Akira Kurosawa

gigatos | Januar 8, 2022

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Zusammenfassung

Akira Kurosawa debütierte 1936 als Regieassistent und Drehbuchautor. 1943, während des Zweiten Weltkriegs, drehte er seinen ersten Film, Die Legende vom großen Judo (姿三四郎, Sugata Sanshirō?). Sein achter Spielfilm, Der betrunkene Engel (酔いどれ天使, Yoidore tenshi?), kam 1948 in die Kinos und wurde von der Kritik gefeiert, was Kurosawas Ruf festigte. Dieser Film war das Debüt des Schauspielers Toshirō Mifune, der insgesamt sechzehn Filme mit Kurosawa drehte.

Für Rashōmon, der im August 1950 in Tokio uraufgeführt wurde, erhielt Akira Kurosawa 1951 den Goldenen Löwen bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig, woraufhin der Film auch in Europa und Nordamerika gezeigt wurde. Der Erfolg des Films bei Publikum und Presse öffnete dem japanischen Kino die Türen zum Westen und begründete den internationalen Ruf vieler japanischer Künstler. Von den 1950er bis Anfang der 1960er Jahre drehte Kurosawa etwa einen Film pro Jahr, darunter Leben (生きる, Ikiru?, 1952), Die sieben Samurai (七人の侍, Shichinin no samurai?, 1954) und Der Leibwächter (用心棒, Yōjinbō?, 1961). Danach war seine Karriere weniger produktiv, aber seine letzten Werke – darunter Kagemusha, der Schatten des Kriegers (影武者, Kagemusha?, 1980) und Ran (乱, Ran?, 1985) – verhalfen ihm zu weiteren Auszeichnungen, darunter die Goldene Palme für Kagemusha, der Schatten des Kriegers.

1990 erhielt er den Ehrenoscar „für seine Leistungen, die das Weltpublikum inspiriert, erfreut, bereichert und unterhalten und Filmschaffende auf der ganzen Welt beeinflusst haben“. 1999 wurde er von der Zeitschrift AsianWeek und CNN posthum zum „Asiaten des Jahrhunderts“ in der Kategorie „Kunst, Literatur und Kultur“ ernannt und als „eine der fünf Personen, die in den letzten 100 Jahren am meisten zum Aufblühen Asiens beigetragen haben“ vorgestellt.

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Kurosawa wurde 1910 im Stadtteil Ōmori (Bezirk Shinagawa) in Tokio geboren. Sein Vater Isamu, der einer Samurai-Familie aus der Präfektur Akita entstammt, ist Direktor der Oberschule des Armee-Instituts für Körpererziehung, während seine Mutter aus einer Kaufmannsfamilie aus Osaka stammt. Er ist das jüngste von sieben Kindern. Zwei von ihnen waren bei seiner Geburt bereits erwachsen, und eine seiner Schwestern starb kurz darauf. Kurosawa wuchs daraufhin nur mit drei seiner Geschwister auf.

Sein Vater, Isamu Kurosawa, förderte nicht nur die körperliche Ertüchtigung, sondern betrachtete auch die westliche Kultur – insbesondere Film und Theater – als einen wesentlichen Punkt der Erziehung: Der junge Akira entdeckte im Alter von sechs Jahren das Kino für sich. Unter dem Einfluss eines seiner Grundschullehrer, Herrn Tachikawa, begeisterte er sich auch für das Malen und Zeichnen. In dieser Zeit lernte er auch Kalligraphie und Kendo.

Akira Kurosawas Kindheit wurde auch stark von seinem vier Jahre älteren Bruder Heigo beeinflusst. Kurosawa berichtet, dass Heigo ihn nach dem Kantō-Erdbeben von 1923 in die am meisten zerstörten Viertel der Hauptstadt mitnahm und als er versuchte, seine Augen von den Leichen in den Straßen abzuwenden, hielt ihn sein Bruder davon ab, um ihn zu zwingen, sich seinen Ängsten zu stellen. Für einige beeinflusste dieses Ereignis Kurosawas Sensibilität stark.

Heigo ist ein brillanter Schüler, fällt jedoch bei der Aufnahmeprüfung für die Oberschule durch. Nach diesem Misserfolg löst er sich allmählich von seiner Familie und konzentriert sich auf ausländische Literatur. Ende der 1920er Jahre wird Heigo Benshi (Stummfilmkommentator) und wird unter dem Namen Suda Teimei bekannt. Akira, der zu diesem Zeitpunkt Maler im westlichen Stil werden will. Dank Heigo lernt Akira nicht nur das Kino, sondern auch das Theater und den Zirkus kennen. Gleichzeitig stellt er seine Gemälde und Arbeiten im Rahmen der Ausstellungen der Liga proletarischer Künstler aus. Er kann jedoch nicht von seiner Malerei leben und verliert schließlich die Lust daran. Er wandte sich auch von der Politik ab, als die Repressionen durch die Polizei immer stärker wurden.

Mit der Einführung des Tonfilms Anfang der 1930er Jahre geriet Heigo in Geldprobleme und Akira kehrte zu ihren Eltern zurück. Im Juni 1933 begeht Heigo zusammen mit seiner Lebensgefährtin Selbstmord. Kurosawa beschreibt diesen Tod als ein anhaltendes Gefühl des Verlustes und erwähnt ihn in seiner Autobiografie im Kapitel „Eine Geschichte, über die ich nicht sprechen will“. Nur vier Monate nach Heigos Tod starb auch sein älterer Bruder.

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Lehre als Regisseur (1935-1941)

1935 suchte das neue Filmstudio Photo Chemical Laboratories – abgekürzt P.C.L., und später das Studio Tōhō – nach Regieassistenten. Obwohl er nie daran gedacht hatte, im Filmgeschäft zu arbeiten und bereits als Buchillustrator tätig war, reagierte Kurosawa auf die Stellenanzeige des Studios, in der die Bewerber aufgefordert wurden, einen Aufsatz über die grundlegenden Mängel japanischer Filme und die Möglichkeiten, diese zu beheben, zu verfassen. Kurosawa erklärt in seinem Papier, dass es, wenn diese Mängel grundlegend sind, keine Möglichkeit gibt, sie zu beheben. Dieser Brief mit seinem spöttischen Tonfall verhilft ihm zu den nächsten Prüfungen. Der Regisseur Kajirō Yamamoto, der zu den Anwerbern gehörte, bestand darauf, dass Kurosawa rekrutiert wurde. Im Februar 1936, im Alter von 25 Jahren, tritt Kurosawa bei P.C.L. ein.

Yamamoto vertraut Kurosawa an, dass ein guter Regisseur vor allem ein ausgezeichneter Drehbuchautor sein muss. Kurosawa erkennt, dass er mit dem Schreiben von Drehbüchern mehr verdienen kann als mit der Arbeit als Regieassistent. Er veröffentlichte und verkaufte mehrere Drehbücher, bekam aber von seinem Studio nicht den Auftrag, die Regie zu übernehmen.

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Krieg, Zensur und Ehe (1942-1945)

In den zwei Jahren nach der Veröffentlichung von Uma im Jahr 1941 war Kurosawa auf der Suche nach einer Geschichte, die seine Karriere als Regisseur in Gang bringen könnte. Gegen Ende des Jahres 1942, etwa ein Jahr nach Beginn des Krieges zwischen Japan und den USA, veröffentlichte der Romanautor Tsuneo Tomita Sugata Sanshirō, einen Roman über die Entstehung des Judo in der Art der heroischen und moralisierenden Erzählungen von Eiji Yoshikawa als Miyamoto Musashi. Als Kurosawa dieses Buch las, bat er Tōhō sofort, die Rechte an der Adaption zu erwerben, und erhielt die Zusage, als Regisseur des Films zu fungieren.

Die Dreharbeiten zu Die Legende vom großen Judo (姿三四郎, Sugata Sanshirō?) begannen im Dezember 1942 in Yokohama. Die Produktion des Films war unproblematisch, doch die Zensur, die gemäß dem Filmgesetz von 1938 ihre Zustimmung gegeben hatte, befand das Ergebnis der Dreharbeiten als zu „angelsächsisch“. Die Legende vom großen Judo verdankt seine Veröffentlichung am 25. März 1943 schließlich dem Regisseur Yasujirō Ozu, der sich für den Film einsetzte. Dennoch wurden 18 Minuten der ursprünglichen Fassung zensiert. Die meisten dieser Schnitte gelten heute als endgültig verloren. Die Legende vom großen Judo ist ein Film, der für die Ideologie der damaligen Zeit charakteristisch ist. Er preist die moralischen Tugenden und die Selbstlosigkeit der kleinen Leute im Gegensatz zum Egoismus und der Boshaftigkeit der verwestlichten Bourgeoisie, die durch die Figur des Gennosuke repräsentiert wird.

Kurosawa widmete sich dann dem Thema der Arbeiterinnen in Kriegszeiten in Der Schönste (一番美しく, Ichiban utsukushiku?), einem Propagandafilm, der Anfang 1944 in einem halbdokumentarischen Stil gedreht wurde. Das von Kurosawa verfasste Drehbuch handelt von einer Gruppe junger Arbeiterinnen in einer Fabrik für optische Linsen für militärische Zwecke, die trotz aller Schwierigkeiten alles daran setzen, ihre Produktivität zu steigern.

Im Laufe der Produktion wird Yōko Yaguchi, die Schauspielerin, die die Anführerin der Gruppe von Arbeiterinnen spielt, von ihren Kolleginnen ausgewählt, um Kurosawa ihre Forderungen vorzutragen. Paradoxerweise kommen sich Yaguchi und Kurosawa, obwohl sie sich ständig bekämpfen, näher. Sie heiraten am 21. Mai 1945, während Yōko im zweiten Monat schwanger ist. Sie bleiben bis zu Yōkos Tod im Jahr 1985 verheiratet. Sie haben zusammen zwei Kinder: einen Sohn, Hisao, geboren am 20. Dezember 1945, Produzent einiger der letzten Projekte seines Vaters, und eine Tochter, Kazuko, geboren am 29. April 1954, Kostümchefin.

Kurz vor seiner Hochzeit wurde Kurosawa vom Studio gedrängt, eine Fortsetzung von Die Legende vom Großen Judo zu drehen. Die neue Legende vom großen Judo (續姿三四郎, Zoku Sugata Sanshirō?) kam im Mai 1945 in die Kinos. Dieser Propagandafilm wird sehr oft als eines von Kurosawas schwächeren Werken angesehen.

Vor dem Hintergrund der Knappheit in den letzten Kriegsmonaten beschloss Kurosawa, das Drehbuch für einen Film zu schreiben, der billiger zu produzieren war als die vorherigen. Die Männer, die auf den Schwanz des Tigers traten (虎の尾を踏む男達, Tora no o wo fumu otokotachi?), basierend auf dem Kabuki-Stück Kanjinchō, mit Enoken, wurde im September 1945 fertiggestellt. Zu diesem Zeitpunkt hatte Japan kapituliert und die Besetzung des Landes begann. Die von den Amerikanern eingeführte Zensur aller japanischen Filme, die während des Krieges gedreht wurden, blockierte die Veröffentlichung des Films.

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Nachkriegsarbeiten (1946-1950)

Nach dem Krieg ließ sich Kurosawa von den demokratischen Idealen der Besatzungsmacht inspirieren. Der erste Film, der aus dieser Inspiration entstand, war Je ne regrette rien de ma jeunesse (わが青春に悔なし, Waga seishun ni kuinashi?) aus dem Jahr 1946, der von dem Takigawa-Vorfall von 1933 und dem Fall des Spions Hotsumi Ozaki inspiriert wurde und in dem der Regisseur das japanische Vorkriegsregime kritisierte. Die zentrale Figur des Films ist eine Frau, Yukie (dargestellt von Setsuko Hara), die ihren Platz in einer politischen Krise sucht. Das ursprüngliche Drehbuch musste erheblich überarbeitet werden. Der Film spaltete die Kritiker sowohl wegen seines kontroversen Themas als auch wegen des Geschlechts seiner Hauptfigur. Beim Publikum hingegen war er ein Erfolg und der Titel des Films wurde zu einem Kultspruch der Nachkriegszeit.

Sein nächster Film, Ein wunderbarer Sonntag (素晴らしき日曜日, Subarashiki nichiyōbi?), wurde im Juli 1947 vor einer gemischten Presse vorgestellt. Es handelt sich um die relativ einfache Liebesgeschichte eines durch den Krieg verarmten Paares, das seinen freien Tag genießen möchte. Bei diesem Film wurde Kurosawa von den Arbeiten von Frank Capra, D. W. Griffith und F. W. Murnau beeinflusst. 1947 kam Der silberne Berg (銀嶺の果て, Ginrei no hate?) heraus, ein Film von Senkichi Taniguchi und von Kurosawa geschrieben. Dieser Film markiert das Debüt des jungen Schauspielers Toshirō Mifune. Es war Kurosawa, der mit Hilfe von Yamamoto darauf bestand, dass das Studio Tōhō Mifune einstellte.

Im Jahr darauf erschien Der trunkene Engel (酔いどれ天使, Yoidore tenshi?). Obwohl das Drehbuch aufgrund der Zensur während der Besatzungszeit umgeschrieben werden musste, hatte Kurosawa das Gefühl, sich endlich frei ausdrücken zu können. Der Film erzählt die Geschichte eines Arztes, der versucht, einen Yakuza vor der Tuberkulose zu retten. Es handelt sich um die erste Zusammenarbeit zwischen dem Regisseur und Mifune. Diese Zusammenarbeit setzte sich in den folgenden 16 Filmen des Regisseurs (abgesehen von Ikiru) fort, in denen Mifune die Hauptrolle spielte. Ursprünglich sollte Mifune nicht die Hauptfigur in Der betrunkene Engel spielen, aber seine Leistung als Yakuza war so gut, dass er den Film dominierte und Takashi Shimuras Rolle als alkoholkranker Arzt in den Schatten stellte. Kurosawa beschloss daraufhin, den Aufstieg des jungen Schauspielers nicht zu behindern. Mifunes rebellisches Spiel eroberte das Publikum sofort. Die Premiere fand im April 1948 statt, und der Film wurde von der renommierten Zeitschrift Kinema Junpō zum besten Film des Jahres gewählt. Insgesamt werden drei Filme von Kurosawa auf diese Weise ausgezeichnet.

Sein zweiter Film aus dem Jahr 1949, der ebenfalls von der Filmkunstvereinigung produziert und von Shintōhō vertrieben wurde, ist Wütender Hund (野良犬, Nora inu?), einer von Kurosawas berühmtesten Filmen. Dieser Kriminalfilm erzählt die Geschichte eines jungen Detektivs (gespielt von Mifune), der von seiner Pistole besessen ist, die von einem mittellosen Mann gestohlen wurde, der sie für Verbrechen benutzt. Er soll Kommissar Sato, dessen Scharfsinn an Kommissar Maigret erinnert, bei der Suche nach dem Täter unterstützen.

Nach einem Roman von Kurosawa selbst und im Stil eines seiner Lieblingsautoren – nämlich Georges Simenon – geschrieben, war dies vor allem seine erste Zusammenarbeit mit dem Drehbuchautor Ryūzō Kikushima. Eine der berühmtesten Sequenzen des Films, die acht Minuten lang ist und keinen Dialog enthält, zeigt den jungen Detektiv, der als armer Veteran verkleidet durch die Straßen irrt, um seine Waffe zu finden. Die Sequenz verwendet Aufnahmen aus einem Dokumentarfilm über das vom Krieg zerstörte Tokio, der von Ishirō Honda, einem Freund Kurosawas und späteren Regisseur von Godzilla (ゴジラ, Gojira?), gedreht wurde.

Skandal (醜聞, Shūbun?), der von Shōchiku produziert und im April 1950 veröffentlicht wurde, ist von einer persönlichen Erfahrung des Regisseurs mit der Boulevardpresse inspiriert. Der Film vermischt Gerichtsdrama und soziale Probleme vor dem Hintergrund der Meinungsfreiheit und der persönlichen Verantwortung. Kurosawa hielt das Werk jedoch für schwammig und unbefriedigend und schloss sich damit der übereinstimmenden Meinung der meisten Kritiker an.

Doch erst mit seinem zweiten Film von 1950, Rashōmon (羅生門, Rashōmon?), gewann Kurosawa schließlich ein ganz neues Publikum.

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Internationale Anerkennung (1950-1958)

Nach der Veröffentlichung von Scandale wurde Kurosawa von den Daiei Studios angesprochen, ob er nach The Silent Duel einen zweiten Film für sie drehen wolle. Der Regisseur wählte das Drehbuch des jungen Drehbuchautors Shinobu Hashimoto aus, das auf Ryūnosuke Akutagawas Kurzgeschichte Im Dickicht (藪の中, Yabu no naka?) über den Mord an einem Samurai und die Vergewaltigung seiner Frau basierte. Kurosawa sah in dieser Kurzgeschichte ein Filmpotenzial und beschloss, sie mit Hashimotos Hilfe zu entwickeln. Daiei war begeistert von dem Projekt, denn das Budget war gering.

Die Dreharbeiten zu Rashōmon fanden vom 7. Juli bis zum 17. August 1950 in den Weiten des Nara-Waldes statt. Die Postproduktion des Films dauert nur eine Woche und wird durch einen Brand in den Studios behindert. Die Vorpremiere fand am 25. August im Kaiserlichen Theater in Tokio statt, die landesweite Veröffentlichung am nächsten Tag. Die Kritiker sind geteilter Meinung und fasziniert von dem einzigartigen Thema des Films. Dennoch war der Film ein mäßiger finanzieller Erfolg für die Daiei-Gesellschaft.

Kurosawas nächster Film für Shōchiku war Der Idiot (白痴, Hakuchi?), eine Adaption des Romans von Kurosawas Lieblingsschriftsteller Fjodor Dostojewski. Der Filmemacher verlegt die Geschichte von Russland nach Hokkaidō, bleibt aber dem Originalwerk sehr treu, was viele Kritiker als schädlich für den Film bezeichneten. Da Kurosawas Film als zu lang empfunden wurde, wurde er von 265 Minuten (fast 4,5 Stunden) auf 166 Minuten gekürzt, wodurch die Geschichte nur noch schwer verständlich ist. Bei seiner Veröffentlichung waren die Kritiken sehr schlecht, aber der Film hatte einen mäßigen Erfolg beim Publikum, was hauptsächlich auf die Präsenz von Setsuko Hara zurückzuführen war.

In der Zwischenzeit wurde Rashōmon ohne Kurosawas Wissen dank der Bemühungen von Giuliana Stramigioli, einer in Japan ansässigen Vertreterin einer italienischen Produktionsfirma, für das Filmfestival von Venedig ausgewählt. Am 10. September 1951 erhielt Rashōmon die höchste Auszeichnung des Festivals, den Goldenen Löwen. Diese Auszeichnung überraschte die gesamte Filmwelt, die zu dieser Zeit so gut wie nichts über die japanische Filmtradition wusste.

Daiei wertete den Film dann kurzzeitig in Los Angeles aus, bis RKO die Rechte für den Vertrieb in den USA aufkaufte. Das Risiko für RKO war groß: Zu dieser Zeit gab es nur einen Film mit Untertiteln auf dem amerikanischen Markt, und der einzige japanische Film, der in New York vertrieben wurde, eine Komödie von Mikio Naruse aus dem Jahr 1937, war ein echter Flop. Dennoch ist die Auswertung von Rashōmon ein Erfolg, unterstützt von zahlreichen Kritikern, darunter Ed Sullivan: In den ersten drei Wochen spielte der Film 35.000 $ ein, und das in einem einzigen Kino in New York. Das Interesse des amerikanischen Publikums an japanischen Filmen wuchs in den 1950er Jahren und stellte den italienischen Film in den Schatten. Andere Verleihfirmen brachten den Film in Frankreich, Westdeutschland, Dänemark, Schweden und Finnland in die Kinos. Dank dieses Ruhms begannen auch andere japanische Filmemacher, Auszeichnungen zu erhalten und ihre Werke im Westen zu verbreiten, wie Kenji Mizoguchi und etwas später Yasujirō Ozu, die in Japan anerkannt, im Westen aber völlig unbekannt waren.

Seine Karriere durch die internationale Anerkennung aufgebläht, kehrte Kurosawa zu Tōhō zurück und arbeitete an seinem nächsten Film, Leben (生きる, Ikiru?). Der Film handelt von Watanabe (Takashi Shimura), einem an Krebs erkrankten Beamten, der seinem Leben einen letzten Sinn geben will. Kurosawa arbeitete für das Drehbuch mit Hashimoto und dem Schriftsteller Hideo Oguni zusammen, mit dem er 12 Filme gemeinsam schrieb. Trotz des ernsten Themas gingen die Drehbuchautoren die Geschichte auf satirische Weise an, was manche mit der Arbeit von Bertolt Brecht verglichen. Diese Strategie ermöglichte es ihnen, die allgemeine Sentimentalität zu vermeiden, die üblicherweise bei Figuren mit unheilbaren Krankheiten vorherrscht. Leben kam im Oktober 1952 heraus, Kurosawa wurde mit seinem zweiten „besten Film“ von Kinema Junpō ausgezeichnet, und der Film war ein großer Erfolg an den Kinokassen.

Im Dezember 1952 schottete sich Kurosawa 45 Tage lang mit den beiden Drehbuchautoren von Ikiru, Shinobu Hashimoto und Hideo Oguni, ab. Gemeinsam schrieben sie das Drehbuch für den nächsten Film des Regisseurs, Die sieben Samurai (七人の侍, Shichinin no samurai?). Dies ist Kurosawas erster echter Chanbara, für den er heute am bekanntesten ist. Es gibt viele Quellen, die den Einfluss des Westerns, insbesondere den von John Ford, auf die Entstehung von Die sieben Samurai erwähnen. Für André Labarrère kommt der Vergleich durch Kurosawas technische Meisterschaft und den Erzählrhythmus zustande, die an amerikanische Western erinnern. Diese Aussage wird manchmal als übertrieben angesehen, da es sich eher um allgemeine Referenzen für Kurosawas Werk und nicht für diesen speziellen Film handelt.

Die Geschichte eines armen Dorfes in der Sengoku-Zeit, das eine Gruppe von Samurai zu Hilfe ruft, um sich gegen Banditen zu verteidigen, wird von Kurosawa auf völlig epische Weise behandelt, und die Handlung ist während der dreieinhalb Stunden akribisch detailliert. Der Film stützt sich auf eine beeindruckende Gesamtbesetzung, die vor allem aus Schauspielern besteht, die bereits mit Kurosawa gedreht haben.

Drei Monate werden für die Vorproduktion benötigt, ein Monat für die Proben. Die Dreharbeiten dauerten 148 Tage, verteilt auf fast ein Jahr, und wurden unter anderem durch Produktions- und Finanzschwierigkeiten sowie durch Kurosawas Gesundheitsprobleme unterbrochen. Der Film wurde schließlich im April 1954 veröffentlicht, sechs Monate nach dem geplanten Termin. Der Film kostete dreimal so viel wie geplant und wurde damit zum teuersten japanischen Film, der je gedreht wurde. Die Kritiken sind positiv und der Erfolg an den Kinokassen sorgt dafür, dass die Kosten schnell wieder eingespielt werden. Nach zahlreichen Änderungen wird der Film auf dem internationalen Markt vertrieben. Im Laufe der Zeit und dank der unveränderten Versionen, die später veröffentlicht wurden, steigerte der Film seinen Bekanntheitsgrad. Im Jahr 1979 wurde er in einer Abstimmung unter japanischen Kritikern zum besten japanischen Film aller Zeiten gewählt. Auch heute noch wird er von einigen Kritikern als solcher angesehen.

1954 verursachen Atomtests im Pazifik radioaktiven Niederschlag in Japan und führen zu Zwischenfällen mit katastrophalen Folgen, wie dem Daigo Fukuryū Maru. Inmitten dieser Angst konzipierte Kurosawa seinen nächsten Film, Leben in Angst (生きもの記録, Ikimono no kiroku?). Es geht um einen reichen Industriellen (Toshirō Mifune), der Angst vor einem Atomangriff hat und beschließt, seine Familie auf eine Farm in Brasilien zu bringen, um in Sicherheit zu sein. Die Produktion verlief weniger chaotisch als beim Vorgängerfilm, doch wenige Tage vor Ende der Dreharbeiten starb Fumio Hayasaka, der Komponist und Freund Kurosawas, an Tuberkulose. Der Soundtrack wurde daraufhin von Hayasakas Assistenten Masaru Satō fertiggestellt, der an den nächsten acht Filmen Kurosawas arbeiten sollte. Leben in Angst kam im November 1955 in die Kinos, wurde aber von Kritikern und Publikum nur zögerlich und zurückhaltend aufgenommen. Der Film wurde zu Kurosawas erstem Film, der während seiner Laufzeit in den Kinos nicht seine Kosten einspielte. Heute gilt er als der beste Film, der sich mit den psychologischen Auswirkungen der weltweiten nuklearen Lähmung befasst.

Kurosawas nächstes Projekt, Das Schloss der Spinne (蜘蛛巣城, Kumonosu-jō?), ist eine Adaption von William Shakespeares Macbeth, dessen Geschichte nach Asien in die Sengoku-Zeit verlegt wird. Kurosawa wies die Schauspieler, insbesondere die Hauptdarstellerin Isuzu Yamada, an, so zu handeln und zu spielen, als ob es sich um einen Klassiker der japanischen und nicht der westlichen Literatur handeln würde. Das Spiel der Schauspieler ähnelte dann den Techniken und Stilen des Noh-Theaters. Der Film wurde 1956 gedreht und kam im Januar 1957 in die Kinos. Der Erfolg in den Kinos war etwas weniger schlecht als bei Leben in Angst. Im Ausland wurde der Film schnell zu einer Referenz unter den Shakespeare-Verfilmungen.

Die Produktion einer weiteren Adaption eines europäischen Klassikers folgte unmittelbar auf die Produktion von Das Schloss der Spinne. Die Unterwelt (どん底, Donzoko?), eine Adaption des gleichnamigen Theaterstücks von Maxim Gorki, wurde im Mai und Juni 1957 gedreht. Obwohl die Adaption dem russischen Theaterstück sehr genau folgt, wird die Übertragung in die Edo-Zeit als künstlerischer Erfolg angesehen. Die Premiere fand im September 1957 statt, und der Film wurde mit gemischten Gefühlen aufgenommen, ähnlich wie Spider“s Castle. Einige Kritiker zählten ihn zu den am meisten unterschätzten Werken Kurosawas.

Die drei Filme, die auf Die sieben Samurai folgten, waren beim japanischen Publikum nicht so erfolgreich. Kurosawas Arbeit wurde zunehmend düsterer und pessimistischer, und der Regisseur beschäftigte sich mit Fragen der Erlösung. Kurosawa, der diese Veränderungen bemerkte, entschied sich bewusst dafür, zu leichteren und unterhaltsameren Filmen zurückzukehren. Zur selben Zeit wurde das Panoramaformat in Japan sehr populär. Das Ergebnis war Die verborgene Festung (隠し砦の三悪人, Kakushi toride no san-akunin?), ein Action-Abenteuerfilm über eine Prinzessin, ihren treuen General und zwei Bauern, die sich durch die feindlichen Linien nach Hause durchkämpfen müssen. Der 1958 veröffentlichte Film Die verborgene Festung war ein großer Erfolg an den Kinokassen und wurde von den Kritikern hoch gelobt. Heute gilt der Film als einer der leichtesten und leichtesten Filme Kurosawas, ist aber wegen seiner zahlreichen Einflüsse, insbesondere auf George Lucas“ 1977 erschienener Space Opera Star Wars, weiterhin sehr beliebt.

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Die Geburt eines Unternehmens und das Ende einer Ära (1959-1965)

Seit Rashōmon erreichten Kurosawas Filme ein breiteres Publikum, und das Vermögen des Regisseurs wuchs. Tōhō schlug dem Regisseur daraufhin vor, einen Teil seiner Filme selbst zu finanzieren und so die finanziellen Risiken für die Produktionsgesellschaft zu begrenzen, im Gegenzug würde Kurosawa als Koproduzent mehr künstlerische Freiheit erhalten. Kurosawa stimmte zu, und die Kurosawa Production Company wurde im April 1959 mit Tōhō als Hauptaktionär gegründet.

Der Leibwächter (用心棒, Yōjinbō?), der zweite Film von Kurosawa Productions, konzentriert sich auf den Samurai Sanjūrō, der zwei Clans, die gewaltsam um die Kontrolle einer Stadt im 19. Jahrhundert kämpfen, dazu bringt, sich gegenseitig umzubringen. Der Regisseur spielt mit den Konventionen des Genres, insbesondere des Westerns, und erlaubt sich ein künstlerisches Porträt der Gewalt, das in Japan beispiellos ist. Sanjurō wird manchmal als eine Fantasiefigur wahrgenommen, die den historischen Triumph der korrupten Kaufleute über die Samurai magisch umkehrt. Der Film kam im April 1961 in die Kinos und war ein riesiger Erfolg an den Kinokassen, der mehr Geld einspielte als alle vorherigen Filme Kurosawas. Der Film demonstrierte einen bedeutenden Einfluss des Genres in Japan und leitete eine neue Ära der Zankoku eiga, der ultravioletten Samurai-Filme, ein. Der Film und sein schwarzer Humor wurden im Ausland vielfach nachgeahmt – Für eine Handvoll Dollar von Sergio Leone ist zum Beispiel ein nicht genehmigtes Szene-für-Szene-Remake -, aber viele sind sich einig, dass Kurosawas Original den Nachahmungen überlegen ist.

Nach dem Erfolg von Yōjinbō geriet Kurosawa unter den Druck der Tōhō, die eine Fortsetzung wünschte. Er orientierte sich daraufhin an einem Drehbuch, das er vor Yōjinbō geschrieben hatte, und überarbeitete es, um den Helden einzubeziehen. Sanjuro (椿三十郎, Tsubaki Sanjūrō?) ist der erste von Kurosawas drei Filmen, der auf den Werken des Schriftstellers Shūgorō Yamamoto basiert (die beiden anderen sind Barbarossa und Dodes“kaden). Der Film ist leichter und konventioneller als Yōjinbō, obwohl die Geschichte des Machtkampfes innerhalb eines Samurai-Clans mit sehr komischen Untertönen beschrieben wird. Der Film kam am 1. Januar 1962 in die Kinos und übertraf Yōjinbō schnell an den Kinokassen.

In der Zwischenzeit erwarb Tōhō auf Kurosawas Wunsch die Rechte an der Adaption von King“s Ransom, einem Kriminalroman aus Ed McBains 87th District Serie. Kurosawa wollte einen Film, der die Entführung als eines der schlimmsten Verbrechen anprangerte. Der Thriller Zwischen Himmel und Hölle (天国と地獄, Tengoku to jigoku?) wurde Ende 1962 gedreht und kam im März 1963 unter begeisterten Kritiken in die Kinos. Der Film sprengte erneut Kurosawas Zuschauerrekorde und wurde zum größten Erfolg des Jahres in Japan. Allerdings wird der Film für eine Entführungswelle verantwortlich gemacht, die kurz nach der Veröffentlichung des Films stattfindet. Kurosawa selbst erhielt Entführungsdrohungen, die sich gegen seine Tochter Kazuko richteten. Der heute wenig bekannte Film Zwischen Himmel und Hölle wird jedoch von vielen Kritikern als eines der wichtigsten Werke des Regisseurs angesehen.

Kurosawa legte schnell nach mit seinem nächsten Film Barbarossa (赤ひげ, Akahige?). Dabei stützt er sich auf Kurzgeschichten von Shūgorō Yamamoto sowie auf Erniedrigte und Beleidigte von Dostojewski. Dieser Epochenfilm, der in einem Hospiz in der Mitte des 19. Jahrhunderts spielt, ermöglicht es Kurosawa, die humanistischen Themen, die ihm am Herzen liegen, in den Vordergrund zu stellen. Yasumoto, ein junger, im Ausland ausgebildeter Arzt, eitel und materialistisch, wird gezwungen, als Assistenzarzt in der Armenklinik von Dr. Niide zu arbeiten, der den Spitznamen Akahige (Barbarossa) trägt und von Mifune dargestellt wird. Zunächst widerwillig, bewundert Yasumoto schließlich Barbarossa und respektiert die Patienten, die er bei seiner Ankunft verachtete. Yūzō Kayama, der Darsteller der Figur Yasumoto, ist zu dieser Zeit ein populärer Film- und Musikstar. Diese Berühmtheit ermöglichte es Kurosawa, seinem Film einen gewissen Erfolg zu garantieren. Die Dreharbeiten, die längsten, die der Regisseur je durchgeführt hat, erstreckten sich nach einer fünfmonatigen Vorproduktion über fast ein Jahr und wurden im Frühjahr 1965 abgeschlossen. Barbarossa kam im April 1965 in die Kinos, wurde der größte Erfolg des Jahres in Japan und gewann die Trophäe für den besten Film von Kinema Junpō, die dritte und letzte für Kurosawa. Der Film bleibt einer von Kurosawas bekanntesten und beliebtesten Filmen in Japan. Im Ausland sind die Kritiken geteilter. Die meisten Kritiker erkennen seine technische Meisterschaft an (einige zählen ihn sogar zu Kurosawas besten Werken), während andere auf seinen Mangel an Komplexität und erzählerischer Kraft hinweisen. Andere wiederum behaupten, dass der Film einen Rückschritt Kurosawas in seinem politischen und sozialen Engagement darstelle.

Barbarossa markiert das Ende einer Ära für Kurosawa. Der Regisseur selbst erkannte dies bei der Veröffentlichung des Films und erklärte dem Kritiker Donald Richie, dass ein Zyklus gerade zu Ende gegangen sei und dass seine zukünftigen Filme und Produktionsmethoden anders sein würden. In den späten 1950er Jahren entwickelte sich das Fernsehen und dominierte die Kinoeinschaltquoten. Die Einnahmen der Filmstudios sanken und wurden nicht mehr in teure und risikoreiche Produktionen wie die von Kurosawa investiert. Barbarossa markiert auch chronologisch die Hälfte der Karriere des Filmemachers. In seinen ersten 29 Jahren in der Filmindustrie drehte er 23 Filme, während er in den folgenden 28 Jahren aus verschiedenen komplexen Gründen nur noch 7 weitere Filme drehte. Auch aus Gründen, die nie wirklich dargelegt wurden, ist Barbarossa Kurosawas letzter Film mit Toshirō Mifune. Yu Fujiki, ein Schauspieler, der an Die Untiefen mitgearbeitet hatte, sagte über die Annäherung der beiden Männer, dass „das Herz von Herrn Kurosawa im Körper von Herrn Mifune war“. Donald Richie beschreibt ihre Beziehung als eine einzigartige Symbiose. Praktisch alle Kritiker sind sich einig, dass die beste Periode in Kurosawas Karriere zwischen 1950 und 1965 liegt – geprägt von Rashōmon und Barbarossa – und dass es kein Zufall ist, dass diese Phase mit der Zeit der Zusammenarbeit von Mifune und dem Regisseur zusammenfällt.

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Durchreise durch Hollywood (1966-1968)

Als der Exklusivvertrag zwischen Kurosawa und Tōhō 1966 auslief, bereitete sich der 56-jährige Regisseur auf eine wichtige Wende in seiner Karriere vor. Die Probleme der japanischen Filmindustrie und Dutzende von Angeboten aus dem Ausland veranlassten ihn nämlich dazu, außerhalb Japans zu arbeiten – ein Novum in seiner Karriere.

Für sein erstes ausländisches Projekt ließ sich Kurosawa von einem Artikel im Life Magazine inspirieren. Der von Embassy Pictures produzierte Thriller, der auf Englisch hätte gedreht werden sollen und den Titel Runaway Train trug, wäre Kurosawas erster Farbfilm gewesen. Doch die Sprachbarriere war ein großes Problem für diese Produktion, und die englische Übersetzung des Drehbuchs war im Herbst 1966, als die Dreharbeiten beginnen sollten, noch nicht fertiggestellt. Da die Dreharbeiten Schnee benötigten, wurden sie auf den Herbst 1967 verschoben und 1968 abgesagt. Fast zwanzig Jahre später drehte Andrej Kontschalowski, ein weiterer Außenseiter in Hollywood, schließlich Runaway Train, einen Film mit einem Drehbuch, das sich völlig von Kurosawas Werken unterschied.

Trotz dieses Misserfolgs war Kurosawa später an weitaus ehrgeizigeren Hollywood-Projekten beteiligt. Tora! Tora! Tora!, produziert von 20th Century Fox und Kurosawa Production, ist eine Beschreibung des Angriffs auf Pearl Harbor aus amerikanischer und japanischer Sicht. Der japanische Teil des Films wurde ursprünglich Kurosawa anvertraut, der amerikanische Teil einem englischsprachigen Regisseur. Kurosawa verbrachte mehrere Monate damit, zusammen mit Ryūzō Kikushima und Hideo Oguni am Drehbuch zu arbeiten, doch schon bald begann das Projekt zu zerfallen. Als Regisseur für die amerikanischen Passagen wurde nicht wie geplant der berühmte Engländer David Lean ausgewählt, was die Produzenten Kurosawa glauben gemacht hatten, sondern Richard Fleischer, ein Experte für Spezialeffekte, der weit weniger bekannt war als Lean. Das ursprüngliche Budget wurde ebenfalls gekürzt und die Filmlänge für die japanischen Sequenzen sollte 90 Minuten nicht überschreiten, was sich als großes Problem für Kurosawa herausstellte, dessen Drehbuch über 4 Stunden lang war. Im Mai 1968 wurde nach einer Vielzahl von Änderungen ein mehr oder weniger fertiges Rumpfdrehbuch vereinbart. Die Dreharbeiten beginnen im Dezember, aber Kurosawa bleibt nur knapp drei Wochen als Regisseur. Sein Team und seine Arbeitsmethoden sind mit den Anforderungen einer Hollywood-Produktion nicht vertraut und geben den amerikanischen Produzenten Rätsel auf, die zu dem Schluss kommen, dass Kurosawa geisteskrank ist. Weihnachten 1968 gaben die Produzenten bekannt, dass Kurosawa die Produktion verlassen würde, offiziell wegen „Müdigkeit“. Inoffiziell wird er entlassen. Schließlich wird er durch die beiden Regisseure Kinji Fukasaku und Toshio Masuda ersetzt.

Tora! Tora! Tora! kam schließlich im September 1970 unter wenig begeisterten Kritiken in die Kinos und blieb eine echte Tragödie in der Karriere des Filmemachers. Kurosawa widmete mehrere Jahre seines Lebens einem Projekt mit einer alptraumhaften Logistik, um schließlich keinen einzigen Meter Film zu drehen. Dann wurde sein Name aus den Credits entfernt, während das Drehbuch für die japanischen Sequenzen dasjenige blieb, an dem er mitgeschrieben hatte. Später löste er sich von seinem langjährigen Mitarbeiter, dem Schriftsteller Ryūzō Kikushima, und arbeitete nie wieder mit ihm zusammen. Das Projekt brachte auch eine Korruptionsaffäre innerhalb seiner eigenen Produktionsfirma ans Licht – eine Situation, die einem seiner Filme, Les salauds dorment en paix, ähnelt. Seine geistige Gesundheit wurde in Frage gestellt. Schließlich begann die japanische Filmindustrie ihn zu verdächtigen, seine Filmkarriere beenden zu wollen.

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Ein schwieriges Jahrzehnt (1969-1977)

In dem Wissen, dass sein Ruf nach dem Debakel des vielbeachteten Tora! Tora! Tora!“ zugrunde ging, wandte sich Kurosawa schnell einem neuen Projekt zu. Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi und Kon Ichikawa, drei Freunde Kurosawas, unterstützen den Regisseur. Im Juli 1969 gründeten sie zu viert eine Produktionsfirma, die sie den Club der vier Ritter (Yonki no kai?) nannten. Obwohl die Grundidee der Firma darin bestand, den vier Regisseuren die Möglichkeit zu geben, jeweils einen Film zu drehen, wird manchmal behauptet, dass die wahre Motivation der drei anderen Regisseure darin bestand, Kurosawa die Möglichkeit zu geben, einen Film zu realisieren und so seine Rückkehr in die Filmindustrie zu ermöglichen.

Das erste vorgeschlagene Projekt war ein historischer Film namens Dora-Heita, der jedoch als zu teuer angesehen wurde, und Kurosawa wandte sich Dodes“kaden (どですかでん, Dodesukaden?) zu, einer neuen Adaption eines Werks von Yamamoto, in dem es wieder um die Armen und Benachteiligten geht. Kurosawa wollte beweisen, dass er auch mit einem begrenzten Budget schnell und effektiv arbeiten konnte, und drehte den Film in neun Wochen. Bei seiner ersten Arbeit in Farbe ließ er den dynamischen Schnitt und die komplexen Kompositionen beiseite und konzentrierte sich mehr auf die Schaffung einer gewagten, fast surrealen Palette von Primärfarben, um die Giftigkeit der Umgebung der Figuren hervorzuheben. Der Film kam im Oktober 1970 in Japan heraus, wo er bei den Kritikern nur mäßigen Erfolg hatte und beim Publikum auf völlige Gleichgültigkeit stieß. Der große finanzielle Misserfolg führte zur Auflösung des Clubs der vier Ritter. Bei seiner Veröffentlichung im Ausland wurde der Film von der Kritik relativ gut aufgenommen, gilt aber seitdem als unvergleichbar mit den besten Werken des Regisseurs.

Da er nicht in der Lage war, Geld für zukünftige Projekte zu bekommen und unter gesundheitlichen Problemen litt, schien Kurosawa einen Wendepunkt zu erreichen: Am 22. Dezember 1971 schnitt er sich mehrmals die Kehle und die Handgelenke auf. Dieser Selbstmordversuch scheiterte und Kurosawa erholte sich relativ schnell. Er beschloss daraufhin, sich in sein Privatleben zurückzuziehen, da er nicht wusste, ob er noch einmal Regie führen würde.

Anfang 1973 wollte das sowjetische Studio Mosfilm mit dem Regisseur zusammenarbeiten. Kurosawa schlug ihnen daraufhin die Verfilmung einer Autobiografie des russischen Forschers Vladimir Arseniev mit dem Titel Dersou Uzala vor, die er seit den 1930er Jahren realisieren wollte. Der Roman handelt von einem Hezhen-Jäger, der in Harmonie mit der Natur lebt, bevor sie von der Zivilisation zerstört wird. Im Dezember 1973 zog der 63-jährige Kurosawa mit vier seiner engsten Mitarbeiter für eineinhalb Jahre in die Sowjetunion. Die Dreharbeiten begannen im Mai 1974 in Sibirien unter extrem schwierigen natürlichen Bedingungen und endeten im April 1975. Kurosawa, der zu diesem Zeitpunkt erschöpft war und Heimweh hatte, kehrte bereits im Juni nach Japan zurück. Die Weltpremiere von Dersou Ouzala (デルス・ウザーラ, Derusu Uzāra?) fand am 2. August 1975 statt. Während die japanischen Kritiker schweigen, wird der Film im Ausland herzlich aufgenommen und gewinnt den Goldenen Preis des Internationalen Filmfestivals in Moskau sowie den Oscar für den besten fremdsprachigen Film. Auch an den Kinokassen war der Film ein Erfolg. Die Kritiker sind bis heute geteilter Meinung: Einige sehen in dem Film ein Beispiel für Kurosawas Niedergang, während andere den Film zu seinen erfolgreichsten Werken zählen.

Obwohl er Angebote für Fernsehprojekte erhielt, zeigte Kurosawa kein Interesse daran, die Welt des Films zu verlassen. Dennoch erklärte er sich 1976 bereit, in einer Reihe von Fernsehwerbespots für Suntory Whisky aufzutreten. Aus Angst, dass er keinen neuen Film mehr drehen könnte, arbeitete der Regisseur dennoch weiter an verschiedenen Projekten, schrieb neue Drehbücher und erstellte detaillierte Illustrationen seiner Arbeit, um einen visuellen Abdruck seiner Pläne zu hinterlassen, falls er sie nicht verfilmen könnte.

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Zwei große Epen (1978-1986)

1977 brachte der amerikanische Regisseur George Lucas die erste Episode der Star-Wars-Saga heraus, einen weltweit erfolgreichen Science-Fiction-Film, der von Kurosawas Die verborgene Festung beeinflusst war. Lucas, der Kurosawa verehrte und ihn als Vorbild betrachtete, war schockiert, als er erfuhr, dass der Japaner nicht in der Lage war, das Geld für einen neuen Film aufzutreiben. Im Juli 1978 trafen sich Lucas und Kurosawa in Los Angeles, um über das am wenigsten riskante Projekt des japanischen Regisseurs zu sprechen: Kagemusha, der Schatten des Kriegers (影武者, Kagemusha?), ein Epos, das die Geschichte eines Diebes erzählt, der zum Doppelgänger eines japanischen Fürsten wird. Lucas war von Kurosawas Drehbuch und Illustrationen begeistert und nutzte seinen Einfluss, um 20th Century Fox davon zu überzeugen, den Film zu produzieren, zehn Jahre nach dem Misserfolg von Tora! Tora! Tora! Lucas gelang es auch, Francis Ford Coppola – einen weiteren Kurosawa-Fan – als Koproduzenten zu gewinnen.

Die Produktion von Kagemusha begann im April 1979 mit einem gut gelaunten Kurosawa. Die Dreharbeiten dauerten von Juni 1979 bis März 1980 und blieben nicht von Problemen verschont, unter anderem wurde der Hauptdarsteller Shintarō Katsu entlassen. Katsu wurde daraufhin durch Tatsuya Nakadai ersetzt, der zu diesem Zeitpunkt seine erste von zwei Hauptrollen mit Kurosawa spielte. Der Film wurde mit einigen Wochen Verspätung fertiggestellt und kam im April 1980 in Tokio in die Kinos. Kagemusha wird in Japan schnell zu einem Hit. Auch im Ausland war er ein Erfolg, sowohl bei den Kritikern als auch an den Kinokassen. Im Mai gewann der Film bei den Filmfestspielen in Cannes 1980 die Goldene Palme. Trotzdem bemängeln einige Kritiker damals und auch heute noch eine gewisse Kälte im Film. Kurosawa verbrachte den Rest des Jahres 1980 damit, seinen Film zu bewerben, Auszeichnungen entgegenzunehmen und seine Gemälde, die als Storyboards dienten, auszustellen.

Der internationale Erfolg von Kagemusha ermöglichte es Kurosawa, sein nächstes Projekt, Ran (乱, Ran?), ein weiteres Epos, in Angriff zu nehmen. Das Drehbuch, das teilweise auf der Tragödie König Lear von William Shakespeare basiert, beschreibt einen blutrünstigen daimyō (gespielt von Tatsuya Nakadai), der seinen einzigen loyalen Sohn verstößt und sein Königreich seinen beiden anderen Söhnen vermacht, die ihn bald verraten und das gesamte Königreich in einen Bruderkrieg stürzen. Die japanischen Filmstudios zögerten, einen der teuersten Filme in der Geschichte des Landes zu produzieren, und wieder einmal war eine Finanzierung aus dem Ausland erforderlich. Diesmal ist es der französische Produzent Serge Silberman, der Kurosawa zu Hilfe kommt. Die Dreharbeiten begannen erst im Dezember 1983 und dauerten über ein Jahr.

Im Januar 1985 erkrankte Kurosawas Frau Yōko und die Produktion von Ran wurde gestoppt. Yōko stirbt am 1. Februar im Alter von 64 Jahren. Die Premiere des Films findet am 31. Mai 1985 auf dem Internationalen Filmfestival in Tokio statt. Der Film ist in Japan ein bescheidener finanzieller Erfolg, im Ausland jedoch ein weitaus größerer. Wie zuvor bei Kagemusha beginnt Kurosawa eine Tour durch Europa, um seinen Film bis zum Ende des Jahres zu bewerben.

Ran gewann in Japan mehrere Auszeichnungen, wurde aber nicht so gefeiert wie andere Werke Kurosawas aus den 1950er und 1960er Jahren. Die Filmwelt war sehr überrascht, als Japan 1986 beschloss, den Film nicht für den Oscar für den besten fremdsprachigen Film zu nominieren. Kurosawa und die Produzenten führten diese Entscheidung jedoch auf ein Missverständnis zurück: Aufgrund der komplizierten Regeln der Academy wusste niemand, ob der Film für Japan, für Frankreich (durch seine Finanzierung) oder für beide Länder antreten konnte. Als Reaktion auf diesen kleinen Skandal setzte sich der Regisseur Sidney Lumet dafür ein, dass Kurosawa für den Oscar für die beste Regie nominiert wurde (den in diesem Jahr Sydney Pollack für Out of Africa gewann). Die Kostümbildnerin von Ran, Emi Wada, erhielt schließlich den einzigen Oscar des Films.

Kagemusha und Ran werden oft als die erfolgreichsten Filme von Akira Kurosawa bezeichnet. Nach seiner Veröffentlichung erwähnte Kurosawa Ran als seinen besten Film, im Gegensatz zu seiner üblichen Haltung, auf die Frage nach seinem besten Film mit „der nächste“ zu antworten.

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Letzte Arbeiten (1987-1998)

Für seinen nächsten Film wählte Kurosawa ein Thema, das sich stark von dem unterschied, was er im Laufe seiner Karriere behandelt hatte. Träume (夢, Yume?), ein zutiefst persönlicher Film, basiert vollständig auf den eigenen Träumen des Regisseurs. Zum ersten Mal seit fast vierzig Jahren schrieb Kurosawa das Drehbuch allein. Obwohl das veranschlagte Budget geringer war als Ran, zögerten die japanischen Filmstudios weiterhin, einen neuen Kurosawa-Film zu produzieren. Der Filmemacher wandte sich an einen anderen seiner berühmten Bewunderer, den amerikanischen Regisseur Steven Spielberg, der Warner Bros. überredete, die Filmrechte aufzukaufen. Hisao Kurosawa, Akiras Sohn, Koproduzent und späterer Leiter von Kurosawa Productions, konnte dadurch leichter einen Kredit in Japan aushandeln, um die Produktionskosten zu decken. Die Dreharbeiten dauerten über acht Monate, und Dreams wurde erstmals im Mai 1990 bei den Filmfestspielen in Cannes gezeigt. Der Empfang bei den Filmfestspielen war höflich, aber zurückhaltend, und so sollte es auch bei der internationalen Ausstrahlung sein.

Kurosawa wandte sich dann einer konventionelleren Geschichte zu, Rhapsodie im August (八月の狂詩曲, Hachi-gatsu no kyōshikyoku?), die sich mit den Narben der Atombombe von Nagasaki am Ende des Zweiten Weltkriegs befasst. Das Drehbuch ist eine Adaption des Romans von Kiyoko Murata, doch die Hinweise auf die Bombardierung stammen vom Regisseur und nicht aus dem Buch. Der Film, der erste vollständig in Japan produzierte Film seit Dodes“kaden, ist auch der erste Film Kurosawas, in dem ein amerikanischer Filmstar auftritt, in diesem Fall Richard Gere in der kleinen Rolle des Neffen der Heldin. Die Dreharbeiten fanden Anfang 1991 statt und der Film kam am 25. Mai desselben Jahres in die Kinos. Die Kritiken waren sehr schlecht, vor allem in den USA, wo Kurosawa des Antiamerikanismus beschuldigt wurde.

Kurosawa verlor keine Zeit und widmete sich sehr schnell seinem nächsten Projekt, Madadayo (まあだだよ, Mādadayo?). Basierend auf den autobiografischen Essays von Hyakken Uchida verfolgt der Film das Leben eines japanischen Deutschlehrers während des Zweiten Weltkriegs und der Nachkriegszeit. Im Mittelpunkt der Erzählung stehen die Geburtstagsfeiern mit seinen Schülern, bei denen der Protagonist seine Weigerung, sofort zu sterben, wiederholt – ein Thema, das in den Arbeiten des damals 81-jährigen Regisseurs immer häufiger auftaucht. Die Dreharbeiten begannen im Februar 1992 und endeten im September. Der Film kam am 17. April 1993 in die Kinos, erntete jedoch noch schlechtere und enttäuschendere Kritiken als seine beiden vorherigen Filme.

Dieser Misserfolg hielt Kurosawa jedoch nicht von seiner weiteren Arbeit ab. 1993 schrieb er das Originaldrehbuch zu Das Meer schaut zu (海は見ていた, Umi wa miteita?), 1995 folgte das Drehbuch zu Nach dem Regen (雨あがる, Ame agaru?). Bei der Fertigstellung des Films im Jahr 1995 stürzte Kurosawa und brach sich die Basis seiner Wirbelsäule. Nach diesem Unfall war er für den Rest seines Lebens auf einen Rollstuhl angewiesen und alle Hoffnungen, dass er jemals wieder einen neuen Film drehen würde, erloschen. Sein lebenslanger Wunsch – bei den Dreharbeiten zu einem Film zu sterben – wird nie in Erfüllung gehen.

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Tod und posthume Werke

Nach diesem Unfall im Jahr 1995 begann sich Akira Kurosawas Gesundheit zu verschlechtern. Während sein Geist noch immer wach und stark ist, lässt ihn sein Körper im Stich. In den letzten sechs Monaten seines Lebens bleibt der Filmemacher zu Hause im Bett, hört Musik und sieht fern. Am 6. September 1998 starb Akira Kurosawa im Alter von 88 Jahren an einem Schlaganfall in Setagaya (Tokio).

Nach Kurosawas Tod wurden mehrere posthume Werke produziert, die auf seinen Drehbüchern basierten. Der Film Nach dem Regen (雨あがる, Ame agaru?) unter der Regie von Takashi Koizumi kam 1999 heraus, und Das Meer schaut zu (海は見ていた, Umi wa miteita?) unter der Regie von Kei Kumai kam 2002 in die Kinos. Das Drehbuch zu Dora-Heita, das der Club der Vier Ritter zur Zeit der Produktion von Dodes“kaden geschrieben hatte, wurde schließlich von Kon Ichikawa, dem einzigen noch lebenden Mitglied des Clubs, inszeniert. Dora-heita kam im Jahr 2000 in die Kinos.

Alle biografischen Quellen stimmen darin überein, dass Kurosawa ein bodenständiger Regisseur war, der leidenschaftlich in jeden Aspekt der Produktion seiner Filme involviert war. Wie ein Journalist zusammenfasste, „schrieb er seine Drehbücher (mit), überwachte das Design, ließ die Schauspieler proben, setzte alle Pläne um und schnitt den Film“. Seine aktive Beteiligung erstreckte sich also vom ersten Konzept des Films bis zu seiner Fertigstellung.

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Schreiben des Drehbuchs

Kurosawa wiederholte gerne, dass das Drehbuch die absolute Grundlage für einen guten Film sei und dass ein schlechter Regisseur zwar manchmal aus einem guten Drehbuch einen ordentlichen Film machen könne, ein großer Regisseur aber niemals aus einem schlechten Drehbuch einen guten Film machen könne. In der Nachkriegszeit begann er, mit einer Gruppe von fünf Drehbuchautoren zusammenzuarbeiten: Eijirō Hisaita, Ryūzō Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni und Masato Ide. Welche Mitglieder dieser Gruppe auch immer an einem Film arbeiteten, sie trafen sich an einem Tisch, oft in einem Kurort, wo sie nicht von der Außenwelt abgelenkt werden konnten. So wurde zum Beispiel Die sieben Samurai auf diese Weise geschrieben. Normalerweise arbeiteten sie, abgesehen von Oguni, der als Schiedsrichter fungierte, alle an denselben Seiten und Kurosawa wählte dann die beste Version jeder der betreffenden Szenen aus. Diese Methode wurde gewählt, „um jedem Beitragenden die Möglichkeit zu geben, sich selbst zu präsentieren und die Dominanz des jeweiligen Standpunkts zu kontrollieren“.

Oftmals verfasste Kurosawa in dieser Phase neben dem eigentlichen Drehbuch zahlreiche sehr detaillierte Notizen, um seine Gedanken auszuarbeiten und zu präzisieren. So schrieb er für „Die sieben Samurai“ sechs Hefte, in denen er unter anderem detaillierte Biografien der Samurai anlegte, z. B. was sie trugen und aßen, wie sie gingen, sprachen, sich benahmen und sogar, wie sie ihre Schuhe schnürten. Für die 101 Bauernfiguren im Film legte er ein Register von 23 Familien an und bat die Schauspieler, während der gesamten Dreharbeiten im Rahmen dieser „Familien“ zu leben und zu arbeiten.

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Storyboards

Akira Kurosawa fertigte zahlreiche Storyboards für seine Filme an. Diese vorbereitenden Zeichnungen, über zweitausend an der Zahl, beeindrucken durch ihr Gespür für Ausdruck, Emotionen, Licht, Kostüme und Bildausschnitt. Diese Zeichnungen gelten als vollwertige Kunstwerke, die auch für diejenigen zugänglich sind, die seine Filme nicht kennen, und werden regelmäßig ausgestellt. Die letzte Ausstellung in Frankreich fand 2009 in Paris im Petit Palais statt.

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Drehen

Kurosawa war am Set ein Perfektionist und verbrauchte enorm viel Energie und Zeit, um den von ihm angestrebten visuellen Effekt zu erzielen. Seine diktatorische Art der Regie brachte ihm den Spitznamen Tennō ein, wörtlich übersetzt Kaiser.

Für seine ersten Filme verwendete Kurosawa Standardobjektive und eine große Tiefenschärfe. Ab Die sieben Samurai (1954) änderten sich seine Aufnahmetechniken jedoch radikal, indem er Objektive mit langer Brennweite und mehrere Kameras einsetzte. Kurosawa behauptete, dass die gleichzeitige Verwendung dieser Objektive und mehrerer Kameras die Möglichkeit bietet, aus einer größeren Entfernung zu filmen, ohne dass die Schauspieler wissen, welche Kamera beim Endschnitt verwendet wird, wodurch sie viel natürlicher spielen können. Tatsuya Nakadai gibt übrigens zu, dass ihm die Mehrfachkameras bei seinen Auftritten mit dem Regisseur geholfen haben. Diese Änderungen haben auch einen großen Einfluss auf das Aussehen der Actionszenen des Films, insbesondere bei der finalen Schlacht im Regen. Laut Stephen Prince „kann er mit den Teleobjektiven unter die Pferde und zwischen ihre Hufe fahren und uns so auf eine visuell beispiellose Weise in das Chaos dieser Schlacht eintauchen lassen, sei es in seiner eigenen Arbeit oder im Samurai-Kino allgemein“.

In Die verborgene Festung verwendet Kurosawa zum ersten Mal in seiner Karriere das anamorphotische Breitbildformat. Diese drei Techniken (langbrennweitige Objektive, mehrere Kameras und Breitbildformat) wurden später von Kurosawa voll ausgenutzt, selbst in Szenen, in denen keine oder nur wenig Handlung zu sehen war. Beispielsweise werden durch den Einsatz dieser Techniken in den ersten Szenen von Zwischen Himmel und Hölle die Spannungen und Machtverhältnisse zwischen den verschiedenen Figuren intensiviert und dramatisiert, und das alles in einem sehr begrenzten Raum.

Bei all seinen Filmen, insbesondere bei seinen jidai-geki, besteht Kurosawa auf der absoluten Authentizität der Kulissen, Kostüme und Requisiten. So lässt der Regisseur in Das Schloss der Spinne in der Szene, in der Washizu (Mifune) von den Pfeilen seiner eigenen Männer angegriffen wird, echte Pfeile (ausgehöhlt und an Fäden geführt) aus einer Entfernung von etwa drei Metern auf Mifune schießen. Markierungen auf dem Boden sorgen dafür, dass der Schauspieler nicht getroffen wird. Einige Pfeile landeten jedoch nur wenige Zentimeter von Mifune entfernt, der daraufhin an Albträumen litt. Mifune gab später zu, dass er sich nicht anstrengen musste, um auf der Leinwand verängstigt zu wirken.

In Barbarossa lässt Kurosawa seine Assistenten für den Bau des Tores der Klinik alte Kulissen aus verrottetem Holz abbauen und das Holz verwenden, um ein Tor zu schaffen, das aussieht, als sei es vom Zahn der Zeit verwüstet worden. Für die Tassen, die die Figuren im selben Film benutzen, befahl Kurosawa seinen Mitarbeitern, den Tee von 50 Jahren in die Tassen zu gießen, damit sie genug Farbe bekamen.

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Montage

Im Laufe seiner Karriere weist Kurosawa oft darauf hin, dass er einen Film nur dreht, um Material für den Schnitt zu haben, da dies für ihn der wichtigste und künstlerisch wertvollste Teil der Filmproduktion ist. Kurosawas Kreativteam betrachtete den Schnitt als das größte Talent des Filmemachers. Hiroshi Nezu, ein Produktionsüberwacher, erklärte: „Unter uns gesagt, wir glauben, dass er der beste Regisseur von Tōhō, der beste Drehbuchautor Japans und der beste Cutter der Welt ist. Was ihn am meisten beschäftigt, ist die Qualität des Ablaufs, das Tempo, das ein Film haben muss. Kurosawas Film fließt sozusagen an den Anschlüssen entlang“.

Teruyo Nogami, ein wiederkehrendes Mitglied des Teams des Filmemachers, bestätigt diese Ansicht: „Akira Kurosawas Schnitt war außergewöhnlich, das Werk eines Genies. .“ Sie erzählt, dass Kurosawa sich jede Einstellung genau merken konnte, und wenn sie ihm im Schneideraum die falsche Einstellung einer Szene hinhielt, bemerkte er das sofort, obwohl sie sich detaillierte Notizen machte und er nicht. Sie verglich ihr Gehirn mit einem Computer, der mit den Filmstücken das machte, was ein Computer heute macht.

Im Gegensatz zum Hollywood-Standard, den Schnitt erst nach Abschluss der Dreharbeiten vorzunehmen, pflegte Kurosawa seine Filme täglich nach und nach zu schneiden. Diese Methode half ihm sehr bei seiner Arbeit, als er anfing, mehrere Kameras gleichzeitig zu verwenden und sich mit einer großen Menge an Wiederholungen konfrontiert sah, die er zusammenfügen musste. „Ich habe immer abends geschnitten, wenn wir eine ausreichende Menge an Aufnahmen im Kasten hatten. Nachdem ich die Takes gesichtet habe, gehe ich meistens in den Schneideraum und arbeite“. Aufgrund dieser Arbeitsweise konnte die Postproduktion überraschend kurz sein. So fand beispielsweise die Premiere von Yojimbo am 20. April 1961 statt, nur vier Tage nach dem Ende der Dreharbeiten am 16. April.

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Das „Kurosawa-gumi“.

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Kurosawa arbeitete ständig mit einem geschlossenen Kreis (dem „Kurosawa-gumi“) von Personen zusammen, die er sich im Laufe seiner Karriere selbst zusammengestellt hatte. Zu den verschiedenen Technikern und Künstlern dieses Kreises gehörten u. a. :

Eine große Mehrheit der Beobachter bezeichnet Kurosawas Stil als kühn und dynamisch, und viele vergleichen ihn mit dem traditionellen Erzählstil Hollywoods, der lineares, chronologisches, kausales und historisches Denken betont. Es wurde aber auch geschrieben, dass Kurosawa seit seinem allerersten Film einen Stil ausstrahlt, der sich deutlich vom klassischen, makellosen Hollywood-Stil unterscheidet: Kurosawa zögert nicht, die auf der Leinwand dargestellte Szene durch die Verwendung vieler verschiedener Einstellungen zu stören, und widersetzt sich damit dem traditionellen, von Hollywood entwickelten 180°-Anschluss. Kurosawa tendiert durch die Verwendung von fließenden Kamerabewegungen anstelle eines konventionellen Schnitts auch dazu, eine räumliche Dimension in die zeitliche Erzählung zu integrieren.

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Der Anschluss in der Achse

In seinen Filmen aus den 1940er und 1950er Jahren verwendet Kurosawa häufig den Achsenanschluss. Die Kamera nähert sich dem Motiv oder entfernt sich von ihm, und zwar nicht durch eine Kamerafahrt oder eine Überblendung, sondern durch eine Reihe von Nahaufnahmen. In La Nouvelle Légende du grand judo beispielsweise verabschiedet sich der Held von der Frau, die er liebt, doch nachdem er sich ein wenig entfernt hat, dreht er sich um und verneigt sich vor ihr, und nachdem er sich wieder entfernt hat, dreht er sich erneut um und verneigt sich. Die drei Einstellungen werden im Film nicht durch Kamerabewegungen oder Überblendungen verbunden, sondern durch eine Reihe von zwei schnellen Schnitten. Der Effekt ist, die Dauer von Sanshiros Abreise zu betonen.

In der Eröffnungssequenz von Die sieben Samurai im Bauerndorf wird der Achsenanschluss zweimal verwendet. Als die Dorfbewohner draußen im Kreis versammelt sind und über die bevorstehende Ankunft der Banditen weinen und klagen, werden sie von oben in einer extrem langen Einstellung gesehen; dann werden sie nach einem Anschluss in einer viel näheren Einstellung gefilmt und dann in einer noch näheren Einstellung auf Bodenhöhe. Erst dann beginnt der Dialog. Einige Minuten später, als die Dorfbewohner zur Mühle gehen, um den Dorfältesten um Rat zu fragen, gibt es eine lange Einstellung der Mühle mit einem Rad, das sich langsam im Fluss dreht. Die Einstellungen folgen so aufeinander: eine lange Einstellung der Mühle mit einem Rad, das sich langsam im Fluss dreht, eine nähere Einstellung des Rades und eine noch nähere Einstellung des Rades. Da die Mühle der Ort ist, an dem der Alte lebt, ermöglichen diese Einstellungen dem Zuschauer, diese Figur mit der Mühle in Verbindung zu bringen.

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Der Anschluss in der Bewegung

Mehrere Experten haben Kurosawas Tendenz hervorgehoben, den Anschluss in der Bewegung zu verwenden. Zum Beispiel versucht der Samurai Shichirôji in einer Sequenz des Films Die sieben Samurai stehend den Bauern Manzo, der auf dem Boden sitzt, zu trösten. Shichirôji geht daraufhin auf ein Knie, um mit ihm zu sprechen. Kurosawa entschied sich, diese einfache Handlung in zwei Einstellungen statt in einer zu filmen, und verband die beiden, nachdem Shichirôji begonnen hatte, sich hinzuknien, um die Demut des Samurai hervorzuheben. Es gibt zahlreiche Beispiele in demselben Film. Die Handlung zu schneiden, sie zu fragmentieren, ist ein von Kurosawa häufig eingesetztes Mittel, um Emotionen zu erzeugen.

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Die Klappe

Kurosawas Stil ist auch durch seine Verwendung des Wipes (engl. wipe) geprägt. Dabei handelt es sich um einen mit einem optischen Drucker erzeugten Effekt, bei dem am Ende einer Szene eine Linie oder ein Balken erscheint, der sich über die Leinwand bewegt, das Bild auslöscht und gleichzeitig das erste Bild der nächsten Szene enthüllt. Als Übergangsvorrichtung wird er als Ersatz für den direkten Schnitt oder die Überblendung verwendet (obwohl Kurosawa diese beiden Vorrichtungen natürlich ebenfalls oft einsetzte). In seinen erfolgreichsten Werken setzt Kurosawa den Wipe so häufig ein, dass er zu einer Art Signatur wird. Der betrunkene Engel besteht aus nicht weniger als zwölf Wipes.

Es gibt eine Reihe von Theorien über den Zweck dieser Vorrichtung, die in der Stummfilmzeit üblich war, im Tonfilm und im realistischen Film jedoch seltener vorkam. Goodwin behauptet, dass die Klappen in Rashōmon beispielsweise einen der folgenden drei Zwecke erfüllen: die Bewegung in Kamerafahrten zu betonen, narrative Veränderungen in Hofszenen zu markieren und zeitliche Ellipsen zwischen Handlungen zu markieren (z. B. zwischen dem Ende der Aussage einer Figur und dem Beginn der Aussage einer anderen Figur). Er weist auch darauf hin, dass Kurosawa bei Die Untiefen, in dem er die Klappe kein einziges Mal verwendet, geschickt mit Personen und Requisiten im Bild hantierte, um neue Bilder erscheinen und verschwinden zu lassen, wie es eine Klappe tut.

Kurosawa verwendet die Klappe auch als satirisches Mittel in Leben. Eine Gruppe von Frauen geht zum örtlichen Regierungsbüro und bittet die Bürokraten, ein leeres Grundstück in einen Spielplatz für Kinder umzuwandeln. Der Zuschauer wird dann mit einer Reihe subjektiver Aufnahmen verschiedener Bürokraten konfrontiert, die durch schnelle Übergänge miteinander verbunden sind, wobei jede Aufnahme die Gruppe zu einer anderen Dienststelle zurückschickt. Die Verwendung der Klappe macht die Sequenz noch lustiger, die Bilder der Bürokraten sind wie Karten gestapelt, jede starrer als die vorherige.

Die Verwendung der Klappe in Kurosawas Filmen beeinflusste George Lucas bei seiner Space Opera Star Wars (1977) zutiefst.

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Der Soundtrack

Nach allgemeiner Auffassung hat Kurosawa dem Soundtrack seiner Filme stets große Aufmerksamkeit gewidmet (in Teruyo Nogamis Memoiren finden sich zahlreiche Beispiele). In den späten 1940er Jahren begann er, die Musik als Kontrapunkt zum emotionalen Inhalt einer Szene zu verwenden, anstatt einfach nur die Emotionen zu verstärken, wie es Hollywood traditionell tat (und noch immer tut). Zu dieser Herangehensweise an die Musik in seinen Filmen wurde er durch eine Familientragödie inspiriert. Als Kurosawa 1948 vom Tod seines Vaters erfuhr, begann er, ziellos durch die Straßen von Tokio zu wandern. Seine Trauer wurde noch verstärkt, als er plötzlich das fröhliche Lied Gökvalsen (Kuckuckswalzer, 1918) hörte, das von Johan Emanuel Jonasson komponiert wurde. Daraufhin beeilte er sich, dieser „schrecklichen Musik“ zu entfliehen. Dann bat er seinen Komponisten Fumio Hayasaka, mit dem er an Der trunkene Engel arbeitete, das Lied als eine Art ironische Begleitung für die Szene zu verwenden, in der der sterbende Gangster Matsunaga auf einen Tiefpunkt fällt.

Diese Herangehensweise an die Musik findet sich auch in Chien enragé, der ein Jahr nach Der betrunkene Engel erschien. In der Schlussszene kämpft Detective Murakami auf einem schlammigen Feld wütend gegen den Mörder Yusa. Plötzlich ist ein Stück von Mozart zu hören, das von einer Frau in einem benachbarten Haus auf dem Klavier gespielt wird. Die Gelassenheit von Mozarts Musik scheint wie aus einer anderen Welt und steht im Kontrast zu der primitiven Gewalt der Szene und verstärkt die Kraft der Szene. In ähnlicher Weise zwitschern in „Die sieben Samurai“ während der Mord- und Verstümmelungsepisoden Vögel im Hintergrund, wie in der ersten Szene, in der die Bauern ihr Schicksal beklagen.

In seinen Werken versuchte Akira Kurosawa, die menschliche Gesellschaft zu beschreiben oder eine Parabel auf sie zu erstellen. So schilderte er im Laufe seiner Filme die Armut (Die Unterwelt, Dodes“kaden), die Gewalt in der Stadt (Tollwütiger Hund), die Krankheit und Unbeweglichkeit der Beamten (Leben), die Umweltzerstörung (Träume) und das Alter (Madadayo).

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Die Beziehung zwischen Lehrer und Schüler

Viele Kommentatoren stellen bei Kurosawa die Redundanz der komplexen Beziehung zwischen einem älteren und einem jüngeren Mann fest, die eine Meister-Schüler-Beziehung pflegen. Dieses Thema ist eindeutig aus der persönlichen Erfahrung des Filmemachers abgeleitet. Laut Joan Mellen „verehrte Kurosawa seine Lehrer, insbesondere Kajirō Yamamoto, seinen Mentor in Tōhō. Das heilsame Bild einer älteren Person, die einen jungen Menschen unterrichtet, ruft in Kurosawas Filmen immer große emotionale Momente hervor“. Der Kritiker Tadao Satō sieht die wiederkehrende Figur des Lehrers als Ersatzvater, dessen Aufgabe es ist, den jungen Protagonisten zu führen und ihm zu helfen, zu reifen, zu wachsen.

In seinem allerersten Film, Die Legende vom großen Judo, nachdem Yano, der Judomeister, zum Lehrer und geistigen Führer der Hauptfigur wird, wird die Geschichte zu einer Chronik, wie der Held Sanshiro Sugata Schritt für Schritt zu immer größerer Meisterschaft und Reife gelangt. Die Lehrer-Schüler-Beziehungen, die in den Filmen der Nachkriegszeit auftauchen – wie Der betrunkene Engel, Tollwütiger Hund, Die sieben Samurai, Barbarossa und Dersou Ouzala – nutzen kaum direkte und theoretische Unterweisung, sondern vielmehr das Lernen durch Erfahrung und das Beispiel. Manche führen diese Eigenschaft auf die stille und private Natur der Zen-Erleuchtung zurück.

Mit Kagemusha, der Schatten des Kriegers, entwickelt sich diese Beziehung weiter. Ein Dieb, der dazu auserwählt wurde, den Doppelgänger eines hohen Herrn zu spielen, setzt seine Imitation nach dem Tod seines Meisters fort. Die Anwesenheit des Meisters ist dann geisterhaft, und die Beziehung zwischen den beiden Figuren wird aus dem Jenseits heraus aufrechterhalten. Anders als in früheren Filmen führt das Ende dieser Beziehung dann nicht zur Erneuerung des Lebens und seiner Verpflichtungen, sondern zum Tod. In seinem neuesten Film Madadayo – der die Beziehung zwischen einem Lehrer und seinen ehemaligen Schülern beschreibt – taucht jedoch wieder eine fröhlichere Vision auf. Das von Kurosawa geschilderte Fest hebt die einfachen Freuden hervor, die die Lehrer-Schüler-Beziehung, die verwandtschaftlichen Beziehungen und die einfache Tatsache, am Leben zu sein, bereiten können.

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Der Held

Kurosawas Kino ist ein episches, heroisches Kino, dessen Filme von einem einzigen Helden angeführt werden, dessen Taten und Schicksal mehr zählen als sein eigenes Leben. Kurosawas Entstehung dieses einzigartigen Helden fällt mit der Nachkriegszeit und dem Ziel der Besetzung Japans durch die USA zusammen, den japanischen Feudalismus durch Individualismus zu ersetzen. Die politische Entwicklung des Landes missfiel dem Filmemacher, der daraufhin versuchte, seinen eigenen Filmstil zu entwickeln. Laut dem Kritiker Tadao Sato litt das japanische Volk sehr unter der militärischen Niederlage des Landes und erkannte, dass die Regierung weder gerecht noch zuverlässig war. In dieser Zeit der Zweifel und Unsicherheiten drehte Kurosawa eine Reihe von Filmen, die die Meinung des Volkes unterstützten, dass der Sinn des Lebens nicht vom Land oder der Nation diktiert wird, sondern etwas ist, das jeder Einzelne im Leiden entdecken muss. Der Regisseur selbst ist sich dieser Verbindung zwischen seiner Einstellung und der des Volkes bewusst: „Ich spürte, dass es ohne die Etablierung des Selbst als positiven Wert weder Freiheit noch Demokratie geben kann“.

Der erste dieser Nachkriegshelden war eine Heldin, Yukie Yagihara, gespielt von Setsuko Hara in Je ne regrette rien de ma jeunesse. Diese Heldin zögerte nicht, ihrer Familie und ihrem sozialen Umfeld zu entfliehen, beharrte angesichts der Hindernisse, auf die sie stieß, nahm ihr Leben und das der anderen in die Hand und war mit existenzieller Einsamkeit konfrontiert. All diese Elemente bilden das erste zusammenhängende Beispiel für Kurosawas Heldentum. Diese existenzielle Einsamkeit wird auch von Dr. Sanada (gespielt von Takashi Shimura) in Der trunkene Engel verdeutlicht: Sanada widersetzt sich der Tradition und kämpft allein für eine bessere Welt.

Die sieben Samurai wird als Kurosawas ultimative Darstellung des idealen Helden dargestellt. Laut Joan Mellen ist der Film in erster Linie eine Hommage an die Klasse der Samurai, die für den Regisseur das Beste der japanischen Tradition und Integrität darstellt. Der Bürgerkrieg und das damit verbundene Chaos veranlasst die Samurai, ihre Selbstlosigkeit zu kanalisieren und den Bauern gegenüber loyal zu bleiben. Doch dieser Heroismus ist sinnlos und vergeblich: Der Mut und die Geschicklichkeit der Samurai können ihre endgültige Vernichtung nicht verhindern.

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Die Natur

Die Natur ist ein entscheidendes Element in den Filmen von Akira Kurosawa. Wie viele japanische Künstler ist der Regisseur sehr empfänglich für die Feinheiten und die Schönheit der Jahreszeiten und der Landschaft. Er zögert nicht, das Klima und das Wetter als manchmal aktive Elemente der Handlung zu nutzen.

Die drückende Hitze in Tollwütiger Hund und Leben in Angst ist allgegenwärtig: Sie steht insbesondere für die Welt, die durch den wirtschaftlichen Zusammenbruch und die nukleare Bedrohung unterdrückt wird. Kurosawa selbst sagt: „Ich mag heiße Sommer, kalte Winter, starken Regen und starken Schnee, und ich denke, die meisten meiner Filme zeigen das. Ich mag die Extreme, weil ich sie lebendiger finde“.

In „Das Schloss der Spinne“ verstärkt der Nebel die Stimmung des Films. Er erzeugt beim Zuschauer einen Effekt der Ungewissheit, des Zögerns, der Bedrohung und der Angst – Gefühle, die auch die Figuren selbst erleben. Kurosawa sagt über die Kulissen: „Wir haben das Schloss am Fuße des Berges Fuji gebaut. Ich wollte Nebel haben. Im Gegensatz zu den üblichen Schlössern habe ich sie flach gemacht, so dass sie sich dicht über dem Boden schlängelt, um einen furchterregenden Eindruck zu vermitteln, so dass man ein unheilvolles Ereignis erahnt“.

Der Wind ist auch ein starkes Symbol in Kurosawas Filmografie, er ist die anhaltende Metapher für Veränderung, Schicksal und Widrigkeiten. In Der Leibwächter wehen die Winde während der letzten Schlacht, erzeugen Staubwolken und behindern die Kämpfe.

Schließlich ist der Regen bei dem Filmemacher nie neutral: Es geht nie um leichten Regen, ein kleines Rinnsal, Nieselregen, sondern immer um frenetische, heftige Regenschauer, Stürme. In Die sieben Samurai findet die letzte Schlacht im strömenden, blendenden Regen statt, was Kurosawa die Möglichkeit gibt, die verschiedenen sozialen Klassen zu verschmelzen. Doch diese Verschmelzung der sozialen Identität ist chaotisch, symbolisiert durch eine Schlacht, die sich allmählich in einen Strudel aus Regen und Schlamm verwandelt.

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Gewalt

Mit Das Schloss der Spinne aus dem Jahr 1957 zeigt sich eine Obsession für historische Zyklen mit wilder und unerbittlicher Gewalt. In diesem Film gibt es keine Freiheit, das einzige existierende Gesetz ist das von Ursache und Wirkung, dessen daraus resultierende Ereignisse in einen sich endlos wiederholenden Kreislauf eingebunden sind: Der Herr von Washizu, der Jahre zuvor seinen eigenen Herrn ermordete, um die Macht an sich zu reißen, wird aus denselben Gründen selbst von Washizu ermordet.

Die beiden Epen Kagemusha und Ran markieren einen großen Wendepunkt in Kurosawas Weltanschauung. In Kagemusha ist der Held, wo er zuvor die Ereignisse an sich reißen und sie nach seinen Impulsen gestalten konnte, nur noch ein Epiphänomen eines erbarmungslosen, blutigen Prozesses, den er nur erleiden kann. Ran wiederum ist eine Chronik der Machtgier, des Verrats eines Vaters durch seine Söhne, der Kriege und des Tötens.

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Einfluss

Die Star-Wars-Saga wurde maßgeblich von Kurosawas Werk beeinflusst. Die Handlung des ersten Films der Reihe, Star Wars, Episode IV: Eine neue Hoffnung (1977), basiert teilweise auf Die verborgene Festung, wobei George Lucas selbst zugab, dass die Charaktere C-3PO und R2-D2 auf den Figuren der beiden Bauern Tahei und Matashichi basieren. Visuell weist der Film die für Kurosawas Filme charakteristischen Wabenübergänge auf. Für den siebten Film der Reihe, Star Wars, Episode VII: Das Erwachen der Macht (2015), soll der Filmemacher J. J. Abrams Zwischen Himmel und Hölle als Referenz für die Komposition der Szenen und die Position der Figuren verwendet haben. Schließlich wurde das Drehbuch von Star Wars, Episode VIII: Die letzten Jedi (2017) laut Regisseur Rian Johnson von Rashōmon sowie von anderen Filmen beeinflusst.

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Anerkennung

Zahlreiche Filmemacher haben Kurosawas Werk und insbesondere Rashōmon gelobt. Der Filmemacher Satyajit Ray, der 1992 auf dem Internationalen Filmfestival in San Francisco posthum den Akira-Kurosawa-Preis für sein Lebenswerk als Regisseur erhielt, erwähnte ihn mit folgenden Worten:

„Die Wirkung des Films auf mich [bei seiner ersten Sichtung 1952 in Kalkutta] war elektrisierend. Ich habe ihn dreimal hintereinander gesehen und mich jedes Mal gefragt, ob es einen anderen Film gibt, der einen so dauerhaften und blendenden Beweis für die Meisterschaft eines Regisseurs über alle Aspekte des Filmschaffens liefert.“

Ingmar Bergman bezeichnete seinen eigenen Film Die Quelle als „schäbige Nachahmung von Kurosawa“. Damit erklärte er, dass seine Bewunderung für das japanische Kino 1960 ihren Höhepunkt erreicht hatte. Roman Polanski bezeichnet Kurosawa als einen seiner drei Lieblingsfilmemacher, neben Orson Welles und Federico Fellini. Die sieben Samurai, Das Schloss der Spinne und Die verborgene Festung gehören daher zu seinen Lieblingsfilmen. Bernardo Bertolucci sieht Kurosawas Einfluss als grundlegend an: „Kurosawas Filme und Fellinis La dolce vita sind die Filme, die mich dazu gebracht haben, ein Filmregisseur zu werden“. Der Filmemacher von La dolce vita bewunderte Kurosawa ebenfalls und betrachtete ihn als „das größte lebende Beispiel für alles, was ein Filmautor sein sollte“. Rashōmon gehört somit zu seinen zehn Lieblingsfilmen. Andrej Tarkowski nannte Kurosawa als einen seiner Lieblingsregisseure und zählte Die sieben Samurai zu seinen zehn Lieblingsfilmen. Sidney Lumet bezeichnete Kurosawa als den „Beethoven der Filmregisseure“. Werner Herzog, nach seinen Lieblingsfilmemachern befragt, erwähnte Rashōmon mit folgenden Worten:

„Ich habe mich immer gefragt, wie Kurosawa einen so guten Film wie Rashōmon machen konnte; das Gleichgewicht und der Rhythmus sind perfekt, und er nutzt den Raum auf so harmonische Weise. Dies ist einer der besten Filme, die je gemacht wurden“.

Robert Altman war, als er Rashōmon zum ersten Mal sah, von der Bilderfolge der Sonne so beeindruckt, dass er dieselben Sequenzen schon am nächsten Tag in seine Arbeit einbaute.

Laut Anthony Frewin, Stanley Kubricks Assistent, betrachtete Kubrick Kurosawa als einen der größten Filmregisseure und schätzte ihn sehr. Kurosawa bewunderte Kubrick ebenfalls und schickte ihm Ende der 1990er Jahre einen Fanbrief. Kubrick war von diesem Brief so gerührt, dass er mehrere Monate damit verbrachte, seine Antwort umzuschreiben. In der Zwischenzeit war Kurosawa jedoch verstorben, was ihn schrecklich erschütterte.

New-Hollywood-Größen wie Francis Ford Coppola, George Lucas, Steven Spielberg, Martin Scorsese und John Milius betrachten Kurosawa als einen Mentor, der ihre jeweiligen Werke stark beeinflusst hat. So wurde die Hochzeitsszene zu Beginn von Coppolas Film Der Pate (1972) von Die Bastarde schlafen in Frieden (1960) inspiriert, der mit einer langen Eröffnungssequenz – etwa 25 Minuten lang – beginnt, in der die Unterbrechung einer Firmenfeier durch Journalisten und die Polizei inszeniert wird. Spielberg, der an der Produktion von Träume (1990) beteiligt war, ist ebenfalls ein Bewunderer Kurosawas und bezeichnete ihn in den 1980er Jahren als „Shakespeare der Neuzeit“. Er sagte, Kurosawa habe seine Arbeit als Filmemacher und seinen ästhetischen Geschmack sowohl im Film als auch in der Kunst im Allgemeinen beeinflusst.

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Adaptionen seines Werkes

In Japan hat Kurosawas Werk zahlreiche Remakes inspiriert. Das gilt auch für Die Legende vom großen Judo, auf dem vier Filme basieren: Sugata Sanshiro von Shigeo Tanaka aus dem Jahr 1955, Sugata Sanshiro, produziert von Kurosawa und unter der Regie von Seiichiro Uchikawa aus dem Jahr 1965, A Brave Generous Era von Sadao Nakajima aus dem Jahr 1966, Dawn of Judo von Kunio Watanabe aus dem Jahr 1970 und Sugata Sanshiro von Kihachi Okamoto aus dem Jahr 1977. Der Film Chien Enragé war seinerseits Gegenstand zweier Remakes: ein Film unter der Regie von Azuma Morisaki 1973 für Shōchiku und ein Fernsehfilm unter der Regie von Yasuo Tsuruhashi 2013 für TV Asahi. 1964 drehte der Regisseur Hideo Gosha ein Remake von Die sieben Samurai mit dem Titel Die drei gesetzlosen Samurai. Schließlich inspirierte Die verborgene Festung den Film Kakushi toride no san-akunin: The Last Princess, der 2008 von Shinji Higuchi inszeniert wurde.

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Urheberrechte

Am 2. April 2007 reichte die Tōhō eine Klage gegen die Firma Cosmo Contents bezüglich des Vertriebs von Kurosawas Werken ein. Durch das Urteil wird festgestellt, ob Akira Kurosawas Filme aus der Zeit vor 1953 gemeinfrei sind oder nicht. Das Bezirksgericht Tokio verkündete sein Urteil am 14. September 2007 und stellte fest, dass die Werke von Akira Kurosawa erst am Ende des 38. Jahres nach dem Tod des Autors, d. h. am 31. Dezember 2036, gemeinfrei sein werden.

Die Filmografie von Akira Kurosawa wurde anhand der JMDb-Datenbank erstellt.

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Regisseur

Der erste Titel ist der bekannteste Titel, in der Regel der französische, es kann aber auch der japanische Titel sein (z. B. Dersu Uzala und Kagemusha).

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Drehbuchautor

Akira Kurosawa ist Autor oder Co-Autor aller Drehbücher für seine Filme mit Ausnahme von drei Filmen: Diejenigen, die die Zukunft bauen und Ich bereue nichts aus meiner Jugend (1946) und Ein wunderbarer Sonntag (1947). Er schrieb auch Drehbücher für andere Filmemacher oder war Co-Autor von Drehbüchern:

Zahlreiche Preise und Auszeichnungen wurden Kurosawa im Laufe seines Lebens verliehen.

Seine Filme wurden bei den Film-Oscars und bei den drei wichtigsten Filmfestivals der Welt ausgezeichnet: den Filmfestspielen von Cannes, den Filmfestspielen von Venedig und der Berlinale. Im Jahr 1976 wurde er als erster Filmemacher mit dem Preis der Person für kulturelle Verdienste geehrt. Bei der 62. Oscar-Verleihung (1990) erhielt er einen Ehrenoscar, der von zwei seiner größten Bewunderer gestiftet wurde: Steven Spielberg und George Lucas. Außerdem wurde er 1990 mit dem Fukuoka-Preis für asiatische Kultur und 1994 mit dem Kyoto-Preis ausgezeichnet.

Im Oktober 1998, nach seinem Tod, erhielt Kurosawa den Ehrenpreis der Nation, die erste Medaille, die jemals einem Regisseur verliehen wurde, weil er „die Nation mit seinen vielen dauerhaften Meisterwerken tief bewegt und eine glänzende Spur in der Geschichte des Weltkinos hinterlassen hat“.

In der von Sight and Sound erstellten Rangliste 2002 der größten Regisseure aller Zeiten belegte Kurosawa bei der Abstimmung der Regisseure den dritten Platz und bei der Abstimmung der Kritiker den fünften Platz.

Außerdem belegte er 1996 Platz 6 auf der Liste der 50 größten Regisseure von Entertainment Weekly, 2002 Platz 12 auf der Liste der 25 einflussreichsten Regisseure aller Zeiten von MovieMaker und 2007 Platz 11 auf der Liste der 100 größten Regisseure von Total Film.

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Auszeichnungen

Sofern nicht anders angegeben, basieren die folgenden Informationen auf der IMDb-Seite von Akira Kurosawa und der Filmografie, die von Stuart Galbraith IV, dem Biografen von Akira Kurosawa, erstellt wurde.

Kurosawa ist außerdem Preisträger des Fukuoka Asian Culture Award 1990 und des Kyoto-Preises 1994.

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Externe Links

Quellen