Jean-Baptiste Camille Corot
gigatos | februar 14, 2022
Resumé
Jean-Baptiste-Camille Corot (16. juli 1796 – 22. februar 1875) var en fransk landskabs- og portrætmaler samt grafiker i radering. Han er en central figur i landskabsmaleriet, og hans omfattende produktion refererer på samme tid til den nyklassiske tradition og foregreb impressionismens plein-air-innovationer.
Læs også, biografier-da – Den tripolitanske krig
Tidligt liv og uddannelse
Jean-Baptiste-Camille Corot (forkortet Camille Corot) blev født i Paris den 16. juli 1796 i et hus på 125 Rue du Bac, som nu er nedrevet. Hans familie var borgerlige mennesker – hans far var parykmager og hans mor hattemager – og i modsætning til hvad nogle af hans kunstnerkolleger oplevede, følte han i hele sit liv aldrig mangel på penge, da hans forældre havde gode investeringer og drev deres forretninger godt. Efter at hans forældre var blevet gift, købte de den hattemagerforretning, hvor hans mor havde arbejdet, og hans far opgav sin karriere som parykmager for at drive forretningen i butikken. Butikken var et berømt rejsemål for fashionable parisere og skaffede familien en fremragende indkomst. Corot var det andet af tre børn, der blev født i familien, som boede over deres butik i disse år.
Corot fik et stipendium til at studere på Lycée Pierre-Corneille i Rouen, men forlod det efter at have haft skolemæssige vanskeligheder og kom på kostskole. Han “var ikke nogen genial elev, og i hele sin skolegang fik han ikke en eneste nominering til en pris, ikke engang til tegneundervisningen”. I modsætning til mange mestre, der viste tidligt talent og tilbøjelighed til kunst, viste Corot før 1815 ingen sådan interesse. I disse år boede han hos familien Sennegon, hvis patriark var en ven af Corots far, og som tilbragte meget tid med den unge Corot på naturvandringer. Det var i denne region, at Corot lavede sine første malerier efter naturen. Som 19-årig var Corot et “stort barn, genert og akavet”. Han rødmede, når man talte til ham. Over for de smukke damer, der besøgte hans mors salon, blev han forlegen og flygtede som en vild tingest … Følelsesmæssigt var han en kærlig og velopdragen søn, der forgudede sin mor og rystede, når hans far talte.” Da Corots forældre flyttede ind i en ny bolig i 1817, flyttede den 21-årige Corot ind i det tagvinduesrum på tredje sal, som også blev hans første atelier.
Med sin fars hjælp kom Corot i lære hos en drager, men han hadede handelslivet og foragtede det, han kaldte “forretningstricks”, men han forblev trofast i faget, indtil han var 26 år, hvor hans far indvilligede i, at han skulle vælge kunstnerfaget. Senere udtalte Corot: “Jeg fortalte min far, at forretningen og jeg simpelthen var uforenelige, og at jeg ville skilles.” Erhvervserfaringen viste sig imidlertid at være gavnlig, idet den hjalp ham med at udvikle en æstetisk sans gennem hans kontakt med stoffernes farver og teksturer. Måske af kedsomhed vendte han sig til oliemaleriet omkring 1821 og begyndte straks med landskaber. Fra 1822, efter sin søsters død, begyndte Corot at modtage en årlig understøttelse på 1500 francs, som i tilstrækkelig grad finansierede hans nye karriere, atelier, materialer og rejser resten af hans liv. Han lejede straks et atelier på quai Voltaire.
I den periode, hvor Corot fik midlerne til at hellige sig kunsten, var landskabsmaleriet i fremgang og var generelt opdelt i to lejre: det historisk-historiske landskab, som blev skabt af neoklassicister i Sydeuropa, og som repræsenterede idealiserede udsigter af virkelige og opdigtede steder med antikke, mytologiske og bibelske figurer, og det realistiske landskab, som var mere udbredt i Nordeuropa, og som i vid udstrækning var tro mod den faktiske topografi, arkitektur og flora, og som ofte viste figurer af bønder. I begge tilgange begyndte landskabskunstnerne typisk med udendørs skitser og indledende malerier, mens det afsluttende arbejde blev udført indendørs. I begyndelsen af det 19. århundrede fik de franske landskabskunstnere stor indflydelse fra englænderne John Constable og J. M. W. Turner, som forstærkede tendensen til fordel for realismen og væk fra nyklassicismen.
I en kort periode mellem 1821 og 1822 studerede Corot hos Achille Etna Michallon, en landskabsmaler på Corots alder, som var protegé af maleren Jacques-Louis David og allerede var en respekteret lærer. Michallon havde en stor indflydelse på Corots karriere. Corots tegneundervisning omfattede bl.a. eftertegning af litografier, kopiering af tredimensionelle former og fremstilling af landskabsskitser og -malerier i det fri, især i skovene ved Fontainebleau, havnebyerne langs Normandiet og landsbyerne vest for Paris som Ville-d”Avray (hvor hans forældre havde et landsted). Michallon udsatte ham også for principperne i den franske nyklassicistiske tradition, som den blev anbefalet i den berømte afhandling af teoretikeren Pierre-Henri de Valenciennes og eksemplificeret i de franske nyklassicister Claude Lorrains og Nicolas Poussins værker, hvis hovedformål var at fremstille den ideelle skønhed i naturen, der var forbundet med begivenheder i oldtiden.
Selv om denne skole var på vej nedad, havde den stadig en stor betydning i Salon, den førende kunstudstilling i Frankrig, som hver gang blev besøgt af tusindvis af deltagere. Corot udtalte senere: “Jeg lavede mit første landskab efter naturen … under denne malers opsyn, hvis eneste råd var at gengive alt, hvad jeg så foran mig, med den største omhyggelighed. Læren virkede; siden da har jeg altid værdsat præcisionen.” Efter Michallons tidlige død i 1822 studerede Corot hos Michallons lærer, Jean-Victor Bertin, en af de mest kendte neoklassiske landskabsmalere i Frankrig, som fik Corot til at tegne kopier af litografier af botaniske motiver for at lære præcise organiske former. Selv om Corot havde stor respekt for neoklassicisterne, begrænsede han ikke sin uddannelse til deres tradition for allegorier i den forestillede natur. Hans notesbøger afslører præcise gengivelser af træstammer, klipper og planter, som viser indflydelsen fra den nordiske realisme. Gennem hele sin karriere viste Corot en tilbøjelighed til at anvende begge traditioner i sit arbejde, og nogle gange kombinerede han de to traditioner.
Læs også, biografier-da – Robert Altman
Første rejse til Italien
Med sine forældres støtte fulgte Corot det veletablerede mønster af franske malere, der tog til Italien for at studere den italienske renæssances mestre og tegne den romerske oldtids smuldrende monumenter. En betingelse fra forældrene inden afrejsen var, at han skulle male et selvportræt til dem, hans første. Corots ophold i Italien fra 1825 til 1828 var meget lærerigt og produktivt, og han færdiggjorde over 200 tegninger og 150 malerier i løbet af dette ophold. Han arbejdede og rejste sammen med flere unge franske malere, der også studerede i udlandet, og som malede sammen og om aftenen mødtes på caféerne, hvor de kritiserede hinanden og sladrede. Corot lærte ikke meget af renæssancens mestre (selv om han senere nævnte Leonardo da Vinci som sin yndlingsmaler) og tilbragte det meste af sin tid omkring Rom og på det italienske landskab. Farnese-haven med dens pragtfulde udsigt over de antikke ruiner var et hyppigt mål, og han malede den på tre forskellige tidspunkter af dagen. Uddannelsen var især værdifuld for at få en forståelse for udfordringerne ved både mellem- og panoramaperspektivet og for effektivt at placere menneskeskabte strukturer i en naturlig ramme. Han lærte også at give bygninger og klipper en effekt af volumen og soliditet med det rette lys og skygge, samtidig med at han brugte en glat og tynd teknik. Desuden var det en nødvendighed for et godt landskabsmaleri at placere passende figurer i en verdslig ramme for at tilføje menneskelig sammenhæng og skala, og det var endnu vigtigere i allegoriske landskaber. Med henblik herpå arbejdede Corot med figurstudier i indfødte dragter såvel som nøgenfigurer. Om vinteren tilbragte han tid i atelieret, men vendte tilbage til arbejdet udendørs så hurtigt som vejret tillod det. Det intense lys i Italien var en stor udfordring: “Denne sol afgiver et lys, der får mig til at fortvivle. Det får mig til at føle min palettes totale magtesløshed.” Han lærte at beherske lyset og at male stenene og himlen i subtile og dramatiske variationer.
Det var ikke kun italiensk arkitektur og lys, der fangede Corots opmærksomhed. Den sent blomstrende Corot var også betaget af italienske kvinder: “De har stadig de smukkeste kvinder i verden, som jeg har mødt…. deres øjne, deres skuldre og deres hænder er spektakulære. På det punkt overgår de vores kvinder, men på den anden side er de ikke deres ligeværdige i ynde og venlighed … Selv foretrækker jeg som maler den italienske kvinde, men jeg hælder til den franske kvinde, når det drejer sig om følelser.” På trods af sin stærke tiltrækning til kvinder skrev han om sit engagement i maleriet: “Jeg har kun ét mål i livet, som jeg vil forfølge trofast: at lave landskaber. Denne faste beslutning holder mig fra en alvorlig tilknytning. Det vil sige i ægteskab … men min uafhængige natur og mit store behov for seriøse studier får mig til at tage let på sagen.”
Læs også, kampe – Aubrey Beardsley
Stræben efter salonen
I de seks år, der fulgte efter hans første og andet besøg i Italien, koncentrerede Corot sig om at forberede store landskaber til præsentation i salonen. Flere af hans salonmalerier var tilpasninger af hans italienske olieskitser, som han havde bearbejdet i atelieret ved at tilføje forestillede, formelle elementer, der var i overensstemmelse med de neoklassiske principper. Et eksempel herpå var hans første salonbidrag, Udsigt ved Narni (1827), hvor han tog sit hurtige, naturlige studie af en ruin af en romersk akvædukt i støvet, lysende sol og omdannede det til en falsk idyllisk pastoral indstilling med gigantiske skyggefulde træer og grønne græsplæner, en omdannelse, der skulle appellere til de neoklassiske jurymedlemmer. Mange kritikere har værdsat hans italienske malerier i friluftsliv højt for deres “kim til impressionisme”, deres trofasthed over for det naturlige lys og deres undgåelse af akademiske værdier, selv om de var tænkt som studier. Flere årtier senere revolutionerede impressionismen kunsten ved at anvende en lignende fremgangsmåde – hurtigt, spontant maleri udført i det fri; men hvor impressionisterne brugte hurtigt påførte, uforblandede farver til at fange lys og stemning, blandede og blandede Corot normalt sine farver for at opnå sine drømmende effekter.
Når Corot ikke var i atelieret, rejste han rundt i Frankrig og koncentrerede sig om rustikke landskaber, hvilket afspejlede hans italienske metoder. Han vendte tilbage til Normandiets kyst og til Rouen, den by, han boede i som ung. Corot lavede også nogle portrætter af venner og familiemedlemmer og modtog sine første bestillinger. Hans følsomme portræt af sin niece Laure Sennegon, klædt i pudderblåt, var et af hans mest vellykkede og blev senere doneret til Louvre. Han malede typisk to kopier af hvert familieportræt, en til motivet og en til familien, og han lavede også ofte kopier af sine landskaber.
I foråret 1829 kom Corot til Barbizon for at male i skoven ved Fontainebleau; han havde første gang malet i skoven ved Chailly i 1822. Han vendte tilbage til Barbizon i efteråret 1830 og sommeren 1831, hvor han lavede tegninger og oliestudier, hvoraf han lavede et maleri til salonen i 1830, hans “View of the Forest of Fontainebleau” (nu i National Gallery i Washington) og til salonen i 1831 endnu et “View of the Forest of Fontainebleau”. Under opholdet mødte han medlemmerne af Barbizon-skolen: Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet og den unge Charles-François Daubigny. Corot udstillede et portræt og flere landskaber i salonen i 1831 og 1833. Hans modtagelse af kritikerne i salonen var kølig, og Corot besluttede at vende tilbage til Italien, da han ikke havde kunnet tilfredsstille dem med sine nyklassiske temaer.
Læs også, biografier-da – Cornelius Nepos
Midt i karrieren
På sine to tilbagevendende rejser til Italien besøgte han Norditalien, Venedig og igen det romerske landskab. I 1835 skabte Corot en sensation i salonen med sit bibelske maleri Agar dans le desert (Hagar i ørkenen), der forestillede Hagar, Sarahs tjenestepige, og barnet Ismael, der dør af tørst i ørkenen, indtil de bliver reddet af en engel. Baggrunden stammer sandsynligvis fra et italiensk studie. Denne gang lykkedes Corots uventede, dristige og friske udtalelse om det nyklassicistiske ideal hos kritikerne ved at demonstrere “harmonien mellem omgivelserne og den lidelse eller lidelse, som maleren vælger at skildre i dem”. Han fulgte det op med andre bibelske og mytologiske emner, men disse malerier havde ikke samme succes, da salonkritikerne fandt ham mangelfuld i sammenligninger med Poussin. I 1837 malede han sin tidligste overlevende nøgenbillede, Nymfen ved Seinen. Senere gav han sine elever følgende råd: “Studiet af nøgenbilleder er den bedste lære, som en landskabsmaler kan få. Hvis nogen ved, hvordan man uden tricks kan få en figur ned, er han i stand til at lave et landskab; ellers kan han aldrig gøre det.”
Op gennem 1840”erne havde Corot fortsat problemer med kritikerne (mange af hans værker blev blankt afvist til udstilling i salonen), og mange værker blev heller ikke købt af offentligheden. Selv om anerkendelsen og accepten af det etablerede samfund kom langsomt, førte Baudelaire i 1845 an i en sag, hvor han erklærede Corot for lederen af den “moderne skole for landskabsmaleri”. Mens nogle kritikere fandt Corots farver “blege” og hans værker “naivt akavede”, svarede Baudelaire klogt: “M. Corot er mere harmoniker end kolorist, og hans kompositioner, som altid er helt uden pedanteri, er forførende alene på grund af deres enkle farver.” I 1846 dekorerede den franske regering ham med korset af Légion d”honneur, og i 1848 fik han en medalje af anden klasse i Salon, men han modtog kun lidt statsligt mæcenat som følge heraf. Hans eneste bestillingsarbejde var et religiøst maleri til et dåbskapel, som han malede i 1847 i stil med renæssancemestrene. Selv om etablissementet holdt sig tilbage, anerkendte andre malere Corots voksende statur. I 1847 noterede Delacroix i sin dagbog: “Corot er en sand kunstner. Man skal se en maler i sit eget sted for at få en idé om hans værdi … Corot fordyber sig dybt i et emne: ideer kommer til ham, og han tilføjer, mens han arbejder; det er den rigtige fremgangsmåde.” Efter Delacroix” anbefaling købte maleren Constant Dutilleux et Corot-maleri og indledte et langt og givende forhold til kunstneren, der bragte ham venskab og mæcener. Corots offentlige behandling forbedredes dramatisk efter revolutionen i 1848, hvor han blev optaget som medlem af Salon-juryen. Han blev forfremmet til officer i Salon i 1867.
Corot havde opgivet ethvert længerevarende forhold til kvinder og forblev meget tæt knyttet til sine forældre selv i halvtredserne. En samtidige sagde om ham: “Corot er en principiel mand, ubevidst kristen; han overlader al sin frihed til sin mor … han må tigge hende gentagne gange for at få lov til at gå ud … til middag hver anden fredag.” Bortset fra sine hyppige rejser forblev Corot tæt knyttet til sin familie, indtil hans forældre døde, hvorefter han endelig fik frihed til at gå, som han ville. Denne frihed gjorde det muligt for ham at tage elever til uformelle sessioner, herunder de jødiske kunstnere Édouard Brandon og den senere impressionist Camille Pissarro, som kortvarigt var blandt dem. Corots energiske og skarpsindige råd imponerede hans elever. Charles Daubigny udtalte: “Han er en perfekt Old Man Joy, denne Fader Corot. Han er i det hele taget en vidunderlig mand, der blander vittigheder ind i sine meget gode råd.” En anden elev sagde om Corot: “Aviserne havde forvansket Corot så meget, idet de havde lagt Theokrit og Vergil i hans hænder, at jeg var ret overrasket over at finde ham, der hverken kunne græsk eller latin… Hans velkomst er meget åben, meget fri, meget morsom: han taler eller lytter til dig, mens han hopper på en eller to fødder; han synger brudstykker af opera med en meget sand stemme.” Men han har en “snu, bidsk side, der omhyggeligt er skjult bag hans gode natur”.
I midten af 1850”erne begyndte Corots stadig mere impressionistiske stil at få den anerkendelse, der fastlagde hans plads i den franske kunst. “M. Corot udmærker sig … ved at gengive vegetationen i dens friske begyndelse; han gengiver på vidunderlig vis den nye verdens første unger.” Fra 1850”erne og fremefter malede Corot mange landskabssouvenirs og paysages, drømmende fantasimalerier af huskede steder fra tidligere besøg, malet med lette og løst klatterende streger.
Læs også, biografier-da – Algernon Swinburne
Senere år
I 1860”erne blandede Corot stadig bondefigurer med mytologiske figurer og blandede nyklassicisme med realisme, hvilket fik en kritiker til at beklage: “Hvis M. Corot en gang for alle ville dræbe nymferne i sine skove og erstatte dem med bønder, ville jeg kunne lide ham over al forventning.” I virkeligheden blev hans menneskelige figurer senere i livet flere og nymferne færre, men selv de menneskelige figurer blev ofte sat i idylliske drømme.
Senere i livet var Corots atelier fyldt med elever, modeller, venner, samlere og forhandlere, der kom og gik under mesterens tolerante blik, hvilket fik ham til at sige: “Hvorfor er der ti af jer omkring mig, og ikke en eneste af jer tænker på at tænde min pibe igen?” Forhandlerne tog hans værker til sig, og hans priser lå ofte over 4.000 franc pr. maleri. Da Corot havde sikret sig succes, gav han gavmildt af sine penge og sin tid. Han blev en af de ældste i kunstnersamfundet og brugte sin indflydelse til at få bestillinger til andre kunstnere. I 1871 gav han 2.000 pund til de fattige i Paris, der var under belejring af preusserne. (se: Den fransk-preussiske krig) Under den egentlige Pariserkommune var han i Arras sammen med Alfred Robaut. I 1872 købte han et hus i Auvers som en gave til Honoré Daumier, der på det tidspunkt var blind, uden midler og hjemløs. I 1875 donerede han 10.000 francs til Millet-enken til støtte for hendes børn. Hans velgørenhed var nærmest legendarisk. Han støttede også finansielt vedligeholdelsen af en daginstitution for børn i rue Vandrezanne i Paris. Senere i livet forblev han en ydmyg og beskeden mand, upolitisk og tilfreds med sit held i livet, og han holdt fast ved den overbevisning, at “mænd ikke bør puste sig op med stolthed, hvad enten de er kejsere, der føjer denne eller hin provins til deres imperier, eller malere, der opnår et ry”.
Trods stor succes og anerkendelse blandt kunstnere, samlere og de mere generøse kritikere mente hans mange venner dog, at han blev officielt forsømt, og i 1874, kort tid før hans død, overrakte de ham en guldmedalje. Han døde i Paris af en mavesygdom i en alder af 78 år og blev begravet på Père Lachaise-kirkegården.
En række tilhængere kaldte sig Corots elever. De mest kendte er Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux og Alexandre Defaux.
Corot er en central figur i landskabsmaleriet. Hans værker refererer på samme tid til den nyklassiske tradition og foregriber impressionismens plein-air-innovationer. Claude Monet udbrød om ham i 1897: “Der er kun én mester her – Corot. Vi er intet i forhold til ham, intet.” Hans bidrag til figurmaleriet er næppe mindre vigtigt; Degas foretrak hans figurer frem for sine landskaber, og Picassos klassiske figurer er en åbenlys hyldest til Corots indflydelse.
Historikere har inddelt hans værker i perioder, men opdelingen er ofte uklar, da han ofte afsluttede et billede flere år efter, at han begyndte på det. I sin tidlige periode malede han traditionelt og “stramt” – med minutiøs nøjagtighed, klare konturer, tynde penselstrøg og med en absolut definition af genstande hele vejen igennem, med en monokromatisk undermaling eller ébauche. Efter han nåede sit 50. år, ændrede hans metoder sig til at fokusere på en bred tone og en tilgang til poetisk kraft, der blev formidlet med tykkere maling; og omkring 20 år senere, fra omkring 1865 og frem, blev hans måde at male på mere lyrisk, påvirket af et mere impressionistisk præg. Denne udvikling i udtrykket kan til dels ses som en markering af overgangen fra hans ungdoms malerier i friluftsmiljøet, der var gennemsyret af varmt naturligt lys, til de landskaber, der blev skabt i atelieret i hans sene modenhed, og som var indhyllet i ensartede sølvtoner. I sine sidste 10 år blev han “Père (Fader) Corot” i parisiske kunstnerkredse, hvor han blev betragtet med personlig hengivenhed og anerkendt som en af de fem eller seks største landskabsmalere, verden har set, sammen med Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner og John Constable. I sit lange og produktive liv malede han over 3.000 malerier.
Selv om Corot ofte bliver betragtet som en forløber for impressionisterne, arbejdede han mere traditionelt med sine landskaber, end man normalt tror. Sammenlignet med de impressionister, der kom senere, er Corots palet tilbageholdende og domineret af brune og sorte farver (“forbudte farver” blandt impressionisterne) samt mørk og sølvgrøn. Selv om han til tider virker hurtig og spontan, var hans streger normalt kontrollerede og omhyggelige, og hans kompositioner var velovervejede og generelt så enkle og kortfattede som muligt, hvilket forstærkede billedsprogets poetiske virkning. Som han selv sagde: “Jeg bemærkede, at alt, hvad der var gjort korrekt i første forsøg, var mere sandt, og formerne var smukkere.”
Corots tilgang til sine motiver var ligeledes traditionel. Selv om han var en stor tilhænger af plein-air-studier, var han hovedsagelig en ateliermaler, og kun få af hans færdige landskaber blev færdiggjort før motivet. Det meste af sit liv brugte Corot sine somre på at rejse og indsamle studier og skitser, mens han om vinteren færdiggjorde mere polerede, markedsklare værker. F.eks. henviser titlen på hans Badende på de borromæiske øer (1865-70) til Lago Maggiore i Italien, på trods af at Corot ikke havde været i Italien i 20 år. Hans vægt på at tegne billeder fra fantasien og hukommelsen snarere end direkte observation var i overensstemmelse med smagen hos salonjuryen, som han var medlem af.
I 1860”erne begyndte Corot at interessere sig for fotografi, han tog selv billeder og stiftede bekendtskab med mange af de tidlige fotografer, hvilket fik ham til at undertrykke sin malerpalet endnu mere i takt med de monokrome toner i fotografierne. Dette havde det resultat, at hans malerier blev endnu mindre dramatiske, men noget mere poetiske, et resultat, som fik nogle kritikere til at påpege en monotoni i hans senere værker. Théophile Thoré skrev, at Corot “har kun en enkelt oktav, yderst begrænset og i en mindre toneart; en musiker ville sige. Han kender næppe mere end et enkelt tidspunkt på dagen, morgenen, og en enkelt farve, lysegrå.” Corot svarede:
Det, der er at se i maleriet, eller rettere sagt, det jeg søger, er formen, helheden, tonernes værdi… Derfor kommer farven for mig først bagefter, fordi jeg elsker mere end noget andet den samlede effekt, tonernes harmoni, mens farven giver en slags chok, som jeg ikke bryder mig om. Måske er det overskridelsen af dette princip, der får folk til at sige, at jeg har blyholdige toner.
Med sin modvilje mod chokerende farver adskilte Corot sig markant fra de fremadstormende impressionister, som var glade for at eksperimentere med levende nuancer.
Ud over sine landskaber (den sene stil var så populær, at der findes adskillige forfalskninger), fremstillede Corot en række værdifulde figurbilleder. Selv om motiverne nogle gange var placeret i pastorale omgivelser, var det for det meste atelierbilleder, der var tegnet fra den levende model med både specificitet og finesse. Ligesom hans landskaber er de præget af en kontemplativ lyrisme, hvor hans sene malerier L”Algérienne (Algerisk kvinde) og La Jeune Grecque (Den græske pige) er fine eksempler. Corot malede omkring halvtreds portrætter, hovedsagelig af familie og venner. Han malede også tretten liggende nøgne, og hans Les Repos (1860) ligner påfaldende meget den berømte Le Grande Odalisque (1814) fra Ingres, men Corots kvinde er i stedet en rustik bacchante. I sit måske sidste figurmaleri, Lady in Blue (1874), opnår Corot en effekt, der minder om Degas”, blød og alligevel udtryksfuld. I alle tilfælde af hans figurmaleri er farven tilbageholdende og er bemærkelsesværdig for sin styrke og renhed. Corot udførte også mange raderinger og blyantskitser. Nogle af skitserne anvendte et system af visuelle symboler – cirkler, der repræsenterer områder med lys, og firkanter, der repræsenterer skygger. Han eksperimenterede også med cliché verre-processen – en blanding af fotografi og gravering. Fra 1830”erne malede Corot også dekorative paneler og vægge i venners hjem, med hjælp fra sine elever.
Corot opsummerede sin tilgang til kunst omkring 1860: “Jeg fortolker med min kunst lige så meget som med mit øje.”
Corots værker befinder sig på museer i Frankrig og Holland, Storbritannien, Nordamerika og Rusland.
Det stærke marked for Corots værker og hans relativt let efterlignelige sene malerstil resulterede i en enorm produktion af Corot-forfalskninger mellem 1870 og 1939. René Huyghe sagde i en berømt kommentar, at “Corot malede tre tusind lærreder, hvoraf ti tusind er blevet solgt i Amerika”. Selv om dette er en humoristisk overdrivelse, er der blevet samlet tusindvis af forfalskninger, og alene Jousseaume-samlingen indeholder 2 414 af disse værker. Corots lempelige holdning, som tilskyndede til kopiering og forfalskning, bidrog til problemet. Han tillod sine elever at kopiere hans værker og endda at låne dem for senere at returnere dem, han rettede op på og underskrev eksemplarer fra elever og samlere, og han lånte værker ud til professionelle kopister og udlejningsfirmaer. Ifølge Corot-katalogisten Etienne Moreau-Nélaton sagde han i et af kopistudierne: “Mesterens selvtilfredse pensel autentificerede disse kopier med nogle få personlige og afgørende retoucher. Da han ikke længere var der til at færdiggøre sine “dubletter”, fortsatte de med at fremstille dem uden ham.” Katalogiseringen af Corots værker i et forsøg på at adskille kopierne fra originalerne gav bagslag, da forfalskerne brugte publikationerne som vejledninger til at udvide og forfine deres falske malerier.
To af Corots værker er med og spiller en vigtig rolle i handlingen i den franske film L”Heure d”été (den engelske titel Summer Hour) fra 2008. Filmen blev produceret af Musée d”Orsay, og de to værker blev udlånt af museet til optagelsen af filmen.
Der er en gade ved navn Rue Corot på Île des Sœurs i Quebec, som er opkaldt efter kunstneren.
I Arthur Conan Doyles roman The Sign of the Four fra 1890 har Thaddeus Sholto et ukendt værk af Corot stående fremme.
Læs også, biografier-da – Yves Klein
Referencer
Kilder
