David Bowie
gigatos | Februar 22, 2022
Zusammenfassung
David Bowie (IPA:
Bowies Leidenschaft für Musik führte dazu, dass er schon in jungen Jahren Saxophon spielen lernte. Nach der Gründung von Bands machte er Anfang der 1970er Jahre eine Solokarriere, die fünf Jahrzehnte Rockmusik umfasste und ihm den Ruf einbrachte, das Genre des Glam Rock zu perfektionieren. Bedeutend und fruchtbar war seine Zusammenarbeit mit Tony Visconti und Brian Eno, Veteranen des Glam-Rock der frühen 1970er Jahre, mit denen ihn eine enge und tiefe Freundschaft verband, die mehrere Jahre andauerte.
Obwohl dies nicht seine Haupttätigkeit war, widmete sich Bowie auch der Malerei und dem Film und arbeitete als Schauspieler mit Regisseuren wie Martin Scorsese, David Lynch und Christopher Nolan zusammen. Zu den Filmen, in denen er mitwirkte, gehören The Man Who Fell to Earth, Furyo, Miriam Wakes at Midnight, Absolute Beginners, Labyrinth, Basquiat, The Prestige und My West.
Mit rund 140 Millionen verkauften Alben ist David Bowie einer der meistverkauften Künstler der Welt und wurde 2007 vom Forbes-Magazin zum viertreichsten Sänger der Welt ernannt. Er gilt als einer der einflussreichsten Musikkünstler des 20. Jahrhunderts und wurde 2008 auf Platz 23 der Rolling Stone-Liste der 100 besten Sänger geführt, auf der Life on Mars, Space Oddity, Fame und Heroes als seine besten Songs genannt werden. Darüber hinaus sind fünf seiner Alben in der Liste der 500 besten Alben des Rolling Stone enthalten. 2019 wurde Bowie in einer von BBC Two durchgeführten Umfrage zum „größten Entertainer des 20. Jahrhunderts“ gewählt.
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Kindheit und Adoleszenz (1947-1961)
David Robert Jones wurde am 8. Januar 1947 in Brixton, einem südlichen Vorort von London, geboren. Seine Mutter, Margaret Mary Burns, genannt „Peggy“, war Kassiererin in einem Kino, während sein Vater, Haywood Stenton Jones, ein ehemaliger Soldat war, der gerade von der Front zurückgekehrt war und später Gefängnisdirektor des Bromley-Gefängnisses wurde. Im Alter von sechs Jahren zog er mit seiner Familie von der Stansfield Road 42 in ein neues Haus in Bromley, einem anderen Vorort im Süden Londons, wo er sich bald für Musik aus den Vereinigten Staaten interessierte: „Als ich noch sehr klein war, sah ich meine Cousine zu Elvis“ Hound Dog tanzen“, erzählte er später, „und ich hatte sie noch nie zu einem anderen Lied so aufstehen und wackeln sehen. Die Kraft dieser Musik hat mich wirklich getroffen. Schon während seiner Schulzeit hörte David Platten von Fats Domino und Little Richard und entwickelte ein wachsendes Interesse an Rhythm and Blues, Skiffle und Rock “n“ Roll sowie an anderen Kunstformen. Als er von einem Lehrer gefragt wurde, was er werden wolle, wenn er erwachsen sei, sagte er, er wolle der britische Elvis sein.
Eine Schlüsselrolle in seiner musikalischen Entwicklung spielte sein Halbbruder Terry Burns, der 1937 aus einer früheren Beziehung mit seiner Mutter hervorging. Terry war für mich der Anfang von allem“, sagte David Jahre später, „er las viele Beat-Autoren und hörte Jazz-Musiker wie John Coltrane und Eric Dolphy… als ich noch zur Schule ging, fuhr er jeden Samstagabend in die Stadt, um in verschiedenen Clubs Jazz zu hören… er ließ sich die Haare wachsen und war auf seine Art ein Rebell… all das hatte einen großen Einfluss auf mich. Terry, der von den 1970er Jahren bis 1985 in der psychiatrischen Abteilung des Londoner Cane Hill Hospitals untergebracht war und sich das Leben nahm, indem er sich vor einen Zug warf, inspirierte den Sänger in vielerlei Hinsicht, wie das Album The Man Who Sold the World von 1970 und Titel wie The Bewlay Brothers von 1971 und Jump They Say von 1993 zeigen.
1958 begann David als Chorknabe in der St. Mary“s Church mit seinen Freunden George Underwood und Geoffrey MacCormack zu singen, und im folgenden Jahr bekam er sein erstes Saxophon von seiner Mutter geschenkt. Auf Anraten von Terry nahm er Unterricht bei dem Jazz-Saxophonisten Ronnie Ross: „Für mich repräsentierte das Saxophon die Beat-Generation der Westküste, diese Periode der amerikanischen Kultur, die mich so sehr faszinierte. Dieses Instrument wurde für mich zu einem Symbol, zu einem Symbol der Freiheit. Im Laufe seiner Karriere lernte er viele Instrumente zu spielen, wobei er auf der Rhythmusgitarre mehr Geschick bewies als auf der Leadgitarre.
Eine weitere prägende Erfahrung in Davids musikalischer Ausbildung war eine kurze Tätigkeit in einem Plattenladen in Bromley, bei der er von der Musik von James Brown, Ray Charles und Jackie Wilson fasziniert war, die damals in Europa kaum bekannt waren. 1960 schloss er sich einer Gruppe von Schülern an der Bromley Technical High School an, die sich für Kunst interessierten, und seine kreativen Talente wurden von dem progressiven Lehrer Owen Frampton gefördert, dem Vater des Gitarristen Peter Frampton, mit dem er später zusammenarbeiten sollte. Zwei Jahre später ergab sich die Gelegenheit, in einer der Schulbands von George Underwood mitzuspielen, und Davids künstlerisches Abenteuer begann.
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Die Vor-Deram-Jahre (1962-1966)
Mitte 1962 schlossen sich David und Underwood mit einigen Schülern zusammen, die eine Gruppe namens The Kon-rads gebildet hatten, die Anfang 1962 von den Schülern der Bromley Technical High School, Neville Wills und Dave Crook, gegründet worden war. Underwood bot ihnen an, für sie zu singen und brachte David im Juni mit, um Joe Browns A Picture of You zu singen und bei einer Coverversion von Bruce Channels Hey! Baby von Bruce Channel. David begann, sein Tenorsaxophon zu benutzen, und die Kon-rads erlebten ein Revival. Das erste dokumentierte Konzert fand am 16. Juni im Rahmen eines Schulfestes statt. „Die Kon-Rads haben alle Songs gecovert, die in den Charts waren“, erzählte David 30 Jahre später. „Wir waren eine der besten Coverbands in der Gegend und haben viel gearbeitet.“
Ende des Jahres verließ Underwood die Band und wurde durch einen neuen Sänger, Roger Ferris, ersetzt, während David Crook am Schlagzeug durch Dave Hadfield ersetzt wurde. Rocky Shahan am Bass, Gitarrist Alan Dodds und die Backgroundsängerinnen Christine und Stella Patton verstärkten die Band. „Ursprünglich kam ich als Saxophonist dazu“, sagt David, „aber dann wurde unser Sänger Roger Ferris im Civic in Orpington von ein paar schmierigen Typen verprügelt, also habe ich angefangen zu singen“. Die Kon-rads spielten in Jugendclubs, Gemeindehäusern und hatten sogar eine braune Korduniform. David experimentierte mit seiner Bühnenpräsenz und führte neue Ideen ein, um die Band attraktiver“ zu machen, änderte den Namen in Dave Jay, inspiriert von der Beatgruppe Peter Jay and the Jaywalkers, und begann auch, eigene Songs zu komponieren, von denen einige in das Repertoire der Band aufgenommen wurden, das Songs wie In the Mood, China Doll und Sweet Little Sixteen umfasste. In dieser Zeit schlug ihm Underwood während eines Streits in der Schule über ein Mädchen namens Carol Goldsmith auf das linke Auge, und der Ring an seinem Finger verursachte eine chronisch-traumatische Mydriasis. Das Ergebnis war eine dauerhafte Pupillenerweiterung, die seine Augen für immer prägen sollte und ihm eine veränderte Wahrnehmung von Tiefe und Licht bescherte („wenn ich Auto fahre, sehe ich die Autos nicht auf mich zukommen, ich sehe sie nur größer werden“, sagte er 1999). Die offensichtlichste Folge dieses Schlages war, dass die Pupille seines linken Auges dauerhaft erweitert blieb. Entgegen der landläufigen Meinung hat sich die Farbe der Iris nicht verändert, obwohl man aufgrund der gelähmten Pupille den Eindruck gewinnen kann, dass das linke Auge grünlich ist, während das rechte Auge blau geblieben ist.
Im August 1963 lud der Manager von Decca Records, Eric Easton, die Kon-rads zum Vorspielen ein, nachdem er sie bei einem Konzert in Orpington gesehen hatte. Am 30. August beschloss die Gruppe in den Decca-Studios in West Hampstead, I Never Dreamed aufzuführen, ein Lied, das David aufgrund der Nachricht von einem Flugzeugabsturz geschrieben hatte. Der 16-jährige David schrieb nicht nur den Text des Liedes, sondern trat auch als Backgroundsänger auf und spielte Saxophon bei seiner ersten bekannten Studioaufnahme. Das Vorsprechen war jedoch erfolglos und trug zu seinem Ausstieg bei den Kon-Rads bei. Schon bald wurden die Kon-Rads für David zu eng: „Ich wollte in den Rhythm and Blues“, erzählte er später, „aber sie waren nicht einverstanden. Sie wollten bei den Top 20 bleiben. Also bin ich gegangen.
Nach seinem Abschluss an der Bromley Technical High School begann David eine Ausbildung zum Illustrator bei der amerikanischen Werbeagentur J. Walter Thompson. „Ich war Junior-Visualisierer“, sagte er 1993, „das war eine wichtige Qualifikation, aber ich habe eigentlich nur Collagen gemacht. Und ich hatte nie eine Chance, mich zu beweisen, weil es in der Agentur von Talenten nur so wimmelte. Ein positiver Aspekt der Arbeit war die Begegnung mit Ian, einem weiteren John Lee Hooker-Fan: „Ich habe in einem Laden in Soho ein John Lee Hooker-Album und ein Bob Dylan-Album gefunden. Ich kaufte zwei Exemplare von beiden, und da Ian mich mit John bekannt gemacht hatte, schenkte ich ihm das Dylan-Album. Ich habe diese beiden Künstler an einem Tag entdeckt. Es war etwas Magisches. „Der Einfluss der Musik des amerikanischen Bluesman zeigt sich im Namen des Trios, das David nach den Kon-rads mit George Underwood an der Gitarre und der Mundharmonika und dem Schlagzeuger Viv Andrews gründete: The Hooker Brothers (obwohl sie manchmal auch unter anderen Namen wie The Bow Street Runners und Dave“s Reds & Blues auftraten). Die Band spielte Covers und hatte ein paar Auftritte in Peter Melkins Bromel Club und am Ravensbourne College of Art, aber das war nur von kurzer Dauer, und nach ein paar Auftritten verließ Andrews die Band. David und Underwood legten den Grundstein für das Trio, mit dem sie ihre erste Platte, die King Bees, eine 45er namens Liza Jane, aufnehmen sollten. Der Name der Gruppe wurde von einem Lied des Bluesers Slim Harpo inspiriert, I“m a King Bee. Neben David und Underwood waren Roger Bluck, Dave „Frank“ Howard und Bob Allen an der Gitarre, am Bass und am Schlagzeug die weiteren Mitglieder. „Ich weiß nicht einmal mehr, wie sie hießen“, gestand er 1993, „sie kamen aus Nordlondon und waren fast Profis. Ziemlich beängstigend.“ Dennoch übernahmen er und Underwood bald die Kontrolle über die Band, wie Underwood erzählte: „Wir haben den anderen unseren eigenen Geschmack aufgezwungen“.
Im Frühjahr 1964 nahm David Kontakt mit dem Manager Leslie Conn auf, der den King Bees ein Vorsingen bei Decca und die Möglichkeit verschaffte, die Single aufzunehmen, sowie einen Auftritt im Marquee Club und Auftritte in den BBC-Fernsehsendungen Juke Box Jury und The Beat Room. Conn verschaffte den King Bees zunächst einen Auftritt bei Blooms Hochzeitstagsparty in Soho. „Es war alles ziemlich peinlich“, erzählte David Jahre später. Sie hatten Zeit, „Got My Mojo Working“ und „Hoochie Coochie Man“ zu spielen, bevor Bloom rief: „Holt sie runter! Sie ruinieren meine Party!“ Das Vorsingen bei Decca erwies sich als befriedigender und ermöglichte ihnen kurz darauf die Aufnahme von Liza Jane. So wurde am 5. Juni 1964 Bowies erste offizielle 45er veröffentlicht, die allerdings Davie Jones mit den King Bees zugeschrieben wurde, und der Sänger kündigte seinen Job bei der Werbeagentur. Um die Single zu promoten, verschaffte Conn der Band eine Reihe von Auftritten in verschiedenen Londoner Lokalen. David hatte die Gelegenheit, seinen ersten Auftritt im Marquee Club und in den BBC-Sendungen Juke Box Jury (6. Juni) und The Beat Room (27. Juni) zu absolvieren. Der mangelnde Erfolg von Liza Jane, von dem nur sehr wenige der 3500 gedruckten Exemplare verkauft wurden, bedeutete jedoch das Ende seiner Zeit mit der Gruppe.
Im August schloss er sich den Manish Boys an, die bereits seit vier Jahren aktiv waren und als Vorreiter des so genannten Medway-Beats galten, und Ende des Jahres gab er sein erstes Fernsehinterview. Johnny Flux, Paul Rodriguez, Woolf Byrne, Johnny Watson, Mick White und Bob Solly, die bereits seit vier Jahren aktiv waren, waren von Davids Ankunft alles andere als begeistert, wie Solly selbst im Jahr 2000 der britischen Monatszeitschrift Record Collector erzählte: „Zuerst wollten wir nicht, aber Conn sagte: „Er hat einen Plattenvertrag, er hat gerade eine Platte herausgebracht, und das könnte ein Vorteil für euch sein“. David übernahm eine dominante Position und wandte sich dem Rhythmus und Blues zu. Am 18. August meldete der Chatham Standard: „Eine weitere Neuigkeit von den Jungs ist, dass sie jetzt den Decca-Star Davie Jones begleiten, dessen Band The King Bees ihn fallen gelassen hat“. Am nächsten Tag spielte David zum ersten Mal mit den Manish Boys im Eel-Pie Island, einem berühmten Jazzlokal in Twickenham.
Am 6. Oktober machte die Band ihre erste Aufnahme in den Regent Sound Studios, wo sie Coverversionen von Barbara Lewis“ Hello Stranger, Gene Chandlers Duke of Earl und Mickey & Sylvias Love is Strange aufnahmen. Obwohl der erste Titel für eine 45 rpm-Veröffentlichung in Betracht gezogen wurde, wurde keiner der Titel veröffentlicht. Einen Monat später gab Bowie sein erstes großes Fernsehinterview, das allerdings wenig mit seiner Musik zu tun hatte. Mit wallendem blondem Haar behauptete er, eine Vereinigung mit dem Namen International League for the Protection of Animal Hair gegründet zu haben, und als „Präsident“ wurde er von dem Schriftsteller Leslie Thomas in der Ausgabe der Evening News and Star vom 2. November interviewt (die Schlagzeile lautete „Who“s Behind the Fringe?“). Am 1. Dezember begann die Band eine sechstägige Tournee, bei der sie als Vorgruppe von Gene Pitney, den Kinks, Marianne Faithfull und Gerry and the Pacemakers auftrat. Mit Ausnahme von Liza Jane und Last Night (das von den Manish Boys geschrieben und als Opener verwendet wurde) basierte der Sound ihrer Auftritte hauptsächlich auf amerikanischem Blues und Soul, der von James Brown, Ray Charles und den Yardbirds stammt.
Die Plattenkarriere der Manish Boys nahm Anfang 1965 eine Wendung, als sie von dem amerikanischen Produzenten Shel Talmy entdeckt wurden, der für das Arrangement und die Produktion von You Really Got Me von The Kinks und wenig später für das Debütalbum von The Who bekannt war. Daraufhin veröffentlichte die Band am 5. März die 45 rpm I Pity the Fool bei Parlophone, auf der auch der damals noch unbekannte Dreher Jimmy Page zu hören war. Die Aufnahmen und das Abmischen der Single fanden jedoch nicht die Zustimmung der anderen Mitglieder, und das Endergebnis verärgerte die meisten Mitglieder der Gruppe. Als Leslie Conn es schaffte, ihnen einen Fernsehplatz in der BBC-Sendung Gadzooks! It“s All Happening war David an der zweiten Werbekampagne beteiligt, die seine Haarlänge zum Thema hatte. Der Daily Mirror veröffentlichte einen Artikel mit der Überschrift „War for David“s Hair“, und am nächsten Tag berichtete die Daily Mail, dass die Band aus der Show geworfen worden war und dass David gesagt hatte: „Ich würde mir nicht einmal die Haare schneiden lassen, wenn der Premierminister mich darum bitten würde, geschweige denn für die BBC“. Am Tag der Sendung veröffentlichten die Evening News ein Bild des bekanntesten Popsängers der Woche, der sich für den Auftritt in der Sendung die Haare schneiden ließ.
I Pity the Fool profitierte weder vom Fernsehauftritt noch von der damit verbundenen Publicity, und David trennte sich von der Gruppe nach einem Streit über die Nennung seines Namens auf der Single (der Song war einfach den Manish Boys zugeschrieben worden, obwohl er ursprünglich zugestimmt hatte, ihn als Werk von Davie Jones und den Manish Boys erscheinen zu lassen). Trotz des Misserfolgs von I Pity the Fool gelang es dem Produzenten Shel Talmy, einen Vertrag mit Parlophone zu erhalten. Im April führte David das untere Drittel an. Die aus Margate stammende Band, die 1963 gegründet worden war, brauchte neue Mitglieder, nachdem drei von ihnen die Band verlassen hatten. David sprach in der Diskothek La Discotheque in Soho mit Steve Marriott vor, der die Band sofort verließ, um Small Faces zu gründen. In dieser Zeit sprach Bowie auch für andere Gruppen vor (vor allem im Marquee Club), darunter High Numbers, die bald als The Who bekannt werden sollten. Am 17. Mai 1965 war ein Auftritt im Grand Hotel in Littlestone die offizielle Geburtsstunde von Davy Jones and the Lower Third, zu denen Denis „Tea-Cup“ Taylor an der Gitarre, Graham „Death“ Rivens am Bass und Les Mighall am Schlagzeug (später durch Phil Lancaster ersetzt) gehörten. „Ich glaube, ich wollte, dass es eine Rhythm and Blues Band wird“, sagte Bowie 1983. „Wir spielten eine Menge John Lee Hooker-Songs und versuchten, sein Material an den Big Beat anzupassen, ohne viel Erfolg. Aber es war damals in Mode: Jeder suchte sich einen Bluesmusiker aus… unserer war Hooker.“
Am 20. August veröffentlichte die Gruppe die Single You“ve Got a Habit of Leaving, die in den IBC Studios während einer Session aufgenommen wurde, bei der neben der B-Seite Baby Loves That Way noch zwei weitere Demos (die auf der 1991 erschienenen Sammlung Early On zu finden sind) entstanden: I“ll Follow You und Glad I“ve Got Nobody. Am Tag der Veröffentlichung der Single eröffneten Lower Third für The Who im Bournemouth Pavilion und David traf zum ersten Mal Pete Townshend, eine weitere große Inspirationsquelle für den englischen Sänger. Kurz darauf verließ er Leslie Conn und wechselte zu seinem ersten Vollzeitmanager, Ralph Horton. Auch diese 45 Jahre erwiesen sich als Fehlschlag, und David entließ Leslie Conn für seinen ersten Vollzeit-Manager Ralph Horton, dessen erste Entscheidung darin bestand, die vier langhaarigen Teenager umzugestalten: Er kleidete sie in die neuesten Modehosen und Blumenkrawatten aus der Carnaby Street, zwang ihnen einen Modestil-Haarschnitt auf und förderte die Verwendung von Haarspray. Letzteres verärgerte einige Mitglieder der Gruppe, nicht aber David, der bereits in das Dandy-Image der Mods und ihres neuen Sprechers, The Who, vernarrt war. Horton sicherte Lower Third eine Reihe von Sommerkonzerten, und die Band begann, sich wie die Gruppe von Roger Daltrey und Pete Townshend zu benehmen und ihre Instrumente am Ende der Auftritte zu zerschlagen. „Wir waren als zweitstärkste Band in London bekannt“, erzählte Denis Taylor Jahre später. Am 31. August nahmen Lower Third ein Demo mit zwei Titeln auf, Baby That“s a Promise und Silly Boy Blue, die weiterhin den Einfluss von Gruppen wie den Kinks und Small Faces, aber auch von Motown-R&B erkennen lassen.
Zu dieser Zeit nahm der Sänger offiziell den Künstlernamen „David Bowie“ an, um Verwechslungen mit Davy Jones von den Monkees zu vermeiden. Später sagte er, er habe den Namen wegen der gleichnamigen Jagdmesser gewählt: „Ich wollte etwas, das den Wunsch ausdrückt, die Lügen und all das zu durchbrechen. Offenbar kam David die Idee, nachdem er 1960 den Film Die Schlacht von Alamo gesehen hatte, in dem der Messermacher Jim Bowie von Richard Widmark gespielt wurde.
Ralph Horton erwies sich in Bezug auf seine finanziellen Möglichkeiten und Kapazitäten nicht als die beste Wahl für Lower Third, so dass er, der sich seiner eigenen Grenzen bewusst war, Kenneth Pitt, den Manager von Manfred Mann (und Bob Dylan, als dieser im Vereinigten Königreich tourte), kontaktierte und ihn bat, Lower Third zu unterstützen. Pitt lehnte ab, riet David aber, seinen Namen zu ändern, um nicht mit dem Davy Jones verwechselt zu werden, der mit den Monkees berühmt geworden war. Wenige Tage später, am 17. September 1965, verkündete David dem Rest der Band, dass er sich fortan David Bowie nennen würde. Kurze Zeit später erhielten Bowie und The Lower Third einen Vertrag mit Pye Records, die bald darauf ihre erste Platte mit dem Produzenten Tony Hath produzierten.
Am 2. November scheiterte die Band bei einem Vorsingen für eine BBC-Fernsehsendung, in der sie eine Rockversion von Chim Chim Cheree (ein Lied aus dem Film Mary Poppins), Out of Sight (ein James Brown-Cover) und Baby That“s a Promise spielte. Ein Cockney-Typ, nicht sonderlich originell, ein Sänger ohne Persönlichkeit, der die falschen Töne singt und verstimmt ist“, so lautete einer der deutlichen Kommentare des Ausschusses über Bowie.
Das Jahr 1965 endete mit der Aufnahme von drei Songs in den Pye Studios in Marble Arch: Now You“ve Met The London Boys (überarbeitet und ein Jahr später als The London Boys veröffentlicht) und die A- und B-Seiten der neuen 45er: Can“t Help Thinking About Me und And I Say To Myself. Am Silvesterabend spielte die Gruppe mit Arthur Brown in Paris und blieb ein paar Tage. Die Veröffentlichung der Single stand kurz bevor, aber Davids Vorzugsbehandlung während der Werbekampagne trug zum Zerwürfnis zwischen ihm und dem Rest der Gruppe bei. Das Ganze spitzte sich am 29. Januar 1966 im Bromel Club in Bromley zu, als die Lower Third sich weigerten zu spielen, nachdem ihnen von Horton mitgeteilt worden war, dass sie an diesem Abend keine Gage erhalten würden. Nach der Auflösung der Band hatte Bowie nur noch eine Single zu promoten und keine Band, die ihn begleitete. Trotz einiger ermutigender Kritiken war die Platte (seine erste in den USA) wie ihre Vorgänger ein Flop, aber sie erregte genug Interesse, um Bowie am 26. Februar sein erstes Interview im Melody Maker und am 4. März einen Auftritt in der ITV-Sendung Ready Steady Go! zu verschaffen, wo er den Song mit einer neuen Band, The Buzz, vortrug.
David Bowie and the Buzz, nämlich John Hutchinson (Gitarre), Derek Fearnley (Bass), John Eager (Schlagzeug) und Derek Boyes (Keyboards), hatten am 10. Februar 1966 den ersten einer Reihe von Live-Auftritten in der Universität Leicester gegeben. Über seine Begegnung mit Bowie sagte Hutchinson Jahre später: „Ich traf ihn zum ersten Mal, nachdem ich 1965 ein Jahr lang mit den Apaches in Göteborg Rhythm and Blues gespielt hatte. Ich erschien an einem Samstagmorgen zu einem sehr professionellen Vorsprechen im Marquee Club in der Wardour Street, London, und es lief gut. Ich glaube, David hat mich ausgewählt, weil ich schwedische Kleidung trug, eine Wildlederjacke, Jeans und blaue Clogs, so etwas hatte bis dahin niemand in England gesehen, und ich glaube, Bowie war beeindruckt. Außerdem war ich der beste der Gitarristen, die zum Vorspielen erschienen waren!“
Drei Tage nach dem Fernsehauftritt in Ready, Steady, Go! nahm die Band Do Anything You Say auf, das am 1. April als 45er veröffentlicht wurde und nur David zugeschrieben wurde, um Missverständnisse mit früheren Bands zu vermeiden. „Vom ersten Tag an“, so Schlagzeuger John Eager, „war uns klar, dass wir eigentlich David und seine Begleitband sind.“ Ralph Horton nahm erneut Kontakt zu Kenneth Pitt auf, und in der Zwischenzeit begann die Band mit einer Reihe von Konzerten im Marquee Club, genannt „Bowie Showboat“, die bis zum 12. Juni an Sonntagnachmittagen stattfinden sollten. Nachdem er das zweite dieser Konzerte besucht hatte, wurde Pitt offiziell Bowies Manager, und Horton übernahm die Rolle des Assistenten und Konzertorganisators.
Am 15. Juni beschloss John Hutchinson, die Buzz wegen ausbleibender Zahlungen zu verlassen, und in den nächsten Wochen war Bowie gezwungen, einige Gigs ohne Gitarristen zu spielen, bevor er den ehemaligen Anteeeks Billy Gray verpflichtete. Der Produzent Tony Hatch beschloss jedoch, die verbliebene Band von den Aufnahmen für die neue Single I Dig Everything, die im darauffolgenden Monat veröffentlicht werden sollte, auszuschließen und stattdessen einige Session-Spieler einzusetzen. Die 45er wurde am 19. August veröffentlicht und erwies sich trotz einiger ermutigender Kritiken in der Fachpresse als weiterer kommerzieller Misserfolg, so dass Tony Hatch und Pye Bowie im September aus seinem Vertrag entließen. Dem neuen Manager gelang es, Deram Records und den Produzenten Mike Vernon zu interessieren, mit dem er bald sein Debütalbum mit dem Titel David Bowie aufnehmen sollte.
Aber die Dinge liefen nicht gut mit dem Buzz, hauptsächlich wegen der neuen erzählerischen Richtung, in die sich Bowies Songs bewegten. Die Gruppe löste sich am 2. Dezember nach einem Auftritt in Shrewsbury auf, dem Tag, an dem Rubber Band veröffentlicht wurde, obwohl Boyes, Fearnley und Eager noch bis Februar 1967 an den Aufnahmen von David Bowie (und anderen Titeln außerhalb des Albums wie The Laughing Gnome) beteiligt waren.
Ende des Jahres, während der Album-Sessions, schrieb David auch einen Song für den englischen Schauspieler und Sänger Paul Nicholas, zu dem er auch Backing Vocals beisteuerte. Die dritte Single von Oscar (dem Künstlernamen von Nicholas), die im Juni 1967 erschien, trägt den Titel Over the Wall We Go und handelt scherzhaft von entflohenen Sträflingen und unfähigen Polizisten.
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Space Oddity und frühe Erfolge (1967-1969)
Zunehmend auf eine Solokarriere ausgerichtet, schloss er sich 1967 kurzzeitig mehreren Bands an und nahm mit Riot Squad Little Toy Soldier auf, einen sadomasochistischen Song mit deutlichen Bezügen zu Venus in Furs von Velvet Underground. Lou Reeds dekadente Ader weicht jedoch einer Music-Hall-Atmosphäre, die durch Schreie, Husten, knarrende Federn, Explosionen und andere Geräusche des Tontechnikers und späteren Space-Oddity-Produzenten Gus Dudgeon bereichert wird.
Im darauffolgenden April wurde die neue Single The Laughing Gnome veröffentlicht, die Roy Carr und Charles Shaar Murray vom NME als „zweifellos das peinlichste Beispiel für Bowies Jugendlichkeit“ und der Biograf David Buckley als „absolut dumm, wenn auch pervers eingängig“ beschrieben. Trotz des mangelnden Erfolgs der Single wurde sein erstes Album, David Bowie, im Juni 1967 veröffentlicht. In der Zwischenzeit wurden weitere Titel für Deram aufgenommen, aber Deram weigerte sich, sie zu veröffentlichen, auch wegen der schlechten Verkaufszahlen des Albums. Der Schauspieler und Pantomime Lindsay Kemp sagte später: „Ich habe es mir so lange angehört, bis ich es verschlissen hatte. Im Herbst desselben Jahres wurden Let Me Sleep Beside You und Karma Man aufgenommen. Auch sie wurden nicht von Deram veröffentlicht, aber die erste der beiden war der Beginn einer der wichtigsten Zusammenarbeiten von Bowie mit Tony Visconti, den er in den Studios seines Verlegers David Platz kennengelernt hatte.
Ungefähr zu dieser Zeit begann seine Filmerfahrung, als er an Michael Armstrongs Kurzfilm The Image mitwirkte. 1983 beschrieb Bowie diesen Film als „Underground-Avantgarde-Zeug in Schwarz-Weiß, das von einem gewissen Kerl gemacht wurde …. Er wollte einen Film über einen Maler drehen, der das Porträt eines Teenagers malt, aber das Porträt erwacht zum Leben und entpuppt sich im Grunde als Leiche eines Menschen. Ich kann mich nicht wirklich an die Handlung erinnern… es war schrecklich.“
Nach einem Auftritt mit der neuen Single Love You Till Tuesday in der niederländischen Fernsehsendung Fanclub und einem Auftritt beim Stage Ball in London, bei dem er für die British Heart Foundation tanzte und mit dem Bill Savill Orchestra sang, trat er am 18. Dezember 1967 in einer „BBC-Session“ für John Peels Radiosendung Top Gear auf, bei der Bowie vom sechzehnköpfigen Orchester von Arthur Greenslade begleitet wurde. Am 28. Dezember endete im Oxford Playhouse die Uraufführung von Pierrot in Türkis, die auf einer Dreiecksbeziehung zwischen Pierrot, Columbine und Harlekin basiert. Die Rolle von Cloud, gespielt von Bowie, war die einer Art Erzählerfigur, deren ständige Veränderungen dazu dienten, den unglücklichen Protagonisten zu täuschen und zu betrügen. Während der Show trug er When I Live My Dream und Sell Me a Coat vor, zusammen mit drei eigens geschriebenen Kompositionen (Threepenny Pierrot, Columbine und The Mirror), die alle von Michael Garrett am Klavier begleitet wurden. Die Lokalzeitung Oxford Mail schrieb: „David Bowie hat einige faszinierende Lieder komponiert, die er mit einer herrlich verträumten Stimme singt“, während sie fand, dass die Show als Ganzes „die universellen Wahrheiten, die Marcel Marceau auszudrücken vermag, nur anzudeuten vermag“.
Am 27. Februar 1968 reiste Bowie nach Hamburg, um drei Lieder für die ZDF-Sendung 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute aufzunehmen. Nach seiner Rückkehr nahm er mit Visconti die Lieder In the Heat of the Morning und London Bye Ta-Ta auf, aber die Weigerung von Deram, sie zu veröffentlichen, veranlasste den Sänger, das Label endgültig zu verlassen.
Im Frühjahr wurden die Aufführungen von Pierrot in Turquoise am Londoner Mercury Theatre und am Intimate Theater mit einigem Erfolg fortgesetzt. Anschließend nahm Bowie eine zweite Session mit Songs bei der BBC auf, gefolgt von einem Auftritt im Middle Earth Club in Covent Garden, wo er T. Rex unterstützte, und einem in der Royal Festival Hall. Bei beiden Auftritten führte er das kurze Pantomimenstück Jetsun and the Eagle auf, aus dem Wild Eyed Boy von Freecloud hervorging, das von dem tibetischen Geistlichen und Dichter Milarepa inspiriert ist und von Silly Boy Blue musikalisch untermalt wird.
Nach einem kurzen Auftritt in The Pistol Shot, einem BBC-Drama über das Leben des russischen Dichters Puschkin, zog Bowie zu seiner Lebensgefährtin Hermine ins Londoner Viertel South Kensington, und begann mit der Planung einer Ein-Mann-Show speziell für den Kabarettbereich, wobei er ein Repertoire zusammenstellte, das zwischen seinen eigenen Songs (When I“m Five, Love You Till Tuesday, The Laughing Gnome, When I Live My Dream, Even a Fool Learns to Love) und Beatles-Covern wie Yellow Submarine und All You Need Is Love wechselte; Im Sommer veranstaltete er zwei Castings für die Aufführung seiner Show, die jedoch beide erfolglos verliefen. Anschließend gründete er mit Hermione und Tony Hill, dem ehemaligen Gitarristen von Misunderstood, das Akustik-Trio Turquoise, dessen Repertoire einige seiner bizarreren Kompositionen umfasste, darunter das unveröffentlichte Ching-a-Ling und eine Auswahl von Covers, die Bowies ersten Ausflug in das Werk von Jacques Brel darstellten.
Bowies erster richtiger Auftritt fand am 14. September im Roundhouse in London statt; nach einigen Terminen verließ der Gitarrist Tony Hill die Band und wurde durch John Hutchinson ersetzt. Unter dem Namen Feathers trat die Band am 17. November im Country Club in Haverstock Hill auf. Zusätzlich zu den Liedern rezitierte das Trio abwechselnd Gedichte, während Bowie sein Pantomimenstück The Mask aufführte.
Während die beiden Gruppen Slender Plenty und The Beatstalkers den Song Silver Tree Top School for Boys veröffentlichten, den Bowie im Jahr zuvor geschrieben hatte, waren die letzten Engagements des Jahres beide für das deutsche Fernsehen: der zweite Auftritt in der Sendung 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute und der Auftritt in der Sendung Für Jeden Etwas Musik, in der Bowie ein Pantomimenstück vorführte und ein Lied sang.
Eine weitere wichtige Begegnung für Bowie fand Anfang 1969 mit der 19-jährigen Amerikanerin Mary Angela Barnett statt, die vier Monate später seine Lebensgefährtin und dann im März 1970 seine Ehefrau wurde; die Begegnung mit Barnett war jedoch vor allem mit der gemeinsamen Bekanntschaft mit Calvin Mark Lee, dem europäischen Direktor der A&R-Abteilung von Mercury Records in New York, verbunden, den Bowie bereits 1967 bei einem Treffen mit dem General Manager Simon Hayes kennengelernt hatte. Laut den Biographen Peter und Leni Gillman scheint auch Calvin Mark Lee mit dem Sänger eine Beziehung gehabt zu haben, die über eine bloße Freundschaft hinausging. Möglicherweise handelte es sich dabei um den „Dreier“, auf den sich Bowie viele Jahre später bezog, als er in einem Interview provokativ erklärte, er habe seine zukünftige Frau kennen gelernt, als „wir beide mit demselben Mann zusammen waren“.
Am 22. Januar nahm Bowie unter der Regie von Ridley Scott einen Werbespot für Lyons Maid“s Luv-Eiscreme auf und begann vier Tage später mit den Dreharbeiten für das Videoalbum Love You Till Tuesday. Während dieser Zeit gaben er und John Hutchinson ihren ersten Live-Auftritt des Jahres an der Universität von Sussex. Er nahm auch an einigen Tourneen von Tyrannosaurus Rex teil, bei denen er Pantomime spielte, und versuchte erfolglos, für das Musical Hair am Londoner Shaftesbury Theatre vorzusprechen.
In dieser Zeit verzichteten Bowie und Hutchinson auf Pantomime und Poesie und konzentrierten sich auf anspruchsvollere Folk-Klänge, die auf akustischen Doppelgitarren und Gesangsharmonien basierten. Sie nahmen ein zehnköpfiges akustisches Demo auf, das die Grundlage für das neue Album bildete.
Noch vor dem Sommer gründeten der Sänger und seine neue Partnerin, die Sunday Times-Journalistin Mary Finnigan, einen Folk-Club im Three Tuns Pub in Beckenham und begannen, wöchentliche Treffen abzuhalten, an denen immer mehr Intellektuelle, Dichter, Filmstudenten und andere Kreative teilnahmen. Diese neue Realität wurde Wachstum genannt.
Am 14. Juni waren Bowie und Visconti in der BBC-Sendung Colour Me Pop zu Gast bei den Strawbs, und einige Tage später begannen die Aufnahmen für die neue LP in den Trident Studios in Soho, wo Toningenieur Dudgeon die beiden Tracks überwachte, die die erste 45er-CD des Albums bildeten: Space Oddity und Wild Eyed Boy von Freecloud. Diese Sessions boten Bowie die Gelegenheit, mit neuen Musikern zu spielen, die später wieder mit ihm zusammenarbeiten sollten: dem Bassisten Herbie Flowers, der auch auf dem Album Diamond Dogs von 1974 mitwirkte, und Rick Wakeman, der 1971 an dem Album Hunky Dory mitgearbeitet hatte, sowie Visconti selbst.
Nur drei Wochen nach der Aufnahme und rechtzeitig zur ersten Mondlandung von Apollo 11 wurde die Space Oddity 45 am 11. Juli 1969 in zwei verschiedenen Versionen sowohl im Vereinigten Königreich als auch in den USA veröffentlicht und von der Fachpresse gut aufgenommen.
Ende des Monats reiste er mit Pitt nach Valletta zum Malta Song Festival, wo Bowie When I Live My Dream und das bisher unveröffentlichte No-One; Someone aufführte, während er einige Tage später zum ersten Mal in Italien in Monsummano Terme beim International Record Award auftrat, wo er seinen ersten Preis für When I Live My Dream gewann.
Die Aufnahmen wurden den ganzen Sommer über fortgesetzt, und Visconti rekrutierte für diese Gelegenheit eine Reihe weiterer Musiker, darunter den Rats-Gitarristen Mick Ronson, der sein offizielles Debüt mit dem britischen Sänger gab, indem er ein kurzes Gitarrensolo im Mittelteil von Wild Eyed Boy aus Freecloud spielte. Mitte August fand auf dem Beckenham Recreation Ground ein von Bowies Kunstwerkstatt Growth organisiertes kostenloses Festival statt, bei dem auch die Strawbs auftraten. 3.000 Menschen nahmen daran teil, und das Ereignis wurde in dem Song Memory of a Free Festival verewigt, obwohl Bowies Stimmung an diesem Tag anscheinend im Widerspruch zu den nostalgischen Gefühlen stand, die in dem Song zum Ausdruck kommen, vielleicht wegen des Todes seines Vaters, der einige Tage zuvor an einer Lungenentzündung gestorben war. Das Beckenham-Festival war jedoch Bowies Abschied von der Hippie-Bewegung, angewidert von der Mittelmäßigkeit und Trägheit vieler ihrer Anhänger, und der letzte Akt des Growth Art Workshop, der im Wesentlichen von apathischen Zuschauern besucht wurde und nicht von den aktiven Mitwirkenden, die er vorgesehen hatte.
Nachdem er Ende August eine Version von Space Oddity für die niederländische Fernsehsendung Doebidoe aufgenommen hatte, gelang es ihm, Pitt dazu zu bewegen, einen Vertrag mit Mercury Records für eine neue Platte zu unterzeichnen, die im Vereinigten Königreich von deren Tochtergesellschaft Philips vertrieben werden sollte. Die Wahl des Produzenten fiel zunächst auf George Martin, doch dann wurde Tony Visconti ausgewählt.
Nach einem Live-Auftritt in Library Gardens in Bromley nahm er im Oktober seinen ersten Auftritt in der BBC-Sendung Top of the Pops auf, wo er Space Oddity sang, das bis dahin Platz 5 der britischen Charts erreicht hatte und sein erster echter Hit war. Es folgte eine BBC-Aufnahme mit Junior“s Eyes für die Dave Lee Travis Show. Zur gleichen Zeit zogen Bowie und Barnett nach Beckenham in ein Gebäude in Haddon Hall, das in späteren Jahren als inoffizielles Aufnahmestudio sowie als Fotostudio und Gemeinschaftsraum für die Entourage des Sängers diente. In dieser Zeit trat er mehrfach mit dem Hit Space Oddity auf, unter anderem in der Sendung Hits à gogo des Schweizer Fernsehens und in der ZDF-Sendung 4-3-2-1 Musik für Junge Leute.
Dies fiel mit der Veröffentlichung seines zweiten Albums zusammen, das im Vereinigten Königreich unter dem Namen David Bowie, demselben Titel wie seine erste LP, und in den USA unter dem Titel Man of Words veröffentlicht wurde.
Nachdem er sich einige Monate zuvor wegen seiner Teilnahme an dem Film The Virgin Soldiers, in dem er die Rolle eines Soldaten spielte, die Haare im Militärstil hatte schneiden lassen, präsentierte er sich in dieser Zeit mit einer unordentlichen Dauerwelle, die er bis Anfang der siebziger Jahre trug.
Ende 1969 nahm er an einem sehr erfolgreichen Konzert in der Royal Festival Hall teil, über das die nationale Presse jedoch nicht berichten konnte, weil keine Journalisten anwesend waren. Zu den wenigen, die das Konzert rezensierten, gehörte Tony Palmer vom Observer, der es als „glühend“ bezeichnete und sagte, Space Oddity sei „spektakulär gut“ gewesen, obwohl andere Darbietungen wie An Occasional Dream von ihm als „düster, eintönig und voller Selbstmitleid“ beschrieben wurden.
Das Jahr 1969 endete mit der Aufnahme von Ragazzo solo, ragazza sola, der italienischen Version von Space Oddity, allerdings mit einem Text, der nichts mit dem Original zu tun hatte, und Hole in the Ground, das auf dem Benefizkonzert Save Rave “69 aufgeführt wurde. Obwohl sich das zweite Album als kommerzieller Misserfolg erwies und im März 1970 im Vereinigten Königreich nur knapp über 5.000 Exemplare verkauft wurden, wurde Bowie in einer Leserumfrage von Music Now! zum besten neuen Künstler gewählt, während Penny Valentine von Disc and Music Echo Space Oddity zum Album des Jahres erklärte.
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Die Metamorphose: vom „Folk“ zum „Glam Rock“ (1970-1971)
Ihre ersten Engagements im Jahr 1970 waren die Aufnahme von The Looking Glass Murders, eine Fernsehadaption von Pierrot in Turquoise, die im Gateway Theatre in Edinburgh gedreht wurde, und die Aufnahme von The Prettiest Star, bei der Marc Bolan die Leadgitarre spielte. Die Karrieren der beiden zukünftigen Stars, die beide von Visconti produziert wurden, kreuzten sich in den 1970er Jahren mehrmals. Währenddessen gab es bei einem Auftritt im Marquee Club ein Wiedersehen mit Mick Ronson, der Bowies Vollzeit-Gitarrist wurde, zusammen mit Visconti und Junior“s Eyes-Schlagzeuger John Cambridge. Die neue Gruppe hieß Hype, kurz für „hypocritical“, Bowies Ironie über die Heuchelei, die die alternative Musikwelt umgab. „Ich habe diesen Namen absichtlich gewählt, weil ich etwas wollte, das ein bisschen stark klingt, damit niemand sagen kann, er sei in die Irre geführt worden“, so Bowie gegenüber Melody Maker. Das neue Quartett gab sein Debüt bei den BBC-Sessions im folgenden Februar. Kurz darauf gaben The Hype ihr Konzertdebüt im Londoner Roundhouse, wo nach monatelangen persönlichen Experimenten mit Kostümen und Make-up die Metamorphose stattfand: Bowie zwang die Gruppe, die extravaganten, von Viscontis Frau und Freundin genähten Outfits zu tragen. Jedes Mitglied nahm auch die Identität einer Comic-Figur an, und Bowie wurde in bunten Lurex-Strümpfen, hohen Stiefeln und einem blauen Umhang zum „Rainbowman“. Das Konzert gilt als die Geburtsstunde des Glam Rock, aber die Öffentlichkeit nahm es nicht ernst; selbst die Mitglieder von Hype schienen skeptisch zu sein, mit Ausnahme von Bowie, der keine Zweifel zu haben schien: „Nach diesem Konzert hörte ich auf, ich versuchte keine anderen Dinge, weil ich wusste, dass es gut war“, sagte er einige Jahre später dem NME, „ich wusste, was ich tun wollte, und ich war mir sicher, dass viele andere Leute es tun würden. Aber ich wäre der Erste gewesen.
Kurz darauf kehrte Bowie nach Schottland zurück und war zu Gast in der Cairngorm Ski Night von Grampian TV; in Begleitung eines großen Fernsehorchesters sang er London Bye Ta-Ta und tanzte eine Nummer mit Angela und Lindsay Kemp. In der Zwischenzeit richteten Visconti und Ronson ein Aufnahmestudio in Haddon Hall ein, wo ein Großteil des Materials aus dieser Zeit entstand. Bowies Halbbruder Terry Burns, der freiwillig im Cane Hill Hospital wohnte, besuchte das Studio häufig, und diese Besuche hatten einen großen Einfluss auf einige der Kompositionen, die in das neue Album einflossen.
Dann wurde die 45 rpm The Prettiest Star veröffentlicht, eine wahre Liebeserklärung an Barnett, die von den britischen Musikmagazinen große Aufmerksamkeit erhielt, da sie nach dem Erfolg von Space Oddity veröffentlicht wurde. Die positive Aufnahme durch die Presse fand jedoch keine kommerzielle Resonanz, und die Single verkaufte sich nicht mehr als 800 Mal. Für den amerikanischen Markt zog es Mercury Records vor, sich auf eine neue, prägnantere und energischere Aufnahme von Memory of a Free Festival zu konzentrieren, die sich jedoch als Misserfolg erwies.
Am 20. März 1970 heirateten David Bowie und Angela Barnett im Rathaus von Bromley in einer informellen Zeremonie im Beisein von einigen Freunden und Bowies Mutter. Fünf Tage später nahmen The Hype eine weitere Session bei der BBC für die Andy Ferris Show auf, dann löste sich die Band auf und spielte ihren letzten Auftritt im Star Hotel in Croydon. In dieser Zeit arbeitete Angela hart, um David zu unterstützen, z. B. bei der Kontaktaufnahme mit Veranstaltern und der allgemeinen Öffentlichkeitsarbeit, bei der Buchung von Veranstaltungsorten für die Auftritte ihres Mannes, bei der Kontrolle von Licht und Ton bei den Konzerten usw. Sie trug auch zum neuen Image der Band bei. Sie trug auch zum neuen androgynen Image ihres Mannes bei, indem sie ihn u. a. bei der Wahl der Kostüme, der Frisuren und der öffentlichen Auftritte beriet.
Bowie trat weiterhin live als Solokünstler auf, vor allem mit Titeln aus Space Oddity, aber auch mit Vorabversionen von Titeln, die auf späteren Alben erscheinen sollten. Außerdem nahm er das unveröffentlichte Stück Tired of my life auf, das Bowie angeblich im Alter von 16 Jahren schrieb, und veröffentlichte The World of David Bowie, die erste offizielle Sammlung von Stücken aus seinem Debütalbum und einigen bisher unveröffentlichten Stücken. Die Aufnahmesitzungen für The Man Who Sold the World begannen in den Trident Studios vom 18. April bis zum 22. Mai. Cambridge wurde am Schlagzeug durch Mick „Woody“ Woodmansey, Ronsons ehemaligem Rats-Kollegen, ersetzt, während Visconti die meiste Zeit der Sessions damit verbrachte, den Frischvermählten zu stimulieren und gegen seine offensichtliche Apathie für das Projekt anzukämpfen. Die Band wuchs auf fünf Musiker an, als der Keyboarder Ralph Mace hinzukam, ein leitender Angestellter von Philips Records, der während der Aufnahmen von The Prettiest Star zu Bowies Referenz bei dem Label geworden war.
Als die Aufnahmen beendet waren, verlangsamte sich Bowies Arbeit, und da er mit der Richtung, in die Pitt seine Arbeit zu bringen versuchte, unzufrieden war, ging er mit dem jungen Rechtsberater Tony Defries zum Haus des Managers, der sich bereit erklärte, ihn von allen beruflichen Verpflichtungen zu befreien. Die beiden trennten sich freundschaftlich, und Defries wurde der Vollzeitmanager des Künstlers. Pitt blieb eine der einflussreichsten Persönlichkeiten in der Anfangszeit des britischen Sängers und investierte viel Geld, wenn auch weit weniger als Defries“ Kollege Laurence Myers, mit dem er gerade die Gem Music Group gegründet hatte; sein letztes Engagement mit Pitt war die Verleihung der Ivor Novello Awards am 10. Mai im Talk Of The Town in London, wo Bowie Space Oddity sang und einen Preis gewann. Das Lied wurde in einem großen Orchesterarrangement aufgeführt, das von Paul Buckmaster arrangiert und von Les Reed dirigiert wurde, und die Aufführung wurde über Satellit in Europa und den USA übertragen, im Vereinigten Königreich jedoch nur im Radio gespielt.
Im Oktober handelte Defries ein Angebot von Chrysalis Records aus und sicherte sich einen Vertrag und einen Vorschuss von 5000 Pfund, während Bowie seine Energien in eine intensive Schreibphase lenkte. The Man Who Sold the World wurde in den Vereinigten Staaten am 4. November 1970 veröffentlicht und wurde von den Kritikern trotz schlechter Verkaufszahlen gut aufgenommen. Ronsons hart rockendes Gitarrenspiel war eine spürbare Abwechslung zu den überwiegend folkigen und akustischen Atmosphären des Vorgängeralbums. Die Texte waren komplexer und weniger geradlinig als zuvor, und die tieferen Themen wurden in Bowies späteren Werken aufgegriffen: sexuelle Ambiguität, gespaltene Persönlichkeiten, Isolation, Wahnsinn, falsche Gurus, Totalitarismus. Bowie dachte schon bald über sein nächstes Album nach. Bob Grace, der Geschäftsführer von Chrysalis, mietete die Londoner Studios von Radio Luxembourg, wo die Sängerin neues Material aufnahm, darunter den Titel Oh! Ihr hübschen Dinger.
Im folgenden Jahr wurde die neue 45er CD Holy Holy veröffentlicht, obwohl sich die Aufnahmen aufgrund von Vertragsverhandlungen um sechs Monate verzögerten. Einige Tage später wurde der Titel in der Fernsehsendung Six-O-One: Newsday von Granada TV aufgeführt, war aber kein Hit. 1971 war ein entscheidender Moment in Bowies Karriere, in dem Defries maßgeblich dazu beitrug, die aus dem Genie des Sängers geborenen Ideen zu verwirklichen und zu fördern; der Manager revolutionierte radikal die gesamte Organisation, die seine Karriere bis dahin geprägt hatte, und überredete ihn, seine Beziehung zu Tony Visconti zu beenden, der sich schuldig gemacht hatte, Beziehungen zu Marc Bolan zu unterhalten, der nun mit Bowie als Primadonna des Glam Rock konkurrierte. Visconti verließ die Band und konzentrierte sich auf die Produktion von Marc Bolan und T. Rex. Er behielt den Namen Hype bei und engagierte den Rats-Sänger Benny Marshall, um Ronson und Woodmansey zu unterstützen. Die Zusammenarbeit mit Bowie nahm er 1974 wieder auf, als sich die Beziehungen zwischen dem Sänger und Defries verschlechterten.
Im Februar begab sich Bowie auf seine erste Reise in die Vereinigten Staaten, um eine kurze Promotour für The Man Who Sold the World zu unternehmen. Obwohl er durch die Heirat mit Angela eine Green Card erhalten hatte, konnte Bowie aufgrund von Gewerkschaftsvereinbarungen mit der American Federation of Musicians nicht auftreten, und die Werbung beschränkte sich auf persönliche Auftritte und Interviews in Washington, New York, Chicago, Philadelphia, San Francisco und Los Angeles. In einem dieser Interviews kündigte er gegenüber John Mendelsohn vom Rolling Stone an, er wolle „die Pantomime in einem traditionellen westlichen Rahmen einführen, um die Aufmerksamkeit des Publikums mit einer Reihe von sehr stilisierten, sehr japanischen Bewegungen zu erregen“. Bei dieser Gelegenheit erklärte er auch, dass die Rockmusik „als Prostituierte verkleidet werden sollte, als Parodie ihrer selbst, als eine Art Clown, als Pierrot. Die Musik ist die Maske, hinter der sich die Botschaft verbirgt. Die Musik ist der Pierrot und ich, der Künstler, bin die Botschaft“.
Nach diesem kurzen amerikanischen Zwischenspiel kehrte Bowie in die Trident Studios zurück, um das neue Album Hunky Dory fertigzustellen und neue Titel wie Changes und Life on Mars? zu produzieren. Zu den Musikern der ersten Stunde gehörten eine Reihe von Dulwich-Studenten, die sich den Namen Runk gegeben hatten, darunter der Gitarrist Mark Carr Pritchard, der bei Arnold Corns mitspielte, der Bassist Polak de Somogyl und der Schlagzeuger Ralph St. Laurent Broadbent. Auch andere Musiker, mit denen er in den vergangenen Monaten zusammengearbeitet hatte, wurden für spätere Aufnahmen in Betracht gezogen, darunter Space Oddity-Schlagzeuger Terry Cox und Tony Hill, den Bowie seit 1968 kannte.
The Man Who Sold the World wurde im Vereinigten Königreich fast ein Jahr nach Beendigung der Aufnahmen veröffentlicht, aber trotz positiver Kritiken waren die Verkaufszahlen, wie auch im Ausland, katastrophal. Bowies Vertrag mit Mercury lief aus, aber die Firma wollte ihn für ein weiteres Album verlängern. Im folgenden Monat kam der Vertreter der Plattenfirma, Robin McBride, aus Chicago nach London, um ihm einen neuen Dreijahresvertrag anzubieten. Defries entgegnete, dass Mercury ihm „den größten Scheiß, den sie je hatten“, geben würde, wenn er die Option auf eine neue Platte wahrnehmen würde, und teilte ihm mit, dass Bowie unter keinen Umständen noch eine weitere Note mit Mercury aufnehmen würde, woraufhin dieser zustimmte, den Vertrag zu beenden.
Bowie bereitete in rasantem Tempo Material für das neue Album vor und zog Ronson und Woodmansey hinzu; Ronson stimmte zu und brachte den Bassisten Trevor Bolder als Ersatz für Visconti mit. Das Line-up der zukünftigen Spiders from Mars zeichnete sich ab.
Die Band zog nach Haddon Hall um, um neue Kompositionen einzustudieren, und Bowie beschloss, die bevorstehende BBC-Session am 3. Juni zu nutzen, um seinem neuen Musikerkreis, zu dem auch seine Freunde Dana Gillespie, George Underwood und Geoffrey Alexander gehörten, einige neue Songs vorzustellen, darunter Kooks, das für seinen Sohn Zowie komponiert wurde. Am 23. Juni nahm Bowie am Glastonbury Fayre teil, auf dem unter anderem Hawkwind, Traffic, Joan Baez und Pink Floyd auftraten. Die Setlist des Vorabends war zu lang, und Bowies Konzert wurde abgesagt, weil die Behörden darauf bestanden hatten, dass die Veranstaltung um 22.30 Uhr beendet sein sollte; unverdrossen begann Bowie um 5 Uhr morgens zu spielen, was einige Unannehmlichkeiten mit sich brachte, die Oh! You Pretty Things und setzte sich mit sechs weiteren Titeln fort, darunter Memory of a Free Festival.
Die Aufnahmen von Hunky Dory wurden den ganzen Sommer über in den Trident Studios fortgesetzt, und im August flog Defries mit 500 Promo-Exemplaren einer Vinyl namens BOWPROMO 1A1 nach New York.
In der Endphase von Hunky Dory tauchte ein weiteres entscheidendes Element in Bowies zukünftiger Karriere auf. Im Sommer 1971 führte das Roundhouse in London die US-Produktion Pork auf, Andy Warhols Adaption einer Sammlung von Gesprächen, die in den zwielichtigen Kreisen New Yorks aufgezeichnet wurden, mit dem Transvestiten Wayne County, der hemmungslosen Geri Miller und Cherry Vanilla, wobei Tony Zanetta Warhol selbst spielte. Für die britische Öffentlichkeit waren die von Pork dargestellten Szenen von Masturbation, Homosexualität, Drogen und Abtreibung ein inakzeptabler Affront gegen den guten Geschmack. Die Ausstellung erhielt durch die empörten Kommentare der Presse eine immense kostenlose Publicity, und für Bowie war der Kontakt mit Warhols Verrücktheit ein neuer Wendepunkt. Dieses Ereignis und sein Treffen mit dem amerikanischen Künstler im darauffolgenden Monat verhalfen ihm zu der Einsicht, Musik und Performance zu verbinden, sein Aussehen zu verändern und die Medien zu nutzen, um sein neues Rockstar-Image zu kreieren. Seine Rolle auf der Bühne beschränkte sich nicht mehr auf die eines Sängers-Musikers mit gutem Körpereinsatz, sondern auf die eines Schauspielers-Musikers.
Angezogen von ihrer Frechheit, ihrer heißen Sexualität, ihrem New Yorker Streetstyle und ihren Verbindungen zu Warhol, beeilte sich Bowie, Defries die neue Besetzung nach seiner Rückkehr aus den USA vorzustellen. Als Defries 1972 die Gem Music Group verließ und MainMan Management gründete, sein eigenes Unternehmen, um das riesige Geschäftsvolumen, das Bowie abwickeln konnte, zu bewältigen, wurden einige von Pork“s Schlüsselfiguren eingestellt, die in dem Unternehmen eine wichtige Rolle spielten.
Nach der Fertigstellung von Hunky Dory kehrte Bowie mit Angela, Defries und Ronson nach Amerika zurück, um einen neuen Vertrag mit RCA zu unterzeichnen. Wie bei seiner vorherigen Reise konnte Bowie nicht auftreten, aber sein Aufenthalt ermöglichte es ihm, Warhol persönlich zu treffen, und er spielte den ihm gewidmeten Song. Wie Bowie 1997 verriet, reagierte Warhol nicht positiv: „Ich glaube, er dachte, er würde durch den Song gedemütigt oder so, und das war wirklich nicht meine Absicht, es war eine ironische Hommage. Er nahm es sehr übel, aber er mochte meine Schuhe…. Ich trug ein Paar, das mir Marc Bolan geschenkt hatte, ein leuchtendes Kanariengelb, mit Absatz und abgerundeter Spitze, denn Warhol hatte auch die Angewohnheit, Schuhe zu entwerfen, und so hatten wir etwas, worüber wir reden konnten. In denselben Tagen fanden zwei weitere wichtige Begegnungen statt: Dennis Katz von RCA machte ihn in einem Restaurant mit Lou Reed bekannt, und in derselben Nacht lernte er auf einer Party im Max“s Kansas City Iggy Pop kennen, eine Begegnung, die sich als grundlegend für beide Karrieren erweisen sollte.
Nach seiner Rückkehr nach Europa setzte Bowie seine Live- und Studioverpflichtungen fort. Die Aufnahmen zu The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars begannen am 9. September mit einer Coverversion von It Ain“t Easy des amerikanischen Singer-Songwriters Ron Davies. Am 21. September fand eine weitere BBC-Session für Sounds of the 70s mit dem „flüsternden“ Bob Harris statt, bei der Bowie und Ronson Brel“s Amsterdam spielten. Vier Tage später fand im Friars Club in Aylesbury der erste Live-Auftritt mit den zukünftigen Spiders from Mars statt, bei dem Tom Parker am Klavier mitwirkte.
Am 8. November begann die erste richtige Session, bei der viele der Stücke für das neue Album produziert wurden. Dazu gehörten neue Versionen von Moonage Daydream und Hang On to Yourself, das berühmte Ziggy Stardust und Lady Stardust, wobei die beiden letztgenannten Stücke bereits einige Monate zuvor auf einem akustischen Demo in den Studios von Radio Luxembourg aufgenommen worden waren. Zu den verworfenen Titeln gehörten Shadow Man, Sweet Head, Velvet Goldmine, eine neue Version von Holy Holy und eine Neuauflage von Chuck Berrys Around and Around, die in Round and Round umbenannt wurde.
Hunky Dory wurde am 17. Dezember 1971 veröffentlicht. Zu diesem Zeitpunkt war Bowie bereits mitten in den Aufnahmen zu seinem nächsten Album und arbeitete an einem weiteren Image- und Stilwechsel. Mit dem neuen Werk kehrte Bowie zu einem eher folkigen Sound zurück, der von Rick Wakemans Klavier und Mick Ronsons opernhaften Arrangements dominiert wurde, und stellte vor allem seine Fähigkeiten als Songwriter unter Beweis. Doch trotz glühender Kritiken in der Fachpresse und der Veröffentlichung der Single Changes war die Werbekampagne unzureichend und die Verkaufszahlen waren gering. In den USA blieb es auf Platz 93 der Billboard 200 und im Vereinigten Königreich musste es bis zur Veröffentlichung von Ziggy Stardust warten, bevor es in die Charts kam. Hunky Dory wurde über die Jahre hinweg immer noch als sein erstes echtes „klassisches“ Album angesehen.
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Die Ära von Ziggy Stardust (1972-1973)
Die eigentliche Weihe kam 1972 mit dem Album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, bei dem er von der gleichnamigen Band The Spiders from Mars begleitet wurde und das die meisten seiner Klassiker enthielt, die auch dreißig Jahre später noch bei jedem Konzert wiederholt wurden: Von Starman bis Moonage Daydream, von Rock “n“ Roll Suicide bis Ziggy Stardust Im selben Jahr, als er seinen ersten großen Hit Space Oddity (1969) auf dem amerikanischen Markt vorstellte, sang Bowie den Song in seinem ersten Videoclip, der in den RCA-Studios in New York gedreht wurde.
Zwischen 1972 und 1973 tourte er mit einer Show, in der der echte Bowie und die Figur des Ziggy Stardust verschwammen. In engen bunten Strumpfhosen, extravaganten Kostümen und mit knallrot gefärbten Haaren eröffnete Bowie am 10. Februar 1972 Ziggys erste Show in der intimen Umgebung des Toby Jug Pub in Tolworth. Die Show, die später vor größerem Publikum aufgeführt wurde, katapultierte Bowie in den folgenden sechs Monaten seiner Tournee endgültig ins Rampenlicht der britischen Medien und verschaffte ihm große Popularität und wachsende Anerkennung bei Publikum und Kritikern gleichermaßen. Scharen von Jungen und Mädchen strömten zu seinen Konzerten, beeindruckt vom harten, melodischen Glam-Rock und der sexuell befreiten Haltung des Ephebe Ziggy. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, das die Hardrock-Elemente von The Man Who Sold the World mit dem poppigeren und experimentelleren Ansatz von Hunky Dory verband, wurde im Juni 1972 veröffentlicht, erreichte im Vereinigten Königreich Platz fünf und hielt sich rund zwei Jahre lang in den Charts, wobei es auch den sechs Monate älteren Hunky Dory zurück in die Hitparade brachte. Dieser Erfolg war vor allem auf Bowies Auftritt bei Top of the Pops zurückzuführen, wo er die Single (aus dem neuen Album) Starman vorstellte, die ebenfalls Platz zehn erreichte. Innerhalb weniger Wochen wurden auch die Single John, I“m Only Dancing, die nicht auf dem Album enthalten ist, und All the Young Dudes, ein für Mott the Hoople geschriebener und produzierter Song, veröffentlicht und wurden zu britischen Hits. Die Ziggy Stardust Tour wurde in den Vereinigten Staaten von Amerika fortgesetzt.
In dieser Zeit trug Bowie als Produzent und Musiker zusammen mit Ronson zum größten kommerziellen Erfolg von Lou Reeds Karriere bei, dem Album Transformer, das als ein Meilenstein des Glam Rock gilt.
Sein nächstes Studiowerk war das Album Aladdin Sane, das Bowies erstes britisches Chart-Hit-Album wurde. Von Bowie selbst als „Ziggy Goes to America“ bezeichnet, um die Amerikanisierung des Glam-Sounds des Vorjahres zu betonen, enthielt das Album Songs, die während der Reise durch die USA für die ersten Termine der Ziggy-Tour geschrieben wurden, die dann nach Japan weiterging. Aus Aladdin Sane wurden zwei Hitsingles ausgekoppelt, die die Spitze der britischen Charts erreichten: The Jean Genie und Drive-In Saturday.
Der Titel ist ein Wortspiel, das Bowies doppelte Persönlichkeit widerspiegelt: auf der einen Seite der übernatürlich gesunde Aladdin (Aladdin Sane) und auf der anderen Seite der verrückte Junge (A lad insane). Famous wurde zum ikonischen Titelbild des Albums, ein halblanges Foto von Bowie im Aladdin Sane-Make-up mit einem roten Blitz im Gesicht, eine der bekanntesten und emblematischsten Darstellungen des Künstlers im Laufe der Jahrzehnte.
Bowies Liebe zur Schauspielerei und zum Theatralischen führte ihn dazu, völlig in sein androgynes musikalisches Alter Ego einzutauchen. Rückblickend sagte der Musiker: „Auf der Bühne war ich ein Roboter und hinter der Bühne hatte ich Gefühle. Das ist wahrscheinlich der Grund, warum ich mich lieber als Ziggy verkleidet habe als als David. Mit dem Erfolg kamen auch persönliche Schwierigkeiten: Da er immer wieder dieselbe Rolle spielte, wurde es für Bowie immer schwieriger, seine Charaktere von seiner wahren Persönlichkeit zu trennen; „Ziggy“, so Bowie, „wollte mich jahrelang nicht verlassen. Das war der Punkt, an dem das Ganze zu weit ging. Meine ganze Persönlichkeit war davon betroffen. Es wurde sehr gefährlich. Ich begann ernsthaft an meinem Verstand zu zweifeln.
Ziggys letzte Konzerte, die sowohl Songs aus Ziggy Stardust als auch aus Aladdin Sane enthielten, waren äußerst theatralisch und beinhalteten einstudierte Momente des Bühnenpathos, die sich mit verstörenden Gesten abwechselten, wobei Bowie mit Ronsons Gitarre Fellatio simulierte. Er beendete diese Zeit mit der dramatischen Ankündigung, dass er sich als Ziggy bei einem Konzert im Londoner Hammersmith Odeon am 3. Juli 1973 zurückziehen würde, auf dem Höhepunkt seines Erfolgs.
Nach der Auflösung von Spiders from Mars versuchte Bowie, sich endgültig von der Rolle des Ziggy zu lösen. Aufgrund des großen Erfolges verkauften sich auch alle anderen Alben des Künstlers gut: The Man Who Sold the World wurde 1972 zusammen mit Space Oddity neu aufgelegt. Der Titel Life on Mars? wurde im Juni 1973 als Single veröffentlicht und erreichte Platz drei in den britischen Charts. Pin Ups, eine Sammlung von Coverversionen von Bowies Lieblingssongs aus den Sechzigern, wurde im Oktober veröffentlicht und erreichte Platz eins der britischen Charts. Bis 1973 waren sechs Bowie-Alben in den britischen Charts, und der kommerzielle Erfolg, zumindest in seiner Heimat, war in vollem Gange.
Gegen Ende des Jahres hatte Bowie eine kurze, aber intensive Beziehung zu Amanda Lear, die er entdeckte, als er sie auf dem Cover des Roxy Music-Albums For Your Pleasure sah. Es war Bowie selbst, der sie überredete, das Modeln zugunsten einer Karriere als Sängerin aufzugeben und ihr sogar Gesangs- und Tanzunterricht finanzierte.
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Funk, „Plastik-Soul“ und Diamond Dogs (1974-1975)
Im März 1974 ging Bowie an Bord des Ozeandampfers SS France und kam am 1. April in den Vereinigten Staaten an, wo er sich zunächst in New York niederließ.
Das Album Diamond Dogs aus demselben Jahr war das Ergebnis zweier verschiedener Ideen: ein gescheitertes Musical, das auf der in George Orwells Roman 1984 beschriebenen apokalyptischen Zukunft basierte, und die ersten Soul- und Funk-Einflüsse, die sich in Bowies Musik einzuschleichen begannen.
Mit Hits wie Rebel Rebel und Diamond Dogs erreichte das Album Platz eins im Vereinigten Königreich und Platz fünf in den USA. Um das Album zu promoten, begab sich Bowie auf die spektakuläre Diamond Dogs Tour, mit der er zwischen Juni und Dezember 1974 in den großen Städten Nordamerikas auftrat. Die sehr theatralische Tournee fiel mit Bowies zunehmender Kokainsucht zusammen, die ihm eine Reihe von körperlichen Problemen verursachte, da er geschwächt war. Im April 1975 zog Bowie in ein Haus in den Hügeln von Los Angeles in Kalifornien, wo er eine der dunkelsten Phasen seines Lebens verbrachte, besessen von seiner Leidenschaft für das Okkulte und geschwächt durch schweren Drogenmissbrauch. Diese dunkle Zeit trug jedoch zum Teil zur Entstehung seiner nächsten Persönlichkeit bei.
Bowie selbst kommentierte sein nächstes Live-Album, David Live, angesichts seines prekären Gesundheitszustands mit der ironischen Bemerkung, es hätte den Titel „David Bowie lebt und geht es gut, aber er lebt nur in der Theorie“ tragen sollen. Doch David Live festigte Bowies Status als Rockstar und erreichte Platz zwei im Vereinigten Königreich und Platz acht in den USA. Nach einer Pause in Philadelphia, wo Bowie neues Material aufnahm, wurde die Tournee fortgesetzt, wobei der Schwerpunkt auf Soulmusik lag, Bowies letzter großer Leidenschaft.
Das Ergebnis der Sessions in Philadelphia war das 1975 erschienene Album Young Americans, auf dem Bowie endlich seine bunte Glam-Rock-Helden-Rolle ablegte und sich kopfüber in die amerikanische Black Music stürzte. Der Biograf Christopher Sandford schrieb: „Im Laufe der Jahre hatten viele britische Musiker versucht, “schwarz“ zu werden, indem sie die amerikanische schwarze Musik imitierten, aber nur wenigen war dies so gut gelungen wie Bowie.
Der unverwechselbare, gekünstelte Sound des Albums, den Bowie als „Plastic Soul“ bezeichnete, war eine radikale Neuerung in seinem Musikstil. Die Single Fame, die gemeinsam mit John Lennon und Carlos Alomar geschrieben wurde, stammt aus Young Americans und brachte Bowie zwei Wochen lang Platz eins der US-Charts ein. Das Album markierte eine wichtige Phase in Bowies musikalischer Entwicklung, denn es war das erste seiner Alben, das sich vom Rock weg und hin zu funkigeren, gefühlvolleren Klängen bewegte und eine Art „weißen R&B“ schuf.
Als Bowie diese Details erfuhr, war MainMan verschuldet, viele Rechnungen im Vereinigten Königreich und in den USA waren unbezahlt geblieben, und die Ausgaben waren gestiegen, ebenso wie Defries“ fehlgeleitete Investitionen. Bowie fühlte sich betrogen und ausgenutzt; seine erste Reaktion bestand darin, die exorbitanten Konzertgebühren zu kürzen und nüchternere Kostüme und Kulissen zu verwenden und die Tournee in „Philly Dogs Tour“ umzubenennen. Am 29. Januar 1975 ging er in die RCA-Büros und kündigte seinen Abschied von MainMan an, um einen Vorschuss für die kommenden Young Americans zu erhalten. Am nächsten Tag traf das Kündigungsschreiben bei MainMan ein.
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Die Jahre des „Weißen Herzogs“ und die Berlin-Trilogie (1976-1979)
Auf die Veröffentlichung des Nachfolgealbums Station to Station im Januar 1976 folgte im Februar eine dreieinhalbmonatige Tournee durch Europa und die USA, um das Album und die dramatischen Auftritte von Bowies neuer Persönlichkeit, dem dünnen White Duke, zu promoten.
Dieses neue Alter Ego markierte einen der vielen künstlerischen Wendepunkte in seiner Karriere, die sich von dem bunten Glam-Rock-Klamauk einiger Jahre zuvor weit entfernt hatte. Der „White Duke“ verkörperte einen aristokratischen Charakter mit nüchterner und eleganter Kleidung, hypothetischen rechtsgerichteten Sympathien und einer starken Vorliebe für den Okkultismus. Obwohl viele dieser Elemente nur Bühnenspielereien des vielseitigen Künstlers waren, ging der Name „White Duke“ in die kollektive Vorstellungskraft der Öffentlichkeit ein und wurde bald zu seinem häufigsten Spitznamen für den Rest seiner Karriere.
Zu den Höhepunkten dieser Zeit gehören der vom Sound deutscher Krautrockgruppen beeinflusste Titeltrack des Albums, die Balladen Word on a Wing und Wild Is the Wind, eine Coverversion eines von Nina Simone bekannt gemachten Songs, sowie die funkigen Titel TVC 15 und Stay. Die Band, die Bowie auf der Bühne begleitete, bestand aus dem Gitarristen Carlos Alomar, dem Bassisten George Murray und dem Schlagzeuger Dennis Davis, der bis zum Ende des Jahrzehnts bei Bowie blieb. Die Tournee war ein großer Erfolg, löste aber auch politische Kontroversen aus, wie z. B. bei einem Termin in Stockholm, wo Bowie beschuldigt wurde, die folgende Aussage gemacht zu haben: „Großbritannien würde vom Aufkommen eines faschistischen Führers profitieren“, und kurz darauf hielt ihn die Grenzpolizei an der polnisch-russischen Grenze an, weil er Nazi-Erinnerungsstücke besaß.
Die umstrittene Affäre gipfelte im Mai des folgenden Jahres in dem als „Victoria-Station-Zwischenfall“ bekannt gewordenen Vorfall in London. Am Nachmittag des 2. Mai 1976, als Bowie nach zweijähriger Abwesenheit nach Großbritannien zurückkehrte, verließ er den Bahnhof und winkte mit dem linken Arm einer Menge von Fans zu, was fälschlicherweise für einen Nazi-Gruß gehalten, fotografiert und im NME veröffentlicht wurde. Bowie behauptete, der Fotograf habe seine Armbewegung als Teil eines normalen Grußes einfach in der Luft „eingefroren“. Die britische Presse ignorierte den Vorfall größtenteils, doch die Boulevardpresse spekulierte über die angeblichen Nazi-Tendenzen des Sängers und schürte die Spekulationen mit wiederverwendeten Zitaten aus früheren Jahren, wie Bowies Interview mit Cameron Crowe, in dem er sagte, dass „Adolf Hitler einer der ersten echten Rockstars war“, oder mit einem Zitat aus dem Lied Somebody Up There Likes Me vom Album Young Americans, in dem er von Hitlers Rückkehr sprach. Später entschuldigte sich Bowie öffentlich für diese zweideutige Haltung und schob sie auf seine Kokainsucht und die Überidentifikation mit der Figur des „White Duke“: „Ich hatte den Verstand verloren, ich war völlig verrückt. Ich war mehr an der Mythologie interessiert als an der ganzen Hitler- und Totalitarismus-Sache.
In dieser Zeit machte Bowie auch seine erste richtige Filmerfahrung, als er die Hauptrolle in dem Science-Fiction-Film The Man Who Fell to Earth von Nicolas Roeg spielte, der ihn für die Rolle ausgewählt hatte, nachdem er ihn in der Dokumentation Cracked Actor über die Diamond Dogs Tour im Vorjahr gesehen hatte. Bei dieser Gelegenheit begann David auch, einige Instrumentalstücke zu komponieren, die den Soundtrack des Films hätten bilden sollen, die aber stattdessen in seine späteren Aufnahmen eingearbeitet wurden.
1976 zog Bowie in die Schweiz und kaufte eine große Villa in Blonay, in den Hügeln bei Montreaux am Genfer See, wo sein Kokainkonsum weiter zunahm und seine Gesundheit ernsthaft bedrohte. Entschlossen, clean zu werden und sich vom Stress des musikalischen Umfelds abzulenken, begann Bowie zu malen und schuf mehrere postmoderne Werke. Er nahm auch ein Skizzenbuch mit auf Tournee, um zu zeichnen, wenn er sich inspiriert fühlte, und begann zu fotografieren, was immer ihm in den Sinn kam. Sein Interesse an der Malerei wuchs so stark, dass er große europäische Ausstellungen besuchte und auch viele Kunstgalerien in Genf und das Brücke-Museum in Berlin aufsuchte. Er wurde, in den Worten des Biographen Christopher Sandford, „ein produktiver Produzent und Sammler zeitgenössischer Kunst“; seine Bilder wurden in vielen Einzelausstellungen gezeigt und einige von Museen im Vereinigten Königreich und den USA angekauft. Über seine Website Bowieart.com setzte er sich auch für die Förderung und Sichtbarkeit von Werken junger Künstler ein.
Noch vor Ende 1976 führte Bowies Interesse an der deutschen Kunstszene dazu, dass er nach West-Berlin zog, um clean zu werden und seine Karriere wieder anzukurbeln. Hier begann er eine fruchtbare Zusammenarbeit mit Brian Eno und teilte sich eine Wohnung in Schöneberg mit Iggy Pop und Corinne Schwab, seiner persönlichen Assistentin aus Los Angeles, der er den Großteil der organisatorischen und verwaltungstechnischen Aspekte anvertraut hatte.
Schwab war das Objekt großer Eifersucht von Bowies Frau Angie, die nach ein paar Tagen in Berlin zurück in die USA zog. Bowie widmete ihr den Song Be My Wife auf dem Album Low, in dem er sie vergeblich aufforderte, ihn bei diesem neuen Abenteuer zu begleiten. Die Ehe war seit 1973 in die Brüche gegangen, die sexuelle Leidenschaft ließ nach und es kam zu häufigen außerehelichen Affären. Später behauptete Angie, dass sie ihren Mann nicht mehr sehen wollte, nachdem es immer wieder zu nazifreundlichen Vorfällen wie dem Vorfall auf der Victoria Station gekommen war. Bowie behauptete, sie hätten sich seit 1974 gelegentlich getroffen und getrennt gelebt. Es folgte die endgültige Trennung und Scheidung im Jahr 1980.
David begann, sich auf Minimalismus und Ambient-Musik zu konzentrieren, die die Alben der so genannten „Berlin Trilogy“ prägen sollten. In dieser Zeit half er auch, die Karriere von Iggy Pop wiederzubeleben, indem er dessen erstes Soloalbum The Idiot und das darauf folgende Lust for Life produzierte und mitschrieb. Bei Iggy Pops Tournee durch Europa und die Vereinigten Staaten im März und April 1977 war Bowie der Keyboarder.
Das 1977 erschienene Album Low war teilweise vom Krautrock von Kraftwerk und Neu! beeinflusst und markierte einen Schritt nach vorn für Bowie als Komponist und Konzeptkünstler. Er entfernte sich von einfachem Pop und Rock und produzierte ehrgeizige, abstraktere Musik, bei der die Texte sporadisch und nicht wesentlich waren. Trotz anfänglicher negativer Kritik wegen seiner offensichtlichen Komplexität und Unverkäuflichkeit erreichte Low die Nummer zwei der britischen Charts und brachte auch die Hitsingle Sound and Vision hervor, die ebenfalls die Nummer drei der britischen Charts erreichte. Rückblickend sollte es sich als Kultalbum erweisen und Avantgarde-Komponisten wie Philip Glass dazu veranlassen, es als „ein geniales Werk von unvergleichlicher Schönheit“ zu beschreiben. Glass selbst komponierte eine ganze Sinfonie, die auf der Musik und der Atmosphäre des Albums basiert: die Low Symphony von 1992.
Dem minimalistischen Ansatz von Low folgend, wurde am 23. September 1977 „Heroes“ veröffentlicht, das den berühmten gleichnamigen Song enthält, der gemeinsam mit Brian Eno geschrieben wurde; dieses Album verschmolz Pop und Rock und erweiterte die Grenzen des Genres und war das einzige der drei Alben der Berlin-Trilogie, das vollständig in Berlin aufgenommen wurde. Wie Low war auch Heroes vom Zeitgeist des Kalten Krieges durchdrungen und durch die Mauer, die die Stadt in zwei Teile teilte, stigmatisiert. Es war ein weiterer großer Hit und erreichte Platz drei in den britischen Charts. Der Titelsong, der damals nur Platz 24 der britischen Single-Charts erreichte, wurde zum vielleicht berühmtesten und ikonischsten Song von Bowies gesamter Karriere und hat sich über die Jahre als sein Markenzeichen bewährt. Gegen Ende des Jahres trat Bowie mit dem Titel sowohl in Marc Bolans Fernsehshow als auch in Bing Crosbys Weihnachtsspecial auf, mit dem er eine Version von Peace on Earth spielte.
Nach der Fertigstellung von Low und Heroes promotete Bowie die beiden Alben und verbrachte den größten Teil des Jahres 1978 auf einer Tournee, die bei 70 Konzerten in 12 Ländern von einer Million Menschen besucht wurde. Das Ergebnis der Tournee war das Live-Album Stage, das noch im selben Jahr veröffentlicht wurde. Ebenfalls 1978 erschien der Film Just a Gigolo, in dem Bowie die Hauptrolle spielte. Der Film wurde von den Zuschauern schlecht aufgenommen und von den Kritikern schlecht bewertet.
Das letzte Kapitel der Trilogie war das 1979 erschienene Album Lodger, das wiederum eine Annäherung an die minimalistische, atmosphärische und komplexe Musik der beiden vorangegangenen Alben darstellte, jedoch mit einer teilweisen Rückkehr zum konventionellen, auf Schlagzeug und Gitarren basierenden Rock. Das Ergebnis war eine komplexe Mischung aus New-Wave- und Weltmusik-Elementen mit einigen multiethnischen Einflüssen; einige Stücke wurden unter Verwendung der Aphorismen von Brian Eno und Peter Schmidts Oblique Strategies komponiert: Boys Keep Swinging entstand auf diese Weise und ermutigte die Musiker, ihre Instrumente zu „schlagen“, während Move On die Akkordfolge von All the Young Dudes rückwärts gespielt verwendete und Red Money die grundlegende Instrumentalspur von Sister Midnight, einem Song, der zuvor mit Iggy Pop komponiert worden war. Das Album wurde vollständig in Bowies privatem Studio in der Schweiz aufgenommen und markierte eine vorübergehende Unterbrechung in Bowies Zusammenarbeit mit Brian Eno, mit dem er in den 1990er Jahren wieder zusammenarbeitete. Lodger erreichte Platz vier im Vereinigten Königreich und Platz 20 in den USA, und die Singles Boys Keep Swinging und DJ wurden aus dem Album ausgekoppelt. Obwohl Lodger zunächst als weniger gelungener Abschluss der Berlin-Trilogie angesehen wurde, sollte es im Laufe der Jahre neu bewertet werden, nicht zuletzt wegen der enttäuschenden Ergebnisse von Bowies Alben der 1980er Jahre.
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Kommerzieller und großer Erfolg (1980-1989)
In den 1980er Jahren engagierte sich Bowie stark in Film und Theater und vergrößerte die Anzahl der Bühnen und den Umfang seiner Tourneen, während sich seine Plattenproduktion auf raffinierten, generischen Pop konzentrierte, wobei die Alben einige kommerziellere Hits enthielten, die sich für eine massive Radioausstrahlung eigneten. Der Erfolg dieser Singles wurde durch die stimmungsvollen Videos, die sie begleiteten, angeheizt – ein Video-Phänomen, mit dem Bowie bereits vertraut war und das er als der vielseitige Künstler, der er schon immer war, in vollem Umfang nutzte. 1980 war das Album Scary Monsters (and Super Creeps) ein großer Erfolg und erreichte die Nummer eins im Vereinigten Königreich, mit Gitarrenbeiträgen von Robert Fripp, Pete Townshend und Tom Verlaine. Daraus entstand der Chart-Hit Ashes to Ashes, der die New Romantic-Bewegung international bekannt machte, als Bowie im Londoner Nachtclub Blitz Statisten für den Videoclip rekrutierte, darunter Steve Strange von Visage. In dem Video ist Bowie als gruseliger Pierrot verkleidet, eine seiner berühmtesten Verkleidungen. Im September 1980 gab Bowie sein Broadway-Debüt in dem Stück The Elephant Man, in dem er ungeschminkt den deformierten John Merrick spielte, und erntete begeisterte Kritiken.
Im selben Jahr hatte er einen Auftritt in dem deutschen Film Christiane F. – Der Soundtrack des Films, der ausschließlich aus seinen Songs aus Station to Station, Low, Heroes und Lodger besteht, wurde einige Monate später veröffentlicht und war ein Erfolg. 1981 arbeitete Bowie mit Queen auf deren Album Hot Space zusammen und sang im Duett mit Freddie Mercury den Titel Under Pressure. Der Titel wurde ein großer Erfolg und Bowies dritte Nummer-eins-Single in Großbritannien. 1982 spielte er die Hauptrolle in der BBC-Fernsehverfilmung von Bertolt Brechts Stück Baal. Fünf der in Berlin aufgenommenen Stücke des Stücks wurden auf einer gleichnamigen EP veröffentlicht. Das 1983 erschienene, sehr erfolgreiche Album Let“s Dance, das gemeinsam mit Nile Rodgers von Chic produziert wurde, erreichte auf beiden Seiten des Atlantiks Platin. Auf die Veröffentlichung von Let“s Dance folgte die Serious Moonlight Tour mit dem Gitarristen Earl Slick und den Background-Sängern Frank und George Simms. Die Welttournee dauerte sechs Monate und war ein großer Erfolg, auch wenn einige Kritiker bemängelten, dass Bowies Musik zu „kommerziell“ geworden sei. Während der Tournee trat er mit einem neuen Look aus peroxidfarbenen Haaren und gebräuntem Körper auf und bot zugänglichen Dance-Rock mit verstörenden Themen und anspruchsvollen Texten.
Ebenfalls 1983 spielte Bowie die Hauptrolle in dem Film Furyo, auch bekannt unter dem Originaltitel Merry Christmas Mr. Lawrence, unter der Regie von Nagisa Ōshima und basierend auf dem Roman The Seed and the Sower von Laurens van der Post. Seine Leistung wurde von den Kritikern gelobt und der Film kam beim Publikum gut an. 1984 erschien Tonight, ein weiteres tanzorientiertes und sehr kommerzielles Album, das im Vereinigten Königreich Platz eins erreichte und auf dem Tina Turner und Iggy Pop mitwirkten. Unter den Coverversionen des Albums befand sich auch eine viel kritisierte Version des Beach Boys-Klassikers God Only Knows von 1966. Es gab jedoch den Hit Blue Jean, der in dem kurzen Musikfilm Jazzin“ for Blue Jean zu sehen war, der den Grammy Award für das beste kurze Musikvideo gewann.
1985 trat Bowie bei Live Aid im alten Wembley-Stadion in London auf. Bei der Veranstaltung wurde ein eigens gedrehtes Video gezeigt, in dem Bowie im Duett mit Mick Jagger den Song Dancing in the Street sang, der später auf Platz eins der Charts landete. Später spielte er die Hauptrolle in den Filmen Absolute Beginners und Labyrinth von 1986, für die er auch den Soundtrack schrieb. Die Single Absolute Beginners erreichte im Vereinigten Königreich Platz zwei und in Europa Platz eins der Eurochart Hot 100 Singles Chart. 1987 veröffentlichte er das Album Never Let Me Down, das von den Kritikern als langweiliges, kommerzielles Werk eingestuft wurde, sich aber in den Charts gut schlug, unterstützt durch eine neue Welttournee, die masturbatorische und theatralische Glass Spider Tour.
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Die kurze Zeit mit Tin Machine (1989-1990)
1989 war er Sänger, Gitarrist und Saxophonist der Rockband Tin Machine, die er zusammen mit Reeves Gabrels und den Brüdern Tony und Hunt Sales gründete, mit denen er bereits in den 1970er Jahren auf dem Album Lust for Life von Iggy Pop zusammengearbeitet hatte; er spielte auch Keyboards auf der Tournee, die auf dem Live-Album Tv Eye (1978) dokumentiert ist.
Obwohl innerhalb von Tin Machine absolute Demokratie herrschte, begann Bowies Führungsqualitäten bald die Dynamik der Band zu dominieren, sowohl als Songschreiber als auch als Anführer. Das 1989 erschienene Debütalbum der Band, Tin Machine, wurde von Publikum und Kritikern gleichermaßen positiv aufgenommen, obwohl die übermäßige Politisierung der Texte einige Bedenken hervorrief. Das Album erreichte Platz drei in den britischen Charts und die erste Welttournee der Band war ein Erfolg. Nach einer Reihe erfolgloser Singles und einem Zerwürfnis mit EMI verließ Bowie jedoch das Label und die Band löste sich auf, nachdem sie ein zweites Studioalbum und ein Live-Album veröffentlicht hatte, die beide von Publikum und Kritikern schlecht aufgenommen wurden. Noch vor der Veröffentlichung des zweiten Albums der Band kehrte Bowie mit der Sound+Vision Tour 1990 zu seinen Soloaktivitäten zurück. Sieben Monate lang tourte er mit seinen alten Hits durch die Welt, nachdem die Sound and Vision-Box erschienen war, und erntete großen Beifall und hohe Gewinne. Ein drittes Tin Machine-Studioalbum war geplant, aber Bowie zog es vor, sich wieder auf seine Solokarriere zu konzentrieren, nachdem er Nile Rodgers (den Produzenten von Let“s Dance) getroffen hatte. Mit Rodgers nahm er Real Cool World auf, den Titelsong des Soundtracks zum Film Cool World, der im Sommer 1992 als Single veröffentlicht wurde.
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Elektronik, neue Experimente und eine Rückkehr zur Vergangenheit (1990-1999)
1990 zog er endgültig nach New York in eine Wohnung im 160 Central Park South, im neunten Stock des Essex House, mit Blick auf den Central Park, und widmete sich dem Experimentieren, indem er neue, sehr unterschiedliche Alben entwarf, die Anfang der neunziger Jahre veröffentlicht wurden. Er arbeitete wieder mit Nile Rodgers und Brian Eno zusammen und erforschte die Genres und Musiktrends dieser Zeit wie Hip-Hop, Jungle und Drum and Bass. Ebenfalls in New York gründete er Isolar Enterprises, ein Unternehmen, das seinen Songkatalog, seine Urheberrechte, seine Immobilien und alle Aktivitäten der Pressestelle verwaltet.
Im April 1992 trat sie beim Freddie Mercury Tribute Concert auf, wo sie Heroes, All the Young Dudes und, zusammen mit Annie Lennox, Under Pressure sang. Am 6. Juni 1992 heiratete sie Iman Mohamed Abdulmajid in einer privaten Zeremonie in der St. James“ Episcopal Church in Florenz, Italien.
Das von Nile Rodgers produzierte Album erreichte die Spitze der britischen Charts, mit zwei Singles in den Top 40 und einer in den Top 10, Jump They Say, die seinem Halbbruder Terry gewidmet ist. Später erkundete Bowie mit The Buddha of Suburbia, dem Soundtrack zur gleichnamigen Fernseh-Miniserie, neue Trends in der Ambient-Musik; das Album erhielt gute Kritiken, war aber ein kommerzieller Misserfolg und erreichte im Vereinigten Königreich Platz 87 der Charts.
Aus der Zusammenarbeit mit Brian Eno entstand 1.Outside, ein Konzeptalbum, für das er ein neues Alter Ego schuf, den Detektiv Nathan Adler, und andere, die die Aufgabe hatten, die Tracks zu interpretieren und so die Erzählung der Geschichte zu entwickeln. Das Album wurde gleichermaßen verunglimpft und gelobt, aber in den letzten Jahren sehr positiv bewertet. Es wurde sowohl in Amerika als auch in Europa gut aufgenommen und brachte auch einige der erfolgreichsten Singles dieser Zeit hervor, wie den Song Hallo Spaceboy, der später mit den Pet Shop Boys aufgenommen wurde. Das Album sollte Teil einer Trilogie werden, aber das Projekt wurde nach dem Ende der Outside Tour im Juli 1996 auf Eis gelegt.
Am 17. Januar 1996 wurde Bowie in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, woraufhin er im Februar 1997 einen Stern auf dem Hollywood Walk of Fame niederlegte. Im Dezember 1996 wurde Bowie der erste börsennotierte Rockstar, der Investoren an der Wall Street Anleihen anbot. Die Bowie-Anleihen hatten eine Laufzeit von zehn Jahren, wurden hauptsächlich durch die Erlöse von 287 Songs aus seinen 25 vor 1990 aufgenommenen Alben gedeckt, hatten einen Gesamtwert von 55 Millionen Dollar und wurden vollständig von der Prudential Insurance Company of New York erworben. Dies machte Bowie zu einem der reichsten Sänger der Welt, und bald folgten ihm Künstler wie Elton John, James Brown, Ashford & Simpson und die Isley Brothers.
Zur gleichen Zeit erkannte Bowie das Potenzial des Internets und startete im Frühjahr 1996 neben seiner eigenen Website www.davidbowie.com das BowieNet, das erste von einem Sänger geschaffene Themenportal, über das man sich mit dem Internet verbinden, aber auch seine Musik legal herunterladen konnte. 1999 wurde BowieNet für den Wired Award als beste Unterhaltungsseite des Jahres nominiert und blieb bis 2012 aktiv.
1997 erschien das neue Album Earthling mit neuen Experimenten in den Bereichen Dschungelmusik und Drum and Bass, das beim Publikum besser ankam als bei den Kritikern und den Hit Little Wonder hervorbrachte, mit dem er auch als Gast beim 47. 1999, für sein neues Album „Hours…“, änderte Bowie seinen Look erneut und ließ das kurze kastanienbraune Haar zugunsten eines „Big Hair“-Looks, ähnlich wie in seinen frühen Tagen, fallen. Das Album, das die Hitsingle Thursday“s Child enthält, wurde vom Rolling Stone als eine Synthese von Bowies Karriere beschrieben, in der seine Fans Spuren früherer Alben wie Hunky Dory, Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Heroes und Low finden können.
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Heide, Realität und Ruhestand (2000-2013)
Im Jahr 2000 fanden Sessions für das geplante Album Toy statt, das eine Zusammenstellung von neuen Versionen einiger früherer Bowie-Songs mit drei neuen Liedern sein sollte, aber wider Erwarten nicht veröffentlicht wurde.
Im Oktober 2001 eröffnete Bowie das Concert for New York City, eine Wohltätigkeitsveranstaltung für die Opfer der Terroranschläge vom 11. September 2001, mit einer minimalistischen Darbietung von Simon & Garfunkels America, gefolgt von dem Klassiker Heroes.
Ebenfalls im Jahr 2001 sang er eine Version von Nature Boy auf dem Soundtrack des Films Moulin Rouge!
Bowies Zusammenarbeit mit Tony Visconti wurde 2002 mit der Produktion von Heathen fortgesetzt, einem Album mit bisher unveröffentlichten Stücken, gefolgt von einer ausgedehnten Tournee 2002 durch die USA und Europa, die vom Londoner Meltdown Festival ausging, dessen Kurator Bowie in jenem Jahr war und zu dem bedeutende Künstler wie Philip Glass, Television und The Dandy Warhols eingeladen waren.
Im darauffolgenden Jahr veröffentlichte er das Album Reality und ging auf große Tournee, die jedoch am 25. Juni 2004 dramatisch unterbrochen wurde, als Bowie nach einem Konzert beim Hurricane Festival in Scheeßel wegen eines schweren Herzkranzgefäßverschlusses, dessen Symptome er schon Tage zuvor gespürt hatte, nach Hamburg eingeliefert wurde. Nach der Koronarangioplastie-Operation kehrte Bowie nach New York zurück, doch die restlichen elf Tourdaten wurden abgesagt.
In den folgenden Jahren hielt sich Bowie von der Bühne fern, abgesehen von einigen seltenen Auftritten, aber er nahm einige Stücke für den Film auf, z. B. seinen alten Hit Changes im Duett mit Butterfly Boucher für den Animationsfilm Shrek 2 von 2004, und schrieb 2005 (She Can) Do That mit Brian Transeau für den Film Stealth.
Am 8. September 2005 kehrte er zu einem Live-Auftritt mit Arcade Fire für das US-Fernsehereignis Fashion Rocks zurück und schloss sich der kanadischen Band eine Woche später für den CMJ Music Marathon erneut an. Ein paar Monate später sang er auf dem Album Return to Cookie Mountain von TV on the Radio,
Am 8. Februar 2006 wurde er mit dem Grammy Award for Lifetime Achievement ausgezeichnet, und nachdem er im April angekündigt hatte, dass er sich ein Jahr lang von der Bühne zurückziehen würde, trat er am 29. Mai überraschend bei David Gilmours Konzert in der Londoner Royal Albert Hall auf, von dem einige Songs für die DVD Remember That Night: Live at the Royal Albert Hall aufgenommen wurden.
Sein letztes Live-Konzert gab er im November 2006 zusammen mit Alicia Keys bei einer Benefizveranstaltung im Black Ball in New York. Im selben Jahr trat er als Schauspieler in Christopher Nolans Film The Prestige in der Rolle des Nikola Tesla auf.
Im Jahr 2007 nahm er einen Werbespot mit Snoop Dogg für den amerikanischen Sender XM Satellite Radio auf und arbeitete mit Lou Reed auf dem Album No Balance Palace der dänischen Rockband Kashmir zusammen. Doch seine künstlerischen Bemühungen gingen weiter, und im selben Jahr wurde Bowie zum künstlerischen Leiter des High Line Festivals in Manhattan gewählt und arbeitete an Scarlett Johanssons Album Anywhere I Lay My Head mit, das Coverversionen von Tom Waits enthält. Anlässlich des 40. Jahrestages der Mondlandung von Apollo 11 veröffentlichte EMI 2009 die Tracks der Originalaufnahme von Space Oddity im Rahmen eines Wettbewerbs, bei dem die Öffentlichkeit eingeladen war, einen Remix aufzunehmen.
Im Januar 2010 wurde das Doppel-Live-Album A Reality Tour veröffentlicht, das Material von der letzten Tour 2003 und 2004 enthält.
Am 21. Januar 2009 meldeten Blogs, dass Bowie in Berlin ein neues Album aufnehme, was jedoch bald auf der offiziellen Website des Künstlers dementiert wurde.
Im März 2011 wurde das unveröffentlichte, 2001 gecancelte Album Toy im Internet zum Download angeboten, das einige der für Heathen verwendeten Tracks und die meisten B-Seiten der Singles aus demselben Album enthält.
Im Jahr 2012 engagierte ihn Louis Vuitton als neuen Sprecher für seine amerikanische Kampagne 2013.
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Die Rückkehr mit The Next Day (2013-2015)
Nach zehnjähriger Abwesenheit (einschließlich einiger Jahre, in denen er mit Visconti heimlich an neuen Stücken arbeitete) kündigte Bowie am 8. Januar 2013, seinem 66. Geburtstag, sein neues Album The Next Day an, dem am selben Tag die Tony Oursler-Single und das Video zu Where Are We Now? vorausgingen, gefolgt von The Stars (Are Out Tonight), das am 25. Februar veröffentlicht wurde. Das Album wurde am darauffolgenden 12. März veröffentlicht und fand sowohl bei Kritikern als auch in der Öffentlichkeit großen Anklang und erreichte weltweit die Spitze der Charts. Am 5. November wurde The Next Day Extra veröffentlicht, eine spezielle Version des Albums, die neben der Standardausgabe auch eine DVD mit Videoclips zu Where are we now?, The Stars are out Tonight, The Next Day und Valentine“s Day sowie vier bisher unveröffentlichte Songs enthält.
Im Herbst 2014 veröffentlichte Bowie eine neue Anthologie, Nothing Has Changed; sie wurde in verschiedenen Formaten veröffentlicht und enthielt einen unveröffentlichten Track, Sue (In the Season of Crime), der auch als Single veröffentlicht wurde. Das Album war ein großer Erfolg, insbesondere in Europa und vor allem im Vereinigten Königreich, wo Bowie schon immer einen harten Kern von Fans hatte. Es erreichte Platz neun der britischen Charts und wurde nach einigen Monaten mit einer goldenen Schallplatte für über 100 000 verkaufte Exemplare ausgezeichnet.
Im Oktober 2015 teilte John Giddins, ein langjähriger Londoner Konzertveranstalter, mit, dass Bowie nicht mehr live auftreten und keine weiteren Tourneen mehr unternehmen würde, auch nicht zur Promotion von The Next Day.
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Das letzte Album Blackstar und der Tod (2015-2016)
Am 19. November 2015 veröffentlichte Bowie seine neue Single Blackstar, die erste Auskopplung aus dem gleichnamigen Album, und anschließend Lazarus, begleitet von einem Musikvideo, das drei Tage vor seinem Tod online gesendet wurde. Unter demselben Titel wurde am 12. Dezember das von Robert Fox für den Broadway geschriebene und produzierte gleichnamige Musical uraufgeführt, bei dessen Theaterpremiere Bowie seinen letzten öffentlichen Auftritt hatte.
Am 8. Januar 2016, seinem 69. Geburtstag, wurde das Studioalbum Blackstar (stilisiert als ★) veröffentlicht.
Zwei Tage später, in der Nacht vom 10. auf den 11. Januar, starb der Sänger plötzlich im Alter von 69 Jahren an einem unbekannten Ort, vermutlich aber in einer New Yorker Krebsklinik, wo man davon ausgeht, dass er aufgrund der irreparablen Verschlimmerung eines Lebertumors, gegen den er seit etwa 18 Monaten heimlich gekämpft hatte, eingeschläfert wurde. Die Nachricht wurde auf seinem offiziellen Facebook-Profil bekannt gegeben, während Bowies Freund und Produzent Robert Fox in den folgenden Tagen verriet, dass er ihm anvertraut hatte, dass er sich einer neuen experimentellen Krebsbehandlung unterziehen wolle. Er sagte auch, dass nur einige wenige Freunde und Familienmitglieder von seiner Krankheit wussten, dass aber ebenso viele der an den Aufnahmen des Albums Beteiligten bis zu Bowies Tod nichts von der Diagnose wussten.
Wie der Produzent Tony Visconti in einem Interview mit RS America erklärte, wurde Bowie von dem Album To Pimp a Butterfly des Rappers Kendrick Lamar inspiriert und von Gruppen wie Death Grips und Boards of Canada beeinflusst. Visconti erklärte auch die wahre Natur der meisten unveröffentlichten Texte auf Blackstar, die sich auf Bowies Krankheit und seinen bevorstehenden Tod beziehen, was das Publikum dazu veranlasst, das gesamte Projekt als sein spirituelles Testament zu betrachten, ein letzter Abschied von seinem Publikum.
Am 12. Januar 2016 setzte sich Blackstar an die Spitze der offiziellen britischen Albumcharts, verkaufte über 146 000 Exemplare und erhielt bereits einen Tag nach der Veröffentlichung die Goldmedaille. Das Album setzte sich weltweit schnell an die Spitze der Charts und erreichte in 35 Ländern Platz eins, darunter Australien, Belgien, Frankreich, Deutschland, Irland, die Niederlande, Schweden, Dänemark, Kanada, Finnland, Argentinien, Italien und die USA, wo es mit 130.000 verkauften Exemplaren in der ersten Woche auf Platz eins der Billboard-Album-Charts debütierte – Bowies bisher höchste Verkaufszahlen in so kurzer Zeit. Bowies Katalog aller Videos wurde am 11. Januar innerhalb von 24 Stunden mehr als 51 Millionen Mal auf Vevo aufgerufen und übertraf damit den Rekord, den Adele am Tag der Veröffentlichung von Hello gehalten hatte. Wenige Tage später meldete Amazon.com, dass alle Ausgaben, sowohl Vinyl als auch CD, ausverkauft waren und noch nie eine so hohe Verkaufszahl in so kurzer Zeit verzeichnet wurde.
Zahlreiche Persönlichkeiten aus der Welt der Musik nahmen an der Trauer teil: Am 13. Januar unterbrach Elton John während seines Konzerts in Los Angeles sein Programm, um den Rockstar zu ehren. Am 12. Januar ehrte Madonna ihn mit einer Coverversion von Rebel Rebel während der Houstoner Etappe ihrer Rebel Heart Tour.
Mick Jagger erinnerte im Namen der Rolling Stones auf Twitter daran, was Bowie für ihn und die Band war: ein „wunderbarer und freundlicher Mann“:
Am Tag seines Todes gab es auf Facebook, Instagram und Twitter schnell einen riesigen Strom von Informationen und Nachrichten. Millionen von Fans sowie viele Mitglieder der Musik-, Unterhaltungs- und Politikszene (darunter David Cameron, Ariana Grande, Brian May, Bryan Adams, Bruce Springsteen, J.K. Rowling, U2, Kanye West, Paul McCartney, Martin Scorsese, Barack Obama) drückten ihre Trauer über den Tod des Sängers aus und hinterließen Widmungen, Beileidsbekundungen an seine Familie, Fotos und Videos im Internet.
Am 14. Januar berichteten mehrere große US-amerikanische Zeitungen, dass Bowies sterbliche Überreste am 12. Januar in New Jersey gemäß seinen Anweisungen eingeäschert wurden, ohne jegliche Bestattungsrituale und ohne die Anwesenheit von Familie und Freunden. In einer Erklärung auf Facebook bedankten sich Bowies Familie, Kinder und enge Freunde später für die Solidarität und Zuneigung seiner Fans und erklärten, sie würden eine eigene private Gedenkfeier organisieren.
Trotz zahlreicher spontaner Initiativen in der ganzen Welt gab es kein offizielles öffentliches Gedenken, abgesehen von einem großen Konzert in der Carnegie Hall, das bereits vor seinem Tod geplant war, aber zu einem Tribut an sein Andenken wurde. Die Familie des Sängers hat jedoch klargestellt, dass sie eine solche Veranstaltung weder vorgeschlagen noch organisiert hat, und hält den Vorfall weiterhin streng geheim. Aufgrund des erwarteten großen Andrangs wurde der 31. März um den 1. April verlängert, und an der doppelten Bowie-Ehrung nahmen zahlreiche Künstler teil, darunter auch die Künstler selbst: Michael Stipe, Blondie, Cyndi Lauper, Mumford & Sons, Pixies und sein Freund Tony Visconti.
Am 29. Januar 2016 berichteten die Zeitungen über den Inhalt von Bowies holographischem Testament, das er bei dem bekannten Anwalt Herbert E. Nass hinterlegt hatte und das mit „David Robert Jones“ unterzeichnet war. Das Testament sah die Einäscherung seines Leichnams und die Verstreuung seiner Asche auf der Insel Bali vor, die Bowie mehrmals besucht hatte, oder an einem anderen Ort seiner Wahl, sofern die buddhistischen Rituale eingehalten wurden. In dem Testament wurde auch der Nachlass von rund 100 Millionen Dollar aufgeteilt, von denen die Hälfte an seine Witwe Iman ging, einschließlich einer Mehrheitsbeteiligung an Isolar Enterprises und dem großen Penthouse in der Lafayette Street 285, und die andere Hälfte, jeweils ein Viertel, an seinen ältesten Sohn Duncan und seine zweite Tochter Lexie, die auch das große Anwesen in den Catskills erbten. Von der Erbschaft profitierten auch Corinne „Coco“ Schwab, seine persönliche Assistentin seit mehr als 30 Jahren, die 2 Millionen Dollar und einen Teil der Anteile an Isolar Enterprises erhielt, und Marion Skene, sein älteres Kindermädchen, das 1 Million Dollar erhielt und im März 2017 starb.
Die Mitarbeiter von Bowies Plattenfirma gaben außerdem bekannt, dass die im Januar 2016 gesammelten Erlöse von Blackstar vollständig an die Krebsforschung gespendet wurden.
Eine EP mit dem Titel No Plan wurde am 8. Januar 2017 veröffentlicht, dem Tag, an dem Bowie 70 Jahre alt geworden wäre. Mit Ausnahme von Lazarus enthält die EP drei Songs, die Bowie während der Sessions für das Album Blackstar aufgenommen hat, die aber nicht auf der Platte erschienen sind und später auf dem Soundtrack des Musicals Lazarus im Oktober 2016 enthalten waren. Für den Titeltrack wurde ein Videoclip gedreht.
Obwohl er oft unter Glam-Rock, Art-Rock und New-Wave-Künstlern eingeordnet wird, lässt sich der Stil von David Bowie nur schwer kategorisieren.
Anfänglich basierte Bowies Musikproduktion auf nostalgischen, von der Beat-Generation beeinflussten Klängen mit akustischen Folk-Rock-Songs, worauf die Metamorphose der 1970er Jahre folgte, die Bowie mit Alben wie The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) und Aladdin Sane (1973) zu einem der ersten und wichtigsten Vertreter des Glam Rock werden ließ.
In den 1970er Jahren änderte sich Bowies Stil unzählige Male, er wurde intimer und ließ sich von progressivem Rock und Dance Rock inspirieren, deren Vorreiter er war. Der Eklektizismus dieser Jahre wird durch die düsteren The Man Who Sold the World (1970) und Station to Station (1976) bestätigt, das poppigere Hunky Dory (1971), Young Americans (1975), das in einem plötzlichen Stilwechsel den Schwerpunkt auf das Soul-Genre mit der Kreation des White Soul verlegte, und die „Berlin-Trilogie“ (bestehend aus Low, Heroes und Lodger), die als seine experimentellste und avantgardistischste Phase gilt. In dieser Zeit wurde Bowie auch von Krautrock und experimentellem Rock beeinflusst und interpretierte die Trends, das Unbehagen und den Aufruhr der Zeit, nahm aber auch die „neue Welle“ der kommenden Jahre vorweg.
Nach dem großen Pop-Erfolg der 1980er Jahre, der durch Let“s Dance (1983) gut repräsentiert wurde, kehrte Bowies Stil zu neuen Experimenten zurück, zunächst mit der Gründung der Gruppe Tin Machine Ende der 1980er Jahre, in der Bowie einen harten Rock vorschlug, der als „metallisch“ beschrieben wurde. Weiter ging es mit experimentellen Streifzügen in Richtung Electronica und Industrial auf dem 1995er Album 1.Outside, bis hin zu Jungle und Techno auf dem 1997er Album Earthling.
Ab den 2000er Jahren kehrte Bowies Musikstil zu einem raffinierten Rock zurück, ohne den typischen Brit-Pop-Sound seiner Ursprünge zu verraten, aber auf den letzten Alben gab es keinen Mangel an introvertierteren Stücken mit einem vagen New-Wave-Stil. Auf dem letzten Album Blackstar (2016) spielt Bowie fast avantgardistische Stücke, was vielleicht auf den jazzigen und experimentellen Hintergrund der Band zurückzuführen ist, die das Album aufgenommen hat.
Neben den bereits erwähnten Kollaborationen mit Lou Reed, Iggy Pop und Brian Eno arbeitete Bowie mit Bing Crosby in einem Weihnachtsduett zusammen und sang Peace on Earth.
Von Bedeutung war auch seine Zusammenarbeit mit John Lennon bei einer Coverversion von Across the Universe von den Beatles und bei Fame, einem von Bowies erfolgreichsten Songs, der 1975 auf dem Album Young Americans erschien.
1981 arbeitete Bowie mit Queen zusammen, um eine fast unbekannte und unveröffentlichte Version des Liedes Cool Cat und die Kreation von Under Pressure aufzunehmen, in der er im Duett mit der britischen Rockgruppe auftrat und auch auf dem Freddie-Mercury-Tribute-Konzert mit Annie Lennox und der Mercury-verwaisten Queen selbst sang. Der Song, der ursprünglich People on Streets hieß, wurde auf der Grundlage eines „Riffs“ des Bassisten John Deacon komponiert und Queen und Bowie zugeschrieben; er wurde später auf dem Album Hot Space von 1982 aufgenommen.
Der „White Duke“ arbeitete auch mit dem Anführer der Rolling Stones, Mick Jagger, zusammen. Gemeinsam produzierten sie 1985 zur Unterstützung des Live-Aid-Projekts eine Version des Songs Dancing in the Street von Martha & the Vandellas, an die der Videoclip erinnert. Es wird auch behauptet, dass die Verbindung zwischen den beiden Rockstars mehr als nur professionell war und dass der berühmte Song Angie, den die Stones 1973 veröffentlichten, von Angela Bowie inspiriert wurde und sich indirekt auf eine Vierer-Orgie zwischen ihr, David, Mick und seiner damaligen Frau Bianca Pérez-Mora Macias bezog. Im selben Jahr nahm Bowie Tonight with Tina Turner auf, den Titelsong des gleichnamigen Albums von 1984. Die beiden traten auch bei einem Termin von Tina Turners Private Dancer Tour 1985 gemeinsam auf.
Mit NIN eröffnete Bowie die Outside-Tour in den USA, wo sie sowohl seine als auch die Songs der Band gemeinsam aufführten. Seine Zusammenarbeit mit Trent Reznor, dem Bandleader, mit dem Bowie eine enge Freundschaft verband, führte zu mehreren Remixen, darunter I“m Afraid of Americans, bei dem Reznor im Video mitspielt.
Eine weitere Zusammenarbeit erfolgte 1996 mit den Pet Shop Boys für den Song Hallo Spaceboy, der als Single veröffentlicht wurde und mit dem Bowie in Musiksendungen wie Top of the Pops und bei den renommierten BRIT Awards 1996 auftrat.
Nachdem er an Placebos Debüt mitgearbeitet und sie als seine Unterstützer auf Tournee mitgenommen hatte, arbeitete Bowie zweimal mit ihnen zusammen: Bei der Single Without you I“m nothing aus dem gleichnamigen Album sangen sie im Duett, und im Februar 1999 sangen sie bei den Brit Awards gemeinsam eine Coverversion von 20th Century Boy, die Placebo auch im Film Velvet Goldmine als Mitglieder der fiktiven Band Malcolm & The Flaming Creatures aufführten. Von der engen Beziehung zwischen der Band und Bowie zeugen mehrere Episoden: die Hommage an ihn mit einer akustischen Version von Five Years, die 2004 in einer französischen Fernsehsendung aufgeführt wurde, und der bewegende Abschiedsbrief, den Brian Molko kurz nach Bowies Tod schrieb und auf der offiziellen Website der Band veröffentlichte.
1970 heiratete er Mary Angela Barnett, mit der er 1971 einen Sohn, Duncan Zowie Haywood Jones, bekam; 1980 ließen sie sich scheiden. 1992 heiratete er das somalische Model Iman Mohamed Abdulmajid in der Kirche Saint-James in Florenz. Im Jahr 2000 bekam er eine Tochter, Alexandria „Lexie“ Zahra.
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Die Debatte über Sexualität
Ende 1964, als er Mitglied der Manish Boys war, sprach die Gruppe bei der BBC für eine Reihe von Konzerten im Star Club in Hamburg vor. Der Sänger sicherte sich den Auftritt, indem er dem deutschen Veranstalter schwor, dass er schwul sei. Später lernte Bowie die 14-jährige Dana Gillespie kennen, die seine Freundin wurde und mit der er bis in die 1970er Jahre zusammen war. Im Januar 1972 wurde im Melody Maker ein Interview veröffentlicht, in dem er zugab, schwul zu sein, was für Aufsehen sorgte und als Werbung für die Veröffentlichung seines neuen Albums The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars angesehen wurde. Dennoch machte die britische Schwulenbewegung David zu ihrem Symbol. Tabus hatten für Bowie schon immer eine starke Anziehungskraft, und seine Nonkonformität trieb ihn in die homosexuelle Subkultur. Trotzdem waren Davids Äußerungen zu diesem Thema in späteren Jahren alles andere als klärend: „Er sagte dem Magazin Playboy im September 1976, um kurz darauf auf die gegenteilige Frage eines anderen Interviewers zu antworten: „Es war nur eine Lüge, sie haben mir dieses Bild aufgeklebt, und ich habe mich einige Jahre lang ganz gut daran gewöhnt“. Auf der Tournee durch Neuseeland 1978 behauptete er erneut, bisexuell zu sein, doch 1983, als Bowie zum internationalen Superstar aufstieg, zog er seine früheren Aussagen zurück, sagte dem Time Magazine, es sei „ein großes Missverständnis“ gewesen, und nannte es im Rolling Stone „den größten Fehler, den ich je gemacht habe“. Als er 1987 von Smash Hits zu diesem Thema befragt wurde, wies er amüsiert auf die ganze Sache hin und erlaubte der Zeitschrift zu veröffentlichen: „Man sollte nicht alles glauben, was man liest“. 1993 dementierte er in der Zeitschrift Rolling Stone die Gerüchte über seine Bisexualität: „Ich habe mich nie als echter Bisexueller gefühlt, aber ich wurde von der schwulen Untergrundszene angezogen. Es war wie eine andere Realität, in die ich mich einkaufen wollte. Diese Phase dauerte nur bis 1974 und endete mehr oder weniger mit Ziggy. In Wirklichkeit hatte ich mir gerade den Status der Bisexualität zu eigen gemacht, die Ironie ist, dass ich nicht schwul war“. Schließlich wurde aber auch diese letzte Version 2002 wieder geändert, um die früheren Rückzüge zu rechtfertigen: Als Blender ihn fragte, ob er die öffentliche Erklärung immer noch für seinen größten Fehler halte, antwortete er nach einer langen Pause: „Ich glaube nicht, dass es in Europa ein Problem war, aber in Amerika war es viel schwieriger. Ich hatte kein Problem damit, dass die Leute wussten, dass ich bisexuell bin. Aber ich hatte keine Lust, Transparente zu halten oder eine Gruppe von Menschen zu vertreten.
David Bowies Diskografie umfasst 25 Studioalben als Solokünstler und zwei mit der Gruppe Tin Machine, in der er Mitglied war. Bowie selbst bezeichnete vor seinem Tod in einem Brief an Brian Eno sein letztes Werk als sein 25. Sie umfasst außerdem vier Soundtracks, fünf EPs, 15 Live-Alben, 50 Sammlungen und 113 Singles. Einer Schätzung zufolge hat er rund 720 Songs geschrieben und insgesamt 147 Millionen Alben weltweit verkauft.
Studio-Alben
Mit Dosenmaschine
Live-Alben
Soundtracks
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Videografie
Bowie gilt seit jeher als einer der Pioniere des Musikvideos. 1969 hatte er bereits genug Promos im Kasten, um einen abendfüllenden Film zu drehen, noch bevor er seine erste Single in den Charts hatte. Sein erster Videoclip war für den Song Space Oddity, der 1972 unter der Regie von Mick Rock veröffentlicht wurde.
Bowies Videografie umfasst 71 Werbevideoclips, die zu den vier Videos anderer Künstler, in denen er mitgewirkt hat, hinzukommen, sowie 15 Videoalben oder -kompilationen, die auf VHS oder DVD veröffentlicht wurden, und 18 Gastauftritte in Videos anderer Künstler.
Jüngere Werke wie The Hearts Filthy Lesson, Little Wonder und Survive haben bestätigt, dass Bowie weiterhin die Grenzen des Musikvideos auslotet. Im neuen Jahrtausend hat die Zusammenarbeit mit Regisseuren wie Floria Sigismondi und Johan Renck und Hollywood-Schauspielern wie Gary Oldman und Tilda Swinton dazu geführt, dass Bowies Musikvideos immer mehr zu echten Kurzfilmen werden.
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Touren
Obwohl seine erste offizielle Tournee die Ziggy Stardust Tournee von 1972 war, begann Bowies Live-Aktivität 1962 mit den Kon-rads und setzte sich mit den verschiedenen Gruppen, die ihn begleiteten, bis 1971 fort. Von den King Bees und Lower Third bis hin zu eher improvisierten Projekten wie The Riot Squad, Turquoise und Feathers spielten die Gruppen sowohl Rock- und R&B-Cover als auch Bowies frühe Eigenkompositionen, wobei er abwechselnd performte und mimte.
Von 1972 bis zu seiner letzten Tournee im Jahr 2004 absolvierte Bowie 16 Tourneen, die ihn durch fünf Kontinente führten.
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Schauspieler
Kinos
Fernsehen
Werbespots
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Voiceover
Kinos
Fernsehen
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Schauspieler
In den italienischen Fassungen seiner Filme wurde David Bowie von einem Synchronsprecher gesprochen:
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Biographischer Film
Seit 1970 hat Bowie 41 Nominierungen und 16 Auszeichnungen erhalten (11 für Musik, 2 für Film, 3 für Multimedia). Im Jahr 1996 wurde er in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, und im Jahr darauf wurde er für seinen Beitrag zur Unterhaltungsindustrie mit einem Stern auf dem Hollywood Walk of Fame vor dem Hollywood Galaxy Theatre geehrt.
Im Jahr 2000 lehnte Bowie den Titel eines „Commander of the Order of the British Empire“ und 2003 den Titel eines „Knight of the same Order“ ab.
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Zusätzliche Lektüre
Quellen
