Henri Matisse

gigatos | November 12, 2021

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Zusammenfassung

Henri Matisse, geboren am 31. Dezember 1869 in Cateau-Cambrésis und gestorben am 3. November 1954 in Nizza, war ein französischer Maler, Zeichner, Graveur und Bildhauer.

Jahrhunderts. Sein Einfluss auf die Kunst der zweiten Hälfte des Jahrhunderts war beträchtlich, da er die Vereinfachung, die Stilisierung, die Synthese und die Farbe zum alleinigen Thema der Malerei machte, und zwar sowohl für die zahlreichen figurativen als auch für die abstrakten Maler, die sich auf ihn und seine Entdeckungen beriefen. Er war der Anführer des Fauvismus.

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Jugend

Henri Matisse wurde am 31. Dezember 1869 in Cateau-Cambrésis, Frankreich, als Sohn eines Getreidehändlers geboren. Seine Mutter war eine Amateurmalerin. Nach dem Deutsch-Französischen Krieg im Jahr 1871 zog die Familie nach Bohain-en-Vermandois, wo Matisse seine Jugend verbrachte. Er begann seine berufliche Laufbahn als Notariatsangestellter bei Maître Derieux in Saint-Quentin. Im Alter von 20 Jahren war er nach einer Blinddarmentzündung gezwungen, mehrere Wochen im Bett zu bleiben. Dank seines Nachbarn und befreundeten Amateurmalers Léon Bouvier entdeckte Matisse die Freude an der Malerei. Seine Mutter schenkte ihm einen Kasten mit Farben. Er schuf seine ersten Werke, insbesondere ein Schweizer Chalet, ein Chromo, das in den damals erhältlichen Farbkästen reproduziert wurde und von dem Henri Matisse eine Kopie malte, die er mit „Essitam“ signierte.

Sobald er sich erholt hatte und zum Studium zurückkehrte, schrieb er sich für den Zeichenkurs an der Schule für Textildesigner in Quentin-de-La Tour ein, die in der örtlichen Industrie tätig ist.

Sein erstes Bild, Stillleben mit Büchern, malte er im Juni 1890.

Kurze Zeit später ging er nach Paris. 1892 lernte Matisse Albert Marquet an der École des Arts déco kennen. Dies war der Beginn einer unzertrennlichen Freundschaft zwischen den beiden Männern, die in der Folge einen regen Briefwechsel führten. Im Jahr 1895 schrieb sich Matisse an der École des Beaux-Arts im Atelier von Gustave Moreau ein. Der Unterricht des Meisters ermutigte seine Schüler, über ihre Malerei nachzudenken, sie zu träumen, jenseits der technischen Virtuosität. Wie seine Kommilitonen Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot und Henri Evenepoel ließ sich Matisse von dieser Auffassung von Malerei anregen und wollte seine eigene Individualität entwickeln. Gustave Moreau sagte ihm bei einer Korrektur: „Du wirst die Malerei vereinfachen“.

Diese Prophezeiung kann als das ästhetische Programm des Werks von Henri Matisse angesehen werden.

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Frühe Karriere

1896 stellte Matisse zum ersten Mal im Salon des Cent und im Salon de la Société nationale des beaux-arts aus, deren assoziiertes Mitglied er auf Anregung von Pierre Puvis de Chavannes wurde. In dieser Position konnte er ausstellen, ohne eine Jury zu durchlaufen. Er verbrachte den Sommer in Belle-Île-en-Mer und lernte den Australier John Peter Russell kennen, der ihn mit Auguste Rodin und Camille Pissarro bekannt machte. Er beginnt, sich für die impressionistische Malerei zu interessieren, die er 1897 im Musée du Luxembourg entdeckt. Damals war er ein klassischer Maler von realistischen Stillleben mit reichlich Texturen. Um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, arbeiteten Matisse und Marquet tagsüber als Maler und Dekorateure für Theaterdekorateure.

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Die Geburt von Marguerite, Jean und Pierre

Am 31. August 1894 wurde seine Tochter Marguerite geboren, deren Mutter, Caroline Joblaud, eines seiner Modelle war. Am 8. Januar 1898 heiratete Matisse Amélie Parayre. Sie bekamen zwei Kinder, Jean 1899 und 1900, die beide in Toulouse geboren wurden, wo die Familie Matisse in der Nähe der Eltern von Amélie lebte. Das Ehepaar Matisse zog die drei Kinder auf. In den Flitterwochen reisten sie nach London, wo Matisse auf Anraten von Pissarro die Gemälde von Joseph Mallord William Turner entdeckte. Dann zog Matisse nach Korsika, wo er in einer Villa lebte, deren oberste Etage er möbliert an einen gewissen De la Rocca vermietete. In Ajaccio malte Henri Matisse etwa fünfzig Gemälde, darunter Die rosa Wand, die die Rückseite des Hospizes Eugénie von der Villa de la Rocca aus gesehen darstellt. Matisse wurde von Turner inspiriert.

Im Jahr 1899 entdeckte er Paul Signacs Abhandlung D“Eugène Delacroix au néo-impressionnisme. Ab 1900 beschäftigte sich Matisse an der Académie de la Grande Chaumière unter der Leitung von Antoine Bourdelle mit Bildhauerei und Modellieren und besuchte auch das Atelier von Eugène Carrière. Dort lernt er André Derain und Jean Puy kennen. Derain machte ihn mit Maurice de Vlaminck bekannt. Er stellte auf dem Salon des Indépendants (1901) aus und nahm an der ersten Ausgabe des Salon d“Automne (1903) teil. Im Jahr 1902 wird Berthe Weill seine erste Händlerin und 1904 erhält er von Ambroise Vollard seine erste Einzelausstellung; im selben Jahr bezieht er ein Atelier in der Rue de Sèvres, im ehemaligen Couvent des Oiseaux.

Im Jahr 1900 kauft Matisse von Ambroise Vollard das Gemälde Drei Badende von Paul Cézanne, das sich heute im Petit Palais in Paris befindet. Matisse behielt das Gemälde sein ganzes Leben lang bei sich, weigerte sich sogar in schwierigen Zeiten, es zu verkaufen, und schenkte es 1936 dem Pariser Museum. Für Matisse ist „Cézanne der Meister von uns allen“.

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Fauvismus

Zu Beginn des Jahres 1905 nimmt Matisse am Salon des indépendants teil. Im Sommer 1905 hielt er sich in Collioure am Mittelmeer auf, in Begleitung von Derain. Er traf den Bildhauer Maillol. Auf dem Salon d“Automne von 1905 sorgte die Ausstellung der Werke von Matisse, Albert Marquet, Vlaminck, Derain und Kees van Dongen wegen der reinen und kräftigen Farben, die auf ihren Gemälden verwendet wurden, für einen Skandal. Als der Kritiker Louis Vauxcelles diese Gemälde in einem Raum versammelt sah, beschrieb er in einem Artikel mit dem Titel „Le Salon d“automne“, der am 17. Oktober 1905 in der Zeitschrift Gil Blas veröffentlicht wurde, den Salon Raum für Raum. Er schrieb insbesondere „Zimmer Nr. VII. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Ein sehr überschaubarer Raum mit unverschämten Menschen, deren Absichten entschlüsselt werden müssen, so dass die Klugen und die Dummen das Recht haben zu lachen, eine Kritik, die zu einfach ist. In der Mitte des Raumes stehen ein Kindertorso und eine kleine Marmorbüste von Albert Marque, der mit einer feinen Wissenschaft modelliert. Die Offenheit dieser Büsten überrascht inmitten der Orgie der reinen Töne: Donatello inmitten der wilden Tiere…“.

Der Name „Fauvist“ wurde sofort von den Malern selbst übernommen und beansprucht. In diese Zeit fällt auch die Anerkennung des Werks von Matisse, die ihm endlich eine relative materielle Erleichterung ermöglicht; er wird zum Führer des Fauvismus.

Matisse erklärt dies wie folgt:

„Der Fauvismus schüttelt die Tyrannei des Divisionismus ab. Man kann nicht in einem zu gut geführten Haushalt leben, einem Haushalt von Tanten aus der Provinz. Also begibt man sich in den Busch, um einfachere Wege zu finden, die den Geist nicht ersticken. Zu dieser Zeit gab es auch den Einfluss von Gauguin und Van Gogh. Hier sind die Ideen der Zeit: Konstruktion durch farbige Flächen, Suche nach Intensität in der Farbe. Das Licht wird nicht unterdrückt, sondern durch eine Harmonie farbintensiver Oberflächen zum Ausdruck gebracht. Mein Gemälde Musik wurde mit einem wunderschönen Blau für den Himmel gemalt, dem blauesten aller Blautöne. Die Oberfläche wurde bis zur Sättigung gefärbt, d. h. bis zu dem Punkt, an dem das Blau, die Idee des absoluten Blaus, vollständig zum Vorschein kam, das Grün der Bäume und das leuchtende Zinnoberrot der Körper. Ich hatte mit diesen drei Farben meine leuchtende Zustimmung, und auch die Reinheit im Farbton. Ein besonderes Zeichen, die Farbe war der Form angemessen. Die Form wurde je nach den Reaktionen der farbigen Nachbarschaften geändert. Denn der Ausdruck kommt von der farbigen Fläche, die der Betrachter in ihrer Gesamtheit erfasst.

André Gide schreibt in Promenade au salon d“Automne :

„Ich möchte zugeben, dass Henri Matisse die schönsten natürlichen Gaben besitzt. Die Gemälde, die er heute vorstellt, wirken wie Offenlegungen von Theoremen. Alles kann abgeleitet und erklärt werden, die Intuition hat keinen Nutzen für sie.

… Während an den Wänden des Montparnasse zu lesen war: „Matisse macht verrückt, Matisse ist gefährlicher als Absinth“. Im selben Jahr lernt er Edmond-Marie Poullain kennen, von dem Signac Luxe, Calme et Volupté kauft. 1907 schreibt Guillaume Apollinaire in seinen Rezensionen:

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Gertrude Stein

Matisse lernte Leo und Gertrude Stein kennen, amerikanische Sammler, die in Paris lebten. Sie kauften ihm Femme au chapeau (San Francisco Museum of Modern Art), ein Porträt von Madame Matisse, das im „cage aux fauves“ ausgestellt war. Im Jahr 1907 traf er Picasso in ihrem Haus. Gertrude Stein bezeichnete die beiden Künstler als den „Nordpol“ (Matisse) und den „Südpol“ (Picasso) der modernen Kunst. Fernande Olivier erinnert sich, dass Matisse bei Dinnerpartys gelehrt und professoral wirkte, nur mit Ja oder Nein antwortete oder sich plötzlich in endlosen Theorien verlor. „Matisse, viel älter, ernsthaft, hatte nie die Ideen von Picasso! Dann trifft Matisse den Kritiker Louis Vauxcelles, dem er erzählt, dass er in der Jury des Salons ein Gemälde von Georges Braque gesehen hat, das „aus kleinen Würfeln besteht“, was Matisse „Kubismus“ nennt.

1908 veröffentlichte Matisse Note d“un peintre. Im selben Jahr eröffnete Matisse mit finanzieller Unterstützung von Sarah und Michael Stein eine kostenlose Akademie im Couvent des Oiseaux, später im Hôtel de Biron (wo Rodin sein Präsentationsatelier hatte). Es war ein sofortiger Erfolg: Von den insgesamt 120 eingeschriebenen Studenten waren die meisten Ausländer (es gab keine französischen Studenten) und vor allem junge skandinavische Maler sowie Deutsche aus dem Kreis des Café du Dôme. Der Maler Hans Purrmann wurde zum „grand massier“ ernannt. Die Matisse-Akademie wurde 1911 geschlossen.

1951 erinnerte sich Matisse an seine Lehrtätigkeit: „Ich kam von Zeit zu Zeit abends vorbei, um zu sehen, was sie taten. Ich merkte bald, dass ich mich zuerst meiner eigenen Arbeit widmen musste, dass ich Gefahr lief, zu viel Energie auf diese Tätigkeit zu verwenden. Nach jeder Kritik sah ich mich mit Lämmern konfrontiert, die ich Woche für Woche wieder auf die Beine stellen musste, um sie zu Löwen zu machen. Ich habe mich gefragt, ob ich Maler oder Lehrer bin, bin zu dem Schluss gekommen, dass ich Maler bin, und habe die Schule schnell wieder verlassen.

Im Jahr 1909 gab der russische Sammler Sergej Schtschukin zwei Gemälde bei ihm in Auftrag: Der Tanz und Die Musik. Diese beiden Gemälde, die als zwei der Meisterwerke des Malers gelten, wurden 1910 auf dem Herbstsalon ausgestellt und 1911 in Moskau installiert.

Marcel Sembat beschreibt den Tanz so: „Ein rasender Reigen dreht sich mit rosa Bewegungen auf blauem Hintergrund. Auf der linken Seite führt eine große Figur die ganze Kette an! Welch ein Rausch! Was für eine Bacchante! Diese souveräne Arabeske, diese griffige Kurve, die vom gedrehten Kopf bis zur hervorstehenden Hüfte reicht, geht über die Länge des ausgestreckten Beins.

Von 1906 bis 1913 reist Matisse im Winter nach Andalusien, Marokko und Algerien, begleitet von seinen Malerfreunden Camoin und Marquet. Diese Reisen hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf Matisse“ dekorativen Sinn für die Außenwelt mit ihren Farben, Keramiken und Steingutfliesen. Wenn die Suche nach der Arabeske eines der charakteristischen Merkmale von Matisse“ Schriftstellerei ist, so ist seine Malerei durch eine Vereinfachung der Formen und Farben gekennzeichnet, die oft rein und flach sind und von einer schwarzen Linie umgeben werden. Matisse zögert jedoch nicht, in seinen Porträts oder Akten Grautöne oder Rosa zu verwenden.

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Der Erste Weltkrieg

Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs verließ er Collioure, das er seit 1905 regelmäßig besucht hatte. Marquet und Matisse, der 46 Jahre alt ist, bitten darum, in die Armee einzutreten und sich ihren Kollegen anzuschließen: „Derain, Braque, Camoin, Puy sind an der Front und riskieren ihre Haut. Wir sind es leid, zurückzubleiben… Wie können wir dem Land dienen?“, fragten sie Marcel Sembat, den Minister für öffentliche Arbeiten, der antwortete: „Indem wir, wie Sie, weiterhin gut malen!

Nachdem er einen Teil des Winters 1916-1917 in Nizza verbracht hatte, beschloss Matisse, länger an der Côte d“Azur zu bleiben, die er als Paradies empfand und die er in seinen Bildern wiedergeben wollte. 1918 traf Matisse Renoir, dem er seine Bilder in Cagnes vorstellte. Renoir war von der Qualität der Gemälde und der Arbeit von Matisse sehr überrascht: „Ich dachte, dass dieser Mistkerl so arbeitet…! Das ist nicht wahr! Er nimmt eine Menge Ärger auf sich! Alles ist sehr genau. Es war schwierig“, erklärte Renoir nach dem Weggang von Matisse.

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Die Periode von Nizza

Matisse stellt zusammen mit Picasso in der Galerie Paul Guillaume in Paris aus, der Katalog wird von Apollinaire eingeleitet. In dieser Zeit lernt Matisse den japanischen Maler Yoshio Aoyama kennen, der ebenfalls in Nizza, im Stadtteil Cimiez, lebt und sein Schüler wird.

1920 beauftragten ihn Igor Strawinsky und Serge Diaghilew mit dem Entwurf der Kostüme und des Bühnenbilds für das Ballett Le Chant du rossignol, das in London aufgeführt wurde. Im Jahr 1924 stellte Matisse in New York aus, und eine erste Retrospektive fand in der Ny Carlsberg Glyptotek in Kopenhagen statt.

1925 wurde Matisse zum Chevalier de la Légion d“Honneur ernannt und sein Sohn Pierre Matisse eröffnete auf Empfehlung seines Vaters, dessen Sammler vor allem Amerikaner waren, eine Galerie in New York. Matisse reiste regelmäßig in die Vereinigten Staaten. Er erhielt 1927 den Carnegie-Preis in Pittsburgh und war Mitglied der Jury, die 1930 den gleichen Preis an Picasso verlieh.

Sein Werk konzentriert sich auf Stillleben, Akte und Odalisken, die mit ihren schimmernden Farben und ihrer raffinierten Zeichnung an orientalische Akte erinnern, eine Form des erneuerten Klassizismus, da die Zitate von Delacroix oder Ingres so vorherrschend scheinen. Der Kritiker Claude Roger-Marx schreibt in Le Dessin d“Henri Matisse :

„Die plastische Vorstellungskraft des Malers wird gerne durch den Klang dieser Kammermusik geweckt, die von einer oder mehreren Figuren (figurantes wäre richtiger) in einem Interieur komponiert wird. Wenn ihn ihre Nacktheit erregt, schmückt er sie mit Vorliebe mit Accessoires – Tücher, Kopftücher, seltsame Frisuren, Höschen, die zu ihrer Haut passen -, um sie mit einem gewissen orientalischen Luxus auszustatten. Dieser Mann aus dem Norden hat tatsächlich etwas Orientalisches an sich. Er ist ein echter Egoist, der diese Lebewesen, die er fast wie Objekte betrachtet, weniger um ihrer selbst willen als vielmehr wegen der Demonstrationen und des visuellen Vergnügens, das er aus ihnen ziehen will, in die Hand nimmt.

Henri Matisse arbeitet mit Variationen und Wiederholungen desselben Themas oder Motivs. Die ersten Studien können sehr fortgeschritten und figurativ sein, und dann werden die Formen von Zeit zu Zeit stilisierter und abstrakter. Matisse fotografierte die verschiedenen Phasen seiner Arbeit.

Er veröffentlichte auch Lithographien, Stiche und Zeichenalben, in denen er seinen Variationen eines Themas, meist eines weiblichen Aktes, freien Lauf ließ:

„Diesen Zeichnungen gehen immer Studien voraus, die mit einem weniger rigorosen Mittel als der Linie angefertigt wurden, zum Beispiel mit Kohle oder Estompe, was mir erlaubt, gleichzeitig den Charakter des Modells, seinen menschlichen Ausdruck, die Qualität des Lichts, das ihn umgibt, seine Atmosphäre und alles, was nur durch die Zeichnung ausgedrückt werden kann, zu berücksichtigen. Und erst wenn ich mich von dieser Arbeit, die mehrere Sitzungen dauern kann, erschöpft fühle, kann ich bei klarem Verstand getrost meinen Stift loslassen.

Und Matisse fügte hinzu: „Einige meiner Gravuren habe ich nach Hunderten von Zeichnungen angefertigt…“. Die Amerikaner nennen diese Periode scherzhaft „The Nice Period“, „Niçoise Period“ oder „Pretty Period“, ein Wortspiel.

1930 unternahm Matisse eine lange Reise um die Welt. Er kam Anfang Februar in New York an, besuchte New York, Chicago, Pittsburg und reiste quer durch Amerika nach San Francisco. Von dort aus hielt er sich in Tahiti auf, wo er den deutschen expressionistischen Regisseur Murnau traf, der gerade Tabou drehte.

„Ich war in der Lagune schwimmen. Ich schwamm um die Farben der Korallen herum, unterstützt von den scharfen und schwarzen Akzenten der Seegurken. Ich tauchte meinen Kopf ins Wasser, durchsichtig vor dem Absinth-Hintergrund der Lagune, die Augen weit aufgerissen… und dann hob ich plötzlich meinen Kopf über das Wasser und starrte auf die leuchtende Reihe von Kontrasten.

Nach seiner Rückkehr aus den Vereinigten Staaten erklärt er:

„Sie werden verstehen, wenn Sie Amerika sehen, dass es dort eines Tages Maler geben wird, denn es ist nicht möglich, dass es in einem Land wie diesem, das so überwältigende visuelle Spektakel bietet, eines Tages keine Maler mehr gibt.

und läutete damit die Geburtsstunde einer amerikanischen Schule ein.

Er arbeitete an der Illustration des Romans Ulysses von James Joyce und an den Bühnenbildern und Kostümen für Rouge et noir für die Ballets russes de Monte-Carlo (1934-1938).

1924 widmete sich Matisse der Bildhauerei und schuf das Werk Grand nu assis, das beispielhaft für seinen arabesken und kantigen Stil im Rund ist. Als Schüler von Antoine Bourdelle, dessen Vorliebe für die große Stilisierung Matisse beibehielt, hatte er sich mit der Bildhauerei beschäftigt, wie die große Serie der Rückenakte zeigt, eine Reihe monumentaler Gipsabgüsse, die er zwischen 1909 und 1930 schuf. In ihnen setzt sich Matisse im Flachrelief mit den malerischen Problemen auseinander, die ihm begegneten: die Anordnung der monumentalen Figuren (die Herstellung von Nu de dos I aus dem Jahr 1909 ist zeitgleich mit der der großen Kompositionen La Musique und La Danse), das Verhältnis zwischen Form und Hintergrund (die für die Barnes Foundation bestimmten Fresken wurden wie Nu de dos IV 1930 hergestellt). Obwohl die Serie offenbar nicht als Einheit gedacht war (die Bronzestücke wurden erst nach dem Tod von Matisse gegossen), bilden diese vier Skulpturen ein kohärentes plastisches Ganzes.

1940 lernt er Pierre Bonnard in Le Cannet kennen. Der Händler Paul Rosenberg erneuert seinen Vertrag mit Matisse. Der Maler reiste mit Lydia Délectorskaya, die seit 1935 seine Assistentin und sein Modell war, nach Floirac, um ihn zu treffen. Im Jahr 1941 wurde er wegen Darmkrebs in die Clinique du Parc in Lyon eingeliefert. Seine Ärzte gaben ihm noch sechs Monate zu leben. Er kehrte nach Nizza zurück, wo er sich diesmal bettlägerig im Hotel Regina niederließ. Nach seiner Operation musste er ein eisernes Korsett tragen, das ihn daran hinderte, länger als eine Stunde zu stehen; außerdem litt er an Gallensteinen.

Er zeichnet mit Bleistift und Kohle, und die Zeichnungen werden im November im Louis Carré ausgestellt. Wenn er nicht mehr reisen kann, verwendet er die von seinen Reisen mitgebrachten Stoffe, um seine Modelle aus der ganzen Welt einzukleiden. Seine Krankenschwester, Monique Bourgeois, erklärt sich bereit, ihm Modell zu stehen. Matisse beginnt mit der Gouache-Ausschnitt-Technik und startet die Jazz-Serie.

Er ließ sich in Vence nieder und erneuerte seine Freundschaft mit dem Zeichner und Schriftsteller André Rouveyre, der zuvor im Atelier von Gustave Moreau gearbeitet hatte.

1942 machte Aragon Matisse zum künstlerischen Symbol einer „Demonstration des Widerstands gegen den barbarischen Eindringling“, der des Wahren Frankreichs gegen Nazideutschland in der französischen Kunst – „Propos d“un amateur“.

1943 griff der den deutschen Besatzern nahestehende Maler Maurice de Vlaminck, ehemaliger Gefährte des Cage aux Fauves, Matisse in seinem Buch Porträts vor dem Tod heftig an:

„Obwohl Henri Matisse den Wunsch nach Vereinfachung bekundet, erinnern die Kasacks und Schlabberhosen seiner Odalisken an den Orientalismus, wo Théophile Gautiers Girlanden und literarische Astragale verloren gegangen sind. Henri Matisse setzte seine ganze koloristische Begabung und sein malerisches Auge für reine Farbkompositionen ein, ohne Modellierung, mit schematischen Figuren, die durch die Linie der Zeichnung mit ihren flachen Flächen in Rot, Gelb, Lackrosa und Blau noch betont werden. Sind diese Stücke, abgesehen von ihrer wissenschaftlichen Ausrichtung, heute nicht eher als dekorative Symbole zu sehen? Matisse wurde in eine Falle gelockt… Matisse ist ein alter Mann, der auf Abwege geraten ist.

Georges Duthuit, der Schwiegersohn von Matisse, hält sich seit September 1939 in den Vereinigten Staaten auf, wo er als Radiosprecher für Frankreich arbeitet. Im April 1944 wurden Amélie (die Ehefrau von Matisse) und am 21. Mai 1944 Marguerite Matisse-Duthuit (seine Tochter) von der Gestapo wegen Widerstandshandlungen verhaftet. Madame Amélie Matisse wurde zu sechs Monaten Gefängnis verurteilt (sie wurde im September 1944 entlassen), während Marguerite Matisse, die Tochter des Malers, gefoltert und entstellt wurde.

Marguerite, genannt „Jeannette“, die in Fort Hatry in Belfort interniert war, wurde am 27. August 1944 befreit. Sie wurde zunächst von der Familie von Léon Delarbre aufgenommen, einem Maler und Deportierten der Résistance, der dafür bekannt war, dass es ihm gelang, die in den Vernichtungslagern angefertigten Zeichnungen zurückzubringen (Museum der Résistance in Besançon). Marguerite wurde daraufhin vom Roten Kreuz in Obhut genommen, das sie bei der Familie Bruno in Giromagny bei Belfort versteckte. Sie wird im Oktober 1944 befreit. Matisse sah sie im Januar und Februar 1945 wieder. Unter dem Einfluss intensiver Emotionen zeichnete Henri Matisse zahlreiche Porträts seiner Tochter, von denen das letzte ein Gesicht zeigt, das sich endlich beruhigt hat. Jean Matisse, ihr Sohn, ein Bildhauer, war Mitglied eines sehr aktiven Widerstandsnetzwerks.

In einem Brief an Albert Marquet vom 6. November 1944 berichtet Matisse von seiner Tochter: „Ich nehme an, sie ist nur sehr müde, denn man hat mir nichts anderes gesagt, um mich zu schonen. Der Arzt sagte, es sei ein Wunder, dass sie es so gut überstanden hat.

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Ein neues Leben: Papierschnitte

Nach Picasso (1944) und Braque (1943) findet 1945 auf dem Pariser Salon d“Automne eine große Matisse-Retrospektive statt. Er produzierte die Zeichentrickfilme Polynesien, der Himmel und Polynesien, das Meer (1946).

Bettlägerig, behindert, aber „lebendig“, konnte Matisse nicht mehr malen oder Techniken anwenden, die Verdünner (Wasser oder Öl) benötigten. Er erfand die Technik der ausgeschnittenen Papiere, die er im Bett mit einer Schere ausschneiden konnte und die seine Assistenten an den vom Künstler gewünschten Stellen platzierten und aufklebten.

Zwischen 1943 und 1947 arbeitet Matisse an dem Bildband Jazz für den Verleger und Kunstkritiker Tériade. Für Matisse,

„Rohes Schneiden in Farbe erinnert mich an das direkte Schnitzen der Bildhauer. Dieses Buch wurde in diesem Sinne konzipiert.

Der Text, der die Abbildungen begleitet, ist von Matisse selbst geschrieben und kalligraphiert und stellt einen theoretischen Text des Malers über seine Kunstauffassung dar.

Im Jahr 1949 begann er auf Wunsch seiner Assistentin mit der Ausgestaltung der Rosenkranzkapelle in Vence. Der Künstler Jean Vincent de Crozals diente als Modell für seine Zeichnungen von Christus. In plastischer Hinsicht scheint die Vereinfachung der Formen aus der Beobachtung der byzantinischen Ikonen entstanden zu sein, auf die sein Schwiegersohn Georges Duthuit im Louvre spezialisiert war.

Als der Maler 1950 von seinen drei Enkelkindern besucht wurde, zeichnete er deren drei Kohleporträts mit einem zwei Meter langen Stock an die Decke seines Zimmers. Die Decke wurde von den Nachkommen von Pierre Matisse dem Matisse-Museum in Cateau-Cambrésis geschenkt, wo sie zu sehen ist: „Das sind meine Enkelkinder. Ich versuche, sie zu vertreten, und wenn es mir gelingt, fühle ich mich besser. Deshalb habe ich sie an die Decke gemalt, damit ich sie sehen kann, vor allem nachts. Ich fühle mich weniger einsam.

Im Alter von 81 Jahren vertritt Henri Matisse Frankreich auf der 25. Biennale von Venedig.

In einem Zimmer-Atelier im Hotel Regina in Nizza schuf er sein letztes Werk, La Tristesse du roi, ein Gouache-Ausschnitt, der sich heute im Museum für moderne Kunst im Centre Pompidou befindet.

1952 wurde in Cateau-Cambrésis, seinem Geburtsort, das Matisse-Museum eingeweiht.

Henri Matisse starb am 3. November 1954 in Nizza, nachdem er am Vortag zum letzten Mal das Porträt von Lydia Délectorskaya gezeichnet hatte, das er nach eigener Aussage auswendig kannte, und schloss mit einem Ausdruck, der als seine letzten Worte gelten kann: „Ça ira! Matisse ist in dieser Stadt auf dem Friedhof von Cimiez begraben.

1963 eröffnete das Matisse-Museum in Nizza seine Pforten und 1970 wurde im Grand Palais in Paris die erste Retrospektive des Werks von Matisse in Frankreich organisiert. Im folgenden Jahr veröffentlichte Aragon Henri Matisse, roman, eine Sammlung von etwa zwanzig Artikeln, Texten und Vorworten zu Katalogen und Vorträgen von Aragon, die dem Maler gewidmet sind. Das Werk von Matisse trifft auf das französische Publikum.

Seitdem hat es eine Reihe von Ausstellungen und Retrospektiven in der ganzen Welt gegeben. Anlässlich der den Scherenschnitten gewidmeten Ausstellung in der Londoner Tate Modern im Jahr 2014 schrieb die Kritikerin Laura Cumming vom Guardian: „Matisse“ Kunst ist eine Lektion in Sachen Leben und eine Inspiration für den Betrachter: Dazu sollten wir alle fähig sein, die Schönheit des Lebens zu genießen, selbst wenn wir seinem Ende entgegensehen.“

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Der Einfluss von Matisse

Berühmt und gefeiert zu Lebzeiten, hatte Matisse einen überwiegenden Einfluss auf die amerikanische Malerei, insbesondere auf die New York School, Mark Rothko, Barnett Newman, Motherwell, aber auch in Deutschland, durch die Schüler seiner Akademie, Marg Moll, Oskar Moll, Hans Purrmann…

Er war mit Pablo Picasso befreundet, der ihn als seinen großen Rivalen betrachtete.

Zur ersten New Yorker Schule, die von den beiden Kritikern Harold Rosenberg und Clement Greenberg angeführt wurde, sollte man die zweite New Yorker Schule mit Persönlichkeiten wie Frank Stella und der Bewegung hinzufügen, die Greenberg als Post-Painterly-Abstraction, Colorfield Painting (Morris Louis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Jules Olitskix) oder Hard Edge (Kenneth Noland Mary Pinchot Meyer…) definiert.

Aber auch die Maler der Pop Art, darunter Warhol, der 1956 erklärte: „Ich will Matisse sein“, oder Tom Wesselmann, Roy Lichtenstein, die den französischen Maler ausgiebig zitieren werden.

In Frankreich ist der Einfluss von Matisse bei den Malern von SupportsSurfaces und in den theoretischen Texten des Kritikers Marcelin Pleynet, wie Système de la peinture, zu erkennen.

Eine weitere Besonderheit ist, dass viele der Nachkommen von Henri Matisse Maler oder Bildhauer sind, wie sein Sohn Jean, ein Bildhauer, sein Sohn Pierre, ein Galerist, seine Enkel Paul Matisse, ein Bildhauer, Jacqueline, eine Künstlerin, und seine Urenkelin Sophie, eine Malerin.

Im Jahr 2015 enthüllte eine an der Europäischen Synchrotronstrahlungsanlage in Grenoble durchgeführte Studie der Kunstwelt, dass Cadmiumsulfid, das auch als das von Matisse verwendete gelbe Cadmiumpigment bekannt ist, unter Lichteinwirkung einem Oxidationsprozess unterliegt, bei dem es sich in stark wasserlösliches und meist farbloses Cadmiumsulfat verwandelt.

Matisse, auch wenn er nicht direkt als solcher in Erscheinung tritt, ist ein Kunsttheoretiker, der in seinen Interviews und verschiedenen Texten Erklärungen zu seiner Kunst hinterlassen hat, die „von der Natur inspiriert“ ist, aber auf der Grundlage von Erinnerungen und Wahrnehmungen arbeitet. Vor allem im Jazz lehnt er jede Unterscheidung zwischen abstrakter und figurativer Kunst ab. Während seiner gesamten Laufbahn hinterließ er Texte – Notes d“un peintre, Interviews und sogar Jazz -, die in Écrits et propos sur l“art zu lesen sind und den Eindruck eines wiederentdeckten Klassizismus vermitteln.

„Meine Strichzeichnung ist die direkte und reinste Übersetzung meiner Gefühle. Die Vereinfachung des Mediums ermöglicht dies.“

Louis Aragon notiert in Henri Matisse, Roman, wie Matisse ihm die Verwendung von Zeichen erklärt, die die Grundlage seiner Zeichnungen bilden, zum Beispiel das „Augen-Zeichen“, das „Baum-Zeichen“, das „3-Mund-Zeichen“, das „Blumen-Zeichen“, das „Hand-Blumen-Zeichen“. So muss die Reinigung seiner Zeichnung die Hieroglyphe erreichen, die 3, die zum Mund wird, oder den Baum, der durch einige Blätter als „ein chinesisches Zeichen, das Mensch, Vogel oder sogar Mund bedeutet“ bezeichnet wird.

Für Matisse :

„Die Bedeutung eines Malers wird an der Menge der neuen Zeichen gemessen, die er in die Sprache der Kunst eingeführt hat.

Der Sinologe François Cheng hat die Verwandtschaft von Matisse“ Bemerkungen und Behauptungen mit den seit dem 18. Jahrhundert in Frankreich bekannten taoistischen Abhandlungen über die chinesische Malerei festgestellt, die weit über das einfache visuelle Zitat einer Quing-Vase oder einer Kalligraphie hinausgehen, indem sie eine spirituelle Innerlichkeit der Malerei suchen.

Andererseits war Matisse sehr aufmerksam gegenüber technischen Entwicklungen, dem Handwerk des Malers und den verschiedenen wissenschaftlichen Theorien über Farben und ihre Wahrnehmungseffekte. Aber :

„Die Wahl meiner Farben beruht nicht auf einer wissenschaftlichen Theorie. Sie beruht auf Beobachtung, auf Gefühl, auf der Erfahrung meiner Sensibilität. Inspiriert von bestimmten Seiten von Delacroix, beschäftigt sich ein Künstler wie Signac mit den Komplementärfarben, und sein theoretisches Wissen bringt ihn dazu, diesen oder jenen Ton hier oder dort zu verwenden. Ich versuche einfach, Farben zu verwenden, die mein Gefühl wiedergeben. Es gibt ein notwendiges Verhältnis von Tönen, die mir helfen, die Form einer Figur zu verändern oder meine Komposition zu transformieren. Solange ich sie nicht für alle Teile erhalten habe, suche ich sie und setze meine Arbeit fort. Dann kommt der Moment, in dem alle Teile ihre endgültige Beziehung zueinander gefunden haben, und von da an wäre es für mich unmöglich, irgendetwas an meinem Bild auszubessern, ohne es komplett neu zu machen.

Dennoch war Matisse der Ansicht, dass :

„Was ich vor allem anstrebe, ist Ausdruck. Manchmal hat man mir eine gewisse Wissenschaftlichkeit zugestanden und gleichzeitig erklärt, dass mein Ehrgeiz begrenzt sei und nicht über die rein visuelle Befriedigung hinausgehe, die der Anblick eines Bildes bieten kann. Aber der Gedanke eines Malers darf nicht außerhalb seiner Mittel betrachtet werden, denn er ist nur insofern wertvoll, als er von Mitteln bedient wird, die um so vollständiger sein müssen (und mit vollständig meine ich nicht kompliziert), je tiefer sein Gedanke ist. Ich kann nicht unterscheiden zwischen dem Gefühl, das ich vom Leben habe, und der Art und Weise, wie ich es übersetze.

In einem Brief an seinen Freund Henry Clifford im Jahr 1948 überprüfte er seinen Ansatz:

„Ich habe immer versucht, meine Bemühungen zu verbergen, ich wollte immer, dass meine Werke die Leichtigkeit und Fröhlichkeit des Frühlings haben, die nie erahnen lässt, wie viel Arbeit sie gekostet haben. Ich fürchte, dass junge Menschen, die nur die scheinbare Leichtigkeit und Nachlässigkeit des Zeichnens sehen, dies als Vorwand benutzen, um auf bestimmte Anstrengungen zu verzichten, die ich für notwendig halte. Diese langsame und schmerzhafte Arbeit ist unerlässlich. Wenn die Gärten nicht zum richtigen Zeitpunkt umgestochen würden, wären sie bald unbrauchbar. Müssen wir nicht zu jeder Jahreszeit den Boden erst reinigen und dann bebauen? Erst nach jahrelanger Vorbereitung darf der junge Künstler die Farben berühren – nicht als Mittel zur Beschreibung, sondern als Mittel zum intimen Ausdruck. Dann kann er hoffen, dass alle Bilder und sogar alle Symbole, die er verwendet, ein Spiegelbild seiner Liebe zu den Dingen sind, ein Spiegelbild, auf das er vertrauen kann, wenn es ihm gelungen ist, seine Ausbildung mit Reinheit und ohne sich selbst zu belügen zu vollenden. Dann wird er die Farben mit Unterscheidungsvermögen einsetzen. Er wird sie in einer natürlichen, ungezwungenen und vollkommen durchdachten Zeichnung festhalten, die direkt seiner Empfindung entspringt, was Toulouse-Lautrec am Ende seines Lebens ausrufen ließ: „Endlich kann ich nicht mehr zeichnen“. Der Anfänger denkt, dass er mit seinem Herzen malt. Der Künstler, der seine Entwicklung abgeschlossen hat, glaubt auch, dass er mit seinem Herzen malt. Nur Letzteres ist richtig, denn seine Ausbildung und die selbst auferlegte Disziplin erlauben es ihm, Impulse zu akzeptieren. Ich möchte, dass die Menschen wissen, dass man sich der Farbe nicht nähern sollte, als würde man eine Mühle betreten, dass man eine strenge Vorbereitung braucht, um ihr würdig zu sein. Aber vor allem muss man die Gabe der Farbe haben, so wie ein Sänger die Stimme haben muss. Ohne diese Gabe kann man nirgendwo hingehen und nicht jeder kann wie Correggio sagen: Ich bin auch ein Maler. Ein Kolorist drückt selbst einer einfachen Kohlezeichnung seinen Stempel auf. Ich bin mir bewusst, dass ich einer inneren Notwendigkeit gehorchend zum Ausdruck gebracht habe, was ich über das Zeichnen und die Farbe und die Bedeutung einer Disziplin für die Ausbildung eines Künstlers denke.

Auf diese Weise ist der Künstler in der Lage, seine inneren Visionen auszudrücken, was laut Matisse der Zweck der Malerei ist.

Henri Matisse malt zwei Porträts, eines von einem Kind und eines von Lydia, im Gespräch mit einem alten Freund in seinem Pariser Haus, und wir folgen ihm in seinem Garten in Nizza mit einem Skizzenbuch in der Hand. Wir sehen ihn im Gespräch mit einem alten Freund in seiner Pariser Wohnung, folgen ihm in seinem Garten in Nizza mit einem Skizzenbuch in der Hand, beobachten ihn bei der Korrektur der Hängung seiner Bilder während einer Ausstellung oder zeichnen ein anderes Mal das Porträt eines seiner Enkel. Orte und Gesten verweisen aufeinander, so wie der Film das Leben und das Werk von Matisse verbinden will, indem er sein Porträt an den Ort des Schöpfungsaktes versetzt. Der Film stellt eine Beziehung zwischen den Standbildern ausgewählter Werke und den in seinem Atelier aufgenommenen Sequenzen her, wie im Fall der Kulisse der Wohnung von Matisse. Die Beziehungen, die zwischen den Gemälden an der Wand organisiert sind, werden auf das Szenario des Films übertragen. Es ist, als wollte man ein Porträt des Hausherrn nach dem Vorbild seiner Biografie erstellen. Es ist auch die Grenze dieses einzigartigen Films, dass er das Werk und den Autor in ein und demselben Thema verwechselt und das Vergnügen des Sehens in einen Diskurs verwandelt.

Schon zu Lebzeiten bekannt und anerkannt, ist der Wert von Matisse seither kontinuierlich gestiegen, wie der historische Wert von 32 Millionen Euro zeigt, den Les Coucous, tapis bleu et rose, ein Werk, das 2009 bei der Auktion Bergé-Yves Saint Laurent in Paris zum Verkauf angeboten wurde, erzielte.

Die Skulptur Nu de dos IV wurde bei Christie“s in New York für fast 49 Millionen Dollar (ca. 35 Millionen Euro einschließlich Gebühren) versteigert und ist damit die viertteuerste bei einer Auktion verkaufte Skulptur nach Alberto Giacometti und Amedeo Modigliani.

Zu seinem Werk gehören auch bedeutende Serien von Bronzeskulpturen (vier Nus de dos, Flachreliefs, 1909-1930), fast 500 Stiche (Radierungen, Holzschnitte, Lithografien) und Buchillustrationen: Poésies de Mallarmé (1932), Lettres de la religieuse portugaise (1946), Florilège des Amours de Ronsard (1948).

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Externe Links

Quellen