Edvard Munch
gigatos | januar 21, 2022
Resumé
Edvard Munch (12. december 1863 – 23. januar 1944) var en norsk maler. Hans mest kendte værk, Skriget, er blevet et af de ikoniske billeder i verdenskunsten.
Hans barndom var overskygget af sygdom, sorg og frygten for at arve en psykisk lidelse, som var familiær. Munch studerede på den kongelige kunstskole i Kristiania (det nuværende Oslo) og begyndte at leve et bohemeagtigt liv under indflydelse af nihilisten Hans Jæger, som opfordrede ham til at male sin egen følelsesmæssige og psykologiske tilstand (“sjælsmaleri”). Heraf udsprang hans karakteristiske stil.
Rejser gav nye påvirkninger og nye muligheder. I Paris lærte han meget af Paul Gauguin, Vincent van Gogh og Henri de Toulouse-Lautrec, især hvad angår deres brug af farver. I Berlin mødte han den svenske dramatiker August Strindberg, som han malede, da han gik i gang med sin store kanon Livets frise, der skildrer en række dybtfølte temaer som kærlighed, angst, jalousi og forræderi, gennemsyret af atmosfære.
Scream blev opfundet i Kristiania. Ifølge Munch var han ude at gå en tur ved solnedgang, da han “hørte naturens enorme, uendelige skrig”. Maleriets forpinte ansigt er i vid udstrækning identificeret med det moderne menneskes angst. Mellem 1893 og 1910 lavede han to malede udgaver og to pasteludgaver samt en række tryk. En af pastellerne blev i sidste ende den fjerde højeste nominelle pris, der blev betalt for et maleri på auktion.
Mens hans berømmelse og rigdom voksede, forblev hans følelsesmæssige tilstand usikker. Han overvejede kortvarigt at gifte sig, men kunne ikke binde sig. Et sammenbrud i 1908 tvang ham til at holde op med at drikke meget, og han blev opmuntret af sin stigende accept af befolkningen i Kristiania og eksponering på byens museer. Hans sidste år tilbragte han med at arbejde i fred og privatliv. Selv om hans værker blev forbudt i Nazi-Tyskland, overlevede de fleste af dem Anden Verdenskrig, hvilket sikrede ham en arv.
Læs også, biografier-da – Geoffrey Chaucer
Barndom
Edvard Munch blev født i en gård i landsbyen Ådalsbruk i Løten i Norge af Laura Catherine Bjølstad og Christian Munch, søn af en præst. Christian var læge og embedslæge og giftede sig i 1861 med Laura, en halvt så gammel kvinde som ham selv. Edvard havde en ældre søster, Johanne Sophie, og tre yngre søskende: Peter Andreas, Laura Catherine og Inger Marie. Laura var kunstnerisk begavet og kan have opmuntret Edvard og Sophie. Edvard var i familie med maleren Jacob Munch og historikeren Peter Andreas Munch.
Familien flyttede til Christiania (omdøbt til Kristiania i 1877 og nu Oslo) i 1864, da Christian Munch blev udnævnt til læge på Akershusfæstningen. Edvards mor døde af tuberkulose i 1868, ligesom Munchs yndlingssøster Johanne Sophie døde i 1877. Efter moderens død blev søskendeparret Munch opdraget af deres far og deres tante Karen. Edvard var ofte syg en stor del af vinteren og blev holdt ude af skolen, og han tegnede for at holde sig selv beskæftiget. Han blev undervist af sine skolekammerater og sin tante. Christian Munch underviste også sin søn i historie og litteratur og underholdt børnene med levende spøgelseshistorier og fortællinger af den amerikanske forfatter Edgar Allan Poe.
Som Edvard huskede det, blev Christians positive adfærd over for sine børn overskygget af hans morbide pietisme. Munch skrev: “Min far var temperamentsmæssigt nervøs og tvangsmæssigt religiøs – til det punkt, hvor han fik psykoneurose. Fra ham arvede jeg frøene til galskab. Frygtens, sorgens og dødens engle stod ved min side siden den dag, jeg blev født.” Christian irettesatte sine børn ved at fortælle dem, at deres mor så ned fra himlen og sørgede over deres dårlige opførsel. Det undertrykkende religiøse miljø, Edvards dårlige helbred og de levende spøgelseshistorier var med til at inspirere hans makabre visioner og mareridt; drengen følte, at døden hele tiden nærmede sig ham. En af Munchs yngre søstre, Laura, blev tidligt diagnosticeret med psykisk sygdom. Af de fem søskende var det kun Andreas, der blev gift, men han døde få måneder efter brylluppet. Munch ville senere skrive: “Jeg arvede to af menneskehedens mest frygtelige fjender – arven fra konsumption og sindssyge.”
Christian Munchs militærløn var meget lav, og hans forsøg på at udvikle en privat praksis mislykkedes, hvilket holdt hans familie i en fornem, men evig fattigdom. De flyttede ofte fra den ene billige lejlighed til den anden. Munchs tidlige tegninger og akvareller afbildede disse interiører og de enkelte genstande, såsom medicinflasker og tegneredskaber, samt nogle landskaber. I teenageårene dominerede kunsten Munchs interesser. Som trettenårig fik Munch sin første kontakt med andre kunstnere i den nyoprettede kunstforening, hvor han beundrede den norske landskabsskoles værker. Han vendte tilbage for at kopiere malerierne, og snart begyndte han at male i oliefarver.
Læs også, biografier-da – Xenofon
Undersøgelser og påvirkninger
I 1879 blev Munch indskrevet på et teknisk college for at studere ingeniørvidenskab, hvor han udmærkede sig i fysik, kemi og matematik. Han lærte målestoks- og perspektivtegning, men hyppige sygdomme afbrød hans studier. Året efter forlod Munch til sin fars store skuffelse universitetet, fast besluttet på at blive maler. Hans far betragtede kunst som et “uhelligt erhverv”, og hans naboer reagerede bittert og sendte ham anonyme breve. I modsætning til sin fars rabiate pietisme indtog Munch en udogmatisk holdning til kunsten. Han skrev sit mål i sin dagbog: “I min kunst forsøger jeg at forklare livet og dets mening for mig selv.”
I 1881 blev Munch indskrevet på Den Kongelige Kunst- og Designskole i Kristiania, hvis grundlægger var hans fjerne slægtning Jacob Munch. Hans lærere var billedhuggeren Julius Middelthun og den naturalistiske maler Christian Krohg. Samme år demonstrerede Munch sin hurtige tilegnelse af sin figuruddannelse på akademiet i sine første portrætter, herunder et af sin far og sit første selvportræt. I 1883 deltog Munch i sin første offentlige udstilling og delte atelier med andre studerende. Hans helfigursportræt af Karl Jensen-Hjell, en berygtet boheme, fik en kritiker til at reagere afvisende: “Det er impressionisme ført til det yderste. Det er en parodi på kunsten.” Munchs nøgenmalerier fra denne periode er kun bevaret i skitser, bortset fra Stående nøgen (1887). De kan være blevet konfiskeret af hans far.
Fra en ung alder blev Munch påvirket af impressionister som Édouard Manet og senere af post-impressionistiske kunstnere som Vincent van Gogh og Paul Gauguin. I løbet af disse tidlige år eksperimenterede han med mange stilarter, herunder naturalisme og impressionisme. Nogle af hans tidlige værker minder om Manet. Mange af disse forsøg gav ham ugunstig kritik fra pressen og medførte konstante irettesættelser fra hans far, som dog alligevel gav ham små beløb til at leve af. På et tidspunkt ødelagde Munchs far imidlertid mindst ét maleri (sandsynligvis en nøgen) og nægtede at give ham flere penge til kunstneriske artikler, måske påvirket af den negative mening fra Munchs fætter Edvard Diriks (en etableret, traditionel maler).
Munch fik også sin fars vrede for sit forhold til Hans Jæger, den lokale nihilist, der levede efter devisen “en lidenskab for at ødelægge er også en kreativ lidenskab”, og som anbefalede selvmord som den ultimative vej til frihed. Munch kom under hans ondsindede, antiestablishment-agtige fortryllelse. “Mine ideer udviklede sig under indflydelse af bohemerne eller rettere sagt under Hans Jæger. Mange har fejlagtigt påstået, at mine ideer blev dannet under indflydelse af Strindberg og tyskerne … men det er forkert. De var allerede blevet dannet på det tidspunkt.” På det tidspunkt var Munch i modsætning til mange af de andre bohemer stadig respektfuld over for kvinder, samt reserveret og velopdragen, men han begyndte at give efter for de drukture og slagsmål, der foregik i hans omgangskreds. Han blev forstyrret af den seksuelle revolution, der var i gang på den tid, og af de uafhængige kvinder omkring ham. Senere blev han kynisk i seksuelle spørgsmål, hvilket ikke kun kom til udtryk i hans adfærd og kunst, men også i hans skrifter, som f.eks. i et langt digt med titlen The City of Free Love. Munch var stadig afhængig af sin familie for mange af sine måltider, og hans forhold til sin far var fortsat anspændt på grund af bekymringer over hans bohemetilværelse.
Efter adskillige eksperimenter konkluderede Munch, at det impressionistiske idiom ikke tillod tilstrækkeligt udtryk. Han fandt det overfladisk og alt for lig videnskabelig eksperimentering. Han følte et behov for at gå dybere og udforske situationer, der var fyldt med følelsesmæssigt indhold og udtryksmæssig energi. Med Jægers bud om, at Munch skulle “skrive sit liv”, dvs. at Munch skulle udforske sin egen følelsesmæssige og psykologiske tilstand, indledte den unge kunstner en periode med refleksion og selvransagelse, hvor han nedskrev sine tanker i sin “sjælsdagbog”. Dette dybere perspektiv var med til at flytte ham til et nyt syn på sin kunst. Han skrev, at hans maleri Det syge barn (1886), der var baseret på hans søsters død, var hans første “sjælsmaleri”, hans første brud med impressionismen. Maleriet fik en negativ reaktion fra kritikere og fra hans familie og forårsagede endnu et “voldsomt udbrud af moralsk indignation” fra samfundet.
Kun hans ven Christian Krohg forsvarede ham:
Han maler, eller rettere betragter tingene på en måde, der er anderledes end andre kunstneres. Han ser kun det væsentlige, og det er naturligvis det eneste, han maler. Derfor er Munchs billeder som regel “ufuldstændige”, hvilket folk er så glade for at opdage ved selvsyn. Jo, de er komplette. Hans komplette håndværk. Kunsten er komplet, når kunstneren virkelig har sagt alt det, han har haft på hjerte, og det er netop den fordel, som Munch har i forhold til malere af den anden generation, at han virkelig forstår at vise os, hvad han har følt, hvad der har grebet ham, og at han underordner alt andet under dette.
Munch fortsatte med at bruge en række forskellige penselstrøgsteknikker og farvepaletter i løbet af 1880”erne og begyndelsen af 1890”erne, mens han kæmpede for at definere sin stil. Hans udtryk svingede fortsat mellem naturalistisk, som det ses i Portræt af Hans Jæger, og impressionistisk, som det ses i Rue Lafayette. Hans Inger On the Beach (1889), som forårsagede endnu en storm af forvirring og kontroverser, antyder de forenklede former, de tunge konturer, de skarpe kontraster og det følelsesmæssige indhold af hans modne stil, som han ville få. Han begyndte at beregne sine kompositioner omhyggeligt for at skabe spænding og følelser. Selv om han stilistisk var påvirket af post-impressionisterne, udviklede han et motiv med et symbolistisk indhold, der snarere skildrer en sindstilstand end en ydre virkelighed. I 1889 præsenterede Munch sin første enkeltmandsudstilling med næsten alle sine værker til dato. Den anerkendelse, den fik, førte til et toårigt statsstipendium for at studere i Paris under den franske maler Léon Bonnat.
Munch synes at have været en tidlig kritiker af fotografiet som kunstform og bemærkede, at det “aldrig vil kunne konkurrere med pensel og palet, indtil der kan tages fotografier i himlen eller helvede!”
Munchs lillesøster Laura var emnet for hans indre Melankoli fra 1899: Laura. Amanda O”Neill siger om værket: “I denne opvarmede klaustrofobiske scene skildrer Munch ikke kun Lauras tragedie, men også sin egen frygt for den galskab, han måske selv havde arvet.”
Læs også, biografier-da – Henrik 8. af England
Paris
Munch ankom til Paris under festlighederne i forbindelse med Exposition Universelle (1889) og boede sammen med to norske kunstnerkolleger. Hans billede Morning (1884) blev udstillet i den norske pavillon. Han tilbragte sine formiddage i Bonnats travle atelier (hvor der var kvindelige modeller) og eftermiddage på udstillingen, gallerier og museer (hvor eleverne skulle lave kopier som en måde at lære teknik og observation på). Munch registrerede ikke megen begejstring for Bonnats tegneundervisning – “Det trætter og keder mig – det er bedøvende” – men nød mesterens kommentarer under museumsbesøgene.
Munch blev betaget af den store udstilling af moderne europæisk kunst, herunder værker af tre kunstnere, som skulle vise sig at få stor indflydelse: Paul Gauguin, Vincent van Gogh og Henri de Toulouse-Lautrec – alle bemærkelsesværdige for deres måde at bruge farver til at formidle følelser på. Munch blev især inspireret af Gauguins “reaktion mod realismen” og hans tro på, at “kunst var menneskeligt arbejde og ikke en efterligning af naturen”, en tro, som Whistler tidligere havde givet udtryk for. Som en af hans venner i Berlin senere sagde om Munch: “Han behøver ikke at tage til Tahiti for at se og opleve det primitive i den menneskelige natur. Han bærer sit eget Tahiti i sig.” Under indflydelse af Gauguin og den tyske kunstner Max Klingers ætsninger eksperimenterede Munch med tryk som et medie til at skabe grafiske versioner af sine værker. I 1896 skabte han sine første træsnit – et medie, der viste sig at være ideelt til Munchs symbolske billedsprog. Sammen med sin samtidige Nikolai Astrup anses Munch for at være en af innovatorerne af træsnitmediet i Norge.
I december 1889 døde hans far og efterlod Munchs familie uden midler. Han vendte hjem og fik et stort lån fra en velhavende norsk samler, da rige slægtninge ikke kunne hjælpe ham, og fra da af påtog han sig det økonomiske ansvar for sin familie. Christians død gjorde ham deprimeret, og han blev plaget af selvmordstanker: “Jeg lever med de døde – min mor, min søster, min bedstefar, min far … Dræb dig selv, og så er det slut. Hvorfor leve?” Munchs malerier fra det følgende år omfattede skitserede værtshusscener og en række lyse bybilleder, hvor han eksperimenterede med Georges Seurats pointillistiske stil.
Læs også, civilisationer-da – Belgae
Berlin
I 1892 formulerede Munch sin karakteristiske og originale syntetiske æstetik, som ses i Melankoli (1891), hvor farven er det symbolfyldte element. Melancholi blev af kunstneren og journalisten Christian Krohg betragtet som det første symbolistiske maleri af en norsk kunstner og blev udstillet i 1891 på efterårsudstillingen i Oslo. I 1892 inviterede Adelsteen Normann på vegne af Union of Berlin Artists Munch til at udstille på dennes novemberudstilling, som var selskabets første enkeltmandsudstilling. Hans malerier vakte imidlertid bitter kontrovers (kaldet “Munch-affæren”), og efter en uge blev udstillingen lukket. Munch var tilfreds med den “store opstandelse” og skrev i et brev: “Det er utroligt, at noget så uskyldigt som maleri skulle have skabt så megen postyr.”
I Berlin blev Munch involveret i en international kreds af forfattere, kunstnere og kritikere, herunder den svenske dramatiker og førende intellektuelle August Strindberg, som han malede i 1892. Han mødte også den danske forfatter og maler Holger Drachmann, som han malede i 1898. Drachmann var 17 år ældre end Munch og var en drikkekammerat på Zum schwarzen Ferkel i 1893-94. I 1894 skrev Drachmann om Munch: “Han kæmper hårdt. Held og lykke med dine kampe, ensomme nordmand.”
I løbet af sine fire år i Berlin skitserede Munch de fleste af de idéer, der skulle blive til hans hovedværk, Livets frise, som først blev designet til bogillustrationer, men senere kom til udtryk i malerier. Han solgte kun lidt, men fik en vis indtægt ved at opkræve entrégebyrer for at se sine kontroversielle malerier. Allerede nu viste Munch modvilje mod at skille sig af med sine malerier, som han kaldte sine “børn”.
Hans andre malerier, herunder kasino-scener, viser en forenkling af form og detaljer, som kendetegner hans tidlige modne stil. Munch begyndte også at foretrække et lavt billedrum og en minimal baggrund for sine frontale figurer. Da positurerne blev valgt for at skabe de mest overbevisende billeder af sindstilstande og psykologiske tilstande, som i Aske, giver figurerne et monumentalt, statisk præg. Munchs figurer synes at spille roller på en teaterscene (da hver figur repræsenterer en enkelt psykologisk dimension, som i Skriget, begyndte Munchs mænd og kvinder at fremstå mere symbolske end realistiske). Han skrev: “Der skulle ikke længere males interiører, folk der læser og kvinder der strikker: der skulle være levende mennesker, der ånder og føler, lider og elsker.”
Læs også, biografier-da – Frédéric Passy
Skriget
Skriget findes i fire versioner: to pasteller (1893 og 1895) og to malerier (1893 og 1910). Der findes også flere litografier af Skriget (1895 og senere).
Pastellen fra 1895 blev solgt på auktion den 2. maj 2012 for 119.922.500 USD, inklusive provision. Det er den mest farverige af versionerne og er karakteristisk for den nedadvendte holdning hos en af baggrundsfigurerne. Det er også den eneste version, der ikke er i et norsk museums besiddelse.
1893-versionen blev stjålet fra Nationalgalleriet i Oslo i 1994 og blev fundet igen. Maleriet fra 1910 blev stjålet i 2004 fra Munch-museet i Oslo, men blev fundet tilbage i 2006 med begrænsede skader.
Skriget er Munchs mest berømte værk og et af de mest genkendelige malerier i al kunst. Det er blevet bredt fortolket som et billede af det moderne menneskes universelle angst. Det er malet med brede bånd af skrigende farver og stærkt forenklede former, og med et højt synspunkt reducerer det den forpinte figur til et klædt kranie i en følelsesmæssig krise.
Med dette maleri opfyldte Munch sit erklærede mål om “studiet af sjælen, det vil sige studiet af mit eget jeg”. Munch skrev om, hvordan maleriet blev til: “Jeg gik ned ad vejen med to venner, da solen gik ned; pludselig blev himlen rød som blod. Jeg stoppede op og lænede mig op ad hegnet og følte mig usigeligt træt. Tunger af ild og blod strakte sig over den blåsorte fjord. Mine venner gik videre, mens jeg blev hængende bagud og rystede af frygt. Så hørte jeg naturens enorme, uendelige skrig.” Senere beskrev han den personlige angst bag maleriet: “I flere år var jeg næsten sindssyg … Du kender mit billede, ”Skriget”? Jeg var spændt til det yderste – naturen skreg i mit blod … Derefter opgav jeg håbet om nogensinde at kunne elske igen.”
Forfatteren Martha Tedeschi har opsummeret maleriets virkning ved at sige:
Whistlers Mother, Woods American Gothic, Leonardo da Vincis Mona Lisa og Edvard Munchs The Scream har alle opnået noget, som de fleste malerier – uanset deres kunsthistoriske betydning, skønhed eller pengeværdi – ikke har: de kommunikerer en specifik betydning næsten øjeblikkeligt til næsten alle beskuere. Disse få værker har med succes klaret overgangen fra museumsbesøgerens elitære område til populærkulturens enorme mødested.
Læs også, biografier-da – Edvard Martyren
Livets frise – et digt om liv, kærlighed og død
I december 1893 blev der i Unter den Linden i Berlin afholdt en udstilling af Munchs værker, hvor der blandt andet blev vist seks malerier med titlen Study for a Series: Kærlighed. Dette var starten på en cyklus, som han senere kaldte Livets frise – et digt om liv, kærlighed og død. Motiverne i Livsfrieze, såsom Stormen og Måneskin, er gennemsyret af atmosfære. Andre motiver belyser kærlighedens natlige side, såsom Rose og Amelie og Vampyr. I Death in the Sickroom er motivet hans søster Sophies død, som han bearbejdede i mange fremtidige variationer. Maleriets dramatiske fokus, der portrætterer hele hans familie, er spredt i de separate og løsrevne sorgens figurer. I 1894 udvidede han motivspektret ved at tilføje Angst, Aske, Madonna og Kvinder i tre stadier (fra uskyld til alderdom).
I begyndelsen af det 20. århundrede arbejdede Munch på at færdiggøre “Frieze”. Han malede en række billeder, flere af dem i større format og i et vist omfang med datidens art nouveau-æstetik. Han lavede en træramme med udskårne relieffer til det store maleri Metabolisme (1898), der oprindeligt blev kaldt Adam og Eva. Dette værk afslører Munchs optagethed af “menneskets syndefald” og hans pessimistiske kærlighedsfilosofi. Motiver som Det tomme kors og Golgatha (begge ca. 1900) afspejler en metafysisk orientering og afspejler også Munchs pietistiske opvækst. Hele Frieze blev vist for første gang på den secessionistiske udstilling i Berlin i 1902.
“Livets frise” er et tema, der går igen i hele Munchs værk, men han fokuserede især på dem i midten af 1890”erne. I skitser, malerier, pasteller og grafikker tastede han i sine følelsers dybder for at undersøge sine hovedmotiver: livets stadier, femme fatale, kærlighedens håbløshed, angst, utroskab, jalousi, seksuel ydmygelse og adskillelse i liv og død. Disse temaer kommer til udtryk i malerier som Det syge barn (1893-94), Aske (1894) og Broen. Sidstnævnte viser slappe figurer med uklare eller skjulte ansigter, over hvilke de truende former af tunge træer og dystre huse dukker op. Munch portrætterede kvinder enten som skrøbelige, uskyldige lidende (se Pubertet og Kærlighed og smerte) eller som årsag til stor længsel, jalousi og fortvivlelse (se Adskillelse, Jalousi og Aske).
Munch bruger ofte skygger og farveskygger omkring sine figurer for at fremhæve en aura af frygt, trussel, angst eller seksuel intensitet. Disse malerier er blevet fortolket som udtryk for kunstnerens seksuelle angst, men man kan også hævde, at de repræsenterer hans turbulente forhold til selve kærligheden og hans generelle pessimisme i forhold til den menneskelige eksistens. Mange af disse skitser og malerier blev udført i flere versioner, såsom Madonna, Hands and Puberty, og blev også transskriberet som træbloktryk og litografier. Munch hadede at skille sig af med sine malerier, fordi han betragtede sit værk som et samlet udtryk. Så for at udnytte sin produktion og få en vis indtjening vendte han sig til den grafiske kunst for at reproducere mange af sine malerier, herunder malerierne i denne serie. Munch indrømmede de personlige mål med sit arbejde, men han tilbød også sin kunst til et bredere formål: “Min kunst er i virkeligheden en frivillig bekendelse og et forsøg på at forklare mig selv mit forhold til livet – det er derfor egentlig en slags egoisme, men jeg håber hele tiden, at jeg derigennem kan hjælpe andre til klarhed.”
Selv om Munch tiltrak sig stærkt negative reaktioner, begyndte man i 1890”erne at få forståelse for hans kunstneriske mål, som en kritiker skrev: “Med hensynsløs foragt for form, klarhed, elegance, helhed og realisme maler han med intuitiv styrke og talent de mest subtile visioner af sjælen.” En af hans store støtter i Berlin var Walther Rathenau, den senere tyske udenrigsminister, som i høj grad bidrog til hans succes.
Læs også, kampe – Slaget ved Ramillies
Paris, Berlin og Kristiania
I 1896 flyttede Munch til Paris, hvor han fokuserede på grafiske gengivelser af sine temaer fra Livets Frieze. Han videreudviklede sin træsnit- og litografiteknik. Munchs Selvportræt med skeletarm (1895) er udført med en ætsningsmetode med nål og tusch, som også Paul Klee anvendte. Munch fremstillede også flerfarvede versioner af Det syge barn, der handler om tuberkulose, som solgte godt, samt flere nøgne og flere versioner af Kys (1892). I maj 1896 afholdt Siegfried Bing en udstilling af Munchs værker i Bings Maison de l”Art Nouveau. Udstillingen viste 60 værker, herunder Kysset, Skriget, Madonnaen, Det syge barn, Dødskammeret og Dagen efter. Bings udstilling var med til at præsentere Munch for et fransk publikum. Alligevel anså mange af de parisiske kritikere stadig Munchs værker for at være “voldelige og brutale”, selv om hans udstillinger fik seriøs opmærksomhed og et godt besøgstal. Hans økonomiske situation forbedredes betydeligt, og i 1897 købte Munch sig et sommerhus med udsigt til fjordene i Kristiania, en lille fiskerhytte fra slutningen af det 18. århundrede, i den lille by Åsgårdstrand i Norge. Han kaldte dette hjem for “det lykkelige hus” og vendte tilbage hertil næsten hver sommer i de næste 20 år. Det var dette sted, han savnede, når han var i udlandet, og når han følte sig deprimeret og udmattet. “At gå i Åsgårdstrand er som at gå mellem mine malerier – jeg bliver så inspireret til at male, når jeg er her”.
I 1897 vendte Munch tilbage til Kristiania, hvor han også blev modvilligt accepteret – en anmelder skrev: “Et stort antal af disse billeder er blevet udstillet før. Efter min mening bliver de bedre ved bekendtskab.” I 1899 indledte Munch et intimt forhold med Tulla Larsen, en “frigjort” overklassekvinde. De rejste sammen til Italien, og efter hjemkomsten begyndte Munch en ny frugtbar periode i sin kunst, som omfattede landskaber og hans sidste maleri i serien “Livets frise”, Livets dans (1899). Larsen var ivrig efter at blive gift, og Munch tiggede om at blive gift. Hans drikkeri og dårlige helbred forstærkede hans frygt, som han skrev i tredje person: “Lige siden han var barn havde han hadet ægteskab. Hans syge og nervøse hjem havde givet ham den følelse, at han ikke havde ret til at blive gift.” Munch var tæt på at give efter for Tulla, men flygtede fra hende i 1900, idet han også vendte sig bort fra hendes betydelige formue, og flyttede til Berlin. Hans Piger på molen, der blev skabt i atten forskellige versioner, demonstrerede temaet om den feminine ungdom uden negative konnotationer. I 1902 udstillede han sine værker tematisk i Berlins Secessionssal, hvilket gav “en symfonisk effekt – det vakte stor opsigt – meget modvilje – og meget anerkendelse”. Berlin-kritikerne var begyndt at værdsætte Munchs værker, selv om offentligheden stadig fandt hans værker fremmedartede og mærkelige.
Den gode pressedækning skaffede Munch opmærksomhed hos de indflydelsesrige mæcener Albert Kollman og Max Linde. Han beskrev begivenheden i sin dagbog: “Efter tyve års kamp og elendighed kommer de gode kræfter mig endelig til hjælp i Tyskland – og en lysende dør åbner sig for mig.” Men på trods af denne positive forandring involverede Munchs selvdestruktiv og utilregnelige adfærd ham først i et voldsomt skænderi med en anden kunstner og derefter i et uheld med et skud i overværelse af Tulla Larsen, der var kommet tilbage for en kort forsoning, hvorved han blev såret i to fingre. Munch savede senere et selvportræt, der forestiller ham og Larsen, over på midten som følge af skuddet og de efterfølgende begivenheder. Hun forlod ham til sidst og giftede sig med en yngre kollega til Munch. Munch opfattede dette som et forræderi, og han dvælede ved ydmygelsen i nogen tid fremover og kanaliserede noget af bitterheden i nye malerier. Hans malerier Stilleben (Mordkvinden) og Marat I”s død, der blev udført i 1906-07, refererer tydeligt til skudepisoden og de følelsesmæssige eftervirkninger heraf.
I 1903-04 udstillede Munch i Paris, hvor de kommende fauvister, der var berømte for deres dristige falske farver, sandsynligvis så hans værker og måske fandt inspiration i dem. Da fauverne holdt deres egen udstilling i 1906, blev Munch inviteret og udstillede sine værker sammen med deres værker. Efter at have studeret Rodins skulpturer kan Munch have eksperimenteret med plasticine som hjælpemiddel til design, men han lavede kun få skulpturer. I denne periode modtog Munch mange bestillinger på portrætter og tryk, hvilket forbedrede hans normalt usikre økonomiske situation. I 1906 malede han lærredet til et Ibsen-stykke i det lille Kammerspiele-teater i Berlins Deutsches Theater, hvor Livets Frise blev hængt op. Teatrets direktør Max Reinhardt solgte det senere; det befinder sig nu i Berlins Nationalgalerie. Efter en tidligere periode med landskaber vendte han i 1907 igen sin opmærksomhed mod menneskelige figurer og situationer.
Læs også, biografier-da – Abbas 1. af Persien
Nedbrud og genopretning
I efteråret 1908 var Munchs angst, som var blevet forstærket af overdreven druk og slagsmål, blevet akut. Som han senere skrev: “Min tilstand var på grænsen til galskab – det var lige ved og næsten lige ved at gå.” Han blev udsat for hallucinationer og følelser af forfølgelse og kom ind på Daniel Jacobsons klinik. Den terapi, som Munch modtog i de næste otte måneder, omfattede diæt og “elektrificering” (en behandling, der dengang var på mode for nervøse tilstande, og som ikke må forveksles med elektrokonvulsiv terapi). Munchs ophold på hospitalet stabiliserede hans personlighed, og efter at han vendte tilbage til Norge i 1909, blev hans værker mere farverige og mindre pessimistiske. Da hans humør blev endnu mere opløftet, fik den brede offentlighed i Kristiania endelig øjnene op for hans værker, og museerne begyndte at købe hans malerier. Han blev udnævnt til ridder af den kongelige Sankt Olavsorden “for tjenester i kunsten”. Hans første amerikanske udstilling fandt sted i 1912 i New York.
Som en del af hans helbredelse rådede Dr. Jacobson Munch til kun at omgås gode venner og undgå at drikke i offentligheden. Munch fulgte dette råd og fremstillede i den forbindelse flere portrætter af høj kvalitet af venner og mæcener i fuld længde – ærlige portrætter uden smiger. Han skabte også landskaber og scener af mennesker på arbejde og i leg, idet han brugte en ny optimistisk stil – brede, løse penselstrøg i levende farver med hyppig brug af hvidt rum og sjældent brug af sort – og kun lejlighedsvis henvisninger til sine morbide temaer. Med en større indtægt kunne Munch købe flere ejendomme, der gav ham nye muligheder for at bruge sin kunst, og han var endelig i stand til at forsørge sin familie.
Da Første Verdenskrig brød ud, var Munch splittet i sin loyalitet, og han udtalte: “Alle mine venner er tyskere, men det er Frankrig, jeg elsker.” I 1930”erne mistede hans tyske mæcener, hvoraf mange var jøder, deres formuer og nogle af dem deres liv under nazisternes fremmarch. Munch fandt norske trykkere til at erstatte de tyskere, der havde trykt hans grafiske værker. På grund af sin dårlige helbredshistorie følte Munch sig heldig i 1918 at have overlevet en omgang spansk influenza, den verdensomspændende pandemi det år.
Læs også, biografier-da – Johan af Lancaster, hertug af Bedford
Senere år
Munch tilbragte det meste af sine sidste to årtier i ensomhed på sin næsten selvforsynende ejendom i Ekely ved Skøyen i Oslo. Mange af hans sene malerier hylder livet på gården, herunder flere, hvor han har brugt sin arbejdshest “Rousseau” som model. Uden nogen anstrengelse tiltrak Munch en lind strøm af kvindelige modeller, som han malede som emner for adskillige nøgenbilleder. Han havde sandsynligvis et seksuelt forhold til nogle af dem. Munch forlod lejlighedsvis sit hjem for at male vægmalerier på bestilling, bl.a. for Freia-chokoladefabrikken.
Indtil slutningen af sit liv fortsatte Munch med at male skånselsløse selvportrætter, som tilføjede til hans selvransagende cyklus af sit liv og hans uhøjtidelige serie af optagelser af hans følelsesmæssige og fysiske tilstand. I 1930”erne og 1940”erne stemplede nazisterne Munchs værk som “degenereret kunst” (sammen med Picasso, Klee, Matisse, Gauguin og mange andre moderne kunstnere) og fjernede hans 82 værker fra tyske museer. Adolf Hitler meddelte i 1937: “For vores skyld kan disse forhistoriske stenalderkulturbarbarer og kunststammere vende tilbage til deres forfædres huler og der anvende deres primitive internationale kradseri.”
I 1940 invaderede tyskerne Norge, og nazistpartiet overtog regeringen. Munch var 76 år gammel. Med næsten hele sin kunstsamling på anden sal i sit hus levede Munch i frygt for en nazistisk konfiskation. 71 af de malerier, der tidligere var blevet taget af nazisterne, var blevet returneret til Norge gennem opkøb af samlere (de andre 11 blev aldrig fundet tilbage), herunder Skriget og Det syge barn, og de blev også skjult for nazisterne.
Munch døde i sit hus på Ekely nær Oslo den 23. januar 1944, omkring en måned efter sin 80-års fødselsdag. Hans nazi-orkestrerede begravelse antydede for nordmændene, at han var en nazisympatisør, en slags tilegnelse af den uafhængige kunstner. Oslo by købte Ekely-ejendommen af Munchs arvinger i 1946; hans hus blev revet ned i maj 1960.
Da Munch døde, blev hans resterende værker testamenteret til Oslo by, som byggede Munch-museet på Tøyen (det åbnede i 1963). Museet har en samling på ca. 1.100 malerier, 4.500 tegninger og 18.000 tryk, den bredeste samling af hans værker i verden. Munch-museet fungerer som Munchs officielle bo; det har været aktivt i forhold til at reagere på krænkelser af ophavsretten samt at rydde ophavsretten til værket, som f.eks. optræder Munchs Skriget i en M&M”s-reklamekampagne fra 2006. Den amerikanske repræsentant for ophavsret for Munch-museet og Edvard Munchs bo er Artists Rights Society.
Munchs kunst var meget personlig, og han underviste kun i ringe grad. Hans “private” symbolisme var langt mere personlig end hos andre symbolistiske malere som Gustave Moreau og James Ensor. Munch havde stadig stor indflydelse, især på de tyske ekspressionister, som fulgte hans filosofi: “Jeg tror ikke på den kunst, som ikke er det tvangsmæssige resultat af menneskets trang til at åbne sit hjerte.” Mange af hans malerier, herunder Skriget, har ud over deres meget personlige betydning også en universel appel.
Munchs værker er nu repræsenteret på mange store museer og gallerier i Norge og i udlandet. Hans hytte, “Det glade hus”, blev i 1944 givet til Åsgårdstrand kommune og fungerer som et lille Munch-museum. Inventaret er blevet vedligeholdt præcis som han efterlod det.
En version af Skriget blev stjålet fra National Gallery i 1994. I 2004 blev en anden version af Skriget sammen med et billede af Madonna stjålet fra Munch-museet ved et vovet røveri i dagslys i 2004. De blev alle genfundet i sidste ende, men malerierne, der blev stjålet ved røveriet i 2004, blev alvorligt beskadiget. De er blevet omhyggeligt restaureret og er nu udstillet igen. Tre Munch-værker blev stjålet fra Hotel Refsnes Gods i 2005; de blev kort efter genfundet, selv om et af værkerne blev beskadiget under røveriet.
I oktober 2006 udkom farve træsnittet To personer. To mennesker. De ensomme satte en ny rekord for hans grafik, da det blev solgt på en auktion i Oslo for 8,1 millioner kroner (1,27 millioner USD svarende til 1.600.000 USD i 2020). Det satte også rekord for den højeste pris, der er betalt på en auktion i Norge. Den 3. november 2008 satte maleriet Vampire en ny rekord for hans malerier, da det blev solgt for 38 162 000 USD (svarende til 45 900 000 USD i 2020) hos Sotheby”s New York.
Munchs billede optræder på den norske 1.000-kroneseddel sammen med billeder inspireret af hans kunstværker.
I februar 2012 blev der afholdt en stor Munch-udstilling, Edvard Munch. The Modern Eye, åbnede i Schirn Kunsthalle Frankfurt; udstillingen blev åbnet af Mette-Marit, Norges kronprinsesse.
I maj 2012 blev The Scream solgt for 119,9 millioner dollars (svarende til 135.200.000 dollars i 2020) og er det næstdyreste kunstværk, der nogensinde er blevet solgt på en åben auktion. (Det blev overgået i november 2013 af Three Studies of Lucian Freud, som blev solgt for 142,4 mio. USD).
I 2013 blev fire af Munchs malerier afbildet på en serie frimærker af det norske postvæsen til minde om 150-årsdagen for hans fødsel i 2014.
Den 14. november 2016 blev en version af Munchs Pigerne på broen solgt for 54,5 millioner dollars (svarende til 58.800.000 dollars i 2020) hos Sotheby”s i New York, hvilket er den næsthøjeste pris, der er opnået for et af Munchs malerier.
I april 2019 var British Museum vært for udstillingen Edvard Munch: Love and Angst, der omfatter 83 kunstværker, herunder et sjældent originaltryk af Skriget.
Læs også, biografier-da – Benito Juárez
Universitetets Aula
I 1911 blev den endelige konkurrence om udsmykningen af de store vægge i Oslo Universitets Aula (forsamlingshus) afholdt mellem Munch og Emanuel Vigeland. Episoden er kendt som “Aula-kontroversen”. I 1914 fik Munch endelig til opgave at udsmykke Aulaen, og arbejdet blev afsluttet i 1916. Dette hovedværk i norsk monumentalmaleri omfatter 11 malerier, der dækker 223 m2. Solen, Historien og Alma Mater er nøgleværkerne i denne række. Munch erklærede: “Jeg ønskede, at dekorationerne skulle danne en komplet og uafhængig idéverden, og jeg ønskede, at deres visuelle udtryk skulle være både karakteristisk norsk og universelt menneskeligt”. I 2014 blev det foreslået, at Aula-malerierne har en værdi på mindst 500 millioner kroner.
Læs også, biografier-da – Rudolf Nurejev
Generelle kilder
Kilder
