Louise Bourgeois
gigatos | 14 března, 2022
Souhrn
Louise Joséphine Bourgeois (25. prosince 1911 – 31. května 2010) byla francouzsko-americká umělkyně. Ačkoli je nejznámější díky svým velkoformátovým sochám a instalacím, Bourgeoisová byla také plodnou malířkou a grafičkou. Během své dlouhé kariéry se zabývala různými tématy, včetně domácnosti a rodiny, sexuality a těla, ale i smrti a nevědomí. Tato témata souvisejí s událostmi z jejího dětství, které považovala za terapeutický proces. Ačkoli Bourgeoisová vystavovala s abstraktními expresionisty a její dílo má mnoho společného se surrealismem a feministickým uměním, nebyla formálně spojena s žádným konkrétním uměleckým hnutím.
Přečtěte si také, zivotopisy – Jakub I. Skotský
Raný život
Bourgeois se narodil 25. prosince 1911 v Paříži. Narodila se jako prostřední ze tří dětí rodičům Joséphine Fauriauxové a Louisovi Bourgeoisovi. Její rodiče vlastnili galerii, která obchodovala především se starožitnými tapiseriemi. Několik let po jejím narození se rodina odstěhovala z Paříže a pod svým bytem v Choisy-le-Roi zřídila dílnu na restaurování tapiserií, pro kterou Bourgeoisová doplňovala vzory tam, kde se opotřebovaly. Spodní část tapiserií byla vždy poškozená, což většinou způsobovaly nohy postav a zvířecí tlapy.
V roce 1930 nastoupila Bourgeoisová na Sorbonnu, aby studovala matematiku a geometrii, obory, kterých si cenila pro jejich stabilitu: „Klid v duši jsem získala jen díky studiu pravidel, která nikdo nemůže změnit.“
Její matka zemřela v roce 1932, kdy Bourgeoisová studovala matematiku. Matčina smrt ji inspirovala k tomu, aby opustila matematiku a začala studovat umění. Ve studiu umění pokračovala tím, že se přihlásila do kurzů, kde byli potřeba překladatelé pro anglicky mluvící studenty, zejména proto, že překladatelé neplatili školné. V jedné takové třídě viděl její práci Fernand Léger a řekl jí, že je sochařka, nikoliv malířka. Bourgeoisová přijala práci docentky, která vedla prohlídky v Musée du Louvre.
Bourgeois absolvoval Sorbonnu v roce 1935. Začala studovat umění v Paříži, nejprve na École des Beaux-Arts a École du Louvre a po roce 1932 na nezávislých akademiích na Montparnassu a Montmartru, jako jsou Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière a u Andrého Lhoteho, Fernanda Légera, Paula Colina a Cassandre. Bourgeois toužil po zkušenostech z první ruky a často navštěvoval pařížské ateliéry, kde se od umělců učil technikám a pomáhal při výstavách.
V roce 1938 si otevřela vlastní galerii v sousedství otcovy galerie gobelínů, kde vystavovala díla umělců jako Eugène Delacroix, Henri Matisse a Suzanne Valadon a kde se jako zákaznice seznámila s hostujícím americkým profesorem umění Robertem Goldwaterem. Vzali se a přestěhovali se do Spojených států (kde vyučoval na Newyorské univerzitě). Měli tři syny, jeden byl adoptovaný. Manželství trvalo až do Goldwaterovy smrti v roce 1973.
V roce 1938 se Bourgeoisová s manželem usadila v New Yorku. Pokračovala ve studiu na Art Students League of New York, kde studovala malbu u Václava Vytlačila a věnovala se také sochařství a grafice. „První obraz měl mřížku: mřížka je velmi klidná věc, protože se na ní nemůže nic pokazit… všechno je kompletní. Není v ní místo pro úzkost … všechno má své místo, všechno je vítáno.“
Bourgeoisová tyto autobiografické odkazy začlenila do své sochy Quarantania I, která je vystavena v Cullenově sochařské zahradě v Muzeu výtvarných umění v Houstonu.
Přečtěte si také, zivotopisy – Themistoklés
Střední léta
Počátek čtyřicátých let představoval pro Bourgeoise obtíže spojené s přechodem do nové země a snahou proniknout do výstavního světa New Yorku. Její díla v této době vznikala z odpadků ze skládky a naplaveného dřeva, které používala k vyřezávání vzpřímených dřevěných soch. Nečistoty dřeva pak maskovala barvou, načež hřebíky vymýšlela díry a škrábance ve snaze ztvárnit nějakou emoci. Spící postava je jedním z takových příkladů, který zobrazuje válečnou postavu, jež není schopna čelit skutečnému světu kvůli své zranitelnosti. Po celý život vznikala Bourgeoisové díla na základě návratů k vlastní pohnuté minulosti, kdy nacházela inspiraci a dočasnou katarzi v dětských letech a zneužívání, kterému byla vystavena ze strany svého otce. Pomalu získávala větší uměleckou sebedůvěru, i když její střední léta jsou neprůhlednější, což mohlo být způsobeno tím, že se jí dostalo jen velmi málo pozornosti ze strany uměleckého světa, přestože měla první samostatnou výstavu v roce 1945. V roce 1951 její otec zemřel a ona získala americké občanství.
V roce 1954 se Bourgeois připojil ke skupině amerických abstraktních umělců, kde působilo několik jeho současníků, mimo jiné Barnett Newman a Ad Reinhardt. V této době se také spřátelila s umělci Willemem de Kooningem, Markem Rothkem a Jacksonem Pollockem.V rámci skupiny amerických abstraktních umělců Bourgeoisová přešla od dřeva a vzpřímených konstrukcí k mramoru, sádře a bronzu a zkoumala problémy jako strach, zranitelnost a ztráta kontroly. Tento přechod byl zlomový. Svou tvorbu označovala za sérii nebo sekvenci úzce související s dny a okolnostmi, přičemž své rané práce popisovala jako strach z pádu, který se později proměnil v umění padat, a závěrečný vývoj jako umění viset na místě. Konflikty v reálném životě jí dávaly sílu autentizovat své zážitky a boje prostřednictvím jedinečné umělecké formy. V roce 1958 se Bourgeoisová s manželem přestěhovala do řadového domu na 20. západní ulici v Chelsea na Manhattanu, kde žila a tvořila po zbytek života.
Přestože Bourgeoisová odmítala, že by její umění bylo feministické, jejím tématem byla žena. Díla jako Femme Maison (1946-1947), autoportrét Torso (1963-1964), Arch of Hysteria (1993), všechna zobrazují ženské tělo. Koncem šedesátých let se její obrazy staly explicitněji sexuálními, když zkoumala vztah mezi muži a ženami a emocionální dopad svého problematického dětství. Sexuálně explicitní sochy jako Janus Fleuri (1968) ukazují, že se nebála využívat ženskou formu novými způsoby. Byla citována její slova: „Moje práce se zabývá problémy, které jsou před pohlavím,“ napsala. „Například žárlivost není ani mužská, ani ženská.“ S nástupem feminismu si její dílo našlo širší publikum. Navzdory tomuto tvrzení se v roce 1976 Femme Maison objevila na obálce knihy Lucy Lippardové From the Center: Z centra: feministické eseje o ženském umění a stala se ikonou feministického uměleckého hnutí.
Přečtěte si také, zivotopisy – Karel Maria Isidor Bourbonský
Pozdější život
V roce 1973 začal Bourgeois vyučovat na Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College a New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. V letech 1974 až 1977 působila Bourgeoisová na School of Visual Arts v New Yorku, kde vyučovala grafiku a sochařství. Mnoho let také vyučovala na státních školách v Great Neck na Long Islandu.
Na začátku 70. let pořádala Bourgeoisová ve svém domě v Chelsea setkání nazvaná „Neděle, krvavé neděle“. Tyto salony byly plné mladých umělců a studentů, jejichž díla Bourgeoisová kritizovala. Bourgeoisové nemilosrdnost v kritice a její suchý smysl pro humor vedly k pojmenování těchto setkání. Bourgeoisová inspirovala mnoho mladých studentů k tvorbě feministického umění. Louisin dlouholetý přítel a asistent Jerry Gorovoy však prohlásil, že Louise považovala svou vlastní tvorbu za „předgenderovou“.
Bourgeoisová se spojila s aktivistkami a stala se členkou skupiny Fight Censorship Group, feministického kolektivu proti cenzuře, který založila její kolegyně Anita Steckelová. V 70. letech skupina obhajovala používání sexuálních obrazů v uměleckých dílech. Steckelová tvrdila: „Pokud ztopořený penis není dostatečně zdravý, aby se dostal do muzeí, neměl by být považován za dostatečně zdravý, aby se dostal do žen.“
V roce 1978 byla Bourgeoisová pověřena Správou všeobecných služeb, aby vytvořila svou první veřejnou sochu Facets of the Sun. Dílo bylo instalováno před federální budovou v Manchesteru ve státě New Hampshire.Bourgeoisová se dočkala první retrospektivy v roce 1982 v Muzeu moderního umění v New Yorku. Do té doby byla v umění okrajovou postavou, jejíž dílo bylo spíše obdivováno než oceňováno. V rozhovoru pro Artforum, který byl načasován na zahájení její retrospektivy, prozradila, že obrazy v jejích sochách jsou zcela autobiografické. Svěřila se světu, že prostřednictvím svého umění obsedantně prožívá trauma, které ji v dětství postihlo, když zjistila, že její anglická guvernantka byla zároveň milenkou jejího otce.
V roce 1989 vytvořila Bourgeoisová suchou jehlou lept Mud Lane z domu, který spravovala ve Stapletonu na Staten Islandu a který považovala spíše za sochařské prostředí než za obytný prostor.
Další retrospektivu měl Bourgeois v roce 1989 na Documentě 9 v německém Kasselu. V roce 1993, kdy Královská akademie umění uspořádala rozsáhlý přehled amerického umění 20. století, nepovažovali organizátoři Bourgeoisovo dílo za důležité, aby bylo do přehledu zařazeno. Tento přehled byl však kritizován za mnohá opomenutí, přičemž jeden kritik napsal, že „celé oddíly nejlepšího amerického umění byly vymazány“, a poukázal na to, že bylo zahrnuto jen velmi málo žen. V roce 2000 byla její díla vybrána k vystavení na otevření Tate Modern v Londýně, v roce 2001 vystavovala v Ermitáži.
V roce 2010, v posledním roce svého života, se Bourgeoisová svým uměním zasazovala za rovnoprávnost lesbiček, gayů, bisexuálů a transsexuálů (LGBT). Vytvořila dílo I Do, které zobrazuje dva květy vyrůstající z jednoho stonku, ve prospěch neziskové organizace Freedom to Marry. Bourgeoisová uvedla: „Každý by měl mít právo uzavřít manželství. Zavázat se, že budete někoho navždy milovat, je krásná věc.“ Bourgeois se v minulosti angažoval ve prospěch rovnoprávnosti LGBT, v roce 1993 vytvořil umělecké dílo pro aktivistickou organizaci ACT UP, která bojovala proti AIDS.
Přečtěte si také, zivotopisy – David Hume
Smrt
Bourgeois zemřel 31. května 2010 na selhání srdce v Beth Israel Medical Center na Manhattanu. Její úmrtí oznámila Wendy Williamsová, výkonná ředitelka ateliéru Louise Bourgeoisové. Až do své smrti pokračovala v tvorbě uměleckých děl, přičemž poslední díla dokončila před týdnem.
Deník New York Times uvedl, že její dílo „sdílí řadu opakujících se témat, jejichž středobodem je lidské tělo a jeho potřeba péče a ochrany v děsivém světě“.
Její manžel Robert Goldwater zemřel v roce 1973. Zůstali po ní dva synové, Alain Bourgeois a Jean-Louis Bourgeois. Její první syn Michel zemřel v roce 1990.
Přečtěte si také, zivotopisy – Jean Dubuffet
Femme Maison
Femme Maison (1946-47) je série obrazů, v nichž Bourgeois zkoumá vztah ženy a domova. Ženské hlavy jsou v nich nahrazeny domy, které izolují jejich těla od vnějšího světa a udržují jejich mysl v domácím prostředí. Toto téma jde ruku v ruce s odlidštěním moderního umění.
Přečtěte si také, dejiny – Masakr hugenotů ve Wassy
Zničení otce
Zničení otce (1974) je životopisným a psychologickým zkoumáním mocenské nadvlády otce a jeho potomků. Dílo je tělesně laděnou instalací v měkké a děloze podobné místnosti. Destrukce otce, vytvořená ze sádry, latexu, dřeva, látky a červeného světla, byla prvním dílem, v němž autorka použila měkké materiály ve velkém měřítku. Po vstupu do instalace stojí divák v místě, kde došlo k následkům zločinu. Ve stylizované jídelně (s dvojím dopadem ložnice) se abstraktní kapkovité děti despotického otce vzbouřily, zavraždily ho a snědly.
… vypráví zajatým posluchačům, jak je skvělý, co všechno úžasného dokázal a jaké špatné lidi dnes zlikvidoval. Ale to se děje den za dnem. Ve vzduchu je cítit tragédie. Až příliš často už jednou řekl své. Je nesnesitelně dominantní, i když si to nejspíš sám neuvědomuje. Narůstá v něm jakási nelibost a jednoho dne jsme se s bratrem rozhodli: „Přišel čas!“. Popadli jsme ho, položili na stůl a noži ho rozpitvali. Rozebrali jsme ho a rozčtvrtili, uřízli jsme mu penis. A stal se z něj pokrm. Snědli jsme ho… zlikvidovali jsme ho stejně, jako zlikvidoval děti.
Přečtěte si také, zivotopisy – Frederic Edwin Church
Exorcismus v umění
V roce 1982 představilo Muzeum moderního umění v New Yorku dílo neznámé umělkyně Louise Bourgeois. Bylo jí 70 let a byla umělkyní pracující se smíšenými médii, která pracovala na papíře, s kovem, mramorem a zvířecími kosterními kostmi. Traumata z dětství v rodině „plodila v umění exorcismus“ a ona se zoufale snažila očistit svůj neklid svou tvorbou. Měla pocit, že se může dostat do kontaktu s otázkami ženské identity, těla, rozvrácené rodiny, a to dávno předtím, než je umělecký svět a společnost považovaly za výrazná témata v umění. Bourgeousová tak našla svůj střed a stabilizovala svůj emocionální neklid. New York Times tehdy napsaly, že „její dílo je nabité něhou i násilím, přijetím i vzdorem, ambivalencí i přesvědčením“.
Přečtěte si také, zivotopisy – Richard Ellmann
Buňky
Ve svých osmdesáti letech vytvořila Bourgeoisová dvě série uzavřených instalací, které označovala jako Cells. Mnohé z nich jsou malé skříňky, do nichž je divák vyzván, aby nahlédl dovnitř na uspořádání symbolických předmětů; jiné jsou malé místnosti, do nichž je divák vyzván, aby vstoupil. Bourgeoisová v celách využívá dřívější sochařské formy, nalezené předměty i osobní předměty, které pro autorku nesly silný osobní emocionální náboj.
V buňkách jsou obsaženy psychické a duševní stavy, především pocity strachu a bolesti. Bourgeois uvedl, že buňky představují „různé druhy bolesti; fyzickou, emocionální a psychologickou, mentální a intelektuální … Každá buňka se zabývá určitým strachem. Strach je bolest … Každá buňka se zabývá potěšením voyeura, vzrušením z toho, že se dívá a že se na něj někdo dívá“.
Přečtěte si také, bitvy – Owain Glyndŵr
Maman
Koncem 90. let začala Bourgeoisová používat pavouka jako ústřední obraz své tvorby. Maman, který je vysoký více než devět metrů, je socha z oceli a mramoru, z níž byla následně odlita edice šesti bronzů. Poprvé se objevila jako součást Bourgeoisovy zakázky The Unilever Series pro Turbine Hall v Tate Modern v roce 2000 a nedávno byla socha instalována v Katarském národním kongresovém centru v katarském Dauhá. Její největší pavoučí socha s názvem Maman měří přes 30 stop (9,1 m) a byla instalována na mnoha místech po celém světě. jedná se o největší pavoučí sochu, jakou kdy Bourgeoisová vytvořila. navíc Maman odkazuje na sílu matky s metaforami předení, tkaní, výchovy a ochrany. Převaha motivu pavouka v její tvorbě dala vzniknout její přezdívce Spiderwoman.
Pavouk je ódou na mou matku. Byla to moje nejlepší přítelkyně. Stejně jako pavouk byla i moje matka tkalcem. Moje rodina se zabývala restaurováním gobelínů a matka měla na starosti dílnu. Stejně jako pavouci byla i moje matka velmi chytrá. Pavouci jsou přátelské bytosti, které se živí komáry. Víme, že komáři šíří nemoci, a proto jsou nežádoucí. Pavouci jsou tedy užiteční a ochranitelští, stejně jako moje matka.
Přečtěte si také, zivotopisy – Gian Lorenzo Bernini
Maisons fragiles
Bourgeoisovy křehké domy
Přečtěte si také, zivotopisy – Tizian
Tvorba grafiky
Grafika Bourgeoisové vzkvétala v raných a pozdních fázích její kariéry: ve 30. a 40. letech, kdy poprvé přišla z Paříže do New Yorku, a pak znovu od 80. let, kdy se její dílo začalo těšit velkému uznání. Zpočátku vytvářela grafiky doma na malém tiskařském lisu nebo v proslulé dílně Atelier 17. Po tomto období následovala dlouhá přestávka, kdy se Bourgeoisová plně věnovala sochařství. Teprve po sedmdesátce začala znovu vytvářet grafiky, k čemuž ji nejprve vybídli vydavatelé tisku. Zřídila svůj starý tiskařský stroj a přidala druhý, přičemž úzce spolupracovala s tiskaři, kteří k ní domů přicházeli na spolupráci. Následovala velmi aktivní etapa grafiky, která trvala až do umělčiny smrti. Během svého života vytvořila Bourgeoisová přibližně 1 500 tištěných kompozic.
V roce 1990 se Bourgeoisová rozhodla darovat kompletní archiv svých tištěných prací Muzeu moderního umění. V roce 2013 muzeum vydalo online katalog „Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books“. Stránky se zaměřují na autorčin tvůrčí proces a zařazují grafiky a ilustrované knihy Bourgeoisové do kontextu její celkové tvorby tím, že zahrnují související díla v jiných médiích, která se zabývají stejnými tématy a obrazy.
Přečtěte si také, zivotopisy – Rudyard Kipling
Témata
Jedním z témat Bourgeoisovy tvorby je trauma z dětství a skryté emoce. Poté, co Louisina matka onemocněla chřipkou, začal mít Louisin otec poměr s jinými ženami, především se Sadie, Louisinou učitelkou angličtiny. Milenky si vodil domů a byl jim nevěrný před celou rodinou. Louise byla nesmírně ostražitá a uvědomovala si situaci. To byl počátek autorčina zabývání se dvojími standardy souvisejícími s pohlavím a sexualitou, které se projevilo ve většině jejích děl. Vzpomíná, jak její otec opakovaně říkal její matce „miluji tě“, a to i přes nevěru. „On byl vlk a ona racionální zajíc, který mu odpouští a přijímá ho takového, jaký je“. Její dílo Cell: You Better Grow Up z roku 1993, které je součástí série Cell, přímo vypovídá o Louisině traumatu z dětství a nejistotě, která ji obklopovala. Dílo Give or Take z roku 2002 je definováno skrytými emocemi a představuje intenzivní dilema, kterému lidé čelí po celý život, když se snaží najít rovnováhu mezi činností dávání a braní. Toto dilema představuje nejen tvar sochy, ale také tíha materiálu, z něhož je toto dílo vyrobeno.
Dalším opakujícím se tématem Bourgeoisovy tvorby je mateřství. Byla to její matka, kdo ji vedl ke kreslení a kdo ji zapojil do výroby gobelínů. Bourgeoisová považovala svou matku za intelektuálku a metodičku; přetrvávající motiv pavouka v jejím díle často představuje její matku. Představa pavouka, který spřádá a tká svou síť, je přímým odkazem na gobelínovou živnost jejích rodičů a může být vnímána také jako metafora její matky, která opravuje věci.
Bourgeoisová zkoumala koncept ženskosti tím, že zpochybňovala patriarchální normy a vytvářela umělecká díla o mateřství, spíše než aby zobrazovala ženy jako múzy nebo ideály. Byla označována za „neochotnou hrdinku feministického umění“. Louise Bourgeoisová měla ke své tvorbě feministický přístup podobně jako její kolegyně, například Agnes Martinová a Eva Hesseová, méně se řídila politickými hledisky, ale spíše vytvářela díla, která čerpala z jejich zkušeností s pohlavím a sexualitou a přirozeně se zabývala ženskou problematikou.
Architektura a paměť jsou důležitými složkami Bourgeoisovy tvorby. Bourgeoisova díla působí velmi organicky, biologicky, reprodukčně; upozorňují na dílo samotné. Louise popisuje architekturu jako vizuální vyjádření paměti nebo paměť jako druh architektury. Vzpomínka, která se objevuje ve většině jejích děl, je vzpomínkou vymyšlenou – na smrt nebo exorcismus jejího otce. Vymyšlená vzpomínka se prolíná s jejími skutečnými vzpomínkami, včetně bydlení naproti jatkám a otcovy aféry. Pro Louisu její otec představoval zranění a válku, povyšování sebe sama a zlehčování ostatních a hlavně muže, který představoval zradu. Její dílo Cela (Tři bílé mramorové koule) z roku 1993 vypovídá o strachu a zajetí. Zrcadla uvnitř představují změněnou a zkreslenou realitu.
Sexualita je bezpochyby jedním z nejdůležitějších témat v díle Louise Bourgeois. Silná je také souvislost mezi sexualitou a křehkostí či nejistotou. Tvrdí se, že to pramení ze vzpomínek na její dětství a z afér jejího otce. V díle Spirálová žena z roku 1952 se spojuje Louiseino zaměření na ženskou sexualitu a mučení. Ohýbající se svaly na nohou a rukou naznačují, že Spirálová žena je stále nahoře, i když je dušena a zavěšena. In and Out z roku 1995 používá chladné kovové materiály, které spojují sexualitu se zlobou a možná i zajetím.
Spirála v jejím díle demonstruje nebezpečné hledání nejisté rovnováhy, permanentní změny bez náhod, zmatku, závratě, vichřice. Leží v ní současně pozitivní i negativní, budoucnost i minulost, rozchod i návrat, naděje i marnost, plán i vzpomínka.
Tvorba Louise Bourgeois je poháněna zpověďmi, autoportréty, vzpomínkami, fantaziemi neklidné bytosti, která prostřednictvím své sochy hledá klid a řád, které jí v dětství chyběly.
Přečtěte si také, dejiny – Bitva u Adrianopole
Spolupráce
Tato spolupráce probíhala dva roky s britskou umělkyní Tracey Emin. Dílo bylo vystaveno v Londýně několik měsíců po Bourgeoisově smrti v roce 2010. Námět se skládá z mužských a ženských obrazů. Ačkoli působí sexuálně, zobrazuje drobnou ženskou postavu vzdávající hold obrovské mužské postavě, jako by to byl bůh. Louise Bourgeoisová vytvořila akvarelové barvy a Tracey Eminová kresbu nahoře. Emin se dva roky rozhodovala, jak vymyslet, čím do spolupráce přispěje. Když už věděla, co má dělat, dokončila všechny kresby během jednoho dne a věří, že každá z nich se povedla dokonale. Kniha Ztratila jsem tě je o ztrátě dětí, o ztrátě života. Bourgeoisová musela jako rodič pohřbít svého syna. Opuštění pro ni není jen o ztrátě matky, ale i syna. Navzdory věkovému rozdílu mezi oběma umělkyněmi a rozdílům v jejich tvorbě spolupráce fungovala jemně a snadno.
Přečtěte si také, zivotopisy – Zikmund I. Starý
Výstavy
Mezi významné sběratele jejích děl patří Národní galerie umění ve Washingtonu, Muzeum moderního umění v New Yorku, Muzeum moderního umění v San Francisku, Tate v Londýně a mnoho sběratelů, kteří Bourgeoisovou během její kariéry nejvíce zajímali, jako například Ginny Williamsová, Agnes Gundová, Ydessa Hendelesová a Ursula Hauserová. Mezi další soukromé sbírky s významnými díly Bourgeoisové patří Goetzova sbírka v Mnichově.
V roce 1987 začal Bourgeois spolupracovat s galeristkou Paule Anglim v San Francisku, v roce 1990 s Karstenem Greve v Paříži a v roce 1997 s Hauser & Wirth. Hauser & Wirth je hlavní galerií její pozůstalosti. Další, jako například galerie Kukje v Soulu a Xavier Hufkens v Bruselu, se nadále zabývají jejími díly.
V roce 2011 se jedno z Bourgeoisových děl s názvem Pavouk prodalo za 10,7 milionu dolarů, což byl pro umělkyni nový aukční rekord a zároveň nejvyšší cena zaplacená za dílo ženy. Koncem roku 2015 se toto dílo prodalo na jiné aukci Christie“s za 28,2 milionu dolarů.
Louise Bourgeois v Muzeu výtvarných umění v Houstonu: https:
Zdroje
