Roy Lichtenstein
gigatos | januar 12, 2022
Resumé
Roy Fox Lichtenstein (27. oktober 1923 – 29. september 1997) var en amerikansk popkunstner. I løbet af 1960”erne blev han sammen med bl.a. Andy Warhol, Jasper Johns og James Rosenquist en af hovedpersonerne i den nye kunstbevægelse. Hans værker definerede popkunstens præmisser gennem parodiering. Inspireret af tegneserien skabte Lichtenstein præcise kompositioner, der dokumenterede, mens de parodierede, ofte på en ironisk måde. Hans arbejde var påvirket af populær reklame og tegneseriestilen. Hans kunstværker blev anset for at være “forstyrrende”. Han beskrev pop art som “ikke ”amerikansk” maleri, men faktisk industrielt maleri”. Hans malerier blev udstillet på Leo Castelli Gallery i New York City.
Whaam! og Drowning Girl anses generelt for at være Lichtensteins mest berømte værker. Drowning Girl, Whaam! og Look Mickey anses for at være hans mest indflydelsesrige værker. Hans dyreste værk er Masterpiece, som blev solgt for 165 millioner dollars i januar 2017.
Lichtenstein var jøde, selv om han “spillede ned på sine rødder” og “talte ikke ofte om at være jøde”. Hans far, Milton, var ejendomsmægler, mens hans mor, Beatrice (Werner), var hjemmegående. Han voksede op på New Yorks Upper West Side og gik i folkeskole indtil han var 12 år. Derefter gik han på New Yorks Dwight School, hvor han blev færdiguddannet i 1940. Lichtenstein blev først interesseret i kunst og design som en hobby gennem skolen. Han var en ivrig jazzfan og gik ofte til koncerter på Apollo Theater i Harlem. Han tegnede ofte portrætter af musikerne, der spillede på deres instrumenter. I sit sidste år på gymnasiet i 1939 meldte Lichtenstein sig til sommerkurser på Art Students League of New York, hvor han arbejdede under Reginald Marshs vejledning.
Lichtenstein forlod derefter New York for at studere på Ohio State University, som tilbød studiekurser og en grad i billedkunst. Hans studier blev afbrudt af et treårigt ophold i hæren under og efter Anden Verdenskrig mellem 1943 og 1946. Efter at have været på sprog-, ingeniør- og pilotuddannelser, som alle blev aflyst, arbejdede han som ordonnans, tegner og kunstner.
Lichtenstein vendte hjem for at besøge sin døende far og blev udskrevet fra hæren med ret til G.I. Bill. Han vendte tilbage til studierne i Ohio under vejledning af en af sine lærere, Hoyt L. Sherman, som anses for at have haft en betydelig indflydelse på hans fremtidige arbejde (Lichtenstein ville senere give navnet Hoyt L. Sherman Studio Art Center til et nyt studie, som han finansierede på OSU).
Lichtenstein begyndte at tage en kandidatuddannelse på Ohio State og blev ansat som kunstinstruktør, en stilling, som han havde i de næste ti år. I 1949 modtog Lichtenstein en Master of Fine Arts-grad fra Ohio State University.
I 1951 havde Lichtenstein sin første soloudstilling på Carlebach Gallery i New York, og samme år flyttede han til Cleveland, hvor han blev i seks år, selv om han ofte rejste tilbage til New York. I denne periode påtog han sig så forskellige jobs som tegner og vinduesdekoratør mellem perioder med maleri. Hans arbejde på dette tidspunkt svingede mellem kubisme og ekspressionisme. I 1954 blev hans første søn, David Hoyt Lichtenstein, som nu er sangskriver, født. Hans anden søn, Mitchell Lichtenstein, blev født i 1956.
I 1957 flyttede han tilbage til det nordlige New York og begyndte at undervise igen. Det var på dette tidspunkt, at han tog den abstrakte ekspressionisme til sig, da han først sent konverterede til denne malestil. Lichtenstein begyndte at undervise i staten New York på State University of New York i Oswego i 1958. Omkring dette tidspunkt begyndte han at indarbejde skjulte billeder af tegneseriefigurer som Mickey Mouse og Bugs Bunny i sine abstrakte værker.
Læs også, biografier-da – Edvard 2. af England
Op til fremtrædende stilling
I 1960 begyndte han at undervise på Rutgers University, hvor han blev stærkt påvirket af Allan Kaprow, som også var lærer på universitetet. Dette miljø var med til at genoplive hans interesse for proto-pop-billeder. 1961 begyndte Lichtenstein sine første popmalerier ved hjælp af tegneseriebilleder og teknikker, der var afledt af kommercielle trykkeriers udseende. Denne fase skulle fortsætte til 1965 og omfattede brugen af reklamebilleder, der antyder forbrugerisme og husflid. hans første værk med brug af hårdtskårne figurer og Ben-Day prikker i stor skala var Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Dette værk var en udfordring fra en af hans sønner, som pegede på en Mickey Mouse-tegneserie og sagde: “Jeg vil vædde med, at du ikke kan male så godt som den, ikke, far?” Samme år fremstillede han seks andre værker med genkendelige figurer fra tyggegummipapirpakker og tegnefilm.
I 1961 begyndte Leo Castelli at udstille Lichtensteins værker i sit galleri i New York. Lichtenstein havde sin første enkeltmandsudstilling i Castelli-galleriet i 1962; hele samlingen blev købt af indflydelsesrige samlere, inden udstillingen overhovedet åbnede. En gruppe malerier, der blev produceret mellem 1961 og 1962, fokuserede på ensomme husholdningsgenstande som f.eks. sneakers, hotdogs og golfbolde. I september 1963 tog han orlov fra sin stilling som underviser på Douglass College på Rutgers.
Hans værker var inspireret af tegneserier med krigs- og romantiske historier “På det tidspunkt”, fortalte Lichtenstein senere, “var jeg interesseret i alt, hvad jeg kunne bruge som et emne, der var følelsesmæssigt stærkt – normalt kærlighed, krig eller noget, der var stærkt ladet og følelsesmæssigt emne som modsætning til de fjernede og velovervejede maleteknikker”.
Læs også, biografier-da – Charles-Maurice de Talleyrand-Périgord
Lichtensteins mest profilerede periode
Det var på dette tidspunkt, at Lichtenstein begyndte at blive berømt, ikke kun i Amerika, men i hele verden. Han flyttede tilbage til New York for at være i centrum af kunstscenen og tog sin afsked med Rutgers University i 1964 for at koncentrere sig om sit maleri. Lichtenstein brugte olie- og Magna-maling (tidlig akrylmaling) i sine mest kendte værker, såsom Drowning Girl (1963), som blev taget fra hovedhistorien i DC Comics” Secret Hearts nr. 83. (Drowning Girl hænger nu på Museum of Modern Art i New York.) Drowning Girl har også tykke konturer, kraftige farver og Ben-Day-punkter, som om de var skabt ved fotografisk reproduktion. Om sit eget arbejde ville Lichtenstein sige, at de abstrakte ekspressionister “satte ting ned på lærredet og reagerede på det, de havde gjort, på farvepositioner og størrelser. Min stil ser helt anderledes ud, men det er stort set den samme måde at sætte linjer ned på; mine ser bare ikke kalligrafiske ud som Pollocks eller Klines.”
I stedet for at forsøge at reproducere sine motiver, behandlede Lichtenstein i sine værker den måde, hvorpå massemedierne fremstiller dem. Han ville dog aldrig tage sig selv for alvorligt og sagde: “Jeg tror, at mit arbejde er anderledes end tegneserier – men jeg ville ikke kalde det transformation; jeg tror ikke, at hvad der end menes med det, er vigtigt for kunsten.” Da Lichtensteins værk blev udstillet første gang, anfægtede mange af datidens kunstkritikere dets originalitet. Hans værk blev hårdt kritiseret som vulgært og tomt. Overskriften på en artikel i Life Magazine i 1964 spurgte: “Er han den værste kunstner i USA?” Lichtenstein svarede på sådanne påstande med svar som f.eks: “Jo tættere mit værk er på originalen, jo mere truende og kritisk er indholdet. Men mit værk er helt forandret, idet mit formål og min opfattelse er helt anderledes. Jeg mener, at mine malerier er kritisk transformeret, men det ville være svært at bevise det med nogen rationel argumentation.” Han talte om at opleve denne voldsomme kritik i et interview med April Bernard og Mimi Thompson i 1986. Lichtenstein antydede, at det til tider var svært at blive kritiseret, og sagde: “Jeg tvivler ikke, når jeg faktisk maler, det er kritikken, der får en til at undre sig, det gør den.”
Hans mest berømte billede er uden tvivl Whaam! (1963, Tate Modern, London), et af de tidligste kendte eksempler på pop art, der er tilpasset et tegneseriepanel tegnet af Irv Novick i et nummer af 1962 af DC Comics” All-American Men of War. Maleriet forestiller et jagerfly, der affyrer en raket mod et fjendtligt fly med en rød-gul eksplosion. Tegneseriestilen forstærkes af brugen af den onomatopoetiske skrift “Whaam!” og den indrammede billedtekst “I pressed the fire control … and ahead of me raets blazed through the sky …” Dette diptychon er i stor skala, idet det måler 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam følger de tegneseriebaserede temaer fra nogle af hans tidligere malerier og er en del af en samling værker med krigstemaer, der blev skabt mellem 1962 og 1964. Det er et af hans to bemærkelsesværdige store malerier med krigstema. Det blev købt af Tate Gallery i 1966 efter at have været udstillet på Leo Castelli Gallery i 1963, og det har siden da været i deres samling (nu på Tate Modern). I 1968 erhvervede Darmstadt-entreprenøren Karl Ströher flere store værker af Lichtenstein, såsom Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) og Yellow and Green Brushstrokes (1966). Efter at have været udlånt til Hessiches Landesmuseum Darmstadt i flere år kunne den stiftende direktør for Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, i 1981 erhverve i alt 87 værker, primært amerikansk Pop Art og Minimal Art, til det museum, der var under opbygning indtil 1991.
Lichtenstein begyndte at eksperimentere med skulptur omkring 1964 og viste en evne til at forme skulpturen, som var i modstrid med hans maleriers insisterende flade form. Til Head of Girl (1964) og Head with Red Shadow (1965) samarbejdede han med en keramiker, som skulpterede hovedets form i ler. Lichtenstein påførte derefter en glasur for at skabe den samme slags grafiske motiver, som han brugte i sine malerier; påføringen af sorte linjer og Ben-Day-punkter på tredimensionelle objekter resulterede i en udjævning af formen.
De fleste af Lichtensteins mest kendte værker er relativt tætte, men ikke nøjagtige kopier af tegneseriepaneler, et emne, som han stort set opgav i 1965, selv om han lejlighedsvis indarbejdede tegneserier i sit arbejde på forskellige måder i de senere årtier. Disse paneler blev oprindeligt tegnet af tegneserietegnere som Jack Kirby og DC Comics-tegnerne Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick og Jerry Grandenetti, som sjældent fik nogen anerkendelse. Jack Cowart, administrerende direktør for Lichtenstein Foundation, bestrider den opfattelse, at Lichtenstein var en kopist, og siger: “Roys arbejde var en forundring over de grafiske formler og kodificeringen af følelser, som andre havde udarbejdet. Panelerne blev ændret i skala, farve, behandling og i deres betydning. Der er ingen nøjagtig kopi.” har været kritiske over for Lichtensteins brug af tegneserie-billeder og -kunstværker, især for så vidt som denne brug er blevet opfattet som en støtte til et nedladende syn på tegneserier fra kunstens mainstream; tegneren Art Spiegelman kommenterede, at “Lichtenstein ikke gjorde mere eller mindre for tegneserier, end Andy Warhol gjorde for suppe”.
Lichtensteins værker baseret på forstørrede paneler fra tegneserier gav anledning til en omfattende debat om deres fortjenester som kunst. Lichtenstein indrømmede selv: “Jeg kopierer nominelt set, men jeg omformulerer i virkeligheden det kopierede i andre vendinger. Når jeg gør det, får originalen en helt anden struktur. Det er ikke tykke eller tynde penselstrøg, det er prikker og flade farver og urokkelige linjer.” Eddie Campbell bloggede, at “Lichtenstein tog et lillebitte billede, mindre end håndfladen, trykt med firefarvet blæk på avispapir og blæste det op til den konventionelle størrelse, hvor ”kunst” laves og udstilles, og færdiggjorde det i maling på lærred.” Med hensyn til Lichtenstein sagde Bill Griffith engang: “Der er høj kunst og der er lav kunst. Og så er der høj kunst, der kan tage lav kunst, bringe den ind i en høj kunstkontekst, tilegne sig den og hæve den til noget andet.”
Selv om Lichtensteins tegneseriebaserede værker vandt en vis accept, er kritikere stadig bekymrede over, at Lichtenstein ikke krediterede, betalte royalties til eller søgte tilladelse hos de oprindelige kunstnere eller indehavere af ophavsret. I et interview til en BBC Four-dokumentar i 2013 spurgte Alastair Sooke tegneseriekunstneren Dave Gibbons, om han betragtede Lichtenstein som en plagiator. Gibbons svarede: “Jeg ville sige ”kopist”. Inden for musik kan man f.eks. ikke bare fløjte en andens melodi eller spille en andens melodi, uanset hvor dårligt, uden at man på en eller anden måde krediterer og betaler den oprindelige kunstner. Det vil sige, at dette er ”WHAAM! af Roy Lichtenstein, efter Irv Novick”.” Sooke fastholder selv, at “Lichtenstein transformerede Novicks kunstværk på en række subtile, men afgørende måder”.
Ernesto Priego, grundlægger af tidsskriftet, lektor ved City University London og ph.d. fra University College London, bemærker, at Lichtensteins undladelse af at kreditere de oprindelige skabere af sine tegneserier var en afspejling af National Periodical Publications, forgængeren for DC Comics, beslutning om at undlade at kreditere forfattere og tegnere:
Ud over at være udtryk for den kulturelle fordomme mod tegneserier som kunstneriske virkemidler, understreger eksempler som Lichtensteins tilegnelse af tegneseriens ordforråd vigtigheden af at tage publikationsformatet i betragtning, når man definerer tegneserier, samt den politiske økonomi, der ligger i bestemte historiske publikationstyper, i dette tilfælde den amerikanske mainstream tegneserie. I hvilket omfang var National Periodical Publications (senere DC) ansvarlig for afvisningen af Kanighers og Novicks rolle som selvstændige kunstnere ved ikke at give dem fuld forfatterkredit på selve udgivelsen?”
Desuden bemærker Campbell, at der var en tid, hvor tegneserietegnere ofte afviste at få deres arbejde tildelt.
I en beretning, der blev offentliggjort i 1998, sagde Novick, at han havde mødt Lichtenstein i hæren i 1947, og at han som hans overordnede officer havde reageret på Lichtensteins tårevædet klager over de små opgaver, han var blevet tildelt, ved at anbefale ham til et bedre job. Jean-Paul Gabilliet har sat spørgsmålstegn ved denne beretning og sagt, at Lichtenstein havde forladt hæren et år før det tidspunkt, hvor Novick siger, at hændelsen fandt sted. Bart Beaty, der bemærker, at Lichtenstein havde tilegnet sig Novick til værker som Whaam! og Okay Hot-Shot, Okay! siger, at Novicks historie “synes at være et forsøg på personligt at formindske” den mere berømte kunstner.
I 1966 gik Lichtenstein videre fra sine meget roste billeder fra de tidlige 1960”ere og begyndte sin serie Modern Paintings, der omfatter over 60 malerier og tilhørende tegninger. Ved hjælp af de karakteristiske Ben-Day-punkter og geometriske former og linjer skabte han uoverensstemmende, udfordrende billeder ud fra velkendte arkitektoniske strukturer, mønstre lånt fra Art Déco og andre subtilt stemningsfulde, ofte sekventielle motiver. Serien Modern Sculpture fra 1967-8 refererede til motiver fra Art Déco-arkitekturen.
Læs også, historie – Felttoget i Polen i 1939
Senere arbejde
I begyndelsen af 1960”erne reproducerede Lichtenstein mesterværker af Cézanne, Mondrian og Picasso, inden han i 1965 begyndte at lave serien Brushstrokes. Senere i sin karriere fortsatte Lichtenstein med at genoptage dette tema med værker som Bedroom at Arles, der er afledt af Vincent van Goghs Bedroom in Arles.
I 1970 fik Lichtenstein af Los Angeles County Museum of Art (som led i dets Art and Technology-program, der blev udviklet mellem 1967 og 1971) til at lave en film. Med hjælp fra Universal Film Studios udtænkte og producerede kunstneren Three Landscapes, en film om havlandskaber, der er direkte relateret til en række collager med landskabstemaer, som han skabte mellem 1964 og 1966. Selv om Lichtenstein havde planlagt at producere 15 kortfilm, viste det sig, at denne installation med tre skærme, der blev lavet sammen med den uafhængige filmmager Joel Freedman fra New York, blev kunstnerens eneste forsøg på at producere film.
I 1970 købte Lichtenstein et tidligere vognhus i Southampton på Long Island, byggede et atelier på ejendommen og tilbragte resten af 1970”erne relativt tilbagetrukket. I 1970”erne og 1980”erne begyndte hans stil at løsne op, og han udvidede det, han havde gjort tidligere. Lichtenstein begyndte en serie af Mirrors-malerier i 1969. I 1970, mens han fortsatte med Mirrors-serien, begyndte han at arbejde med emnet entablaturer. Entablaturerne bestod af en første serie malerier fra 1971 til 1972, efterfulgt af en anden serie i 1974-76 og udgivelsen af en serie af relieftryk i 1976. Han producerede en serie af “Artists Studios”, som indeholdt elementer fra hans tidligere værker. Et bemærkelsesværdigt eksempel er Artist”s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), som inkorporerer fem andre tidligere værker, der er indpasset i scenen.
Under en rejse til Los Angeles i 1978 blev Lichtenstein fascineret af advokat Robert Rifkinds samling af tyske ekspressionistiske tryk og illustrerede bøger. Han begyndte at lave værker, der lånte stilistiske elementer fra ekspressionistiske malerier. Det hvide træ (1980) minder om lyriske landskaber fra Der Blaue Reiter, mens Dr. Waldmann (1980) minder om Otto Dix” Dr. Mayer-Hermann (1926). Små tegninger med farveblyanter blev brugt som skabeloner til træsnit, et medie, som Emil Nolde og Max Pechstein samt Dix og Ernst Ludwig Kirchner foretrak. I slutningen af 1970”erne blev Lichtensteins stil også afløst af mere surrealistiske værker som Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). En større serie surrealistisk-popmalerier fra 1979 til 1981 er baseret på indianske temaer. Disse værker spænder fra Amerind Figure (1981), en stiliseret skulptur i naturlig størrelse, der minder om en strømlinet totempæl i sort-patineret bronze, til det monumentale uldtapet Amerind Landscape (1979). De “indianske” værker hentede deres temaer, ligesom de andre dele af den surrealistiske serie, fra samtidskunst og andre kilder, herunder bøger om indiansk design fra Lichtensteins lille bibliotek.
Lichtensteins stillebenmalerier, skulpturer og tegninger, som strækker sig fra 1972 til begyndelsen af 1980”erne, dækker en række forskellige motiver og temaer, herunder de mest traditionelle som frugt, blomster og vaser. I 1983 lavede Lichtenstein to anti-apartheidsplakater, der blot har titlen “Against Apartheid”. I sin Reflection-serie, der blev produceret mellem 1988 og 1990, genbrugte Lichtenstein sine egne motiver fra tidligere værker. Interiors (1991-1992) er en serie af værker, der viser banale huslige miljøer, inspireret af møbelannoncer, som kunstneren fandt i telefonbøger eller på plakater. Efter at have hentet inspiration fra Edgar Degas” monokromatiske tryk, der blev vist på en udstilling på Metropolitan Museum of Art i New York i 1994, er motiverne i hans serie Landskaber i kinesisk stil dannet af simulerede Benday-punkter og blokkonturer, der er gengivet i hårde, levende farver, hvor alle spor af hånden er fjernet. Nøgenbilledet er et tilbagevendende element i Lichtensteins værker fra 1990”erne, som f.eks. i Collage for Nude with Red Shirt (1995).
Ud over malerier og skulpturer lavede Lichtenstein også over 300 tryksager, de fleste i serigrafi.
Læs også, biografier-da – Gustave Courbet
Kommissioner
I 1969 fik Lichtenstein af Gunter Sachs til opgave at skabe Composition og Leda og svanen til samlerens Pop Art-suite i soveværelset på Palace Hotel i St. Moritz. I slutningen af 1970”erne og i løbet af 1980”erne modtog Lichtenstein store bestillinger på værker på offentlige steder: skulpturerne Lamp (den 26 fod høje Brushstrokes in Flight (det fem etager høje Mural with Blue Brushstroke (og El Cap de Barcelona (1992) i Barcelona. I 1994 skabte Lichtenstein det 53 fod lange Times Square-maleri af emalje på metal på Times Square undergrundsstation i 1994. I 1977 blev han af BMW bedt om at male en gruppe 5-racerversion af BMW 320i til den tredje del af BMW Art Car Project. DreamWorks Records-logoet var hans sidste færdige projekt. “Jeg er ikke i gang med at lave noget lignende (et firmalogo) og har ikke til hensigt at gøre det igen”, tillader Lichtenstein. “Men jeg kender Mo Ostin og David Geffen, og det virkede interessant.”
Læs også, biografier-da – Theodore Roosevelt
Anerkendelse
Lichtenstein modtog adskillige æresdoktorgrader fra bl.a. George Washington University (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980) og California Institute of the Arts (1977). Han har også været medlem af bestyrelsen for Brooklyn Academy of Music.
I 1949 giftede Lichtenstein sig med Isabel Wilson, som tidligere havde været gift med Ohio-kunstneren Michael Sarisky. Men de brutale vintre i det nordlige delstat tog hårdt på Lichtenstein og hans kone, efter at han i 1958 begyndte at undervise på State University of New York i Oswego. Parret solgte familiens hjem i Highland Park, New Jersey, i 1963 og blev skilt i 1965.
Lichtenstein blev gift med sin anden kone, Dorothy Herzka, i 1968. I 1966 lejede de et hus i Southampton, New York, som Larry Rivers havde købt lige rundt om hjørnet fra sit eget hus. Tre år senere købte de et vognhus fra 1910, der ligger ud til havet på Gin Lane. Fra 1970 og indtil sin død delte Lichtenstein sin tid mellem Manhattan og Southampton. Han havde også et hjem på Captiva Island.
I 1991 indledte Lichtenstein en affære med sangerinden Erica Wexler, som blev muse for hans nøgenbilleder, herunder “Nudes with Beach Ball” fra 1994. Hun var 22 år, og han var 68 år. Affæren varede indtil 1994 og var slut, da Wexler rejste til England med sin kommende mand Andy Partridge fra XTC. Ifølge Wexler havde Lichtenstein og hans kone Dorothy en forståelse, og de havde begge betydningsfulde andre ud over deres ægteskab.
Lichtenstein døde af en lungebetændelse den 29. september 1997 på New York University Medical Center, hvor han havde været indlagt i flere uger, fire uger før sin 74-års fødselsdag. Han efterlod sig sin anden hustru, Dorothy Herzka, og sønnerne David og Mitchell fra sit første ægteskab.
Pop art fortsætter med at påvirke det 21. århundrede. Lichtenstein og Andy Warhol blev brugt på U2”s PopMart-turné i 1997 og 1998 og på en udstilling i 2007 i det britiske National Portrait Gallery.
Blandt de mange andre kunstværker, der gik tabt ved angrebene på World Trade Center den 11. september 2001, blev et maleri fra Lichtensteins The Entablature Series ødelagt i den efterfølgende brand.
Hans værk Crying Girl var et af de kunstværker, der blev vækket til live i Night at the Museum: Battle of the Smithsonian.
I 1964 blev Lichtenstein den første amerikaner til at udstille på Tate Gallery i London i forbindelse med udstillingen “”54-”64: Painting and Sculpture of a Decade”. I 1967 blev hans første retrospektive udstilling på museum afholdt på Pasadena Art Museum i Californien. Samme år blev hans første soloudstilling i Europa afholdt på museer i Amsterdam, London, Bern og Hannover. Lichtenstein deltog senere i documentas IV (1968) og VI i (1977). Lichtenstein havde sin første retrospektive udstilling på Guggenheim Museum i 1969, arrangeret af Diane Waldman. Guggenheim præsenterede en anden Lichtenstein-retrospektiv udstilling i 1994. Lichtenstein blev den første nulevende kunstner, der fik en soloudstilling med tegninger på Museum of Modern Art fra marts – juni 1987. Blandt de seneste retrospektiver kan nævnes “All About Art”, Louisiana Museum of Modern Art, 2003 (som indtil 2005 blev vist på Hayward Gallery, London, Museo Reina Sofia, Madrid, og San Francisco Museum of Modern Art) og “Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), “Roy Lichtenstein: Meditationer om kunst” Museo Triennale, Milano (2010, rejste til Museum Ludwig, Köln). I slutningen af 2010 viste The Morgan Library & Museum Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. En anden stor retrospektiv udstilling åbnede på Art Institute of Chicago i maj 2012 og blev derefter vist på National Gallery of Art i Washington, Tate Modern i London og Centre Pompidou i Paris i 2013. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Torino. 2018: Udstilling på The Tate Liverpool, Merseyside, Storbritannien.
I 1996 blev National Gallery of Art i Washington, D.C. det største enkeltstående lager af kunstnerens værker, da Lichtenstein donerede 154 tryk og 2 bøger. Art Institute of Chicago har flere vigtige værker af Lichtenstein i sin permanente samling, bl.a. Brushstroke with Spatter (1966) og Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Lichtensteins enke, Dorothy Lichtenstein, og Roy Lichtenstein Foundation har flere hundrede personlige værker. I Europa har Museum Ludwig i Köln en af de mest omfattende Lichtenstein-beholdninger med Takka Takka (1962), Nurse (1964) og Compositions I (1964), og Frankfurt Museum für Moderne Kunst har We rose up slowly (1964) og Yellow and Green Brushstrokes (1966). Uden for USA og Europa har National Gallery of Australia”s Kenneth Tyler Collection en omfattende samling af Lichtensteins grafiske værker, der tæller over 300 værker. I alt menes der at være omkring 4 500 værker i omløb.
Efter kunstnerens død i 1997 blev Roy Lichtenstein Foundation oprettet i 1999. I 2011 besluttede fondens bestyrelse, at fordelene ved at autentificere kunstværket ikke opvejedes af risikoen for langvarige retssager.
I slutningen af 2006 sendte fonden et julekort ud med et billede af Electric Cord (1961), et maleri, der havde været forsvundet siden 1970, efter at Leo Castelli Gallery havde sendt det til kunstrestaurator Daniel Goldreyer. På kortet blev offentligheden opfordret til at indberette alle oplysninger om, hvor maleriet befinder sig. I 2012 autentificerede fonden værket, da det dukkede op på et lager i New York City.
Efter fotograf Harry Shunks død i 2006 erhvervede Lichtenstein Foundation mellem 2008 og 2012 samlingen af fotografisk materiale, som Shunk og hans János Kender havde optaget, samt fotografernes ophavsret. I 2013 donerede fonden Shunk-Kender-samlingerne til fem institutioner – Getty Research Institute i Los Angeles, Museum of Modern Art i New York, National Gallery of Art i Washington, Centre Pompidou i Paris og Tate i London – som vil give hvert museum adgang til de andres andel.
Siden 1950”erne er Lichtensteins værker blevet udstillet i New York og andre steder med Leo Castelli i hans galleri og hos Castelli Graphics samt med Ileana Sonnabend i hendes galleri i Paris, og hos Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon og Sperone Westwater Galleries blandt andre. Leo Castelli Gallery repræsenterede Lichtenstein eksklusivt siden 1962, hvor en soloudstilling af kunstneren blev udsolgt, inden den åbnede.
Fra 1962 afholdt Leo Castelli Gallery i New York regelmæssigt udstillinger af kunstnerens værker. Gagosian Gallery har udstillet værker af Lichtenstein siden 1996.
Big Painting No. 6 (1965) blev det værk af Lichtenstein, som fik den højeste pris i 1970. Ligesom hele Brushstrokes-serien er maleriets emne den abstrakt ekspressionistiske malingsproces via fejende penselstrøg og dråber, men resultatet af Lichtensteins forenkling, der anvender en baggrund med Ben-Day dots, er en repræsentation af den mekanisk-industrielle farvetryksreproduktion.
Lichtensteins maleri Torpedo … Los! (1963) blev solgt hos Christie”s for 5,5 millioner dollars i 1989, et rekordstort beløb på det tidspunkt, hvilket gjorde ham til en af kun tre nulevende kunstnere, der har tiltrukket sig så store beløb. I 2005 blev In the Car solgt for den daværende rekordpris på 16,2 mio. dollars (10 mio. pund).
I 2010 blev hans tegneserieagtige maleri Ohhh…Alright… fra 1964, der tidligere var ejet af Steve Martin og senere af Steve Wynn, solgt for en rekordpris på 42,6 millioner dollars (26,7 millioner pund) ved et salg hos Christie”s i New York.
Lichtenstein”s I Can See the Whole Room…and There”s Nobody in It! er baseret på en tegning af William Overgard fra 1961 til en tegneserie af Steve Roper. (1961) viser en mand, der kigger gennem et hul i en dør. Den blev solgt af samleren Courtney Sale Ross for 43 mio. dollars, det dobbelte af den anslåede pris, på Christie”s i New York i 2011; sælgers mand, Steve Ross, havde erhvervet den på auktion i 1988 for 2,1 mio. dollars. Maleriet måler 1,5 x 1,5 meter og er malet med grafit og olie.
Det komiske maleri Sleeping Girl (1964) fra Beatrice og Phillip Gershs samling satte en ny Lichtenstein-rekord på 44,8 millioner dollars hos Sotheby”s i 2012.
I oktober 2012 blev hans maleri Electric Cord (1962) returneret til Leo Castellis enke Barbara Bertozzi Castelli efter at have været forsvundet i 42 år. Castelli havde sendt maleriet til en kunstrestaurator for at få det renset i januar 1970 og fik det aldrig tilbage. Han døde i 1999. I 2006 offentliggjorde Roy Lichtenstein Foundation et billede af maleriet på sit julehilsenkort og bad kunstsamfundet om at hjælpe med at finde det. Maleriet blev fundet i et lager i New York efter at have været udstillet i Bogota i Colombia.
I 2013 satte maleriet Kvinde med blomstret hat en ny rekord på 56,1 millioner dollars, da det blev købt af den britiske juveler Laurence Graff af den amerikanske investor Ronald O. Perelman.
Dette blev overgået i 2015 af salget af Nurse for 95,4 millioner dollars på en Christie”s-auktion.
I januar 2017 blev Masterpiece solgt for 165 millioner dollars. Indtægterne fra dette salg vil blive brugt til at oprette en fond til reform af strafferetsplejen.
Læs også, biografier-da – Filip 2. af Spanien
Bibliografi
Biografisk:
Arbejder:
Andet:
Kilder
