Agnes Martin
gigatos | Februar 23, 2022
Zusammenfassung
Agnes Bernice Martin, RCA (22. März 1912 – 16. Dezember 2004), war eine amerikanische abstrakte Malerin. Ihr Werk wurde als „Essay in Diskretion über Innerlichkeit und Stille“ bezeichnet. Obwohl sie oft als Minimalistin angesehen oder bezeichnet wird, verstand sich Martin als abstrakte Expressionistin. Im Jahr 1998 wurde sie mit der National Medal of Arts des National Endowment for the Arts ausgezeichnet. Im Jahr 2004 wurde sie in die Royal Canadian Academy of Arts gewählt.
Agnes Bernice Martin wurde 1912 als eines von vier Kindern schottisch-presbyterianischer Bauern in Macklin, Saskatchewan, geboren. Ab 1919 wuchs sie in Vancouver auf.: 237 1931 zog sie in die Vereinigten Staaten, um ihrer schwangeren Schwester Mirabell in Bellingham, Washington, zu helfen.: 237 Sie zog eine amerikanische Hochschulausbildung vor und wurde 1950 amerikanische Staatsbürgerin. Martin studierte an der Western Washington University College of Education in Bellingham, Washington, bevor sie 1942 ihren Bachelor of Arts am Teachers College der Columbia University machte. Während ihres Aufenthalts in New York begann sich Martin für moderne Kunst zu interessieren und lernte Künstler wie Arshile Gorky (1904-1948), Adolph Gottlieb (1903-1974) und Joan Miró (1893-1983) kennen. Sie belegte eine Vielzahl von Atelierkursen am Teachers College und begann, ernsthaft über eine Karriere als Künstlerin nachzudenken.
1947 nahm sie an der Summer Field School der University of New Mexico in Taos, New Mexico, teil: 237 Nachdem sie an der Columbia University Vorlesungen des Zen-Buddhisten D. T. Suzuki gehört hatte, interessierte sie sich für asiatisches Gedankengut, nicht als religiöse Disziplin, sondern als einen ethischen Kodex, eine praktische Anleitung, wie man durchs Leben kommt. Einige Jahre nach ihrem Abschluss schrieb sich Martin an der University of New Mexico in Albuquerque ein, wo sie auch Kunstkurse gab, bevor sie an die Columbia University zurückkehrte, um ihren Master of Arts (1952) in moderner Kunst zu erwerben. 1957 zog sie nach New York City und wohnte in einem Loft in Coenties Slip in Lower Manhattan: 238 In Coenties Slip lebten auch mehrere andere Künstler und deren Ateliers. Es herrschte ein starkes Gemeinschaftsgefühl, obwohl jeder seine eigenen Praktiken und künstlerischen Temperamente hatte. Der Coenties Slip war in den 1960er Jahren auch ein Zufluchtsort für die Queer-Community. Es wird vermutet, dass Martin in dieser Zeit eine romantische Beziehung mit der Künstlerin Lenore Tawney (1907-2007) hatte. Als Pionierin ihrer Zeit hat Agnes Martin ihre Sexualität nie öffentlich geäußert, sondern wurde als „heimliche Homosexuelle“ beschrieben. Die 2018 erschienene Biografie Agnes Martin: Pioneer, Painter, Icon (Pionierin, Malerin, Ikone) beschreibt mehrere romantische Beziehungen zwischen Martin und anderen Frauen, darunter die Händlerin Betty Parsons. Bei ihrer Kritik an der Arbeit anderer Künstlerinnen und Künstler verwendete sie oft eine feministische Sichtweise. Die Kunsthistorikerin Jaleh Mansoor stellte fest, dass Martin „vielleicht zu sehr in einer feministischen Beziehung zur Praxis engagiert war, um sie zu objektivieren und als solche zu bezeichnen“. Es ist erwähnenswert, dass Martin sich selbst nicht als Feministin bezeichnete und sogar einmal in einem Interview mit einer Journalistin des New Yorker sagte, sie glaube, dass „die Frauenbewegung gescheitert“ sei.
Martin war öffentlich bekannt, dass sie an Schizophrenie litt, obwohl dies bis 1962 nicht dokumentiert war. Einmal entschied sie sich sogar für eine Elektroschocktherapie im Bellevue Hospital in New York. Martin wurde von ihren Freunden aus dem Coenties Slip unterstützt, die sich nach einem ihrer Anfälle zusammenfanden, um die Hilfe eines angesehenen Psychiaters in Anspruch zu nehmen, der als Kunstsammler ein Freund der Gemeinschaft war. Ihr Kampf war jedoch ein weitgehend privater und individueller, und die vollen Auswirkungen der psychischen Krankheit auf ihr Leben sind unbekannt.
Martin verließ New York City 1967 abrupt und verschwand aus der Kunstwelt, um allein zu leben. Nachdem sie achtzehn Monate lang durch Kanada und den Westen der Vereinigten Staaten gereist war, ließ sich Martin in Mesa Portales in der Nähe von Cuba, New Mexico, nieder (1968-1977). Sie mietete ein 50-Hektar-Grundstück und lebte ein einfaches Leben in einem Lehmhaus, das sie für sich selbst baute und im Laufe der Jahre um vier weitere Gebäude erweiterte. In diesen Jahren malte sie nicht, bis sie 1971 von dem Kurator Douglas Crimp angesprochen wurde, der daran interessiert war, ihre erste nicht-kommerzielle Einzelausstellung zu veranstalten. In der Folge begann Martin zu schreiben und an verschiedenen Universitäten Vorträge über ihre Arbeit zu halten. Allmählich erwachte auch Martins Interesse an der Malerei wieder. Sie wandte sich mit ihrer Arbeit an die Pace Gallery, deren Gründer Arne Glimcher (geb. 1938) ihr lebenslanger Händler wurde. Als sie endlich in der Lage war, ein eigenes Grundstück zu besitzen, zog sie nach Galisteo, New Mexico, wo sie bis 1993 lebte: 240 Auch dort baute sie ein Lehmziegelhaus und wählte weiterhin einen strengen Lebensstil. Obwohl sie immer noch die Einsamkeit bevorzugte und allein lebte, war Martin in der Kunstwelt aktiver, reiste viel und stellte in Kanada, den Vereinigten Staaten und international aus. 1993 zog sie in eine Seniorenresidenz in Taos, New Mexico, wo sie bis zu ihrem Tod im Jahr 2004 lebte: 242
Viele ihrer Gemälde tragen positive Namen wie Happy Holiday (1999) und I Love the Whole World (2000). In einem Interview von 1989, in dem sie über ihr Leben und ihre Malerei sprach, sagte Agnes Martin: „Schönheit und Perfektion sind dasselbe. Sie kommen nie ohne Glück vor.“
Ihr Werk ist am engsten mit Taos verbunden, und einige ihrer frühen Arbeiten sind sichtlich von der Wüstenlandschaft New Mexicos inspiriert. Aber auch ihr junges Aufwachsen im ländlichen Kanada, insbesondere in den weiten und ruhigen Prärien von Saskatchewan, hat sie stark beeinflusst. Obwohl sie sich selbst als amerikanische Malerin bezeichnete, hat sie ihre kanadischen Wurzeln nie vergessen und kehrte nach ihrem Weggang aus New York im Jahr 1967 sowie während ihrer ausgedehnten Reisen in den 1970er Jahren dorthin zurück. Einige von Martins frühen Werken wurden als vereinfachte Bauernfelder beschrieben, und Martin selbst ließ ihr Werk offen für Interpretationen, was zu Vergleichen ihrer schnörkellosen, monochromen Leinwände mit Landschaften anregte.
Auf Einladung des Künstlers zog sie nach New York City.
1976 drehte sie ihren ersten Film, Gabriel, einen 78-minütigen Landschaftsfilm, in dem ein kleiner Junge spazieren geht. Ein zweiter Film, Captivity, wurde nie fertiggestellt, nachdem die Künstlerin den Rohschnitt auf die Müllhalde der Stadt geworfen hatte.
Laut einem gefilmten Interview mit ihr, das 2003 veröffentlicht wurde, war sie erst aus New York City weggezogen, als sie erfuhr, dass ihr gemietetes Loft
Neben einigen Selbstporträts und einigen Aquarelllandschaften gehören zu Martins frühen Werken auch biomorphe Gemälde in gedämpften Farben, die zwischen 1955 und 1957 während eines Stipendiums in Taos entstanden. Sie bemühte sich jedoch, Bilder aus den Jahren, in denen sie ihre ersten Schritte in die Abstraktion unternahm, aufzuspüren und zu zerstören.
Martin lobte Mark Rothko dafür, dass er „den Nullpunkt erreicht hat, so dass der Wahrheit nichts im Wege steht“. Seinem Beispiel folgend, reduzierte auch Martin die Elemente auf das Nötigste, um die Wahrnehmung von Perfektion zu fördern und die transzendente Realität zu betonen. Die Betonung von Linien, Rastern und extrem subtilen Farbflächen prägte ihren Stil. Vor allem in den Jahren ihres Durchbruchs in den frühen 1960er Jahren schuf sie quadratische Leinwände von 6 × 6 Fuß, die mit dichten, winzigen und weich gezeichneten Graphitrastern bedeckt waren. In der 1966 im Solomon R. Guggenheim Museum gezeigten Ausstellung Systemic Painting wurden Martins Raster daher als Beispiele minimalistischer Kunst gefeiert und neben Werken von Künstlern wie Sol LeWitt, Robert Ryman und Donald Judd gezeigt. Trotz ihrer minimalistischen Form unterschieden sich diese Gemälde jedoch deutlich von denen anderer Minimalisten, da sie kleine Fehler und unverkennbare Spuren der Handschrift der Künstlerin enthielten; sie scheute den Intellektualismus und bevorzugte das Persönliche und Spirituelle. Ihre Gemälde, Äußerungen und einflussreichen Schriften spiegeln oft ein Interesse an der östlichen Philosophie, insbesondere der taoistischen, wider. Wegen der zusätzlichen spirituellen Dimension ihres Werks, die nach 1967 immer mehr in den Vordergrund trat, zog sie es vor, als abstrakte Expressionistin eingestuft zu werden.
Martin arbeitete nur in Schwarz, Weiß und Braun, bevor sie nach New Mexico zog. Das letzte Gemälde, bevor sie ihre Karriere aufgab und 1967 New York verließ, „Trumpet“ (Trompete), markiert insofern eine Abweichung, als sich das einzelne Rechteck zu einem Gesamtgitter aus Rechtecken entwickelt. In diesem Gemälde wurden die Rechtecke mit Bleistift über ungleichmäßig verwaschene graue, durchscheinende Farbe gezeichnet. 1973 kehrte sie zur Kunst zurück und produzierte eine Mappe mit 30 Serigraphien, On a Clear Day. Während ihrer Zeit in Taos fügte sie ihren Rastern helle Pastellfarben hinzu, die im wechselnden Licht schimmerten. Später reduzierte Martin die Größe ihrer charakteristischen, 72 × 72 Quadratmeter großen Gemälde auf 60 × 60 Zoll und verlegte ihre Arbeit auf ätherische Farbbänder. Eine weitere Neuerung war eine Modifizierung, wenn nicht gar eine Verfeinerung der Gitterstruktur, die Martin seit den späten 1950er Jahren verwendete. In Untitled No. 4 (1994) zum Beispiel sah man die sanften Streifen von Bleistiftstrichen und Primärfarben aus verdünnter, mit Gesso vermischter Acrylfarbe. Die Linien, die dieses Gemälde umspannen, wurden nicht mit einem Lineal gemessen, sondern vom Künstler intuitiv markiert. In den 1990er Jahren wich die Symmetrie oft unterschiedlich breiten horizontalen Bändern.
Seit ihrer ersten Einzelausstellung im Jahr 1958 war Martins Werk Gegenstand von mehr als 85 Einzelausstellungen und zwei Retrospektiven, darunter die vom Whitney Museum of American Art, New York, organisierte Übersichtsausstellung Agnes Martin, die später nach Jamaika (1992-94) reiste, und Agnes Martin: Paintings and Drawings 1974-1990, organisiert vom Stedelijk Museum, Amsterdam, mit anschließenden Stationen in Frankreich und Deutschland (1991-92). Im Jahr 1998 zeigte das Museum of Fine Arts in Santa Fe, New Mexico, Agnes Martins Arbeiten auf Papier. Im Jahr 2002 zeigte die Menil Collection in Houston die Ausstellung Agnes Martin: The Nineties and Beyond. Im selben Jahr zeigte das Harwood Museum of Art an der University of New Mexico, Pandora, Agnes Martin: Paintings from 2001 sowie ein Symposium zu Ehren Martins anlässlich ihres 90.
Neben der Teilnahme an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen wie der Biennale von Venedig (1997, 1980, 1976), der Whitney Biennale (1995, 1977) und der Documenta in Kassel (1972) wurde Martin mehrfach ausgezeichnet, u. a. mit dem Lifetime Achievement Award im Namen des Women“s Caucus for Art der College Art Association (dem Governor“s Award for Excellence and Achievement in the Arts, verliehen von Gouverneur Gary Johnson, Santa Fe, New Mexico (die National Medal of Arts, verliehen von Präsident Bill Clinton und dem National Endowment for the Arts (der Goldene Löwe für den Beitrag zur zeitgenössischen Kunst auf der Biennale von Venedig (der Alexej-von-Jawlensky-Preis, verliehen von der Stadt Wiesbaden, Deutschland (und Wahl in die American Academy and Institute of Arts and Letters, New York (1989).
Seit ihrem Tod im Jahr 2004 werden weiterhin Ausstellungen gezeigt, darunter Agnes Martin: Closing the Circle, Early and Late 10. Februar 2006 – 04. März 2006 in der Pace Gallery. Weitere Ausstellungen fanden in New York, Zürich, London, Dublin, Edinburgh, Cambridge (England), Aspen, Albuquerque und British Columbia in Kanada statt. Im Jahr 2012 eröffnete das Harwood Museum of Art in Taos, New Mexico, University of New Mexico, zu Ehren ihres hundertjährigen Bestehens eine museumsweite Ausstellung mit dem Titel Agnes Martin Before the Grid. Diese Ausstellung war die erste, die sich auf die Arbeit und das Leben von Martin vor 1960 konzentrierte. Im Mittelpunkt der Ausstellung standen viele noch nie zuvor gezeigte Werke, die Martin an der Columbia University, in Coentis Slip und in den ersten Jahren in New Mexico schuf. Sie war auch die erste, die Martins Kampf mit der psychischen Gesundheit, der Sexualität und Martins wichtige Beziehung zu Ad Ad Reinhardt berücksichtigte. Im Jahr 2015 zeigte die Tate Modern eine Retrospektive ihres Lebens und ihrer Karriere von den 1950er Jahren bis zu ihrem letzten Werk im Jahr 2004, die nach der Ausstellung in London in anderen Museen zu sehen sein wird. Im University of Michigan Museum of Art war Martin in der Ausstellung Reductive Minimalism: Women Artists in Dialogue, 1960-2014 vertreten, die von Oktober 2014 bis Januar 2015 die beiden Generationen der minimalistischen Kunst nebeneinander zeigte. Die Ausstellung umfasste Anne Truitt, Mary Corse und die zeitgenössischen Künstlerinnen Shirazeh Houshiary und Tomma Abts.
Sie war auch in der Ausstellung Weiß auf Weiß zu sehen: Color, Scene, and Space im Hiroshima City Museum of Contemporary Art ausgestellt. Von Oktober 2015 bis April 2016 war Martin in der Ausstellung Opening the Box: Unpacking Minimalism in The George Economou Collection in Athen, Griechenland, neben Dan Flavin und Donald Judd ausgestellt. Von 2015 bis 2017 hatte sie zahlreiche Einzelausstellungen, unter anderem im Aspen Art Museum in Aspen Colorado, in der Tate Modern in London, im K20, Kunstsammlung Nordhein-Westfalen in Düsseldorf, im Los Angeles County Museum of Art (LACMA) in Los Angeles, im Solomon R. Guggenheim Museum in der Upper East Side, im Palace of Governors und im New Mexico Museum of History in Santa Fe. Von Februar 2017 bis August 2017 ist sie in der laufenden Ausstellung Intuitive Progression im Fisher Landau Center for Art in Long Island City, New York zu sehen.
2016 wurde im Solomon R. Guggenheim Museum in New York eine retrospektive Ausstellung ihrer Werke aus den 1950er Jahren bis 2004 gezeigt. Im Jahr 2016 war sie auch in der Ausstellung Dansaekhwa and Minimalism bei Blum & Poe in Los Angeles zu sehen und Anfang des Jahres in der Ausstellung Aspects of Minimalism: Selections from East End Collections im Guild Hall Museum in East Hampton, New York.
Sie war auch in der Ausstellung Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction (Künstlerinnen und Nachkriegsabstraktion) im Museum of Modern Art in Midtown, New York, zu sehen, das Künstlerinnen beleuchtete, die nach dem Zweiten Weltkrieg und vor dem Beginn der feministischen Bewegung arbeiteten. Die Ausstellung lief von April 2017 bis August 2017 und präsentierte Lee Krasner, Helen Frankenthaler und Joan Mitchell, Lygia Clark, Gego, Magdalena Abakanowicz, Louise Bourgeois und Eva Hesse.
Martins Werke befinden sich in bedeutenden öffentlichen Sammlungen in den Vereinigten Staaten, darunter das New Mexico Museum of Art, Santa Fe, NM; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY; The Chinati Foundation, Marfa, TX; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C.; Los Angeles Museum of Contemporary Art; The Menil Collection, Houston, TX; Metropolitan Museum of Art, New York; The Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Art, Washington, D. C. C.; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; San Francisco Museum of Modern Art; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford; Walker Art Center, Minneapolis; Whitney Museum of American Art, New York; und Des Moines Art Center, Des Moines, IA, unter anderem. Ihr Werk ist als Dauerausstellung in den ständigen Beständen der Dia Art Foundation, Beacon, New York, zu sehen.
Zu den internationalen Beständen von Martins Werken gehören die Tate in London und das Magasin 3 Stockholm Konsthall in Stockholm, Schweden.
Martin wurde zu einer Inspiration für jüngere Künstler, von Eva Hesse bis Ellen Gallagher.
Ihr Bild ist auf dem kultigen Poster Some Living American Women Artists von Mary Beth Edelson aus dem Jahr 1972 zu sehen.
1994 kündigte das Harwood Museum of Art in Taos, das zur Universität von New Mexico gehört, an, dass es sein im Pueblo-Stil erbautes Gebäude renovieren und einen Flügel Martins Werken widmen würde. Die Galerie wurde nach den Wünschen des Künstlers gestaltet, um Martins Schenkung von sieben großen, unbetitelten Gemälden aus den Jahren 1993 und 1994 unterzubringen. Das Architekturbüro Kells & Craig aus Albuquerque entwarf die achteckige Galerie mit einem über dem Kopf installierten Okulus und vier gelben Donald Judd-Bänken, die direkt unter dem Okulus platziert wurden. Die Schenkung der Gemälde sowie die Gestaltung und der Bau der Galerie wurden von Robert M. Ellis, dem damaligen Direktor des Harwood und einem engen Freund Martins, ausgehandelt und überwacht. Heute zieht die Agnes Martin Gallery Besucher aus der ganzen Welt an und wird von Wissenschaftlern mit der Chapelle du Rosaire de Vence (Matisse-Kapelle), Corbusiers Kapelle Notre Dame du Haut in Ronchamp und der Rothko Chapel in Houston verglichen.
Im Jahr 2007 wurde Martins Loving Love (2000) für 2,95 Millionen Dollar bei Christie“s in New York verkauft. Im Jahr 2015 wurde Untitled
Das Stück Redbird (1995) des Komponisten John Zorn wurde von Martin inspiriert und ihm gewidmet.
Wendy Beckett sagte in ihrem Buch American Masterpieces über Martin: „Agnes Martin spricht oft von Freude; sie sieht sie als die gewünschte Bedingung allen Lebens. Wer würde ihr da widersprechen?… Niemand, der ernsthaft Zeit vor einer Agnes Martin verbracht hat, ihre Ruhe auf sich wirken ließ, ihr unerklärliches und unbeschreibliches Glück empfing, ist jemals enttäuscht worden. Das Werk beeindruckt nicht nur durch seine Zartheit, sondern auch durch seine Kraft, und diese Kraft und dieses visuelle Interesse muss man erleben.
Das Gedicht „Gridding, after some sentences by Agnes Martin“ des Dichters Hugh Behm-Steinberg handelt von Mustern in der Natur, stellt eine Parallele zwischen Schreiben und Malen her und endet mit einer Zeile über die Bewunderung des Dichters für Martins Arbeit.
Ihr Werk inspirierte ein Google-Doodle zum 102. Jahrestag ihrer Geburt am 22. März 2014. Das Doodle nimmt farbliche Anleihen bei Agnes Martins Spätwerk, das durch weiche Kanten, gedämpfte Farben und deutlich horizontale Bänder gekennzeichnet ist, die sich in sechs vertikale Balken verwandeln, einen für jeden Buchstaben des Google-Logos.
Quellen
