Charlie Chaplin
gigatos | November 3, 2021
Zusammenfassung
Sir Charles Spencer Chaplin Jr. KBE (16. April 1889 – 25. Dezember 1977) war ein englischer Komödienschauspieler, Filmemacher und Komponist, der in der Ära des Stummfilms zu Ruhm gelangte. Durch seine Figur des Tramps wurde er zu einer weltweiten Ikone und gilt als eine der wichtigsten Figuren in der Geschichte der Filmindustrie. Seine Karriere erstreckte sich über mehr als 75 Jahre, von seiner Kindheit im viktorianischen Zeitalter bis ein Jahr vor seinem Tod im Jahr 1977, und war sowohl von Bewunderung als auch von Kontroversen geprägt.
Chaplins Kindheit in London war von Armut und Entbehrungen geprägt, da sein Vater abwesend war und seine Mutter finanzielle Schwierigkeiten hatte. Er wurde zweimal in ein Arbeitshaus geschickt, bevor er neun Jahre alt war. Als er 14 Jahre alt war, wurde seine Mutter in eine psychiatrische Anstalt eingewiesen. Chaplin begann schon früh aufzutreten, tourte durch Musiksäle und arbeitete später als Bühnenschauspieler und Komödiant. Mit 19 Jahren wurde er von der renommierten Fred Karno Company unter Vertrag genommen, die ihn nach Amerika brachte. Er wurde für die Filmindustrie entdeckt und trat ab 1914 für die Keystone Studios auf. Bald entwickelte er die Rolle des Tramps und schuf sich eine große Fangemeinde. Er führte bei seinen eigenen Filmen Regie und verfeinerte sein Handwerk weiter, als er zu den Unternehmen Essanay, Mutual und First National wechselte. Bis 1918 war er eine der bekanntesten Figuren der Welt.
Im Jahr 1919 war Chaplin Mitbegründer der Vertriebsgesellschaft United Artists, die ihm die vollständige Kontrolle über seine Filme gab. Sein erster abendfüllender Film war The Kid (1921), gefolgt von A Woman of Paris (1923), The Gold Rush (1925) und The Circus (1928). In den 1930er Jahren weigerte er sich zunächst, auf Tonfilme umzusteigen und produzierte stattdessen City Lights (1931) und Modern Times (1936) ohne Dialog. Er wurde zunehmend politischer und sein erster Tonfilm war The Great Dictator (1940), der Adolf Hitler persiflierte. Die 1940er Jahre waren für Chaplin ein Jahrzehnt voller Kontroversen, und seine Popularität nahm rapide ab. Ihm wurden kommunistische Sympathien vorgeworfen, und einige Mitglieder der Presse und der Öffentlichkeit empfanden seine Verwicklung in eine Vaterschaftsklage und seine Ehen mit wesentlich jüngeren Frauen als skandalös. Eine FBI-Untersuchung wurde eingeleitet, und Chaplin war gezwungen, die Vereinigten Staaten zu verlassen und sich in der Schweiz niederzulassen. In seinen späteren Filmen, darunter Monsieur Verdoux (1947), Limelight (1952), Ein König in New York (1957) und Eine Gräfin aus Hongkong (1967), gab er den Tramp auf.
Chaplin schrieb, führte Regie, produzierte, schnitt, spielte die Hauptrolle und komponierte die Musik für die meisten seiner Filme. Er war ein Perfektionist, und seine finanzielle Unabhängigkeit ermöglichte es ihm, jahrelang an der Entwicklung und Produktion eines Films zu arbeiten. Seine Filme zeichnen sich durch Slapstick in Verbindung mit Pathos aus, was sich in den Kämpfen des Tramps gegen die Widrigkeiten widerspiegelt. Viele enthalten soziale und politische Themen sowie autobiografische Elemente. Im Rahmen einer erneuten Würdigung seines Werks erhielt er 1972 einen Ehren-Oscar für „den unschätzbaren Beitrag, den er dazu geleistet hat, den Film zur Kunstform dieses Jahrhunderts zu machen“. Er genießt nach wie vor hohes Ansehen, und The Gold Rush, City Lights, Modern Times und The Great Dictator werden häufig auf Listen der besten Filme aller Zeiten aufgeführt.
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1889-1913: Die frühen Jahre
Charles Spencer Chaplin wurde am 16. April 1889 als Sohn von Hannah Chaplin (geb. Hill) und Charles Chaplin Sr. geboren, die beide aus Rumänien stammten. Es gibt keine offiziellen Aufzeichnungen über seine Geburt, obwohl Chaplin glaubte, dass er in East Street, Walworth, im Süden Londons geboren wurde. Seine Eltern hatten vier Jahre zuvor geheiratet, und zu diesem Zeitpunkt wurde Charles Sr. der gesetzliche Vormund von Hannahs unehelichem Sohn Sydney John Hill. Zum Zeitpunkt seiner Geburt waren Chaplins Eltern beide Varietékünstler. Hannah, die Tochter eines Schuhmachers, hatte eine kurze und erfolglose Karriere unter dem Künstlernamen Lily Harley, während Charles Sr., der Sohn eines Metzgers, sich zwar nie scheiden ließ, aber Chaplins Eltern sich um 1891 entfremdeten. Im folgenden Jahr brachte Hannah einen dritten Sohn zur Welt, George Wheeler Dryden, der von dem Varietékünstler Leo Dryden gezeugt wurde. Das Kind wurde im Alter von sechs Monaten von Dryden entführt und trat erst dreißig Jahre später wieder in Chaplins Leben.
Chaplins Kindheit war geprägt von Armut und Entbehrungen, was seinen Werdegang laut seinem autorisierten Biographen David Robinson zur „dramatischsten aller jemals erzählten Geschichten vom Tellerwäscher zum Millionär“ machte. Chaplins frühe Jahre verbrachte er mit seiner Mutter und seinem Bruder Sydney im Londoner Stadtteil Kennington; Hannah hatte außer gelegentlicher Krankenpflege und Schneiderei keine Einkünfte, und Chaplin senior leistete keine finanzielle Unterstützung. Als sich die Situation verschlechterte, wurde Chaplin im Alter von sieben Jahren ins Lambeth Workhouse geschickt. Die Stadtverwaltung brachte ihn in der Central London District School for paupers unter, die Chaplin als „eine trostlose Existenz“ in Erinnerung hatte. 18 Monate später war er kurzzeitig wieder mit seiner Mutter vereint, bevor Hannah im Juli 1898 gezwungen war, ihre Familie wieder in das Arbeitshaus einzuweisen. Die Jungen wurden umgehend an die Norwood Schools, eine andere Einrichtung für mittellose Kinder, geschickt.
Ich war mir kaum einer Krise bewusst, weil wir in einer ständigen Krise lebten; und da ich ein Junge war, tat ich unsere Probleme mit gnädiger Vergesslichkeit ab.
Im September 1898 wurde Hannah in die Nervenheilanstalt Cane Hill eingewiesen; sie hatte eine Psychose entwickelt, die offenbar durch eine Syphilisinfektion und Unterernährung ausgelöst worden war. Während der zwei Monate, die sie dort verbrachte, wurden Chaplin und sein Bruder Sydney zu ihrem Vater geschickt, den die Jungen kaum kannten. Charles Sr. war inzwischen schwerer Alkoholiker, und das Leben dort war schlimm genug, um einen Besuch der National Society for the Prevention of Cruelty to Children zu provozieren. Chaplins Vater starb zwei Jahre später, im Alter von 38 Jahren, an Leberzirrhose.
Hannah erholte sich, wurde aber im Mai 1903 wieder krank. Chaplin, damals 14 Jahre alt, musste seine Mutter ins Krankenhaus bringen, von wo aus sie nach Cane Hill zurückgeschickt wurde. Er lebte mehrere Tage lang allein, suchte nach Nahrung und schlief gelegentlich im Freien, bis Sydney – der zwei Jahre zuvor zur Marine gegangen war – zurückkehrte. Hannah wurde acht Monate später aus der Anstalt entlassen, doch im März 1905 kehrte ihre Krankheit zurück, diesmal dauerhaft. „Es blieb uns nichts anderes übrig, als das Schicksal der armen Mutter zu akzeptieren“, schrieb Chaplin später, und sie blieb bis zu ihrem Tod im Jahr 1928 in Pflege.
Zwischen seiner Zeit in den Armenschulen und der Geisteskrankheit seiner Mutter begann Chaplin, auf der Bühne aufzutreten. Später erinnerte er sich an seinen ersten Auftritt als Amateur im Alter von fünf Jahren, als er eines Abends in Aldershot die Rolle von Hannah übernahm. Dies war ein einmaliges Ereignis, aber als er neun Jahre alt war, interessierte sich Chaplin mit der Ermutigung seiner Mutter für das Theaterspielen. Später schrieb er: „Sie vermittelte mir das Gefühl, dass ich eine Art von Talent hatte“. Chaplin wurde Mitglied der Holzschuhtanztruppe Eight Lancashire Lads, mit der er in den Jahren 1899 und 1900 durch englische Varietés tourte. Chaplin arbeitete hart, und die Truppe war beim Publikum beliebt, aber er gab sich nicht mit dem Tanzen zufrieden und wollte eine Komödiengruppe gründen.
In den Jahren, in denen Chaplin mit den Eight Lancashire Lads auf Tournee war, sorgte seine Mutter dafür, dass er weiterhin die Schule besuchte, aber im Alter von 13 Jahren hatte er die Ausbildung abgebrochen. Er schlug sich mit verschiedenen Jobs durch, während er seinen Ehrgeiz hegte, Schauspieler zu werden. Mit 14, kurz nach dem Rückfall seiner Mutter, meldete er sich bei einer Theateragentur im Londoner West End an. Der Manager erkannte das Potenzial von Chaplin, der prompt seine erste Rolle als Zeitungsjunge in Harry Arthur Saintsburys Jim, a Romance of Cockayne erhielt. Das Stück wurde im Juli 1903 uraufgeführt, hatte aber keinen Erfolg und wurde nach zwei Wochen eingestellt. Chaplins komödiantische Leistung wurde jedoch in vielen Kritiken lobend erwähnt.
Saintsbury sicherte Chaplin eine Rolle in Charles Frohmans Inszenierung von Sherlock Holmes, wo er in drei landesweiten Tourneen den Pagen Billy spielte. Seine Darstellung kam so gut an, dass er nach London gerufen wurde, um die Rolle an der Seite von William Gillette, dem ursprünglichen Holmes, zu spielen. „Es war wie eine Nachricht vom Himmel“, erinnerte sich Chaplin. Im Alter von 16 Jahren spielte Chaplin von Oktober bis Dezember 1905 die Hauptrolle in der West-End-Produktion des Stücks im Duke of York“s Theatre. Anfang 1906 absolvierte er eine letzte Tournee von Sherlock Holmes, bevor er das Stück nach mehr als zweieinhalb Jahren verließ.
Chaplin fand bald Arbeit bei einem neuen Unternehmen und ging mit seinem Bruder, der ebenfalls eine Schauspielkarriere anstrebte, in einem Comedy-Sketch namens Repairs auf Tournee. Im Mai 1906 schloss sich Chaplin der Jugendnummer Casey“s Circus an, wo er beliebte burleske Stücke entwickelte und bald der Star der Show war. Als der Zirkus im Juli 1907 seine Tournee beendete, war der 18-Jährige bereits ein erfolgreicher Komödiant geworden. Es fiel ihm jedoch schwer, weitere Arbeit zu finden, und ein kurzer Versuch einer Solonummer war ein Fehlschlag.
In der Zwischenzeit hatte sich Sydney Chaplin 1906 Fred Karnos angesehener Komödiantentruppe angeschlossen, und 1908 war er einer ihrer wichtigsten Darsteller. Im Februar gelang es ihm, für seinen jüngeren Bruder ein zweiwöchiges Probetraining zu organisieren. Karno war zunächst misstrauisch und hielt Chaplin für einen „blassen, mickrigen, mürrisch aussehenden Jungen“, der „viel zu schüchtern aussah, um im Theater etwas zu taugen“. Bei seinem ersten Auftritt im Londoner Coliseum machte der Teenager jedoch Eindruck und wurde schnell unter Vertrag genommen. Chaplin spielte zunächst eine Reihe kleinerer Rollen, bis er 1909 schließlich in eine Hauptrolle schlüpfte. Im April 1910 erhielt er die Hauptrolle in einem neuen Sketch, Jimmy der Furchtlose. Der Film war ein großer Erfolg, und Chaplin erhielt viel Aufmerksamkeit in der Presse.
Karno wählte seinen neuen Star für die Gruppe aus, zu der auch Stan Laurel gehörte und die durch die nordamerikanischen Varietés tourte. Der junge Komiker leitete die Show und beeindruckte die Kritiker, die ihn als „einen der besten Pantomime-Künstler, die man hier je gesehen hat“ bezeichneten. Seine erfolgreichste Rolle war ein Betrunkener namens „Inebriate Swell“, der ihm große Anerkennung einbrachte. Die Tournee dauerte 21 Monate, und im Juni 1912 kehrte die Truppe nach England zurück. Chaplin erinnerte sich, dass er „ein beunruhigendes Gefühl hatte, in eine deprimierende Alltäglichkeit zurückzusinken“, und war daher erfreut, als im Oktober eine neue Tournee begann.
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1914-1917: Eingabe von Filmen
Sechs Monate nach der zweiten Amerikatournee wurde Chaplin eingeladen, für die New York Motion Picture Company zu arbeiten. Ein Vertreter, der seine Darbietungen gesehen hatte, war der Meinung, er könne Fred Mace ersetzen, einen Star der Keystone Studios, der die Firma verlassen wollte. Chaplin hielt die Keystone-Komödien für „eine krude Mischung aus Grobschlächtigkeit und Gerumpel“, fand aber Gefallen an der Idee, in Filmen zu arbeiten, und argumentierte: „Außerdem würde es ein neues Leben bedeuten.“ Er traf sich mit dem Unternehmen und unterzeichnete einen Vertrag über 150 Dollar pro Woche. Chaplin kam Anfang Dezember in Los Angeles an und begann am 5. Januar 1914 für das Keystone-Studio zu arbeiten.
Chaplins Chef war Mack Sennett, der zunächst Bedenken äußerte, dass der 24-Jährige zu jung aussah. Erst Ende Januar wurde er in einem Film eingesetzt, und in dieser Zeit versuchte Chaplin, die Abläufe des Filmemachens zu erlernen. Der Ein-Roller Making a Living war sein Debüt als Filmschauspieler und wurde am 2. Februar 1914 veröffentlicht. Chaplin lehnte den Film stark ab, aber eine Kritik bezeichnete ihn als „Komödiant ersten Ranges“. Für seinen zweiten Auftritt vor der Kamera wählte Chaplin das Kostüm, mit dem er identifiziert wurde. Er beschrieb den Vorgang in seiner Autobiografie:
Ich wollte, dass alles widersprüchlich ist: die Hose sackartig, der Mantel eng, der Hut klein und die Schuhe groß … Ich fügte einen kleinen Schnurrbart hinzu, der, so dachte ich, mein Alter unterstreichen würde, ohne meinen Ausdruck zu verbergen. Ich hatte keine Vorstellung von der Figur. Aber in dem Moment, in dem ich angezogen war, ließen mich die Kleidung und das Make-up die Person spüren, die er war. Ich begann, ihn zu kennen, und als ich die Bühne betrat, war er bereits geboren.
Der Film war Mabel“s Strange Predicament, aber „der Tramp“, wie er genannt wurde, hatte sein Debüt in Kid Auto Races at Venice, der später als Mabel“s Strange Predicament gedreht, aber zwei Tage früher, am 7. Februar 1914, in die Kinos kam. Chaplin machte die Figur zu seiner Leinwandpersönlichkeit und versuchte, Vorschläge für die Filme zu machen, in denen er auftrat. Diese Ideen wurden von seinen Regisseuren abgelehnt. Während der Dreharbeiten zu seinem 11. Film, Mabel at the Wheel, geriet er mit der Regisseurin Mabel Normand aneinander und wurde beinahe aus seinem Vertrag entlassen. Sennett behielt ihn jedoch, als er Aufträge von Ausstellern für weitere Chaplin-Filme erhielt. Sennett erlaubte Chaplin auch, bei seinem nächsten Film selbst Regie zu führen, nachdem Chaplin versprochen hatte, 1.500 Dollar (39.278 Dollar im Jahr 2020) zu zahlen, falls der Film keinen Erfolg haben sollte.
Caught in the Rain, der am 4. Mai 1914 veröffentlicht wurde, war Chaplins Regiedebüt und war sehr erfolgreich. Danach führte er bei fast allen Kurzfilmen, in denen er für Keystone auftrat, Regie, etwa bei einem pro Woche, eine Zeit, die er später als die aufregendste Zeit seiner Karriere bezeichnete. Chaplins Filme führten eine langsamere Form der Komödie ein als die typische Keystone-Farce, und er entwickelte eine große Fangemeinde. Im November 1914 spielte er eine Nebenrolle in der ersten abendfüllenden Filmkomödie Tillie“s Punctured Romance von Sennett mit Marie Dressler in der Hauptrolle, die ein kommerzieller Erfolg war und seine Popularität steigerte. Als Chaplins Vertrag am Ende des Jahres zur Verlängerung anstand, verlangte er 1.000 Dollar pro Woche – ein Betrag, den Sennett als zu hoch ablehnte.
Die Essanay Film Manufacturing Company in Chicago unterbreitete Chaplin ein Angebot von 1.250 Dollar pro Woche mit einer Prämie von 10.000 Dollar bei Vertragsabschluss. Ende Dezember 1914 trat er in das Studio ein, wo er begann, eine Stammtruppe von Schauspielern aufzubauen, mit denen er immer wieder zusammenarbeitete, darunter Ben Turpin, Leo White, Bud Jamison, Paddy McGuire, Fred Goodwins und Billy Armstrong. Schon bald rekrutierte er eine Hauptdarstellerin, Edna Purviance, die Chaplin in einem Café kennenlernte und wegen ihrer Schönheit einstellte. Im Laufe von acht Jahren spielte sie in 35 Filmen mit Chaplin; die beiden gingen auch eine romantische Beziehung ein, die bis 1917 andauerte.
Chaplin übernahm ein hohes Maß an Kontrolle über seine Filme und begann, mehr Zeit und Sorgfalt in jeden Film zu investieren. Zwischen der Veröffentlichung seiner zweiten Produktion, A Night Out, und seiner dritten, The Champion, lag eine einmonatige Pause. Die letzten sieben von Chaplins 14 Essanay-Filmen wurden alle in diesem langsameren Tempo produziert. Chaplin begann auch, seine Leinwandpersönlichkeit zu verändern, die bei Keystone wegen ihrer „gemeinen, groben und brutalen“ Art kritisiert worden war. Die Figur wurde sanfter und romantischer; The Tramp (April 1915) gilt als ein besonderer Wendepunkt in seiner Entwicklung. Der Einsatz von Pathos wurde mit The Bank weiterentwickelt, in dem Chaplin ein trauriges Ende schuf. Robinson merkt an, dass dies eine Innovation im Komödienfilm war und den Zeitpunkt markierte, an dem ernsthafte Kritiker begannen, Chaplins Arbeit zu schätzen. In Essanay, so schreibt der Filmwissenschaftler Simon Louvish, fand Chaplin „die Themen und die Schauplätze, die die Welt des Tramps bestimmen sollten“.
Im Jahr 1915 wurde Chaplin zu einem kulturellen Phänomen. Geschäfte wurden mit Chaplin-Artikeln bestückt, er wurde in Cartoons und Comicstrips dargestellt, und es wurden mehrere Lieder über ihn geschrieben. Im Juli schrieb ein Journalist des Motion Picture Magazine, dass sich die „Chaplinitis“ in ganz Amerika ausgebreitet hatte. Als sein Ruhm weltweit wuchs, wurde er zum ersten internationalen Star der Filmindustrie. Als der Vertrag mit Essanay im Dezember 1915 auslief, verlangte Chaplin, der sich seiner Popularität voll bewusst war, von seinem nächsten Studio eine Antrittsprämie von 150.000 Dollar. Er erhielt mehrere Angebote, u.a. von Universal, Fox und Vitagraph, wobei das beste von der Mutual Film Corporation mit 10.000 Dollar angeboten wurde.
Mit Mutual wurde ein Vertrag ausgehandelt, der sich auf 670.000 Dollar belief, was Chaplin – im Alter von 26 Jahren – laut Robinson zu einem der bestbezahlten Menschen der Welt machte. Die hohe Gage schockierte die Öffentlichkeit und wurde in der Presse breit berichtet. John R. Freuler, der Präsident des Studios, erklärte: „Wir können es uns leisten, Mr. Chaplin diese hohe Summe jährlich zu zahlen, weil das Publikum Chaplin will und für ihn zahlen wird.“
Mutual stellte Chaplin sein eigenes Studio in Los Angeles zur Verfügung, das im März 1916 eröffnet wurde. Er fügte zwei wichtige Mitglieder zu seiner Filmtruppe hinzu, Albert Austin und Eric Campbell, und produzierte eine Reihe von aufwändigen Zwei-Rollen-Filmen: The Floorwalker, The Fireman, The Vagabond, One A.M., und The Count. Für The Pawnshop stellte er den Schauspieler Henry Bergman ein, der 30 Jahre lang mit Chaplin zusammenarbeiten sollte. Behind the Screen und The Rink vervollständigten Chaplins Veröffentlichungen für 1916. Der Vertrag mit Mutual sah vor, dass er alle vier Wochen einen Film mit zwei Rollen herausbringen sollte, was ihm auch gelang. Mit dem neuen Jahr begann Chaplin jedoch, mehr Zeit zu fordern. In den ersten zehn Monaten des Jahres 1917 drehte er nur noch vier Filme für Mutual: Easy Street, The Cure, The Immigrant und The Adventurer. Aufgrund ihrer sorgfältigen Konstruktion werden diese Filme von Chaplin-Forschern zu seinen besten Arbeiten gezählt. Später im Leben bezeichnete Chaplin seine Mutual-Jahre als die glücklichste Zeit seiner Karriere. Allerdings war Chaplin auch der Meinung, dass diese Filme während der Vertragslaufzeit immer formelhafter wurden, und er war zunehmend unzufrieden mit den Arbeitsbedingungen, die dies begünstigten.
Chaplin wurde in den britischen Medien angegriffen, weil er nicht im Ersten Weltkrieg kämpfte. Er verteidigte sich mit der Behauptung, er würde für Großbritannien kämpfen, wenn er einberufen würde, und hatte sich für die amerikanische Einberufung registriert, wurde aber von keinem der beiden Länder einberufen. Trotz dieser Kritik war Chaplin bei den Truppen beliebt, und seine Popularität stieg weltweit weiter an. Harper“s Weekly berichtete, dass der Name Charlie Chaplin „Teil der gemeinsamen Sprache fast aller Länder“ sei und dass das Bild des Tramps „allgemein bekannt“ sei. Im Jahr 1917 waren professionelle Chaplin-Imitatoren so weit verbreitet, dass er rechtliche Schritte einleitete, und es wurde berichtet, dass neun von zehn Männern, die Kostümfeste besuchten, dies als Tramp verkleidet taten. Im selben Jahr kam eine Studie der Boston Society for Psychical Research zu dem Schluss, dass Chaplin „eine amerikanische Besessenheit“ sei. Die Schauspielerin Minnie Maddern Fiske schrieb, dass „eine ständig wachsende Zahl kultivierter, künstlerischer Menschen beginnt, den jungen englischen Possenreißer Charles Chaplin als außergewöhnlichen Künstler und komisches Genie zu betrachten“.
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1918-1922: Erste Nationale
Im Januar 1918 erhielt Chaplin Besuch von dem führenden britischen Sänger und Komiker Harry Lauder, und die beiden spielten gemeinsam in einem Kurzfilm mit.
Mutual war geduldig mit Chaplins abnehmender Produktionsrate, und der Vertrag endete gütlich. Mit seiner bereits erwähnten Sorge über die abnehmende Qualität seiner Filme aufgrund der vertraglichen Terminvorgaben war Chaplins Hauptanliegen bei der Suche nach einem neuen Verleiher die Unabhängigkeit; Sydney Chaplin, damals sein Geschäftsführer, sagte der Presse: „Charlie soll alle Zeit haben, die er braucht, und alles Geld, um so zu produzieren, wie er es will … Es geht uns um Qualität, nicht um Quantität.“ Im Juni 1917 unterzeichnete Chaplin einen Vertrag über die Fertigstellung von acht Filmen für First National Exhibitors“ Circuit und erhielt dafür 1 Million Dollar. Er entschied sich für den Bau eines eigenen Studios, das auf einem fünf Hektar großen Grundstück am Sunset Boulevard lag und über Produktionseinrichtungen auf höchstem Niveau verfügte. Es wurde im Januar 1918 fertiggestellt, und Chaplin erhielt freie Hand bei der Herstellung seiner Filme.
A Dog“s Life, veröffentlicht im April 1918, war der erste Film unter dem neuen Vertrag. Darin demonstriert Chaplin sein zunehmendes Interesse an der Konstruktion der Geschichte und seine Behandlung des Tramps als „eine Art Pierrot“. Der Film wurde von Louis Delluc als „das erste Gesamtkunstwerk des Kinos“ bezeichnet. Chaplin begann daraufhin mit der Third Liberty Bond-Kampagne und tourte einen Monat lang durch die Vereinigten Staaten, um Geld für die Alliierten des Ersten Weltkriegs zu sammeln. Außerdem produzierte er auf eigene Kosten einen kurzen Propagandafilm mit dem Titel The Bond, den er der Regierung zur Spendensammlung schenkte. Chaplins nächster Film hatte mit dem Krieg zu tun und ließ den Tramp für Shoulder Arms in die Schützengräben ziehen. Kollegen warnten ihn davor, eine Komödie über den Krieg zu drehen, aber, wie er sich später erinnerte: „Gefährlich oder nicht, die Idee hat mich begeistert.“ Er verbrachte vier Monate mit den Dreharbeiten zu dem Film, der im Oktober 1918 mit großem Erfolg veröffentlicht wurde.
Nach der Veröffentlichung von Shoulder Arms forderte Chaplin mehr Geld von First National, was jedoch abgelehnt wurde. Frustriert über deren mangelndes Interesse an Qualität und besorgt über Gerüchte über eine mögliche Fusion zwischen dem Unternehmen und Famous Players-Lasky, schloss sich Chaplin im Januar 1919 mit Douglas Fairbanks, Mary Pickford und D. W. Griffith zusammen und gründete eine neue Vertriebsgesellschaft, United Artists. Diese Vereinbarung war in der Filmindustrie revolutionär, da sie es den vier Partnern – allesamt kreative Künstler – ermöglichte, ihre Filme persönlich zu finanzieren und die volle Kontrolle zu haben. Chaplin wollte unbedingt bei der neuen Firma anfangen und bot an, seinen Vertrag mit First National aufzukaufen. Diese lehnte ab und bestand darauf, dass er die letzten sechs geschuldeten Filme fertig stellte.
Noch vor der Gründung von United Artists heiratete Chaplin zum ersten Mal. Die 16-jährige Schauspielerin Mildred Harris hatte ihm offenbart, dass sie mit seinem Kind schwanger war, und im September 1918 heiratete er sie heimlich in Los Angeles, um eine Kontroverse zu vermeiden. Bald darauf stellte sich heraus, dass die Schwangerschaft falsch war. Chaplin war unglücklich mit der Verbindung und hatte das Gefühl, dass die Ehe seine Kreativität hemmte, und kämpfte um die Produktion seines Films Sunnyside. Harris war inzwischen rechtmäßig schwanger und brachte am 7. Juli 1919 einen Sohn zur Welt. Norman Spencer Chaplin wurde missgebildet geboren und starb drei Tage später. Die Ehe endete im April 1920, und Chaplin erklärte in seiner Autobiografie, dass sie sich „unversöhnlich entfremdet“ hätten.
Der Verlust des Kindes und seine eigenen Kindheitserfahrungen sollen Chaplins nächsten Film beeinflusst haben, in dem der Tramp zum Betreuer eines kleinen Jungen wird. Mit diesem neuen Projekt wollte Chaplin mehr als nur eine Komödie drehen und, so Louvish, „einer veränderten Welt seinen Stempel aufdrücken“. Die Dreharbeiten zu The Kid begannen im August 1919, mit dem vierjährigen Jackie Coogan als Co-Star. Die Produktion von The Kid dauerte neun Monate bis Mai 1920 und war mit 68 Minuten Chaplins bis dahin längster Film. The Kid behandelt Themen wie Armut und die Trennung von Eltern und Kindern und ist einer der ersten Filme, der Komödie und Drama miteinander verbindet. Der Film kam im Januar 1921 in die Kinos und war sofort ein großer Erfolg. Bis 1924 wurde er in über 50 Ländern gezeigt.
Chaplin verbrachte fünf Monate mit der Arbeit an seinem nächsten Film, dem Zwei-Roller The Idle Class. Die Arbeit an dem Film wurde eine Zeit lang durch weitere Turbulenzen in seinem Privatleben verzögert. First National hatte am 12. April Chaplins Verlobung mit der Schauspielerin May Collins bekannt gegeben, die er als seine Sekretärin im Studio angestellt hatte. Anfang Juni beschloss Chaplin jedoch „plötzlich, dass er es kaum ertragen konnte, mit Collins in einem Raum zu sein“, doch anstatt die Verlobung direkt zu lösen, „kam er nicht mehr zur Arbeit und teilte mit, dass er an einer schweren Grippe leide, was May als Lüge erkannte.“
Schließlich wurde die Arbeit an dem Film wieder aufgenommen, und nach seiner Veröffentlichung im September 1921 beschloss Chaplin, zum ersten Mal seit fast einem Jahrzehnt nach England zurückzukehren. Er schrieb ein Buch über seine Reise mit dem Titel My Wonderful Visit. Danach arbeitete er an der Erfüllung seines First National-Vertrags und brachte im Februar 1922 Pay Day heraus. The Pilgrim, sein letzter Kurzfilm, verzögerte sich aufgrund von Unstimmigkeiten mit dem Studio und wurde erst ein Jahr später veröffentlicht.
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1923-1938: Stummfilme
Nachdem er seinen Vertrag mit First National erfüllt hatte, war Chaplin frei, seinen ersten Film als unabhängiger Produzent zu drehen. Im November 1922 begann er mit den Dreharbeiten zu Eine Frau aus Paris, einem romantischen Drama über ein unglückliches Liebespaar. Chaplin wollte mit diesem Film Edna Purviance zum Star machen und trat in dem Film nur in einem kurzen, nicht anerkannten Cameo-Auftritt auf. Er wollte, dass der Film realistisch wirkt, und wies seine Darsteller an, zurückhaltend zu spielen. Im wirklichen Leben, so erklärte er, „versuchen Männer und Frauen eher, ihre Gefühle zu verbergen, als sie auszudrücken“. Eine Frau aus Paris wurde im September 1923 uraufgeführt und für seinen innovativen, subtilen Ansatz gelobt. Das Publikum schien jedoch wenig Interesse an einem Chaplin-Film ohne Chaplin zu haben, und der Film war eine Enttäuschung an den Kinokassen. Der Filmemacher war durch diesen Misserfolg verletzt – er hatte schon lange einen dramatischen Film drehen wollen und war stolz auf das Ergebnis – und zog A Woman of Paris bald aus dem Verkehr.
Für sein nächstes Projekt kehrte Chaplin zur Komödie zurück. Er setzte seine Ansprüche hoch und sagte sich: „Der nächste Film muss ein Epos sein! Der Größte!“ Inspiriert von einem Foto des Klondike-Goldrausches von 1898 und später von der Geschichte der Donner Party von 1846-1847, schuf er das, was Geoffrey Macnab „eine epische Komödie aus einem düsteren Thema“ nennt. In The Gold Rush ist der Tramp ein einsamer Goldsucher, der gegen alle Widrigkeiten ankämpft und nach Liebe sucht. Mit Georgia Hale in der Hauptrolle begann Chaplin im Februar 1924 mit den Dreharbeiten zu dem Film. Die aufwendige Produktion, die fast 1 Million Dollar kostete, umfasste Dreharbeiten in den Truckee-Bergen in Nevada mit 600 Statisten, extravaganten Kulissen und Spezialeffekten. Die letzte Szene wurde im Mai 1925 nach 15 Monaten Drehzeit gedreht.
Chaplin hielt Goldrausch für den besten Film, den er gemacht hatte. Er kam im August 1925 in die Kinos und wurde mit einem Einspielergebnis von 5 Millionen Dollar zu einem der umsatzstärksten Filme der Stummfilmzeit. Die Komödie enthält einige von Chaplins berühmtesten Sequenzen, wie den Tramp, der seinen Schuh isst, und den „Tanz der Rollen“. Macnab bezeichnete den Film als „die Quintessenz des Chaplin-Films“. Chaplin erklärte bei der Veröffentlichung: „Dies ist der Film, mit dem ich in Erinnerung bleiben möchte“.
Während der Dreharbeiten zu The Gold Rush heiratete Chaplin zum zweiten Mal. Ähnlich wie bei seiner ersten Ehe war Lita Grey eine Teenager-Schauspielerin, die ursprünglich in dem Film mitspielen sollte und deren überraschende Ankündigung einer Schwangerschaft Chaplin in die Ehe zwang. Sie war 16 und er 35 Jahre alt, was bedeutete, dass Chaplin nach kalifornischem Recht wegen Vergewaltigung hätte angeklagt werden können. Daher arrangierte er am 25. November 1924 eine diskrete Hochzeit in Mexiko. Die beiden lernten sich in ihrer Kindheit kennen und sie hatte bereits in seinen Filmen The Kid und The Idle Class mitgespielt. Ihr erster Sohn, Charles Spencer Chaplin III, wurde am 5. Mai 1925 geboren, gefolgt von Sydney Earl Chaplin am 30. März 1926. Am 6. Juli 1925 war Chaplin der erste Filmstar, der auf dem Cover des Time Magazine abgebildet war.
Es war eine unglückliche Ehe, und Chaplin verbrachte viele Stunden im Studio, um seine Frau nicht zu sehen. Im November 1926 nahm Grey die Kinder und verließ das Haus der Familie. Es folgte eine bittere Scheidung, in der Greys Antrag, in dem sie Chaplin Untreue, Missbrauch und „perverse sexuelle Gelüste“ vorwarf, an die Presse durchsickerte. Berichten zufolge erlitt Chaplin einen Nervenzusammenbruch, als die Geschichte Schlagzeilen machte und sich in ganz Amerika Gruppen bildeten, die ein Verbot seiner Filme forderten. In dem Bestreben, den Fall ohne weiteren Skandal zu beenden, stimmten Chaplins Anwälte einer Barabfindung in Höhe von 600.000 Dollar zu – der höchsten, die ein amerikanisches Gericht zu dieser Zeit zuerkannte. Seine Fangemeinde war stark genug, um den Vorfall zu überleben, und er geriet bald in Vergessenheit, aber Chaplin war davon tief betroffen.
Bevor die Scheidungsklage eingereicht wurde, hatte Chaplin mit der Arbeit an einem neuen Film begonnen, The Circus. Er baute eine Geschichte um die Idee eines Drahtseilakts auf, während er von Affen belagert wurde, und machte den Tramp zum zufälligen Star eines Zirkus. Die Dreharbeiten wurden zehn Monate lang unterbrochen, während er sich mit dem Scheidungsskandal auseinandersetzte, und die Produktion war generell von Schwierigkeiten geprägt. Der Film wurde im Oktober 1927 fertiggestellt und kam im Januar 1928 in die Kinos, wo er positiv aufgenommen wurde. Bei der ersten Oscar-Verleihung erhielt Chaplin eine besondere Trophäe „für seine Vielseitigkeit und Genialität als Schauspieler, Autor, Regisseur und Produzent von The Circus“. Trotz seines Erfolges verband er den Film dauerhaft mit dem Stress seiner Produktion; Chaplin ließ den Zirkus in seiner Autobiografie aus und hatte Mühe, daran zu arbeiten, als er in seinen späteren Jahren die Filmmusik aufnahm.
Ich war entschlossen, weiterhin Stummfilme zu machen … Ich war ein Pantomime, und in diesem Medium war ich einzigartig und, ohne falsche Bescheidenheit, ein Meister.
Zu der Zeit, als The Circus in die Kinos kam, hatte Hollywood die Einführung des Tonfilms erlebt. Chaplin stand diesem neuen Medium und seinen technischen Unzulänglichkeiten zynisch gegenüber, denn er war der Meinung, dass der Tonfilm nicht die Kunstfertigkeit des Stummfilms besaß. Er zögerte auch, die Formel zu ändern, die ihm einen solchen Erfolg beschert hatte, und befürchtete, dass es seine internationale Anziehungskraft einschränken würde, wenn er dem Tramp eine Stimme geben würde. Daher lehnte er den neuen Hollywood-Wahn ab und begann mit der Arbeit an einem neuen Stummfilm. Chaplin war jedoch besorgt über diese Entscheidung und blieb es auch während der gesamten Produktion des Films.
Als die Dreharbeiten Ende 1928 begannen, hatte Chaplin fast ein Jahr lang an der Geschichte gearbeitet. City Lights handelt von der Liebe des Tramps zu einem blinden Blumenmädchen (gespielt von Virginia Cherrill) und seinen Bemühungen, Geld für ihre sehende Operation zu sammeln. Es war eine anspruchsvolle Produktion, die 21 Monate dauerte, und Chaplin gestand später, dass er sich in einen neurotischen Zustand des Perfektionsstrebens hinein gearbeitet hatte“. Ein Vorteil, den Chaplin in der Tontechnik sah, war die Möglichkeit, eine selbst komponierte Musik für den Film aufzunehmen.
Chaplin beendete den Schnitt von City Lights im Dezember 1930, als Stummfilme bereits ein Anachronismus waren. Eine Vorpremiere vor einem ahnungslosen Publikum war kein Erfolg, aber eine Vorführung für die Presse brachte positive Kritiken. Ein Journalist schrieb: „Niemand auf der Welt außer Charlie Chaplin hätte das schaffen können. Er ist der Einzige, der dieses seltsame Etwas, das man “Publikumszuspruch“ nennt, in ausreichender Qualität besitzt, um sich der allgemeinen Vorliebe für Filme, die reden, zu widersetzen.“ Bei seinem Kinostart im Januar 1931 erwies sich City Lights als populärer und finanzieller Erfolg und spielte schließlich über 3 Millionen Dollar ein. Das British Film Institute bezeichnet den Film als Chaplins beste Leistung, und der Kritiker James Agee lobt die Schlussszene als „die größte schauspielerische Leistung und den höchsten Moment im Film“. City Lights wurde zu Chaplins persönlichem Lieblingsfilm und blieb es sein Leben lang.
City Lights war ein Erfolg, aber Chaplin war sich nicht sicher, ob er einen weiteren Film ohne Dialoge drehen könnte. Er ist nach wie vor davon überzeugt, dass der Ton in seinen Filmen nicht funktionieren würde, aber er ist auch „besessen von einer deprimierenden Angst, altmodisch zu sein“. In diesem Zustand der Ungewissheit beschloss der Komiker Anfang 1931, Urlaub zu machen, und reiste schließlich 16 Monate lang. Er reiste monatelang durch Westeuropa, unter anderem mit längeren Aufenthalten in Frankreich und der Schweiz, und entschied sich spontan für eine Reise nach Japan. Am Tag nach seiner Ankunft in Japan wurde Premierminister Inukai Tsuyoshi von Ultranationalisten bei dem Zwischenfall am 15. Mai ermordet. Der ursprüngliche Plan der Gruppe war es gewesen, einen Krieg mit den Vereinigten Staaten zu provozieren, indem Chaplin während eines vom Premierminister organisierten Empfangs ermordet wurde.
In seiner Autobiografie erinnerte sich Chaplin, dass er nach seiner Rückkehr nach Los Angeles „verwirrt und planlos war, ruhelos und sich einer extremen Einsamkeit bewusst“. Er erwog kurzzeitig, sich zur Ruhe zu setzen und nach China zu gehen. Chaplins Einsamkeit wurde gelindert, als er im Juli 1932 die 21-jährige Schauspielerin Paulette Goddard kennenlernte, und die beiden begannen eine Beziehung. Er war jedoch noch nicht bereit, sich auf einen Film einzulassen, und konzentrierte sich auf das Schreiben einer Serie über seine Reisen (veröffentlicht in Woman“s Home Companion). Die Reise war für Chaplin eine anregende Erfahrung, er traf unter anderem mit mehreren prominenten Denkern zusammen und interessierte sich zunehmend für das Weltgeschehen. Die Lage der Arbeiterschaft in Amerika beunruhigte ihn, und er befürchtete, dass Kapitalismus und Maschinen am Arbeitsplatz die Arbeitslosigkeit erhöhen würden. Diese Sorgen waren es, die Chaplin dazu veranlassten, seinen neuen Film zu entwickeln.
Nach der Veröffentlichung von Moderne Zeiten reiste Chaplin mit Goddard in den Fernen Osten. Das Paar hatte sich geweigert, über die Art ihrer Beziehung zu sprechen, und es war nicht bekannt, ob sie verheiratet waren oder nicht. Einige Zeit später enthüllte Chaplin, dass sie während dieser Reise in Kanton geheiratet hatten. Bis 1938 hatte sich das Paar auseinandergelebt, da sich beide stark auf ihre Arbeit konzentrierten, obwohl Goddard in seinem nächsten Spielfilm, Der große Diktator, wieder die Hauptrolle spielte. Sie ließ sich schließlich 1942 in Mexiko von Chaplin scheiden und begründete dies mit einer Unvereinbarkeit und einer Trennung von mehr als einem Jahr.
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1939-1952: Kontroversen und schwindende Popularität
Chaplin verbrachte zwei Jahre mit der Entwicklung des Drehbuchs und begann mit den Dreharbeiten im September 1939, sechs Tage nach der Kriegserklärung Großbritanniens an Deutschland. Er hatte sich damit abgefunden, gesprochene Dialoge zu verwenden, zum Teil, weil er akzeptierte, dass er keine andere Wahl hatte, aber auch, weil er erkannte, dass dies eine bessere Methode war, eine politische Botschaft zu vermitteln. Eine Komödie über Hitler zu drehen, galt als höchst umstritten, aber Chaplins finanzielle Unabhängigkeit erlaubte es ihm, das Risiko einzugehen. „Ich war entschlossen, weiterzumachen“, schrieb er später, „denn über Hitler muss man lachen.“ Chaplin ersetzte den Tramp (obwohl er ähnliche Kleidung trug) durch „A Jewish Barber“, eine Anspielung auf den Glauben der Nazis, er sei Jude. In einer Doppelrolle spielte er auch den Diktator „Adenoid Hynkel“, der Hitler parodierte.
Die Produktion von The Great Dictator dauerte ein Jahr und wurde im Oktober 1940 veröffentlicht. Der Film erregte großes Aufsehen, ein Kritiker der New York Times nannte ihn „den am sehnlichsten erwarteten Film des Jahres“, und er war einer der größten Kassenschlager der damaligen Zeit. Das Ende war jedoch unpopulär und löste eine Kontroverse aus. Chaplin beendete den Film mit einer fünfminütigen Rede, in der er seine Barbierrolle aufgab, direkt in die Kamera blickte und gegen Krieg und Faschismus plädierte. Charles J. Maland sieht in dieser unverhohlenen Predigt den Auslöser für den Rückgang von Chaplins Popularität und schreibt: „Von nun an würde kein Filmfan mehr in der Lage sein, die Dimension der Politik von dem Film zu trennen. Roosevelt lud Chaplin daraufhin ein, bei seiner Amtseinführung im Januar 1941 die Schlussrede des Films über das Radio zu verlesen, und die Rede wurde zum „Hit“ der Feierlichkeiten. In den Kriegsjahren wurde Chaplin häufig zu anderen patriotischen Veranstaltungen eingeladen, um die Rede vorzulesen. Der große Diktator erhielt fünf Oscar-Nominierungen, darunter für den besten Film, das beste Originaldrehbuch und den besten Darsteller.
Mitte der 1940er Jahre war Chaplin in eine Reihe von Prozessen verwickelt, die einen Großteil seiner Zeit in Anspruch nahmen und sein öffentliches Image erheblich beeinträchtigten. Die Probleme rührten von seiner Affäre mit einer aufstrebenden Schauspielerin namens Joan Barry her, mit der er zwischen Juni 1941 und Herbst 1942 mit Unterbrechungen liiert war. Barry, die ein obsessives Verhalten an den Tag legte und nach ihrer Trennung zweimal verhaftet wurde, tauchte im folgenden Jahr wieder auf und gab bekannt, dass sie mit Chaplins Kind schwanger sei. Da Chaplin die Behauptung bestritt, reichte Barry eine Vaterschaftsklage gegen ihn ein.
Barrys Kind, Carol Ann, wurde im Oktober 1943 geboren, und die Vaterschaftsklage ging im Dezember 1944 vor Gericht. Nach zwei langwierigen Prozessen, in denen der Staatsanwalt ihn der „moralischen Verwerflichkeit“ beschuldigte, wurde Chaplin als Vater anerkannt. Beweise aus Bluttests, die auf das Gegenteil hindeuteten, wurden nicht zugelassen, und der Richter ordnete an, dass Chaplin Unterhalt für das Kind zu zahlen hatte, bis Carol Ann 21 Jahre alt war. Die Medienberichterstattung über die Vaterschaftsklage wurde vom FBI beeinflusst, da die Informationen an die prominente Klatschkolumnistin Hedda Hopper weitergeleitet wurden, und Chaplin wurde in einem überwiegend kritischen Licht dargestellt.
Die Kontroverse um Chaplin nahm zu, als zwei Wochen nach der Vaterschaftsklage bekannt wurde, dass er seinen neuesten Schützling, die 18-jährige Oona O“Neill, die Tochter des amerikanischen Dramatikers Eugene O“Neill, geheiratet hatte. Chaplin, damals 54, war ihr sieben Monate zuvor von einem Filmagenten vorgestellt worden. In seiner Autobiografie beschrieb Chaplin das Treffen mit O“Neill als „das glücklichste Ereignis meines Lebens“ und behauptete, die „perfekte Liebe“ gefunden zu haben. Chaplins Sohn, Charles Jr., berichtete, dass Oona seinen Vater „anbetete“. Das Paar blieb bis zu Chaplins Tod verheiratet und hatte im Laufe von 18 Jahren acht Kinder: Geraldine Leigh (geb. Juli 1944), Michael John (geb. März 1946), Josephine Hannah (geb. März 1949), Victoria (geb. Mai 1951), Eugene Anthony (geb. August 1953), Jane Cecil (geb. Mai 1957), Annette Emily (geb. Dezember 1959), und Christopher James (geb. Juli 1962).
Chaplin behauptete, die Barry-Prozesse hätten seine „Kreativität gelähmt“, und es dauerte einige Zeit, bis er wieder zu arbeiten begann. Im April 1946 begann er schließlich mit den Dreharbeiten zu einem Projekt, das seit 1942 in der Entwicklung war. Monsieur Verdoux war eine schwarze Komödie, die Geschichte des französischen Bankangestellten Verdoux (Chaplin), der seinen Job verliert und beginnt, reiche Witwen zu heiraten und zu ermorden, um seine Familie zu unterstützen. Die Inspiration für das Projekt erhielt Chaplin von Orson Welles, der ihn für die Hauptrolle in einem Film über den französischen Serienmörder Henri Désiré Landru gewinnen wollte. Chaplin beschloss, dass sich das Konzept „für eine wunderbare Komödie eignen würde“.
Die negative Reaktion auf Monsieur Verdoux war weitgehend das Ergebnis von Veränderungen in Chaplins öffentlichem Image. Neben dem Schaden durch den Joan-Barry-Skandal wurde er öffentlich beschuldigt, ein Kommunist zu sein. Seine politische Aktivität hatte während des Zweiten Weltkriegs zugenommen, als er sich für die Eröffnung einer zweiten Front zur Unterstützung der Sowjetunion einsetzte und verschiedene sowjetisch-amerikanische Freundschaftsgruppen unterstützte. Er war auch mit mehreren mutmaßlichen Kommunisten befreundet und besuchte Veranstaltungen sowjetischer Diplomaten in Los Angeles. Im politischen Klima der 1940er Jahre galt Chaplin wegen solcher Aktivitäten als „gefährlich fortschrittlich und amoralisch“, wie Larcher schreibt. Das FBI wollte ihn aus dem Land haben und leitete Anfang 1947 eine offizielle Untersuchung ein.
Chaplin leugnete, Kommunist zu sein und bezeichnete sich stattdessen als „Friedensstifter“, empfand aber die Bemühungen der Regierung zur Unterdrückung der Ideologie als inakzeptable Verletzung der bürgerlichen Freiheiten. Da er nicht bereit war, zu diesem Thema zu schweigen, protestierte er offen gegen die Prozesse gegen Mitglieder der Kommunistischen Partei und gegen die Aktivitäten des House Un-American Activities Committee. Chaplin erhielt eine Vorladung, um vor dem HUAC zu erscheinen, wurde aber nicht als Zeuge geladen. Als die Presse ausführlich über seine Aktivitäten berichtete und die Angst vor dem Kalten Krieg wuchs, wurden Fragen über sein Versäumnis, die amerikanische Staatsbürgerschaft anzunehmen, laut. Es wurden Forderungen laut, ihn zu deportieren; in einem extremen und weithin veröffentlichten Beispiel sagte der Abgeordnete John E. Rankin, der bei der Gründung des HUAC mitwirkte, im Juni 1947 vor dem Kongress: „Das Leben in Hollywood ist dem moralischen Gefüge Amerikas sehr abträglich. … seine verabscheuungswürdigen Bilder können vor den Augen der amerikanischen Jugend verborgen werden. Er sollte sofort deportiert und losgeworden werden.“
Die Dreharbeiten begannen im November 1951. Bis dahin hatte Chaplin drei Jahre an der Geschichte gearbeitet. Er strebte einen ernsteren Ton an als in seinen früheren Filmen und benutzte regelmäßig das Wort „Melancholie“, wenn er seiner Co-Star Claire Bloom seine Pläne erklärte. In Limelight hatte Buster Keaton einen Cameo-Auftritt, den Chaplin als seinen Bühnenpartner in einer Pantomime-Szene besetzte. Dies war das einzige Mal, dass die beiden Komiker in einem Spielfilm zusammenarbeiteten.
Chaplin beschloss, die Weltpremiere von Limelight in London abzuhalten, da dies der Schauplatz des Films war. Als er Los Angeles verließ, äußerte er die Vorahnung, dass er nicht mehr zurückkehren würde. In New York ging er am 18. September 1952 mit seiner Familie an Bord der RMS Queen Elizabeth. Am nächsten Tag widerrief der Generalstaatsanwalt der Vereinigten Staaten, James P. McGranery, Chaplins Wiedereinreisegenehmigung und erklärte, dass er sich einer Befragung über seine politischen Ansichten und sein moralisches Verhalten unterziehen müsse, um wieder in die USA einreisen zu können. Obwohl McGranery gegenüber der Presse erklärte, er habe „einen ziemlich guten Fall gegen Chaplin“, kam Maland auf der Grundlage der FBI-Akten, die in den 1980er Jahren freigegeben wurden, zu dem Schluss, dass die US-Regierung keine wirklichen Beweise hatte, um Chaplins Wiedereinreise zu verhindern. Es ist wahrscheinlich, dass er die Einreise erhalten hätte, wenn er sie beantragt hätte. Als Chaplin jedoch ein Telegramm erhielt, das ihn über die Nachricht informierte, beschloss er insgeheim, seine Verbindungen zu den Vereinigten Staaten abzubrechen:
Ob ich dieses unglückliche Land wieder betrat oder nicht, war für mich von geringer Bedeutung. Ich hätte ihnen gerne gesagt, dass es umso besser wäre, je schneller ich diese hasserfüllte Atmosphäre los wäre, dass ich die Beleidigungen und die moralische Aufgeblasenheit der Amerikaner satt hätte …
Da sein gesamter Besitz in Amerika verblieb, verzichtete Chaplin darauf, sich gegenüber der Presse negativ über den Vorfall zu äußern. Der Skandal erregte große Aufmerksamkeit, aber Chaplin und sein Film wurden in Europa sehr positiv aufgenommen. In Amerika hielt die Feindseligkeit ihm gegenüber an, und obwohl der Film einige positive Kritiken erhielt, wurde Limelight auf breiter Front boykottiert. Im Rückblick schreibt Maland, dass Chaplins Absturz von einer „beispiellosen“ Popularität „vielleicht der dramatischste in der Geschichte des amerikanischen Ruhms“ war.
Chaplin blieb während der gesamten 1950er Jahre eine umstrittene Figur, insbesondere nachdem er vom kommunistisch geführten Weltfriedensrat mit dem Internationalen Friedenspreis ausgezeichnet wurde und nach seinen Treffen mit Zhou Enlai und Nikita Chruschtschow. Im Jahr 1954 begann er mit der Entwicklung seines ersten europäischen Films, A King in New York. In der Rolle eines Exil-Königs, der in den Vereinigten Staaten Asyl sucht, verarbeitete Chaplin mehrere seiner jüngsten Erlebnisse im Drehbuch. Sein Sohn Michael spielte einen Jungen, dessen Eltern vom FBI verfolgt werden, während Chaplins Figur des Kommunismus bezichtigt wird. Die politische Satire parodierte das HUAC und griff Elemente der Kultur der 1950er Jahre an – darunter Konsumverhalten, Schönheitschirurgie und Breitwandkino. In einer Rezension bezeichnete der Dramatiker John Osborne den Film als Chaplins „bittersten“ und „offensten persönlichen“ Film. In einem Interview von 1957 erklärte Chaplin auf die Frage nach seinen politischen Ansichten: „Was die Politik angeht, bin ich Anarchist. Ich hasse Regierungen und Regeln – und Fesseln … Die Menschen müssen frei sein.“
Chaplin gründete eine neue Produktionsfirma, Attica, und nutzte die Shepperton Studios für die Dreharbeiten. Die Dreharbeiten in England erwiesen sich als schwierige Erfahrung, da er an sein eigenes Hollywood-Studio und seine vertraute Crew gewöhnt war und nicht mehr über unbegrenzte Produktionszeit verfügte. Robinson zufolge wirkte sich dies auf die Qualität des Films aus. Ein König in New York wurde im September 1957 veröffentlicht und erhielt gemischte Kritiken. Chaplin verbannte amerikanische Journalisten von der Pariser Premiere und beschloss, den Film in den Vereinigten Staaten nicht zu veröffentlichen. Dies schränkte seine Einnahmen stark ein, obwohl er in Europa einen mäßigen kommerziellen Erfolg erzielte. Ein König in New York wurde in Amerika erst 1973 gezeigt.
In den letzten beiden Jahrzehnten seiner Karriere konzentrierte sich Chaplin darauf, seine alten Filme für die Wiederveröffentlichung zu bearbeiten und zu vertonen sowie deren Eigentums- und Vertriebsrechte zu sichern. In einem Interview, das er 1959, dem Jahr seines 70. Geburtstags, gab, erklärte Chaplin, dass es noch „Platz für den Kleinen Mann im Atomzeitalter“ gebe. Die erste dieser Wiederveröffentlichungen war The Chaplin Revue (1959), die neue Versionen von A Dog“s Life, Shoulder Arms und The Pilgrim enthielt.
Kurz nach der Veröffentlichung seiner Memoiren begann Chaplin mit der Arbeit an A Countess from Hong Kong (1967), einer romantischen Komödie, die auf einem Drehbuch basiert, das er in den 1930er Jahren für Paulette Goddard geschrieben hatte. Der Film spielt auf einem Ozeandampfer mit Marlon Brando als amerikanischem Botschafter und Sophia Loren als blinder Passagier, der in seiner Kabine gefunden wird. Der Film unterschied sich in mehreren Aspekten von Chaplins früheren Produktionen. Es war der erste Film, in dem er Technicolor und das Breitbildformat verwendete, während er sich auf die Regie konzentrierte und nur in einer Cameo-Rolle als seekranker Steward auf der Leinwand erschien. Außerdem unterzeichnete er einen Vertrag mit Universal Pictures und ernannte seinen Assistenten Jerome Epstein zum Produzenten. Chaplin erhielt eine Gage von 600.000 Dollar für die Regie sowie einen Anteil an den Bruttoeinnahmen. Eine Gräfin aus Hongkong wurde im Januar 1967 uraufgeführt, erhielt schlechte Kritiken und war ein Misserfolg an den Kinokassen. Chaplin war zutiefst verletzt von der negativen Reaktion auf den Film, der sich als sein letzter herausstellte.
In den späten 1960er Jahren erlitt Chaplin eine Reihe kleinerer Schlaganfälle, die den Beginn einer langsamen Verschlechterung seiner Gesundheit markierten. Trotz dieser Rückschläge schrieb er bald ein neues Drehbuch, The Freak, eine Geschichte über ein geflügeltes Mädchen, das er in Südamerika fand und das er als Hauptrolle für seine Tochter Victoria vorgesehen hatte. Sein angeschlagener Gesundheitszustand verhinderte jedoch die Realisierung des Projekts. In den frühen 1970er Jahren konzentrierte sich Chaplin auf die Wiederveröffentlichung seiner alten Filme, darunter The Kid und The Circus. 1971 wurde er bei den Filmfestspielen von Cannes zum Kommandeur des Nationalen Ordens der Ehrenlegion ernannt. Im Jahr darauf wurde er beim Filmfestival von Venedig mit einem Sonderpreis geehrt.
1972 bot die Academy of Motion Picture Arts and Sciences Chaplin einen Ehrenpreis an, was Robinson als Zeichen dafür sieht, dass Amerika „Wiedergutmachung leisten wollte“. Chaplin zögerte zunächst mit der Annahme, beschloss dann aber, zum ersten Mal seit 20 Jahren in die USA zurückzukehren. Über seinen Besuch wurde in der Presse ausführlich berichtet, und bei der Oscar-Verleihung erhielt er 12 Minuten lang stehende Ovationen, die längsten in der Geschichte der Academy. Sichtlich gerührt nahm Chaplin seine Auszeichnung für „den unschätzbaren Beitrag, den er dazu geleistet hat, den Film zur Kunstform dieses Jahrhunderts zu machen“, entgegen.
Obwohl Chaplin noch Pläne für zukünftige Filmprojekte hatte, war er Mitte der 1970er Jahre sehr gebrechlich. Er erlitt mehrere weitere Schlaganfälle, die ihm die Kommunikation erschwerten, und war auf einen Rollstuhl angewiesen. Seine letzten Projekte waren die Erstellung einer Autobiografie mit Bildern, My Life in Pictures (1974), und die Vertonung von A Woman of Paris, die 1976 neu aufgelegt wurde. Er spielte auch in einem Dokumentarfilm über sein Leben, The Gentleman Tramp (1975), unter der Regie von Richard Patterson. Bei den Neujahrsehrungen 1975 wurde Chaplin von Königin Elisabeth II. zum Ritter geschlagen, obwohl er zu schwach war, um zu knien, und die Ehrung in seinem Rollstuhl entgegennahm.
Im Oktober 1977 hatte sich Chaplins Gesundheitszustand so weit verschlechtert, dass er ständige Pflege benötigte. Am frühen Morgen des 25. Dezember 1977 starb Chaplin zu Hause, nachdem er im Schlaf einen Schlaganfall erlitten hatte. Er wurde 88 Jahre alt. Die Beerdigung am 27. Dezember fand auf seinen Wunsch hin in einer kleinen, privaten anglikanischen Zeremonie statt. Chaplin wurde auf dem Friedhof von Corsier-sur-Vevey beigesetzt. Unter den Würdigungen der Filmindustrie schrieb der Regisseur René Clair: „Er war ein Monument des Kinos, aller Länder und aller Zeiten … das schönste Geschenk, das uns das Kino gemacht hat.“ Der Schauspieler Bob Hope erklärte: „Wir hatten Glück, in seiner Zeit gelebt zu haben.“ Chaplin hinterließ seiner Witwe mehr als 100 Millionen Dollar.
Am 1. März 1978 wurde Chaplins Sarg von Roman Wardas und Gantcho Ganev ausgegraben und aus dem Grab gestohlen. Der Leichnam wurde als Lösegeld gefordert, um von seiner Witwe Oona Chaplin Geld zu erpressen. Die beiden wurden im Mai bei einer groß angelegten Polizeiaktion gefasst, und Chaplins Sarg wurde auf einem Feld im nahe gelegenen Dorf Noville begraben gefunden. Er wurde auf dem Friedhof von Corsier in einer Stahlbetongruft beigesetzt.
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Methode
Chaplin sprach nie mehr als flüchtig über seine Filmmethoden, da er behauptete, dies käme einem Zauberer gleich, der seine eigene Illusion verderbe. Zu seinen Lebzeiten war nur wenig über seinen Arbeitsprozess bekannt, aber die Forschungen von Filmhistorikern – insbesondere die Erkenntnisse von Kevin Brownlow und David Gill, die in dem dreiteiligen Dokumentarfilm Unknown Chaplin (1983) vorgestellt wurden – haben inzwischen seine einzigartige Arbeitsmethode enthüllt.
Diese Art der Filmproduktion bedeutete, dass Chaplin länger für die Fertigstellung seiner Filme brauchte als fast jeder andere Filmemacher seiner Zeit. Wenn ihm die Ideen ausgingen, legte er oft eine Drehpause ein, die sich über Tage hinziehen konnte, während er das Studio für den Fall bereithielt, dass die Inspiration zurückkehrte. Chaplins rigoroser Perfektionismus verzögerte den Prozess zusätzlich. Seinem Freund Ivor Montagu zufolge war für den Filmemacher „nichts als Perfektion das Richtige“. Da er seine Filme selbst finanzierte, war Chaplin frei, dieses Ziel anzustreben und so viele Aufnahmen zu machen, wie er wollte. Die Anzahl war oft exzessiv, zum Beispiel 53 Takes für jeden fertigen Take in The Kid. Für The Immigrant, einen 20-minütigen Kurzfilm, drehte Chaplin 40.000 Fuß Film – genug für einen Spielfilm.
Kein anderer Filmemacher beherrschte jemals so vollständig jeden Aspekt der Arbeit, machte jeden Job. Wenn er dazu in der Lage gewesen wäre, hätte Chaplin jede Rolle gespielt und (wie sein Sohn Sydney humorvoll aber scharfsinnig bemerkte) jedes Kostüm genäht.
Chaplin beschrieb seine Arbeitsmethode als „schiere Beharrlichkeit bis zum Wahnsinn“ und war völlig von der Produktion eines Films eingenommen. Robinson schreibt, dass selbst in Chaplins späteren Jahren seine Arbeit weiterhin „Vorrang vor allem und jedem anderen“ hatte. Die Kombination aus Improvisation und unerbittlichem Perfektionismus – die dazu führte, dass tagelange Arbeit und Tausende von Metern Film verschwendet wurden, und das alles zu enormen Kosten – erwies sich oft als anstrengend für Chaplin, der in seiner Frustration seine Schauspieler und seine Crew ausschlug.
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Stil und Themen
Chaplins komödiantischer Stil wird zwar allgemein als Slapstick definiert, gilt aber als zurückhaltend und intelligent. Der Filmhistoriker Philip Kemp beschreibt sein Werk als eine Mischung aus „geschickter, ballettartiger Körperkomik und durchdachten, situationsbezogenen Gags“. Chaplin wich vom konventionellen Slapstick ab, indem er das Tempo verlangsamte und das komödiantische Potenzial jeder Szene ausschöpfte, wobei er sich mehr darauf konzentrierte, die Beziehung des Zuschauers zu den Figuren zu entwickeln. Im Gegensatz zu herkömmlichen Slapstick-Komödien stellt Robinson fest, dass sich die komischen Momente in Chaplins Filmen auf die Einstellung des Tramps zu den Dingen, die ihm passieren, konzentrieren: Die Komik entsteht nicht dadurch, dass der Tramp gegen einen Baum stößt, sondern dadurch, dass er seinen Hut als Entschuldigung an den Baum hebt. Dan Kamin schreibt, dass Chaplins „schrullige Manierismen“ und „ernsthafte Haltung inmitten der Slapstick-Action“ weitere Schlüsselaspekte seiner Komödie sind, während die surreale Verwandlung von Objekten und der Einsatz von Tricks in der Kamera ebenfalls gemeinsame Merkmale sind.
Es ist paradox, dass die Tragödie den Geist des Spottes anregt … Spott, so nehme ich an, ist eine Haltung des Trotzes; wir müssen angesichts unserer Hilflosigkeit gegenüber den Naturgewalten lachen – oder wahnsinnig werden.
Mehrere von Chaplins Filmen enthalten autobiografische Elemente, und der Psychologe Sigmund Freud glaubte, dass Chaplin „immer nur sich selbst spielt, wie er in seiner trostlosen Jugend war“. Es wird angenommen, dass The Kid Chaplins Kindheitstrauma widerspiegelt, als er in ein Waisenhaus geschickt wurde, die Hauptfiguren in Limelight (1952) enthalten Elemente aus dem Leben seiner Eltern, und A King in New York bezieht sich auf Chaplins Erfahrungen, von den Vereinigten Staaten gemieden zu werden. Viele seiner Schauplätze, insbesondere die Straßenszenen, weisen eine starke Ähnlichkeit mit Kennington auf, wo er aufgewachsen ist. Stephen M. Weissman hat argumentiert, dass Chaplins problematische Beziehung zu seiner psychisch kranken Mutter sich oft in seinen weiblichen Figuren und dem Wunsch des Tramps, sie zu retten, widerspiegelt.
Da Chaplin kein ausgebildeter Musiker war, konnte er keine Noten lesen und war bei der Erstellung seiner Partituren auf die Hilfe von professionellen Komponisten wie David Raksin, Raymond Rasch und Eric James angewiesen. Musikalische Leiter wurden eingestellt, um den Aufnahmeprozess zu überwachen, wie z. B. Alfred Newman für City Lights. Obwohl einige Kritiker behauptet haben, dass die Anerkennung für seine Filmmusik den Komponisten gebührt, die mit ihm zusammengearbeitet haben, betonte Raksin – der mit Chaplin an Moderne Zeiten arbeitete – Chaplins kreative Position und seine aktive Beteiligung am Kompositionsprozess. Dieser Prozess, der Monate dauern konnte, begann damit, dass Chaplin dem oder den Komponisten genau beschrieb, was er wollte, und dazu Melodien sang oder spielte, die er auf dem Klavier improvisiert hatte. Diese Melodien wurden dann in enger Zusammenarbeit zwischen dem oder den Komponisten und Chaplin weiterentwickelt. Laut dem Filmhistoriker Jeffrey Vance „verließ er sich zwar auf Mitarbeiter, um eine vielfältige und komplexe Instrumentierung zu arrangieren, aber die musikalische Leitung lag bei ihm, und keine Note in einer Chaplin-Musikpartitur wurde ohne seine Zustimmung gesetzt.“
Als Filmemacher gilt Chaplin als Pionier und eine der einflussreichsten Figuren des frühen zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er wird oft als einer der ersten Künstler des Mediums bezeichnet. Der Filmhistoriker Mark Cousins hat geschrieben, dass Chaplin „nicht nur die Bildsprache des Kinos, sondern auch seine Soziologie und Grammatik verändert hat“ und behauptet, dass Chaplin für die Entwicklung der Komödie als Genre ebenso wichtig war wie D.W. Griffith für das Drama. Er war der erste, der die Komödie in Spielfilmlänge populär machte und das Tempo der Handlung verlangsamte, indem er ihr Pathos und Subtilität verlieh. Obwohl sein Werk meist als Slapstick eingestuft wird, hatte Chaplins Drama Eine Frau aus Paris (1923) großen Einfluss auf Ernst Lubitschs Film Der Ehekreis (1924) und trug somit zur Entwicklung der „anspruchsvollen Komödie“ bei. David Robinson zufolge wurden Chaplins Innovationen „schnell in die allgemeine Praxis des Filmhandwerks übernommen“. Zu den Filmemachern, die Chaplin als Einfluss anführten, gehören Federico Fellini (der Chaplin als „eine Art Adam, von dem wir alle abstammen“ bezeichnete), Jacques Tati („Ohne ihn hätte ich nie einen Film gemacht“), René Clair („Er hat praktisch jeden Filmemacher inspiriert“), François Truffaut („Meine Religion ist das Kino. Ich glaube an Charlie Chaplin…“), Billy Wilder und Richard Attenborough. Der russische Filmemacher Andrej Tarkowskij lobte Chaplin als „die einzige Person, die ohne den Schatten eines Zweifels in die Kinogeschichte eingegangen ist. Die Filme, die er hinterlassen hat, können niemals alt werden“. Der indische Filmemacher Satyajit Ray sagte über Chaplin: „Wenn es einen Namen gibt, von dem man sagen kann, dass er das Kino symbolisiert, dann ist es Charlie Chaplin… Ich bin sicher, dass Chaplins Name überleben wird, selbst wenn das Kino als Medium des künstlerischen Ausdrucks aufhört zu existieren. Chaplin ist wirklich unsterblich.“ Der Lieblingsfilmemacher des französischen Autors Jean Renoir war Chaplin.
Chaplin erhielt viele Auszeichnungen und Ehrungen, vor allem in seinem späteren Leben. Bei den Neujahrsehrungen 1975 wurde er zum Knight Commander of the Order of the British Empire (KBE) ernannt. Außerdem wurde ihm 1962 von der Universität Oxford und der Universität Durham die Ehrendoktorwürde verliehen. 1965 erhielt er gemeinsam mit Ingmar Bergman den Erasmus-Preis, und 1971 wurde er von der französischen Regierung zum Kommandeur des nationalen Ordens der Ehrenlegion ernannt.
Von der Filmindustrie erhielt Chaplin 1972 einen besonderen Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig und im selben Jahr den Lifetime Achievement Award der Lincoln Center Film Society. Letzterer wird seither jährlich als Chaplin Award an Filmemacher verliehen. Chaplin erhielt 1972 einen Stern auf dem Hollywood Walk of Fame, nachdem er zuvor wegen seiner politischen Überzeugungen ausgeschlossen worden war.
Sechs von Chaplins Filmen wurden von der United States Library of Congress für die Aufnahme in das National Film Registry ausgewählt: The Immigrant (1917), The Kid (1921), The Gold Rush (1925), City Lights (1931), Modern Times (1936) und The Great Dictator (1940).
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