Alexander Archipenko
gigatos | april 3, 2022
Resumé
Alexander Porfyrovych Archipenko var en amerikansk billedhugger af ukrainsk oprindelse, født i Kiev den 30. maj 1887 og død i New York den 25. februar 1964.
Alexander Archipenko var søn af en ingeniør og studerede også matematik. Kunstneren var fascineret af forholdet mellem kunst og videnskab. Han blev uddannet i maleri og skulptur i Kiev og Moskva fra 1902 til 1906. I denne periode blev han fascineret af byzantinske ikoner, freskoer og mosaikker i Kiev. Efter et ophold i Moskva flyttede han til Paris i 1908, hvor han kom i kontakt med avantgardebevægelserne, især den kubistiske gruppe. Han bosatte sig i La Ruche, 2, passage de Dantzig, en tidligere vinpavillon fra verdensudstillingen i 1889, som blev ombygget til kunstneratelierer. Han arbejdede alene og foretrak at gå på Louvre for at studere arkaisk græsk skulptur frem for at gå på Beaux-Arts, hvor han foragtede den akademiske undervisning. Kunstneren havde allerede bebrejdet sine lærere på kunstskolen i Kiev, som endte med at bortvise ham. Han blev påvirket af Rodin indtil hans værker blev præsenteret i Moskva i 1906, og i en alder af 24 år gjorde han sig gældende som en af de førende inden for avantgarde-skulpturen.
I 1910 udstillede han på Salon des indépendants i Paris. Fredag den 21. april 1911, på den 27. Salon des indépendants, blev værker af Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky og Archipenko genstand for en brandvarm kritik, der var værdig med den kritik, som Fauve-udstillingen havde fremkaldt. Selv Guillaume Apollinaire blev forvirret af denne udstilling, der blev betragtet som “master-cubes”. De blev bebrejdet for kubismens afvigelse, dens karikatur og endda dens anti-akademisme. Man beklagede Picassos og Braques fravær (som udelukkende udstillede i Daniel-Henry Kahnweilers galleri) på denne udstilling.
Hans første soloudstilling fandt sted i Tyskland på Folkwang Hagen Museum i 1912. Samme år åbnede han en kunstskole i Paris og blev medlem af Section d”Or, hvor han lavede sine første reliefmalerier: skulpturmalerierne. I oktober 1912 blev den første udstilling af Section d”Or-gruppen afholdt i Galerie de la Boétie med Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis og Archipenko. 31 kunstnere med to hundrede malerier uden Picasso. Denne udstilling har en didaktisk karakter: Kubismen gik ind i en teoretisk fase fire år efter sin fødsel. Udstillingen af gruppen Section d”Or gav anledning til hård kritik af disse revolutionære værker: Apollinaire forsvarede dem i sine klummer i L”Intransigeant eller i forord til kataloger.
I 1913 blev fire af hans værker udstillet på Armory Show i New York. Han lavede sine første graveringer, som blev gengivet i den italienske futuristiske publikation Lacerba i 1914. Han deltog i Salon des Indépendants i 1914 og i Venedig Biennalen i 1920. I krigsårene boede kunstneren i Cimiez nær Nice. Fra 1919 til 1921 rejste han til Genève, Zürich, Paris, London, Bruxelles, Athen og andre europæiske byer for at udstille sine værker. Hans første soloudstilling i USA fandt sted i 1921 i New York på Société Anonyme i New York. I 1923 forlod han Berlin og tog til USA, hvor han i løbet af årene åbnede flere kunstskoler i New York, Woodstock, Los Angeles og Chicago. I de næste tredive år underviste han i USA på kunstskoler og universiteter og endda på det kortvarige New Bauhaus. Han blev amerikansk statsborger i 1928.
I 1933 udstillede han i den ukrainske pavillon i Chicago som en del af verdensudstillingen Century of Progress World”s Fair. Fra 1937 til 1939 var han medinstruktør på New Bauhaus School of Industrial Arts i Chicago. De fleste af kunstnerens værker på tyske museer blev konfiskeret af nazisterne med henblik på at udrense degenereret kunst. I 1947 skabte han skulpturer, der blev belyst indefra. Han ledsagede en turnéudstilling af sine værker i hele Tyskland i 1955 og 1956. Han begyndte at skrive sin bog Archipenko: 50 Years of Creation 1908-1958, som blev udgivet i 1960. Bogen indeholder bidrag fra halvtreds kunsthistorikere og tekster af Archipenko om kunstnerisk skabelse. Han blev valgt ind i American Academy of Arts and Letters i 1962.
For Archipenko er det “svært at inddele en kunstners arbejde i perioder”. Han tilføjer: “Jeg har aldrig hørt til i skoler, jeg er blevet bortvist fra skoler. Jeg forskede, jeg opfandt og eksperimenterede, og så blev jeg efterlignet… For enhver kunstner er kunst en kreativ opadgående strøm mod den individuelle opdagelse af sandheden i naturens former og perioder er kun kasser i kritikkernes hoveder.
Ifølge Archipenko er det problem, som skulpturen rejser, volumen og forbindelsen mellem masserne og hinanden. Her er han endnu mere ekstrem end moderne billedhuggere som Brancusi og Duchamp-Villon, der ligesom han er medlemmer af gruppen Det Gyldne Snit. Hans hovedproblem er tomrummet, som har den fraværende genstands kraft og dermed skaber volumen. Forenkling og tydelige volumener, samtidig med at det figurative aspekt bevares, er principperne for hans skulpturer. Hans kunst, der er præget af en stor matematisk stringens, giver en dominerende plads til kvindekroppen. Han kan godt lide at mindes den allestedsnærværende tilstedeværelse af de gamle slaviske stenidoler i hans barndom.
Picasso havde udviklet de første regler for denne skulpturelle grammatik: polychromi, integration af de mest forskellige materialer, rytmisk brug af flader og åbne former. Ligesom maleriet beskæftiger den kubistiske skulptur sig hovedsagelig med forholdet mellem genstande og rum, med de volumener og tomrum, der adskiller dem eller som de er indsat i. Indflydelsen fra den italienske futurisme, især gennem Boccioni, som Archipenko mødte i 1912, førte til dannelsen af dynamiske former. Archipenko udforskede især dialektikken mellem konkave og konvekse former.
Han udviklede en personlig stil med stereometrisk forenklede kropsmasser, rumligt oprejste figurer, skrå former, skarpe vinkler, krystallinske brudstykker fra kubismens formelle inventar og var også inspireret af manierismen.
Med undtagelse af Boccioni har ingen billedhugger stillet analysen af rummet, det centrale problem i dette årti, som et absolut krav. Ingen anden kunstner har på en så personlig måde drevet samspillet mellem volumen og tomrum frem mod ekspressive og lyriske, dynamiske og statuariske områder. Han har opnået en forening mellem formel strenghed og legende appel. Han har forenet de fire flygtige elementer: rum, gennemsigtighed, lys og refleksion i én form, hvilket har resulteret i en moderne skulptur med en konkav form.
Torso (1909) er hans første skulptur med kubistiske tendenser. Den viser, hvordan han opløser volumener og perforerer dem for at få rummet til at trænge ind.
I 1909 og det følgende år kendte han endnu ikke noget til kubismen og blev inspireret af Barlachs og Köllwitz” foldede skulpturer (Kvinde og kat i 1910 eller Kvinde med kat i 1911). I 1911-12 er de udfoldet, og man fornemmer den kubistiske indflydelse i hans oppustede lår og arme eller tværtimod en eticisme (Woman walking in 1912). Fra 1911 og frem deltog han aktivt i den kubistiske bevægelse. De plastiske problemer, som hans skulptur på det tidspunkt behandlede, var helt nye: fulde volumener, forholdet mellem tomrum og fulde volumener i hulrum. Han ønskede at symbolisere “den fraværende virkelighed”. Med Femme qui marche i 1912 skånede han for første gang et hoved i negativ. I 1912 identificerede han sit yndlingstema: gennemtrængningen af krop og rum, udviklingen af konkave og konvekse kurver, så den skulpturelle form på en måde bliver synlig gennem sin matrix. Han udviklede sin egen teori om komplementære former: ethvert tomrum skaber sin imaginære modsætning.
Med Medrano, der blev skabt i 1912, skabte han sin første assemblage af forskellige malede materialer (glas, træ og metal). I en konstant kunstnerisk forskning udviklede han nye metoder til at skabe og skabte et samspil mellem maleri og skulptur. Med Medrano I Le Jongleur brugte han i 1912 træ, glas og metaltråd til at skabe bevægelige dukker, der ligner træharlekiner, ved hjælp af glas, metalfolie, tråd, cylindriske kegler og skiver, der er fremhævet med polykrom maling. Med denne frigørelse af formen brød Archipenko med den traditionelle skulptur og etablerede sig som en af avantgardens mestre. Han genoplivede en genre, som siden det 17. århundrede var blevet forsømt af den vestlige skulptur, nemlig polychromi.
Hans skulpturmalerier, der blev skabt i 1912, er malede gipsrelieffer. Mellem maleri og skulptur studerede han det gensidige forhold mellem form og farve, hvor den ene fremhæver eller formindsker den anden. Disse to kunstarter er forenet eller modsatrettede på et visuelt og åndeligt plan, afhængigt af målet.
Fra 1913 til 1916 dominerede formen over virkeligheden. Med The Dance i 1912 definerede han et opadgående indre rum, der er gennemsyret af lethed, gennem den arabesque, som dannes af et par. Han organiserede denne skulptur omkring tomrummet. I dette værk om tomhed og fylde var han omhyggelig med ikke at fuldende kroppene, hvis lemmer han stoppede, når plasticiteten påbød ham at gøre det, ved at indføre tomrummet som en interessent, som i Kvinde i 1915, hvis hoved er tegnet rundt om et hul.
I 1913 skabte han en trådskulptur, som Apollinaire kaldte “en baleine de parapluie”. Senere ville hans behandling af kubismen vende sig mod konstruktivismen.
Med La Boxe i 1913 forsøgte kunstneren at omsætte sportens brutale energi til abstrakte former. Bokserne er reduceret til skarpe former, der griber ind i hinanden og støder voldsomt sammen, musklerne er erstattet af rytmisk energi.
Tête constructiviste (1913) består af et sammensurium af planer. Gondolieren (1914) er komponeret i let forskudte sektioner for at give en fornemmelse af bevægelse i det futuristiske perspektiv, og Stilleben (1915) er et af hans få malerier i relief.
Da han ankom til USA i begyndelsen af 1920”erne, tog han traditionen til sig: glathed hersker, perfekt og afslappet. Med Femme (1920) vendte han straks tilbage til skulpturen med en høj metalfigur på et malet panel. Han blev traditionel.
Fra 1924 til 1928 udviklede han Archipentura. Archipeinturaerne fra 1924 er lærreder, der sættes i bevægelse af snedigt skjulte motorer: En elektrisk mekanisme i bunden af apparatet sætter den centrale ramme i bevægelse, og tusindvis af malede fragmenter kommer efter hinanden på overfladen og danner et komplet billede. Denne opfindelse blev gennemført i New York. Hans forskning har altid været at animere sine værker visuelt, enten ved at gennembore dem i massen, så rummet trænger ind i dem, eller ved at bruge materialer som glas, træ eller metal og endda ved at tilføje farve til sine skulpturmalerier.
En Famille (1935) er et koncentreret værk, der er præget af konstruktivismen.
I de to dimensioner er der også et usædvanligt værk som denne kvindefigur i gouache, hvis skiftevis brune og hvide masser skaber kroppens relief (Moonlight in 1937).
I 1940”erne og 50”erne fortsatte han sine kunstneriske udforskninger med materialer og teknikker. Til figur assise brugte han f.eks. skåret og tændt plastik. Han genoptog sine oprindelige former, hvoraf de fleste var forsvundet, i gigantiske formater (Figures d”acier i 1951, Cléopâtre i 1957). I 1950”erne indså han, at han havde begået en fejl i sin orientering i nogen tid, og han gik i gang med at pastiche sin begyndelse eller rekonstruere den, da mange af hans værker ikke overlevede Første Verdenskrig.
Fra slutningen af 1950”erne og fremefter vendte han tilbage til sin cubo-konstruktivistiske stil med meget geometriske figurer, der bevarer de signifikante tomrum, og som oftest er symmetriske (Kimono i 1961 eller Roi Salomon i 1963).
Læs også, biografier-da – Matthias (Tysk-romerske rige)
Eksterne links
Kilder
