Alexander Archipenko

gigatos | August 12, 2022

Zusammenfassung

Alexander Porfyrovych Archipenko war ein US-amerikanischer Bildhauer ukrainischer Abstammung. Er wurde am 30. Mai 1887 in Kiew geboren und starb am 25. Februar 1964 in New York City.

Alexander Archipenko ist der Sohn eines Ingenieurs und hat ebenfalls Mathematik studiert. Der Künstler begeisterte sich übrigens für die Beziehung zwischen Kunst und Wissenschaft. Von 1902 bis 1906 ließ er sich in Kiew und Moskau in Malerei und Bildhauerei ausbilden. In dieser Zeit begeisterte er sich für byzantinische Ikonen, Fresken und Mosaike in Kiew. Nach einem Aufenthalt in Moskau ließ er sich 1908 in Paris nieder, wo er mit den Strömungen der Avantgarde in Kontakt kam, insbesondere mit der Gruppe der Kubisten. Er lebte in La Ruche, 2, passage de Dantzig, einem ehemaligen Weinpavillon der Weltausstellung von 1889, der zu Künstlerateliers umgebaut worden war. Er arbeitete als Einzelgänger und zog es vor, im Louvre die archaische griechische Skulptur zu studieren, anstatt die Kunsthochschule zu besuchen, deren akademischen Unterricht er verachtete. Diesen Vorwurf hatte der Künstler bereits an seine Professoren an der Kunsthochschule in Kiew gerichtet, die ihn schließlich entlassen hatten. Bis zu seinen 1906 in Moskau präsentierten Arbeiten wurde er von Rodin beeinflusst, doch schon mit seinen Pariser Arbeiten im Alter von 24 Jahren etablierte er sich als einer der führenden Vertreter der avantgardistischen Bildhauerei.

1910 stellte er im Salon des indépendants in Paris aus. Am Freitag, den 21. April 1911, wurden die Werke von Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky und Archipenko auf dem XXVII. Salon des indépendants in Paris mit hetzerischen Kritiken bedacht, die denen der Ausstellung der Fauvisten in nichts nachstanden. Selbst Guillaume Apollinaire, der als „Würfelmeister“ angesehen wurde, war von dieser Ausstellung irritiert. Man warf ihnen vor, den Kubismus in die Irre zu führen, ihn zu karikieren oder gar zu antiakademisch zu sein. Die Abwesenheit von Picasso und Braque (die ausschließlich mit der Galerie von Daniel-Henry Kahnweiler ausstellten) bei dieser Ausstellung wird bedauert.

Seine erste Einzelausstellung fand 1912 in Deutschland im Museum Folkwang Hagen statt. In diesem Jahr eröffnete er in Paris eine Kunstschule, trat der Section d“Or bei und produzierte seine ersten Reliefgemälde: die sculpto-peintures. Im Oktober 1912 fand in der Galerie de la Boétie die erste Ausstellung der Gruppe der Section d“Or statt, zu der Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis und Archipenko gehörten. Einunddreißig Künstler mit zweihundert Gemälden ohne die Anwesenheit von Picasso. Die Ausstellung hat einen didaktischen Charakter: Der Kubismus trat vier Jahre nach seiner Entstehung in eine theoretische Phase ein. Die Ausstellung der Gruppe Section d“Or löst scharfe Kritik an diesen revolutionären Werken aus: Apollinaire verteidigt sie in seinen Kolumnen in L“Intransigeant oder in Vorworten zu Katalogen.

Im Jahr 1913 wurden vier seiner Werke auf der Armory Show in New York ausgestellt. Er schuf seine ersten Radierungen, die 1914 in der futuristischen italienischen Publikation Lacerba abgedruckt wurden. Er nahm 1914 am Salon des Independents und 1920 an der Biennale in Venedig teil. Während der Kriegsjahre wohnte der Künstler in Cimiez in der Nähe von Nizza. Von 1919 bis 1921 reiste er nach Genf, Zürich, Paris, London, Brüssel, Athen und in andere europäische Städte, um seine Werke auszustellen. Seine erste Soloausstellung in den USA fand 1921 in New York in der Société Anonyme statt. 1923 verließ er Berlin und ging in die USA, wo er im Laufe der Jahre mehrere Kunstschulen in New York, Woodstock, Los Angeles und Chicago eröffnete. In den folgenden dreißig Jahren unterrichtete er in den USA an Kunstschulen und Universitäten, sogar am kurzlebigen Neuen Bauhaus. Er nahm 1928 die amerikanische Staatsbürgerschaft an.

1933 stellte er im Ukrainischen Pavillon in Chicago im Rahmen der Century of Progress World“s Fair aus. Von 1937 bis 1939 war er Associate Instructor an der New Bauhaus School of Industrial Arts in Chicago. Die meisten seiner Werke in deutschen Museen wurden von den Nazis mit der Absicht beschlagnahmt, entartete Kunst zu säubern. Im Jahr 1947 schuf er Skulpturen, die von innen beleuchtet wurden. In den Jahren 1955 und 1956 begleitete er eine Wanderausstellung seiner Werke durch ganz Deutschland. Er begann, sein Buch mit dem Titel: Archipenko: 50 Jahre Schaffen 1908-1958 zu schreiben, das 1960 veröffentlicht wurde. In diesem Buch sind ein Beitrag von fünfzig Kunsthistorikern mit Texten Archipenkos über das künstlerische Schaffen vereint. Im Jahr 1962 wurde er in die American Academy of Arts and Letters gewählt.

Für Archipenko „ist es schwierig, das Werk eines Künstlers in Perioden einzuteilen“. Er fügte hinzu: „Ich habe nie einer Schule angehört: Ich wurde aus der Schule geworfen. Ich habe geforscht, erfunden und experimentiert, dann wurde ich nachgeahmt… Für jeden Künstler ist die Kunst ein kreativer Aufwärtsstrom zur individuellen Entdeckung der Wahrheit in den Formen der Natur, und die Perioden sind nur Kästchen in den Köpfen der Kritiker.“

Die Problematik, die Archipenko in der Bildhauerei anspricht, ist das Volumen und die Verbindung der Massen untereinander. In dieser Hinsicht war er noch extremer als die modernen Bildhauer wie Brancusi oder Duchamp-Villon, die wie er Mitglieder der Gruppe des Goldenen Schnitts waren. Sein Hauptanliegen ist die Leere, die die Kraft des abwesenden Objekts hat und dadurch das Volumen schafft. Die Vereinfachung, die Offensichtlichkeit der Volumen bei gleichzeitiger Beibehaltung des figurativen Aspekts sind die Prinzipien seiner Skulptur. Seine Kunst, die sich durch eine große mathematische Strenge auszeichnet, lässt dem weiblichen Körper einen herausragenden Platz. Er erinnert sich gerne an die allgegenwärtigen Steinidole der alten Slawen in seiner Kindheit.

Picasso hatte die ersten Regeln dieser bildhauerischen Grammatik ausgearbeitet: Mehrfarbigkeit, Integration verschiedenster Materialien, rhythmische Verwendung von Ebenen, Erscheinen von Formen im Lichtraumprofil. Wie die Malerei beschäftigte sich auch die kubistische Skulptur hauptsächlich mit den Beziehungen zwischen den Objekten und dem Raum, mit den Volumen und Leerräumen, die sie voneinander trennten oder in die sie sich einfügten. Der Einfluss des italienischen Futurismus, vor allem durch Boccioni, den Archipenko 1912 kennengelernt hatte, führte zur Bildung dynamischer Formen. Archipenko erforschte insbesondere die Dialektik von konkaven und konvexen Formen.

Er entwickelte einen persönlichen Stil mit stereometrisch vereinfachten Körpermassen, im Raum aufgerichteten Figuren, abgeschrägten Formen, spitzen Winkeln und kristallinen Brüchen, der aus dem formalen Inventar des Kubismus stammt und auch vom Manierismus inspiriert ist.

Mit Ausnahme von Boccioni hat kein Bildhauer die Analyse des Raums, das zentrale Problem dieses Jahrzehnts, so absolut gesetzt wie er. Kein Künstler hat das Zusammenspiel von Volumen und Leere auf so persönliche Weise in expressive und lyrische, dynamische und statuarische Bereiche vorangetrieben. Ihm gelang die Vereinigung von formaler Strenge und spielerischer Attraktivität. Er vereinte in einer Form die vier Unfassbaren: Raum, Transparenz, Licht und Reflexion.

Torso (1909) ist seine erste Skulptur mit kubistischen Tendenzen. Sie zeigt, wie er Volumen auflöst und durchlöchert, um Raum in sie zu bringen.

1909 und im folgenden Jahr wusste er noch nichts vom Kubismus und ließ sich von den in sich gekehrten Skulpturen von Barlach oder Köllwitz inspirieren (Frau und Katze 1910 oder Frau mit Katze 1911). 1911/12 entfalten sie sich und man ahnt den kubistischen Einfluss in ihren aufgeblasenen Schenkeln und Armen oder im Gegenteil einen Etizismus (Femme marchant, 1912). Ab 1911 nahm er aktiv an der kubistischen Bewegung teil. Die plastischen Probleme, mit denen sich seine Skulptur damals befasst, sind entschieden neu: volle Volumen, Beziehungen zwischen leeren und vollen Volumen, vertiefte Volumen. Er möchte die „abwesende Realität“ symbolisieren. Mit Femme qui marche aus dem Jahr 1912 spart er zum ersten Mal einen Kopf in Negativform ein. 1912 identifiziert er sein Lieblingsthema: Durchdringung von Körper und Raum, Entwicklung von konkaven und konvexen Kurven, so dass die skulpturale Form durch ihre Matrix gewissermaßen wahrnehmbar wird. Er entwickelt seine eigene Theorie der komplementären Formen: Jede Leere erzeugt ihren imaginären Gegenpol.

Mit dem 1912 entstandenen Medrano schuf er eine erste Assemblage aus verschiedenen bemalten Materialien (Glas, Holz und Metall). In seiner ständigen künstlerischen Suche entwickelte er neue kreative Methoden und schuf eine Interaktion zwischen Malerei und Skulptur. Bei Medrano I Le Jongleur aus dem Jahr 1912 verwendet er Holz, Glas und Metalldraht. Medrano sind Gliederpuppen, die wie Harlekine aus Holz aussehen, indem sie Glas, Metallfolie, Draht, Zylinderkegel und Scheiben verwenden, die durch eine mehrfarbige Bemalung dynamisiert werden. Durch diese Befreiung der Form brach Archipenko mit der traditionellen Bildhauerei und etablierte sich als einer der Meister der Avantgarde. Er knüpfte an ein Genre an, das seit dem 17. Jahrhundert von der westlichen Bildhauerei vernachlässigt wurde: die Polychromie.

Seine 1912 entstandenen Skulpto-Paintings sind Reliefs aus bemaltem Gips. Zwischen Malerei und Skulptur untersuchte er die wechselseitige Beziehung zwischen Form und Farbe, wobei die eine die andere betont oder abschwächt. Diese beiden Künste sind auf visueller und spiritueller Ebene vereint oder kontrastieren, alles hängt vom angestrebten Ziel ab.

Von 1913 bis 1916 dominiert die Form die Realität. Mit La danse im Jahr 1912 definiert er durch die Arabeske, die von einem Paar gebildet wird, einen aufsteigenden Innenraum, der von Leichtigkeit geprägt ist. Er organisiert diese Skulptur um die Leere herum. Bei dieser Arbeit mit Leere und Fülle hütet er sich davor, die Körper zu vollenden, deren Glieder er anhält, wenn die Plastik es ihm befiehlt, indem er die Leere als Teil einführt, wie in Femme 1915, deren Kopf um eine Lücke herum gezeichnet ist.

1913 schuf er eine Skulptur aus Draht, die Apollinaire „en baleine de parapluie“ (aus einem Regenschirm-Wal) taufte. Später geht seine Auseinandersetzung mit dem Kubismus in Richtung Konstruktivismus.

Mit La Boxe im Jahr 1913 versuchte der Künstler, die brutale Energie des Sports in abstrakte Formen umzusetzen. Die Boxer werden zu scharfen Formen reduziert, die ineinander verschachtelt sind und heftig aufeinanderprallen, die Muskeln werden durch rhythmische Energien ersetzt.

Tête constructiviste (1913) besteht aus einer Zusammenstellung von Ebenen. Der Gondoliere (1914) ist aus leicht versetzten Abschnitten zusammengesetzt, um in der futuristischen Perspektive den Sinn für Bewegung zu vermitteln. Mit Nature morte (1915) gibt dieser Innovator auch eines seiner seltenen Reliefgemälde.

Als er Anfang der 1920er Jahre in die Vereinigten Staaten kam, bekennt er sich zur Tradition: Es herrscht Glätte vor, perfekt und entspannt. Mit Femme (1920) nimmt er sofort die Skulptur mit hoher Metallfigur auf bemalter Platte wieder auf. Er wird traditionell.

Von 1924 bis 1928 entwickelte er die Archipentura.  Die Archipeintura im Jahr 1924 sind Leinwände, die durch geschickt versteckte Motoren in Bewegung gesetzt werden: Ein elektrischer Mechanismus an der Basis des Geräts verleiht dem zentralen Rahmen eine Hin- und Herbewegung und Tausende von aufeinanderfolgenden gemalten Fragmenten erscheinen auf der Oberfläche, um ein vollständiges Bild zu bilden. Diese Erfindung wurde in New York umgesetzt. Seine Suche galt stets der visuellen Belebung seiner Werke, entweder durch Löcher in der Masse, damit der Raum sie durchdringen kann, oder durch die Verwendung von Materialien wie Glas, Holz oder Metall und sogar bei seinen Skulpturengemälden durch Hinzufügen von Farbe.

En Famille (1935) ist ein Werk, das sowohl konzentriert als auch vom Konstruktivismus beeinflusst ist.

In die zwei Dimensionen schlüpft auch ein außergewöhnliches Werk wie diese weibliche Figur in Gouache, deren abwechselnd braune und weiße Massen das Relief des Körpers schaffen (Moonlight, 1937).

In den 1940er und 1950er Jahren setzte er seine künstlerischen Erkundungen fort, indem er verschiedene Materialien und Techniken verwendete. So verwendet er für Figure assise (Sitzende Figur) geschliffenen und beleuchteten Kunststoff. Er nimmt seine ursprünglichen, meist verschwundenen Formen in riesigen Formaten wieder auf (Figures d“acier 1951, Cléopâtre 1957). In den 1950er Jahren bemerkte er für einige Zeit seinen Orientierungsfehler und bemühte sich, seine Anfänge zu pastisieren oder sie zu rekonstruieren, da viele seiner Werke den Ersten Weltkrieg nicht überlebten.

Ab Ende der 1950er Jahre kehrte er zu seinem kubo-konstruktivistischen Stil zurück, mit stark geometrisierten Figuren, die bedeutungsvolle Leerstellen beibehielten und meist symmetrisch waren (Kimono 1961 oder König Salomon 1963).

Lesen Sie auch: biografii-2 – Alexander VI.

Externe Links

Quellen

1. Alexander Archipenko
2. Alexander Archipenko
3. ^ „Alexander Archipenko“. Retrieved 27 July 2022.
4. ^ Donald H. Karshan, Archipenko, Content and Continuity 1908–1963, Kovlan Gallery, Chicago, 1968. p. 40.
5. ^ Halich, W. (1937) Ukrainians in the United States, Chicago ISBN 0-405-00552-0
6. ^ „Deceased Members“. American Academy of Arts and Letters. Archived from the original on 26 July 2011. Retrieved July 30, 2011.
7. ^ File:Womans Head Picasso.jpg Picasso, Woman“s Head, modeled on Fernande Olivier
8. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
9. a b Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. április 26.)