Barnett Newman

gigatos | Dezember 31, 2021

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Zusammenfassung

Barnett Newman (29. Januar 1905 in New York City – 4. Juli 1970 in New York City) war ein US-amerikanischer Maler. Er ist einer der wichtigsten Vertreter des Abstrakten Expressionismus und einer der ersten Maler des Colorfield Painting.

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Kindheit

Barnett Newman wurde am 29. Januar 1905 im Haus seiner Familie in der 480 Cherry Street in der Lower East Side von Manhattan in New York City geboren. Seine Eltern, Abraham und Anna (geboren 1874 bzw. 1882), waren jüdische Einwanderer aus der polnischen Stadt Lomza.

Der Vater verdiente seinen Lebensunterhalt, indem er Nähmaschinenteile an Arbeiter in Bekleidungsfabriken verkaufte. Barnett Newman hatte vier Geschwister. Der Älteste starb bereits im frühen Kindesalter, wodurch Barnett zum ältesten der Geschwister wurde. Abraham Newman gründete ein Industrieunternehmen für Kleidung. Sein Geschäft florierte und um 1915 zog die Familie Newman in die Belmont Avenue, ein bürgerliches Viertel in der Bronx. Dort genoss Barnett eine Kindheit, die mit Sport und Klavierunterricht ausgefüllt war.

Die Newmans sind Zionisten und die Kinder besuchen die nationale hebräische Schule in der Bronx. Zusätzlich zum Unterricht in der Schule werden die Kinder zu Hause von jungen Juden aus Europa unterrichtet.

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Adoleszenz

Von 1919 bis 1923 besuchte Barnett Newman die DeWitt Clinton High School. Newman erzählte später, dass er regelmäßig die Schule schwänzte, um sich im Metropolitan Museum of Art zu vergnügen, das sich nicht weit von der Schule entfernt befand.

In seinem ersten Jahr an der Highschool suchte sich Newman einen zweiten Vornamen und wurde Benedict, der eine Ableitung seines hebräischen Vornamens Baruch war. Später wird er „Barney“ und dann „B.B.“ genannt. Newman verwendet ein zusätzliches „B“ in seiner Unterschrift, die er bis zu seinem Lebensende auf allen offiziellen Dokumenten verwendet.

In der 12. Klasse arbeitet Newman sechs Tage die Woche in der Kunstschule Art Students League im Klassenzimmer am Zeichnen. Er wird belohnt, als seine Much-labored-over-Zeichnung bei einer Ausstellung der besten Schülerarbeiten ausgewählt wird.

An dieser Schule lernte Newman von 1923 bis 1927 Adolph Gottlieb kennen, der sein Leben als Künstler bereits begonnen hatte, da Gottlieb 1921 die High School abgebrochen hatte, um Kunst zu studieren und Europa zu bereisen. Die beiden freundeten sich an und besuchten regelmäßig das Metropolitan Museum of Art.

Nach der High School schrieb sich Newman an der New York University ein, wo er Philosophie studierte. Er trägt Artikel zur Veröffentlichung in der Schulzeitung The Campus und in einer studentischen Literaturzeitschrift The Lavander bei. So veröffentlicht er beispielsweise eine Rezension über Roger Fry. Während seines Studiums freundet er sich mit Aaron Siskind an, einem Künstler, der später ein bekannter Fotograf werden sollte.

In den 1930er Jahren malte er angeblich expressionistische Werke, zerstörte sie jedoch alle. Er wird daraufhin Schriftsteller und Kunstkritiker, organisiert Ausstellungen und schreibt Vorworte für Kataloge. Später wurde er Mitglied der Uptown Group.

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Nach der Universität

1927 schlug Newmans Vater ihm vor, in das florierende Familienunternehmen einzusteigen, um angesichts der unsicheren Zukunft, die ein Künstler vor sich haben kann, Geld zu sparen. Barnett Newman nahm an und einer seiner Brüder schloss sich ihm an.

Während des Börsencrashs im Oktober 1929 gerät das Bekleidungsunternehmen der Familie in eine Krise. Während sein Bruder das Unternehmen verlässt, bleibt Barnett Newman in der Firma und versucht, seinem Vater bei der Rettung des Unternehmens zu helfen. Doch das Geschäft bricht weiter ein. Barnett verlässt das Unternehmen und versucht, Kunstlehrer im öffentlichen Schulsystem von New York zu werden. Er wird daraufhin ein Aushilfs-Kunstlehrer, der 7,50 $ pro Tag verdient.

Über seinen Freund Gottlieb lernte er in den 1930er Jahren den Maler Milton Avery kennen. Sie werden zum Mittelpunkt einer Gruppe junger Künstler, die sich häufig in Milton Averys Haus treffen, um ihre Arbeiten zu studieren und über Literatur zu sprechen. Newman und Gottlieb lebten während dieser Zeit zusammen.

Einige Jahre später legte Newman zusammen mit einem Freund ein Manifest mit dem Titel „The Need for Public Action by Cultural Men“ vor, das aus drei Schritten bestand: Mehr Bildung, größere Wertschätzung des Handwerks und Förderung des kulturellen Lebens.

1934 freundet sich Newman mit Annalee Greenhouse an, mit der er die Musik teilt und liebt. Sie wird einige Zeit später seine Frau.

Er schrieb: „Die Bücher, die wir empfehlen“ und propagierte Bücher wie Spinozas Ethik, Platons Republik und einen Spiegeltext mit dem Titel „Die Bücher, die wir verurteilen“ und zitierte die Werke von Marx oder Lenin.

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Seine Karriere als Lehrer

Am 30. Juni 1936 heirateten Annalee und Barnett. Das Paar wollte sich in Maine niederlassen, aber finanzielle Sorgen zwangen sie, zu ihren Lehrtätigkeiten in New York zurückzukehren.

1939 erhielt Annalee eine Stelle als reguläre Lehrerin an einer High School in Queens (William Cullen Bryant School).

Ein Aquarell Newmans mit dem Titel „Country Studio“ ist Teil einer Kunstausstellung, die im März 1940 von den Mitgliedern der Kunstlehrervereinigung organisiert wurde. Dieses Aquarell ist der Kampagne: „Können wir zeichnen?“, die zwei Jahre zuvor erschienen war, fast ähnlich. Im Oktober desselben Jahres beschloss Newman, einige der Abendkurse für Siebdruck, die er anbot, abzubrechen. Sein Interesse an den Naturwissenschaften setzte er fort. Er belegte Kurse am American Museum of Natural History und wurde zum assoziierten Mitglied der Union of American Ornithologists gewählt. Während des Sommers studierten Barnett und Annalee in Maine Vögel und Meereslebewesen und belegten anschließend Kurse in Botanik und Ornithologie an der Cornell University in Ithaca, New York.

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Künstlerische Laufbahn

1943 schrieb Barnett Newman das Vorwort zum Katalog der ersten Ausstellung der AMAs, der American Modern Artists. Diese Schau war ein Protest gegen das Metropolitan Museum of Art in New York wegen dessen Ausschluss moderner Kunst bei seinen Ausstellungen. 1945 widmete er sich mehreren Schriften, die post mortem veröffentlicht wurden, wie: „The Plasmic Image“, ein Essay, in dem er seine Ideen über die abstrakte Kunst darlegte. Im selben Jahr erfuhren Newman und seine Frau, dass einige Familienmitglieder von den Nazis deportiert worden waren. Zur selben Zeit freundeten sie sich eng mit Tony Smith an, einem Architekten und Künstler, der ihm bei der Organisation von Ausstellungen half. Ende des Jahres schloss sich Newman den Künstlern an, die auf der Ausstellung von Betty Parsons ausstellten. Es war Newmans erste Ausstellung seit der Ausstellung im Jahr 1940 mit seinen Freunden, den Mitgliedern der Kunstlehrervereinigung.

1947 lernt Newman Jackson Pollock und Lee Krashner kennen. Newman und Pollock schmieden eine enge Freundschaft. Pollock war ein Künstler, der seine Werke in der letzten Ausstellung der von Peggy Guggenheim ins Leben gerufenen „Art of This Century“ ausstellte. Newmans Freundin Betty Parson fügte Pollock später zu den Künstlern hinzu, die sie in ihrer Galerie ausstellte. Newman bereitet noch im selben Jahr eine Veranstaltung in Betty Parsons Galerie vor, bei der er seine Werke Gea und Euclidian Abyss ausstellen wird.

Im Juni 1947 starb Newmans Vater. Am Ende des Schuljahres gab Newman seine Arbeit und seine Ehe auf und lebte allein vom Einkommen seiner Frau Annalee. Newman schreibt einen Essay mit dem Titel The First Man Was an Artist, was so viel bedeutet wie Der erste Mensch war ein Künstler. Dieser Essay erscheint in der ersten Ausgabe von The Eye of the Tiger, einem kleinen Kunstmagazin. Er leistete einen wichtigen Beitrag dazu, indem er über das Thema „Warum ich male“ schrieb: „Ein Künstler malt, damit er etwas zu sehen hat, manchmal muss er schreiben, damit er auch etwas zu lesen hat. Im selben Jahr wurde sein Werk Euclidian Abyss im November 1947 von der Abstract and Surrealist American Art at the Art Institute of Chicago ausgestellt. Das Gemälde war Newmans erster Verkauf. Das Gemälde wurde von Sammlern aus Connecticut gekauft.

Im Jahr darauf, 1948, malte Newman das Bild Onement I. Man muss dieses Gemälde als einen großen Schritt in seiner Karriere betrachten, die nächsten zwei Jahre sollten die produktivsten seines Lebens werden. Onement I ist Teil einer Serie von Onement, zusammen mit Onement II und Onement III. Im Frühherbst gründeten William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell und Mark Rothko eine kooperative Kunstschule. Newman schlug den Namen der Schule, Sujets of the Artist, vor, um die Bedeutung des Objekts in der abstrakten Kunst zu betonen.

1949 schuf Newman siebzehn Werke im selben Jahr, das produktivste seiner Karriere. Im Januar tritt Newman der Fakultät Sujets of the Artist bei. Das Ehepaar Newman hilft bei der Organisation von Vorträgen für die Schule. Trotz ihrer Beliebtheit schließt die Schule im Mai 1949.

1950 hatte Newman seine erste Einzelausstellung in der Galerie von Betty Parsons. Unmittelbar nach dieser ersten Ausstellung sagte Barnett Newman während einer Kunstsitzung im Studio 35: „Wir sind gewissermaßen dabei, die Welt nach unserem Bild zu gestalten.“ Mithilfe seines schriftstellerischen Talents kämpfte Newman von Fuß zu Fuß, um sein neues Image als Künstler zu stärken und sein Werk zu vermarkten. Die Kritiken sind jedoch überwiegend negativ. ARTNews schrieb: „Newman ist da, um zu schockieren, aber er ist nicht da, um die Bourgeoisie zu schockieren – das hat er schon getan. Er liebt es, andere Künstler zu schockieren“. Nur ein einziges Gemälde (End of Silence) wurde an Freunde seiner Frau verkauft. Nach der Ausstellung betrug Newmans Gewinn 84,14 Dollar.

Zusammen mit siebzehn anderen Künstlern schrieb Newman einen Brief, um gegen das Metropolitan Museum of Art und dessen negative Sicht auf die moderne Kunst zu protestieren. Der Brief erschien am 22. Mai 1950 in der New York Times und löste eine Welle von Leitartikeln in lokalen und nationalen Publikationen aus. Im selben Jahr fertigte er seine erste Skulptur Here I, aus Holz und Gips, an. Der Künstler dachte über die Vertikalität nach und stellte sie in diesem Bronzewerk in den Vordergrund. Im selben Jahr fertigte er auch The Wild an, ein langes, schmales Gemälde. Die Oberfläche ist orange und der Rand graublau.

Im April 1951 stellte Newman ein zweites Mal in der Galerie von Betty Parsons aus. Bei dieser Ausstellung erschien zum ersten Mal ein 5,40 Meter langes und 2,40 Meter breites Gemälde: Vir Heroicus Sublimis. Leider verurteilten ihn die Kritiker erneut und keines der Bilder wurde verkauft. Schließlich zog er seine Arbeit aus der Galerie zurück und stellte dort alle Aktivitäten ein. Dieses Gemälde wurde später zu seinem bekanntesten Werk.

In einem Essay mit dem Titel „Feelings is all“, der 1952 veröffentlicht wurde, erkannte der Kritiker Clément Greenberg Newmans Arbeit aus den Jahren 1950 und 1951 bei seinen Ausstellungen erst spät an und prangerte seine Kritiker an. Er erklärt: „Newman ist ein sehr wichtiger und origineller Künstler“. Im April 1952 wird Newman aus dem Museum of Modern Art ausgeschlossen, das fünfzehn amerikanische Künstler ausstellt, zu denen viele seiner Freunde wie Pollock und Rothko gehören. Dieses Ereignis verletzt Newman zutiefst. Im Katalog der Ausstellung heißt es: „Für meinen Freund Barnett Newman, der ebenfalls in dieser Ausstellung hätte vertreten sein sollen“.

Im Juni 1953 kauft er einige seiner Werke zurück. Er erklärt, dass er all diese „kleinen“ Gemälde aus dem Blickfeld der Öffentlichkeit entfernen möchte. Diese Aktion ist sehr repräsentativ für Newmans Wunsch, sich aus der offiziellen Kunstwelt zurückzuziehen. Bis 1955 stellte er nicht mehr aus.

1955 wurde Newman fünfzig Jahre alt und obwohl seine Frau eine zweite Arbeit aufnahm, war die finanzielle Situation des Paares prekär. Das Paar nahm Kredite auf und verpfändete Wertgegenstände. Im selben Jahr lobte der Kritiker Clément Greenberg Newmans Kunst als „tiefgründig und ehrlich“, erklärte aber auch, dass er ein Schüler von Still sei und dass seine Arbeit der seines Freundes Rothko sehr nahe komme. Diese letzte Aussage ärgert Newman zutiefst. Ein Beispiel dafür ist sein Brief vom 9. April 1955: „Brief an Sidney Janis: – Es ist wahr, dass Rothko zum Kämpfer spricht. Er kämpft jedoch, um die Welt der Philister zu unterwerfen. Mein Kampf gegen die bürgerliche Gesellschaft hat mich davon überzeugt, sie völlig abzulehnen“.

Anlässlich des zehnjährigen Jubiläums der Galerie von Betty Parsons stellt er eines seiner Werke „Horizon Light“ aus. Es ist seine erste öffentliche Ausstellung seit 1951. Danach malt er bis 1957 keine Bilder, und wenn er welche malt, gibt er sie auf. Sein Freund Jackson Pollock, zeigt Newmans Atelier Ben Heller, einem jungen Sammler, der zwei Gemälde Adam und Queen of the Night I für 3.500 $ kauft. Kurz darauf starb Jackson Pollock bei einem Autounfall auf Long Island, was das Ehepaar Newman sehr belastete.

Im Juni 1957 war Newman Teil der Ausstellung des Minneapolis Institute of Arts. Doch sein Ärger mit den Kritikern geht weiter „Das Dümmste an der Ausstellung ist Barnett Newman mit Vir Heroicus Sublimis“. Einige Monate später, gegen Ende des Jahres, erlitt Newman einen Herzinfarkt und musste sechs Wochen lang im Krankenhaus bleiben.

Danach, im Jahr 1958, wurde er von seiner Frau, seiner Mutter und seiner Schwester in seiner Wohnung unterstützt und malte sehr wenig, darunter zwei Gemälde, die später First Station und Second Station genannt wurden. Diese Bilder waren die ersten einer langen Reihe von Bildern mit dem Titel Stations of the Cross, was so viel wie Wege zum Kreuz bedeutet. Später lud Ben Heller, der junge Sammler, Alfred Barr und Dorothy Miller vom Museum of Modern Art ein, Newmans Atelier zu besuchen. Zu diesem Zeitpunkt wurden vier seiner Gemälde Abraham, Concord, Horizon Light und Adam im Museum Of Modern Art als Wanderausstellung gezeigt. Zu dieser Zeit reiste er nach Mailand, Madrid, Berlin, Amsterdam, Brüssel, Paris und London und kehrte im folgenden Jahr nach New York zurück.

Auf einer Geschäftsreise im Jahr 1959 sieht Arnold Rudlinger, ein Schweizer Kunsthistoriker und Museumsdirektor, der als einer der Pioniere der amerikanischen Kunst in Europa gilt, ein Werk von Newman mit dem Titel Day Before One. Er kaufte das Werk und wurde der erste, der eine öffentliche Sammlung mit einem Werk von Newman besaß. Später tat das MoMA das Gleiche und wurde das erste amerikanische Museum, das ein Werk von Newman besaß.

Barnett Newman machte anschließend eine Ausstellung, die von Clément Greenberg, dem Kunstkritiker und Berater der Galerien, organisiert wurde. Die Kritiker blieben feindselig, aber die Ausstellung war für die junge Generation von Künstlern in New York interessant, für die es die erste Gelegenheit war, seine Werke zu sehen. Im August 1959 reiste das Ehepaar Newman nach Kanada, wo Barnett einen Sommerworkshop für kanadische Künstler leitete. Er wurde sehr einflussreich für diese jungen Künstler, von denen viele später nach New York gingen. Einer von ihnen, der Bildhauer Robert Murray, sagte später: „Er hat uns bei unserer provinziellen Paranoia geholfen…. Er ließ es wichtig erscheinen, ein Künstler zu sein“.

1960 ergänzt er rohe Leinwände mit schwarzer Farbe. Ab diesem Zeitpunkt beginnt er, über Stations of the Cross als Serie nachzudenken. Er wird in den nächsten sechs Jahren daran arbeiten. Er wird auch an grafischen Arbeiten arbeiten, was er seit elf Jahren nicht mehr getan hat. Er fertigt eine Serie von zweiundzwanzig 4,20 m x 3 m großen Tuschezeichnungen an. Im Januar 1961 wird das Gemälde Vir Heroicus Sublimis von Ben Heller gekauft. Weitere Verkäufe finden in diesem Jahr statt: L“Errance und Onement VI.

Im Februar fiel Barnett Newman nach dem plötzlichen Tod seines jüngeren Bruders George in eine tiefe Depression. Um ihn aus dieser Situation zu befreien, lud ihn sein Freund Cleve Gray ein, sich an einem Lithografieprojekt am Pratt Institute Graphic Art Center zu beteiligen. Dies ist seine erste Erfahrung mit der Druckgrafik. Kurz darauf malte er ein seinem Bruder George gewidmetes Bild in Ecru und Schwarz, Surgit la lumière (Pour George).

Im Januar 1962 lehnte er Einladungen zu wichtigen Veranstaltungen wie der Gallery of Modern Art in Washington oder der Veranstaltung „Geometric Abstraction“ im Whitney Museum of American Art in New York ab. In diesem Jahr schuf er auch ein Gemälde mit dem Namen The Third. Mit der Hilfe von Robert Murray (en) nahm Newman mit seiner Skulptur Here I (To Marcia) aus dem Jahr 1950 an einem Casting in der Modern Art Foundry in Queens teil. Sein Name stammt von Marcia Weisman, die ihn zu dem Casting gedrängt hatte.

Am 23. Oktober 1962 stellten Newman und De Kooning ihre Werke in der Galerie von Tony Smith aus. Die Wellen der Kritiker schlagen schließlich zu Newmans Gunsten aus, die ihn nun zu einem der „bemerkenswertesten lebenden Künstler der Gegenwart“ erklären.

1963 veröffentlichte die Zeitschrift „Vogue“ einen lobenden biografischen Essay von Harold Rosenberg mit dem Titel „Barnett Newman, ein Mann der Kontroverse und der geistigen Größe“. Später wurde Newman von William Lieberman, einem Kurator für Drucke am Museum of Modern Art, dazu ermutigt, Lithografien zu machen. Daraufhin beschließt Newman, ein „Buch“, eine Sammlung von Lithografien, zu machen. In seinem Atelier arbeitet er daher an vier Steinen. Seine Arbeit wird zu einer Reihe von lithografischen Verfahren namens „Cantos“, die im ULAE-Verlag erscheinen. Er schloss sein Projekt 1964 mit 14 „Cantos“ ab, entschied aber später, dass noch vier weitere Gravuren benötigt würden, was die Zahl auf achtzehn erhöhte. Er freut sich über diese Zahl, die im Hebräischen (chai) auch lebendig bedeutet. Für ihn sind sie wie musikalische Gesänge, die er seiner Frau Annalee widmet. Danach malt er Seventh Station, Eighth Station, Ninth Station und Be II, die die Serie der Stations of the Cross abschließen, die vom Guggenheim in New York ausgestellt wird. Im September geht Annalee in den Ruhestand. Von nun an verbringt sie ihre Tage mit Barnett im Studio.

1965 nahmen Newmans Werke an zwei Veranstaltungen teil, die das Ende des Abstrakten Expressionismus lobten: in Philadelphia, The Decisive Years: 1943-1953, und in Los Angeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. Im selben Jahr fertigte Newman in der Treitel Gratz Company eine weitere Stahlskulptur Here II an, die Here I ergänzte. Einige Monate später ernannte der Kurator Walter Hopps Newman zur zentralen Figur einer Gruppe von Künstlern, die er für den US-Pavillon auf der achten Biennale in São Paulo auswählte. Die anderen sechs Künstler waren zwanzig Jahre jünger als Newman. Es handelt sich um Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons und Frank Stella. Auf Wunsch des Künstlers werden die sieben Gemälde und zwei Skulpturen außer Konkurrenz gezeigt. Mit dieser Veranstaltung bezaubert Newman die Journalisten. Er erhält ehrliche Bewunderung von Oscar Niemeyer, einem Architekten, und dem berühmten Fußballspieler Pelé. Aber auch die Künstler in São Paulo beeindruckte er, nicht zuletzt dank seiner Kenntnisse der Kunstgeschichte.

Am 20. April 1966 veranstaltete das Guggenheim in New York eine Ausstellung, auf der nur Newmans Werke gezeigt wurden und auf der auch die Gemälde Stations of the Cross zu sehen waren. Diese „Stations“ erlangten weit über die üblichen Grenzen der Kunstwelt hinaus Aufmerksamkeit und seine Werke wurden in der ganzen Welt, insbesondere in Europa, ausgestellt. Er arbeitete weiterhin in der Gießerei Treitel Gratz, wo er eine Skulptur aus Cortenstahl und rostfreiem Stahl namens Be III anfertigte. Im selben Jahr malte er auch sein erstes Bild mit Primärfarben, das die Grundlage für die vier Who“s Afraid of Red, Yellow and Blue bildete, die mit Acrylfarben ergänzt wurden. In diesem Jahr malte er mehrere Bilder, darunter ein etwa 5 Meter langes Bild: Voice of Fire, das im amerikanischen Pavillon auf der Weltausstellung 1967 in Montreal verwendet wurde und eines seiner beeindruckendsten Bilder war.

Im August 1967 wurde Newman eingeladen, auf dem ersten internationalen Kongress über Religion, Architektur und bildende Kunst in New York über die spirituelle Dimension der zeitgenössischen Kunst zu sprechen. In seiner Rede sagte Newman: „Was für einen wahren Künstler wichtig ist, ist die Unterscheidung zwischen Ort und Nicht-Ort; und je größer das Werk der Kunst ist, desto größer wird dieses Gefühl sein. Und dieses Gefühl ist eine grundlegende spirituelle Dimension“. Kurz darauf begann Newman mit der Gießerei North Haven in Connecticut zusammenzuarbeiten, die auf die Herstellung großer Kunstwerke spezialisiert war. Newman fertigte eine monumentale Skulptur an: Broken Obelisk, die später in vielen Kunstgalerien ausgestellt wurde. Bei der Arbeit an seinem Obelisken beschäftigte sich Newman mit der Idee eines dreieckigen Gemäldes.

Im November 1967 kommen die Newmans nach Europa zur Eröffnung von „The Poetry of Vision“ in Dublin, einer Ausstellung zeitgenössischer und antiker Kunst, in der Who“s Afraid of Red, Yellow and Blue II, Queen of the Night II und Now II ausgestellt werden. Am 21. Dezember 1967 unterzeichnet Newman einen offenen Brief in der New York Review of Books, um gegen den Antisemitismus in der Sowjetunion zu protestieren.

Im Januar 1968 kam das Paar nach Paris, damit Newman an einer Konferenz zu Ehren Charles Baudelaires teilnahm und zum ersten Mal den Louvre besuchte. Am 28. April nimmt Newman eine Stelle als Professor an der Universität von Bridgeport, Connecticut, an. In diesem Jahr führt Newman ein Gemälde aus, das seiner Mutter Anna“s Light gewidmet ist. Es ist das größte Gemälde, das Newman je gemalt hat, und das erste, das nicht aufgespannt und direkt an der Wand des Ateliers befestigt ist. Einige Monate später protestierte er gegen den Bürgermeister von Chicago Daley und brutale Polizeiaktionen, indem er das Werk Gea aus einer Ausstellung in Chicago entfernte. Er machte Pläne für eine Skulptur mit dem Titel Mayor Daley“s Outhouse, aber er hatte nicht genug Zeit, um sie zu realisieren.

Am 25. März 1969 eröffnete Newman seine erste Galerie, die M. Knoedler and Company, in der seine Werke aus den 1960er Jahren ausgestellt wurden. Die vier Arbeiten Who“s Afraid of Red, Yellow and Blue waren ein großer Erfolg, ebenso wie Now II, Anna“s Light und die beiden dreieckigen Gemälde Jericho und Chartres, die er gerade fertiggestellt hatte. Es folgte die erste veröffentlichte Monografie über Newman, die von Thomas Hess verfasst wurde.

Newmans Werke sind umstritten, werden aber in der Szene weitgehend gelobt. Die negativen Meinungen der Kritiker lassen keinen Zweifel an Newmans Bedeutung. Seine Ausstellungen ziehen ebenso viel Aufmerksamkeit auf sich wie die Retrospektiven der Museen von Willem de Kooning und David Smith, die im selben Jahr stattfanden. In diesem Jahr führte er Zim Zum I aus, das ursprünglich 3,60 m hoch werden sollte, das er aber auf 2,40 m verkleinerte, damit es nach Tokio für eine Ausstellung im Hakoone Open Air Museum verschifft werden konnte.

Zehn seiner Gemälde und drei seiner Skulpturen, die Newmans Karriere von 1946 bis 1969 abdecken, erscheinen in der New Yorker Ausstellung Malerei und Skulptur 1940-1970, die von Henry Geldzahler für das Metropolitan Museum of Art kuratiert wurde. Gegen Ende des Jahres begann Newman mit der Planung großer retrospektiver Ausstellungen, die von Thomas Hess unter anderem in der Tate Gallery in London, dem Grand Palais in Paris, dem MoMA in New York und dem Stedelijk Museum in Amsterdam organisiert werden sollten.

Im Januar 1970 leistete Newman einen Beitrag zur Hundertjahrfeier des Metropolitan Museum of Art und schrieb damals: „Ich habe immer eine Abneigung, ja sogar Verachtung für Reproduktionen und Fotografien von Kunstwerken empfunden, selbst für die meiner eigenen Arbeit. Ich kann mich nur glücklich schätzen, dass meine künstlerische Bildung nicht von der Betrachtung von Fotografien und Dia-Blockbustern oder gar von Lehrern kam, sondern von mir selbst im Angesicht der Realität“.

Am 17. Mai 1970 ehrt die Brandeis University in Waltham, Massachusetts, Newmans Arbeit mit einer Medaille für kreative Künste in der Malerei.

Am 4. Juli 1970 erlag Barnett Newman im Alter von fünfundsechzig Jahren in seinem Atelier neben dem Gemälde Who“s Afraid of Red, Yellow, and Blue IV einem Herzinfarkt. In seinem Studio befanden sich auch ein unvollendetes Gemälde von 5,40 m x 2,40 m, ein dreieckiges Gemälde mit rechtem Winkel und drei seiner vollendeten, aber noch unbetitelten Werke.

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Erste Werke

In den 1940er Jahren ist sein Stil eher surrealistisch und wird dann reifer. Dieser zeichnet sich durch Farbflächen aus, die durch dünne vertikale Linien voneinander getrennt sind, Zips (bedeutet auf Englisch „Reißverschluss“), wie er sie nannte. In seinen frühen Werken mit diesen Zips sind die Farbfelder nicht einheitlich, später sind die Farben jedoch rein und flächig.

1947 stellte er zwei Werke in Betty Parsons Galerie aus, Gea und Euclidian Abyss.Bei „Euclidian Abyss“ sieht man, dass der Künstler versucht, seinen eigenen Stil zu definieren. Auf schwarzem Hintergrund gewinnen gelbe, nicht ganz senkrechte Linien in seinen Werken zunehmend an Bedeutung. Diese Zips markieren die Einzigartigkeit des Künstlers und werden ein konstantes Element in Newmans Karriere bleiben.

Er selbst war der Meinung, dass er die volle Reife seines Stils mit der Serie Onement im Jahr 1948 erreicht hatte. . Es sind Werke mit einem bordeauxroten Hintergrund und vertikalen Reißverschlüssen in anderen Farben. Sie lösen beim Betrachter Erschütterungen und Emotionen aus. Newman sagte über diese Werke: „Es gibt spezifische und separate Gefühlsumwandlungen, die vor jedem Bild erlebt werden können“.

In einigen Gemälden aus den 1950er Jahren wie The Wild, das zwei Meter vierzig lang und vier Zentimeter breit ist, ist der Reißverschluss durchaus vorhanden, wenn er auch nicht das Werk an sich ist. Newman stellt auch einige Skulpturen her, darunter Here I, die im Wesentlichen eine dreidimensionale Darstellung von Reißverschlüssen sind.

1951 stellte er Vir Heroicus Sublimis aus, das später zu seinem bekanntesten Werk wurde. Die Anzahl der Zips und ihre Regelmäßigkeit verleihen dem Bild eine Symmetrie, die eine scheinbar einfache rote Fläche ergibt.

Obwohl Newmans Gemälde rein abstrakt erscheinen und viele von ihnen ursprünglich keinen Titel hatten, beziehen sich die Namen, die er ihnen später gab, auf bestimmte Themen, oft in Verbindung mit einem Thema über das Judentum. Zwei Werke aus den frühen 1950er Jahren heißen beispielsweise Adam, dann auch Uriel (1954) und Abraham (1949), ein sehr düsteres Gemälde, dessen Name zwar der des Patriarchen aus der Bibel ist, aber auch der Name von Newmans 1947 verstorbenem Vater war. Newman drückt mit den Titeln seiner Werke einen gewissen Mystizismus aus. Insbesondere mit „Adam“, dem ersten Namen der biblischen Figur, der sich an adom für rot und dam für Blut annähert. Das rot getönte Gemälde ist das Ergebnis von Newmans jüdischer Identität, mit der er sich vor allem während der Schrecken des Zweiten Weltkriegs, dem Holocaust, auseinandersetzte. Er sagte: „Als Hitler Europa verwüstete, konnten wir uns da ausdrücken, indem wir ein hübsches nacktes Mädchen malten, das auf einer Couch lag?“. Auf diese Fragestellung antwortete er mit Abstraktion.

Die Serie von Gemälden, die Variationen von Beige mit schwarzen vertikalen Streifen beinhalten, The Stations of the Cross (1958-1964), begann kurz nachdem Newman sich von einem Herzinfarkt erholt hatte, und wird als Höhepunkt seiner Karriere angesehen. Die Serie trägt den Untertitel Lema sabachthani – „Warum hast du mich verlassen?“ – Worte, die von Christus am Kreuz gesprochen wurden. Newman sieht seine Worte als von universeller Bedeutung an. Die Serie wurde auch als Mahnmal für die Opfer des Holocaust gesehen. Newman wollte die Tragik und die universelle Gewalt in Verbindung mit der Passion zum Ausdruck bringen.

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Späte Werke

Newmans späte Werke wie die Serie Who“s Afraid of Red, Yellow and Blue, die ausschließlich aus Primärfarben besteht, und die Zips verleihen der gesamten Malerei eine Dynamik. Diese Werke bestehen aus reinen, vibrierenden Farben und sind oft auf großen Leinwänden zu sehen – Anna“s Light (1968), benannt nach seiner Mutter, die 1965 starb, ist mit acht Metern vierzig mal zwei Metern siebzig die größte. Newman arbeitete gegen Ende seines Lebens auch auf nicht rechteckigen Leinwänden, wie z. B. Chartres (1969), das dreieckig ist, und kehrte dann zur Bildhauerei zurück, wobei er einige Stücke aus poliertem Stahl herstellte. Seine letzten Gemälde wurden mit Acrylfarbe statt mit Ölfarbe wie in seinen früheren Werken gemalt. Unter seinen Skulpturen ist der Broken Obelisk die größte und bekannteste. Er stellt einen auf dem Kopf stehenden Obelisken dar, dessen Spitze auf der Spitze einer Pyramide ruht.

Er schuf auch eine Reihe von Lithografien, die 18 Cantos (1963-64), die laut Newman an die Musik erinnern. Zu seinem Werk gehören auch einige Radierungen. Seine Werke widmete er seiner Frau Annalee.

1962 schuf er eine große orangefarbene Leinwand mit zwei gelben Zips The Third. Über dieses Werk sagte Newman: „Ich spüre, dass meine Zips meine Bilder nicht teilen. Ich spüre, dass sie genau das Gegenteil bewirken, sie vereinen das Ganze“.

Newman wird im Allgemeinen als abstrakter Expressionist angesehen, wenn man von seiner Arbeit im New York der 1950er Jahre ausgeht, wo er zusammen mit anderen Künstlern dieser Richtung einen abstrakten Stil entwickelte, der nichts mehr mit der europäischen Kunst gemein hatte. Seine Ablehnung der expressiven Pinselarbeit, wie sie andere abstrakte Expressionisten wie Clyfford Still und Mark Rothko verwendeten, und die Verwendung von flächiger Farbe auf klar abgegrenzten Flächen können ihn jedoch zu einem Vorläufer von Künstlern der Malbewegungen Hard edge painting, Colorfield Painting und Minimalismus (Kunst) wie Frank Stella machen.

Newman hatte die meiste Zeit seines Lebens keinen großen Erfolg als Künstler, da er von schillernden Persönlichkeiten wie Jackson Pollock in den Schatten gestellt wurde. Der einflussreiche Kritiker Clement Greenberg schrieb enthusiastische Papiere über ihn, aber erst gegen Ende seines Lebens begann man, ihn ernsthaft in Betracht zu ziehen. Dennoch beeinflusste er viele junge Maler.

Newman betonte stets, dass seine Betrachter seine Werke aus der Nähe betrachten sollten, um von den dichten Farben eingehüllt zu werden. Seine Gemälde sollten dem Betrachter das Gefühl geben, in reiner Farbe zu ertrinken. Seine Kunst ist abstrakt, total und kompromisslos. Er erklärte: „Man sagt, ich habe die abstrakte Malerei an ihre Grenzen geführt, obwohl es für mich offensichtlich ist, dass ich nur einen neuen Anfang gemacht habe“.

Newman starb 1970 in New York an einem Herzinfarkt.

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Anmerkungen

Quellen