Frida Kahlo
gigatos | November 27, 2021
Zusammenfassung
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6. Juli 1907 – 13. Juli 1954) war eine mexikanische Malerin, die für ihre zahlreichen Porträts, Selbstporträts und von der Natur und den Artefakten Mexikos inspirierten Werke bekannt ist. Inspiriert von der Volkskultur des Landes setzte sie sich in einem naiven Volkskunststil mit Fragen der Identität, des Postkolonialismus, des Geschlechts, der Klasse und der Rasse in der mexikanischen Gesellschaft auseinander. Ihre Gemälde enthielten oft starke autobiografische Elemente und vermischten Realismus mit Fantasie. Kahlo gehörte nicht nur der postrevolutionären Mexicayotl-Bewegung an, die eine mexikanische Identität zu definieren versuchte, sondern wurde auch als Surrealistin oder magische Realistin bezeichnet. Sie ist bekannt dafür, dass sie ihre Erfahrungen mit chronischen Schmerzen malte.
Als Tochter eines deutschen Vaters und einer Mestizin verbrachte Kahlo den größten Teil ihrer Kindheit und ihres Erwachsenenlebens in La Casa Azul, dem Haus ihrer Familie in Coyoacán, das heute als Frida-Kahlo-Museum öffentlich zugänglich ist. Obwohl sie als Kind an Kinderlähmung erkrankte, war Kahlo eine vielversprechende Studentin auf dem Weg zum Medizinstudium, bis sie im Alter von 18 Jahren einen Busunfall erlitt, der ihr lebenslange Schmerzen und medizinische Probleme bereitete. Während ihrer Genesung kehrte sie zu ihrem kindlichen Interesse an der Kunst zurück und hatte die Idee, Künstlerin zu werden.
Kahlos Interesse an Politik und Kunst führte dazu, dass sie 1927 der Kommunistischen Partei Mexikos beitrat, wo sie den mexikanischen Künstlerkollegen Diego Rivera kennenlernte. Das Paar heiratete 1929 und verbrachte die späten 1920er und frühen 1930er Jahre mit gemeinsamen Reisen durch Mexiko und die Vereinigten Staaten. In dieser Zeit entwickelte sie ihren künstlerischen Stil, wobei sie sich vor allem von der mexikanischen Volkskultur inspirieren ließ, und malte vor allem kleine Selbstporträts, in denen sie Elemente aus dem präkolumbianischen und katholischen Glauben vermischte. Ihre Bilder weckten das Interesse des surrealistischen Künstlers André Breton, der 1938 Kahlos erste Einzelausstellung in der Julien Levy Gallery in New York arrangierte; die Ausstellung war ein Erfolg, dem 1939 eine weitere in Paris folgte. Während die französische Ausstellung weniger erfolgreich war, kaufte der Louvre ein Gemälde von Kahlo, Der Rahmen, und machte sie damit zur ersten mexikanischen Künstlerin, die in seiner Sammlung vertreten war. In den 1940er Jahren nahm Kahlo an Ausstellungen in Mexiko und den Vereinigten Staaten teil und arbeitete als Kunstlehrerin. Sie unterrichtete an der Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado („La Esmeralda“) und war Gründungsmitglied des Seminario de Cultura Mexicana. Im selben Jahrzehnt begann sich Kahlos stets angeschlagene Gesundheit zu verschlechtern. Ihre erste Einzelausstellung in Mexiko hatte sie 1953, kurz bevor sie 1954 im Alter von 47 Jahren starb.
Kahlos künstlerisches Schaffen blieb bis Ende der 1970er Jahre relativ unbekannt, als ihr Werk von Kunsthistorikern und politischen Aktivisten wiederentdeckt wurde. Anfang der 1990er Jahre war sie nicht nur eine anerkannte Figur der Kunstgeschichte, sondern galt auch als Ikone für Chicanos, die Frauenbewegung und die LGBTQ+-Bewegung. Kahlos Werk wird international als Sinnbild der mexikanischen nationalen und indigenen Traditionen und von Feministinnen für seine kompromisslose Darstellung der weiblichen Erfahrung und Form gefeiert.
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Frühe Karriere
Kahlo begeisterte sich schon früh für die Kunst, erhielt Zeichenunterricht von dem Grafiker Fernando Fernández (einem Freund ihres Vaters) und füllte ihre Notizbücher mit Skizzen. Im Jahr 1925 begann sie, neben der Schule zu arbeiten, um ihre Familie zu unterstützen. Nachdem sie kurzzeitig als Stenografin gearbeitet hatte, wurde sie eine bezahlte Lehrling bei Fernández, obwohl sie zu diesem Zeitpunkt die Kunst noch nicht als Beruf in Betracht zog.
Ein schwerer Busunfall im Alter von 18 Jahren hinterließ bei Kahlo lebenslange Schmerzen. Nach dem Unfall war Kahlo drei Monate lang ans Bett gefesselt und begann zu malen. Sie begann, auch eine Karriere als medizinische Illustratorin in Betracht zu ziehen, die ihre Interessen an Wissenschaft und Kunst verbinden würde. Ihre Mutter stellte ihr eine speziell angefertigte Staffelei zur Verfügung, die es ihr ermöglichte, im Bett zu malen, und ihr Vater lieh ihr einige seiner Ölfarben. Über der Staffelei ließ sie einen Spiegel anbringen, damit sie sich selbst sehen konnte. Das Malen wurde für Kahlo zu einer Möglichkeit, sich mit Fragen der Identität und der Existenz auseinanderzusetzen. Sie erklärte: „Ich male mich selbst, weil ich oft allein bin und ich das Thema bin, das ich am besten kenne.“ Später erklärte sie, dass der Unfall und die isolierte Genesungszeit in ihr den Wunsch weckten, „wieder anzufangen und die Dinge so zu malen, wie ich sie sehe, und nicht mehr.“
Die meisten Gemälde, die Kahlo in dieser Zeit anfertigte, waren Porträts von ihr selbst, ihren Schwestern und ihren Schulfreundinnen. Ihre frühen Gemälde und ihre Korrespondenz zeigen, dass sie sich vor allem von europäischen Künstlern inspirieren ließ, insbesondere von Renaissancemeistern wie Sandro Botticelli und Bronzino sowie von avantgardistischen Bewegungen wie der Neuen Sachlichkeit und dem Kubismus.
Als sie 1929 mit ihrem Mann Rivera nach Morelos zog, ließ sich Kahlo von der Stadt Cuernavaca, in der sie lebten, inspirieren. Sie änderte ihren künstlerischen Stil und ließ sich zunehmend von der mexikanischen Volkskunst inspirieren. Die Kunsthistorikerin Andrea Kettenmann vermutet, dass sie von Adolfo Best Maugards Abhandlung zu diesem Thema beeinflusst wurde, denn sie übernahm viele der von ihm beschriebenen Merkmale – zum Beispiel das Fehlen der Perspektive und die Kombination von Elementen aus präkolumbianischen und kolonialen Perioden der mexikanischen Kunst. Ihre Identifikation mit La Raza, dem mexikanischen Volk, und ihr tiefes Interesse an dessen Kultur blieben für den Rest ihres Lebens wichtige Aspekte ihrer Kunst.
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Arbeit in den Vereinigten Staaten
Als Kahlo und Rivera 1930 nach San Francisco zogen, lernte Kahlo amerikanische Künstler wie Edward Weston, Ralph Stackpole, Timothy L. Pflueger und Nickolas Muray kennen. Die sechs Monate, die sie in San Francisco verbrachte, waren für Kahlo eine produktive Zeit, in der sie den Stil der Volkskunst, den sie in Cuernavaca angenommen hatte, weiter entwickelte. Neben den Porträts mehrerer neuer Bekannter schuf sie Frieda und Diego Rivera (1931), ein Doppelporträt nach einem Hochzeitsfoto, und das Porträt von Luther Burbank (1931), das den gleichnamigen Gärtner als Mischwesen aus Mensch und Pflanze zeigt. Obwohl sie sich in der Öffentlichkeit nach wie vor nur als Ehefrau Riveras und nicht als Künstlerin präsentierte, nahm sie zum ersten Mal an einer Ausstellung teil, als Frieda und Diego Rivera in die sechste Jahresausstellung der San Francisco Society of Women Artists im Palast der Ehrenlegion aufgenommen wurde.
Als sie mit Rivera nach Detroit zog, hatte Kahlo zahlreiche gesundheitliche Probleme im Zusammenhang mit einer gescheiterten Schwangerschaft. Trotz dieser gesundheitlichen Probleme und ihrer Abneigung gegen die kapitalistische Kultur der Vereinigten Staaten war Kahlos Zeit in der Stadt für ihren künstlerischen Ausdruck von Vorteil. Sie experimentierte mit verschiedenen Techniken wie Radierung und Fresken, und ihre Gemälde begannen, einen stärkeren erzählerischen Stil zu zeigen. Außerdem begann sie, die Themen „Terror, Leiden, Wunden und Schmerz“ in den Vordergrund zu stellen. Trotz der Popularität des Wandbildes in der mexikanischen Kunst jener Zeit wählte sie ein diametral entgegengesetztes Medium: Votivbilder oder Retablos, religiöse Gemälde, die von Amateurkünstlern auf kleinen Metallplatten angefertigt wurden, um den Heiligen für ihren Segen in einer Katastrophe zu danken. Zu den Werken, die sie in Detroit in Retablo-Manier anfertigte, gehören Henry Ford Hospital (1932), My Birth (1932) und Self-Portrait on the Border of Mexico and the United States (1932). Obwohl keines von Kahlos Werken in Ausstellungen in Detroit zu sehen war, gab sie der Detroit News ein Interview über ihre Kunst; der Artikel trug den herablassenden Titel „Wife of the Master Mural Painter Gleefully Dabbles in Works of Art“.
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Rückkehr nach Mexiko-Stadt und internationale Anerkennung
Nach ihrer Rückkehr nach Mexiko-Stadt im Jahr 1934 schuf Kahlo aufgrund gesundheitlicher Komplikationen keine neuen Gemälde und im folgenden Jahr nur zwei. In den Jahren 1937 und 1938 jedoch war Kahlos künstlerische Karriere nach ihrer Scheidung und der anschließenden Versöhnung mit Rivera äußerst produktiv. Sie malte mehr „als in all den acht Jahren ihrer Ehe zuvor“ und schuf Werke wie Meine Schwester und ich (1937), Erinnerung, das Herz (1937), Vier Bewohner Mexikos (1938) und Was das Wasser mir gab (1938). Obwohl sie noch unsicher über ihre Arbeit war, stellte die Nationale Autonome Universität von Mexiko Anfang 1938 einige ihrer Bilder aus. Ihren ersten bedeutenden Verkauf tätigte sie im Sommer 1938, als der Filmstar und Kunstsammler Edward G. Robinson vier Gemälde zu je 200 Dollar erwarb. Eine noch größere Anerkennung folgte, als der französische Surrealist André Breton Rivera im April 1938 besuchte. Er war von Kahlo beeindruckt, bezeichnete sie sofort als Surrealistin und beschrieb ihr Werk als „ein Band um eine Bombe“. Er versprach nicht nur, dafür zu sorgen, dass ihre Bilder in Paris ausgestellt würden, sondern schrieb auch an seinen Freund und Kunsthändler Julien Levy, der sie zu ihrer ersten Einzelausstellung in seiner Galerie in der East 57th Street in Manhattan einlud.
Im Oktober reiste Kahlo allein nach New York, wo ihr farbenfrohes mexikanisches Kleid „Aufsehen erregte“ und sie als „Höhepunkt der Exotik“ erscheinen ließ. Bei der Ausstellungseröffnung im November waren berühmte Persönlichkeiten wie Georgia O“Keeffe und Clare Boothe Luce anwesend, und die Presse reagierte sehr positiv, obwohl viele Kritiker in ihren Rezensionen einen herablassenden Ton anschlugen. So schrieb beispielsweise die Time, dass „die Bilder der kleinen Frida … die Zartheit von Miniaturen, die leuchtenden Rot- und Gelbtöne der mexikanischen Tradition und die spielerische, blutige Fantasie eines unsentimentalen Kindes“ hätten. Trotz der Großen Depression verkaufte Kahlo die Hälfte der 25 in der Ausstellung gezeigten Bilder. Außerdem erhielt sie Aufträge von A. Conger Goodyear, dem damaligen Präsidenten des MoMA, und von Clare Boothe Luce, für die sie ein Porträt von Luces Freundin Dorothy Hale malte, die sich durch einen Sprung aus ihrem Wohnhaus das Leben genommen hatte. Während der drei Monate, die sie in New York verbrachte, malte Kahlo nur sehr wenig und konzentrierte sich stattdessen darauf, die Stadt so weit zu genießen, wie es ihre angeschlagene Gesundheit zuließ. Außerdem hatte sie mehrere Affären, wobei sie die mit Nickolas Muray fortsetzte und sich auf Affären mit Levy und Edgar Kaufmann, Jr. einließ.
Im Januar 1939 reiste Kahlo nach Paris, um der Einladung von André Breton zu folgen, eine Ausstellung ihrer Werke zu organisieren. Als sie dort ankam, musste sie feststellen, dass er ihre Bilder nicht verzollt hatte und nicht einmal mehr eine Galerie besaß. Mit Hilfe von Marcel Duchamp gelingt es ihr, eine Ausstellung in der Galerie Renou et Colle zu organisieren. Weitere Probleme traten auf, als die Galerie sich weigerte, alle Gemälde Kahlos bis auf zwei auszustellen, da sie sie als zu schockierend für das Publikum ansah. Breton bestand darauf, dass sie neben Fotografien von Manuel Alvarez Bravo, präkolumbianischen Skulpturen, mexikanischen Porträts aus dem 18. und 19.
Die Ausstellung wurde im März eröffnet, fand aber weit weniger Beachtung als in den Vereinigten Staaten, was zum Teil auf den drohenden Zweiten Weltkrieg zurückzuführen war, und brachte finanzielle Einbußen mit sich, was Kahlo veranlasste, eine geplante Ausstellung in London abzusagen. Trotzdem kaufte der Louvre das Werk The Frame und machte sie damit zur ersten mexikanischen Künstlerin, die in seiner Sammlung vertreten war. Auch von anderen Pariser Künstlern wie Pablo Picasso und Joan Miró sowie von der Modewelt wurde sie freundlich aufgenommen: Die Designerin Elsa Schiaparelli entwarf ein von ihr inspiriertes Kleid und die Vogue Paris brachte sie auf ihre Seiten. Ihre allgemeine Meinung über Paris und die Surrealisten blieb jedoch negativ; in einem Brief an Muray bezeichnete sie sie als „diesen Haufen von koketten Verrückten und sehr dummen Surrealisten“, die „so verrückt “intellektuell“ und verdorben sind, dass ich sie nicht einmal mehr ertragen kann.“
In den Vereinigten Staaten erregten Kahlos Bilder weiterhin Interesse. Im Jahr 1941 wurden ihre Werke im Institute of Contemporary Art in Boston ausgestellt, und im folgenden Jahr nahm sie an zwei viel beachteten Ausstellungen in New York teil: der Ausstellung Twentieth-Century Portraits im MoMA und der Ausstellung First Papers of Surrealism der Surrealisten. Im Jahr 1943 war sie in der Ausstellung Mexican Art Today im Philadelphia Museum of Art und in der Ausstellung Women Artists in Peggy Guggenheims Galerie The Art of This Century in New York vertreten.
Auch in Mexiko erlangte Kahlo mehr Wertschätzung für ihre Kunst. Sie wurde Gründungsmitglied des Seminario de Cultura Mexicana, einer Gruppe von fünfundzwanzig Künstlern, die 1942 vom Ministerium für öffentliche Bildung beauftragt wurde, die mexikanische Kultur in der Öffentlichkeit bekannt zu machen. Als Mitglied beteiligte sie sich an der Planung von Ausstellungen und nahm an einer Konferenz über Kunst teil. In Mexiko-Stadt waren ihre Bilder in zwei Ausstellungen über mexikanische Kunst zu sehen, die 1943 und 1944 in der englischsprachigen Benjamin-Franklin-Bibliothek veranstaltet wurden. Sie wurde zur Teilnahme am „Salon de la Flor“ eingeladen, einer Ausstellung, die im Rahmen der jährlichen Blumenausstellung präsentiert wurde. Ein Artikel von Rivera über Kahlos Kunst wurde auch in der vom Seminario de Cultura Mexicana herausgegebenen Zeitschrift veröffentlicht.
1943 nahm Kahlo einen Lehrauftrag an der kürzlich reformierten, nationalistischen Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado „La Esmeralda“ an. Sie ermutigte ihre Schüler zu einem ungezwungenen und nicht hierarchischen Umgang mit ihr und lehrte sie, die mexikanische Volkskultur und Volkskunst zu schätzen und ihre Themen von der Straße abzuleiten. Als ihre gesundheitlichen Probleme es ihr erschwerten, zur Schule in Mexiko-Stadt zu pendeln, begann sie, ihren Unterricht in La Casa Azul abzuhalten. Vier ihrer Schüler – Fanny Rabel, Arturo García Bustos, Guillermo Monroy und Arturo Estrada – wurden zu ihren Anhängern und wurden wegen ihrer Begeisterung „Los Fridos“ genannt. Kahlo sicherte sich und ihren Schülern drei Aufträge für Wandmalereien. Im Jahr 1944 malten sie La Rosita, eine Pulqueria in Coyoacán. 1945 beauftragte die Regierung sie mit der Ausmalung eines Waschsalons in Coyoacán im Rahmen eines nationalen Programms zur Unterstützung armer Frauen, die ihren Lebensunterhalt als Wäscherinnen verdienten. Im selben Jahr schuf die Gruppe Wandgemälde für die Posada del Sol, ein Hotel in Mexiko-Stadt. Es wurde jedoch bald nach der Fertigstellung zerstört, da es dem Hotelbesitzer nicht gefiel.
Kahlo hatte bis Mitte/Ende der 1940er Jahre Schwierigkeiten, von ihrer Kunst zu leben, da sie sich weigerte, ihren Stil den Wünschen ihrer Kunden anzupassen. In den frühen 1940er Jahren erhielt sie zwei Aufträge von der mexikanischen Regierung. Den ersten Auftrag beendete sie nicht, möglicherweise weil ihr das Thema nicht gefiel, und der zweite Auftrag wurde von der auftraggebenden Stelle abgelehnt. Dennoch hatte sie regelmäßige Privatkunden, wie den Ingenieur Eduardo Morillo Safa, der im Laufe des Jahrzehnts mehr als dreißig Porträts von Familienmitgliedern bestellte. Ihre finanzielle Situation verbesserte sich, als sie 1946 einen mit 5000 Peso dotierten Nationalpreis für ihr Gemälde Moses (1945) erhielt und als 1947 Die zwei Fridas vom Museo de Arte Moderno angekauft wurde. Laut der Kunsthistorikerin Andrea Kettenmann waren ihre Gemälde ab Mitte der 1940er Jahre „in den meisten Gruppenausstellungen in Mexiko vertreten“. Martha Zamora schrieb weiter, dass sie „alles verkaufen konnte, was sie gerade malte; manchmal wurden unvollständige Bilder direkt von der Staffelei gekauft“.
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Spätere Jahre
Selbst als Kahlo in Mexiko Anerkennung fand, verschlechterte sich ihr Gesundheitszustand rapide, und ein Versuch, ihre Wirbelsäule zu stützen, schlug fehl. Zu ihren Gemälden aus dieser Zeit gehören Broken Column (1944), Without Hope (1945), Tree of Hope, Stand Fast (1946) und The Wounded Deer (1946), die ihren schlechten Gesundheitszustand widerspiegeln. In ihren letzten Lebensjahren hielt sich Kahlo meist in der Casa Azul auf. Sie malte hauptsächlich Stillleben, auf denen sie Früchte und Blumen mit politischen Symbolen wie Fahnen oder Tauben darstellte. Sie war besorgt darüber, ihre politischen Überzeugungen darstellen zu können, und erklärte: „Ich habe eine große Unruhe in Bezug auf meine Bilder. Vor allem, weil ich sie für die revolutionäre kommunistische Bewegung nützlich machen möchte … bis jetzt ist mir nur ein ehrlicher Ausdruck meines eigenen Ichs gelungen … Ich muss mit all meiner Kraft dafür kämpfen, dass das wenige Positive, das mir meine Gesundheit erlaubt, auch der Revolution zugute kommt, dem einzigen wirklichen Grund zu leben.“ Sie änderte auch ihren Malstil: ihre Pinselstriche, die zuvor zart und vorsichtig waren, wurden nun hastiger, ihr Farbgebrauch greller und der Stil insgesamt intensiver und fieberhafter.
Die Fotografin Lola Alvarez Bravo erkannte, dass Kahlo nicht mehr lange zu leben hatte, und veranstaltete daher im April 1953 in der Galería Arte Contemporaneo ihre erste Einzelausstellung in Mexiko. Obwohl Kahlo ursprünglich nicht an der Eröffnung teilnehmen sollte, da ihre Ärzte ihr Bettruhe verordnet hatten, ließ sie ihr Himmelbett aus ihrer Wohnung in die Galerie bringen. Zur Überraschung der Gäste traf sie in einem Krankenwagen ein und wurde auf einer Bahre zu ihrem Bett getragen, wo sie für die Dauer der Feier blieb. Die Ausstellung war ein bemerkenswertes kulturelles Ereignis in Mexiko und fand auch in der internationalen Presse große Beachtung. Im selben Jahr zeigte die Tate Gallery in London in einer Ausstellung über mexikanische Kunst fünf ihrer Gemälde.
1954 war Kahlo im April und Mai erneut im Krankenhaus. In diesem Frühjahr nahm sie die Malerei nach einer einjährigen Pause wieder auf. Zu ihren letzten Gemälden gehören die politischen Gemälde Marxism Will Give Health to the Sick (um 1954) und Frida and Stalin (um 1954) sowie das Stillleben Viva La Vida (1954).
Die Schätzungen über die Anzahl der Gemälde, die Kahlo im Laufe ihres Lebens schuf, gehen von weniger als 150 aus. Ihre frühesten Gemälde, die sie Mitte der 1920er Jahre schuf, zeigen Einflüsse von Meistern der Renaissance und europäischen Avantgarde-Künstlern wie Amedeo Modigliani. Gegen Ende des Jahrzehnts ließ sich Kahlo stärker von der mexikanischen Volkskunst inspirieren, deren Elemente „Fantasie, Naivität und Faszination für Gewalt und Tod“ sie anzogen. Der von ihr entwickelte Stil vermischte die Realität mit surrealistischen Elementen und stellte häufig Schmerz und Tod dar.
Einer der ersten Verfechter Kahlos war der surrealistische Künstler André Breton, der sie als Teil der Bewegung bezeichnete, da sie ihren Stil angeblich „in völliger Unkenntnis der Ideen, die die Aktivitäten meiner Freunde und von mir selbst motivierten“, entwickelt habe. Diesem Urteil schloss sich Bertram D. Wolfe an, der schrieb, Kahlos Stil sei eine „Art “naiver“ Surrealismus, den sie für sich selbst erfunden hat“. Obwohl Breton sie vor allem als weibliche Kraft innerhalb der surrealistischen Bewegung betrachtete, rückte Kahlo postkoloniale Fragen und Themen in den Vordergrund ihrer Art von Surrealismus. Breton beschrieb Kahlos Werk auch als „wunderbar gelegen am Schnittpunkt zwischen der politischen (philosophischen) Linie und der künstlerischen Linie“. Obwohl sie später an surrealistischen Ausstellungen teilnahm, erklärte sie, sie „verabscheue den Surrealismus“, der für sie „bürgerliche Kunst“ sei und nicht „wahre Kunst, die das Volk vom Künstler erwartet“. Einige Kunsthistoriker sind sich uneinig, ob ihr Werk überhaupt der Bewegung zuzurechnen ist. Andrea Kettenmann zufolge war Kahlo eine Symbolistin, die eher ihre inneren Erfahrungen darstellte. Emma Dexter vertritt die Auffassung, dass Kahlo ihre Mischung aus Fantasie und Realität vor allem aus der aztekischen Mythologie und der mexikanischen Kultur bezog und nicht aus dem Surrealismus, so dass ihre Bilder eher dem magischen Realismus, auch bekannt als Neue Sachlichkeit, zuzuordnen sind. Dieser verbindet Realität und Fantasie und verwendet einen ähnlichen Stil wie Kahlo, wie z. B. eine abgeflachte Perspektive, klar umrissene Figuren und leuchtende Farben.
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Mexicanidad
Ähnlich wie viele andere zeitgenössische mexikanische Künstler war Kahlo stark von der Mexicanidad beeinflusst, einem romantischen Nationalismus, der sich nach der Revolution entwickelt hatte. Die Mexicanidad-Bewegung erhob den Anspruch, sich gegen die durch den Kolonialismus entstandene „Mentalität der kulturellen Minderwertigkeit“ zu wehren, und maß den indigenen Kulturen besondere Bedeutung bei. Vor der Revolution wurde die mexikanische Volkskultur – eine Mischung aus indigenen und europäischen Elementen – von der Elite verunglimpft, die behauptete, rein europäischer Abstammung zu sein, und Europa als die Definition der Zivilisation ansah, die Mexiko nachahmen sollte. Kahlos künstlerische Ambition war es, für das mexikanische Volk zu malen, und sie erklärte, sie wolle „mit meinen Bildern dem Volk, dem ich angehöre, und den Ideen, die mich stärken, würdig sein“. Um diesem Bild Nachdruck zu verleihen, zog sie es vor, die künstlerische Ausbildung zu verheimlichen, die sie von ihrem Vater und Ferdinand Fernandez sowie an der Vorbereitungsschule erhalten hatte. Stattdessen pflegte sie ein Bild von sich als „autodidaktische und naive Künstlerin“.
Als Kahlo in den 1920er Jahren ihre Karriere als Künstlerin begann, dominierten die Wandmaler die mexikanische Kunstszene. Sie schufen große öffentliche Werke in der Art der Renaissance-Meister und der russischen sozialistischen Realisten: Sie stellten in der Regel Menschenmassen dar, und ihre politischen Botschaften waren leicht zu entschlüsseln. Obwohl sie Wandmalern wie Rivera, José Clemente Orozco und David Alfaro Siquieros nahe stand und deren Engagement für den Sozialismus und den mexikanischen Nationalismus teilte, waren die meisten von Kahlos Gemälden Selbstporträts von relativ kleinem Format. Besonders in den 1930er Jahren war ihr Stil den Votivbildern oder Retablos verpflichtet, religiösen Bildern im Postkartenformat, die von Amateurmalern angefertigt wurden. Sie dienten dazu, den Heiligen für ihren Schutz in einem Unglücksfall zu danken, und stellten in der Regel ein Ereignis wie eine Krankheit oder einen Unfall dar, vor dem der Auftraggeber bewahrt worden war. Der Schwerpunkt lag auf den dargestellten Figuren, die nur selten eine realistische Perspektive oder einen detaillierten Hintergrund aufwiesen, wodurch das Ereignis auf das Wesentliche reduziert wurde. Kahlo besaß eine umfangreiche Sammlung von etwa 2.000 Retablos, die sie an den Wänden von La Casa Azul ausstellte. Laura Mulvey und Peter Wollen zufolge ermöglichte das Retablo-Format Kahlo, „die Grenzen des rein Ikonischen zu überwinden, und erlaubte ihr, Erzählungen und Allegorien zu verwenden“.
Viele von Kahlos Selbstporträts ahmen die klassischen Porträts in Brusthöhe nach, die während der Kolonialzeit in Mode waren, aber sie unterlaufen das Format, indem sie die Person weniger attraktiv als in Wirklichkeit darstellen. Gegen Ende der 1930er Jahre konzentrierte sie sich vermehrt auf dieses Format und spiegelte damit die Veränderungen in der mexikanischen Gesellschaft wider. Zunehmend desillusioniert durch das Erbe der Revolution und mit den Auswirkungen der Weltwirtschaftskrise kämpfend, gaben die Mexikaner das Ethos des Sozialismus zugunsten des Individualismus auf. Dies spiegelte sich in den „Persönlichkeitskulten“ wider, die sich um mexikanische Filmstars wie Dolores del Río entwickelten. Schaefer zufolge spiegeln Kahlos „maskenhafte Selbstporträts die zeitgenössische Faszination für die filmische Nahaufnahme weiblicher Schönheit sowie die Mystik des weiblichen Andersseins wider, die im Film Noir zum Ausdruck kommt“. Indem sie immer dieselben Gesichtszüge wiederholte, griff Kahlo auf die Darstellung von Göttinnen und Heiligen in indigenen und katholischen Kulturen zurück.
Von den mexikanischen Volkskünstlern wurde Kahlo vor allem von Hermenegildo Bustos beeinflusst, der in seinen Werken die mexikanische Kultur und das bäuerliche Leben darstellte, sowie von José Guadalupe Posada, der Unfälle und Verbrechen auf satirische Weise darstellte. Sie ließ sich auch von den Werken von Hieronymus Bosch inspirieren, den sie einen „genialen Mann“ nannte, und von Pieter Bruegel dem Älteren, dessen Fokus auf dem bäuerlichen Leben ihrem eigenen Interesse am mexikanischen Volk entsprach. Ein weiterer Einfluss war die Dichterin Rosario Castellanos, deren Gedichte oft das Los der Frau in der patriarchalischen mexikanischen Gesellschaft und die Beschäftigung mit dem weiblichen Körper schildern und von großen körperlichen und emotionalen Schmerzen berichten.
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Symbolik und Ikonographie
In Kahlos Gemälden finden sich häufig Wurzelbilder, wobei die Wurzeln aus ihrem Körper herauswachsen und sie an den Boden binden. Dies spiegelt im positiven Sinne das Thema des persönlichen Wachstums wider, im negativen Sinne das Gefangensein an einem bestimmten Ort, zu einer bestimmten Zeit und in einer bestimmten Situation, und im zweideutigen Sinne die Art und Weise, wie Erinnerungen an die Vergangenheit die Gegenwart zum Guten oder zum Schlechten beeinflussen. In My Grandparents and I (Meine Großeltern und ich) malte Kahlo sich selbst als Zehnjährige, die ein Band in der Hand hält, das aus einem uralten Baum wächst, der die Porträts ihrer Großeltern und anderer Vorfahren trägt, während ihr linker Fuß ein aus dem Boden wachsender Baumstamm ist, der Kahlos Auffassung von der Einheit der Menschheit mit der Erde und ihr eigenes Gefühl der Einheit mit Mexiko widerspiegelt. In Kahlos Gemälden dienen Bäume als Symbole der Hoffnung, der Stärke und der Kontinuität, die Generationen überdauert. Darüber hinaus ist das Haar in Kahlos Gemälden ein Symbol für Wachstum und das Weibliche. Im Selbstporträt mit abgeschnittenem Haar malte sich Kahlo in einem Männeranzug und mit abgeschnittenem langem Haar. Kahlo hält die Schere mit einer Hand bedrohlich nahe an ihre Genitalien, was als Drohung an Rivera – dessen häufige Untreue sie wütend machte – oder als Drohung, ihren eigenen Körper zu verletzen, wie sie ihr eigenes Haar angegriffen hat, gedeutet werden kann, ein Zeichen dafür, dass Frauen ihre Wut auf andere oft auf sich selbst projizieren. Darüber hinaus spiegelt das Bild nicht nur Kahlos Frustration über Rivera wider, sondern auch ihr Unbehagen an den patriarchalischen Werten Mexikos, denn die Schere symbolisiert eine bösartige Männlichkeit, die Frauen sowohl metaphorisch als auch wörtlich zu „zerschneiden“ droht. In Mexiko waren die traditionellen spanischen Werte des Machismo weit verbreitet, aber Kahlo fühlte sich immer unwohl mit dem Machismo.
Da sie für den Rest ihres Lebens unter den Folgen des Busunfalls in ihrer Jugend litt, verbrachte Kahlo einen Großteil ihres Lebens in Krankenhäusern und unterzog sich Operationen, die oft von Quacksalbern durchgeführt wurden, von denen Kahlo glaubte, dass sie sie in den Zustand zurückversetzen könnten, in dem sie vor dem Unfall gewesen war. Viele von Kahlos Gemälden befassen sich mit medizinischer Symbolik, die in Form von Schmerz und Verletzung dargestellt wird, wobei Kahlo blutet und ihre offenen Wunden zeigt. Viele von Kahlos medizinischen Bildern, vor allem solche, die sich mit Geburten und Fehlgeburten befassen, sind von einem starken Schuldgefühl geprägt, von dem Gefühl, das eigene Leben auf Kosten eines anderen zu leben, der gestorben ist, damit man selbst leben kann.
Obwohl Kahlo sich selbst und Ereignisse aus ihrem Leben in ihren Gemälden darstellte, waren diese oft zweideutig in ihrer Bedeutung. Sie nutzte sie nicht nur, um ihre subjektiven Erfahrungen darzustellen, sondern auch, um Fragen über die mexikanische Gesellschaft und die Konstruktion von Identität innerhalb dieser Gesellschaft aufzuwerfen, insbesondere in Bezug auf Geschlecht, Rasse und soziale Klasse. Die Historikerin Liza Bakewell hat festgestellt, dass Kahlo „die Konflikte erkannte, die die revolutionäre Ideologie mit sich brachte“:
Was war es, ein Mexikaner zu sein? – modern und doch präkolumbianisch; jung und doch alt; antikatholisch und doch katholisch; westlich und doch aus der Neuen Welt; aufstrebend und doch unterentwickelt; unabhängig und doch kolonialisiert; Mestize und doch weder Spanier noch Indianer.
Um diese Fragen in ihrer Kunst zu erforschen, entwickelte Kahlo eine komplexe Ikonografie, in der sie in großem Umfang präkolumbianische und christliche Symbole und Mythologie in ihren Gemälden verwendete. In den meisten ihrer Selbstporträts stellt sie ihr Gesicht maskenhaft dar, aber umgeben von visuellen Hinweisen, die es dem Betrachter ermöglichen, tiefere Bedeutungen zu entschlüsseln. Die aztekische Mythologie spielt in Kahlos Gemälden eine große Rolle, mit Symbolen wie Affen, Skeletten, Schädeln, Blut und Herzen, die sich oft auf die Mythen von Coatlicue, Quetzalcoatl und Xolotl beziehen. Weitere zentrale Elemente, die Kahlo der aztekischen Mythologie entnahm, waren Hybridität und Dualismus. Viele ihrer Gemälde stellen Gegensätze dar: Leben und Tod, Vormoderne und Moderne, mexikanisch und europäisch, männlich und weiblich.
Neben den aztekischen Legenden stellte Kahlo in ihren Gemälden häufig zwei zentrale Frauenfiguren der mexikanischen Folklore dar: La Llorona und La Malinche, die mit schwierigen Situationen, Leiden, Unglück oder Verurteilung, mit Unglück, Elend oder „de la chingada“ in Verbindung gebracht werden. Als sie sich beispielsweise nach ihrer Fehlgeburt in Detroit im Henry-Ford-Krankenhaus (1932) malte, zeigte sie sich weinend, mit zerzaustem Haar und entblößtem Herzen, die alle als Teil des Erscheinungsbildes von La Llorona, einer Frau, die ihre Kinder ermordet, gelten. Traditionell wurde das Gemälde als einfache Darstellung von Kahlos Trauer und Schmerz über ihre gescheiterten Schwangerschaften interpretiert. Durch die Interpretation der Symbole auf dem Gemälde und die Informationen über Kahlos tatsächliche Ansichten zur Mutterschaft aus ihrer Korrespondenz wurde das Gemälde jedoch als Darstellung der unkonventionellen und tabuisierten Entscheidung einer Frau, in der mexikanischen Gesellschaft kinderlos zu bleiben, gesehen.
Kahlo stellte in ihren Gemälden oft ihren eigenen Körper in verschiedenen Zuständen und Verkleidungen dar: als verwundet, gebrochen, als Kind oder in verschiedenen Kleidern, wie dem Tehuana-Kostüm, einem Männeranzug oder einem europäischen Kleid. Sie nutzte ihren Körper als Metapher, um Fragen zu gesellschaftlichen Rollen zu erkunden. In ihren Gemälden wird der weibliche Körper oft auf unkonventionelle Weise dargestellt, etwa bei Fehlgeburten, Geburten oder beim Cross-Dressing. Indem sie den weiblichen Körper auf anschauliche Weise darstellte, versetzte Kahlo den Betrachter in die Rolle des Voyeurs und „machte es dem Betrachter praktisch unmöglich, keine bewusste Haltung als Reaktion einzunehmen“.
Laut Nancy Cooey machte sich Kahlo durch ihre Gemälde „zur Hauptfigur ihrer eigenen Mythologie, als Frau, als Mexikanerin und als leidende Person … Sie verstand es, jedes von ihnen in ein Symbol oder Zeichen zu verwandeln, das den enormen geistigen Widerstand der Menschheit und ihre herrliche Sexualität zum Ausdruck bringen konnte“. In ähnlicher Weise hat Nancy Deffebach festgestellt, dass Kahlo „sich selbst als weibliches, mexikanisches, modernes und mächtiges Subjekt schuf“, das von der üblichen Dichotomie der Mutter-Hure-Rollen abwich, die Frauen in der mexikanischen Gesellschaft zugestanden werden. Aufgrund ihres Geschlechts und ihrer Abweichung von der Tradition der Wandmalerei wurden Kahlos Gemälde bis in die späten 1980er Jahre als weniger politisch und als naiver und subjektiver als die ihrer männlichen Kollegen angesehen. Laut dem Kunsthistoriker Joan Borsa,
Die kritische Rezeption ihrer Erkundung von Subjektivität und persönlicher Geschichte hat allzu oft die Politik, die mit der Untersuchung des eigenen Standorts, des Erbes und der sozialen Bedingungen verbunden ist, geleugnet oder heruntergespielt … Kritische Reaktionen beschönigen weiterhin Kahlos Überarbeitung des Persönlichen und ignorieren oder minimieren ihre Befragung von Sexualität, sexueller Differenz, Marginalität, kultureller Identität, weiblicher Subjektivität, Politik und Macht.
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1907-1924: Familie und Kindheit
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón wurde am 6. Juli 1907 in Coyoacán, einem Dorf am Rande von Mexiko-Stadt, geboren. Kahlo gab an, dass sie im Haus der Familie, La Casa Azul (Das blaue Haus), geboren wurde, aber laut dem offiziellen Geburtsregister fand die Geburt im nahe gelegenen Haus ihrer Großmutter mütterlicherseits statt. Kahlos Eltern waren der Fotograf Guillermo Kahlo (1871-1941) und Matilde Calderón y González (1876-1932), und sie waren sechsunddreißig bzw. dreißig Jahre alt, als sie sie bekamen. Der aus Deutschland stammende Guillermo war 1891 nach Mexiko eingewandert, nachdem eine durch einen Unfall verursachte Epilepsie sein Universitätsstudium beendet hatte. Obwohl Kahlo behauptete, ihr Vater sei Jude und ihre Großeltern väterlicherseits seien Juden aus der Stadt Arad gewesen, wurde diese Behauptung 2006 von zwei deutschen Ahnenforschern in Frage gestellt, die herausfanden, dass er stattdessen Lutheraner war. Matilde wurde in Oaxaca als Tochter eines indigenen Vaters und einer Mutter spanischer Abstammung geboren. Aus der Ehe gingen neben Kahlo die Töchter Matilde (ca. 1898-1951), Adriana (ca. 1902-1968) und Cristina (ca. 1908-1964) hervor. Sie hatte zwei Halbschwestern aus Guillermos erster Ehe, María Luisa und Margarita, die jedoch in einem Kloster aufgewachsen waren.
Später beschrieb Kahlo die Atmosphäre in ihrem Elternhaus als oft „sehr, sehr traurig“, und ihre Ehe war ohne Liebe. Die Beziehung zu ihrer Mutter Matilde war äußerst angespannt. Kahlo beschrieb ihre Mutter als „freundlich, aktiv und intelligent, aber auch berechnend, grausam und fanatisch religiös“. Das Fotogeschäft ihres Vaters Guillermo litt während der mexikanischen Revolution sehr, da die gestürzte Regierung bei ihm Arbeiten in Auftrag gegeben hatte und der lange Bürgerkrieg die Zahl der Privatkunden einschränkte.
Als Kahlo sechs Jahre alt war, erkrankte sie an Polio, wodurch ihr rechtes Bein kürzer und dünner wurde als das linke. Die Krankheit zwang sie, sich monatelang von Gleichaltrigen zu isolieren, und sie wurde gemobbt. Diese Erfahrung führte dazu, dass sie sich zurückzog, aber sie wurde auch Guillermos Liebling, weil sie die Erfahrung des Lebens mit einer Behinderung teilten. Kahlo schrieb ihm zu, dass er ihre Kindheit „wunderbar gemacht hat … er war für mich ein großes Vorbild an Zärtlichkeit, an Arbeit (als Fotograf und auch als Maler) und vor allem an Verständnis für all meine Probleme.“ Er unterrichtete sie in Literatur, Natur und Philosophie und ermutigte sie, Sport zu treiben, um wieder zu Kräften zu kommen, obwohl die meisten körperlichen Übungen als ungeeignet für Mädchen galten. Er brachte ihr auch die Fotografie bei, und sie begann, ihm beim Retuschieren, Entwickeln und Kolorieren von Fotos zu helfen.
Aufgrund einer Polioerkrankung wurde Kahlo später als ihre Altersgenossen eingeschult. Zusammen mit ihrer jüngeren Schwester Cristina besuchte sie den örtlichen Kindergarten und die Grundschule in Coyoacán und wurde in der fünften und sechsten Klasse zu Hause unterrichtet. Während Cristina ihren Schwestern in eine Klosterschule folgte, wurde Kahlo auf Wunsch des Vaters in eine deutsche Schule eingeschult. Bald wurde sie wegen Ungehorsams von der Schule verwiesen und auf eine Berufsschule für Lehrer geschickt. Ihr Aufenthalt an dieser Schule war nur kurz, da sie von einer Lehrerin sexuell missbraucht wurde.
1922 wurde Kahlo an der Nationalen Vorbereitungsschule aufgenommen, wo sie sich auf Naturwissenschaften konzentrierte, um Ärztin zu werden. Die Schule hatte erst vor kurzem mit der Aufnahme von Frauen begonnen und zählte nur 35 Mädchen unter 2.000 Schülern. Kahlo war eine gefräßige Leserin und engagierte sich „intensiv für die mexikanische Kultur, politischen Aktivismus und Fragen der sozialen Gerechtigkeit“. Die Schule förderte den Indigenismo, ein neues mexikanisches Identitätsgefühl, das stolz auf das indigene Erbe des Landes war und versuchte, sich von der kolonialen Mentalität zu befreien, die Europa als Mexiko überlegen ansah. Besonders einflussreich für Kahlo waren zu dieser Zeit neun ihrer Schulkameraden, mit denen sie eine informelle Gruppe namens „Cachuchas“ bildete – viele von ihnen sollten später zu führenden Persönlichkeiten der intellektuellen Elite Mexikos werden. Sie waren rebellisch und gegen alles Konservative, spielten Streiche, führten Theaterstücke auf und diskutierten über Philosophie und russische Klassiker. Um ihr Alter zu verbergen und sich als „Tochter der Revolution“ zu deklarieren, begann sie zu sagen, sie sei am 7. Juli 1910 geboren, dem Jahr, in dem die mexikanische Revolution begann, was sie ihr Leben lang beibehielt. Sie verliebte sich in Alejandro Gomez Arias, den Anführer der Gruppe und ihre erste Liebe. Ihre Eltern waren mit der Beziehung nicht einverstanden. Arias und Kahlo waren aufgrund der politischen Instabilität und der Gewalt in dieser Zeit oft voneinander getrennt, so dass sie sich leidenschaftliche Liebesbriefe schrieben.
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1925-1930: Busunfall und Heirat mit Diego Rivera
Am 17. September 1925 waren Kahlo und ihr Freund Arias auf dem Weg von der Schule nach Hause. Sie stiegen in einen Bus ein, stiegen aber aus, um einen Regenschirm zu suchen, den Kahlo zurückgelassen hatte. Dann stiegen sie in einen zweiten Bus, der überfüllt war, und setzten sich hinten hinein. Der Fahrer versuchte, eine entgegenkommende elektrische Straßenbahn zu überholen. Die Straßenbahn krachte in die Seite des Holzbusses und schleifte ihn einige Meter weit mit. Mehrere Fahrgäste wurden bei dem Unfall getötet. Während Arias nur geringfügige Schäden erlitt, wurde Kahlo von einem eisernen Handlauf aufgespießt, der ihr das Becken durchbohrte. Später beschrieb sie die Verletzung als „wie ein Schwert, das einen Stier durchbohrt“. Das Geländer wurde von Arias und anderen entfernt, was für Kahlo sehr schmerzhaft war.
Kahlo erlitt zahlreiche Verletzungen: Ihr Beckenknochen war gebrochen, ihr Unterleib und ihre Gebärmutter waren von der Schiene durchbohrt worden, ihre Wirbelsäule war an drei Stellen gebrochen, ihr rechtes Bein war an elf Stellen gebrochen, ihr rechter Fuß war gequetscht und ausgekugelt, ihr Schlüsselbein war gebrochen und ihre Schulter ausgekugelt. Sie verbrachte einen Monat im Krankenhaus und erholte sich zwei Monate zu Hause, bevor sie ihre Arbeit wieder aufnehmen konnte. Da sie weiterhin unter Müdigkeit und Rückenschmerzen litt, ordneten ihre Ärzte Röntgenaufnahmen an, die zeigten, dass bei dem Unfall auch drei Wirbel verschoben worden waren. Zur Behandlung musste sie ein Gipskorsett tragen, das sie fast drei Monate lang an das Bett fesselte.
Der Unfall beendete Kahlos Traum, Ärztin zu werden, und verursachte ihr für den Rest ihres Lebens Schmerzen und Krankheit; ihr Freund Andrés Henestrosa erklärte, dass Kahlo „im Sterben lag“. Ende 1927 war Kahlos Bettruhe vorbei, und sie begann, sich mit ihren alten Schulfreunden zu treffen, die nun an der Universität waren und sich in der Studentenpolitik engagierten. Sie trat der Kommunistischen Partei Mexikos (PCM) bei und lernte einen Kreis von politischen Aktivisten und Künstlern kennen, darunter den exilkubanischen Kommunisten Julio Antonio Mella und die italienisch-amerikanische Fotografin Tina Modotti.
Auf einer von Modottis Partys im Juni 1928 wurde Kahlo Diego Rivera vorgestellt. Sie hatten sich 1922 kurz kennengelernt, als er in ihrer Schule ein Wandgemälde malte. Kurz nach ihrem Kennenlernen im Jahr 1928 bat Kahlo ihn, zu beurteilen, ob ihre Bilder genug Talent zeigten, um eine Karriere als Künstlerin zu verfolgen. Rivera erinnerte sich, dass er von ihren Werken beeindruckt war und sagte, dass sie „eine ungewöhnliche Ausdruckskraft, eine präzise Charakterdarstellung und eine echte Strenge … zeigten. Sie hatten eine grundlegende plastische Ehrlichkeit und eine eigene künstlerische Persönlichkeit … Es war für mich offensichtlich, dass dieses Mädchen eine echte Künstlerin war“.
Kahlo begann bald eine Beziehung mit dem 20 Jahre älteren Rivera, der bereits zwei Ehefrauen hatte. Kahlo und Rivera heirateten am 21. August 1929 in einer zivilen Zeremonie im Rathaus von Coyoacán. Ihre Mutter war gegen die Eheschließung, und beide Eltern bezeichneten sie als „Ehe zwischen einem Elefanten und einer Taube“, was sich auf die Größenunterschiede des Paares bezog; Rivera war groß und übergewichtig, während Kahlo zierlich und zerbrechlich war. Trotzdem war ihr Vater mit Rivera einverstanden, der wohlhabend war und daher Kahlo unterstützen konnte, die nicht arbeiten konnte und teure medizinische Behandlungen in Anspruch nehmen musste. Die mexikanische und die internationale Presse berichteten über die Hochzeit, und in den folgenden Jahren war die Ehe in Mexiko Gegenstand ständiger Medienberichterstattung, wobei die Artikel das Paar einfach als „Diego und Frida“ bezeichneten.
Bald nach der Heirat, Ende 1929, zogen Kahlo und Rivera nach Cuernavaca im ländlichen Bundesstaat Morelos, wo er den Auftrag erhalten hatte, Wandgemälde für den Palast von Cortés zu malen. Etwa zur gleichen Zeit trat sie aus der PCM aus, um Rivera zu unterstützen, der kurz vor der Hochzeit wegen seiner Unterstützung der linken Oppositionsbewegung innerhalb der Dritten Internationale ausgeschlossen worden war.
Während des Bürgerkriegs hatte Morelos einige der schwersten Kämpfe erlebt, und das Leben in der spanisch geprägten Stadt Cuernavaca schärfte Kahlos Sinn für die mexikanische Identität und Geschichte. Wie viele andere mexikanische Künstlerinnen und Intellektuelle zu dieser Zeit begann auch Kahlo, traditionelle indigene mexikanische Bauernkleidung zu tragen, um ihre Mestiza-Abstammung zu betonen: lange und farbenfrohe Röcke, huipils und rebozos, aufwendige Kopfbedeckungen und jede Menge Schmuck. Besonders gefiel ihr die Kleidung der Frauen aus der angeblich matriarchalischen Gesellschaft der Landenge von Tehuantepec, die im postrevolutionären Mexiko „ein authentisches und indigenes mexikanisches Kulturerbe“ repräsentierten. Die Tehuana-Kleidung ermöglichte es Kahlo, ihre feministischen und antikolonialistischen Ideale zum Ausdruck zu bringen.
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1931-1933: Reisen durch die Vereinigten Staaten
Nachdem Rivera den Auftrag in Cuernavaca Ende 1930 abgeschlossen hatte, zogen er und Kahlo nach San Francisco, wo er Wandgemälde für den Luncheon Club of the San Francisco Stock Exchange und die California School of Fine Arts malte. Während ihres Aufenthalts in der Stadt wurde das Paar von einflussreichen Sammlern und Kunden „gefeiert, gelobt und verwöhnt“. Ihre lange Liebesbeziehung mit dem ungarisch-amerikanischen Fotografen Nickolas Muray begann wahrscheinlich zu dieser Zeit.
Kahlo und Rivera kehrten im Sommer 1931 nach Mexiko zurück und reisten im Herbst nach New York City zur Eröffnung von Riveras Retrospektive im Museum of Modern Art (MoMA). Im April 1932 reisten sie nach Detroit, wo Rivera den Auftrag erhalten hatte, Wandbilder für das Detroit Institute of Arts zu malen. Zu diesem Zeitpunkt war Kahlo im Umgang mit der Presse mutiger geworden. Sie beeindruckte die Journalisten mit ihren fließenden Englischkenntnissen und erklärte bei ihrer Ankunft in der Stadt, dass sie die größere Künstlerin von ihnen beiden sei.
Das Jahr, das sie in Detroit verbrachte, war eine schwierige Zeit für Kahlo. Obwohl sie es genossen hatte, San Francisco und New York City zu besuchen, missfielen ihr Aspekte der amerikanischen Gesellschaft, die sie als kolonialistisch betrachtete, sowie die meisten Amerikaner, die sie „langweilig“ fand. Es gefiel ihr nicht, mit Kapitalisten wie Henry und Edsel Ford verkehren zu müssen, und sie war verärgert darüber, dass viele Hotels in Detroit sich weigerten, jüdische Gäste aufzunehmen. In einem Brief an einen Freund schrieb sie, dass sie, „obwohl ich mich sehr für die ganze industrielle und mechanische Entwicklung der Vereinigten Staaten interessiere“, „ein wenig Wut gegen all die reichen Kerle hier empfinde, da ich Tausende von Menschen im schrecklichsten Elend gesehen habe, ohne etwas zu essen und ohne einen Platz zum Schlafen, das ist es, was mich hier am meisten beeindruckt hat, es ist erschreckend zu sehen, wie die Reichen Tag und Nacht Partys feiern, während Tausende und Abertausende von Menschen vor Hunger sterben.“ Kahlos Zeit in Detroit wurde auch durch eine Schwangerschaft erschwert. Ihr Arzt erklärte sich bereit, eine Abtreibung vorzunehmen, aber die verwendeten Medikamente waren unwirksam. Kahlo war sehr ambivalent, was ein Kind anging, und hatte bereits während ihrer Ehe mit Rivera eine Abtreibung vornehmen lassen. Nach der fehlgeschlagenen Abtreibung stimmte sie widerwillig zu, die Schwangerschaft fortzusetzen, erlitt aber im Juli eine Fehlgeburt, die eine schwere Blutung verursachte, die einen zweiwöchigen Krankenhausaufenthalt erforderlich machte. Weniger als drei Monate später starb ihre Mutter an den Komplikationen einer Operation in Mexiko.
Im März 1933 kehrten Kahlo und Rivera nach New York zurück, denn er hatte den Auftrag erhalten, ein Wandbild für das Rockefeller Center zu malen. Während dieser Zeit arbeitete sie nur an einem Gemälde, My Dress Hangs There (1934). Außerdem gab sie der amerikanischen Presse weitere Interviews. Im Mai wurde Rivera aus dem Rockefeller Center-Projekt entlassen und stattdessen mit einem Wandgemälde für die New Workers School beauftragt. Obwohl Rivera seinen Aufenthalt in den Vereinigten Staaten fortsetzen wollte, hatte Kahlo Heimweh, und so kehrten sie bald nach der Enthüllung des Wandgemäldes im Dezember 1933 nach Mexiko zurück.
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1934-1949: La Casa Azul und schwindende Gesundheit
Zurück in Mexiko-Stadt, zogen Kahlo und Rivera in ein neues Haus im wohlhabenden Viertel San Ángel. Es wurde von Le Corbusiers Schüler Juan O“Gorman in Auftrag gegeben und bestand aus zwei Teilen, die durch eine Brücke verbunden waren; Kahlos Teil war blau gestrichen, Riveras rosa und weiß. Die Bohème-Residenz wurde zu einem wichtigen Treffpunkt für Künstler und politische Aktivisten aus Mexiko und dem Ausland.
Sie hatte erneut gesundheitliche Probleme – sie musste sich einer Blinddarmoperation, zwei Abtreibungen und der Amputation eines gangränösen Zehs unterziehen – und ihre Ehe mit Rivera war angespannt. Er war nicht glücklich darüber, wieder in Mexiko zu sein und gab Kahlo die Schuld an ihrer Rückkehr. Nachdem er ihr schon früher untreu gewesen war, ließ er sich nun auf eine Affäre mit ihrer jüngeren Schwester Cristina ein, was Kahlo zutiefst verletzte. Nachdem sie Anfang 1935 davon erfahren hatte, zog sie in eine Wohnung im Zentrum von Mexiko-Stadt und erwog, sich von ihm scheiden zu lassen. Außerdem hatte sie eine eigene Affäre mit dem amerikanischen Künstler Isamu Noguchi.
Später im Jahr 1935 versöhnte sich Kahlo mit Rivera und Cristina und zog zurück nach San Ángel. Sie wurde eine liebevolle Tante für Cristinas Kinder Isolda und Antonio. Trotz der Versöhnung setzten sowohl Rivera als auch Kahlo ihre Untreue fort. 1936 nahm sie auch ihre politischen Aktivitäten wieder auf, trat der Vierten Internationale bei und wurde Gründungsmitglied eines Solidaritätskomitees zur Unterstützung der Republikaner im Spanischen Bürgerkrieg. Sie und Rivera baten die mexikanische Regierung erfolgreich darum, dem ehemaligen sowjetischen Führer Leo Trotzki Asyl zu gewähren, und boten ihm und seiner Frau Natalia Sedova La Casa Azul als Wohnsitz an. Das Paar lebte dort von Januar 1937 bis April 1939, wobei Kahlo und Trotzki nicht nur gute Freunde wurden, sondern auch eine kurze Affäre hatten.
Nach der Eröffnung einer Ausstellung in Paris reiste Kahlo zurück nach New York. Sie wollte unbedingt wieder mit Muray zusammen sein, aber er beschloss, die Affäre zu beenden, da er eine andere Frau kennengelernt hatte, die er heiraten wollte. Kahlo reiste zurück nach Mexiko-Stadt, wo Rivera die Scheidung von ihr verlangte. Die genauen Gründe für seine Entscheidung sind nicht bekannt, aber er erklärte öffentlich, dass es sich lediglich um eine „Angelegenheit der juristischen Bequemlichkeit im Stil der modernen Zeit handelt … es gibt keine sentimentalen, künstlerischen oder wirtschaftlichen Gründe.“ Nach Angaben ihrer Freunde war die Scheidung vor allem auf ihre gegenseitige Untreue zurückzuführen. Er und Kahlo ließen sich im November 1939 scheiden, blieben aber befreundet; sie verwaltete weiterhin seine Finanzen und seine Korrespondenz.
Nach der Trennung von Rivera zog Kahlo zurück nach La Casa Azul und begann, inspiriert von ihren Erfahrungen im Ausland, eine weitere produktive Periode als Künstlerin, um ihren Lebensunterhalt selbst zu verdienen. Ermutigt durch die Anerkennung, die ihr zuteil wurde, ging sie von den kleinen und intimeren Blechtafeln, die sie seit 1932 verwendet hatte, zu großen Leinwänden über, da diese leichter ausgestellt werden konnten. Außerdem wandte sie eine ausgefeiltere Technik an, schränkte die grafischen Details ein und begann, mehr viertellange Porträts zu malen, die sich leichter verkaufen ließen. In dieser Zeit entstanden einige ihrer berühmtesten Werke, wie Die zwei Fridas (1939), Selbstbildnis mit abgeschnittenem Haar (1940), Der verwundete Tisch (1940) und Selbstbildnis mit Dornenkette und Kolibri (1940). Im Jahr 1940 wurden ihre Werke auf drei Ausstellungen gezeigt: auf der vierten Internationalen Surrealisten-Ausstellung in Mexiko-Stadt, auf der Golden Gate International Exposition in San Francisco und auf der Ausstellung Twenty Centuries of Mexican Art im MoMA in New York.
Am 21. August 1940 wurde Trotzki in Coyoacán ermordet, wo er nach seinem Weggang von La Casa Azul weiter gelebt hatte. Kahlo wurde kurzzeitig verdächtigt, in den Mord verwickelt zu sein, da sie den Mörder kannte, und wurde zusammen mit ihrer Schwester Cristina verhaftet und zwei Tage lang festgehalten. Im folgenden Monat reiste Kahlo nach San Francisco, um sich wegen Rückenschmerzen und einer Pilzinfektion an der Hand behandeln zu lassen. Ihr stets schwacher Gesundheitszustand hatte sich seit ihrer Scheidung zunehmend verschlechtert und wurde durch ihren starken Alkoholkonsum noch verschlimmert.
Auch Rivera hielt sich in San Francisco auf, nachdem er nach der Ermordung Trotzkis aus Mexiko-Stadt geflohen war und einen Auftrag angenommen hatte. Obwohl Kahlo während ihres Aufenthalts in San Francisco ein Verhältnis mit dem Kunsthändler Heinz Berggruen hatte, heirateten sie am 8. Dezember 1940 in einer einfachen zivilen Zeremonie. Kahlo und Rivera kehrten bald nach ihrer Hochzeit nach Mexiko zurück. Während La Casa Azul ihr Hauptwohnsitz war, behielt Rivera das Haus San Ángel, das ihm als Atelier und Zweitwohnung diente. Beide hatten weiterhin außereheliche Affären; Kahlo, die bisexuell war, hatte Affären sowohl mit Männern als auch mit Frauen, wobei es Hinweise darauf gibt, dass ihre männlichen Liebhaber für Kahlo wichtiger waren als ihre lesbischen Affären.
Trotz der medizinischen Behandlung, die sie in San Francisco erhalten hatte, litt Kahlo in den 1940er Jahren weiterhin unter gesundheitlichen Problemen. Aufgrund ihrer Wirbelsäulenprobleme trug sie zwischen 1940 und 1954 achtundzwanzig verschiedene Stützkorsetts, die von Stahl über Leder bis hin zu Gips reichten. Sie hatte Schmerzen in den Beinen, die Infektion an ihrer Hand war chronisch geworden, und sie wurde auch wegen Syphilis behandelt. Der Tod ihres Vaters im April 1941 stürzte sie in eine Depression. Ihr schlechter Gesundheitszustand führte dazu, dass sie sich immer mehr auf La Casa Azul beschränkte, das zum Mittelpunkt ihrer Welt wurde. Sie genoss es, sich um das Haus und den Garten zu kümmern, und wurde von Freunden, Dienern und verschiedenen Haustieren, darunter Klammeraffen, Xoloitzcuintlis und Papageien, begleitet.
Während Kahlo in ihrem Heimatland Anerkennung fand, verschlechterte sich ihr Gesundheitszustand weiter. Mitte der 1940er Jahre hatte sich ihr Rücken so weit verschlimmert, dass sie nicht mehr ständig sitzen oder stehen konnte. Im Juni 1945 reiste sie nach New York, um sich einer Operation zu unterziehen, bei der ein Knochentransplantat und eine Stahlstütze an ihrer Wirbelsäule befestigt wurden, um diese zu begradigen. Die schwierige Operation war ein Fehlschlag. Herrera zufolge sabotierte Kahlo ihre Genesung auch dadurch, dass sie sich nicht wie vorgeschrieben ausruhte und einmal in einem Anfall von Wut ihre Wunden wieder aufriss. Ihre Gemälde aus dieser Zeit, wie Die zerbrochene Säule (1944), Ohne Hoffnung (1945), Baum der Hoffnung, Halte durch (1946) und Das verwundete Reh (1946), spiegeln ihren schwindenden Gesundheitszustand wider.
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1950-1954: Letzte Jahre und Tod
1950 verbrachte Kahlo die meiste Zeit des Jahres im Krankenhaus ABC in Mexiko-Stadt, wo sie sich einer neuen Knochenverpflanzung an der Wirbelsäule unterzog. Die Operation verursachte eine schwere Infektion und erforderte mehrere Folgeoperationen. Nach ihrer Entlassung war sie größtenteils auf La Casa Azul beschränkt und benutzte einen Rollstuhl und Krücken, um sich fortbewegen zu können. In ihren letzten Lebensjahren widmete sich Kahlo, soweit es ihr Gesundheitszustand zuließ, der politischen Arbeit. Sie war 1948 wieder in die Kommunistische Partei Mexikos eingetreten und setzte sich für den Frieden ein, indem sie zum Beispiel Unterschriften für den Stockholmer Appell sammelte.
Im August 1953 wurde Kahlos rechtes Bein aufgrund von Wundbrand am Knie amputiert. Sie wurde schwer depressiv und ängstlich, und ihre Abhängigkeit von Schmerzmitteln eskalierte. Als Rivera eine weitere Affäre begann, unternahm sie einen Selbstmordversuch mit einer Überdosis. Im Februar 1954 schrieb sie in ihr Tagebuch: „Sie haben mir vor sechs Monaten das Bein amputiert, sie haben mich jahrhundertelang gequält, und ich habe zeitweise fast den Verstand verloren. Ich will mich immer wieder umbringen. Diego ist es, der mich davon abhält, durch meine eitle Vorstellung, dass er mich vermissen würde. … Aber noch nie in meinem Leben habe ich mehr gelitten. Ich werde noch eine Weile warten…“
In ihren letzten Tagen war Kahlo wegen einer Bronchopneumonie meist bettlägerig, obwohl sie am 2. Juli 1954 öffentlich auftrat und zusammen mit Rivera an einer Demonstration gegen die CIA-Invasion in Guatemala teilnahm. Sie schien ihren Tod vorauszuahnen, denn sie sprach mit Besuchern darüber und zeichnete Skelette und Engel in ihr Tagebuch. Die letzte Zeichnung war ein schwarzer Engel, den der Biograf Hayden Herrera als den Todesengel interpretiert. Dazu schrieb sie die letzten Worte: „Ich erwarte freudig den Ausgang – und hoffe, nie wieder zurückzukehren – Frida“ („Espero Alegre la Salida – y Espero no Volver jamás“).
Durch die Demonstration verschlimmerte sich ihre Krankheit, und in der Nacht des 12. Juli 1954 hatte Kahlo hohes Fieber und litt unter starken Schmerzen. Am 13. Juli 1954, gegen 6 Uhr morgens, fand ihre Krankenschwester sie tot in ihrem Bett. Kahlo war 47 Jahre alt. Die offizielle Todesursache war eine Lungenembolie, obwohl keine Autopsie durchgeführt wurde. Herrera behauptet, dass Kahlo in Wirklichkeit Selbstmord begangen hat. Die Krankenschwester, die Kahlos Schmerzmittel zählte, um ihren Drogenkonsum zu überwachen, erklärte, dass Kahlo in der Nacht, in der sie starb, eine Überdosis eingenommen habe. Ihr war eine Höchstdosis von sieben Tabletten verschrieben worden, sie hatte jedoch elf genommen. Außerdem hatte sie Rivera an diesem Abend ein Geschenk zum Hochzeitstag gemacht, mehr als einen Monat im Voraus.
Am Abend des 13. Juli wurde Kahlos Leiche in den Palacio de Bellas Artes gebracht, wo sie unter einer kommunistischen Flagge aufgebahrt wurde. Am nächsten Tag wurde er zum Panteón Civil de Dolores gebracht, wo Freunde und Familienangehörige an einer informellen Beerdigungszeremonie teilnahmen. Hunderte von Bewunderern standen draußen. Auf ihren Wunsch hin wurde Kahlo eingeäschert. Rivera, der ihren Tod als „den tragischsten Tag meines Lebens“ bezeichnete, starb drei Jahre später, 1957. Kahlos Asche wird in einer präkolumbianischen Urne im La Casa Azul ausgestellt, das 1958 als Museum eröffnet wurde.
Die Tate Modern hält Kahlo für „eine der bedeutendsten Künstlerinnen des zwanzigsten Jahrhunderts“, und die Kunsthistorikerin Elizabeth Bakewell bezeichnet sie als „eine der wichtigsten mexikanischen Persönlichkeiten des zwanzigsten Jahrhunderts“. Jahrhunderts“. Kahlos Ruf als Künstlerin entwickelte sich erst spät und wuchs erst posthum, denn zu Lebzeiten war sie vor allem als Ehefrau von Diego Rivera und als exzentrische Persönlichkeit in der internationalen Kulturelite bekannt. In den späten 1970er Jahren wurde sie allmählich bekannter, als feministische Wissenschaftlerinnen begannen, den Ausschluss weiblicher und nicht-westlicher Künstler aus dem kunsthistorischen Kanon in Frage zu stellen, und die Chicano-Bewegung sie zu einer ihrer Ikonen erhob. Die ersten beiden Bücher über Kahlo wurden 1976 bzw. 1977 von Teresa del Conde und Raquel Tibol in Mexiko veröffentlicht, und 1977 wurde The Tree of Hope Stands Firm (1944) als erstes Kahlo-Gemälde bei Sotheby“s für 19.000 Dollar versteigert. Diesen Meilensteinen folgten 1978 die ersten beiden Retrospektiven zu Kahlos Werk, eine im Palacio de Bellas Artes in Mexiko-Stadt und eine im Museum of Contemporary Art in Chicago.
Zwei Ereignisse trugen maßgeblich dazu bei, das Interesse der Öffentlichkeit außerhalb Mexikos an ihrem Leben und ihrer Kunst zu wecken. Das erste war eine gemeinsame Retrospektive ihrer Gemälde und der Fotografien von Tina Modotti in der Whitechapel Gallery in London, die von Peter Wollen und Laura Mulvey kuratiert und organisiert wurde. Sie wurde im Mai 1982 eröffnet und reiste später nach Schweden, Deutschland, in die Vereinigten Staaten und nach Mexiko. Das zweite Ereignis war die Veröffentlichung des internationalen Bestsellers Frida des Kunsthistorikers Hayden Herrera: Eine Biographie von Frida Kahlo im Jahr 1983.
Bis 1984 war Kahlos Ruf als Künstlerin so stark gewachsen, dass Mexiko ihre Werke zum nationalen Kulturerbe erklärte und ihre Ausfuhr aus dem Land verbot. Infolgedessen werden ihre Gemälde nur noch selten auf internationalen Auktionen angeboten, und umfassende Retrospektiven sind selten. Dennoch haben ihre Gemälde in den 1990er und 2000er Jahren Rekorde in der lateinamerikanischen Kunst aufgestellt. Im Jahr 1990 war sie die erste lateinamerikanische Künstlerin, die die Millionengrenze durchbrach, als Diego und ich bei Sotheby“s für 1.430.000 $ versteigert wurde. Im Jahr 2006 erreichte Roots (1943) 5,6 Millionen US-Dollar, und 2016 wurde Two Lovers in a Forest (1939) für 8 Millionen US-Dollar verkauft.
Kahlo hat das Interesse der Öffentlichkeit in einem Maße auf sich gezogen, dass der Begriff „Fridamania“ geprägt wurde, um das Phänomen zu beschreiben. Sie gilt als „eine der Künstlerinnen mit dem höchsten Wiedererkennungswert“, deren Gesicht „mit der gleichen Regelmäßigkeit und oft mit einer gemeinsamen Symbolik verwendet wird wie die Bilder von Che Guevara oder Bob Marley“. Ihr Leben und ihre Kunst haben eine Vielzahl von Produkten inspiriert, und ihr unverwechselbarer Look wurde von der Modewelt aufgegriffen. Ein Hollywood-Biopic, Julie Taymors Frida, wurde 2002 veröffentlicht. Basierend auf Herreras Biografie und mit Salma Hayek (die den Film mitproduzierte) in der Hauptrolle als Kahlo, spielte der Film weltweit 56 Millionen US-Dollar ein und wurde für sechs Oscars nominiert, darunter für das beste Make-up und die beste Originalmusik. Im Disney-Pixar-Animationsfilm Coco aus dem Jahr 2017 ist Kahlo ebenfalls in einer Nebenrolle zu sehen, die von Natalia Cordova-Buckley gesprochen wird.
Kahlos Anziehungskraft beruht in erster Linie auf der Faszination für ihre Lebensgeschichte, insbesondere für ihre schmerzhaften und tragischen Aspekte. Sie ist zu einer Ikone für verschiedene Minderheitengruppen und politische Bewegungen geworden, z. B. für Feministinnen, die LGBTQ-Gemeinschaft und Chicanos. Oriana Baddeley hat geschrieben, dass Kahlo zu einem Symbol für Nonkonformität und zum Archetyp einer kulturellen Minderheit“ geworden ist, die gleichzeitig als Opfer, verkrüppelt und missbraucht“ und als Überlebende, die sich wehrt“ betrachtet wird. Edward Sullivan stellte fest, dass Kahlo von so vielen als Heldin gefeiert wird, weil sie „jemand ist, der ihren eigenen Kampf um ihre eigene Stimme und ihre eigene öffentliche Persönlichkeit bestätigt“. John Berger zufolge ist Kahlos Popularität zum Teil darauf zurückzuführen, dass „das Teilen von Schmerz eine der wesentlichen Voraussetzungen dafür ist, dass wir in der Gesellschaft des 21. Kirk Varnedoe, der ehemalige Chefkurator des MoMA, hat erklärt, dass Kahlos posthumer Erfolg mit der Art und Weise zusammenhängt, in der „sie mit der heutigen Sensibilität übereinstimmt – ihre psycho-obsessive Beschäftigung mit sich selbst, ihre Schaffung einer persönlichen alternativen Welt birgt eine Spannung. Ihre ständige Erneuerung ihrer Identität, ihre Konstruktion eines Theaters des Selbst sind genau das, was zeitgenössische Künstler wie Cindy Sherman oder Kiki Smith und, auf einer populäreren Ebene, Madonna beschäftigt… Sie passt gut zu der seltsamen, androgynen hormonellen Chemie unserer Epoche.“
Kahlos posthume Popularität und die Kommerzialisierung ihres Bildes haben viele Wissenschaftler und Kulturkritiker auf den Plan gerufen, die der Meinung sind, dass nicht nur viele Facetten ihres Lebens mythologisiert wurden, sondern dass die dramatischen Aspekte ihrer Biografie auch ihre Kunst überschattet haben, was zu einer vereinfachten Lesart ihrer Werke geführt hat, in der sie auf wörtliche Beschreibungen von Ereignissen aus ihrem Leben reduziert werden. Nach Ansicht der Journalistin Stephanie Mencimer wurde Kahlo „als Aushängeschild für jede mögliche politisch korrekte Sache vereinnahmt“ und
Je mehr Kahlos Geschichte erzählt wurde, desto mehr wurde sie verzerrt und unbequeme Details wurden ausgelassen, die sie als eine viel komplexere und fehlerhaftere Figur zeigen, als die Filme und Kochbücher vermuten lassen. Diese Überhöhung der Künstlerin über die Kunst schmälert das öffentliche Verständnis von Kahlos Platz in der Geschichte und überschattet die tieferen und verstörenderen Wahrheiten in ihrem Werk. Noch beunruhigender ist jedoch, dass Kahlos Förderer ihr durch die Schönfärberei ihrer Biografie den für Künstlerinnen so typischen unvermeidlichen Sturz bereitet haben, den Zeitpunkt, an dem sich die Gegner zusammentun und sich einen Spaß daraus machen werden, ihr aufgeblasenes Image und damit ihre Kunst zu zerstören.
Baddeley hat das Interesse an Kahlos Leben mit dem Interesse am bewegten Leben Vincent van Goghs verglichen, aber auch festgestellt, dass ein entscheidender Unterschied zwischen den beiden darin besteht, dass die meisten Menschen Van Gogh mit seinen Gemälden assoziieren, während Kahlo in der Regel durch ein Bild von sich selbst gekennzeichnet ist – ein interessanter Kommentar zu der Art und Weise, wie männliche und weibliche Künstler betrachtet werden. In ähnlicher Weise hat Peter Wollen Kahlos kultähnliche Anhängerschaft mit der von Sylvia Plath verglichen, deren „ungewöhnlich komplexe und widersprüchliche Kunst“ durch die vereinfachte Konzentration auf ihr Leben überschattet wurde.
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Gedenkfeiern und Charakterisierungen
Kahlos Vermächtnis wurde auf verschiedene Weise gewürdigt. La Casa Azul, ihr Wohnhaus in Coyoacán, wurde 1958 als Museum eröffnet und ist mit rund 25.000 Besuchern pro Monat zu einem der beliebtesten Museen in Mexiko-Stadt geworden. Die Stadt widmete ihr 1985 einen Park, den Parque Frida Kahlo, in Coyoacán. In dem Park steht eine Bronzestatue von Kahlo. In den Vereinigten Staaten wurde sie 2001 als erste hispanische Frau mit einer US-Briefmarke geehrt. 2012 wurde sie in den Legacy Walk aufgenommen, eine öffentliche Freiluftausstellung in Chicago, die die Geschichte und die Menschen des LGBT feiert.
Kahlo wurde zum hundertsten Jahrestag ihrer Geburt im Jahr 2007 und zum hundertsten Jahrestag ihres Geburtsjahres 2010 mit mehreren Gedenkveranstaltungen geehrt. So brachte die Bank von Mexiko eine neue 500-MXN$-Note heraus, die auf der Rückseite Kahlos Gemälde mit dem Titel Love“s Embrace of the Universe, Earth, (Mexico), I, Diego, and Mr. Xólotl (1949) und auf der Vorderseite Diego Rivera zeigt. Die größte Retrospektive ihrer Werke im Palacio de Bellas Artes in Mexiko-Stadt zog rund 75.000 Besucher an.
Neben anderen Hommagen haben das Leben und die Kunst von Kahlo Künstler in verschiedenen Bereichen inspiriert. 1984 brachte Paul Leduc ein Biopic mit dem Titel Frida, naturaleza viva heraus, in dem Ofelia Medina die Rolle der Kahlo spielte. Sie ist die Protagonistin dreier fiktiver Romane: Frida von Barbara Mujica (2001), Fridas Bett von Slavenka Drakulic (2008) und The Lacuna von Barbara Kingsolver (2009). 1994 veröffentlichte der amerikanische Jazzflötist und Komponist James Newton ein Album mit dem Titel Suite for Frida Kahlo. Der schottische Liedermacher Michael Marra schrieb ein Lied mit dem Titel Frida Kahlo“s Visit to the Taybridge Bar als Hommage an Kahlo. 2017 veröffentlichten die Autorin Monica Brown und der Illustrator John Parra ein Kinderbuch über Kahlo mit dem Titel Frida Kahlo und ihre Animalitos, in dem es vor allem um die Tiere und Haustiere in Kahlos Leben und Kunst geht. In der bildenden Kunst hat Kahlos Einfluss weitreichende Wirkung gezeigt: 1996 und erneut 2005 koordinierte das Mexikanische Kulturinstitut in Washington, DC, eine „Hommage an Frida Kahlo“-Ausstellung, die in der Fraser Gallery in Washington Kunstwerke von Künstlern aus der ganzen Welt mit Bezug zu Kahlo präsentierte. Darüber hinaus haben namhafte Künstler wie Marina Abramovic, Gabriela Gonzalez Dellosso, Cris Melo und andere die Bilder von Kahlo in ihren eigenen Werken verwendet oder sich angeeignet.
Kahlo war auch das Thema mehrerer Bühnenaufführungen. Annabelle Lopez Ochoa choreografierte für das English National Ballet ein einaktiges Ballett mit dem Titel Broken Wings, das 2016 uraufgeführt wurde; Tamara Rojo spielte darin die Rolle der Kahlo. Das Niederländische Nationalballett beauftragte Lopez Ochoa daraufhin, eine abendfüllende Version des Balletts Frida zu kreieren, die 2020 mit Maia Makhateli als Kahlo uraufgeführt wurde. Sie inspirierte auch zwei Opern, Frida von Robert Xavier Rodriguez, die 1991 beim American Music Theater Festival in Philadelphia uraufgeführt wurde, und Frida y Diego von Kalevi Aho, die 2014 im Helsinki Music Centre in Helsinki, Finnland, uraufgeführt wurde. Sie spielte die Hauptrolle in mehreren Theaterstücken, darunter Dolores C. Sendlers Goodbye, My Friduchita (1999), Robert Lepage und Sophie Fauchers La Casa Azul (2002), Humberto Robles“ Frida Kahlo: Viva la vida! (2009) und Rita Ortez Provosts Baum der Hoffnung (2014). 2018 stellte Mattel zur Feier des Internationalen Frauentags siebzehn neue Barbie-Puppen vor, darunter auch eine Kahlo-Puppe. Kritiker bemängelten die schmale Taille der Puppe und die auffallend fehlende Augenbraue.
Im Jahr 2014 war Kahlo eine der ersten Preisträgerinnen des Rainbow Honor Walk, eines Gehwegs im Castro-Viertel von San Francisco, auf dem LGBTQ-Personen gewürdigt werden, die „bedeutende Beiträge in ihren Bereichen geleistet haben“.
Im Jahr 2018 hat der Aufsichtsrat von San Francisco einstimmig beschlossen, die Phelan Avenue in Frida Kahlo Way umzubenennen. Am Frida Kahlo Way befinden sich das City College of San Francisco und die Archbishop Riordan High School.
Im Jahr 2019 wurde Frida auf einem von Rafael Blanco (Künstler) gemalten Wandbild in der Innenstadt von Reno, Nevada, dargestellt.
Informationelle Hinweise
Zitate
Literaturverzeichnis
Quellen
