Andy Warhol

Dimitris Stamatios | august 24, 2022

Post Views: 6

Resumé

Andy Warhol (6. august 1928 – 22. februar 1987) var en amerikansk kunstner, filminstruktør og producer, som var en ledende figur i den visuelle kunstbevægelse, der er kendt som pop art. Hans værker udforsker forholdet mellem kunstnerisk udtryk, reklame og kendis-kultur, der blomstrede i 1960”erne, og spænder over en række forskellige medier, herunder maleri, serigrafi, fotografi, film og skulptur. Nogle af hans mest kendte værker er bl.a. silketrykmalerierne Campbell”s Soup Cans (1962) og Marilyn Diptych (1962), de eksperimentelle film Empire (1964) og Chelsea Girls (1966) samt de multimedieevents, der er kendt som Exploding Plastic Inevitable (1966-67).

Warhol er født og opvokset i Pittsburgh og havde i begyndelsen en succesfuld karriere som reklameillustrator. Efter at have udstillet sine værker i flere gallerier i slutningen af 1950”erne begyndte han at blive anerkendt som en indflydelsesrig og kontroversiel kunstner. Hans atelier i New York, The Factory, blev et velkendt samlingssted, der samlede fremtrædende intellektuelle, drag queens, dramatikere, bohemeagtige gademennesker, Hollywoodberømtheder og velhavende mæcener. Han fremmede en samling af personligheder, der er kendt som Warhol-superstjerner, og han er krediteret for at have inspireret det meget brugte udtryk “15 minutes of fame”. I slutningen af 1960”erne ledede og producerede han det eksperimenterende rockband The Velvet Underground og grundlagde magasinet Interview. Han er forfatter til adskillige bøger, bl.a. The Philosophy of Andy Warhol og Popism: The Warhol Sixties. Han levede åbent som homoseksuel mand før bøssebefrielsesbevægelsen. I juni 1968 blev han næsten dræbt af den radikale feminist Valerie Solanas, som skød ham inde i hans studie. Efter en galdeblæreoperation døde Warhol af hjertearytmi i februar 1987 i en alder af 58 år i New York i en alder af 58 år.

Warhol har været genstand for adskillige retrospektive udstillinger, bøger og spille- og dokumentarfilm. Andy Warhol Museum i hans fødeby Pittsburgh, som rummer en omfattende permanent samling af kunst og arkiver, er det største museum i USA, der er dedikeret til en enkelt kunstner. Warhol er blevet beskrevet som “kunstmarkedets klokkeblæser”. Mange af hans værker er meget samlerværdige og meget værdifulde. Hans værker omfatter nogle af de dyreste malerier, der nogensinde er blevet solgt. I 2013 blev et serigrafi fra 1963 med titlen Silver Car Crash (Double Disaster) solgt for 105 mio. dollars. I 2022 blev Shot Sage Blue Marilyn (1964) solgt for 195 mio. dollars, hvilket er det dyreste kunstværk solgt på auktion af en amerikansk kunstner.

Læs også, biografier-da – Georges Braque

Tidligt liv og begyndelse (1928-1949)

Warhol blev født den 6. august 1928 i Pittsburgh, Pennsylvania. Han var det fjerde barn af Ondrej Warhola (amerikaniseret som Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) og Julia (født Zavacká, 1892-1972), hvis første barn blev født i deres hjemland Østrig-Ungarn og døde, inden de flyttede til USA.

Hans forældre var Lemkos-emigranter fra arbejderklassen i Mikó i Østrig-Ungarn (i dag Miková i det nuværende nordøstlige Slovakiet). Warhols far emigrerede til USA i 1914, og hans mor sluttede sig til ham i 1921, efter Warhols bedsteforældres død. Warhols far arbejdede i en kulmine. Familien boede på 55 Beelen Street og senere på 3252 Dawson Street i Oakland-kvarteret i Pittsburgh. Familien var ruthenisk katolsk og gik i den byzantinske kirke St. John Chrysostom. Andy Warhol havde to ældre brødre-Pavol (Ján blev født i Pittsburgh. Pavols søn, James Warhola, blev en succesfuld børnebogsillustrator.

I tredje klasse havde Warhol Sydenhams chorea (også kendt som Vitus” dans), en sygdom i nervesystemet, der forårsager ufrivillige bevægelser i ekstremiteterne, og som menes at være en komplikation af skarlagensfeber, der forårsager pigmentering af huden. I de perioder, hvor han var bundet til sengen, tegnede han, lyttede til radio og samlede billeder af filmstjerner omkring sin seng. Warhol beskrev senere denne periode som meget vigtig for udviklingen af hans personlighed, færdigheder og præferencer. Da Warhol var 13 år gammel, døde hans far i en ulykke.

Som teenager blev Warhol færdiguddannet fra Schenley High School i 1945, og som teenager vandt Warhol også en Scholastic Art and Writing Award. Efter at have afsluttet gymnasiet havde han til hensigt at studere kunstpædagogik på University of Pittsburgh i håb om at blive kunstlærer, men hans planer ændrede sig, og han indskrev sig på Carnegie Institute of Technology, nu Carnegie Mellon University i Pittsburgh, hvor han studerede kommerciel kunst. I løbet af sin tid der blev Warhol medlem af campus” Modern Dance Club og Beaux Arts Society. Han var også kunstnerisk leder af det studerendes kunsttidsskrift Cano, hvor han illustrerede en forside i 1948 og en helsides indvendig illustration i 1949. Det menes at være hans to første offentliggjorte kunstværker. Warhol fik en Bachelor of Fine Arts i billeddesign i 1949. Senere samme år flyttede han til New York City og begyndte en karriere som bladillustrator og reklamemand.

Læs også, civilisationer-da – Jeulmun

1950s

Warhols tidlige karriere var dedikeret til kommerciel kunst og reklamekunst, hvor hans første opgave var at tegne sko til Glamour-magasinet i slutningen af 1940”erne. I 1950”erne arbejdede Warhol som designer for skoproducenten Israel Miller. Mens han arbejdede i skoindustrien, udviklede Warhol sin “blottede linjeteknik”, hvor han påførte blæk på papiret og derefter udtværede blækket, mens det stadig var vådt, hvilket var beslægtet med en trykkeriproces i den mest rudimentære skala. Hans brug af kalkerpapir og blæk gjorde det muligt for ham at gentage det grundlæggende billede og også at skabe uendelige variationer over temaet. Den amerikanske fotograf John Coplans mindede om, at

ingen tegnede sko på samme måde som Andy. Han gav på en eller anden måde hver sko sit eget temperament, en slags snu Toulouse-Lautrec-sofistik, men formen og stilen kom præcist igennem, og spændet sad altid på det rigtige sted. Børnene i lejligheden [som Andy delte i New York – note af Coplans] bemærkede, at skomærkerne på Andys sko-tegninger blev længere og længere, men Miller havde ikke noget imod det. Miller elskede dem.

I 1952 havde Warhol sin første soloudstilling på Hugo Gallery i New York, og selv om den udstilling ikke blev godt modtaget, blev han i 1956 medtaget i sin første gruppeudstilling på Museum of Modern Art i New York. Warhols “finurlige” blæktegninger af skoreklamer figurerede i nogle af hans tidligste udstillinger på Bodley Gallery i New York i 1957.

Warhol benyttede sig ofte af den metode, at han tracede fotografier, der blev projiceret med et epidiaskop. Ved hjælp af prints af Edward Wallowitch, hans “første kæreste”, gennemgik fotografierne en subtil forvandling under Warhols ofte overfladiske eftertegning af konturer og skravering af skygger. Warhol brugte Wallowitchs fotografi Young Man Smoking a Cigarette (ca. 1956) til et design i 1958 til et bogomslag, som han sendte til Simon and Schuster for Walter Ross” pulproman The Immortal, og senere brugte han andre til sin serie af malerier.

Med den hurtige ekspansion i pladeindustrien hyrede RCA Records Warhol sammen med en anden freelancekunstner, Sid Maurer, til at designe pladeomslag og reklamemateriale.

Læs også, biografier-da – Isabella 2. af Spanien

1960s

Warhol var en af de tidlige brugere af serigrafi som en teknik til at lave malerier. I 1962 blev Warhol undervist i serigrafi af Max Arthur Cohn i hans grafiske virksomhed på Manhattan. I sin bog Popism: The Warhol Sixties skriver Warhol: “Når man gør noget helt forkert, finder man altid noget frem”.

I maj 1962 blev Warhol omtalt i en artikel i Time Magazine med sit maleri Big Campbell”s Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), som indledte hans mest vedholdende motiv, Campbell”s suppedåsen. Dette maleri blev Warhols første maleri, der blev vist på et museum, da det blev udstillet på Wadsworth Atheneum i Hartford i juli 1962. Den 9. juli 1962 åbnede Warhols udstilling på Ferus Gallery i Los Angeles med Campbell”s Soup Cans, hvilket markerede hans debut med pop art på vestkysten.

I november 1962 havde Warhol en udstilling i Eleanor Wards Stable Gallery i New York. Udstillingen omfattede værkerne Gold Marilyn, otte af den klassiske “Marilyn”-serie, også kaldet “Flavor Marilyns”, Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles og 100 Dollar Bills. Gold Marilyn blev købt af arkitekten Philip Johnson og doneret til Museum of Modern Art. På udstillingen mødte Warhol digteren John Giorno, som skulle spille med i Warhols første film, Sleep (1964).

I december 1962 var New York Citys Museum of Modern Art vært for et symposium om pop art, hvor kunstnere som Warhol blev angrebet for at “kapitulere” over for forbrugerismen. Kritikerne var forfærdede over Warhols åbne accept af markedskulturen, hvilket satte tonen for hans modtagelse.

I begyndelsen af 1963 lejede Warhol sit første atelier, en gammel brandstation på 159 East 87th Street. Her skabte han sin Elvis-serie, som bl.a. omfattede Eight Elvises (1963) og Triple Elvis (1963). Disse portrætter blev sammen med en serie Elizabeth Taylor-portrætter vist på hans anden udstilling på Ferus Gallery i Los Angeles. Senere samme år flyttede Warhol sit atelier til East 47th Street, som skulle blive til The Factory. The Factory blev et populært samlingssted for en lang række kunstnere, forfattere, musikere og undergrundsberømtheder.

Warhol havde sin anden udstilling på Stable Gallery i foråret 1964, hvor han udstillede skulpturer af kommercielle kasser, der var stablet og spredt ud over hele rummet for at ligne et lager. Til udstillingen bestilte Warhol specialfremstillede trækasser og silketrykede grafik på dem. Skulpturerne – Brillo Box, Del Monte Peach Box, Heinz Tomato Ketchup Box, Kellog”s Cornflakes Box, Campbell”s Tomato Juice Box og Mott”s Apple Juice Box – blev solgt for 200-400 dollars, afhængigt af kassens størrelse.

En afgørende begivenhed var The American Supermarket-udstillingen i Paul Bianchini”s galleri på Upper East Side i efteråret 1964. Udstillingen blev præsenteret som et typisk lille supermarkedsmiljø, bortset fra at alt i det – fra råvarer, dåsevarer, kød, plakater på væggen osv. – var skabt af tidens fremtrædende popkunstnere, bl.a. billedhuggeren Claes Oldenburg, Mary Inman og Bob Watts. Warhol designede en indkøbspose til 12 dollars i papir – hvid med en rød Campbell”s suppedåse. Hans maleri af en dåse Campbell”s suppe kostede 1.500 dollars, mens hver signeret dåse solgtes for 3 for 18 dollars, 6,50 dollars stykket. Udstillingen var en af de første massebegivenheder, der direkte konfronterede den brede offentlighed med både popkunst og det evige spørgsmål om, hvad kunst er.

Som reklameillustrator i 1950”erne brugte Warhol assistenter for at øge sin produktivitet. Samarbejde ville fortsat være en afgørende faktor (dette var især tilfældet i 1960”erne). En af de vigtigste samarbejdspartnere i denne periode var Gerard Malanga. Malanga hjalp kunstneren med produktionen af silketryk, film, skulpturer og andre værker i “The Factory”, Warhols med aluminiumsfolie og sølvfarvet maling beklædte atelier på 47th Street (senere flyttet til Broadway). Andre medlemmer af Warhols Factory-gruppe var Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name og Brigid Berlin (fra hvem han tilsyneladende fik idéen til at optage sine telefonsamtaler på bånd).

I løbet af 1960”erne oplærte Warhol også en række boheme- og modkulturelle excentrikere, som han gav betegnelsen “superstjerner”, herunder Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis og Candy Darling. Disse personer deltog alle i Factory-filmene, og nogle af dem – som Berlin – forblev venner med Warhol indtil hans død. Vigtige figurer i New Yorks undergrundskunst

Den 3. juni 1968 skød den radikale feministiske forfatter Valerie Solanas Warhol og Mario Amaya, kunstkritiker og kurator, i Warhols atelier, The Factory. Før skyderiet havde Solanas været en marginal figur på Factory-scenen. Hun var i 1967 forfatter til SCUM-manifestet, et separatistisk feministisk traktat, der gik ind for afskaffelse af mænd, og hun medvirkede i Warhols film I, a Man fra 1968. Tidligere på dagen for angrebet var Solanas blevet afvist fra Factory efter at have bedt om at få et manuskript, som hun havde givet Warhol, tilbage. Manuskriptet var tilsyneladende blevet lagt forkert.

Amaya fik kun mindre skader og blev udskrevet fra hospitalet senere samme dag. Warhol blev alvorligt såret ved angrebet og overlevede kun med nød og næppe. Han led fysiske følger resten af sit liv, bl.a. måtte han bære et kirurgisk korset. Skyderiet havde en dybtgående effekt på Warhols liv og kunst.

Solanas blev anholdt dagen efter overfaldet, efter at hun havde meldt sig selv til politiet. Som forklaring sagde hun, at Warhol “havde for meget kontrol over mit liv”. Hun blev efterfølgende diagnosticeret med paranoid skizofreni og blev i sidste ende idømt tre års fængselsstraf under kontrol af fængselsvæsenet. Efter skyderiet øgede Factory-scenen kraftigt sin sikkerhed, og for mange sluttede “Factory 60”erne” (“Superstjernerne fra de gamle Factory-dage kom ikke meget til den nye Factory”).

Warhol havde dette at sige om angrebet:

Før jeg blev skudt, troede jeg altid, at jeg var mere halvt end helt der – jeg havde altid en mistanke om, at jeg så tv i stedet for at leve livet. Folk siger nogle gange, at den måde, tingene sker på i film, er uvirkelig, men faktisk er det den måde, tingene sker i livet, der er uvirkelig. Filmene får følelserne til at se så stærke og virkelige ud, mens når tingene virkelig sker for dig, er det som at se fjernsyn – du føler ikke noget. Lige da jeg blev skudt og lige siden vidste jeg, at jeg så fjernsyn. Kanalerne skifter, men det er alt sammen fjernsyn.

I 1969 grundlagde Warhol og den britiske journalist John Wilcock magasinet Interview.

Læs også, biografier-da – William Tyndale

1970s

Warhol havde en retrospektiv udstilling på Whitney Museum of American Art i 1971. Hans berømte portræt af den kinesiske kommunistleder Mao Zedong blev skabt i 1973. I 1975 udgav han The Philosophy of Andy Warhol (1975). En idé udtrykt i bogen: “At tjene penge er kunst, og at arbejde er kunst, og god forretning er den bedste kunst.”

Sammenlignet med succesen og skandalerne i Warhols værker i 1960”erne var 1970”erne et langt mere roligt årti, hvor han blev mere iværksætterorienteret. Han mødtes på forskellige natklubber i New York City, herunder Max”s Kansas City og senere i 1970”erne Studio 54. Han blev generelt anset for at være stille, genert og en omhyggelig observatør. Kunstkritikeren Robert Hughes kaldte ham “den hvide muldvarp på Union Square”.

I 1977 fik Warhol af kunstsamleren Richard Weisman til opgave at skabe Athletes, ti portrætter af tidens førende atleter.

Ifølge Bob Colacello brugte Warhol en stor del af sin tid på at skaffe nye, rige mæcener til portrætbestillinger – herunder Irans shah Mohammad Reza Pahlavi, hans kone kejserinde Farah Pahlavi, hans søster prinsesse Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross og Brigitte Bardot. I 1979 var anmelderne utilfredse med hans udstillinger af portrætter af 1970”ernes personligheder og berømtheder, idet de kaldte dem overfladiske, letkøbte og kommercielle uden dybde eller tegn på emnernes betydning.

I 1979 grundlagde Warhol og hans mangeårige ven Stuart Pivar New York Academy of Art.

Læs også, kampe – Pave Pius 5.

1980s

Warhol fik igen kritisk og økonomisk succes i 1980”erne, hvilket til dels skyldtes hans tilknytning og venskaber med en række produktive yngre kunstnere, som dominerede “bull market” i 1980”ernes New York-kunst: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle og andre såkaldte neo-ekspressionister samt medlemmer af transavantgardebevægelsen i Europa, herunder Francesco Clemente og Enzo Cucchi. Warhol opnåede også street credibility, og graffitikunstneren Fab Five Freddy hyldede Warhol ved at male et helt tog med Campbell-suppedåser.

Warhol blev også kritiseret for at være blevet en ren “forretningskunstner”. Kritikerne kritiserede hans 1980-udstilling Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century på Jewish Museum på Manhattan, som Warhol – der var uinteresseret i jødedommen og jøderne – havde beskrevet i sin dagbog som “De vil sælge”. Set i bakspejlet er nogle kritikere imidlertid kommet til at betragte Warhols overfladiskhed og kommercielle karakter som “det mest geniale spejl af vores tid” og hævder, at “Warhol havde fanget noget uimodståeligt ved tidsånden i den amerikanske kultur i 1970”erne”.

Warhol havde også en forkærlighed for intens Hollywood-glamour. Han sagde engang: “Jeg elsker Los Angeles. Jeg elsker Hollywood. De er så smukke. Alt er plastik, men jeg elsker plastik. Jeg vil gerne være plastik.” Warhol gik lejlighedsvis på modebanerne og var med i produktreklamer, repræsenteret af Zoli Agency og senere Ford Models.

Før de Olympiske Vinterlege i Sarajevo i 1984 gik han sammen med 15 andre kunstnere, herunder David Hockney og Cy Twombly, og bidrog med et tryk af Speed Skater til Art and Sport-samlingen. Speed Skater blev brugt til den officielle plakat for vinter-OL i Sarajevo.

I 1984 bestilte Vanity Fair Warhol til at lave et portræt af Prince til en artikel, der skulle ledsage en artikel, der fejrede succesen med Purple Rain og den tilhørende film. Orange Prince (1984), der refererer til de mange berømthedsportrætter, som Warhol har lavet i løbet af sin karriere, blev skabt ved hjælp af en lignende komposition som Marilyns “Flavors”-serie fra 1962, der er blandt nogle af Warhols første berømthedsportrætter. Prince er afbildet i en popfarvepalet, som Warhol ofte brugte, i en klar orange farve med lyse grønne og blå skæringer. Ansigtstræk og hår er screen-printet i sort over den orange baggrund.

I september 1985 åbnede Warhols fælles udstilling med Basquiat, Paintings, med negative anmeldelser i Tony Shafrazi Gallery. Samme måned blev hans serigrafi-serie Reigning Queens trods Warhols betænkeligheder vist på Leo Castelli Gallery. I Andy Warhol Diaries skrev Warhol: “Det var meningen, at de kun skulle være til Europa – ingen her interesserer sig for kongelige, og det ville blive endnu en dårlig anmeldelse”.

I januar 1987 rejste Warhol til Milano til åbningen af sin sidste udstilling, Last Supper, i Palazzo delle Stelline. Den følgende måned stod Warhol og jazzmusikeren Miles Davis model til Koshin Satohs modeshow i Tunnel i New York City den 17. februar 1987.

Læs også, biografier-da – Jeff Koons

Død

Warhol døde på Manhattan kl. 6.32 den 22. februar 1987 i en alder af 58 år. Ifølge nyhedsrapporter var han ved at komme sig godt efter en galdeblæreoperation på New York Hospital, inden han døde i søvne på grund af en pludselig uregelmæssig hjerterytme efter operationen. Forud for sin diagnose og operation havde Warhol udsat sin tilbagevendende galdeblæreproblemer med at få dem undersøgt, da han var bange for at komme ind på hospitaler og se læger. Hans familie sagsøgte hospitalet for utilstrækkelig pleje og sagde, at arytmien skyldtes forkert pleje og vandforgiftning. Sagen om fejlbehandling blev hurtigt afgjort uden for retten; Warhols familie modtog et ukendt pengebeløb.

Kort før Warhols død forventede lægerne, at Warhol ville overleve operationen, men en revurdering af sagen omkring 30 år efter hans død viste mange tegn på, at Warhols operation faktisk var mere risikabel end oprindeligt antaget. Det blev dengang bredt rapporteret, at Warhol døde af en “rutinemæssig” operation, men når man tog faktorer som hans alder, en familiehistorie med galdeblæreproblemer, hans tidligere skudsår og hans helbredstilstand i ugerne op til operationen i betragtning, viste det sig, at den potentielle risiko for død efter operationen var betydelig.

Warhols brødre bragte hans lig tilbage til Pittsburgh, hvor der blev afholdt en begravelse i åben kiste på Thomas P. Kunsak Funeral Home. Den solide bronzekiste havde guldbelagte skinner og hvidt polster. Warhol var klædt i et sort cashmere jakkesæt, et paisley slips, en platinfarvet paryk og solbriller. Han blev lagt med en lille bønnebog og en rød rose i hånden. Begravelsesliturgien blev afholdt i Holy Ghost Byzantine Catholic Church i Pittsburghs North Side. Gravtalen blev holdt af Monsignor Peter Tay. Yoko Ono og John Richardson var talere. Kisten var dækket med hvide roser og aspargesfarner. Efter liturgien blev kisten kørt til St. John the Baptist Byzantine Catholic Cemetery i Bethel Park, en sydlig forstad til Pittsburgh.

Ved graven sagde præsten en kort bøn og stænkede vievand på kisten. Inden kisten blev lagt ned, lagde Warhols ven og reklamedirektør for Interview Paige Powell et eksemplar af magasinet, en Interview T-shirt og en flaske Estée Lauder-parfume “Beautiful” i graven. Warhol blev begravet ved siden af sin mor og far. Der blev afholdt en mindehøjtidelighed for Warhol på Manhattan i St. Patrick”s Cathedral den 1. april 1987.

Læs også, biografier-da – Hermann Göring

Malerier

I begyndelsen af 1960”erne var pop art en eksperimentel form, som flere kunstnere uafhængigt af hinanden tog til sig. Nogle af disse pionerer, såsom Roy Lichtenstein, blev senere synonymt med bevægelsen. Warhol, der blev berømt som “popens pave”, vendte sig mod denne nye stil, hvor populære emner kunne være en del af kunstnerens palet. Hans tidlige malerier viser billeder fra tegneserier og reklamer, håndmalet med malingdryp. Disse dråber efterlignede stilen hos succesfulde abstrakte ekspressionister som Willem de Kooning.

Fra denne begyndelse udviklede han sin senere stil og sine emner. I stedet for at arbejde med et signaturemne, som han startede med at gøre, arbejdede han mere og mere med en signaturstil og eliminerede langsomt det håndlavede fra den kunstneriske proces. Warhol brugte ofte silketryk, og hans senere tegninger blev tegnet efter diasprojektioner. Da han var på toppen af sin berømmelse som maler, havde Warhol flere assistenter, som fremstillede hans silketryk-multipletter, idet de fulgte hans anvisninger om at lave forskellige versioner og variationer.

Warhols første pop art-malerier blev udstillet i april 1961 som baggrund for New Yorks stormagasin Bonwit Tellers udstilling i et vindue. Det var den samme scene, som hans samtidige popkunstnere Jasper Johns, James Rosenquist og Robert Rauschenberg også engang havde prydet. Det var galleristen Muriel Latow, der kom med ideerne til både suppedåserne og Warhols dollar-malerier. Den 23. november 1961 skrev Warhol en check på 50 dollars til Latow, som ifølge Warhol-biografien Pop, The Genius of Warhol fra 2009 var betaling for at komme på ideen med suppedåserne som motiv. Til sin første store udstilling malede Warhol sine berømte dåser med Campbell”s suppe, som han hævdede at have spist til frokost det meste af sit liv.

Det var i 1960”erne, at Warhol begyndte at lave malerier af ikoniske amerikanske genstande som dollarsedler, svampeskyer, elektriske stole, Campbell”s suppedåser, Coca-Cola-flasker, berømtheder som Marilyn Monroe, Elvis Presley og Elizabeth Taylor samt avisoverskrifter eller fotografier af politihunde, der angriber afroamerikanske demonstranter under Birmingham-kampagnen i borgerrettighedsbevægelsen. Hans værker blev populære og kontroversielle. Warhol havde følgende at sige om Coca-Cola:{{Blockquote

Warhol lavede både komiske og seriøse værker; hans motiv kunne være en suppedåse eller en elektrisk stol. Warhol brugte de samme teknikker – silketryk, der blev reproduceret i serier og ofte malet med klare farver – uanset om han malede berømtheder, dagligdags genstande eller billeder af selvmord, bilulykker og katastrofer, som i serien Death and Disaster fra 1962-63.

I 1979 fik Warhol til opgave at male en BMW M1 Group 4 racerversion til den fjerde del af BMW Art Car-projektet. Han blev oprindeligt bedt om at male en BMW 320i i 1978, men bilmodellen blev ændret, og den kvalificerede sig ikke til løbet det år. Warhol var den første kunstner, der selv malede direkte på bilen i stedet for at lade teknikere overføre et design i skala til bilen. Efter sigende tog det ham kun 23 minutter at male hele bilen. Racerkørerne Hervé Poulain, Manfred Winkelhock og Marcel Mignot kørte bilen ved 24-timersløbet på Le Mans i 1979.

Nogle af Warhols værker og hans egen personlighed er blevet beskrevet som værende Keatoneske. Warhol er blevet beskrevet som værende dum over for medierne. Han nægtede undertiden at forklare sit arbejde. Han har antydet, at alt, hvad man behøver at vide om hans arbejde, “allerede er der ”på overfladen””.

Hans Rorschach-blækpletter er tænkt som popkommentarer til kunst og til, hvad kunst kunne være. Hans ko-tapet (bogstaveligt talt tapet med et motiv af en ko) og hans oxidationsmalerier (lærreder fremstillet med kobbermaling, der derefter blev oxideret med urin) er også bemærkelsesværdige i denne sammenhæng. Lige så bemærkelsesværdig er den måde, hvorpå disse værker – og deres produktionsmetoder – afspejlede atmosfæren på Andys “fabrik” i New York. Biografen Bob Colacello giver nogle detaljer om Andys “pissemalerier”:

Victor … var Andys spøgelsespisser på Oxidations. Han kom til fabrikken for at urinere på lærreder, der allerede var blevet grundmalet med kobberbaseret maling af Andy eller Ronnie Cutrone, en anden spøgelsespisser, der var meget værdsat af Andy, som sagde, at det B-vitamin, som Ronnie tog, gav en pænere farve, når syren i urinen gjorde kobberet grønt. Har Andy nogensinde brugt sin egen urin? Min dagbog viser, at da han først begyndte på serien i december 1977, gjorde han det, og det var der mange andre: drenge, der kom til frokost og drak for meget vin og fandt det sjovt eller endog smigrende at blive bedt om at hjælpe Andy med at “male”. Andy havde altid et lille ekstra spring i sin gang, når han førte dem til sit atelier.

Warhols portræt af Basquiat fra 1982, Jean-Michel Basquiat, er et silketryk over et “pissemaleri” af oxideret kobber. Efter mange år med silketryk, oxidering, fotografering osv. vendte Warhol tilbage til maleriet med penslen i hånden. I 1983 begyndte Warhol at samarbejde med Basquiat og Clemente. Warhol og Basquiat skabte en serie på mere end 50 store samarbejdsværker mellem 1984 og 1985. Trods kritik, da disse værker blev vist første gang, kaldte Warhol nogle af dem for “mesterværker”, og de fik indflydelse på hans senere arbejde.

I 1984 blev Warhol af samleren og galleristen Alexander Iolas bedt om at lave et værk baseret på Leonardo da Vincis Den sidste nadver til en udstilling i det gamle refektorium i Palazzo delle Stelline i Milano, overfor Santa Maria delle Grazie, hvor Leonardo da Vincis vægmaleri kan ses. Warhol oversteg kravene i bestillingen og producerede næsten 100 variationer over temaet, hovedsagelig silketryk og malerier, og blandt dem en skulptur i samarbejde med Basquiat, Ten Punching Bags (Last Supper). Udstillingen i Milano, der åbnede i januar 1987 med et sæt på 22 silketryk, var den sidste udstilling for både kunstneren og galleristen. Serien The Last Supper blev af nogle betragtet som “nok hans største”, men af andre som “vattet, religiøs” og “åndeløs”. Det er den største serie af værker med religiøse temaer af en amerikansk kunstner.

Kunstneren Maurizio Cattelan beskriver, at det er svært at adskille de daglige møder fra Andy Warhols kunst: “Det er nok det største ved Warhol: den måde, han trængte ind i og opsummerede vores verden på, så meget, at det i bund og grund er umuligt og i hvert fald nytteløst at skelne mellem ham og vores hverdag.” Warhol var en inspiration til Cattelans magasiner og fotokompilationer, såsom Permanent Food, Charley og Toilet Paper.

I perioden lige før sin død arbejdede Warhol på Cars, en serie af malerier for Mercedes-Benz.

Læs også, biografier-da – Xenofon

Kunstmarkedet

Værdien af Andy Warhols værker har været uendeligt stigende siden hans død i 1987. I 2014 akkumulerede hans værker 569 millioner dollars på auktioner, hvilket udgjorde mere end en sjettedel af det globale kunstmarked. Der har dog været nogle dyk. Ifølge kunsthandler Dominique Lévy “bevæger Warhol-handlen sig noget som en vippe, der trækkes opad: den stiger og falder, men hvert nyt høj- og lavpunkt ligger over det sidste.” Hun tilskriver dette den konstante tilstrømning af nye samlere, der er fascineret af Warhol. “På forskellige tidspunkter har man haft forskellige grupper af samlere, der er kommet ind på Warhol-markedet, og det har resulteret i toppe i efterspørgslen, derefter tilfredshed og en afmatning,” før processen gentager sig for en anden demografisk gruppe eller den næste generation.

I 1998 blev Orange Marilyn (1964), en afbildning af Marilyn Monroe, solgt for 17,3 millioner dollars, hvilket på det tidspunkt satte ny rekord som den højeste pris, der blev betalt for et Warhol-kunstværk. I 2007 blev et af Warhols malerier af Elizabeth Taylor fra 1963, Liz (Colored Liz), som var ejet af skuespilleren Hugh Grant, solgt for 23,7 mio. dollars hos Christie”s.

I 2007 solgte Stefan Edlis og Gael Neeson Warhols Turquoise Marilyn (1964) til finansmanden Steven A. Cohen for 80 millioner dollars. I maj 2007 blev Green Car Crash (1963) solgt for 71,1 millioner dollars og Lemon Marilyn (1962) solgt for 28 millioner dollars på Christie”s auktion over efterkrigs- og samtidskunst. I 2007 blev Large Campbell”s Soup Can (1964) solgt på en auktion hos Sotheby”s til en sydamerikansk samler for 7,4 millioner kroner. I november 2009 blev 200 en-dollarsedler (1962) solgt på Sotheby”s for 43,8 mio. dollars.

I 2008 blev Eight Elvises (1963) solgt af Annibale Berlingieri for 100 millioner dollars til en privat køber. Værket forestiller Elvis Presley i en revolvermandspose. Det blev første gang udstillet i 1963 på Ferus Gallery i Los Angeles. Warhol lavede 22 versioner af Elvis-portrætterne, hvoraf 11 af dem findes på museer. I maj 2012 blev Double Elvis (Ferus Type) solgt på auktion hos Sotheby”s for 37 millioner dollars. I november 2014 blev Triple Elvis (Ferus Type) solgt for 81,9 millioner dollars hos Christie”s.

I maj 2010 blev et lilla selvportræt af Warhol fra 1986, som var ejet af modedesigner Tom Ford, solgt for 32,6 millioner dollars hos Sotheby”s for 32,6 millioner dollars. I november 2010 blev Men in Her Life (1962), der er baseret på Elizabeth Taylor, solgt for 63,4 mio. dollars hos Phillips de Pury og Coca-Cola (4) (1962) solgt for 35,3 mio. dollars hos Sotheby”s. I maj 2011 blev Warhols første selvportræt fra 1963-64 solgt for 38,4 mio. dollars og et rødt selvportræt fra 1986 solgt for 27,5 mio. dollars hos Christie”s. I maj 2011 blev Liz #5 (Early Colored Liz) solgt for 26,9 mio. dollars hos Phillips.

I november 2013 blev Warhols sjældent sete diptychon fra 1963, Silver Car Crash (Double Disaster), solgt hos Sotheby”s for 105,4 millioner dollars, hvilket var en ny rekord for kunstneren. I november 2013 blev Coca-Cola (3) (1962) solgt for 57,3 millioner dollars hos Christie”s. I maj 2014 blev White Marilyn (1962) solgt for 41 mio. dollars hos Christie”s for 41 mio. dollars. I november 2014 blev Four Marlons (1964), der forestiller Marlon Brando, solgt for 69,6 mio. dollars hos Christie”s. I maj 2015 blev Silver Liz (diptych), malet i 1963-65, solgt for 28 mio. dollars og Colored Mona Lisa (1963) solgt for 56,2 mio. dollars hos Christie”s. I maj 2017 blev Warhols maleri Big Campbell”s Soup Can With Can Opener (Vegetable) fra 1962 solgt for 27,5 mio. dollars hos Christie”s. I 2017 købte milliardæren og hedgefondforvalteren Ken Griffin Orange Marilyn privat for omkring 200 millioner dollars. I maj 2022 blev Shot Sage Blue Marilyn (1964) solgt for 195 mio. dollars hos Christie”s og blev dermed det dyreste amerikanske kunstværk solgt på auktion.

Læs også, biografier-da – Diego Rivera

Samlere

Blandt Warhols tidlige samlere og indflydelsesrige støtter var Emily og Burton Tremaine. Blandt de mere end 15 kunstværker, der blev købt, er Marilyn Diptych (nu på Tate Modern i London) og A boy for Meg (nu på National Gallery of Art i Washington, DC), som blev købt direkte fra Warhols atelier i 1962. En jul efterlod Warhol et lille hoved af Marilyn Monroe ved Tremaines dør i deres lejlighed i New York som tak for deres støtte og opmuntring.

Læs også, biografier-da – Lucrezia Borgia

Filmografi

Warhol deltog i 1962 i premieren på La Monte Youngs statiske komposition Trio for Strings og skabte efterfølgende sin berømte serie af statiske film. Filmskaberen Jonas Mekas, der ledsagede Warhol til Trio-premieren, hævder, at Warhols statiske film var direkte inspireret af forestillingen. Mellem 1963 og 1968 lavede han mere end 60 film samt omkring 500 korte sort-hvide “screen test”-portrætter af Factory-besøgende. En af hans mest berømte film, Sleep, viser digteren John Giorno i seks timers søvn. Den 35 minutter lange film Blow Job er et sammenhængende billede af DeVeren Bookwalters ansigt, der angiveligt får oralsex af filmmageren Willard Maas, selv om kameraet aldrig bliver vendt nedad for at se dette. En anden film, Empire (1964), består af otte timers optagelser af Empire State Building i New York City i skumringen. Filmen Eat består af en mand, der spiser en svamp i 45 minutter.

Batman Dracula er en film fra 1964, der blev produceret og instrueret af Warhol uden tilladelse fra DC Comics. Den blev kun vist ved hans kunstudstillinger. Warhol var fan af Batman-serien, og Warhols film var en “hyldest” til serien, og anses for at være den første optræden af en åbenlyst campy Batman. Filmen blev indtil for nylig anset for at være gået tabt, indtil scener fra filmen blev vist i en vis udstrækning i dokumentarfilmen Jack Smith and the Destruction of Atlantis fra 2006.

Warhols film Vinyl fra 1965 er en filmatisering af Anthony Burgess” populære dystopiske roman A Clockwork Orange. Andre optager improviserede møder mellem Factory-stamgæster som Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico og Jackie Curtis. Den legendariske undergrundskunstner Jack Smith optræder i filmen Camp.

Hans mest populære og kritikerroste film var Chelsea Girls (1966). Filmen var meget nyskabende, idet den bestod af to 16 mm-film, der blev projiceret samtidig, og hvor to forskellige historier blev vist samtidig. Fra projektionskabinen blev lyden hævet for den ene film for at belyse den “historie”, mens den blev sænket for den anden. Multiplikationen af billederne mindede om Warhols banebrydende silketrykværker fra begyndelsen af 1960”erne.

Warhol var fan af filmmageren Radley Metzgers filmværk og udtalte, at Metzgers film, The Lickerish Quartet, var “et uhyrligt frækt mesterværk”. Blue Movie – en film, hvor Warhols superstjerne Viva elsker i sengen med Louis Waldon, en anden Warhol-superstjerne – var Warhols sidste film som instruktør. Filmen, der var en af de vigtigste film i pornoens guldalder, var på det tidspunkt kontroversiel på grund af dens åbenhjertige tilgang til et seksuelt møde. Blue Movie blev vist offentligt i New York City i 2005 for første gang i mere end 30 år.

I kølvandet på skyderiet i 1968 opgav Warhol, som levede sig tilbage, sit personlige engagement i filmproduktion. Hans assistent og instruktør Paul Morrissey overtog filmproduktionen for Factory-kollektivet og styrede Warhols filmkunst i retning af mere mainstream, narrativt baseret B-film-eksploitation med Flesh, Trash og Heat. Alle disse film, herunder de senere Andy Warhol”s Dracula og Andy Warhol”s Frankenstein, var langt mere mainstream end noget andet, som Warhol som instruktør havde forsøgt sig med som instruktør. Disse sidstnævnte “Warhol”-film havde Joe Dallesandro i hovedrollen – mere en Morrissey-stjerne end en sand Warhol-superstjerne.

I begyndelsen af 1970”erne blev de fleste af Warhols film taget ud af cirkulation af Warhol og de mennesker omkring ham, der drev hans forretning. Efter Warhols død blev filmene langsomt restaureret af Whitney Museum, og de vises lejlighedsvis på museer og filmfestivaler. Kun få af Warhols instruerede film er tilgængelige på video eller dvd.

Læs også, kampe – Aubrey Beardsley

Musik

I midten af 1960”erne adopterede Warhol bandet Velvet Underground og gjorde dem til et afgørende element i det multimedie-performancekunstshow Exploding Plastic Inevitable. Warhol fungerede sammen med Paul Morrissey som bandets manager og præsenterede dem for Nico (som skulle optræde med bandet på Warhols anmodning). Mens han var manager for The Velvet Underground, fik Andy dem til at klæde sig helt i sort for at optræde foran film, som han også præsenterede. I 1966 “producerede” han deres første album The Velvet Underground & Nico og stod også for albumcoveret. Hans egentlige deltagelse i produktionen af albummet bestod blot i at betale for studietiden. Efter bandets første album begyndte Warhol og bandets leder Lou Reed at blive mere uenige om, hvilken retning bandet skulle tage, og deres kunstneriske venskab ophørte. I 1989, efter Warhols død, blev Reed og John Cale genforenet for første gang siden 1972 for at skrive, optræde, indspille og udgive konceptalbummet Songs for Drella, en hyldest til Warhol. I oktober 2019 blev et lydbånd med offentligt ukendt musik af Reed, baseret på Warhols bog fra 1975, “The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again”, rapporteret at være blevet opdaget i et arkiv på Andy Warhol Museum i Pittsburgh.

Warhol designede mange albumcovers til forskellige kunstnere, startende med det fotografiske cover til John Wallowitchs debutalbum, This Is John Wallowitch!!! (1964). Han tegnede coveret til Rolling Stones” album Sticky Fingers (1971) og Love You Live (1977) og John Cales album The Academy in Peril (1972) og Honi Soit (1981). Et af Warhols sidste værker var et portræt af Aretha Franklin til omslaget til hendes guldalbum Aretha fra 1986.

Warhol var medinstruktør på musikvideoen “Hello Again” af The Cars, og han optrådte i videoen som bartender.

Læs også, biografier-da – Charles M. Schulz

Bøger og tryksager

Fra begyndelsen af 1950”erne producerede Warhol flere uindbundne mapper med sine værker.

Den første af flere af Warhols selvudgivne bøger var 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy, der blev trykt i 1954 af Seymour Berlin på papir med vandmærke af mærket Arches, hvor han brugte sin teknik med plettede linjer til litografierne. Det oprindelige oplag var begrænset til 190 nummererede, håndkolorerede eksemplarer med Dr. Martins blækvaskninger. De fleste af disse blev givet af Warhol som gaver til klienter og venner. Eksemplar nr. 4, der er forsynet med påskriften “Jerry” på forsiden og givet til Geraldine Stutz, blev brugt til et faksimiletryk i 1987, og originalen blev solgt på auktion i maj 2006 for 35 000 USD af Doyle New York.

Andre selvudgivne bøger af Warhol omfatter:

Warhols bog A La Recherche du Shoe Perdu (1955) markerede hans “overgang fra kommerciel kunstner til gallerikunstner”. (Titlen er et ordspil fra Warhols side på titlen på den franske forfatter Marcel Prousts À la recherche du temps perdu).

Efter at være blevet berømt “skrev” Warhol flere bøger, som blev udgivet kommercielt:

Warhol skabte modemagasinet Interview, som stadig udkommer den dag i dag. Den løssede titelskrift på omslaget menes at være enten hans egen håndskrift eller hans mor, Julia Warhola, som ofte lavede tekst til hans tidlige reklamefilm.

Læs også, biografier-da – Vlad Dracula

Andre medier

Selv om Andy Warhol er mest kendt for sine malerier og film, har han skabt værker i mange forskellige medier.

Læs også, biografier-da – Francis Drake

Seksualitet

Warhol var homoseksuel. I 1980 fortalte han en interviewer, at han stadig var jomfru. Biografen Bob Colacello, som var til stede under interviewet, mente, at det sandsynligvis var sandt, og at den smule sex, han havde, sandsynligvis var “en blanding af voyeurisme og onani – for at bruge Warhols påstand om jomfruelighed synes at blive modsagt af hans hospitalsbehandling i 1960 for kondylomer, en seksuelt overført sygdom. Det er også blevet modsagt af hans elskere, herunder Warhols muse BillyBoy, som har sagt, at de havde sex til orgasme: “Når han ikke var Andy Warhol, og når man bare var alene med ham, var han en utrolig generøs og meget venlig person. Det, der forførte mig, var den Andy Warhol, som jeg så alene. Når jeg var sammen med ham i offentligheden, gik han mig faktisk på nerverne….jeg sagde: ”Du er bare modbydelig, jeg kan ikke holde dig ud”.” Billy Name benægtede også, at Warhol kun var en voyeur, idet han sagde: “Han var essensen af seksualitet. Den gennemsyrede alt. Andy udstrålede det sammen med sin store kunstneriske kreativitet….det bragte glæde til hele kunstverdenen i New York.” “Men hans personlighed var så sårbar, at det blev et forsvar at sætte den blanke facade op.” Warhols elskere var blandt andet John Giorno, Charles Lisanby og Jon Gould. Hans kæreste gennem 12 år var Jed Johnson, som han mødte i 1968, og som senere blev berømt som indretningsarkitekt.

Det faktum, at Warhols homoseksualitet påvirkede hans arbejde og formede hans forhold til kunstverdenen, er et vigtigt emne i forskningen om kunstneren og er et spørgsmål, som Warhol selv har taget op i interviews, i samtaler med sine samtidige og i sine publikationer (f.eks. Popism: The Warhol 1960s). Gennem hele sin karriere fremstillede Warhol erotiske fotografier og tegninger af mandlige nøgenbilleder. Mange af hans mest berømte værker (portrætter af Liza Minnelli, Judy Garland og Elizabeth Taylor og film som Blow Job, My Hustler og Lonesome Cowboys) trækker på homoseksuel undergrundskultur eller udforsker åbent kompleksiteten af seksualitet og begær. Som det er blevet behandlet af en række forskere, havde mange af hans film premiere på bøssepornoteatre, herunder New Andy Warhol Garrick Theatre og 55th Street Playhouse, i slutningen af 1960”erne.

De første værker, Warhol sendte til et kunstgalleri, homoerotiske tegninger af mandlige nøgenbilleder, blev afvist, fordi de var for åbenlyst homoseksuelle. I Popism mindes kunstneren desuden en samtale med filmskaberen Emile de Antonio om de problemer, Warhol havde med at blive socialt accepteret af de dengang mere berømte (men lukkede) homoseksuelle kunstnere Jasper Johns og Robert Rauschenberg. De Antonio forklarede, at Warhol var “for smart, og det gør dem oprevet”. Som svar på dette skriver Warhol: “Der var intet, jeg kunne sige til det. Det var alt for sandt. Så jeg besluttede mig for at være ligeglad, for det var alle de ting, som jeg alligevel ikke ønskede at ændre, som jeg ikke mente, at jeg ”burde” ønske at ændre … Andre mennesker kunne ændre deres holdninger, men ikke mig”. Når man udforsker Warhols biografi, er der mange, der vender sig mod denne periode – slutningen af 1950”erne og begyndelsen af 1960”erne – som et nøgleøjeblik i udviklingen af hans persona. Nogle har antydet, at hans hyppige afvisning af at kommentere sit arbejde, at tale om sig selv (han begrænsede sig i interviews til svar som “Øh, nej” og “Øh, ja” og lod ofte andre tale for ham) – og selv udviklingen af hans popstil – kan spores tilbage til de år, hvor Warhol først blev afvist af de inderste cirkler i New Yorks kunstverden.

Læs også, biografier-da – Samuel Johnson

Religiøse overbevisninger

Warhol var en praktiserende ruthensk katolik. Han arbejdede regelmæssigt som frivillig på hjemløsecentre i New York City, især i de travleste perioder af året, og han beskrev sig selv som et religiøst menneske. Mange af Warhols senere værker viste religiøse emner, herunder to serier, Details of Renaissance Paintings (1984) og The Last Supper (1986). Desuden blev der posthumt fundet en samling værker med religiøse temaer i hans bo.

I løbet af sit liv deltog Warhol regelmæssigt i liturgien, og præsten i Warhols kirke, Saint Vincent Ferrer, sagde, at kunstneren gik der næsten dagligt, selv om han ikke blev observeret i forbindelse med nadver eller skriftemål, men sad eller knælede på bænkene bagved. Præsten troede, at han var bange for at blive genkendt; Warhol sagde, at han var selvbevidst om at blive set i en kirke med romersk ritual, hvor han krydsede sig selv “på den ortodokse måde” (fra højre til venstre i stedet for omvendt).

Hans kunst er tydeligt påvirket af den østlige kristne tradition, som var så tydelig på hans steder at tilbede.

Warhols bror har beskrevet kunstneren som “virkelig religiøs, men han ønskede ikke, at folk skulle vide det, fordi det var privat”. Trods den private karakter af hans tro beskrev John Richardson i Warhols gravtale den som from: “Så vidt jeg ved, var han ansvarlig for mindst én omvendelse. Han var meget stolt af at finansiere sin nevøs studier til præstegerningen”.

Læs også, historie – Nantes-ediktet

Indsamlinger

Warhol var en ivrig samler. Hans venner kaldte hans mange samlinger, som ikke kun fyldte hans fireetagers byhus, men også et nærliggende lagerrum, for “Andy”s Stuff” (Andys ting). Det virkelige omfang af hans samlinger blev først opdaget efter hans død, da Andy Warhol Museum i Pittsburgh modtog 641 kasser med hans “Stuff”.

Warhols samlinger omfattede bl.a. et Coca-Cola-memorabilia-skilt og malerier fra det 19. århundrede samt flymenuer, ubetalte fakturaer, pizzadej, pornografiske pulpromaner, aviser, frimærker, supermarkedsflyers og kagedåser og andre excentriciteter. Den omfattede også betydningsfulde kunstværker, såsom George Bellows” Miss Bentham. En af hans vigtigste samlinger var hans parykker. Warhol ejede mere end 40 og følte sig meget beskyttende over for sine hårstykker, som blev syet af en parykmager i New York af hår importeret fra Italien. I 1985 snuppede en pige Warhols paryk af hans hoved. Det blev senere opdaget i Warhols dagbogsnotat for den dag, at han skrev: “Jeg ved ikke, hvad der holdt mig tilbage fra at skubbe hende ud over balkonen”.

I 1960 havde han købt en tegning af en glødepære af Jasper Johns.

En anden genstand, der blev fundet i Warhols kasser på museet i Pittsburgh, var en mumificeret menneskefod fra det gamle Egypten. Kuratoren for antropologi på Carnegie Museum of Natural History mente, at Warhol højst sandsynligt havde fundet den på et loppemarked.

Andy Warhol samlede også på mange bøger, med mere end 1200 titler i sin personlige samling. Af disse er 139 titler blevet offentligt identificeret i et katalog fra 1988 fra Sotheby”s Auction, The Andy Warhol Collection, og de kan ses online. Hans bogsamling afspejler hans eklektiske smag og interesser og omfatter også bøger skrevet af og om nogle af hans bekendte og venner. Nogle af titlerne i hans samling omfatter The Two Mrs. Grenvilles: A Novel af Dominick Dunne, Artists in Uniform af Max Eastman, Andrews” Diseases of the Skin: Clinical Dermatology by George Clinton Andrews, D.V. by Diana Vreeland, Blood of a Poet by Jean Cocteau, Watercolours by Francesco Clemente, Little World, Hello! by Jimmy Savo, Hidden Faces by Salvador Dalí og The Dinah Shore Cookbook by Dinah Shore.

I 2002 udstedte det amerikanske postvæsen et frimærke til 18 cent til minde om Warhol. Frimærket, der er designet af Richard Sheaff fra Scottsdale, Arizona, blev afsløret ved en ceremoni på Andy Warhol Museum og viser Warhols maleri “Self-Portrait, 1964”. I marts 2011 blev en forkromet statue af Andy Warhol og hans Polaroid-kamera afsløret på Union Square i New York City.

Et krater på Merkur blev opkaldt efter Warhol i 2012.

Læs også, biografier-da – Heinrich Rudolf Hertz

Warhol Foundation

Warhols testamente foreskrev, at hele hans formue – bortset fra nogle få beskedne legater til familiemedlemmer – skulle gå til at oprette en fond dedikeret til “fremme af den visuelle kunst”. Warhol havde så mange ejendele, at det tog Sotheby”s ni dage at auktionere hans bo efter hans død; auktionen indbragte mere end 20 millioner dollars.

I 1987 blev Andy Warhol Foundation for the Visual Arts oprettet i overensstemmelse med Warhols testamente. Fonden fungerer som Andy Warhols bo, men har også til opgave “at fremme innovative kunstneriske udtryk og den kreative proces” og er “primært fokuseret på at støtte værker af udfordrende og ofte eksperimenterende karakter”.

Artists Rights Society er USA”s repræsentant for Andy Warhol Foundation for the Visual Arts for alle Warhol-værker med undtagelse af Warhols filmstillstillinger. Den amerikanske repræsentant for ophavsretten til Warhols filmstills er Warhol Museum i Pittsburgh. Desuden har Andy Warhol Foundation for the Visual Arts indgået aftaler for sit billedarkiv. Alle digitale billeder af Warhol forvaltes udelukkende af Corbis, mens alle gennemsigtige billeder af Warhol forvaltes af Art Resource.

Andy Warhol Foundation udgav sin årsberetning til 20-års jubilæet som et trebindsværk i 2007: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Grants & Exhibitions; og Vol. III, Legacy Program.

Fonden er i færd med at udarbejde sit katalog over malerier og skulpturer i bind, der dækker flere år af kunstnerens karriere. Bind IV og V blev udgivet i 2019. De efterfølgende bind er stadig ved at blive udarbejdet.

Foundation er fortsat en af de største tilskudsgivende organisationer for billedkunst i USA.

Mange af Warhols værker og ejendele er udstillet på Andy Warhol Museum i Pittsburgh. Fonden har doneret mere end 3.000 kunstværker til museet.

Læs også, kampe – 2. slag ved St Albans

Åbenbaring i Brooklyn

Fra den 19. november 2021 til den 19. juni 2022 vil Brooklyn Museum vise Andy Warhols udstilling: Revelation udstilling. Revelation undersøger temaer som liv og død, magt og begær, kvinders rolle og repræsentation, renæssancens billedsprog, familie- og indvandrertraditioner og -ritualer, afbildninger og kopieringer af Kristus samt den katolske krop og queerbegær. Blandt de mere end hundrede udstillede genstande er sjældne kildematerialer og nyopdagede genstande, der giver et nyt og intimt indblik i Warhols kreative proces, samt store malerier fra hans episke Last Supper-serie (1986), eksperimentalfilmen The Chelsea Girls (1966), en ufærdig film, der forestiller den nedgående sol, bestilt af familien de Menil og finansieret af den romersk-katolske kirke, og tegninger, som Warhols mor, Julia Warhola, lavede, da hun boede sammen med sin søn i New York City.

Warhol grundlagde magasinet Interview, en scene for berømtheder, som han “støttede”, og en virksomhed, der var bemandet af hans venner. Han samarbejdede med andre om alle sine bøger (hvoraf nogle blev skrevet sammen med Pat Hackett). Man kan endda sige, at han producerede mennesker (som i Warhols “Superstar” og Warhols portræt). Warhol anbefalede produkter, optrådte i reklamer og havde hyppige gæsteoptrædener som berømthed i tv-shows og film (han optrådte i alt fra Love Boat og Richard Pryor-filmen Dynamite Chicken).

I denne henseende var Warhol en fan af “Art Business” og “Business Art” – han skrev faktisk om sin interesse for at tænke på kunst som forretning i The Philosophy of Andy Warhol from A to B and Back Again (Andy Warhols filosofi fra A til B og tilbage igen).

Læs også, mytologi-da – Isis

Film

Warhol optrådte som sig selv i filmen Cocaine Cowboys (1979) og i filmen Tootsie (1982).

Efter hans død blev Warhol portrætteret af Crispin Glover i Oliver Stones film The Doors (1991), af Jared Harris i Mary Harrons film I Shot Andy Warhol (1996) og af David Bowie i Julian Schnabels film Basquiat (1996). Bowie mindede om, hvordan mødet med Warhol i virkeligheden hjalp ham i rollen, og fortalte om sine tidlige møder med ham:

Jeg mødte ham et par gange, men vi delte sjældent andet end floskler. Første gang vi så hinanden faldt der en akavet stilhed, indtil han bemærkede mine lysegule sko og begyndte at tale begejstret. Han ville være meget overfladisk. Og tilsyneladende følelsesløs, ligegyldig, ligesom en død fisk. Lou Reed beskrev ham mest dybtgående, da han engang sagde til mig, at de burde bringe en dukke af Andy på markedet: en dukke, som man trækker op, og som ikke gør noget. Men det lykkedes mig at observere ham godt, og det var en hjælpende hånd til filmen Vi lånte hans tøj fra museet i Pittsburgh, og det var intakt, uvasket. Selv lommerne var ikke tømt: de indeholdt pandekage, hvid, dødbleg fond de teint, som Andy altid smurte i ansigtet, en check revet i stykker, en eller andens adresse, masser af homøopatiske piller og en paryk. Andy gik altid med de der sølvparykker, men han indrømmede aldrig, at det var parykker. En af hans frisører har for nylig fortalt mig, at han regelmæssigt fik klippet sine parykker, som om det var ægte hår. Når parykken blev klippet, tog han en ny paryk på i næste måned, som om hans hår var vokset.

Warhol optræder som en figur i Michael Daughertys opera Jackie O (1997). Skuespilleren Mark Bringleson har en kort optræden som Warhol i Austin Powers: International Man of Mystery (1997). Mange film af avantgarde-cineasten Jonas Mekas har fanget øjeblikke af Warhols liv. Sean Gregory Sullivan har skildret Warhol i filmen 54 (1998). Guy Pearce portrætterede Warhol i filmen Factory Girl (2007) om Edie Sedgwick”s liv. Skuespilleren Greg Travis portrætterer Warhol i en kort scene fra filmen Watchmen (2009).

I filmen Highway to Hell er en gruppe Andy Warhols en del af Good Intentions Paving Company, hvor velmenende sjæle bliver formalet til brosten. I filmen Men in Black 3 (2012) viser Andy Warhol sig i virkeligheden at være undercover MIB-agent W (spillet af Bill Hader). Warhol holder en fest på The Factory i 1969, hvor han bliver opsøgt af MIB-agenterne K og J (J fra fremtiden). Agent W er desperat efter at afslutte sit undercoverjob (“Jeg er så løbet tør for idéer, at jeg maler suppedåser og bananer, for pokker!”, “Du skal fake min død, okay? Jeg kan ikke høre sitar-musik mere.” og “Jeg kan ikke skelne kvinderne fra mændene.”).

Andy Warhol (portrætteret af Tom Meeten) er en af hovedpersonerne i det britiske tv-show Noel Fielding”s Luxury Comedy fra 2012. Karakteren er portrætteret som havende robotlignende manerer. I spillefilmen The Billionaire Boys Club fra 2017 portrætterer Cary Elwes Warhol i en film baseret på den sande historie om Ron Levin (portrætteret af Kevin Spacey), en af Warhols venner, der blev myrdet i 1986. I september 2016 blev det annonceret, at Jared Leto skulle portrættere titelpersonen i Warhol, en kommende amerikansk biografisk dramafilm produceret af Michael De Luca og skrevet af Terence Winter, baseret på bogen Warhol: The Biography af Victor Bockris.

Læs også, civilisationer-da – Wessex

Fjernsyn

Warhol optrådte som en tilbagevendende karakter i tv-serien Vinyl, spillet af John Cameron Mitchell. Warhol blev portrætteret af Evan Peters i American Horror Story: Cult-afsnittet “Valerie Solanas Died for Your Sins”: Scumbag”. Episoden skildrer Valerie Solanas (Lena Dunham) mordforsøg på Warhol.

I begyndelsen af 1969 fik Andy Warhol til opgave af Braniff International at medvirke i to tv-reklamer for at promovere luksusflyselskabets “When You Got It – Flaunt It”-kampagne. Kampagnen blev skabt af reklamebureauet Lois Holland Calloway, der blev ledet af George Lois, som var skaberen af en berømt serie af forsider til Esquire Magazine. Den første reklameserie involverede parvis af usandsynlige personer, der havde det fælles faktum, at de begge fløj med Braniff Airways. Warhol blev sat sammen med bokselegenden Sonny Liston. Den mærkelige reklame fungerede, og det samme gjorde de andre reklamer med usandsynlige medrejsende som maleren Salvador Dalí og baseballlegenden Whitey Ford.

Der blev lavet yderligere to reklamefilm for Braniff, hvor berømte personer steg ind i et Braniff-jetfly og blev mødt af en Braniff-værtinde, mens de fortalte, at de gerne ville flyve med Braniff. Warhol var også med i den første af disse reklamer, som også blev produceret af Lois og blev udsendt i sommeren 1969. Lois har fejlagtigt oplyst, at han blev bestilt af Braniff i 1967 til repræsentation i det pågældende år, men på det tidspunkt repræsenterede Madison Avenue-reklame-doyenne Mary Wells Lawrence, der var gift med Braniffs bestyrelsesformand og præsident Harding Lawrence, det Dallas-baserede luftfartsselskab på det pågældende tidspunkt. Lois overtog Wells Rich Greene Agency den 1. december 1968. Rettighederne til Warhols film for Braniff og hans underskrevne kontrakter ejes af en privat fond og administreres af Braniff Airways Foundation i Dallas, Texas.

Læs også, biografier-da – Édouard-Henri Avril

Musik

Warhol havde stor indflydelse på den nye bølge

Læs også, historie – Anden koalitionskrig

Bøger

En biografi om Andy Warhol skrevet af kunstkritiker Blake Gopnik blev udgivet i 2020 under titlen Warhol.

Kilder

Andy Warhol

Resumé

Tidligt liv og begyndelse (1928-1949)

1950s

1960s

1970s

1980s

Død

Malerier

Kunstmarkedet

Samlere

Filmografi

Musik

Bøger og tryksager

Andre medier

Seksualitet

Religiøse overbevisninger

Indsamlinger

Warhol Foundation

Åbenbaring i Brooklyn

Film

Fjernsyn

Musik

Bøger

Related

Ads Blocker Detected!!!