtvarných umění a její zvládnutí za nezbytný předpoklad pro každého umělce. K tomu bylo velmi užitečné studium antických soch a reliéfů, které poskytlo základ pro vytvoření rozsáhlého repertoáru témat, gest a postojů těla, ale dalším důležitým prvkem bylo přímé pozorování přírody. V konstrukci malby představovala linie tradičně demonstrativní a logický prvek a barva označovala afektivní stavy nebo specifické kvality. Dalším rozdílem oproti umění středověku bylo zavedení větší dynamiky scén a gest a objev stínování neboli chiaroscura jako plastického a mimetického prostředku.

Giotto, působící ve 13. až 14. století, byl největším malířem rané italské renesance a hlavním průkopníkem naturalistického malířství. Jeho revoluční dílo, které bylo v kontrastu s tvorbou pozdně gotických mistrů, jako byli Cimabue a Duccio, silně zapůsobilo na jeho současníky a svou logikou, jednoduchostí, přesností a věrností přírodě dominovalo celému italskému malířství v období Trecenta. Ambrogio Lorenzetti a Taddeo Gaddi pokračovali v Giottově linii, aniž by ji inovovali, ačkoli v jiných dílech se progresivní rysy mísily s prvky stále silné gotiky, jak je vidět na díle Simone Martiniho a Orcagny. Giottův naturalistický a expresivní styl však představoval předvoj ve výtvarnosti této fáze a rozšířil se i do Sieny, která na čas předběhla Florencii v uměleckém pokroku. Odtud se rozšířil do severní Itálie.

V období quattrocenta získala zobrazení lidské postavy pevnost, majestátnost a sílu a odrážela pocit sebevědomí společnosti, která se stávala velmi bohatou a složitou a tvořila mnohotvárný panel trendů a vlivů. Po většinu století se však v umění projevoval střet mezi konečnými ozvěnami duchovní a abstraktní gotiky, jejímž příkladem byli Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli a Lorenzo Monaco, a novými organizujícími, naturalistickými a racionálními silami klasicismu, které představovali Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca a Ghirlandaio.

V tomto smyslu byl po Giottovi dalším vývojovým mezníkem Masaccio, v jehož dílech má člověk zřetelně zušlechtěnou podobu a jehož vizuální přítomnost je rozhodně konkrétní, s účinným využitím efektů objemu a trojrozměrného prostoru. Významně přispěl k vytvoření moderního vizuálního jazyka Západu; ovlivnil všechny významné florentské malíře následující generace, a když jeho dílo „znovuobjevili“ Leonardo da Vinci, Michelangelo a Rafael, získalo ještě větší uznání a zůstalo populární po celých šest století. Pro mnohé kritiky je skutečným zakladatelem renesance v malířství a říká se o něm, že byl „první, kdo uměl malovat muže, kteří se skutečně dotýkali nohama země“.

V Benátkách, dalším významném centru, které bylo v tomto století možná hlavním rivalem Florencie, působila skupina významných umělců, jako byli Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi a Antonello da Messina. Siena, která byla v dřívějších letech součástí avantgardy, nyní váhala mezi duchovní přitažlivostí gotiky a profánním půvabem klasicismu a ztrácela na síle. Mezitím se i v jiných oblastech severní Itálie začal prosazovat klasicismus, a to prostřednictvím Perugina v Perugii, Cosima Tury ve Ferraře, Pinturicchia, Melozza da Forli a Mantegny v Padově a Mantově. Pisanello působil v mnoha městech.

Je třeba také připomenout obnovující se vliv techniky olejomalby na italské malíře, která se v období quattrocenta rozvíjela v Nizozemí a dosáhla vysokého stupně zdokonalení, což umožnilo vytvářet mnohem přesnější a ostřejší obrazy s mnohem jemnějším stínováním, než jakého bylo dosaženo freskou, enkaustikou a temperou, což byla novinka, která měla významný vliv na portrétní a krajinářskou malbu. Právě pro tyto vlastnosti byla vlámská plátna v Itálii vysoce ceněna a Italové jich dovezli, kopírovali nebo napodobovali velké množství.

Později, v období vrcholné renesance, pronikl Leonardo da Vinci do oblasti nejednoznačné a tajemné atmosféry pomocí sofistikované olejové techniky, přičemž silně propojil umění a vědu. U Rafaela dosáhl klasicistní systém zobrazování velkolepého měřítka, vytvářel impozantní iluzionistické architektury a scenérie, ale do svých madon promítl i dosud neznámou líbeznost, která se brzy stala velmi populární. V Benátkách vyniká především Tizian, který objevuje nové chromatické vztahy a volnější, gestičtější malířskou techniku. Michelangelo završil proces povznesení člověka a v Sixtinské kapli jej dovedl k nadsazenému vyjádření mýtického, vznešeného, heroického a patetického. Významné příspěvky zanechali i mnozí další, například Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione a Pontormo.

Tato fáze velké formální vyváženosti však netrvala dlouho a brzy se zásadně proměnila a ustoupila manýrismu. U manýristů se změnilo celé pojetí prostoru, perspektiva se rozmělnila do více pohledů a proporce lidské postavy byly zkresleny pro výrazové nebo estetické účely, čímž se vytvořil dynamičtější, živější, subjektivnější, dramatičtější, vzácnější, intelektuálnější a sofistikovanější vizuální jazyk.

V sochařství jsou známky přehodnocení klasicistní estetiky staré. Nicola Pisano vytvořil kolem roku 1260 kazatelnu pro baptisterium v Pise, která je považována za předzvěst renesance v sochařství, kam vložil velký mužský akt představující ctnost Statečnosti, a zdá se, že hlavní inspirací mu bylo pozorování římských sarkofágů zdobených reliéfy, které se nacházely na hřbitově v Pise. Jeho přínos, ačkoli se omezuje na několik málo děl, je považován za stejně významný pro dějiny sochařství jako Giottův přínos pro malířství. Giottovo umění je ve skutečnosti z velké části zavázáno výzkumu Nicoly Pisana.

Jeho syn Giovanni Pisano a další významní následovníci, jako Arnolfo di Cambio a Lapo di Ricevuto, si z kontaktu s klasicismem odnesou cenné zkušenosti, ale jejich styl se v tomto ohledu vyvíjí nerovnoměrně. Giovanni později ovládl scénu ve Florencii, Pise a Sieně na počátku 14. století, vytvořil další významné akty, včetně ženského, který kopíruje klasický model Venuše pudiky, a byl jedním z tvůrců nového žánru, bolestných krucifixů, velkého dramatu a širokého vlivu, do té doby v Toskánsku neobvyklého. Jeho všestranný talent dal vzniknout dílům čistých a ryzích linií, jako je portrét Enrica Scrovegniho. Jeho Madony, reliéfy a kazatelna v katedrále v Pise jsou naopak mnohem dojemnější a dramatičtější.

V polovině století se Andrea Pisano proslavil jako autor reliéfů na jižních dveřích baptisteria ve Florencii a architekt katedrály v Orvietu. Byl mistrem Orcagny, jehož tabernákl v Orsanmichele patří k mistrovským dílům tohoto období, a Giovanniho di Balduccia, autora nádherného a složitého pohřebního pomníku v milánské kapli Portinari. Jeho generaci ovládl vliv Giottova malířství. Přes pokroky, které prosazovala řada aktivních mistrů, se v jejich díle stále odráží průnik proudů, které by byly typické pro celé Trecento, a gotické prvky jsou u všech stále převažující nebo důležité.

Na konci trecenta se ve Florencii objevila postava Lorenza Ghibertiho, autora reliéfů v Křtitelnici svatého Jana, kde se pevně usadily klasické vzory. Donatello pak vedl pokroky na různých frontách a měl široký vliv. Mezi jeho hlavní díla patří sochy starozákonních proroků, z nichž nejpůsobivější jsou Habakuk a Jeremiáš. Inovoval také jezdecké sochy, když vytvořil monument Gattamelata, nejvýznamnější památník svého druhu od dob Marka Aurelia ve 2. století. A konečně jeho dřevěná kajícnice Magdaléna z roku 1453 je obrazem bolesti, přísnosti a proměny, který ve své době neměl obdoby a vnesl do sochařství pronikavý smysl pro drama a realitu, jaký byl dosud známý pouze v helénismu.

V další generaci Verrocchio vyniká teatrálností a dynamikou svých kompozic. Byl to malíř, sochař, scénograf a dekoratér, jeden z hlavních oblíbenců Medicejských. Jeho Kristus a svatý Tomáš je velmi realistický a poetický. Pro Neptunovu kašnu ve Florencii vytvořil Dítě s delfínem, které je prototypem hadovité figury, jež se v manýrismu a baroku stane nejprestižnějším formálním modelem, a svou Dámou s kyticí květů představil nový model poprsí včetně rukou a poloviny těla, který se stal populárním. Jeho největší dílo, jezdecký pomník Bartolomea Colleoniho v Benátkách, je výrazem moci a síly ještě intenzivnějším než Gattamelata. Verrocchio ovlivnil mnoho malířů a sochařů 15. století, včetně Leonarda, Perugina a Rafaela, a je považován za jednoho z největších umělců století.

Mezi další významná jména patří Luca della Robbia a jeho rodina, dynastie hrnčířů, tvůrců nové techniky glazování a vitrifikace keramiky. Podobná technika, majolika, byla známá již po staletí, ale Luca vyvinul její variantu a úspěšně ji použil na velké sochy a dekorativní soubory. Jeho vynález zvýšil odolnost a pevnost kusů, zachoval živé barvy a umožnil venkovní instalaci. Luca byl také známým sochařem v mramoru a Leon Battista Alberti ho zařadil mezi vůdčí osobnosti florentské avantgardy spolu s Masacciem a Donatellem. Velkými popularizátory keramické techniky se však stali jeho synovec Andrea della Robbia a jeho syn Giovanni della Robbia, kteří zvětšili rozměry asambláží, obohatili chromatickou paletu a zdokonalili povrchovou úpravu. Technika byla dlouho držena v tajnosti.

Florencie zůstala centrem avantgardy až do příchodu Michelangela, který pracoval pro Medicejské a v Římě pro papeže a byl nejvlivnějším jménem v sochařství od vrcholné renesance do poloviny 50. století. Jeho dílo se od čistého klasicismu Davida a Bakcha dostalo k manýrismu, který se projevil v prudkých a dramatických dílech, jako jsou Otroci, Mojžíš a akty v Medicejské kapli ve Florencii. Umělci jako Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio a Tullio Lombardo zanechali také díla velkého mistrovství a významu, jako je Lombardův Adam, první akt v životní velikosti známý od antiky.

Renesanční cyklus uzavírají Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino a Benvenuto Cellini a další, jejichž styl se vyznačuje velkou dynamikou a expresivitou, typickou pro Giambolognův Únos ze Sabinek. Vynikající umělci z jiných evropských zemí, jako například Adriaen de Vries a Germain Pilon, již začali tvořit v jasně italském duchu, čímž se italský vkus rozšířil do velké geografické oblasti a dal vzniknout různým synkretickým formulacím s regionálními školami.

Sochařství bylo všude, na ulicích jako pomníky a ozdoby budov, ve šlechtických síních, v kostelech a v nejprostším domě byl vždy nějaký zbožný obraz. Vázy, nábytek a nástroje denní potřeby elity měly často vyřezávané nebo ryté detaily a do této oblasti lze zařadit i miniatury, jako jsou pamětní medaile. V tomto období byly vyvinuty technické prostředky, které umožnily oproti středověku obrovský skok ve schopnosti vytvářet volné formy v prostoru a zobrazovat přírodu a lidské tělo, a vydávání různých pojednání a komentářů k tomuto umění zavedlo metodologie a teorie, které rozšířily chápání tohoto oboru a podložily ho vědeckou konceptualizací, čímž založily vlivnou kritickou tradici. Zdokonalení sochařských technik umožnilo vytvářet díla v měřítku známém pouze v antice a občanský duch Florenťanů podnítil vynález nových modelů veřejného monumentu, typologie spojené s jiným chápáním zobrazovací schopnosti člověka jako společenské a vzdělávací praxe.

Přečtěte si také, bitvy – Bitva u Bosworthu

Hudba

Hudba renesance obecně nenabízí panorama náhlých přerušení kontinuity a celé dlouhé období lze považovat za terén pomalé transformace od modálního k tonálnímu univerzu a od horizontální polyfonie k vertikální harmonii. Renesance byla také obdobím velké obnovy v zacházení s hlasem a v orchestraci, v instrumentální hudbě a ve sjednocování čistě instrumentálních žánrů a forem s tanečními suitami pro plesy, neboť byla velká poptávka po hudební zábavě při každé slavnosti nebo obřadu, veřejném i soukromém.

V kompoziční technice se upouští od melismatické polyfonie varhan, odvozené přímo z gregoriánského chorálu, ve prospěch úspornějšího psaní, kdy se s hlasy zachází stále vyváženěji. Na počátku období se paralelní věty používají střídmě, akcidentální věty jsou vzácné, ale časté jsou ostré disonance. Dále se v trojhlasé skladbě začínají objevovat triády, které navozují dojem tonality. Poprvé se objevují pokusy o popisnou nebo programní hudbu, rigidní rytmické mody ustupují izorytmičnosti a volnějším, dynamičtějším formám, jako je balada, šanson a madrigal. V duchovní hudbě se nejprestižnější stala mešní forma. Notový zápis se vyvíjí směrem k přijetí not nižších hodnot a ke konci období se jako souzvuk začíná používat interval tercie, zatímco dříve se používaly pouze kvinta, oktáva a unisono.

Předchůdci této proměny nebyli Italové, ale Francouzi jako Guillaume de Machaut, autor největšího hudebního díla období Trecento v celé Evropě, mše Notre Dame, a Philippe de Vitry, kterého velmi chválil Petrarca. O italské hudbě této rané fáze se nám toho dochovalo jen velmi málo, ačkoli je známo, že se jednalo o intenzivní činnost, která se téměř výhradně odehrávala v profánní sféře, přičemž hlavními zdroji partitur jsou Codex Rossi, Codex Squarcialupi a Codex Panciatichi. Mezi jejich představiteli byli Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia a především Francesco Landini. Teprve v Cinquecentu si italská hudba začala vytvářet vlastní originální rysy, do té doby byla velmi závislá na francouzsko-vlámské škole.

Převaha severních vlivů neznamená, že by italský zájem o hudbu byl malý. Protože italští filozofové jako Ficino neměli k dispozici hudební příklady z antiky, které by mohli napodobit, obrátili se na klasické texty Platóna a Aristotela, aby vytvořili hudbu hodnou starověku. Významnou roli v tomto procesu sehrál Lorenzo Medicejský ve Florencii, který založil hudební akademii a přilákal několik evropských hudebníků, a Isabella d“Este, jejíž malý, ale zářivý dvůr v Mantově přitahoval básníky, kteří psali jednoduché básně v italštině, aby je zhudebnili, a recitace poezie zde byla stejně jako v jiných italských centrech obvykle doprovázena hudbou. Preferovaným žánrem byla frottola, která již vykazovala jasně definovanou tonální harmonickou strukturu a měla přispět k obnovení madrigalu s jeho typickou věrností textu a afektům. Ostatní polyfonní žánry, jako je mše a moteto, již plně využívají imitaci mezi hlasy a všechny jsou zpracovány podobným způsobem.

Významní vlámští skladatelé působí v Itálii, například Adriaen Willaert a Jacob Arcadelt, ale nejznámějšími osobnostmi století jsou Ital Giovanni da Palestrina a Vlám Orlando de Lasso, kteří stanovili standard chorální hudby, který bude následován na celém kontinentu, s melodickým a bohatým rukopisem, velkou formální vyvážeností a ušlechtilou expresivitou, zachovávající srozumitelnost textu, což je aspekt, který byl v předchozím období často druhotný a ztrácel se ve složité komplikovanosti kontrapunktu. Jeho hudba působí dojmem idealistické vznešenosti vrcholné renesance, která vzkvétala ve fázi, kdy se manýrismus již silně projevoval v jiných uměních, například v malířství a sochařství. Na konci století se objevily tři velké osobnosti, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli a Claudio Monteverdi, které přinesly pokrok v harmonii a smysl pro barvu a barvu, jež obohatily hudbu o manýristickou expresivitu a dramatičnost a připravily ji na baroko. Monteverdi je významný především tím, že byl prvním velkým operním skladatelem v dějinách a jeho opery L“Orfeo (1607) a L“Arianna (1608, ztracena, dochovala se pouze jedna slavná árie, Pláč) představují vznešený západ renesanční hudby a první velké milníky hudebního baroka.

Přečtěte si také, zivotopisy – Élisabeth Vigée-Lebrun

Architektura

Přetrvávající stopy antického Říma na italské půdě nikdy nepřestaly ovlivňovat místní stavební plastiku, ať už jde o používání konstrukčních prvků nebo materiálů používaných Římany, nebo o udržování památky na klasické formy. Přesto v období Trecenta zůstala gotika dominantním slohem a klasicismus se výrazněji prosadil až v následujícím století, v době nového zájmu o velké úspěchy minulosti. Tento zájem byl podnícen znovuobjevením klasické bibliografie, která byla považována za ztracenou, jako například Vitruviova De Architectura, nalezená v knihovně opatství Monte Cassino v roce 1414 nebo 1415. Autor v něm vyzdvihl kruh jako dokonalou formu a rozvedl ideální proporce stavby a lidské postavy, symetrii a vztah architektury k člověku. Jeho myšlenky pak rozvíjeli další architekti, například první významný představitel architektonického klasicismu Filippo Brunelleschi, který se rovněž inspiroval ruinami, jež studoval v Římě. Jako první uceleně použil moderní architektonické řády a vytvořil nový systém proporcí založený na lidském měřítku. Byl také zodpovědný za předzvěst použití perspektivy pro iluzionistické zobrazení trojrozměrného prostoru na dvourozměrné rovině, což je technika, která se v následujících staletích výrazně rozvinula a určila celý styl budoucího umění, čímž zahájila plodné spojení mezi uměním a vědou. Dalším významným architektem je Leon Battista Alberti, který je považován za dokonalý příklad renesančního „univerzálního člověka“, všestranného v různých oborech. Byl autorem traktátu De re aedificatoria, který se stal kanonickým. Do diskuse se zapojili i další architekti, umělci a filozofové, například Luca Pacioli ve svém díle De Divina Proportione, Leonardo se svými návrhy centrických kostelů a Francesco di Giorgio s Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Mezi nejpozoruhodnější rysy renesanční architektury patří návrat modelu centralizovaného chrámu, navrženého na základě řeckého kříže a korunovaného kopulí, který odráží popularizaci koncepcí z neoplatónské kosmologie a zároveň inspiraci památkovými stavbami, jako je římský Pantheon. První stavbou tohoto druhu v renesanci byl pravděpodobně San Sebastiano v Mantově, Albertiho dílo z roku 1460, které však zůstalo nedokončeno. Model byl založen na lidštějším měřítku, opustil intenzivní vertikalismus gotických kostelů a kupole byla korunou kompozice, která vynikala srozumitelností. Zejména pokud jde o konstrukci a stavební techniku kopule, bylo v renesanci dosaženo velkých úspěchů, ale do systému byla zařazena až později, neboť přednost dostaly dřevěné střechy. Mezi nejvýznamnější patří osmiboká kopule florentského dómu od Brunelleschiho, který při stavbě nepoužil žádné lešení ani beton, a kopule baziliky svatého Petra v Římě od Michelangela, pocházející již ze 16. století.

Před Cinquecentem neexistovalo slovo, které by označovalo architekty v dnešním slova smyslu, a říkalo se jim mistři stavitelé. Architektura byla nejprestižnějším uměním renesance, ale většina předních mistrů tohoto období, kteří se začali věnovat stavebnímu umění, byla již uznávanými umělci, ale neměla žádné vzdělání v oboru a pocházela ze sochařství nebo malířství. Byli povoláni k velkým projektům veřejných budov, paláců a kostelů a lidová architektura byla svěřena drobným stavitelům. Na rozdíl od středověké praxe, která se vyznačovala funkčností a nepravidelností, mistři pojímali stavby jako umělecká díla, oplývali představami o božské geometrii, symetrii a dokonalých proporcích, snažili se napodobit římské stavby a vytvářeli podrobné nákresy a dřevěný model stavby v malém měřítku, který sloužil stavitelům jako předloha. Tyto návrhy byly konstrukčně a plasticky inovativní, ale věnovaly jen malou pozornost jejich praktické proveditelnosti a potřebám každodenního používání, zejména při rozdělování prostor. Byli to stavitelé, kdo musel řešit technické problémy, které se během prací objevily, a snažit se zachovat původní návrh, ale často provádět důležité úpravy a změny, pokud se návrh nebo některá jeho část ukázaly jako nepraktické. Podle Hartta si stavitelé při zahájení velkých a složitých staveb, jako jsou kostely, byli málokdy jisti, že je dotáhnou do konce. Někteří mistři však na něm pracovali dlouhá léta, stali se jeho velkými znalci a zavedli důležité technické, konstrukční a funkční novinky. Navrhovali také opevnění, mosty, kanály a další stavby, stejně jako rozsáhlé urbanistické projekty. Většina z mnoha renesančních urbanistických plánů se nikdy neuskutečnila a z těch, které byly zahájeny, se žádný příliš neprosadil, ale od té doby jsou zdrojem inspirace pro urbanisty všech generací.

Na straně profánní si šlechtici, jako byli Medicejští, Strozziové a Pazziové, zajistili své postavení tím, že si objednali výstavbu velkolepých a originálních paláců, jako byl palác Pitti (Brunelleschi), Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), Palazzo Rucellai (Alberti) a Palazzo Strozzi (Maiano), všechny přetvářejí stejný model italských středověkých paláců, s víceméně krychlovým tělesem, podlahami s vysokými stropy, strukturovanými kolem vnitřního nádvoří, s rustikální fasádou a korunovanými velkou římsou, která jim dodává dojem pevnosti a nepřemožitelnosti. Příkladem čistě klasických forem je Villa Medici od Giuliana da Sangallo. Zajímavé varianty tohoto modelu se vzhledem k zatopenému terénu vyskytují v Benátkách.

Po vůdčí osobnosti vrcholné renesance Donatu Bramantovi, který přenesl těžiště architektonického zájmu z Florencie do Říma a byl autorem jedné z nejvzorovějších sakrálních staveb své generace, Tempietta, tu máme samotného Michelangela, považovaného za vynálezce kolosálního řádu a po určitou dobu architekta děl baziliky svatého Petra. Michelangelo byl podle názoru svých současníků prvním, kdo se postavil proti dosud zavedeným pravidlům klasicistní architektury a vytvořil si osobitý styl, neboť se podle Vasariho jako první otevřel skutečné tvůrčí svobodě. Představuje tedy konec „kolektivního klasicismu“, který je ve svých řešeních spíše homogenní, a začátek fáze individualizace a zmnožení architektonických jazyků. Díky nesmírné prestiži, které se těšil mezi svými, otevřel nové generaci tvůrců cestu k nesčetným experimentům s klasickým kánonem architektury, čímž se toto umění stalo nezávislým na starých – i když jim bylo do značné míry zavázáno. Mezi nejvýznamnější jména této doby patří Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi a Vignola. K úpravám, které tato skupina zavedla, patřilo uvolnění struktury frontispisu a zrušení hierarchie starých řádů s velkou volností pro uplatnění neortodoxních řešení a rozvoj záliby v čistě plastické hře s formami, což vnitřním prostorům a fasádám dodalo mnohem větší dynamiku. Palladio měl ze všech pozdně renesančních architektů největší vliv a dodnes je nejstudovanějším architektem na světě. Byl tvůrcem plodné školy zvané palladianismus, která se s vzestupy a pády udržela až do dvacátého století.

S rostoucím pohybem umělců, humanistů a učitelů mezi městy na sever od Alp a na Apeninském poloostrově a s velkým rozšířením tištěných textů a uměleckých děl prostřednictvím reprodukcí v rytinách zahájil italský klasicismus v polovině 15. století etapu šíření po celém kontinentu. František I. Francouzský a Karel V., císař Svaté říše římské, brzy rozpoznali potenciál prestiže italského umění pro propagaci svých královských obrazů a rozhodujícím způsobem se zasloužili o jeho intenzivní šíření za Alpami. Bylo to však na počátku 16. století, kdy v Itálii již nejméně dvě stě let dozrával renesanční cyklus, který se již nacházel ve své manýristické fázi.

Je tedy třeba poznamenat, že ve zbytku Evropy žádné quattrocento ani vrcholná renesance neexistovaly. V období cinquecenta, kdy evropská italianizace dosáhla vrcholu, byly regionální tradice, i když do jisté míry poznaly klasicismus, stále silně zakořeněny ve stylech, které byly v Itálii již zastaralé, jako například románský a gotický. Výsledek byl velmi různorodý a bohatě hybridní, přinesl otevření mnoha cest a jeho analýza byla naplněna kontroverzí, kde jediný hlavní konsenzus, který se vytvořil, zdůrazňuje rozmanitost hnutí, jeho široké vyzařování a obtížnost uceleného obecného popisu jeho projevů, a to z hlediska existence regionálních a národních škol se silnou individualitou, z nichž každá má specifickou historii a hodnoty.

Přečtěte si také, zivotopisy – Walker Evans

Francie

Renesanční vliv přes Flandry a Burgundsko existoval již od 15. století, jak je zaznamenáno v díle Jeana Fouqueta, ale stoletá válka a morové epidemie oddálily jeho rozkvět, který nastává až od vpádu Karla VIII. do Itálie v roce 1494. Toto období trvá přibližně do roku 1610, ale jeho konec je bouřlivý v důsledku náboženských válek mezi katolíky a hugenoty, které zemi zpustošily a oslabily. Během jeho vlády se ve Francii začíná rozvíjet absolutismus a Francie se vydává po moři objevovat Ameriku. Ústředním bodem se stalo Fontainebleau, sídlo dvora, a vznikla zde škola Fontainebleau, do níž se zapojili Francouzi, Vlámové a Italové jako Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell“Abbate a Toussaint Dubreuil, kteří se stali referencí pro další, jako byli François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon a Pierre Lescot. Přítomen byl i Leonardo. Přesto se malířství vyvíjelo poměrně chudě a málo inovativně, spíše se soustředilo na drahocenné detaily a virtuozitu, žádný francouzský umělec tohoto období nezískal kontinentální věhlas, jakého dosáhli mnozí Italové, a klasicismus je vnímatelný pouze přes manýristický filtr. Na druhé straně se objevil styl výzdoby, který byl v Evropě brzy hojně napodobován a který kombinoval malbu, reliéfní štuk a vyřezávané dřevěné prvky.

Architektura patřila k nejoriginálnějším francouzským renesančním uměním a v celé Evropě mimo Itálii se neobjevily stavby srovnatelné s velkými francouzskými paláci, jako byly Fontainebleau, Tuilerie, Chambord, Louvre a Anet, většinou s velkými formálními zahradami, mezi nimiž vynikali architekti Pierre Lescot a Philibert de l“Orme, silně ovlivnění dílem Vignoly a Palladia, zastánců čistšího klasicismu a organizátorů symetrických fasád a plánů. V každém případě jejich klasicismus nebyl ve skutečnosti čistý: různým způsobem reorganizovali klasické řády, vytvářeli varianty, dynamizovali půdorysy a objemy a kladli velký důraz na bujnou a rozmarnou výzdobu, čímž popírali zásady racionality, jednoduchosti a formální úspornosti typičtějšího klasicismu a zachovávali místní tradice charakteristické pro gotiku.

V hudbě zažila velký rozkvět burgundská škola, která v 15. století dominovala evropské hudební scéně a dala vzniknout francouzsko-vlámské škole, z níž vzešli mistři jako Josquin des Prez, Clément Janequin a Claude Le Jeune. Francouzský šanson 16. století bude hrát roli při formování italské canzony a jeho Musique mesurée vytvoří vzor deklamačního vokálního psaní ve snaze obnovit hudbu řeckého divadla a podpoří vývoj směrem k plné tonalitě. Objevil se také žánr duchovní hudby odlišný od svých italských vzorů, známý jako chanson spirituelle. V literatuře vynikli Rabelais, předchůdce fantastického žánru, Montaigne, popularizátor žánru eseje, kde dodnes patří k největším jménům, a skupina, která tvořila plejádu s Pierrem de Ronsardem, Joachimem du Bellay a Jeanem-Antoinem de Baïf. Snažili se o slovesnou aktualizaci řecko-římské literatury, napodobování specifických forem a vytváření neologismů na základě latiny a řečtiny.

Přečtěte si také, zivotopisy – Diego Velázquez

Nizozemsko a Německo

Vlámové byli v kontaktu s Itálií již od 15. století, ale teprve v 16. století se kontext proměňuje a charakterizuje jako renesanční, s relativně krátkou životností. V této fázi region bohatne, rozhodující silou se stává protestantská reformace, která se staví proti katolické nadvládě Karla V., což vede k vážným konfliktům, které oblast rozdělí. Obchodní města Brusel, Gent a Bruggy posilují kontakty se severní Itálií a objednávají díla nebo přitahují italské umělce, jako byli architekti Tommaso Vincidor a Alessandro Pasqualini, kteří zde strávili většinu svého života. Láska k rytectví přinesla do regionu četné reprodukce italských děl, Dürer zde zanechal nesmazatelnou stopu, Erasmus udržoval při životě humanismus a Rafael nechal v Bruselu zhotovit tapiserie. Vesalius dosáhl významných pokroků v anatomii, Mercator v kartografii a nový tisk vytvořil v Antverpách a Lovani podmínky pro založení vlivných nakladatelství.

V oblasti hudby se Nizozemsko spolu se severozápadní Francií stává díky Francouzsko-vlámské škole hlavním centrem pro celou Evropu. V malířství vytvořil originální školu, která zpopularizovala olejomalbu a věnovala obrovskou pozornost detailům a linii, zůstala velmi věrná sakrálním námětům a začlenila svou gotickou tradici do italských manýristických inovací. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden a Hieronymus Bosch byli jeho předchůdci v 15. století a brzy se tento region stal vlastním příspěvkem k evropskému umění, který upevnil krajinomalbu s Joachimem Patinirem a žánrovou malbu s Pieterem Brueghelem starším a Pieterem Aertsenem. Mezi další významná jména patří Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt a Joos van Cleve.

Německo podpořilo svou renesanci spojením své bohaté gotické minulosti s italskými a vlámskými prvky. Jedním z jeho prvních mistrů byl Konrad Witz, po něm Albrecht Altdorfer a Albrecht Dürer, který v Benátkách pobýval dvakrát, byl tam hluboce ovlivněn a litoval, že se musel vrátit na sever. Spolu s učencem Johannem Reuchlinem patřil Dürer k těm, kdo významně ovlivnili šíření renesance ve střední Evropě a také v Nizozemsku, kde jeho proslulé rytiny vysoce ocenil Erasmus, který ho nazval „Apelem černých čar“. Římská škola byla důležitým prvkem při formování stylu Hanse Burgkmaira a Hanse Holbeina, kteří pocházeli z Augsburgu a které navštívil Tizian. V hudbě stačí zmínit Orlanda de Lasso, příslušníka franko-vlámské školy usazeného v Mnichově, který se ve své generaci stal nejslavnějším skladatelem v Evropě, a to až do té míry, že byl císařem Maxmiliánem II. jmenován rytířem a papežem Řehořem XIII. pasován na rytíře, což je pro hudebníka mimořádně vzácné.

Přečtěte si také, zivotopisy – Jindřich IV. Anglický

Portugalsko

Vliv renesance v Portugalsku sahá od poloviny 15. do konce 16. století. Ačkoli italská renesance měla na umění jen malý vliv, Portugalci měli vliv na rozšíření pohledu Evropanů na svět a podnítili humanistickou zvědavost.

Portugalsko jako průkopník evropského objevování na konci 15. století vzkvétalo díky plavbám na Východ a dosahovalo obrovských zisků, které podporovaly obchodní buržoazii a obohacovaly šlechtu, umožňovaly luxus a kultivaci ducha. Kontakt s renesancí nastal díky vlivu bohatých italských a vlámských obchodníků, kteří investovali do námořního obchodu. Obchodní kontakty s Francií, Španělskem a Anglií byly čilé a kulturní výměna se zintenzivnila.

Jako významná námořní velmoc přilákala odborníky na matematiku, astronomii a námořní techniku, jako byli Pedro Nunes a Abraão Zacuto, a kartografy Pedra Reinela, Lopa Homema, Estevão Gomese a Dioga Ribeira, kteří dosáhli zásadního pokroku v mapování světa. Vyslanci na Východě, jako byl lékárník Tomé Pires a lékař Garcia de Orta, sbírali a publikovali práce o nových místních rostlinách a lécích.

V architektuře se díky ziskům z obchodu s kořením v prvních desetiletích 16. století vytvořil honosný přechodný styl, v němž se mísí mořské prvky s gotikou a manuelskou architekturou. Nejznámější jsou klášter Jerónimos, Belémská věž a okno kapituly Kristova kláštera v Tomaru, jejichž architekty byli Diogo Boitaca a Francisco de Arruda. V malířství vynikají Nuno Gonçalves, Gregório Lopes a Vasco Fernandes. V hudební oblasti Pedro de Escobar a Duarte Lobo, stejně jako čtyři zpěvníky, včetně Cancioneiro de Elvas a Cancioneiro de Paris.

V literatuře zavedl Sá de Miranda italské veršové formy, Garcia de Resende sestavil v roce 1516 Cancioneiro Geral a Bernardim Ribeiro byl průkopníkem bukoliky. Gil Vicente je spojil s lidovou kulturou a přiblížil měnící se dobu a Luís de Camões zapsal úspěchy Portugalců do epické básně Os Lusíadas. Rozkvět zaznamenala zejména cestopisná literatura: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto a další popisovali nové země a překládali je a šířili prostřednictvím nového tisku. Poté, co se v roce 1500 zúčastnil portugalského průzkumu Brazílie, použil Amerigo Vespucci, zástupce Medicejských, termín Nový svět.

Z intenzivní mezinárodní výměny vzešlo několik humanistických a kosmopolitních učenců: Francisco de Holanda, André de Resende a Damião de Góis, Erasmův přítel, kteří za vlády Manuela I. psali se vzácnou nezávislostí; Diogo a André de Gouveia, kteří prostřednictvím Francie provedli důležité reformy ve vzdělávání. Exotické zprávy a výrobky z portugalské obchodní stanice v Antverpách přitahovaly zájem Thomase Mora a Dürera o širší svět. V Antverpách pomohly portugalské zisky a znalosti podpořit nizozemskou renesanci a zlatý věk Nizozemska, zejména po příchodu kulturní a bohaté židovské komunity vyhnané z Portugalska.

Přečtěte si také, zivotopisy – Maya Angelou

Španělsko

Ve Španělsku byly okolnosti v několika bodech podobné. Znovudobytí španělského území od Arabů a fantastický příliv bohatství z amerických kolonií a s tím spojená intenzivní obchodní a kulturní výměna se staly základem fáze nebývalého rozmachu a obohacení místního umění. Umělci jako Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes a mnoho dalších zanechali pozoruhodná díla v klasickém nebo manýristickém stylu, dramatičtější než jejich italské vzory, protože duch protireformace tam měl pevnou pozici a v duchovních spisovatelích jako Terezie z Avily, Ignác z Loyoly a Jan od Kříže velké představitele. Zejména v architektuře se bujná ornamentika stala typickou pro styl známý jako plateresque, jedinečnou syntézu gotických, maurských a renesančních vlivů. Univerzita v Salamance, jejíž výuka měla humanistické rysy, a usazení Italů, jako byli Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni a Pompeo Leoni, vnesly do procesu další sílu.

Pozdější renesance dokonce překročila oceán a zakořenila v Americe a na Východě, kde se dodnes dochovalo mnoho klášterů a kostelů založených španělskými kolonizátory v centrech Mexika a Peru a Portugalci v Brazílii, Macau a Goa, z nichž některé jsou dnes památkami světového dědictví.

Přečtěte si také, zivotopisy – Lyonel Feininger

Anglie

V Anglii se renesance shodovala s takzvaným alžbětinským věkem, velkou námořní expanzí a relativní domácí stabilitou po zničující dlouhé válce růží, kdy bylo možné přemýšlet o kultuře a umění. Stejně jako ve většině ostatních evropských zemí se stále živé gotické dědictví mísilo s odkazy pozdní renesance, ale jeho charakteristickým rysem je převaha literatury a hudby nad ostatními uměními a jeho platnost přibližně do roku 1620. Básníci jako John Donne a John Milton hledají nové způsoby chápání křesťanské víry a dramatici jako Shakespeare a Marlowe se hbitě pohybují mezi tématy, která jsou pro lidský život klíčová – zrada, transcendence, čest, láska. smrt – ve slavných tragédiích jako Romeo a Julie, Macbeth, Othello, Benátský Maur (Shakespeare) a Doktor Faustus (Marlowe), stejně jako jejich prozaičtější a lehčí aspekty v půvabných pohádkách jako Sen noci svatojánské (Shakespeare). Filozofové jako Francis Bacon objevili nové hranice abstraktního myšlení a uvažovali o ideální společnosti a v hudbě si italskou madrigalovou školu osvojili Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons a mnozí další, získali nezaměnitelný místní ráz a vytvořili tradici, která je dodnes živá, vedle velkých duchovních polyfonistů, jako byli John Taverner, William Byrd a Thomas Tallis, z nichž posledně jmenovaný zanechal slavné moteto Spem in alium pro čtyřicet hlasů rozdělených do osmi sborů, skladbu, která ve své době neměla obdoby pro své mistrovství ve zvládání obrovských vokálních mas. V architektuře vynikli Robert Smythson a palladianisté Richard Boyle, Edward Lovett Pearce a Inigo Jones, jejichž dílo mělo ohlas i v Severní Americe, kde se stali jejich žáky George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison a Thomas Jefferson. V malířství byla renesance přijímána hlavně prostřednictvím Německa a Nizozemska, kde se prosadil především Hans Holbein, později pak William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard a několik dalších mistrů tudorovské školy.

Přečtěte si také, zivotopisy – Alessandro Scarlatti

Umění a vědy

Zdroje

1. Renascimento
2. Renesance