Jasper Johns

gigatos | 12 února, 2022

Post Views: 12

Souhrn

Jasper Johns (15. května 1930, Augusta) je americký malíř a sochař, který je spolu s Robertem Rauschenbergem považován za jednoho z hlavních představitelů nového dada.

Přečtěte si také, zivotopisy – Hans Hofmann

Raná léta

Johns se narodil v roce 1930 v Augustě v Georgii, ale po rozvodu rodičů vyrůstal v Allendale v Jižní Karolíně u prarodičů a strýců. O tomto období svého života později řekl: „Tam, kde jsem vyrůstal, nebyli žádní umělci a žádné umění, takže jsem vlastně nevěděl, co to znamená. Myslel jsem si, že to znamená, že budu v jiné situaci, než jsem byl. V jednom rozhovoru z počátku 60. let vypráví, že ve třech letech začal kreslit a nikdy nepřestal a že se v pěti letech rozhodl stát se umělcem. Do čtvrtého ročníku základní školy studoval v Columbii (Jižní Karolína), poté se s matkou, nevlastním otcem a nevlastními bratry stěhoval mezi státy a vyšší vzdělání dokončil v Sumteru (Jižní Karolína). V letech 1947-1948 navštěvoval tři semestry Univerzitu v Jižní Karolíně, poté se na pozvání svých učitelů umění přestěhoval do New Yorku, kde v roce 1949 studoval jeden semestr na Parsons School of Design. Poté pracoval jako kurýr a prodavač.

Přečtěte si také, zivotopisy – Erwin Schrödinger

1950s

Na počátku 50. let sloužil Johns v armádě a byl také vyslán do pole v japonském Sendai v korejské válce, odkud se v roce 1953 vrátil do New Yorku. Do New Yorku se vrátil v roce 1953. Se stipendiem pro veterány se zapsal na Hunter College, ale po nehodě hned první den studia zanechal. V letech 1953-1954 pracoval v nakladatelství Marboro Books. Díky spisovatelce Suzi Gablick se seznámil s umělcem Robertem Rauschenbergem, s nímž ho pojilo dlouholeté přátelství a umělecký vliv. V roce 1954 se Johns seznámil se skladateli Mortonem Feldmanem a Johnem Cagem (s nimiž se o několik let později vrátil do Japonska) a s tanečníkem a choreografem Mercem Cunninghamem.

V polovině desetiletí se umělec rozhodl zničit všechna svá předchozí díla (dokonce odkupoval i ta, která prodal, aby se jich zbavil) a jen čtyři z nich se mu podařilo zachovat: tento krok odpovídal začátku nového období umělce, radikální změně a přerodu. Vytvořil tak originální a osobitý umělecký styl, který byl v protikladu ke gestickému a energickému stylu takzvaného abstraktního expresionismu, jenž přispěl ke zrodu směrů, jako je pop-art, minimalismus a konceptuální umění. Vytvořil tak první Terč se čtyřmi tvářemi, první sérii Čísla 1, 2, 5 a 7 a první Bílou vlajku, po níž v průběhu let následovala řada dalších verzí, které byly rozloženy, převráceny, zmnoženy nebo desaturovány v podobě obrazů, grafik a kreseb. Používá ikony a předměty, které jsou jasné a neosobní, aby se mohl soustředit na techniku výroby a ruční zpracování díla.

V roce 1955 založili s Rauschenbergem společnost Matson Jones – Custom Display, ve které pracovali jako designéři výloh, například pro Tiffany&Co a Bonwit Teller v následujícím roce. Bílá vlajka byla vystavena jako součást jedné z těchto expozic.

V květnu 1957 se Johns zúčastnil skupinové výstavy v Galerii Leo Castelli a v roce 1958 vystavoval své práce na samostatné výstavě v téže galerii. Na Alfreda Barra, prvního ředitele MoMA – Muzea moderního umění v New Yorku, zapůsobil obraz Target with Plaster Casts (1955), přestože byl před vystavením předmětem diskusí a kritiky, protože byl považován za příliš provokativní pro vystavení v muzeu. Newyorské muzeum zakoupilo tři umělcova díla. Terč se čtyřmi tvářemi se objevil na obálce známého časopisu Artnews. V roce 1958 byla Johnsova díla poprvé vystavena v Evropě u příležitosti 29. benátského bienále. Umělec se začal prosazovat na americké a evropské umělecké scéně; v roce 1959 vystavoval v Paříži a Miláně. V roce 1958 také vytvořil své první kovové sochy Flashlight I a Lightclub I.

Po úspěchu své samostatné výstavy v Castelli“s v roce 1958 se Johns rozhodl vydat novou cestou. Ta začala dílem False Start (1959), v němž umělec přešel od enkaustiky k olejomalbě a upřednostnil vícevrstevnatý a nestálý tah štětcem. Barr byl touto novou prací zmaten, protože rozložení barev bylo velmi podobné abstraktnímu expresionistickému umění, ke kterému byl Johns vždy nepřátelský.

Přečtěte si také, uncategorized-cs – test

Šedesátá léta

Na počátku 60. let se autor začal zajímat o motiv mapy Spojených států (také námět různých pozdějších verzí, např. vlajky) a téma otisků lidských těl; začal také pracovat s bronzem v sochařství. V roce 1961 poprvé vycestoval do Evropy, když byla jeho díla vystavena v pařížské Galerii Rive Droite, a později se zúčastnil výstavy Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York v téže galerii. Na rozdíl od dřívějšího období se jeho tvorba stala autobiografičtější, složitější a dezorientovanější. V mnoha obrazech hojně používal šedou barvu (také jako poctu malíři René Magrittovi), jako například v obrazech Plátno (1956) a Šedé abecedy (1956), v nichž dominuje melancholická rovina výrazu.

V dílech této dekády častěji používal linie, barevné škály nebo teploměry, které vyjadřovaly myšlenku měření, jak je patrné z Periskopu (1963). V těchto letech spolupracoval se spisovatelem a kurátorem umění Frankem O“Harou, s nímž uspořádal sbírku obrazů a básní a také citoval jednu z jeho básní v knize In Memory of My Feelings – Frank O“Hara (1961). V roce 1963 se zúčastnil výstavy Pop Art USA v Oakland Art Museum v Kalifornii a stal se jedním ze zakladatelů Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. V roce 1964 vytvořil své dosud nejrozsáhlejší dílo, které podle Kirka Varnedoeho představuje souhrn všech jeho výtvarných prací.

V témže roce uspořádal retrospektivní výstavu více než 170 svých děl v Židovském muzeu v New Yorku, která se poté opakovala v Anglii a Kalifornii, a zúčastnil se XXXII. benátského bienále a Documenty III v Kasselu. Nakonec se v roce 1964, v Den vlajky, rozhodl obchodník s uměním Leo Castelli darovat prezidentu Johnu Kennedymu bronzovou verzi Vlajky (1960), což Johns považoval za strašnou volbu, neboť v ní viděl instrumentalizaci svého umění. V roce 1969 vydal v časopise Art in America knihu Thoughts on Duchamp a později obdržel čestný titul z klasických věd na Univerzitě v Jižní Karolíně. Na konci desetiletí o něm vydal historik umění Max Kozloff monografii s názvem Jasper Johns.

Přečtěte si také, zivotopisy – Filip VI. Francouzský

1970s

Mezi lety 1974 a 1982 se hlavním vzorem jeho obrazů stalo tzv. křížové šrafování. Poprvé se objevuje v díle Bez názvu (1972), ale nejlépe jej reprezentuje Vůně (1973-1974), v níž se projevuje umělcův rostoucí zájem o grafické techniky, v tomto díle spojený s tématy sexuality a smrti. Stejná tematika se objevuje i v jeho dalším díle Mezi hodinami a postelí (1981), které bylo inspirováno stejnojmenným obrazem Edvarda Muncha. V roce 1973 se v Paříži setkal s dramatikem Samuelem Beckettem, aby s ním jednal o možné spolupráci na inscenaci umělecké knihy Foirades.

V druhé polovině desetiletí uspořádal velkou retrospektivu ve Whitneyho muzeu v New Yorku, která byla následně zopakována v Kolíně nad Rýnem, Paříži, Londýně, Tokiu a San Franciscu. Následně newyorské muzeum koupilo Tři vlajky za milion dolarů, což byla do té doby nejvyšší částka zaplacená za žijícího amerického umělce, a v 80. letech Johnsova díla neustále dosahovala velmi vysokých cen. V roce 1978 byl zvolen čestným akademikem Accademia delle arti del disegno ve Florencii (a později v letech 1987 a 1993 emeritním akademikem). V letech 1979-1981 se ve své tvorbě vrátil k používání předmětů, jako jsou nože, vidličky a lžíce, a začal se zajímat o nové formy objektivního zobrazení, jako jsou tantrické motivy.

Přečtěte si také, zivotopisy – Christina Rossetti

1980s

Od 80. let se jeho díla začala vyznačovat silným psychologickým a soukromým přístupem, jak je patrné například v dílech V ateliéru (1982), Nebezpečná noc (1982) a Závodní myšlenky (1983), v nichž autor odkazuje na duševní poruchu, která ho v tomto období postihla. Změnil se také jeho malířský styl, zavedl dvojí čtení obrazů, citace jiných umělců a trompe l“œil efekty. V letech 1980-1982 se stal členem Královské akademie krásných umění ve Stockholmu a Americké akademie umění a věd v Bostonu. V letech 1985 až 1986 namaloval obrazy Čtyři roční období, tradičně označované jako věky života, které poprvé vystavil v galerii Leo Castelliho na West Broadwayi a později za ně získal hlavní cenu na Benátském bienále v roce 1988. V roce 1989 byl jmenován 38. členem Síně slávy Jižní Karolíny, což je ocenění určené nejvýznamnějším osobnostem jeho země, a byl uveden do Americké akademie umění a literatury. O jeho díle natočil Rick Tejada-Flores dokumentární film Jasper Johns: Ideas in Paint (1989).

Přečtěte si také, dejiny – Osmdesátiletá válka

Poslední roky

V 90. letech získal řadu ocenění, včetně Národní medaile za umění, kterou mu v roce 1990 v Bílém domě předal americký prezident George Bush. Uspořádal několik výstav: retrospektivu v MoMA v New Yorku s následnými zastávkami v Kolíně nad Rýnem a Tokiu (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper v Muzeu moderního umění v San Franciscu, po níž následovaly výstavy v Yale University Art Gallery a v Muzeu umění v Dallasu (1999), výstavu ve Walker Art Center, která pokračovala v dalších centrech ve Spojených státech, Španělsku, Skotsku a Irsku (2003), a nakonec Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio v Galleria di Castelli (2004).

Na konci století se otevřela nová etapa jeho malby, která směřovala k „vyprázdnění“ obrazové plochy. To je patrné například v sérii Catenary (1999), v níž název catenary označuje křivku vytvořenou působením gravitace drátu, který je připevněn na jeho koncích, takže v jednotlivých dílech dráty, skutečné nebo namalované, křižují plochu a jsou jediným předmětem v rámci plátna. V posledních letech žije Johns na odpočinku především v Sharonu (Connecticut) a na ostrově Svatý Martin ve francouzské Západní Indii, kde vlastní ateliér, který pro něj postavil architekt Philip Johnson.

Existuje několik způsobů, jak autora zarámovat. Za prvé, Johns je považován za jednoho z hlavních představitelů Nového dada, amerického uměleckého směru, který vychází z dada umění počátku století a stejně jako ono do uměleckého díla začleňuje tzv. duchampovské ready-mades (tj. objekty převzaté z reality). Tento proud je také velmi blízký současnému francouzskému Nouveau Réalisme, v němž se používají předměty z nejbanálnějšího každodenního života. Začlenění ready-made do díla je tedy také řešením problému reprezentace reálného a běžného. Sám autor říká, že jeho výtvory obsahují objekty, na které se můžete dívat, ale které ve skutečnosti nevidíte.

Použití špatně manipulovatelných předmětů, které jsou do díla jednoduše vloženy, souvisí také s tím, že Johns odmítá umění abstraktního expresionismu, a proto hodlá omezit gestickou složku své intervence na minimum a upřednostňuje formální a konstitutivní aspekty samotného obrazu. Tento nepřátelský postoj se projevuje již v díle Cíl se sádrovými odlitky, kde přítomnost odlitků částí lidského těla může odkazovat na domnělý protiklad mezi „abstraktním“ a „figurativním“ uměním. Obraz se dvěma koulemi slouží také jako útok na mýtus amerického malířství spojený s generací umělců, jako byli Jackson Pollock a Willem de Kooning: dvě namalované koule ve skutečnosti odkazují na ironický popis sebe sama, proti typické mužnosti, kterou teatrálně předváděli ostatní američtí umělci.

Nakonec je považován za umělce, který inicioval pop-art, aniž by si toho byl vědom.

Dalším charakteristickým rysem jeho tvorby je to, že si ponechává otevřenou otázku rozdílu či souvislosti mezi realitou a reprezentací, skutečným obrazem a malovaným obrazem; mnoho jeho děl, počínaje Vlajkami, se totiž vyznačuje odtažitým a tautologickým zobrazením společného předmětu, jehož hranice se shodují s hranicemi plátna. Pro umělce je důležitá intenzita, s jakou to, co o objektu již víme, ovlivňuje to, co na něm vidíme; on sám nepotřebuje model, aby namaloval vlajku nebo terč, protože mu stačí představa, kterou má o objektu v mysli. Jeho práce s vlajkami, písmeny nebo terči si tak pohrávají s ambivalencí mezi samotným objektem a jeho zobrazením. Velmi často si při zmínce o svých Vlajkách klade řečnickou otázku: „Je to vlajka, nebo obraz?“.

Přečtěte si také, dejiny – První punská válka

Enkaustika

Enkaustika je technika, kterou umělec často používá při tvorbě svých děl. Pochází ze starověkého Egypta a spočívá ve smíchání pigmentů a roztaveného vosku při tzv. enkaustikování, k němuž Johns obvykle přidává kousky látky nebo výstřižky z novin. Konečný výsledek hraničí s figurativností, ale zachovává si viditelné stopy autorovy manipulace, tkaní látek nebo textů vytištěných na papíře, což umožňuje otevřít dílo mnoha úrovním interpretace mezi prezentací a reprezentací obrazu. Povrch děl je svůdný a fascinující, ale také nový, originální a aktuální v kontextu amerického umění let, kdy je Johns používal.

Takzvaný punský vosk, který se používá pro enkaustickou malbu, se tradičně získává vařením horkého vosku v mořské vodě, k němuž se poté přidá voda, hašené vápno a lepidlo; směs rozpuštěná ve vodě a ještě horká se nalije na barvu a ihned se promíchá, rozetře po díle, nechá se zaschnout a nakonec se znovu zahřeje, aby se pigmenty mohly znovu objevit na povrchu. Tato technika umožňuje přidání jakéhokoli typu pigmentu a nevyžaduje příliš rychlou realizaci; je také velmi trvanlivá, protože vosk nepodléhá oxidaci.

Přečtěte si také, zivotopisy – Nobunaga Oda

Práce

Zdroje