Hans Hofmann
gigatos | 12 ledna, 2022
Souhrn
Hans Hoffmann (21. března 1880, Weissenburg, Bavorsko – 17. února 1966, New York) byl americký umělec německého původu, představitel abstraktního expresionismu, známý také jako učitel umění.
Jeho kariéra trvala dvě generace a dva kontinenty a je považován za předchůdce abstraktního expresionismu, který ovlivnil. Narodil se a vystudoval na předměstí Mnichova, byl aktivním účastníkem evropské avantgardy počátku dvacátého století a po emigraci do USA v roce 1932 si s sebou přinesl hluboké porozumění a syntézu symbolismu, neoimpresionismu, fauvismu a kubismu. Hoffmannovo malířství se vyznačuje přísným důrazem na obrazovou strukturu a jednotu, prostorovým iluzionismem a používáním výrazných barevných prostředků. Vlivný kritik Clement Greenberg považoval Hoffmannovu první samostatnou výstavu v New Yorku na výstavě Peggy Guggenheimové Art of this Century v roce 1944 (spolu s výstavou Jacksona Pollocka na konci roku 1943) za průlom v malbě nad geometrickou abstrakcí, který předznamenal abstraktní expresionismus.
V následujícím desetiletí se uznání G. Hoffmanna rozšířilo díky četným výstavám, zejména v Kutz Gallery, a vyvrcholilo velkými retrospektivami ve Whitney Museum of American Art (1957) a v Muzeu moderního umění (1963), které putovaly po USA, Jižní Americe a Evropě. Jeho díla jsou ve stálých sbírkách významných světových muzeí, včetně Metropolitního muzea umění, galerie Tate Modern, Německého národního muzea, Národní galerie umění a Institutu umění v Chicagu.
Hans Hoffmann je také považován za jednoho z nejvlivnějších učitelů umění 20. století. V roce 1915 založil v Mnichově uměleckou školu, která navázala na myšlenky a dílo Paula Cézanna, Wassilyho Kandinského a kubistů; někteří historici umění se domnívají, že šlo o první moderní uměleckou školu na světě. Po přestěhování do USA znovu otevřel školu v New Yorku a v Provincetownu ve státě Massachusetts, až se v roce 1958 vrátil k výuce a začal se věnovat malování na plný úvazek. Jeho učení mělo významný vliv na poválečné americké avantgardní umělce, mezi něž patřili Helen Frankenthalerová, Nell Blaineová, Lee Krasnerová, Joan Mitchellová, Louise Berlawski-Nevelsonová a Larry Rivers, a také na Greenbergovy teorie, v nichž kladl důraz na médium, obrazovou rovinu a jednotu díla. Mezi další klíčové postuláty H. Hoffmanna patří jeho prostorová teorie „odpuzování a přitahování“, jeho důraz na to, že abstraktní umění má svůj původ v přírodě, a jeho víra v duchovní hodnotu umění.
Hans Hoffmann zemřel 17. února 1966 v New Yorku ve věku 85 let na infarkt.
Hans Hoffmann se narodil 21. března 1880 v bavorském Weissenburgu Theodoru Friedrichu Hoffmannovi (1855-1903) a Franzisce Manger Hoffmannové (1849-1921). V roce 1886 se rodina přestěhovala do Mnichova, kde otec získal práci ve státní správě. Hoffmanna od mládí přitahovala věda a matematika. V šestnácti letech následoval svého otce do státní služby a pracoval pro bavorskou vládu jako asistent ředitele veřejných prací. Zde rozšířil své znalosti matematiky a nakonec vyvinul a patentoval zařízení, jako je elektromagnetický komptometr, radar pro námořní plavidla a přenosný mrazák pro vojenské účely. V této době se Hoffmann začal zajímat také o umění a v letech 1898 a 1899 začal studovat u německého malíře Moritze Heimanna. V roce 1898 začíná studovat malbu na soukromé umělecké škole v Mnichově.
V letech 1900-1904 se Hoffmann v Mnichově seznámil se svou budoucí ženou Marií „Miz“ Wolfeggovou (1885-1963) a také s Philippem Freudenbergem, majitelem berlínského luxusního obchodního domu Kaufhaus Gerson a vášnivým sběratelem umění. Freudenberg se stal Hoffmannovým mecenášem. Hoffmanna v následujícím desetiletí, což mu umožnilo přestěhovat se a žít v Paříži s Miesem. V letech 1904 až 1914, tedy až do začátku první světové války, žil Hoffmann v Paříži, kde navštěvoval Académie de la Grande Chaumiere, kde studoval také Henri Matisse. Byla to doba zrodu a rozvoje uměleckých směrů, jako byl fauvismus a kubismus, a mladý Hoffmann jimi byl silně ovlivněn. Zároveň se v Paříži setkává s Robertem Delaunayem a Soňou Delaunay-Terkovou a navazuje s nimi přátelství. Hoffmann pracoval a vystavoval v Paříži až do vypuknutí první světové války a vytvářel obrazy ovlivněné kubisty a Paulem Cézannem.
Po návratu do Německa byl kvůli onemocnění dýchacích cest prohlášen za neschopného vojenské služby. V roce 1915 otevřel Hoffmann v Mnichově uměleckou školu, kde studoval mimo jiné budoucí vedoucí katedry umění na Kalifornské univerzitě v Berkeley Worth Ryder.
Na Ryderovo pozvání G. Hoffmann v roce 1930 poprvé navštíví USA a v roce 1932 tam zůstane natrvalo. G. Hoffmann a Miz žili šest let odděleně, než jí bylo v roce 1939 uděleno imigrační vízum do USA. Nejprve vedl kurzy v Lize studentů umění a v roce 1933 si otevřel vlastní uměleckou školu. U Hoffmanna studovali mimo jiné takoví mistři abstraktního umění jako Ray Ames, Allan Kaprow a Lee Krasner.
V roce 1941 získal G. Hoffmann americké občanství. V té době se jeho dílo těšilo stále větší pozornosti a uznání kritiků, obchodníků s uměním a muzeí.
Lee Krasnerová v roce 1942 seznámila učitele se svým manželem, malířem Jacksonem Pollockem, který Hoffmanovi pomohl uspořádat jeho první samostatnou výstavu v roce 1944 v galerii Peggy Guggenheimové. Od roku 1935 se v umělcově tvorbě stále více projevovaly abstraktní tendence.
V roce 1946 vystavuje Hoffmann v galerii Mortimer Brand. Umělecký kritik Robert Coates, který výstavu recenzoval v časopise The New Yorker, vymyslel pro popis toho, co vidí, termín „abstraktní expresionismus“. Hoffmannovo dílo se zároveň liší od obrazů jiných klasiků abstraktního expresionismu – Adolfa Gottlieba, Barnetta Newmana nebo Marka Rothka, které Hoffmann považoval za „tragické a nadčasové“. Hoffmann byl „hédonista abstraktního expresionismu“, jak ho nazval Irving Sandler. Zajímavé je, že Sandler označuje za „hédonistu“ také A. Matisse, Hoffmannova pařížského spolužáka.
V roce 1947 se autor účastní – spolu s Theodorosem Stamosem, Edem Reinhardtem, Markem Rothkem a Cliffordem Steelem – skupinové výstavy The Ideographic Picture, kterou pořádá B. Newman. Newman v Galerii Betty Parsons.
V roce 1948 Hoffmann publikuje svou teoretickou práci, esej s názvem „Hledání reality ve výtvarném umění“.
V roce 1958, po více než čtyřiceti letech pedagogické činnosti, mimo jiné na prestižních uměleckých školách v New Yorku a Princetonu ve státě Massachusetts, umělec opustil pedagogickou činnost a plně se soustředil na malování, což vedlo k pozdnímu rozkvětu jeho kariéry (v osmasedmdesáti letech).
V roce 1963 uspořádalo Muzeum moderního umění v New Yorku retrospektivní výstavu díla Hanse Hoffmanna. V témže roce zemřela po operaci jeho partnerka a manželka Miz Hoffmannová, se kterou strávil více než šedesát let.
O dva roky později se Hoffmann oženil s Renate Schmitzovou, která s ním zůstala až do jeho smrti na infarkt v New Yorku 17. února 1966, krátce před jeho 86. narozeninami.
Hoffmannovo umění obecně charakterizuje přísný zájem o obrazovou strukturu a jednotu, rozvíjení prostorové iluze prostřednictvím „přitažlivosti a odpudivosti“ barvy, formy a umístění a používání výrazných, často jediných základních barev pro výrazové prostředky. V prvních desetiletích století maloval v modernistickém, i když stále rozpoznatelném malířském stylu, vytvářel krajiny, zátiší a portréty, ovlivněn především kubismem a Paulem Cézannem z hlediska formy a Wassily Kandinským, Henri Matissem a Vincentem van Goghem z hlediska barvy.
Г. Někdy ve dvacátých letech se Hoffmann začal věnovat výhradně kresbě a k malbě se vrátil v roce 1935. V roce 1940 však začal malovat zcela abstraktní díla, jako například Jaro, malou olejomalbu na „kapkovité“ desce. Historikové umění popisují toto dílo a další, jako například Vítr (1942), Fantazie (1943) a Sizzle (1944), z hlediska jejich „malířských útoků“, ostrých kontrastů, intenzivní barevnosti a gestické spontánnosti jako „záznamy umělcova intenzivního prožitku“ barev, barev a postupů, které byly libovolné, náhodné a přímé, stejně jako záměrné. Tato díla ukazují rané stylistické experimenty G. Hoffmanna s technikami, které byly později označovány jako „akční malba“ a které koncem desetiletí proslavily Pollocka a další. H. Hoffmann věřil, že abstraktní umění je způsob, jak se dobrat důležitých skutečností, a jednou prohlásil, že „schopnost zjednodušit znamená odstranit nepotřebné, aby mohlo promluvit potřebné“.
Práci G. Hoffmana ve 40. letech 20. století podpořilo několik klíčových osobností, které zahájily novou éru rostoucího vlivu obchodníků s uměním a galerií, včetně Peggy Guggenheimové, Betty Parsonsové a Samuela M. Kutze. Jeho první samostatná výstava v New Yorku v Guggenheimově galerii s názvem The Art of this Century (Umění tohoto století) v roce 1944 získala pozitivní recenze v New York Times, ARTnews a Arts Digest. V témže roce se H. Hoffman představil na samostatné výstavě v Art Club of Chicago a na dvou klíčových skupinových výstavách abstraktního a surrealistického umění ve Spojených státech, jejichž kurátory byli Sidney Janis a Parsons. Při hodnocení výstavy H. Hoffmanna v roce 1945 Greenberg napsal: „Hoffmann se stal silou, s níž je třeba počítat jak v praxi, tak v interpretaci současného umění.“ Ne všichni kritici byli jednotní v chvále; například Robert Coates, který jako jeden z prvních označil nová díla za „abstraktní expresionismus“, se v recenzi Hoffmannovy tvorby z roku 1946 vyjádřil skepticky o stylu malby „sprej a mazání“. Hoffmann začal každoročně vystavovat v Kutz Gallery v New Yorku (a to až do roku 1966, s výjimkou roku 1948, kdy byla galerie dočasně uzavřena) a v následujícím desetiletí se mu dostávalo uznání.
V pozdějším období pracoval G. Hoffmann často méně gesticky a vytvořil díla jako Brány (1959-60), Pompeje (1959) nebo To Miz – Pax Vobiscum (pomník 1964 po Mizově smrti), která se slabě věnovala architektonickým objemům a někdy byla označována za jeho „obrazy na deskách“. V těchto dílech používal obdélníky smyslných barev, které posilovaly formu jeho důsledného formátu malby na stojanu a někdy naznačovaly modulární logiku, ale unikaly definitivnímu pochopení díky plochám modulární barvy a nepravidelným tvarům.
V roce 1957 vystavilo Whitney Museum velkou Hoffmannovu retrospektivu, která v následujícím roce navštívila sedm dalších muzeí ve Spojených státech. Kritik Harold Rosenberg ve své recenzi retrospektivy napsal: „Žádný americký umělec nedokázal uspořádat výstavu s větší rozmanitostí než Hans Hoffmann.“ V roce 1960 byl Hoffmann vybrán, aby spolu s Philipem Gustonem, Franzem Klinem a Theodorem Roszakem reprezentoval USA na Benátském bienále.
V roce 1963 představilo Muzeum moderního umění rozsáhlou retrospektivu, kterou uspořádal William Seitz a jejíž katalog obsahoval ukázky z Hoffmannova díla. Během následujících dvou let výstava putovala do pěti dalších míst ve Spojených státech, do muzeí v Buenos Aires a Caracasu a nakonec do pěti muzeí v Nizozemsku, Itálii a Německu.
K posmrtným retrospektivám Hoffmannova díla patří výstavy v Hirshhorn Museum (1976), Whitney Museum (1990) a v londýnské Tate Gallery („Hans Hoffmann: Late Paintings“, 1988), jejichž kurátorem byl britský umělec John Hoyland. D. Hoyland se s Hoffmannovým dílem poprvé seznámil při své první návštěvě New Yorku v roce 1964 ve společnosti Clementa Greenberga a okamžitě na něj zapůsobilo.
Г. Hoffmann byl známý nejen jako umělec, ale také jako učitel umění, a to jak v rodném Německu, tak později ve Spojených státech. Jeho pedagogická hodnota spočívala v důslednosti a nekompromisní přísnosti jeho uměleckých měřítek a ve schopnosti naučit základní principy poválečné abstrakce širokou škálu studentů. V roce 1915 založil v Mnichově svou první školu výtvarného umění, v níž navázal na myšlenky a díla Paula Cézanna, kubistů a Wassilyho Kandinského. K jeho praktickým vyučovacím metodám patřilo neustálé probírání teorie umění, kreslení ze života a pravidelná kritika samotného Hoffmanna, což bylo na Akademii vzácností. V polovině 20. let si získal pověst vyspělého učitele a přilákal mezinárodní komunitu studentů, kteří hledali avantgardnější výuku, včetně Alfa Beyerleho, Alfreda Jensena, Louise Nevelsonové, Wolfganga Paalena a Wortha Rydera. G. Hoffmann vedl školu, včetně letních kurzů pořádaných po celém Německu, ale i v Rakousku, Chorvatsku, Itálii a Francii, až do své emigrace do USA v roce 1932.
V USA poprvé vyučoval na letním semestru na Kalifornské univerzitě v Berkeley v roce 1930 na pozvání svého bývalého studenta Wortha Rydera, který byl v té době členem umělecké fakulty. Následující rok opět vyučoval na Berkeley a na Chouinard Art Institute v Los Angeles a poté se vrátil do Německa. Po přestěhování do New Yorku začal v roce 1933 vyučovat na Art Students League of New York. Do roku 1934 otevřel Hoffman vlastní školy v New Yorku a Provincetownu ve státě Massachusetts. Studovala u něj řada slavných umělců, například Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Ray Eames, Larry Rivers, Allan Kaprow, Red Grooms, Nell Blaine, Irene Rice Pereira, Jerome Kamrowski, Fritz Bultman, Israel Levitan, Robert De Niro starší, Jane Freilicher, Wolf Kahn, Marisol Escobar, Burgoyne Diller, James Gahagan, Richard Stankevich, Linda Lindeberg, Lillian Orlowski, Louise Mattiasdottir a Nina Tryggvadottir. Mezi jeho žáky patřila Beulah Stevensonová, dlouholetá kurátorka Brooklynského muzea. V roce 1958 Hoffman zavřel své školy, aby se mohl věnovat výhradně vlastní tvorbě. V roce 1963 uspořádalo Muzeum moderního umění v New Yorku putovní výstavu Hans Hoffmann a jeho žáci, která zahrnovala 58 děl od 51 umělců.
Přestože se zasloužil o výuku řady nejnadanějších umělkyň té doby – v době, kdy byly ještě poměrně vzácné -, bývá Hoffmann označován za „přímého mužského šovinistu“. Hoffmann je někdy popisován jako „přímočarý mužský šovinista“. Lee Krasner, která zůstala jeho žačkou, přirovnala některé jeho výtky k pochvalám, jichž se často dostává umělkyním (např. „tak dobré, že byste nikdy nepoznali, že to dělala žena!“). Sochařka Lila Katzen vyprávěla, že jí řekl, že „křídla pro umění mají jen muži“.
Vlivné práce H. Hoffmanna o současném umění byly shromážděny v knize Hledání skutečného a jiné eseje (1948), která obsahuje jeho úvahy o prostorových teoriích „odpuzování a přitahování“, jeho úctu k přírodě jako zdroji umění, jeho přesvědčení, že umění má duchovní hodnotu, a jeho filozofii umění obecně. Z formálního hlediska je pozoruhodný zejména jako teoretik média, který tvrdil, že „každé výrazové médium má svůj vlastní řád bytí“, že „barva je plastickým prostředkem k vytváření intervalů“ a jeho chápání obrazového rámu, které představil ve svém citátu: „Jakákoli čára umístěná na plátně je již pátá“. G. Hoffmann věřil, že je třeba zůstat věrný plochému podkladu plátna a že pro vytvoření hloubky a pohybu v obraze musí umělec vytvořit to, co nazýval „odpuzující přitažlivost“ – kontrasty barev, tvarů a textury.
Г. Hoffmann byl přesvědčen o duchovní a společenské hodnotě umění. V roce 1932 napsal: „Poskytování poradenství ze strany učitelů a podpora rozvíjejících se umělců je národní povinností, pojistkou duchovní solidarity. Co děláme pro umění, děláme pro sebe, pro naše děti a pro budoucnost.“
Hoffmanova díla se nacházejí ve stálých sbírkách mnoha významných muzeí v USA i po celém světě, např.: Muzeum umění Kalifornské univerzity v Berkeley, Metropolitní muzeum umění, Muzeum Solomona R. Guggenheimovo muzeum, Whitneyho muzeum, Muzeum moderního umění (New York), Muzeum moderního umění v San Francisku, Bostonské muzeum výtvarného umění, Institut umění v Chicagu, Muzeum umění v Seattlu, Baltimorské muzeum umění, Muzeum výtvarného umění v Houstonu, Cleveland Museum of Art, Philadelphia Museum of Art, Provincetown Art Association and Museum, Stadtische Galerie im Lenbachhaus (Mnichov), Museum of Modern Art (Barcelona), Tate Gallery a Art Gallery of Ontario (Toronto). G. Hoffmann navrhl také veřejný projekt, barevnou nástěnnou malbu u vchodu do Graduate School of Graphic Communication Arts, která se nachází v manhattanské čtvrti Hell“s Kitchen.
Na aukci Christie“s v New Yorku v roce 2015 dosáhl obraz H. Hoffmanna Auxerre (1960), inspirovaný rozsáhlými vitrážemi katedrály Saint-Etienne ve Francii, světového aukčního rekordu 6 325 000 dolarů.
Když H. Hoffmann 17. února 1966 zemřel, spravovala jeho pozůstalost vdova Renate Hoffmannová. Po Renatině smrti v roce 1992 vyšel v deníku New York Daily News článek s názvem „Od kaviáru ke kočičímu žrádlu“, který popisoval „smutný a bolestný příběh“ vdovy po Hoffmannovi. Článek tvrdil, že Renatini soudem určení opatrovníci „přes deset let dojili její majetek“ a nechali psychicky labilní Renatu žít „s kočkami a alkoholem v domě na pobřeží oceánu plném odpadků“. Původní vykonavatel pozůstalosti G. Hoffmana Robert Warshaw pod hrozbou trestního stíhání dosáhl toho, že nedbalí opatrovníci zaplatili 8,7 milionu dolarů za „extrémní bolest a utrpení“.
Podle závěti Renate Hoffmannové byla formálně založena Nadace Renate, Hanse a Marie Hoffmannových, v jejímž čele stál R. Warshaw. Posláním nadace je „podporovat studium a porozumění mimořádnému životu a dílu Hanse Hoffmanna“ a dosahovat těchto cílů „prostřednictvím výstav, publikací a vzdělávacích akcí a programů věnovaných Hansi Hoffmannovi“, jakož i sestavováním katalogu H. Hoffmann. Zástupcem Nadace Renate, Hanse a Marie Hoffmannových pro autorská práva v USA je Společnost pro práva umělců.
Zdroje
