Alfred Stieglitz
gigatos | februar 7, 2022
Resumé
Alfred Stieglitz HonFRPS (1. januar 1864 – 13. juli 1946) var en amerikansk fotograf og promotor for moderne kunst, som i løbet af sin 50-årige karriere var medvirkende til at gøre fotografi til en anerkendt kunstform. Ud over sine fotografier var Stieglitz kendt for de kunstgallerier i New York, som han drev i begyndelsen af det 20. århundrede, hvor han introducerede mange avantgardekunstnere fra Europa til USA. Han var gift med maleren Georgia O”Keeffe.
Stieglitz blev født i Hoboken, New Jersey, som den første søn af de tysk-jødiske immigranter Edward Stieglitz (1833-1909) og Hedwig Ann Werner (1845-1922). Hans far var løjtnant i unionshæren og arbejdede som uldhandler. Han havde fem søskende: Flora (1865-1890), tvillingerne Julius (1867-1937) og Leopold (1867-1956), Agnes (1869-1952) og Selma (1871-1957). Alfred Stieglitz så tvillingernes tætte forhold og ønskede, at han selv havde haft en sjæleven i sin barndom.
Stieglitz gik på Charlier Institute, en kristen skole i New York, i 1871. Året efter begyndte hans familie at tilbringe somrene ved Lake George i Adirondack-bjergene, en tradition, der fortsatte ind i Stieglitz” voksenliv.
For at han kunne kvalificere sig til at blive optaget på City College of New York blev Stieglitz indskrevet på en offentlig skole i sit første år på gymnasiet, men fandt uddannelsen utilstrækkelig. I 1881 solgte Edward Stieglitz sit firma for 40.000 USD og flyttede sin familie til Europa i de næste mange år, så hans børn kunne få en bedre uddannelse. Alfred Stieglitz blev indskrevet på Real Gymnasium i Karlsruhe. Året efter studerede Alfred Stieglitz maskinteknik på Technische Hochschule i Berlin. Han blev indskrevet i en kemiklasse, hvor Hermann Wilhelm Vogel, en videnskabsmand og forsker, der arbejdede med kemiske processer til udvikling af fotografier, underviste ham. Hos Vogel fandt Stieglitz både den akademiske udfordring, han havde brug for, og en mulighed for at få afløb for sine voksende kunstneriske og kulturelle interesser. Han modtog et månedligt stipendium på 1.200 dollars (svarende til 32.181 dollars i 2020) om måneden.
I 1884 vendte hans forældre tilbage til Amerika, men Stieglitz blev i Tyskland og samlede bøger om fotografering og fotografer i Europa og USA.Han købte sit første kamera, et 8 × 10 pladefilmkamera, og rejste rundt i Holland, Italien og Tyskland. Han tog fotografier af landskaber og arbejdere på landet. Fotografiet, skrev han senere, “fascinerede mig, først som et legetøj, så som en passion, så som en besættelse”.
Gennem sit selvstudium så han fotografiet som en kunstform. I 1887 skrev han sin allerførste artikel, “A Word or Two about Amateur Photography in Germany”, til det nye tidsskrift The Amateur Photographer. Derefter skrev han artikler om de tekniske og æstetiske aspekter af fotografering til magasiner i England og Tyskland.
Han vandt førstepladsen for sit fotografi, The Last Joke, Bellagio, i 1887 fra Amateur Photographer. Året efter vandt han både første og andenprisen i samme konkurrence, og hans ry begyndte at sprede sig, da flere tyske og britiske fotografiske magasiner udgav hans værker.
I 1890 døde hans søster Flora under fødslen, og Stieglitz vendte tilbage til New York.
Læs også, biografier-da – Gustav Mahler
New York og Camera Club (1891-1901)
Stieglitz betragtede sig selv som kunstner, men han nægtede at sælge sine fotografier. Hans far købte en lille fotovirksomhed til ham, så han kunne tjene til livets ophold i sit valgte erhverv. Fordi han krævede billeder af høj kvalitet og betalte sine ansatte høje lønninger, gav Photochrome Engraving Company sjældent overskud. Han skrev regelmæssigt for magasinet The American Amateur Photographer. Han vandt priser for sine fotografier på udstillinger, bl.a. på den fælles udstilling for Boston Camera Club, Photographic Society of Philadelphia og Society of Amateur Photographers of New York.
I slutningen af 1892 købte Stieglitz sit første håndholdte kamera, et Folmer and Schwing 4×5 pladefilmkamera, som han brugte til at tage to af sine mest kendte billeder, Winter, Fifth Avenue og The Terminal. Før det brugte han et 8×10 pladefilmkamera, som krævede et stativ.
Stieglitz blev kendt for sine fotografier og sine artikler i magasiner om, hvordan fotografi er en form for kunst. I foråret 1893 blev han medredaktør af The American Amateur Photographer. For at undgå, at hans udtalelser skulle virke forudindtaget, og fordi Photochrome nu trykte fotogravurer til bladet, nægtede Stieglitz at modtage løn. Han skrev de fleste artikler og anmeldelser i bladet og var kendt for både sit tekniske og sit kritiske indhold.
Den 16. november 1893 giftede den 29-årige Stieglitz sig med den 20-årige Emmeline Obermeyer, der var søster til hans nære ven og forretningsforbindelse Joe Obermeyer og barnebarn af brygger Samuel Liebmann. De blev gift i New York City. Stieglitz skrev senere, at han ikke elskede Emmy, som hun almindeligvis blev kaldt, da de blev gift, og at deres ægteskab ikke blev fuldbyrdet i mindst et år. Hun var datter af en velhavende bryggeriejer og havde arvet penge fra sin far. Stieglitz kom til at fortryde sin beslutning om at gifte sig med Emmy, da hun ikke delte hans kunstneriske og kulturelle interesser. Stieglitz-biografen Richard Whelan opsummerede deres forhold ved at sige, at Stieglitz “var bittert vred på hende, fordi hun ikke blev hans tvilling”. Gennem hele sit liv havde Stieglitz en fetish for yngre kvinder.
I begyndelsen af 1894 tog Stieglitz og hans kone på en forsinket bryllupsrejse til Frankrig, Italien og Schweiz. Stieglitz fotograferede meget på rejsen og producerede nogle af sine tidlige berømte billeder, såsom A Venetian Canal, The Net Mender og A Wet Day on the Boulevard, Paris. Under opholdet i Paris mødte Stieglitz den franske fotograf Robert Demachy, som blev en livslang korrespondent og kollega. I London mødte Stieglitz grundlæggerne af The Linked Ring, George Davison og Alfred Horsley Hinton, som begge forblev hans venner og kolleger gennem en stor del af hans liv.
Senere på året, efter sin hjemkomst, blev Stieglitz enstemmigt valgt som et af de to første amerikanske medlemmer af The Linked Ring. Stieglitz så denne anerkendelse som det incitament, han havde brug for til at intensivere sin indsats for at fremme det kunstneriske fotografi i USA. På det tidspunkt fandtes der to fotoklubber i New York, Society of Amateur Photographers og New York Camera Club. Stieglitz opsagde sin stilling i Photochrome Company og som redaktør af American Amateur Photographer og brugte det meste af 1895 på at forhandle om en sammenlægning af de to klubber.
I maj 1896 blev de to organisationer slået sammen og dannede The Camera Club of New York. Selv om han blev tilbudt formandsposten i organisationen, blev han vicepræsident. Han udviklede programmer for klubben og var involveret i alle aspekter af organisationen. Han fortalte journalisten Theodore Dreiser, at han ønskede at “gøre klubben så stor, dens arbejde så fornemt og dens autoritet så endelig, at den på tilfredsstillende vis kan bruge sin store prestige til at fremtvinge anerkendelse for de enkelte kunstnere uden for og inden for dens mure”.
Stieglitz omdannede Camera Club”s nuværende nyhedsbrev til et magasin, Camera Notes, og fik fuld kontrol over den nye publikation. Det første nummer blev udgivet i juli 1897. Det blev snart betragtet som det bedste fotografiske tidsskrift i verden. I løbet af de næste fire år brugte Stieglitz Camera Notes til at forsvare sin tro på fotografiet som en kunstform ved at inkludere artikler om kunst og æstetik ved siden af aftryk af nogle af de førende amerikanske og europæiske fotografer. Kritikeren Sadakichi Hartmann skrev “det forekom mig, at kunstnerisk fotografi, Camera Club og Alfred Stieglitz kun var tre navne for én og samme ting”.
Han fortsatte også med at tage sine egne fotografier. Sidst i 1896 lavede han i hånden fotogravurer til en første portefølje med hans egne værker, Picturesque Bits of New York and Other Studies. Han fortsatte med at udstille på udstillinger i Europa og USA, og i 1898 havde han fået et solidt ry som fotograf. Han fik 75 dollars (svarende til 2.333 dollars i 2020) for sit yndlingsprint, Winter – Fifth Avenue. Ti af Stieglitz” aftryk blev samme år udvalgt til den første Philadelphia Photographic Salon, hvor han mødte og derefter blev venner med Gertrude Käsebier og Clarence H. White.
Den 27. september 1898 blev Stieglitz” datter, Katherine “Kitty”, født. Ved hjælp af Emmys arv ansatte parret en guvernante, en kok og en kammerpige. Stieglitz arbejdede i samme tempo som før datterens fødsel, og som følge heraf levede parret overvejende adskilte liv under samme tag.
I november 1898 arrangerede en gruppe fotografer i München i Tyskland en udstilling af deres værker i forbindelse med en udstilling af grafiske tryk fra kunstnere som Edvard Munch og Henri de Toulouse-Lautrec. De kaldte sig selv “Secessionisterne”, et begreb, som Stieglitz tog til sig på grund af både den kunstneriske og den sociale betydning. Fire år senere brugte han det samme navn til en nyoprettet gruppe af billedfotografer, som han organiserede i New York.
I maj 1899 fik Stieglitz en enkeltmandsudstilling med 87 billeder i Camera Club. Den anstrengende forberedelse af denne udstilling kombineret med de fortsatte bestræbelser på at producere Camera Notes gik hårdt ud over Stieglitz” helbred. For at lette byrden tog han sine venner Joseph Keiley og Dallet Fugeut, som begge ikke var medlemmer af Camera Club, med som medredaktører af Camera Notes. Mange af de ældre medlemmer af klubben, som var oprørte over denne indblanding fra udenforstående, for ikke at nævne deres egen faldende tilstedeværelse i klubbens publikation, begyndte at føre en aktiv kampagne mod Stieglitz” redaktionelle autoritet. Stieglitz brugte det meste af 1900 på at finde måder at udmanøvrere disse bestræbelser på, hvilket indviklede ham i langvarige administrative kampe.
Et af de få højdepunkter i det år var Stieglitz” introduktion til en ny fotograf, Edward Steichen, på den første Chicago Photographic Salon. Steichen, der oprindeligt var maler, bragte mange af sine kunstneriske instinkter med sig til fotografiet. De to blev gode venner og kolleger.
På grund af den fortsatte belastning med at lede Camera Club brød han sammen året efter i det første af flere mentale sammenbrud. Han tilbragte en stor del af sommeren i familiens hjem ved Lake George, Oaklawn, for at komme til hægterne. Da han vendte tilbage til New York, meddelte han sin afsked som redaktør af Camera Notes.
Læs også, biografier-da – Gustave Courbet
Fotosecessionen og kameraarbejde (1902-1907)
Fotografen Eva Watson-Schütze opfordrede ham til at lave en udstilling, som udelukkende skulle bedømmes af fotografer, der i modsætning til malere og andre kunstnere kendte til fotografiet og dets tekniske egenskaber. I december 1901 blev han af Charles DeKay fra National Arts Club opfordret til at sammensætte en udstilling, hvor Stieglitz ville have “fuld magt til at følge sine egne tilbøjeligheder”. Inden for to måneder havde Stieglitz samlet en samling af aftryk fra en tæt kreds af venner, som han i en hyldest til fotograferne fra München kaldte Photo-Secession. Stieglitz erklærede sig ikke blot løsrevet fra tidens generelle kunstneriske begrænsninger, men også specifikt fra Camera Club”s officielle tilsyn. Udstillingen åbnede i Arts Club i begyndelsen af marts 1902, og den blev en øjeblikkelig succes.
Han begyndte at formulere en plan om at udgive et helt uafhængigt magasin om billedfotografi, der skulle videreføre Photo-Secessionist”s kunstneriske standarder. I juli havde han helt sagt op som redaktør af Camera Notes, og en måned senere offentliggjorde han et prospekt for et nyt tidsskrift, som han kaldte Camera Work. Han var fast besluttet på, at det skulle være “den bedste og mest overdådige af fotografiske publikationer”. Det første nummer blev trykt fire måneder senere, i december 1902, og ligesom alle de efterfølgende numre indeholdt det smukke håndtegnede fotogravurer, kritiske skrifter om fotografi, æstetik og kunst samt anmeldelser og kommentarer om fotografer og udstillinger. Camera Work var “det første fotografiske tidsskrift, der var visuelt fokuseret”.
Stieglitz var perfektionist, og det kunne ses i alle aspekter af Camera Work. Han gjorde fotografisk dybtrykskunst til et fremskridt ved at stille hidtil uset høje krav til aftrykkene i Camera Work. Den visuelle kvalitet af graveringerne var så høj, at da et sæt prints ikke kunne ankomme til en Photo-Secession-udstilling i Bruxelles, blev der i stedet hængt et udvalg af graveringer fra bladet op. De fleste beskuere troede, at de så på de originale fotografier.
I løbet af 1903 udgav Stieglitz Camera Work og arbejdede på at udstille sit eget og fotosecessionisternes arbejde, samtidig med at han håndterede stresset i sit hjemlige liv. Den luxembourgske amerikanske fotograf Edward Steichen, som senere skulle være kurator for den skelsættende udstilling The Family of Man, var den mest hyppigt præsenterede fotograf i bladet. Fuguet, Keiley og Strauss, Stieglitz” tre medredaktører på Camera Notes, tog han med sig til Camera Work. Senere fortalte han, at han alene individuelt pakkede og sendte omkring 35.000 eksemplarer af Camera Work i løbet af dets udgivelse.
I 1904 var Stieglitz igen mentalt og fysisk udmattet og besluttede at tage sin familie med til Europa i maj. Han planlagde et udmattende program med udstillinger, møder og udflugter og brød sammen næsten ved ankomsten til Berlin, hvor han tilbragte mere end en måned med at komme sig. Han brugte en stor del af resten af 1904 på at fotografere Tyskland, mens hans familie besøgte deres familie der. På vej tilbage til USA gjorde Stieglitz holdt i London og mødtes med lederne af Linked Ring, men det lykkedes ham ikke at overbevise dem om at oprette en afdeling af deres organisation i Amerika (med Stieglitz som direktør).
Den 25. november 1905 åbnede “Little Galleries of the Photo-Secession” på Fifth Avenue med hundrede prints af 39 fotografer. Steichen havde anbefalet og tilskyndet Stieglitz til efter hans hjemkomst fra Europa at leje tre værelser over for Steichens lejlighed, som de to havde fundet perfekte til at udstille fotografier. Galleriet blev en øjeblikkelig succes med næsten 15.000 besøgende i løbet af den første sæson og, endnu vigtigere, et salg af aftryk på i alt næsten 2.800 dollars. Arbejder af hans ven Steichen, som havde en lejlighed i samme bygning, tegnede sig for mere end halvdelen af dette salg.
Stieglitz fortsatte med at koncentrere sig om fotografering på bekostning af sin familie. Emmy, som håbede, at hun en dag ville vinde Stieglitz” kærlighed, fortsatte med at give ham et tilskud fra sin arv.
I oktobernummeret af Camera Work fra 1906 sagde hans ven Joseph Keiley: “I dag er den virkelige kamp, som Photo-Secession blev etableret for, blevet gennemført i Amerika – den seriøse anerkendelse af fotografiet som et yderligere billedudtryksmedie.”
To måneder senere mødte den 42-årige Stieglitz den 28-årige kunstner Pamela Colman Smith, som ønskede at få sine tegninger og akvareller udstillet i hans galleri. Han besluttede at vise hendes værker, fordi han mente, at det ville være “meget lærerigt at sammenligne tegninger og fotografier for at kunne bedømme fotografiets muligheder og begrænsninger”. Hendes udstilling åbnede i januar 1907 og havde langt flere besøgende i galleriet end nogen af de tidligere fotoudstillinger, og snart var alle hendes udstillede værker solgt. Stieglitz, der håbede at kunne drage fordel af udstillingens popularitet, tog fotografier af hendes kunstværker og udgav en separat portefølje med sine platinudskrifter af hendes værker.
Læs også, biografier-da – Hefaistion
The Steerage, 291 og moderne kunst (1907-1916)
I det sene forår 1907 arbejdede Stieglitz sammen med sin ven Clarence H. White på en række fotografiske eksperimenter. De tog flere dusin fotografier af to påklædte og nøgne modeller og trykte et udvalg ved hjælp af usædvanlige teknikker, herunder toning, voksning og tegning på platinudskrifter. Ifølge Stieglitz overvandt det “kameraets umulighed til at gøre visse ting”.
Han tjente mindre end 400 dollars for året på grund af faldende Camera Work-abonnementer og galleriets lave fortjenstmargen. I årevis havde Emmy opretholdt en ekstravagant livsstil, der omfattede en fuldtidsansat guvernante for Kitty og dyre europæiske ferierejser. På trods af hendes fars bekymringer over hans voksende økonomiske problemer sejlede Stieglitz-familien og deres guvernante endnu en gang over Atlanten.
På sin rejse til Europa tog Stieglitz et billede, der ikke blot er anerkendt som hans signaturbillede, men også som et af de vigtigste fotografier i det 20. århundrede. Han rettede sit kamera mod de lavere klasses passagerer i skibets bov og tog et billede af en scene, som han gav titlen “The Steerage”. Han offentliggjorde eller udstillede det ikke i fire år.
Under sit ophold i Europa så Stieglitz den første kommercielle demonstration af Autochrome Lumière farvefotografiprocessen, og snart eksperimenterede han med den i Paris sammen med Steichen, Frank Eugene og Alvin Langdon Coburn. Han tog tre af Steichens autokromer med sig til München for at få lavet firefarve-reproduktioner, som skulle indsættes i et kommende nummer af Camera Work.
Han blev bedt om at træde ud af Camera Club, men på grund af protester fra andre medlemmer blev han genindsat som livsvarigt medlem. Lige efter at han havde præsenteret en banebrydende udstilling af Auguste Rodins tegninger, tvang hans økonomiske problemer ham til at lukke Little Galleries i en kort periode, indtil februar 1908, hvor det blev genåbnet under det nye navn “291”.
Stieglitz blandede bevidst udstillinger af det, han vidste ville være kontroversiel kunst, såsom Rodins seksuelt eksplicitte tegninger, med det, Steichen kaldte “forståelig kunst” og med fotografier. Hensigten var at “etablere en dialog, der ville sætte 291 besøgende i stand til at se, diskutere og overveje forskelle og ligheder mellem kunstnere af alle rækker og typer: mellem malere, tegnere, billedhuggere og fotografer; mellem europæiske og amerikanske kunstnere; mellem ældre eller mere etablerede figurer og yngre, nyere udøvere”. I samme periode arrangerede National Arts Club en “Special Exhibition of Contemporary Art”, der omfattede fotografier af Stieglitz, Steichen, Käsebier og White sammen med malerier af Mary Cassatt, William Glackens, Robert Henri, James McNeill Whistler og andre. Det menes at have været den første store udstilling i USA, hvor fotografer fik samme status som malere.
I det meste af 1908 og 1909 brugte Stieglitz sin tid på at skabe udstillinger på 291 og udgive Camera Work. Der blev ikke taget nogen fotografier i denne periode, som optræder i det definitive katalog over hans arbejde, Alfred Stieglitz: The Key Set.
I maj 1909 døde Stieglitz” far Edward, og i sit testamente efterlod han sin søn det dengang betydelige beløb på 10.000 dollars (svarende til 288.037 dollars i 2020). Stieglitz brugte denne nye tilførsel af penge til at holde sit galleri og Camera Work i gang i de næste mange år.
I denne periode mødte Stieglitz Marius de Zayas, en energisk og karismatisk kunstner fra Mexico, som blev en af hans nærmeste kolleger, der både hjalp med udstillinger i galleriet og med at introducere Stieglitz til nye kunstnere i Europa. Efterhånden som Stieglitz” ry som promotor af europæisk moderne kunst voksede, blev han snart kontaktet af flere nye amerikanske kunstnere, der håbede på at få deres værker udstillet. Stieglitz var fascineret af deres moderne visioner, og i løbet af få måneder havde Alfred Maurer, John Marin og Marsden Hartley alle deres værker hængende på væggene i 291.
I 1910 blev Stieglitz inviteret af direktøren for Albright Art Gallery til at arrangere en stor udstilling af det bedste af det moderne fotografi. Selv om en meddelelse om en åben konkurrence om udstillingen blev trykt i Camera Work, udløste det faktum, at Stieglitz skulle stå for den, en ny runde af angreb på ham. I en leder i American Photography Magazine blev det hævdet, at Stieglitz ikke længere kunne “opfatte værdien af kunstnerisk værdifuldt fotografisk arbejde, som ikke er i overensstemmelse med en bestemt stil, der er så karakteristisk for alle udstillinger under hans auspicier”. For en halv generation siden var denne skole progressiv og langt forud for sin tid. I dag er den ikke fremadrettet, men er en reaktionær kraft af den farligste slags.”
Stieglitz skrev til sin fotografkollega George Seeley: “Det er ikke kun Photo-Secessionens omdømme, men også fotografiets omdømme, der står på spil, og jeg agter at samle alle tilgængelige kræfter for at vinde for os.” Udstillingen åbnede i oktober med mere end 600 fotografier. Kritikerne roste generelt de smukke æstetiske og tekniske kvaliteter i værkerne. Hans kritikere fandt imidlertid, at langt de fleste af aftrykkene på udstillingen var fra de samme fotografer, som Stieglitz havde kendt i årevis, og hvis værker han havde udstillet på 291. Mere end fem hundrede af aftrykkene kom fra kun 37 fotografer, herunder Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day og Stieglitz selv.
I januarudgaven af Camera Work fra 1911 afviste Stieglitz det, han opfattede som kommerciel, og gengav en anmeldelse af Buffalo-udstillingen med nedsættende ord om White og Käsebier”s billeder. White tilgav aldrig Stieglitz. Han startede sin egen fotografiskole, og Käsebier og White var medstiftere af “Pictorial Photographers of America”.
I løbet af 1911 og begyndelsen af 1912 organiserede Stieglitz banebrydende udstillinger af moderne kunst på 291 og promoverede ny kunst sammen med fotografi i Camera Work. I sommeren 1912 var han så betaget af ikke-fotografisk kunst, at han udgav et nummer af Camera Work (august 1912), der udelukkende var helliget Matisse og Picasso.
I slutningen af 1912 organiserede malerne Walter Pach, Arthur B. Davies og Walt Kuhn en udstilling om moderne kunst, og Stieglitz lånte nogle få moderne kunstværker fra 291 ud til udstillingen. Han indvilligede også i at blive opført som æresnæstformand for udstillingen sammen med Claude Monet, Odilon Redon, Mabel Dodge og Isabella Stewart Gardner. I februar 1913 åbnede den afvandede Armory Show i New York, og snart var moderne kunst et vigtigt diskussionsemne i hele byen. Han så udstillingens popularitet som en bekræftelse af det arbejde, som han havde sponsoreret på 291 i de sidste fem år. Han arrangerede en udstilling af sine egne fotografier på 291, som skulle løbe samtidig med Armory Show. Senere skrev han, at det at give folk mulighed for at se både fotografier og moderne malerier på samme tid “gav de studerende og offentligheden den bedste mulighed for at få en klarere forståelse af de to mediers plads og formål”.
I januar 1914 døde hans nærmeste ven og kollega Joseph Keiley, hvilket efterlod ham fortvivlet i mange uger. Han var også bekymret over udbruddet af Første Verdenskrig af flere årsager. Han var bekymret for familiens og vennernes sikkerhed i Tyskland. Han var nødt til at finde en ny trykker til fotogravures til Camera Work, som var blevet trykt i Tyskland i mange år. Krigen forårsagede en betydelig nedgang i den amerikanske økonomi, og kunst blev en luksus for mange mennesker. Ved årets udgang kæmpede Stieglitz for at holde både 291 og Camera Work i live. Han udgav aprilnummeret af Camera Work i oktober, men der skulle gå mere end et år, før han havde tid og ressourcer til at udgive det næste nummer.
I mellemtiden overbeviste Stieglitz” venner de Zayas, Paul de Haviland og Agnes Meyer ham om, at løsningen på hans problemer var at kaste sig over et helt nyt projekt, noget, der kunne geninddrage ham i hans interesser. Han udgav et nyt tidsskrift, kaldet 291 efter sit galleri, som skulle være indbegrebet af avantgardekultur. Selv om det var en æstetisk triumf, var det en økonomisk katastrofe og ophørte med at udkomme efter tolv numre.
I denne periode blev Stieglitz i stigende grad fascineret af en mere moderne visuel æstetik for fotografiet. Han blev opmærksom på, hvad der foregik inden for avantgarde-maleriet og skulpturen, og fandt ud af, at billedkunst ikke længere repræsenterede fremtiden – det var fortiden. Han blev til dels påvirket af maleren Charles Sheeler og fotografen Paul Strand. I 1915 introducerede Strand, som i mange år havde besøgt udstillinger på 291, Stieglitz for en ny fotografisk vision, som blev legemliggjort af hverdagsformernes dristige linjer. Stieglitz var en af de første til at se skønheden og ynde i Strand”s stil, og han gav Strand en stor udstilling på 291. Han helligede også næsten hele det sidste nummer af Camera Work til hans fotografier.
I januar 1916 fik Stieglitz vist en portefølje med kultegninger af en ung kunstner ved navn Georgia O”Keeffe. Stieglitz var så betaget af hendes kunst, at han uden at møde O”Keeffe eller endda uden at få hendes tilladelse til at vise hendes værker planlagde at udstille hendes værker på 291. Det første, O”Keeffe hørte om alt dette, var fra en anden ven, som så hendes tegninger i galleriet i slutningen af maj samme år. Hun mødte endelig Stieglitz, efter at hun havde været på 291 og havde skældt ham ud for at have udstillet hendes værker uden hendes tilladelse.
Kort tid efter mødte O”Keeffe Paul Strand, og i flere måneder udvekslede hun og Strand stadig mere romantiske breve. Da Strand fortalte sin ven Stieglitz om sin nye længsel, svarede Stieglitz ved at fortælle Strand om sin egen forelskelse i O”Keeffe. Efterhånden aftog Strand”s interesse, og Stieglitz” eskalerede. I sommeren 1917 skrev han og O”Keeffe til hinanden “deres mest private og komplicerede tanker”, og det var tydeligt, at noget meget intenst var ved at udvikle sig.
Året 1917 markerede afslutningen på en æra i Stieglitz” liv og begyndelsen på en ny. Dels på grund af den ændrede æstetik, de skiftende tider som følge af krigen og hans voksende forhold til O”Keeffe, havde han ikke længere interesse eller ressourcer til at fortsætte det, han havde gjort i de sidste ti år. I løbet af få måneder opløste han det, der var tilbage af Photo-Secession, ophørte med at udgive Camera Work og lukkede dørene til 291. Det stod også klart for ham, at hans ægteskab med Emmy var slut. Han havde endelig fundet “sin tvilling”, og intet ville stå i vejen for det forhold, som han havde ønsket hele sit liv.
Læs også, biografier-da – Peter Paul Rubens
O”Keeffe og den moderne kunst (1918-1924)
I begyndelsen af juni 1918 flyttede O”Keeffe fra Texas til New York, efter at Stieglitz havde lovet, at han ville give hende et roligt atelier, hvor hun kunne male i ro og mag. Inden for en måned tog han det første af mange nøgenfotografier af hende i sin families lejlighed, mens hans kone Emmy var væk, men hun vendte tilbage, mens deres session stadig var i gang. Hun havde i et stykke tid haft mistanke om, at der foregik noget mellem de to, og bad ham om at holde op med at se hende eller skride. Stieglitz tog af sted og fandt straks et sted i byen, hvor han og O”Keeffe kunne bo sammen. De sov hver for sig i mere end to uger. I slutningen af juli lå de i samme seng sammen, og i midten af august, da de besøgte Oaklawn, “var de som to forelskede teenagere”. Flere gange om dagen løb de op ad trappen til deres soveværelse, så ivrige efter at elske, at de begyndte at tage deres tøj af, mens de løb.”
Da han først var ude af deres lejlighed, ændrede Emmy mening. På grund af de juridiske forsinkelser forårsaget af Emmy og hendes brødre skulle der gå yderligere seks år, før skilsmissen blev afsluttet. I denne periode fortsatte Stieglitz og O”Keeffe med at bo sammen, selv om hun fra tid til anden tog af sted alene for at skabe kunst. Stieglitz brugte deres tid hver for sig til at koncentrere sig om sin fotografering og fremme af moderne kunst.
O”Keeffe var den muse, som Stieglitz altid havde ønsket sig. Han fotograferede O”Keeffe besat mellem 1918 og 1925 i det, der var den mest produktive periode i hele hans liv. I løbet af denne periode producerede han mere end 350 monterede aftryk af O”Keeffe, der viste en bred vifte af hendes karakter, humør og skønhed. Han tog mange nærstudier af dele af hendes krop, især hendes hænder, enten isoleret for sig selv eller i nærheden af hendes ansigt eller hår. O”Keeffe-biografen Roxanna Robinson udtaler, at hendes “personlighed var afgørende for disse fotografier; det var den, lige så meget som hendes krop, Stieglitz registrerede”.
I 1920 blev Stieglitz inviteret af Mitchell Kennerly fra Anderson Galleries i New York til at sammensætte en større udstilling af hans fotografier. I begyndelsen af 1921 udstillede han den første enkeltmandsudstilling af sine fotografier siden 1913. Af de 146 aftryk, som han udstillede, var kun 17 blevet set før. Der var 46 af O”Keeffe, herunder mange nøgenbilleder, men hun blev ikke identificeret som model på nogen af billederne. Det var i kataloget til denne udstilling, at Stieglitz kom med sin berømte erklæring: “Jeg blev født i Hoboken. Jeg er amerikaner. Fotografi er min passion. Jagten på sandheden er min besættelse.” Hvad der er mindre kendt er, at han betingede denne erklæring ved at følge den med disse ord:
BEMÆRK: I ovenstående ERKLÆRING er følgende, hurtigt forældede udtryk ikke nævnt: KUNST, VIDENSKAB, SKØNHED, RELIGION, hver ISM, ABSTRAKTION, FORM, PLASTIK, OBJEKTIVITET, SUBJEKTIVITET, GAMLE MESTRE, MODERNE KUNST, PSYKANOANALYSE, ÆSTETIK, BILLEDFOTOGRAFI, DEMOKRATI, CEZANNE, “291”, FORBUD. Udtrykket SANDHED har sneget sig ind, men det kan sparkes ud af enhver.
I 1922 organiserede Stieglitz en stor udstilling af John Marins malerier og ætsninger i Anderson Galleries, efterfulgt af en stor auktion med næsten to hundrede malerier af mere end fyrre amerikanske kunstnere, herunder O”Keeffe. Han blev stimuleret af denne aktivitet og påbegyndte et af sine mest kreative og usædvanlige foretagender – han fotograferede en række skystudier udelukkende på grund af deres form og skønhed. Han sagde:
Jeg ville fotografere skyer for at finde ud af, hvad jeg havde lært i 40 år om fotografering. Gennem skyer ville jeg nedfælde min livsfilosofi – for at vise, at (succesen med) mine fotografier ikke skyldtes motivet – ikke særlige træer eller ansigter eller interiører eller særlige privilegier – skyer var der for alle…
I sensommeren havde han skabt en serie, som han kaldte “Music – A Sequence of Ten Cloud Photographs”. I løbet af de næste tolv år tog han hundredvis af fotografier af skyer uden nogen referencepunkter for placering eller retning. Disse er generelt anerkendt som de første bevidst abstrakte fotografier, og de er stadig nogle af hans mest kraftfulde fotografier. Han kom til at kalde disse fotografier for ækvivalenter.
Stieglitz” mor Hedwig døde i november 1922, og ligesom han gjorde med sin far, begravede han sin sorg i sit arbejde. Han tilbragte tid sammen med Paul Strand og hans nye kone Rebecca (Beck), gennemgik en anden nytilkommen Edward Westons arbejde og begyndte at organisere en ny udstilling af O”Keeffes værker. Hendes udstilling åbnede i begyndelsen af 1923, og Stieglitz brugte en stor del af foråret på at markedsføre hendes værker. Til sidst blev tyve af hendes malerier solgt for mere end 3.000 dollars. Om sommeren tog O”Keeffe endnu en gang af sted til den sydvestlige del af landet, og i en periode var Stieglitz alene med Beck Strand ved Lake George. Han tog en række nøgenbilleder af hende, og snart blev han forelsket i hende. De havde en kort fysisk affære, inden O”Keeffe vendte tilbage i efteråret. O”Keeffe kunne fortælle, hvad der var sket, men da hun ikke så Stieglitz” nye elsker som en alvorlig trussel mod deres forhold, lod hun tingene passere. Seks år senere skulle hun have sin egen affære med Beck Strand i New Mexico.
I 1924 blev Stieglitz” skilsmisse endelig godkendt af en dommer, og inden for fire måneder blev han og O”Keeffe gift ved en lille, privat ceremoni i Marins hus. De tog hjem uden reception eller bryllupsrejse. O”Keeffe sagde senere, at de giftede sig for at hjælpe med at lindre problemerne hos Stieglitz” datter Kitty, som på det tidspunkt blev behandlet på et sanatorium for depression og hallucinationer. Resten af deres liv sammen var deres forhold, som biografen Benita Eisler karakteriserede det, “et samarbejde … et system af aftaler og kompromiser, som de stiltiende blev enige om og gennemførte, for det meste uden at udveksle et ord”. O”Keeffe foretrak at undgå konfrontationer i de fleste spørgsmål og var den vigtigste agent for hemmelige aftaler i deres forening.”
I de kommende år ville O”Keeffe bruge meget af sin tid på at male i New Mexico, mens Stieglitz sjældent forlod New York, undtagen om sommeren på sin fars familieejendom ved Lake George i Adirondacks, hans foretrukne feriested. O”Keeffe sagde senere: “Stieglitz var hypokonder og kunne ikke være mere end 80 km fra en læge.”
I slutningen af 1924 donerede Stieglitz 27 fotografier til Boston Museum of Fine Arts. Det var første gang, at et større museum optog fotografier i sin permanente samling. Samme år blev han tildelt Royal Photographic Society”s Progress Medal for at have fremmet fotografiet og modtog et æresfellowship i selskabet.
Læs også, biografier-da – Theodore Roosevelt
Det intime galleri og et amerikansk sted (1925-1937)
I 1925 blev Stieglitz inviteret af Anderson Galleries til at sammensætte en af de største udstillinger af amerikansk kunst med titlen Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 malerier, fotografier og ting, nyere og aldrig tidligere offentligt viste af Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O”Keeffe og Alfred Stieglitz. Kun et enkelt lille maleri af O”Keeffe blev solgt i løbet af den tre uger lange udstilling.
Kort efter fik Stieglitz tilbudt at fortsætte med at bruge et af rummene i Anderson Galleries, som han brugte til en række udstillinger med nogle af de samme kunstnere som i udstillingen Seven Americans. I december 1925 åbnede han sit nye galleri, “The Intimate Gallery”, som han gav kælenavnet “The Room” på grund af dets lille størrelse. I løbet af de næste fire år sammensatte han seksten udstillinger med værker af Marin, Dove, Hartley, O”Keeffe og Strand samt individuelle udstillinger af Gaston Lachaise, Oscar Bluemner og Francis Picabia. I denne periode oparbejdede Stieglitz et forhold til den indflydelsesrige nye kunstsamler Duncan Phillips, som købte flere værker gennem The Intimate Gallery.
I 1927 blev Stieglitz forelsket i den 22-årige Dorothy Norman, som dengang arbejdede som frivillig i galleriet, og de forelskede sig i hinanden. Norman var gift og havde et barn, men hun kom næsten hver dag til galleriet.
O”Keeffe tog imod et tilbud fra Mabel Dodge om at tage til New Mexico om sommeren. Stieglitz benyttede sig af hendes ophold til at begynde at fotografere Norman, og han begyndte også at undervise hende i de tekniske aspekter af trykning. Da Norman fik sit andet barn, var hun fraværende fra galleriet i ca. to måneder, før hun vendte tilbage regelmæssigt. I løbet af kort tid blev de kærester, men selv efter at deres fysiske affære blev mindre et par år senere, fortsatte de med at arbejde sammen, når O”Keeffe ikke var til stede, indtil Stieglitz døde i 1946.
I begyndelsen af 1929 fik Stieglitz at vide, at den bygning, der husede værelset, ville blive revet ned senere på året. Efter en sidste udstilling af Demuths værker i maj trak han sig tilbage til Lake George for sommeren, udmattet og deprimeret. Strands indsamlede næsten 16.000 dollars til et nyt galleri til Stieglitz, som reagerede hårdt og sagde, at det var på tide, at “de unge” skulle gøre noget af det arbejde, som han havde stået for i så mange år. Selv om Stieglitz til sidst undskyldte og accepterede deres generøsitet, markerede hændelsen begyndelsen til enden på deres lange og tætte forhold.
I det sene efterår vendte Stieglitz tilbage til New York. Den 15. december, to uger før sin femogtresårs fødselsdag, åbnede han “An American Place”, det største galleri, han nogensinde havde ledet. Det havde det første mørkekammer, han nogensinde havde haft i byen. Tidligere havde han lånt andre mørkekamre eller havde kun arbejdet, når han var ved Lake George. Han fortsatte med at vise gruppe- eller individuelle udstillinger med sine venner Marin, Demuth, Hartley, Dove og Strand i de næste 16 år. O”Keeffe fik mindst én større udstilling hvert år. Han kontrollerede nøje adgangen til hendes værker og promoverede hende uophørligt, selv når kritikerne gav hende mindre gunstige anmeldelser. I denne periode så de ofte kun hinanden om sommeren, når det var for varmt i hendes hjem i New Mexico, men de skrev næsten ugentligt til hinanden med sjælevenners inderlighed.
I 1932 udstillede Stieglitz 127 af sine 127 værker på The Place i en 40-årig retrospektiv udstilling. Han inkluderede alle sine mest berømte fotografier, men han valgte også med vilje at medtage nyere fotos af O”Keeffe, som på grund af sine år i solen i sydvesten så ældre ud end sine 45 år, sammenlignet med Stieglitz” portrætter af sin unge elsker Norman. Det var en af de få gange, hvor han optrådte ondskabsfuldt over for O”Keeffe offentligt, og det kan have været et resultat af deres stadig mere intense diskussioner i privaten om hans kontrol over hendes kunst.
Senere samme år udstillede han en udstilling med O”Keeffes værker ved siden af nogle amatøragtige malerier på glas af Becky Strand. Han udgav ikke et katalog over udstillingen, hvilket Strand tog som en fornærmelse. Paul Strand tilgav aldrig Stieglitz for dette. Han sagde: “Den dag, jeg gik ind i Photo-Secession 291 i 1907, var et stort øjeblik i mit liv … men den dag, jeg gik ud af An American Place i 1932, var ikke mindre god. Det var frisk luft og personlig befrielse fra noget, der var blevet, i hvert fald for mig, andenrangs, korrupt og meningsløst.”
I 1936 vendte Stieglitz kortvarigt tilbage til sine fotografiske rødder ved at arrangere en af de første udstillinger af Ansel Adams” fotografier i New York City. Udstillingen var en succes, og David McAlpin købte otte Adams-fotos. Han arrangerede også en af de første udstillinger af Eliot Porters værker to år senere. Stieglitz, der blev betragtet som “gudfar til det moderne fotografi”, opfordrede Todd Webb til at udvikle sin egen stil og fordybe sig i mediet.
Året efter arrangerede Cleveland Museum of Art den første store udstilling af Stieglitz” værker uden for hans egne gallerier. I arbejdet med at sikre, at hvert enkelt aftryk var perfekt, udmattede han sig selv til udmattelse. O”Keeffe tilbragte det meste af det år i New Mexico.
Læs også, mytologi-da – Romersk religion
De sidste år (1938-1946)
I begyndelsen af 1938 fik Stieglitz et alvorligt hjerteanfald, et af seks koronar- eller angina anfald, som skulle ramme ham i løbet af de næste otte år, og som hver gang svækkede ham mere og mere. Under hans fravær ledede Dorothy Norman galleriet. O”Keeffe blev i sit hjem i Southwest fra foråret til efteråret i denne periode.
I sommeren 1946 fik Stieglitz et dødeligt slagtilfælde og faldt i koma. O”Keeffe vendte tilbage til New York og fandt Dorothy Norman på hans hospitalsværelse. Hun forlod ham, og O”Keeffe var hos ham, da han døde. I overensstemmelse med hans ønske blev der afholdt en enkel begravelse med deltagelse af tyve af hans nærmeste venner og familiemedlemmer. Stieglitz blev kremeret, og sammen med sin niece Elizabeth Davidson tog O”Keeffe hans aske med til George-søen og “lagde ham der, hvor han kunne høre vandet”. Dagen efter begravelsen overtog O”Keeffe kontrollen med An American Place.
Stieglitz fremstillede mere end 2.500 monterede fotografier i løbet af sin karriere. Efter hans død samlede O”Keeffe et sæt af det, hun anså for at være de bedste af hans fotografier, som han personligt havde monteret. I nogle tilfælde inkluderede hun lidt forskellige versioner af det samme billede, og disse serier er uvurderlige for deres indsigt i Stieglitz” æstetiske komposition. I 1949 donerede hun den første del af det, hun kaldte “nøglesættet” på 1.317 Stieglitz-fotografier, til National Gallery of Art i Washington, DC. I 1980 tilføjede hun yderligere 325 fotografier, som Stieglitz havde taget af hende, herunder mange nøgenbilleder, til dette sæt. Med sine nu 1 642 fotografier er det den største og mest komplette samling af Stieglitz” værker i verden. I 2002 udgav National Gallery et katalog på 1 012 sider i to bind, der gengiver det komplette nøglesæt sammen med detaljerede kommentarer om hvert enkelt fotografi.
I 2019 udgav National Gallery en opdateret onlineudgave af Alfred Stieglitz Key Set.
Kilder
