Alexander Archipenko
gigatos | 23 února, 2022
Souhrn
Alexander Porfyrovič Archipenko byl americký sochař ukrajinského původu, který se narodil 30. května 1887 v Kyjevě a zemřel 25. února 1964 v New Yorku.
Syn inženýra Alexandra Archipenka vystudoval také matematiku. Umělec byl fascinován vztahem mezi uměním a vědou. V letech 1902-1906 se vzdělával v malířství a sochařství v Kyjevě a Moskvě. V tomto období ho zaujaly byzantské ikony, fresky a mozaiky v Kyjevě. Po pobytu v Moskvě se v roce 1908 přestěhoval do Paříže, kde se seznámil s avantgardními směry, zejména se skupinou kubistů. Usadil se v La Ruche, 2, passage de Dantzig, bývalém vinném pavilonu ze Světové výstavy v roce 1889, který byl přestavěn na umělecké ateliéry. Pracoval sám a raději chodil studovat archaické řecké sochařství do Louvru než na Beaux-Arts, kde pohrdal akademickou výukou. Umělec již na kyjevské umělecké škole vyčítal svým učitelům, kteří ho nakonec vyloučili. Ovlivněn Rodinem až do svých děl představených v Moskvě v roce 1906 se ve svých 24 letech prosadil jako jeden z vůdců avantgardního sochařství v Paříži.
V roce 1910 vystavoval na pařížském Salonu nezávislých. V pátek 21. dubna 1911 se na 27. Salonu nezávislých stala díla Alberta Gleizese, Jeana Metzingera, Roberta Delaunaye, Henriho Le Fauconniera, André Lhoteho, Josepha Csakyho a Archipenka předmětem vášnivé kritiky, která byla hodna kritiky vyvolané výstavou Fauve. Tato výstava, považovaná za „mistrovské kostky“, vyvedla z míry i Guillauma Apollinaira. Bylo jim vytýkáno odklon od kubismu, jeho karikatura a dokonce i jeho antiakademismus. Absence Picassa a Braqua (kteří vystavovali výhradně v galerii Daniela-Henryho Kahnweilera) na této výstavě byla politována.
Jeho první samostatná výstava se konala v Německu v muzeu Folkwang Hagen v roce 1912. Toho roku si v Paříži otevřel uměleckou školu a stal se členem sekce Section d“Or, kde vytvořil své první reliéfní obrazy: sochy. V říjnu 1912 se v Galerii de la Boétie konala první výstava skupiny Section d“Or, které se zúčastnili Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis a Archipenko. Jednatřicet umělců s dvěma sty obrazy bez Picassovy přítomnosti. Tato výstava má didaktický charakter: čtyři roky po svém vzniku vstoupil kubismus do teoretické fáze. Výstava skupiny Section d“Or vyvolala ostrou kritiku těchto revolučních děl: Apollinaire je obhajoval ve svých sloupcích v L“Intransigeant nebo v předmluvách ke katalogům.
V roce 1913 byla čtyři jeho díla vystavena na Armory Show v New Yorku. Vytvořil své první rytiny, které byly v roce 1914 reprodukovány v italské futuristické publikaci Lacerba. V roce 1914 se zúčastnil Salonu nezávislých a v roce 1920 Benátského bienále. Během válečných let žil umělec v Cimiez u Nice. V letech 1919 až 1921 cestoval do Ženevy, Curychu, Paříže, Londýna, Bruselu, Atén a dalších evropských měst, kde vystavoval svá díla. Jeho první samostatná výstava ve Spojených státech se konala v roce 1921 v New Yorku v Société Anonyme. V roce 1923 odešel z Berlína do Spojených států, kde v průběhu let otevřel několik uměleckých škol v New Yorku, Woodstocku, Los Angeles a Chicagu. Dalších třicet let vyučoval ve Spojených státech na uměleckých školách a univerzitách, dokonce i na krátce existujícím Novém Bauhausu. V roce 1928 získal americké občanství.
V roce 1933 vystavoval v ukrajinském pavilonu v Chicagu v rámci světové výstavy Century of Progress. V letech 1937 až 1939 působil jako odborný asistent na Nové škole průmyslového umění Bauhaus v Chicagu. Většinu umělcových děl v německých muzeích zabavili nacisté s cílem vyčistit je od zvrhlého umění. V roce 1947 vytvořil sochy osvětlené zevnitř. V letech 1955 a 1956 doprovázel putovní výstavu svých děl po celém Německu. Začal psát knihu Archipenko: 50 let tvorby 1908-1958, která vyšla v roce 1960. Kniha obsahuje příspěvky padesáti historiků umění a Archipenkovy texty o umělecké tvorbě. V roce 1962 byl zvolen členem Americké akademie umění a literatury.
Podle Archipenka je „obtížné zařadit umělcovu tvorbu do jednotlivých období“. Dodává: „Nikdy jsem nepatřil do škol: ze škol jsem byl vyloučen. Dělal jsem výzkum, vymýšlel jsem a experimentoval, pak mě někdo napodoboval… Pro každého umělce je umění tvůrčím vzestupným proudem k individuálnímu objevování pravdy ve formách přírody a období jsou jen škatulkami v myslích kritiků.
Problémem, který sochařství podle Archipenka vyvolává, je objem a vzájemné propojení hmot. V tom je ještě extrémnější než moderní sochaři jako Brancusi nebo Duchamp-Villon, kteří stejně jako on patří do skupiny Zlatého řezu. Jeho hlavním problémem je prázdnota, která má sílu nepřítomného objektu, a vytváří tak objem. Principy jeho sochařství jsou zjednodušení a zřejmost objemů při zachování figurativního aspektu. Jeho umění, které se vyznačuje velkou matematickou přísností, ponechává dominantní místo ženskému tělu. Rád vzpomíná na všudypřítomnost kamenných bůžků starých Slovanů ve svém dětství.
Picasso vytvořil první pravidla této sochařské gramatiky: polychromii, integraci nejrůznějších materiálů, rytmické využití ploch a vzhled otevřených forem. Stejně jako malířství se kubistické sochařství zabývá především vztahem mezi objekty a prostorem, objemy a dutinami, které je oddělují nebo do nichž jsou zasazeny. Vliv italského futurismu, zejména prostřednictvím Boccioniho, s nímž se Archipenko seznámil v roce 1912, vedl k vytvoření dynamických forem. Archipenko zkoumal zejména dialektiku konkávních a konvexních forem.
Vytvořil si osobitý styl se stereometricky zjednodušenými tělesnými hmotami, prostorově vzpřímenými figurami, zkosenými formami, ostrými úhly, krystalickými zlomy z formálního inventáře kubismu a inspiroval se také manýrismem.
S výjimkou Boccioniho žádný sochař nepostavil analýzu prostoru, ústřední problém tohoto desetiletí, jako absolutní. Žádný umělec neposunul interakci mezi objemem a prázdnotou tak osobitým způsobem směrem k expresivním a lyrickým, dynamickým a sošným oblastem. Dosáhl spojení formální přísnosti a hravé přitažlivosti. V jedné formě sjednotil čtyři neuchopitelné prvky: prostor, průhlednost, světlo a odraz, a vytvořil tak moderní sochu s konkávní formou.
Torzo (1909) je jeho první socha s kubistickými tendencemi. Ukazuje, jak rozkládá objemy a perforuje je, aby prostor pronikl dovnitř.
V roce 1909 a následujícím roce ještě o kubismu nic nevěděl a inspiroval se skládanými sochami Barlacha nebo Köllwitze (Žena s kočkou v roce 1910 nebo Žena s kočkou v roce 1911). V letech 1911-12 jsou rozvinuté a v jeho nafouklých stehnech a pažích je cítit kubistický vliv nebo naopak etika (Žena kráčející v roce 1912). Od roku 1911 se aktivně účastnil kubistického hnutí. Plastické problémy, které jeho sochařství v té době řešilo, byly rozhodně nové: plné objemy, vztah mezi dutinami a plnými objemy v dutinách. Chtěl symbolizovat „nepřítomnou realitu“. Ve filmu Femme qui marche z roku 1912 poprvé ušetřil hlavu v negativu. V roce 1912 určil své oblíbené téma: prolínání těla a prostoru, rozvíjení konkávních a konvexních křivek tak, aby se sochařská forma stala určitým způsobem vnímatelnou skrze svou matérii. Rozvinul vlastní teorii komplementárních forem: každá prázdnota vytváří svůj pomyslný protiklad.
V díle Medrano z roku 1912 vytvořil svou první asambláž z různých malovaných materiálů (sklo, dřevo a kov). V neustálém uměleckém výzkumu rozvíjel nové metody tvorby a vytvářel interakci mezi malbou a sochařstvím. V roce 1912 vytvořil s Medranem I. Le Jongleur ze dřeva, skla a kovového drátu kloubové panenky připomínající dřevěné harlekýnky, které používaly sklo, kovovou fólii, drát, válcovité kužely a disky, jež byly opatřeny polychromovanou barvou. Tímto uvolněním formy se Archipenko rozešel s tradičním sochařstvím a prosadil se jako jeden z mistrů avantgardy. Oživil žánr, který byl od 17. století v západním sochařství opomíjen, polychromii.
Jeho sochařská díla vytvořená v roce 1912 jsou malované sádrové reliéfy. Mezi malbou a sochařstvím studoval vzájemný vztah mezi formou a barvou, kdy jedna zdůrazňuje nebo snižuje druhou. Tato dvě umění jsou v závislosti na cíli sjednocena nebo postavena do kontrastu na vizuální a duchovní úrovni.
V letech 1913-1916 převládala forma nad realitou. V obraze Tanec z roku 1912 definoval stoupající vnitřní prostor prodchnutý lehkostí prostřednictvím arabesky tvořené párem. Tuto sochu uspořádal kolem prázdnoty. V tomto díle o prázdnotě a plnosti si dával pozor, aby nedoplňoval těla, jejichž údy zastavil, když mu to plastičnost přikázala, zavedením prázdnoty jako podílníka, jako v Ženě v roce 1915, jejíž hlava je nakreslena kolem mezery.
V roce 1913 vytvořil drátěnou sochu, kterou Apollinaire nazval „en baleine de parapluie“. Později se jeho pojetí kubismu přiklonilo ke konstruktivismu.
V obraze La Boxe z roku 1913 se umělec pokusil převést brutální energii sportu do abstraktních forem. Boxeři jsou redukováni na ostré tvary, které se vzájemně proplétají a prudce se střetávají, svaly jsou nahrazeny rytmickou energií.
Tête constructiviste (1913) je tvořen sestavou rovin. Gondoliér (1914) je komponován v mírně posunutých částech, aby ve futuristické perspektivě vyvolal pocit pohybu, a Zátiší (1915) je jedním z mála jeho reliéfních obrazů.
Po příjezdu do Spojených států na počátku 20. let 20. století přijal tradici: převládá uhlazenost, dokonalost a uvolněnost. S dílem Femme (1920) se ihned vrátil k sochařství a vytvořil vysokou kovovou figuru na malované desce. Stal se tradičním.
V letech 1924 až 1928 vytvořil projekt Archipentura. Archipeintura z roku 1924 jsou plátna uváděná do pohybu důmyslně ukrytými motory: elektrický mechanismus v základně zařízení uvádí do pohybu centrální rám a na povrchu se postupně objevují tisíce namalovaných fragmentů, které tvoří ucelený obraz. Tento vynález byl realizován v New Yorku. Vždy se zabýval vizuálním oživením svých děl, ať už je propichoval ve hmotě tak, aby jimi prostupoval prostor, nebo používal materiály, jako je sklo, dřevo či kov, a u sochařských maleb dokonce přidával barvu.
En Famille (1935) je koncentrované dílo ovlivněné konstruktivismem.
Ve dvou rozměrech je výjimečná i ženská postava v kvaši, jejíž střídající se hnědé a bílé hmoty vytvářejí reliéf těla (Měsíční svit v roce 1937).
Ve 40. a 50. letech pokračoval v uměleckém zkoumání materiálů a technik. Například pro obrázek assise použil řezaný a osvětlený plast. Své původní formy, z nichž většina zanikla, převzal v obřích formátech (Figures d“acier v roce 1951, Cléopâtre v roce 1957). V padesátých letech si uvědomil, že se ve své orientaci na nějakou dobu zmýlil, a pustil se do pastišování svých začátků nebo jejich rekonstrukce, protože mnoho jeho děl nepřežilo první světovou válku.
Od konce 50. let se vrátil ke svému kubo-konstruktivistickému stylu s vysoce geometrickými figurami, zachovávajícími výrazné prázdné prostory a nejčastěji symetrickými (Kimono v roce 1961 nebo Roi Salomon v roce 1963).
Přečtěte si také, zivotopisy – Karel III. Španělský
Externí odkazy
Zdroje
