Edward Hopper
gigatos | april 10, 2022
Resumé
Edward Hopper (22. juli 1882 – 15. maj 1967) var en amerikansk realistisk maler og grafiker. Selv om han er meget kendt for sine oliemalerier, var han lige så dygtig som akvarelmaler og grafiker i ætsning. Hans karriere var afgørende begunstiget af hans ægteskab med kunstnerkollegaen Josephine Nivison, som bidrog meget til hans arbejde, både som livsmodel og som kreativ partner. Hopper var en kunstner med en mindre toneart, der skabte afdæmpet dramatik ud af almindelige emner, der var “lagdelt med en poetisk betydning” og indbød til narrative fortolkninger, ofte utilsigtede. Han blev rost for “fuldstændig sandhed” i det Amerika, han portrætterede.
Læs også, biografier-da – Mao Zedong
Tidligt liv
Hopper blev født i 1882 i Nyack, New York, et center for yachtbyggeri ved Hudson-floden nord for New York City. Han var det ene af to børn i en velhavende familie. Hans forældre, der hovedsagelig var af hollandsk herkomst, var Elizabeth Griffiths Smith og Garret Henry Hopper, der var købmand i tørvarer. Selv om Garrett ikke var lige så succesfuld som sine forfædre, sørgede han godt for sine to børn med betydelig hjælp fra sin kones arv. Han gik på pension som niogfyrreårig. Edward og hans eneste søster Marion gik i både private og offentlige skoler. De blev opdraget i et strengt baptisthjem. Hans far var mild af natur, og husstanden var domineret af kvinder: Hoppers mor, bedstemor, søster og tjenestepige.
Hans føde- og barndomshjem blev optaget på det nationale register over historiske steder i 2000. Det drives nu som Edward Hopper House Art Center. Det fungerer som et almennyttigt kulturcenter med udstillinger, workshops, foredrag, forestillinger og særlige arrangementer.
Hopper var en god elev i folkeskolen og viste talent for at tegne allerede som femårig. Han tog let sin fars intellektuelle tendenser og kærlighed til den franske og russiske kultur til sig. Han viste også sin mors kunstneriske arv. Hoppers forældre opmuntrede ham til kunst og forsynede ham rigeligt med materialer, instruktionsblade og illustrerede bøger. Hopper begyndte først at signere og datere sine tegninger i en alder af ti år. De tidligste af disse tegninger omfatter kulskitser af geometriske former, herunder en vase, en skål, en kop og kasser. Den detaljerede undersøgelse af lys og skygge, som fortsatte gennem resten af hans karriere, kan allerede findes i disse tidlige værker. I teenageårene arbejdede han med pen og tusch, kul, akvarel og olie – han tegnede efter naturen og lavede politiske karikaturtegninger. I 1895 skabte han sit første signerede oliemaleri, Rowboat in Rocky Cove, som han kopierede fra en gengivelse i The Art Interchange, et populært tidsskrift for amatørkunstnere. Hoppers andre tidligste oliemalerier, såsom Old ice pond at Nyack og hans maleri Ships fra ca. 1898, er blevet identificeret som kopier af malerier af bl.a. Bruce Crane og Edward Moran.
I sine tidlige selvportrætter havde Hopper en tendens til at fremstille sig selv som mager, ubehøvlet og hjemlig. Selv om han var en høj og stille teenager, fandt hans spøgefulde humoristiske sans sit afløb i hans kunst, nogle gange i afbildninger af indvandrere eller af kvinder, der dominerer mænd i komiske situationer. Senere i livet afbildede han for det meste kvinder som figurer i sine malerier. I gymnasiet (han dimitterede fra Nyack High School i 1899) drømte han om at blive skibsarkitekt, men efter sin eksamen erklærede han, at han ville gøre karriere som kunstner. Hoppers forældre insisterede på, at han skulle studere kommerciel kunst for at få en pålidelig indtægtskilde. Ved udviklingen af sit selvbillede og sin individualistiske livsfilosofi blev Hopper påvirket af Ralph Waldo Emersons skrifter. Han sagde senere: “Jeg beundrer ham meget … Jeg læser ham igen og igen.”
Hopper begyndte at studere kunst ved et korrespondancekursus i 1899. Snart overgik han til New York School of Art and Design, forløberen for Parsons The New School for Design. Her studerede han i seks år med lærere, herunder William Merritt Chase, som underviste ham i oliemaleri. Hopper modellerede tidligt sin stil efter Chase og de franske impressionistiske mestre Édouard Manet og Edgar Degas. At skitsere efter levende modeller viste sig at være en udfordring og et chok for den konservativt opdragede Hopper.
En anden af hans lærere, kunstneren Robert Henri, underviste i livskunst. Henri opfordrede sine elever til at bruge deres kunst til at “skabe røre i verden”. Han rådede også sine elever: “Det er ikke emnet, der tæller, men hvad du føler for det” og “Glem alt om kunst og mal billeder af det, der interesserer dig i livet”. På denne måde påvirkede Henri Hopper samt de kommende kunstnere George Bellows og Rockwell Kent. Han opfordrede dem til at indgyde en moderne ånd i deres arbejde. Nogle af kunstnerne i Henri”s kreds, herunder John Sloan, blev medlemmer af “The Eight”, også kendt som Ashcan School of American Art. Hoppers første overlevende oliemaleri, der antyder, at han brugte interiører som tema, var Solitary Figure in a Theater (ca. 1904). I løbet af sine studieår malede han også snesevis af nøgne, stillebenstudier, landskaber og portrætter, herunder selvportrætter.
I 1905 fik Hopper et deltidsjob hos et reklamebureau, hvor han lavede forsideudtryk til fagblade. Hopper kom til at afsky illustrationer. Han var bundet til det af økonomisk nødvendighed indtil midten af 1920”erne. Han undslap midlertidigt ved at foretage tre rejser til Europa, hver gang med centrum i Paris, angiveligt for at studere kunstscenen der. I virkeligheden studerede han dog alene og virkede for det meste upåvirket af de nye strømninger i kunsten. Senere sagde han, at han “ikke kunne huske, at han overhovedet havde hørt om Picasso”. Han var meget imponeret af Rembrandt, især af hans Nattevagt, som han sagde var “det mest vidunderlige af hans værker, jeg har set; det er forbi troen på dets virkelighed”.
Hopper begyndte at male by- og arkitektoniske scener i en mørk palet. Derefter skiftede han til impressionisternes lysere palet, før han vendte tilbage til den mørke palet, som han var fortrolig med. Hopper sagde senere: “Jeg kom over det, og senere ting, der blev lavet i Paris, var mere den slags ting, som jeg laver nu.” Hopper brugte meget af sin tid på at tegne gade- og caféscener og på at gå i teater og opera. I modsætning til mange af sine samtidige, der efterlignede de abstrakte kubistiske eksperimenter, var Hopper tiltrukket af realistisk kunst. Senere indrømmede han, at han ikke havde andre europæiske påvirkninger end den franske graver Charles Meryon, hvis stemningsfulde Paris-scener Hopper efterlignede.
Læs også, biografier-da – Henrik 4. af England
Års kamp
Efter at være vendt tilbage fra sin sidste rejse til Europa lejede Hopper et atelier i New York, hvor han kæmpede for at definere sin egen stil. Modvilligt vendte han tilbage til illustration for at forsørge sig selv. Som freelancer var Hopper tvunget til at søge om projekter og måtte banke på hos magasiner og bureauer for at finde arbejde. Hans maleri var ikke længere noget værd: “Det er svært for mig at beslutte, hvad jeg vil male. Nogle gange går jeg i månedsvis uden at finde det. Det kommer langsomt.” Hans illustratorkollega Walter Tittle beskrev Hoppers deprimerede følelsesmæssige tilstand i skarpere vendinger, idet han så sin ven “lide … af lange perioder med uovervindelig træghed, hvor han i dagevis sad foran sit staffeli i hjælpeløs ulykkelighed, ude af stand til at løfte en hånd for at bryde fortryllelsen.”
I 1912 (22. februar til 5. marts) var han med på udstillingen The Independents, en gruppe af kunstnere på initiativ af Robert Henri, men han solgte ikke noget.
I 1912 rejste Hopper til Gloucester, Massachusetts, for at søge inspiration og lavede sine første udendørs malerier i Amerika. Han malede Squam Light, det første af mange fyrtårnsmalerier, der skulle komme.
I 1913 tjente Hopper 250 dollars på Armory Show, da han solgte sit første maleri, Sailing (1911), til den amerikanske forretningsmand Thomas F. Vietor, som han havde malet over et tidligere selvportræt, til en amerikansk forretningsmand. Hopper var 31 år gammel, og selv om han håbede, at hans første salg ville føre til andre salg inden for kort tid, skulle hans karriere først tage fart i mange år endnu. Han fortsatte med at deltage i gruppeudstillinger på mindre steder, f.eks. i MacDowell Club i New York. Kort efter sin fars død samme år flyttede Hopper til lejligheden 3 Washington Square North i Greenwich Village på Manhattan, hvor han skulle komme til at bo resten af sit liv.
Året efter fik han en opgave med at skabe nogle filmplakater og lave reklame for et filmselskab. Selv om han ikke brød sig om illustrationsarbejdet, var Hopper en livslang tilhænger af biografen og teatret, som han begge behandlede som emner for sine malerier. Hver form påvirkede hans kompositionsmetoder.
Da han var i en blindgyde med sine oliemalerier, gik Hopper i 1915 over til ætsning. I 1923 havde han produceret de fleste af sine ca. 70 værker i dette medie, mange af bybilleder fra både Paris og New York. Han fremstillede også nogle plakater til krigsindsatsen og fortsatte med lejlighedsvise kommercielle projekter. Når han kunne, lavede Hopper nogle udendørs oliemalerier på besøg i New England, især i kunstkolonierne i Ogunquit og på Monhegan Island.
I begyndelsen af 1920”erne begyndte hans raderinger at få offentlig anerkendelse. De udtrykte nogle af hans senere temaer, som i Night on the El Train (par i stilhed), Evening Wind (ensom kvinde) og The Catboat (simpel nautisk scene). To bemærkelsesværdige oliemalerier fra denne tid var New York Interior (1921) og New York Restaurant (1922). Han malede også to af sine mange “vindues”-malerier, der skulle komme: Pige ved symaskine og Måneskinsinteriør, der begge viser en figur (påklædt eller nøgen) ved et vindue i en lejlighed, set som et blik udad eller fra et synspunkt udefra, der kigger ind.
Selv om disse år var frustrerende, opnåede Hopper en vis anerkendelse. I 1918 fik Hopper den amerikanske Shipping Board Prize for sin krigsplakat “Smash the Hun”. Han deltog i tre udstillinger: i 1917 med Society of Independent Artists, i januar 1920 (en enkeltmandsudstilling på Whitney Studio Club, som var forløberen for Whitney Museum) og i 1922 (igen med Whitney Studio Club). I 1923 modtog Hopper to priser for sine raderinger: Logan Prize fra Chicago Society of Etchers og W. A. Bryan Prize.
Læs også, biografier-da – Henry Maitland Wilson
Ægteskab og gennembrud
I 1923 gav Hoppers langsomme opstigning endelig et gennembrud. Han mødte Josephine Nivison, en kunstner og tidligere elev af Robert Henri, igen under en sommertur til Gloucester, Massachusetts, hvor han malede. De var modsætninger: hun var lille, åben, omgængelig, omgængelig og liberal, mens han var høj, hemmelighedsfuld, genert, stille, indadvendt og konservativ. De giftede sig et år senere med kunstneren Guy Pene du Bois som deres forlover. Hun bemærkede: “Nogle gange er det at tale med Eddie som at smide en sten i en brønd, bortset fra at den ikke dunker, når den rammer bunden.” Hun underordnede sin karriere under hans og delte hans tilbagetrukne livsstil. Resten af deres liv drejede sig om deres ekstra lejlighed i byen og om sommeren i South Truro på Cape Cod. Hun styrede hans karriere og hans interviews, var hans primære model og var hans livsledsager.
Med Nivisons hjælp blev seks af Hoppers akvareller fra Gloucester optaget på en udstilling på Brooklyn Museum i 1923. Et af dem, The Mansard Roof, blev købt af museet til dets permanente samling for 100 dollars. Kritikerne var generelt begejstrede for hans værker; en af dem udtalte: “Hvilken vitalitet, kraft og direktehed! Se, hvad man kan gøre med det mest hjemlige emne.” Hopper solgte alle sine akvareller på en enkeltmandsudstilling det følgende år og besluttede sig endelig for at lægge illustrationen bag sig.
Kunstneren havde vist sin evne til at overføre sin tiltrækning til parisisk arkitektur til amerikansk by- og landarkitektur. Ifølge Carol Troyen, museumsinspektør på Boston Museum of Fine Arts, “kunne Hopper virkelig godt lide den måde, hvorpå disse huse med deres tårne og tårne, verandaer, mansardtage og ornamenter kastede vidunderlige skygger. Han sagde altid, at det var hans favorit at male sollys på en husside.”
Som 41-årig fik Hopper yderligere anerkendelse for sit arbejde. Han fortsatte med at være bitter over sin karriere og afviste senere optrædener og priser. Da hans økonomiske stabilitet var sikret af et stabilt salg, levede Hopper et enkelt og stabilt liv og fortsatte med at skabe kunst i sin personlige stil i yderligere fire årtier.
Hans Two on the Aisle (1927) blev solgt for den personlige rekordpris på 1.500 dollars, hvilket gjorde det muligt for Hopper at købe en bil, som han brugte til at foretage udflugter til fjerntliggende områder i New England. I 1929 producerede han Chop Suey og Railroad Sunset. Året efter donerede kunstmæcen Stephen Clark House by the Railroad (1925) til Museum of Modern Art, det første oliemaleri, som museet erhvervede til sin samling. Hopper malede sit sidste selvportræt i olie omkring 1930. Selv om Josephine poserede for mange af hans malerier, sad hun kun til et enkelt formelt olieportræt af sin mand, Jo Painting (1936).
Hopper klarede sig bedre end mange andre kunstnere under den store depression. Hans anseelse steg kraftigt i 1931, da store museer, herunder Whitney Museum of American Art og Metropolitan Museum of Art, betalte tusindvis af dollars for hans værker. Han solgte 30 malerier det år, herunder 13 akvareller. Året efter deltog han i det første Whitney Annual, og han fortsatte med at udstille i hvert årshjul på museet resten af sit liv. I 1933 gav Museum of Modern Art Hopper sin første store retrospektive udstilling.
I 1930 lejede familien Hopper en hytte i South Truro på Cape Cod. De vendte tilbage hver sommer resten af deres liv og byggede et sommerhus der i 1934. Derfra tog de på køreture til andre områder, når Hopper skulle finde nyt materiale til at male. I somrene 1937 og 1938 tilbragte parret længere ophold på Wagon Wheels Farm i South Royalton i Vermont, hvor Hopper malede en række akvareller langs White River. Disse scener er atypiske blandt Hoppers modne værker, da de fleste af dem er “rene” landskaber uden arkitektur eller menneskelige figurer. First Branch of the White River (1938), der nu befinder sig på Museum of Fine Arts i Boston, er det mest kendte af Hoppers landskaber fra Vermont.
Hopper var meget produktiv i 1930”erne og begyndelsen af 1940”erne og skabte blandt mange andre vigtige værker New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) og Morning in a City (1944). I slutningen af 1940”erne oplevede han imidlertid en periode med relativ inaktivitet. Han indrømmede: “Jeg ville ønske, at jeg kunne male mere. Jeg bliver træt af at læse og gå i biografen.” I løbet af de næste to årtier var hans helbred svækket, og han havde flere prostatakirurgiske operationer og andre medicinske problemer. Men i 1950”erne og begyndelsen af 1960”erne skabte han endnu flere store værker, bl.a. First Row Orchestra (og Intermission i 1963.
Læs også, biografier-da – Winslow Homer
Død
Hopper døde af naturlige årsager i sit atelier nær Washington Square i New York City den 15. maj 1967. Han blev begravet to dage senere på familiens gravplads på Oak Hill Cemetery i Nyack, New York, hvor han var født. Hans kone døde ti måneder senere og er begravet sammen med ham.
Hans kone testamenterede deres fælles samling af mere end tre tusind værker til Whitney Museum of American Art. Andre vigtige malerier af Hopper findes på Museum of Modern Art i New York, Des Moines Art Center og Art Institute of Chicago.
Læs også, biografier-da – Vaišvilkas af Litauen
Personlighed og visioner
Hopper har altid været tilbageholdende med at diskutere sig selv og sin kunst og sagde blot: “Hele svaret er der på lærredet.” Hopper var stoisk og fatalistisk – en stille indadvendt mand med en blid humor og en ærlig måde at være på. Hopper var en person, der var tiltrukket af en emblematisk, anti-narrativ symbolisme, som “malede korte isolerede øjeblikke af konfiguration, mættet af suggestion”. Hans tavse rum og urolige møder “berører os, hvor vi er mest sårbare” og har “en antydning af melankoli, som er en melankoli, der bliver iværksat”. Hans sans for farver afslørede ham som en ren maler, da han “forvandlede puritaneren til puristen i sine stille lærreder, hvor pletter og velsignelser balancerer”. Ifølge kritikeren Lloyd Goodrich var han “en eminent indfødt maler, der mere end nogen anden fik mere af Amerikas kvalitet ind i sine lærreder”.
Han var konservativ i politiske og sociale spørgsmål (Hopper hævdede for eksempel, at “kunstneres liv bør skrives af folk, der står dem meget nær”), han accepterede tingene, som de var, og udviste en mangel på idealisme. Han var kultiveret og sofistikeret og velbelæst, og mange af hans malerier viser figurer, der læser. Han var generelt et godt selskab og lod sig ikke forstyrre af tavshed, selv om han til tider var tavs, gnaven eller afvisende. Han var altid seriøs med hensyn til sin og andres kunst, og når man spurgte ham, gav han altid ærlige udtalelser.
Hoppers mest systematiske erklæring om sin filosofi som kunstner blev givet i et håndskrevet notat med titlen “Statement”, der blev indsendt i 1953 til tidsskriftet Reality:
Stor kunst er det ydre udtryk for et indre liv i kunstneren, og dette indre liv vil resultere i kunstnerens personlige vision af verden. Ingen dygtig opfindelse kan erstatte det væsentlige element af fantasi. En af svaghederne ved meget abstrakt maleri er forsøget på at erstatte en privat fantasifuld forestilling med det menneskelige intellektets opfindelser.
Selv om Hopper hævdede, at han ikke bevidst indlejrede psykologisk betydning i sine malerier, var han dybt interesseret i Freud og det underbevidste sinds magt. Han skrev i 1939: “Så meget af enhver kunst er et udtryk for det underbevidste, at det forekommer mig, at de fleste af alle vigtige kvaliteter er lagt der ubevidst, og kun lidt af betydning er lagt der af det bevidste intellekt.”
Læs også, biografier-da – Maya Angelou
Metoder
Selv om han er bedst kendt for sine oliemalerier, blev Hopper først anerkendt for sine akvareller, og han lavede også nogle kommercielt succesfulde raderinger. Desuden indeholder hans notesbøger pen- og blyantskitser af høj kvalitet, som aldrig var beregnet til offentlig fremvisning.
Hopper lagde særlig vægt på geometrisk design og en omhyggelig placering af menneskefigurer i korrekt balance med deres omgivelser. Han var en langsom og metodisk kunstner; som han skrev: “Det tager lang tid for en idé at slå til. Så skal jeg tænke over den i lang tid. Jeg begynder ikke at male, før jeg har det hele udtænkt i mit hoved. Jeg er helt klar, når jeg kommer til staffeliet”. Han lavede ofte forberedende skitser for at udarbejde sine nøje beregnede kompositioner. Han og hans kone førte en detaljeret bog over deres værker med noteringer som “trist kvindeansigt uden lys”, “elektrisk lys fra loftet” og “køligere lår”.
Til New York Movie (1939) demonstrerer Hopper sin grundige forberedelse med mere end 53 skitser af teatrets interiør og figuren af den eftertænksomme bordassistent.
Den effektive brug af lys og skygge til at skabe stemning er også en central del af Hoppers metoder. Det skarpe sollys (som et symbol på indsigt eller åbenbaring) og de skygger, det kaster, spiller også en symbolsk stærk rolle i Hoppers malerier som Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) og Sun in an Empty Room (1963). Hans brug af lys- og skyggeeffekter er blevet sammenlignet med film noir-filmens biografiske virkemidler.
Selv om Hopper var en realistisk maler, forenklede han med sin “bløde” realisme former og detaljer. Han brugte mættede farver til at øge kontrasten og skabe stemning.
Læs også, historie – Middelalderen
Emner og temaer
Hopper hentede sine motiver fra to primære kilder: dels de almindelige træk ved det amerikanske liv, dels hav- og landskabsbilleder. Med hensyn til sin stil definerede Hopper sig selv som “et sammensurium af mange racer” og ikke som medlem af nogen skole, især ikke “Ashcan-skolen”. Da Hopper først havde opnået sin modne stil, forblev hans kunst konsekvent og selvstændig på trods af de mange kunsttendenser, der kom og gik i løbet af hans lange karriere.
Hoppers havbilleder kan inddeles i tre hovedgrupper: rene landskaber med klipper, hav og strandgræs, fyrtårne og gårde samt sejlbåde. Nogle gange kombinerede han disse elementer. De fleste af disse malerier skildrer stærkt lys og godt vejr; han viste kun ringe interesse for sne- eller regnscener eller for årstidsbestemte farveændringer. Han malede størstedelen af de rene havbilleder i perioden mellem 1916 og 1919 på Monhegan Island. Hoppers The Long Leg (1935) er et næsten helt blåt sejlbillede med de enkleste elementer, mens hans Ground Swell (1939) er mere komplekst og skildrer en gruppe unge, der er ude at sejle, et tema, der minder om Winslow Homers ikoniske Breezing Up (1876).
Byarkitektur og bybilleder var også vigtige emner for Hopper. Han var fascineret af det amerikanske bymiljø, “vores indfødte arkitektur med dens hæslige skønhed, dens fantastiske tage, pseudogotiske, franske Mansard-, koloniale, blandede eller hvad ved jeg, med iøjnefaldende farver eller delikate harmonier af falmet maling, der skubber sig op ad hinanden langs uendelige gader, der ender i sumpe eller affaldsbunker.”
I 1925 producerede han House by the Railroad. Dette klassiske værk skildrer et isoleret victoriansk palæ i træ, der delvist er skjult af en forhøjet jernbanedæmning. Det markerede Hoppers kunstneriske modenhed. Lloyd Goodrich roste værket som “et af de mest gribende og trøstesløse stykker realisme”. Værket er det første i en serie af barske land- og bybilleder, hvor han bruger skarpe linjer og store former, der er underlagt usædvanlig belysning, til at indfange den ensomme stemning hos sine motiver. Selv om kritikere og beskuere fortolker betydning og stemning i disse bybilleder, insisterede Hopper på, at “jeg var mere interesseret i sollyset på bygningerne og figurerne end i nogen symbolik”. Som et bevis på dette er hans sene maleri Sun in an Empty Room (1963) et rent studie af sollyset.
De fleste af Hoppers figurmalerier fokuserer på menneskers subtile samspil med deres omgivelser – udført med solofigurer, par eller grupper. Hans primære følelsesmæssige temaer er ensomhed, ensomhed, fortrydelse, kedsomhed og resignation. Han udtrykker følelserne i forskellige miljøer, herunder på kontoret, på offentlige steder, i lejligheder, på farten eller på ferien. Som om han skabte stillbilleder til en film eller tableauer i et teaterstykke, placerede Hopper sine figurer, som om de var fanget lige før eller lige efter kulminationen af en scene.
Hoppers ensomme figurer er for det meste kvinder – påklædte, halvklædte og nøgne – som ofte læser eller kigger ud af et vindue eller er på en arbejdsplads. I begyndelsen af 1920”erne malede Hopper sine første billeder af denne art: Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (en anden kvinde, der syr) (1921) og Moonlight Interior (en nøgen kvinde, der går i seng) (1923). Automat (1927) og Hotel Room (1931) er imidlertid mere repræsentative for hans modne stil, idet de understreger ensomheden mere åbenlyst.
Som Hopper-forskeren Gail Levin skrev om Hotel Room:
De sparsomme lodrette og diagonale farvebånd og de skarpe elektriske skygger skaber et kortfattet og intenst drama i natten … Ved at kombinere et gribende emne med et så stærkt formelt arrangement er Hoppers komposition så ren, at den nærmer sig en næsten abstrakt sensibilitet, men alligevel er den fyldt med en poetisk betydning for beskueren.
Hoppers Room in New York (1932) og Cape Cod Evening (1939) er gode eksempler på hans “par”-malerier. I det første ser et ungt par fremmedgjort og ukontaktbart ud – han læser avisen, mens hun sidder ved klaveret. Beskueren indtager rollen som voyeur, som om han kigger med et teleskop gennem lejlighedens vindue for at udspionere parrets manglende intimitet. På det sidste maleri leger et ældre par, der ikke har meget at sige til hinanden, med deres hund, hvis opmærksomhed er trukket væk fra sine herrer. Hopper tager par-temaet op på et mere ambitiøst niveau med Excursion into Philosophy (1959). En midaldrende mand sidder nedslået på kanten af en seng. Ved siden af ham ligger en åben bog og en delvist klædt kvinde. En lysstråle oplyser gulvet foran ham. Jo Hopper noterede i deres logbog: “Den åbne bog er Platon, genlæst for sent”.
Levin fortolker maleriet:
Platons filosof må i sin søgen efter det virkelige og sande vende sig bort fra dette forgængelige rige og betragte de evige former og ideer. Den eftertænksomme mand i Hoppers maleri befinder sig mellem det jordiske domænes lokkemad, repræsenteret af kvinden, og det højere åndelige domænes kald, repræsenteret af det æteriske lysfald. Smerten ved at tænke over dette valg og dets konsekvenser, efter at have læst Platon hele natten, er tydelig. Han er lammet af melankoliens brændende indre arbejde.
I Office at Night (1940), et andet “par”-maleri, skaber Hopper et psykologisk puslespil. Maleriet viser en mand, der koncentrerer sig om sine arbejdspapirer, mens hans attraktive kvindelige sekretær i nærheden trækker i en fil. Flere studier til maleriet viser, hvordan Hopper eksperimenterede med placeringen af de to figurer, måske for at forstærke erotismen og spændingen. Hopper præsenterer beskueren for mulighederne for, at manden enten virkelig er uinteresseret i kvindens tiltrækningskraft, eller at han arbejder hårdt for at ignorere hende. Et andet interessant aspekt af maleriet er, hvordan Hopper anvender tre lyskilder, fra en skrivebordslampe, gennem et vindue og indirekte lys fra oven. Hopper fortsatte med at lave flere “kontor”-billeder, men ingen andre med en sensuel understrøm.
Det mest kendte af Hoppers malerier, Nighthawks (1942), er et af hans malerier af grupper. Det viser kunder, der sidder ved disken i en restaurant, hvor man kan spise hele natten. Formerne og diagonalerne er omhyggeligt konstrueret. Synspunktet er filmisk – fra fortovet, som om beskueren nærmer sig restauranten. Restaurantens skarpe elektriske lys adskiller den fra den mørke nat udenfor og forstærker stemningen og de subtile følelser. Som i mange Hopper-malerier er interaktionen minimal. Den afbildede restaurant er inspireret af en restaurant i Greenwich Village. Både Hopper og hans kone poserede for figurerne, og Jo Hopper gav maleriet sin titel. Inspirationen til billedet kan være kommet fra Ernest Hemingways novelle “The Killers”, som Hopper beundrede meget, eller fra den mere filosofiske “A Clean, Well-Lighted Place”. Stemningen i maleriet er undertiden blevet fortolket som et udtryk for krigsangst. I overensstemmelse med titlen på sit maleri sagde Hopper senere, at Nighthawks har mere at gøre med muligheden for rovdyr i natten end med ensomhed.
Hans næstmest genkendelige maleri efter Nighthawks er et andet bymaleri, Early Sunday Morning (oprindeligt kaldet Seventh Avenue Shops), som viser en tom gade i skarpt sidelys med en brandhane og en barberstang som erstatning for menneskelige figurer. Oprindeligt havde Hopper tænkt sig at sætte figurer i vinduerne ovenpå, men lod dem stå tomme for at forstærke følelsen af ensomhed.
Hoppers landlige scener fra New England, såsom Gas (1940), er ikke mindre betydningsfulde. Gas repræsenterer “et andet, lige så rent, veloplyst tilflugtssted … åbent for dem, der har brug for det, mens de navigerer gennem natten og rejser deres egne kilometer, før de sover.” Værket er en sammensmeltning af flere Hopper-temaer: den ensomme figur, skumringens melankoli og den ensomme vej.
Hopper nærmer sig surrealismen med Rooms by the Sea (1951), hvor en åben dør giver udsigt til havet, uden en tydelig stige eller trin og uden tegn på en strand.
Efter sin studietid var Hoppers nøgenbilleder udelukkende kvinder. I modsætning til tidligere kunstnere, der malede den kvindelige nøgenhed for at forherlige den kvindelige form og fremhæve den kvindelige erotik, er Hoppers nøgenbilleder ensomme kvinder, der er psykologisk udsatte. En dristig undtagelse er Girlie Show (1941), hvor en rødhåret stripteasedronning spankulerer selvsikkert over en scene til akkompagnement af musikerne i pit. Girlie Show blev inspireret af Hoppers besøg i et burlesk show et par dage tidligere. Hoppers kone poserede som sædvanlig for ham til maleriet og noterede i sin dagbog: “Ed begynder et nyt lærred – en burleskedronning, der laver striptease – og jeg poserer uden et eneste sting på foran komfuret – intet andet end høje hæle i en lotteri-dansestilling.”
Hoppers portrætter og selvportrætter var relativt få efter hans studietid. Hopper lavede dog et bestilt “portræt” af et hus, The MacArthurs” Home (1939), hvor han detaljeret gengiver den victorianske arkitektur i skuespillerinden Helen Hayes” hjem. Hun rapporterede senere: “Jeg tror aldrig, jeg har mødt et mere misantropisk, gnaven individ i mit liv.” Hopper brokkede sig under hele projektet og accepterede aldrig mere en bestilling. Hopper malede også Portrait of Orleans (1950), et “portræt” af byen Cape Cod fra dens hovedgade.
Selv om Hopper var meget interesseret i den amerikanske borgerkrig og Mathew Bradys fotografier af slagmarken, lavede han kun to historiske malerier. Begge afbildede soldater på vej til Gettysburg. Blandt hans motiver er malerier, der viser handling, også sjældne. Det bedste eksempel på et actionmaleri er Bridle Path (1939), men Hoppers kamp med hestenes korrekte anatomi kan have afskrækket ham fra lignende forsøg.
Hoppers sidste oliemaleri, Two Comedians (1966), malet et år før hans død, fokuserer på hans kærlighed til teatret. To franske pantomimeskuespillere, en mand og en kvinde, begge klædt i lyse hvide kostumer, bukker for en mørklagt scene. Jo Hopper bekræftede, at hendes mand havde tænkt sig, at figurerne skulle antyde, at de skulle tage deres livs sidste buer sammen som mand og kone.
Hoppers malerier er ofte blevet opfattet af andre som havende et narrativt eller tematisk indhold, som kunstneren måske ikke har haft til hensigt. Et maleri kan tillægges megen betydning gennem dets titel, men titlerne på Hoppers malerier blev undertiden valgt af andre eller blev valgt af Hopper og hans kone på en måde, der gør det uklart, om de har nogen reel forbindelse med kunstnerens mening. F.eks. fortalte Hopper engang til en interviewer, at han var “glad for Early Sunday Morning … men det var ikke nødvendigvis søndag”. Det ord blev hæftet på senere af en anden”.
Tendensen til at læse et tematisk eller narrativt indhold i Hoppers malerier, som Hopper ikke havde haft til hensigt, gjaldt også hans kone. Da Jo Hopper kommenterede figuren i Cape Cod Morning: “Det er en kvinde, der kigger ud for at se, om vejret er godt nok til at hænge sin vask ud”, svarede Hopper: “Sagde jeg det? Du gør det til Norman Rockwell. Fra mit synspunkt kigger hun bare ud af vinduet.” Et andet eksempel på det samme fænomen er beskrevet i en artikel i Time fra 1948:
Hoppers Sommeraften, hvor et ungt par taler i det skarpe lys fra en sommerhusveranda, er uundgåeligt romantisk, men Hopper blev såret af en kritikers forslag om, at det kunne bruges som illustration i “et hvilket som helst dameblad”. Hopper havde maleriet i baghovedet “i 20 år, og jeg har aldrig tænkt på at sætte figurerne ind, før jeg faktisk begyndte sidste sommer. Hvorfor enhver art director ville rive billedet i stykker. Det var ikke figurerne, der interesserede mig; det var lyset, der strømmede ned, og natten rundt omkring.”
Læs også, biografier-da – Jacques de Molay
Plads i amerikansk kunst
Hopper fokuserede primært på stille øjeblikke og viste meget sjældent handling og anvendte dermed en form for realisme, som en anden førende amerikansk realist, Andrew Wyeth, havde adopteret, men Hoppers teknik var helt anderledes end Wyeths hyperdetaljerede stil. I lighed med nogle af sine samtidige delte Hopper sin urbane følsomhed med John Sloan og George Bellows, men undgik deres åbenlyse handling og vold. Hvor Joseph Stella og Georgia O”Keeffe forherligede byens monumentale strukturer, reducerede Hopper dem til dagligdags geometri, og han skildrede byens puls som øde og farlig snarere end “elegant eller forførende”.
Charles Burchfield, som Hopper beundrede, og som han blev sammenlignet med, sagde om Hopper: “Han opnår en så fuldstændig sandhed, at man kan læse alle de menneskelige implikationer, man ønsker, ind i hans fortolkninger af huse og opfattelser af livet i New York.” Han tilskrev også Hoppers succes til hans “dristige individualisme”. … I ham har vi genvundet den robuste amerikanske uafhængighed, som Thomas Eakins gav os, men som for en tid var gået tabt.” Hopper betragtede dette som en stor kompliment, da han anså Eakins for at være den største amerikanske maler.
Hopper-forskeren Deborah Lyons skriver: “Vores egne øjeblikke af åbenbaring spejles ofte i hans værker, som transcendente øjeblikke. Når vi først har set Hoppers fortolkninger, eksisterer de i vores bevidsthed sammen med vores egne erfaringer. Vi ser for evigt en bestemt type hus som et Hopper-hus, der måske er udstyret med et mysterium, som Hopper har indplantet i vores eget syn.” Hoppers malerier fremhæver de tilsyneladende banale og typiske scener i vores hverdag og giver dem anledning til epifani. På denne måde tager Hoppers kunst det grumme amerikanske landskab og ensomme tankstationer og skaber i dem en følelse af smuk forventning.
Selv om Hopper blev sammenlignet med sin samtidige Norman Rockwell med hensyn til motivet, brød han sig ikke om denne sammenligning. Hopper anså sig selv for at være mere subtil, mindre illustrativ og bestemt ikke sentimental. Hopper afviste også sammenligninger med Grant Wood og Thomas Hart Benton og udtalte: “Jeg synes, at de amerikanske scenerimalere karikerede Amerika. Jeg har altid ønsket at gøre det selv.”
Læs også, biografier-da – Arkimedes
Indflydelse
Hoppers indflydelse på kunstverdenen og popkulturen er ubestridelig; se § I populærkulturen for mange eksempler. Selv om han ikke havde nogen formelle elever, har mange kunstnere nævnt ham som en indflydelse, bl.a. Willem de Kooning, Jim Dine og Mark Rothko. Et eksempel på Hoppers indflydelse er Rothkos tidlige værk Composition I (ca. 1931), som er en direkte parafrase af Hoppers Chop Suey.
Hoppers filmiske kompositioner og dramatiske brug af lys og mørke har gjort ham til en favorit blandt filmskabere. F.eks. skulle House by the Railroad efter sigende have haft stor indflydelse på det ikoniske hus i Alfred Hitchcock-filmen Psycho. Det samme maleri er også blevet nævnt som værende en indflydelse på huset i Terrence Malicks film Days of Heaven. I filmen Pennies from Heaven fra 1981 er der et tableau vivant af Nighthawks med hovedrolleindehaverne i stedet for gæsterne. Den tyske instruktør Wim Wenders nævner også Hoppers indflydelse. Hans film The End of Violence fra 1997 indeholder også et tableau vivant af Nighthawks, som er genskabt af skuespillere. Den berømte surrealistiske gyserinstruktør Dario Argento gik så langt som til at genskabe restauranten og gæsterne i Nighthawks som en del af kulissen til sin film Deep Red (også kendt som Profondo Rosso) fra 1976. Ridley Scott har nævnt det samme maleri som en visuel inspiration til Blade Runner. For at fastlægge belysningen af scenerne i filmen Road to Perdition fra 2002 trak instruktør Sam Mendes på Hoppers malerier som inspirationskilde, især New York Movie.
Hyldester til Nighthawks med tegneseriefigurer eller berømte ikoner fra popkulturen som James Dean og Marilyn Monroe findes ofte i plakatbutikker og gavebutikker. Kabel-tv-kanalen Turner Classic Movies viser nogle gange animerede klip baseret på Hoppers malerier, før den sender sine film. Blandt de musikalske påvirkninger kan nævnes sangerinden
Inden for poesi er adskillige digte blevet inspireret af Hoppers malerier, typisk som levende beskrivelser og dramatiseringer; denne genre er kendt som ekfrase. Ud over de mange individuelle digte inspireret af Hopper har flere digtere skrevet samlinger baseret på Hoppers malerier. Den franske digter Claude Esteban har skrevet en samling prosadigte, Soleil dans une pièce vide (Sol i et tomt rum, 1991), baseret på 47 Hopper-malerier fra 1921 til 1963, der slutter med Sol i et tomt rum (1963), deraf titlen. Digtene dramatiserede hver især et Hopper-maleri og forestillede sig en historie bag scenen; bogen vandt Prix France Culture-prisen i 1991. Otte af digtene – Ground Swell, Girl at Sewing Machine, Compartment C, Car 293, Nighthawks, South Carolina Morning, House by the Railroad, People in the Sun og Roofs of Washington Square – blev efterfølgende sat i musik af komponisten Graciane Finzi og indspillet med oplæsning af sangerinden Natalie Dessay på hendes album Portraits of America (2016), hvor de blev suppleret med udvælgelse af yderligere ti Hopper-malerier og sange fra den amerikanske sangbog til dem. På samme måde skrev den spanske digter Ernest Farrés en samling af 51 digte på catalansk under navnet Edward Hopper (2006, engelsk oversættelse 2010 af Lawrence Venuti), og James Hoggard skrev Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). En samling af forskellige digtere blev organiseret i The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (redaktør Gail Levin). Blandt de enkelte digte kan nævnes Byron Vazakas (1957) og John Stone (1985), der er inspireret af Early Sunday Morning, og Mary Leader, der er inspireret af Girl at Sewing Machine.
Læs også, kampe – Gerardus Mercator
Udstillinger
I 1980 blev udstillingen Edward Hopper: The Art and the Artist åbnede på Whitney Museum of American Art og besøgte London, Düsseldorf og Amsterdam samt San Francisco og Chicago. For første gang nogensinde præsenterede denne udstilling Hoppers oliemalerier sammen med forberedende studier til disse værker. Dette var begyndelsen til Hoppers popularitet i Europa og hans store verdensomspændende ry.
I 2004 turnerede et stort udvalg af Hoppers malerier rundt i Europa og besøgte Museum Ludwig i Köln i Tyskland og Tate Modern i London. Tate-udstillingen blev den næstmest populære i galleriets historie med 420.000 besøgende i de tre måneder, den var åben.
I 2007 blev der i Museum of Fine Arts i Boston vist en udstilling med fokus på den periode, hvor Hopper havde sine største bedrifter – fra omkring 1925 til midten af århundredet – og den blev præsenteret på Museum of Fine Arts i Boston. Udstillingen omfattede halvtreds oliemalerier, tredive akvareller og tolv tryk, herunder favoritterne Nighthawks, Chop Suey og Lighthouse and Buildings. Udstillingen var arrangeret af Museum of Fine Arts, Boston, National Gallery of Art, Washington, og Art Institute of Chicago og blev sponsoreret af det globale managementkonsulentfirma Booz Allen Hamilton.
I 2010 afholdt Fondation de l”Hermitage-museet i Lausanne, Schweiz, en udstilling, der dækkede hele Hoppers karriere, med værker, der hovedsageligt stammer fra Whitney Museum i New York City. Den omfattede malerier, akvareller, raderinger, tegneserier, plakater samt nogle af de forberedende studier til udvalgte malerier. Udstillingen havde tidligere været vist i Milano og Rom. I 2011 afholdt The Whitney Museum of American Art en udstilling med titlen Edward Hopper and His Times.
I 2012 åbnede en udstilling i Grand Palais i Paris, der forsøgte at kaste lys over kompleksiteten i hans mesterværker, hvilket er en indikation af den rigdom, som Hoppers værk er. Den var kronologisk opdelt i to hoveddele: Den første del dækkede Hoppers formative år (1900-1924) og sammenlignede hans værker med samtidige kunstnere og kunst, som han så i Paris, og som kan have påvirket ham. Den anden del behandlede hans kunst i de modne år, fra de første malerier, der er emblematiske for hans personlige stil, såsom House by the Railroad (1924), til hans sidste værker.
I 2020 afholdt Fondation Beyeler en udstilling med Hoppers kunst. Udstillingen fokuserede på Hoppers “ikoniske repræsentationer af de uendelige amerikanske landskaber og bybilleder”. Dette aspekt er sjældent blevet omtalt i udstillinger, men det er en vigtig ingrediens for at forstå Hoppers værk.
Læs også, biografier-da – Virginia Woolf
Kunstmarkedet
Værker af Hopper er sjældent på markedet. Kunstneren var ikke produktiv, idet han kun malede 366 lærreder; i 1950”erne, da han var i 70”erne, producerede han ca. fem malerier om året. Hoppers mangeårige forhandler, Frank Rehn, som gav kunstneren sin første soloudstilling i 1924, solgte i 1957 Hotel Window (1956) til samleren Olga Knoepke for 7.000 dollars (svarende til 64.501 dollars i 2020). I 1999 solgte Forbes Collection det privat til skuespilleren Steve Martin for ca. 10 millioner dollars. I 2006 solgte Martin det for 26,89 mio. dollars hos Sotheby”s New York, hvilket var auktionsrekord for kunstneren.
I 2013 satte Pennsylvania Academy of Fine Arts Hoppers East Wind Over Weehawken (1934) til salg i håb om at opnå de 22-28 millioner dollars, som maleriet er vurderet til, for at oprette en fond til at erhverve “moderne kunst”, som ville stige i værdi. Det er en gadescene i mørke, jordnære toner, der skildrer huset med gavl på 1001 Boulevard East på hjørnet af 49th Street i Weehawken, New Jersey, og det betragtes som et af Hoppers bedste værker. Det blev erhvervet direkte fra den forhandler, der håndterede kunstnerens malerier i 1952, femten år før maleren døde, til en meget lav pris. Maleriet blev solgt for en rekordhøj pris på 36 millioner dollars hos Christie”s i New York til en anonym, telefonisk budgiver.
I 2018, efter kunstsamleren Barney A. Ebsworths død og den efterfølgende auktion af mange af værkerne fra hans samling, blev Chop Suey (1929) solgt for 92 millioner dollars og blev dermed det dyreste af Hoppers værker, der nogensinde er blevet købt på auktion.
Ud over sin indflydelse (se § Indflydelse) bliver Hopper ofte omtalt i populærkulturen.
I 1981 blev Hopper”s Silence, en dokumentarfilm af Brian O”Doherty, produceret af Whitney Museum of American Art, vist på New York Film Festival i Alice Tully Hall.
Den østrigske instruktør Gustav Deutsch har i 2013 skabt filmen Shirley – Visions of Reality baseret på 13 af Edward Hoppers malerier.
Andre værker, der er baseret på eller inspireret af Hoppers malerier, omfatter Tom Waits” album Nighthawks at the Diner fra 1975 og en serie fotografier af Gail Albert Halaban fra 2012.
I bogen (1985, 1998) og den omrejsende udstilling Hopper”s Places har Gail Levin fundet og fotograferet stederne for mange af Hoppers malerier. I sin anmeldelse i 1985 af en relateret udstilling arrangeret af Levin skrev Vivien Raynor i New York Times “Miss Levins udledninger er altid oplysende, som når hun konkluderer, at Hoppers tendens til at forlænge strukturer var en afspejling af hans egen store højde.”
New wave-bandet Orchestral Manoeuvres in the Dark”s album Crush fra 1985 har et kunstværk inspireret af flere Hopper-malerier, herunder Early Sunday Morning, Nighthawks og Room in New York. Bandets single “Night Cafe” fra 2013 var påvirket af Nighthawks og nævner Hopper ved navn. Syv af hans malerier refereres i teksten.
New York City Opera opførte østkystpremieren på Harlem Stage i 2016 af Stewart Wallaces “Hopper”s Wife” – en kammeropera fra 1997 om et imaginært ægteskab mellem Edward Hopper og sladderkronikøren Hedda Hopper.
Den irske forfatter Christine Dwyer Hickey udgav en roman, The Narrow Land, i 2019, hvor Edward og Jo Hopper var de centrale personer.
Paul Weller inkluderede en sang ved navn “Hopper” på sit album A Kind Revolution fra 2017.
Kilder
