Jean-François Millet

Alex Rover | september 18, 2022

Post Views: 13

Resumé

Jean-François Millet (20. januar 1875) var en fransk realistisk maler, der blev født ind i en bondefamilie. Han blev uddannet hos en lokal maler i Cherbourg og studerede derefter i Paris i 1837 hos Delaroche. Han var påvirket af Daumier og arbejdede i en pastoralstil med socialistiske strejf, som han videreudviklede i landsbyen Barbizon i skoven ved Fontainebleau, hvor han i 1849 slog sig ned sammen med Theodore Rousseau, Narcisse Diaz og andre. Medlemmerne af denne gruppe, der er kendt som Barbizon-skolen og påvirket af Corot, de hollandske landskabsmalere fra det 17. århundrede og Constable, var impressionismens forløbere. Han var kendt for sine scener med landmænd, hvor han forsøgte at udtrykke bondemenneskets uskyldighed i modsætning til den nedværdigelse, der følger med den borger, der er nedsænket i industrisamfundet. Han indgår i den realistiske og naturalistiske bevægelse. Han døde i Barbizon i 1875.

Læs også, biografier-da – Boris Jeltsin

Ungdom fra 1830-1840

Millet var den førstefødte franske realistiske maler af Jean-Louis-Nicolas og Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, der var medlemmer af bondesamfundet i landsbyen Gruchy i kommunen Gréville-Hague i Normandiet. Under vejledning af to landsbypræster lærte Millet latin og moderne forfattere, inden han i 1833 blev sendt til Cherbourg for at studere hos portrætmaler Paul Dumouchel. I 1835 studerede han på fuld tid hos Lucien-Théophile Langlois, en elev af baron Gros, i Cherbourg. Langlois og andre støttede ham økonomisk, så han kunne flytte til Paris i 1837, hvor han studerede på École des Beaux-Arts hos Paul Delaroche. I 1839 afsluttede han sin læretid, og det første, han sendte til salonen, blev afvist.

Læs også, biografier-da – Mary Cassatt

Det parisiske liv

I 1837 fik Millet et stipendium, der gjorde det muligt for ham at flytte til Paris, hvor han gik på École des Beaux-Arts. Her fuldendte han sine kundskaber i atelieret hos historiemaleren Paul Delaroche. Senere blev han venner med Constant Troyon, Narcisse Diaz, Charles Jacque og Théodore Rousseau, kunstnere, der ligesom Millet ville blive forbundet med Barbizon-skolen; de hjalp ham alle og spillede en afgørende rolle i hans beslutning om at forlade den “dystre og kaotiske” by, som han med egne ord aldrig havde kunnet lide; bortset fra de bondeagtige skikke og den barske karakter, var han ikke enig i den parisiske livsstil og vendte tilbage til Cherbourg for at starte en karriere som portrætmaler. Efter 1840 bevægede han sig væk fra den officielle malerstil og kom under indflydelse af Honoré Daumier, hvis figurtegning ville påvirke Millet”s senere skildringer af bondeemner, og fra hvem han lærte fornemmelsen for kontrast af lys og skygge samt opbygningen af den menneskelige krop med enkle volumener, og Alfred Sensier, en regeringsbureaukrat, som blev en livslang fortaler og med tiden kunstnerens biograf. I 1847 opnåede han sin første succes i salonen med maleriet Ødipus, der stiger ned fra træet, og i 1848 købte regeringen hans Troldmand.

Hans velkendte begyndelse var El aventador (“Vinderen”, 1848). I 1850”erne observerede han landarbejdere i den anden republiks demokratiske år, og hans værk er melankolsk i sin alvor og især i sin sociale fordømmelse (Mujeres cargando leña, 1851), og selv i senere værker som El Hombre de la azada (Manden med hakkejernet, 1859-1862). Denne vægt på at påpege den “sentimentale æstetik hos hans resignerede landarbejdere” førte til hyppige afvisninger af hans værker, som ifølge Novonty bør revideres, og man bør forsøge at opretholde en korrekt balance i vurderingen af hans kunst.

I 1841 blev han gift med Pauline-Virginie Ono, og de flyttede til Paris. Efter at være blevet afvist ved salonen i 1843 og Pauline døde af tuberkulose, vendte Millet tilbage til Cherbourg. I 1845 flyttede Millet til Le Havre med Catherine Lemaire, som han giftede sig med ved en borgerlig vielse i 1853; de fik ni børn og skulle forblive sammen resten af Millet”s liv. I Le Havre malede han portrætter og små genrestykker i flere måneder, før han vendte tilbage til Paris.

Jødernes fangenskab i Babylon, Millet”s mest ambitiøse værk til dato, blev udstillet på salonen i 1848, men blev hånet af både kritikere og publikum. Maleriet forsvandt kort efter, hvilket fik historikere til at tro, at Millet ødelagde det. I 1984 røntgenfotograferede forskere på Museum of Fine Arts i Boston Millet”s maleri “Den unge hyrdin” fra 1870 for mindre ændringer og opdagede, at det var overmalet: Jødernes fangenskab i Babylon. Det menes nu, at Millet genbrugte lærredet, da materialerne blev knappe på grund af den fransk-preussiske krig.

Læs også, historie – Den sorte død

Barbizon-skolen

En betegnelse for en gruppe malere, der omkring 1818 samledes i den franske landsby af samme navn og dens omgivelser nær skoven i Fontainebleau. Den er også kendt som Fontainebleau-skolen, og dens produktion anses for at være den mest energiske landskabsbevægelse i Frankrig i det 19. århundrede. Han malede med bemærkelsesværdig præcision et friluftsmaleri under omhyggelig observation af naturlige omgivelser og afviste akademisk og neoklassisk komposition. De er løst malede og er for det meste landskaber med sletter, træer og skove. De mest repræsentative malere var Jean-Camille Corot, selv om arrangøren, lederen af gruppen og teoretikeren var Theodore Rousseau. Blandt de andre hovedpersoner kan nævnes Jules Dupré, hvis værk er kendetegnet ved den dystre brug af lys, og Jean Francois Millet, en sand fornyer på grund af hans særlige emner, som ophøjede bøndernes og landarbejdernes verden.

I 1849 malede Millet en statslig bestilling af høstmaskiner. På salonen samme år udstillede han “Shepherdess Seated at the Edge of the Forest”, et meget lille oliemaleri, der markerede hans bevægelse væk fra de tidligere idealiserede pastorale motiver til fordel for en mere realistisk og personlig tilgang. I juni 1849 ankom han til Barbizon med Catherine og hendes børn og sluttede sig til kredsen af den skole, der har fået sit navn fra denne by.

I 1850 indgik Millet en aftale med Sensier, som stillede materialer og penge til rådighed for kunstneren til gengæld for tegninger og malerier, mens Millet beholdt retten til fortsat at sælge værker til andre købere. På salonen samme år udstillede han Labradorerne og Sædemanden, sit første store mesterværk og det første af den ikoniske trio af malerier, der skulle omfatte Gleanerne og Angelus.

Fra 1850 til 1853 arbejdede Millet på Høstfolkene i hvile (Ruth og Boaz), et maleri, som han ville betragte som det vigtigste, og som han arbejdede længst på. Maleriet, der skulle konkurrere med hans helte Michelangelo og Poussin, var også det maleri, der markerede hans overgang fra at skildre symbolske billeder af bondelivet til at skildre nutidige sociale forhold. Det var det eneste maleri, som han daterede, og det var det første værk, der fik officiel anerkendelse, nemlig en andenklasses medalje på salonen i 1853.

Millet havde ligesom Théodore Rousseau en dybfølt sans for naturen: han fortolkede den (snarere end blot at afspejle den) ved at forstå jordens, træernes og stiernes stemmer. Millet hævdede at føle mere i naturen end det, sanserne gav ham. Den til tider sentimentale tone i hans værker (Angelus og Døden og skovhuggeren) adskiller ham noget fra den anden store realist, Courbet, som var mere hård og oprørsk.

Forfatteren vil forsøge at portrættere det ydmyge bondefolk i en gestus af beundring for de fattige mennesker i landdistrikterne, forføre republikanerne og irritere borgerskabet ved at behandle dette som et centralt tema i sit værk.

Den, der er en aftager

Foran et dramatisk indre rum lider figuren af den hvedekværnsmand, der siver hveden med fødderne i brede træsko og gamle klude, der er bundet med et stykke snor over bukserne for at forhindre dem i at blive ødelagt, som et afslørende billede, selv om den, som altid hos Millet, er underlagt den ydmyge landarbejders fattigdom og hårde daglige kamp for overlevelse.

Dette er et af Millet”s mest kendte malerier, Gleanerne (1857). Ved at vandre rundt på markerne omkring Barbizon optrådte et tilbagevendende tema i Millet”s blyant og pensel i syv år – indsamling, de fattige kvinders og børns århundredgamle ret til at bære korn, der ligger tilbage på markerne efter høsten, væk. Han fandt, at det var et tidløst tema, der var forbundet med historier fra Det Gamle Testamente. I 1857 præsenterede han maleriet The Gleaners i salonen for et lunkent, ja, endog fjendtligt publikum.

(Tidligere versioner omfatter en vertikal komposition malet i 1854, en radering fra 1855-56, som direkte foregreb det horisontale format af maleriet, der nu befinder sig på Musée d”Orsay).

Et varmt gyldent lys antyder noget helligt og evigt i denne hverdagsscene, hvor kampen for overlevelse udspiller sig. I løbet af sine år med forberedende studier overvejede Millet, hvordan han bedst kunne formidle følelsen af gentagelse og træthed i bøndernes dagligdag. De linjer, der er tegnet på hver kvindes ryg, fører ned til jorden og gentager sig derefter i en bevægelse, der er identisk med deres endeløse og udmattende arbejde. Langs horisonten skitserer solnedgangen gården med dens store kornbunker i kontrast til de lange, skyggeagtige figurer i forgrunden. De enkle, mørke kjoler, som de indsamlere havde på, tegnede sig stærkt mod den gyldne mark og gav hver enkelt kvinde en ædel, monumental styrke.

Maleriet blev bestilt af Thomas Gold Appleton, en amerikansk kunstsamler bosiddende i Boston, Massachusetts, som tidligere havde studeret hos Barbizon-maleren Constant Troyon, der var en ven af Millet. Det blev færdiggjort i sommeren 1857. Millet tilføjede et klokketårn og ændrede værkets oprindelige titel, Prayer for the Potato Harvest, til The Angelus, da køberen ikke tog det i 1859. Maleriet blev første gang vist til offentligheden i 1865, men det skiftede ejer flere gange og steg kun beskedent i værdi, da kunstneren af nogle blev anset for at have mistænkelige politiske sympatier. Da Millet døde et årti senere, udbrød der en budkrig mellem USA og Frankrig, som et par år senere endte med en pris på 800.000 guldfrancs.

Misforholdet mellem maleriets tilsyneladende værdi og den fattige situation, som Millet”s efterladte familie befandt sig i, var en vigtig drivkraft bag etableringen af droit de suite, som skulle kompensere kunstnere eller deres arvinger, når deres værker blev solgt videre.

Angelus af Jean Francois Millet var tænkt som en ophøjelse af bøndernes arbejde, fri for den brutalisering, som tidens proletariat var udsat for, og som en hymne til forsoningen mellem menneske og natur. Kompositionen følger et simpelt skema: i et åbent landskab placerer maleren de to figurer i forgrunden, hvilket giver dem en næsten skulpturel tilstedeværelse, som forstærkes af en mesterlig brug af lyset, der fremhæver de to figurers modellering. I 1935 tog Salvador Dalí dette maleri som et eksempel på det, han kaldte den “kritiske paranoide metode”. Ifølge hans fortolkning, der er forståelig inden for et surrealistisk skema, beder figurerne ikke Angelus, men begraver deres søn, hvis lig ligger i kurven i forgrunden. Hans analyse gik endnu længere, da han sammenlignede kvindefiguren med en bedende mantis, der er ved at fortære manden, som venter underdanigt og skjuler sin erektion med sin hat.

Læs også, biografier-da – Ronald Ross

De seneste år

Trods blandede anmeldelser af de malerier, han udstillede i salonen, voksede Millet”s omdømme og succes i løbet af 1860”erne. I begyndelsen af dette årti fik han en kontrakt om at male 25 værker for et månedligt beløb i de næste tre år, og i 1865 begyndte en anden mæcen, Émile Gavet, at bestille pastelværker fra ham til en samling, der med tiden nåede op på 90 værker. I 1867 var Verdensudstillingen vært for en stor udstilling af hans værker, hvor The Gleaners, The Angelus og Potato Planters var blandt de udstillede malerier. Året efter bestilte Frédéric Hartmann Four Seasons for 25.000 franc, og Millet blev udnævnt til ridder af æreslegionen.

I 1870 blev Millet valgt som jurymedlem i salonen. Senere samme år flygtede han og hans familie fra den fransk-preussiske krig og flyttede til Cherbourg og Gréville, og de vendte først tilbage til Barbizon i slutningen af 1871. Hans sidste år var præget af økonomisk succes og stigende officiel anerkendelse, men han var ikke i stand til at udføre regeringsopgaver på grund af sit svigtende helbred. Den 3. januar 1875 giftede han sig med Catherine i en religiøs ceremoni. Millet døde den 20. januar 1875.

Millet var en vigtig inspirationskilde for Vincent van Gogh, især i hans tidlige periode. Millet og hans værk nævnes mange gange i Vincents breve til sin bror Theo. Millet”s sene landskaber skulle tjene som indflydelsesrige referencepunkter for Claude Monet”s malerier af Normandiets kyst; deres strukturelle og symbolske indhold påvirkede også Georges Seurat.

Millet er hovedpersonen i Mark Twains Is He Dead? (1898), hvor han skildres som en ung kunstner, der lever på kanten af sit liv og lader som om han er død for at opnå berømmelse og formue. De fleste af detaljerne om Millet i stykket er opdigtede.

Millet”s maleri L”homme à la houe inspirerede Edwin Markhams berømte digt “The Man With the Hoee” (1898).

Angelus blev ofte gengivet i det 19. og 20. århundrede. Salvador Dalí var fascineret af dette værk og skrev en analyse af det, The Tragic Myth of Millet”s Angelus. I stedet for at se åndelig fred i værket, mente Dalí, at det indeholdt budskaber om undertrykt seksuel aggression. Dalí mente også, at de to figurer beder over deres døde barns grav, snarere end Angelus. Dalí var så insisterende på dette faktum, at lærredet til sidst blev røntgenfotograferet, hvilket bekræftede hans mistanke: maleriet indeholder en geometrisk form, der senere blev malet over, som ligner en kiste. Det vides dog ikke, om Millet ændrede mening om maleriets betydning, eller om formen virkelig er en kiste.

Kilder

Jean-François Millet
Jean-François Millet
a b c Murphy, p.xix.
Champa, p.183.
^ Murphy, p.xix.
^ his biographer Alfred Sensier, p. 34
^ a b McPherson, H. (2003). Millet, Jean-François. Grove Art Online.
^ Honour, H. and J. Fleming, p. 669.
a et b Jean-François Millet, un peintre de la Hague, Documentaire avec Lucien Lepoittevin
a et b Geneviève Lacambe, Henri Soldani et Bertrand Tillier, L”ABCdaire de Millet, Flammarion, 1998
(en) Jon Thompson, How to Read a Modern Painting: Lessons from the Modern Masters, Harry N. Abrams, 2006, page 28
(en) « Biographie », sur Tokyo Fuji Art Museum (consulté le 19 mai 2021)
a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
http://www.greville-hague.fr/, 2017. október 31.
http://www.archives-manche.fr/ark:/57115/a011288085769oPJX1W/71ab0a7c6f