Edvard Munch

gigatos | Juli 10, 2022

Zusammenfassung

Edvard Munch (12. Dezember 1863 – 23. Januar 1944) war ein norwegischer Maler. Sein bekanntestes Werk, Der Schrei (1893), ist zu einer Ikone in der Kunstwelt geworden.

Seine Kindheit war von Krankheit, Trauer und der Angst vor der Vererbung einer Geisteskrankheit, die in der Familie lag, überschattet. Nach seinem Studium an der Königlichen Kunst- und Designschule in Kristiania (dem heutigen Oslo) begann Munch ein Bohème-Leben unter dem Einfluss des Nihilisten Hans Jæger, der ihn dazu drängte, seinen eigenen emotionalen und psychologischen Zustand zu malen („Seelenmalerei“). Daraus entwickelte sich sein unverwechselbarer Stil.

Reisen brachten neue Einflüsse und Möglichkeiten. In Paris lernte er viel von Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Henri de Toulouse-Lautrec, vor allem was die Verwendung von Farben anbelangt. In Berlin lernte er den schwedischen Dramatiker August Strindberg kennen, den er malte, als er mit einer großen Serie von Gemälden begann, die er später „Fries des Lebens“ nannte und die eine Reihe von tief empfundenen, stimmungsvollen Themen wie Liebe, Angst, Eifersucht und Verrat darstellten.

Der Schrei wurde in Kristiania erdacht. Nach Munchs Aussage war er bei Sonnenuntergang spazieren, als er „den gewaltigen, unendlichen Schrei der Natur“ hörte. Das gequälte Gesicht des Bildes wird weithin mit der Angst des modernen Menschen gleichgesetzt. Zwischen 1893 und 1910 schuf er zwei gemalte Versionen und zwei Pastellbilder sowie eine Reihe von Drucken. Eines der Pastelle erzielte schließlich den vierthöchsten nominellen Preis, der bei einer Auktion für ein Gemälde bezahlt wurde.

Während sein Ruhm und sein Reichtum wuchsen, blieb sein emotionaler Zustand unsicher. Er zog kurzzeitig eine Heirat in Betracht, konnte sich aber nicht binden. Ein Nervenzusammenbruch im Jahr 1908 zwang ihn, den Alkoholkonsum aufzugeben, und er freute sich über die zunehmende Akzeptanz durch die Bevölkerung von Kristiania und die Ausstellung in den Museen der Stadt. Seine letzten Jahre verbrachte er in Ruhe und Abgeschiedenheit. Obwohl seine Werke im von den Nazis besetzten Europa verboten wurden, überlebten die meisten von ihnen den Zweiten Weltkrieg und sicherten ihm ein Vermächtnis.

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Kindheit

Edvard Munch wurde in einem Bauernhaus im Dorf Ådalsbruk in Løten, Norwegen, als Sohn von Laura Catherine Bjølstad und Christian Munch, dem Sohn eines Pfarrers, geboren. Christian war Arzt und medizinischer Offizier und heiratete 1861 die halb so alte Laura. Edvard hatte eine ältere Schwester, Johanne Sophie, und drei jüngere Geschwister: Peter Andreas, Laura Catherine und Inger Marie. Laura war künstlerisch begabt und könnte Edvard und Sophie ermutigt haben. Edvard war mit dem Maler Jacob Munch und dem Historiker Peter Andreas Munch verwandt.

Die Familie zog 1864 nach Christiania (1877 in Kristiania umbenannt, heute Oslo), als Christian Munch zum medizinischen Offizier der Festung Akershus ernannt wurde. Edvards Mutter starb 1868 an Tuberkulose, ebenso wie Munchs Lieblingsschwester Johanne Sophie im Jahr 1877. Nach dem Tod der Mutter wurden die Munch-Geschwister von ihrem Vater und ihrer Tante Karen aufgezogen. Da Edvard im Winter oft krank war und nicht zur Schule gehen konnte, zeichnete er, um sich zu beschäftigen. Er wurde von seinen Schulkameraden und seiner Tante unterrichtet. Christian Munch unterrichtete seinen Sohn auch in Geschichte und Literatur und unterhielt die Kinder mit lebhaften Geistergeschichten und den Erzählungen des amerikanischen Schriftstellers Edgar Allan Poe.

Wie Edvard sich erinnerte, wurde Christians positives Verhalten gegenüber seinen Kindern von seinem morbiden Pietismus überschattet. Munch schrieb: „Mein Vater hatte ein nervöses Temperament und war zwanghaft religiös – bis hin zur Psychoneurose. Von ihm habe ich die Saat des Wahnsinns geerbt. Die Engel der Angst, der Trauer und des Todes standen seit meiner Geburt an meiner Seite.“ Christian wies seine Kinder zurecht, indem er ihnen sagte, dass ihre Mutter vom Himmel herabschaue und über ihr Fehlverhalten trauere. Das bedrückende religiöse Milieu, Edvards schlechter Gesundheitszustand und die lebhaften Geistergeschichten trugen dazu bei, seine makabren Visionen und Albträume zu inspirieren; der Junge hatte das Gefühl, dass der Tod ständig auf ihn zukam. Bei einer von Munchs jüngeren Schwestern, Laura, wurde schon früh eine Geisteskrankheit diagnostiziert. Von den fünf Geschwistern heiratete nur Andreas, doch er starb wenige Monate nach der Hochzeit. Munch schrieb später: „Ich habe zwei der schrecklichsten Feinde der Menschheit geerbt – das Erbe der Schwindsucht und des Wahnsinns.“

Christian Munchs Militärsold war sehr gering, und seine Versuche, eine private Nebenpraxis aufzubauen, scheiterten, so dass seine Familie in vornehmer, aber andauernder Armut lebte. Sie zogen häufig von einer billigen Wohnung zur nächsten. Munchs frühe Zeichnungen und Aquarelle stellten diese Innenräume und einzelne Gegenstände wie Medizinflaschen und Zeichengeräte sowie einige Landschaften dar. Im Teenageralter dominierte die Kunst Munchs Interessen. Mit dreizehn Jahren kam Munch zum ersten Mal mit anderen Künstlern in Kontakt, und zwar im neu gegründeten Kunstverein, wo er die Werke der norwegischen Landschaftsschule bewunderte. Er kehrte zurück, um die Bilder zu kopieren, und begann bald darauf, in Öl zu malen.

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Studien und Einflüsse

1879 schrieb sich Munch an einer technischen Hochschule ein, um Ingenieurwissenschaften zu studieren, wo er sich in Physik, Chemie und Mathematik auszeichnete. Er lernte maßstabsgetreues und perspektivisches Zeichnen, doch häufige Krankheiten unterbrachen sein Studium. Im folgenden Jahr verließ Munch zur Enttäuschung seines Vaters die Hochschule mit dem Ziel, Maler zu werden. Sein Vater betrachtete die Kunst als ein „unheiliges Gewerbe“, und seine Nachbarn reagierten verbittert und schickten ihm anonyme Briefe. Im Gegensatz zum fanatischen Pietismus seines Vaters vertrat Munch eine undogmatische Haltung zur Kunst. Sein Ziel schrieb er in sein Tagebuch: „In meiner Kunst versuche ich, mir das Leben und seinen Sinn zu erklären.“

1881 schrieb sich Munch an der Königlichen Schule für Kunst und Design in Kristiania ein, zu deren Gründern sein entfernter Verwandter Jacob Munch gehörte. Seine Lehrer waren der Bildhauer Julius Middelthun und der naturalistische Maler Christian Krohg. In diesem Jahr zeigte Munch in seinen ersten Porträts, darunter ein Porträt seines Vaters und sein erstes Selbstporträt, wie schnell er seine Figurenausbildung an der Akademie verinnerlicht hatte. Im Jahr 1883 nahm Munch an seiner ersten öffentlichen Ausstellung teil und teilte sich ein Atelier mit anderen Studenten. Sein ganzfiguriges Porträt von Karl Jensen-Hjell, einem berüchtigten Bohemien, erntete die abschätzige Reaktion eines Kritikers: „Das ist Impressionismus auf die Spitze getrieben. Es ist eine Travestie der Kunst“. Munchs Aktgemälde aus dieser Zeit sind mit Ausnahme des Stehenden Akts (1887) nur als Skizzen erhalten. Möglicherweise wurden sie von seinem Vater beschlagnahmt.

Schon in jungen Jahren wurde Munch von Impressionisten wie Édouard Manet und später von postimpressionistischen Künstlern wie Vincent van Gogh und Paul Gauguin beeinflusst. Während dieser frühen Jahre experimentierte er mit vielen Stilen, darunter Naturalismus und Impressionismus. Einige seiner frühen Werke erinnern an Manet. Viele dieser Versuche brachten ihm unliebsame Kritik von Seiten der Presse ein und brachten ihm ständige Vorwürfe seines Vaters ein, der ihn dennoch mit kleinen Beträgen zum Lebensunterhalt unterstützte. Einmal jedoch zerstörte Munchs Vater, vielleicht beeinflusst durch die negative Meinung von Munchs Cousin Edvard Diriks (ein etablierter, traditioneller Maler), mindestens ein Gemälde (wahrscheinlich ein Akt) und weigerte sich, mehr Geld für Kunstzubehör vorzustrecken.

Munch geriet auch in den Zorn seines Vaters wegen seiner Beziehung zu Hans Jæger, dem örtlichen Nihilisten, der nach dem Motto lebte: „Die Leidenschaft zu zerstören ist auch eine schöpferische Leidenschaft“ und der den Selbstmord als ultimativen Weg zur Freiheit propagierte. Munch geriet in seinen bösartigen, gegen das Establishment gerichteten Bann. „Meine Ideen entwickelten sich unter dem Einfluss der Bohème oder vielmehr unter Hans Jæger. Viele Leute haben fälschlicherweise behauptet, meine Ideen seien unter dem Einfluss von Strindberg und den Deutschen entstanden … aber das ist falsch. Sie hatten sich zu diesem Zeitpunkt bereits herausgebildet.“ Zu dieser Zeit war Munch im Gegensatz zu vielen anderen Bohèmiens noch respektvoll gegenüber Frauen, zurückhaltend und wohlgesittet, aber er begann, sich den Saufgelagen und Schlägereien seines Kreises hinzugeben. Die damalige sexuelle Revolution und die unabhängigen Frauen in seiner Umgebung verunsichern ihn. Später wurde er zynisch in Bezug auf sexuelle Angelegenheiten, was sich nicht nur in seinem Verhalten und seiner Kunst, sondern auch in seinen Schriften ausdrückte, zum Beispiel in einem langen Gedicht mit dem Titel Die Stadt der freien Liebe. Da er für viele seiner Mahlzeiten immer noch von seiner Familie abhängig war, blieb Munchs Beziehung zu seinem Vater wegen der Bedenken über sein Bohème-Leben angespannt.

Nach zahlreichen Experimenten kam Munch zu dem Schluss, dass die impressionistische Ausdrucksweise nicht ausreichend war. Er empfand sie als oberflächlich und zu sehr an wissenschaftliche Experimente angelehnt. Er hatte das Bedürfnis, tiefer zu gehen und Situationen zu erforschen, die voller Emotionen und Ausdruckskraft waren. Unter Jægers Anweisung, Munch solle „sein Leben schreiben“, was bedeutet, dass Munch seinen eigenen emotionalen und psychologischen Zustand erforschen sollte, begann der junge Künstler eine Periode des Nachdenkens und der Selbstuntersuchung, indem er seine Gedanken in seinem „Tagebuch der Seele“ festhielt. Diese tiefere Perspektive verhalf ihm zu einer neuen Sichtweise auf seine Kunst. Er schrieb, dass sein Gemälde Das kranke Kind (1886), das auf dem Tod seiner Schwester basiert, sein erstes „Seelengemälde“ war, seine erste Abkehr vom Impressionismus. Das Gemälde wurde von Kritikern und seiner Familie negativ aufgenommen und löste in der Gemeinde einen weiteren „heftigen Ausbruch moralischer Entrüstung“ aus.

Nur sein Freund Christian Krohg verteidigte ihn:

Er malt, oder besser gesagt, er betrachtet die Dinge auf eine Weise, die sich von der der anderen Künstler unterscheidet. Er sieht nur das Wesentliche, und das ist natürlich alles, was er malt. Deshalb sind Munchs Bilder in der Regel „unvollständig“, wie man so gerne selbst feststellt. Oh, doch, sie sind vollständig. Sein vollständiges Werk. Kunst ist dann vollständig, wenn der Künstler wirklich alles gesagt hat, was ihn beschäftigt hat, und genau das ist der Vorteil, den Munch gegenüber den Malern der anderen Generation hat, dass er wirklich zu zeigen weiß, was er gefühlt hat, was ihn ergriffen hat, und dem ordnet er alles andere unter.

In den 1880er und frühen 1890er Jahren setzte Munch weiterhin eine Vielzahl von Pinselstrichen und Farbpaletten ein, während er um die Definition seines Stils kämpfte. Seine Ausdrucksweise schwankte weiterhin zwischen naturalistisch, wie in Porträt von Hans Jæger, und impressionistisch, wie in Rue Lafayette. Sein Inger On the Beach (1889), das einen weiteren Sturm der Verwirrung und Kontroverse auslöste, deutet die vereinfachten Formen, die schweren Konturen, die scharfen Kontraste und den emotionalen Inhalt seines späteren reifen Stils an. Er begann, seine Kompositionen sorgfältig zu berechnen, um Spannung und Emotionen zu erzeugen. Obwohl er stilistisch von den Postimpressionisten beeinflusst war, entwickelte sich eine symbolistische Thematik, die eher einen Geisteszustand als eine äußere Realität darstellte. 1889 präsentierte Munch seine erste Einzelausstellung mit fast allen seinen bisherigen Werken. Die Anerkennung, die ihm zuteil wurde, führte zu einem zweijährigen Staatsstipendium für ein Studium in Paris bei dem französischen Maler Léon Bonnat.

Munch scheint ein früher Kritiker der Fotografie als Kunstform gewesen zu sein und bemerkte, dass sie „niemals mit dem Pinsel und der Palette konkurrieren wird, solange nicht im Himmel oder in der Hölle fotografiert werden kann!“

Munchs jüngere Schwester Laura war das Thema seines 1899 entstandenen Interieurs Melancholie: Laura. Amanda O“Neill sagt über das Werk: „In dieser hitzigen, klaustrophobischen Szene schildert Munch nicht nur Lauras Tragödie, sondern auch seine eigene Furcht vor dem Wahnsinn, den er geerbt haben könnte.“

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Paris

Munch kam während der Feierlichkeiten der Exposition Universelle (1889) in Paris an und wohnte mit zwei norwegischen Künstlerkollegen zusammen. Sein Bild Morning (1884) wurde im norwegischen Pavillon ausgestellt. Die Vormittage verbrachte er in Bonnats geschäftigem Atelier (mit weiblichen Modellen) und die Nachmittage auf der Ausstellung, in Galerien und Museen (wo Studenten Kopien anfertigen sollten, um Technik und Beobachtung zu lernen). Munch zeigte sich wenig begeistert von Bonnats Zeichenunterricht – „Es ermüdet und langweilt mich – es betäubt mich“ -, genoss aber die Kommentare des Meisters bei Museumsbesuchen.

Munch war von der großen Ausstellung moderner europäischer Kunst begeistert, darunter auch von den Werken dreier Künstler, die sich als einflussreich erweisen sollten: Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Henri de Toulouse-Lautrec – sie alle zeichneten sich dadurch aus, dass sie Farben zur Darstellung von Emotionen verwendeten. Munch wurde besonders von Gauguins „Reaktion gegen den Realismus“ und seinem Credo inspiriert, dass „Kunst ein menschliches Werk und keine Nachahmung der Natur“ sei, eine Überzeugung, die schon Whistler geäußert hatte. Einer seiner Berliner Freunde sagte später über Munch: „Er braucht nicht nach Tahiti zu reisen, um das Primitive in der menschlichen Natur zu sehen und zu erleben. Er trägt sein eigenes Tahiti in sich“. Beeinflusst von Gauguin und den Radierungen des deutschen Künstlers Max Klinger, experimentierte Munch mit der Druckgrafik als Medium für die grafische Umsetzung seiner Werke. Im Jahr 1896 schuf er seine ersten Holzschnitte – ein Medium, das sich als ideal für Munchs symbolische Bildsprache erwies. Zusammen mit seinem Zeitgenossen Nikolai Astrup gilt Munch als Erneuerer des Holzschnitts in Norwegen.

Im Dezember 1889 starb sein Vater und ließ Munchs Familie mittellos zurück. Er kehrte nach Hause zurück und arrangierte ein großes Darlehen von einem wohlhabenden norwegischen Sammler, als wohlhabende Verwandte versagten, und übernahm von da an die finanzielle Verantwortung für seine Familie. Christians Tod deprimierte ihn und er wurde von Selbstmordgedanken geplagt: „Ich lebe mit den Toten – meiner Mutter, meiner Schwester, meinem Großvater, meinem Vater … Bring dich um, dann ist es vorbei. Warum leben?“ Im folgenden Jahr malte Munch unter anderem skizzenhafte Tavernenszenen und eine Reihe leuchtender Stadtlandschaften, in denen er mit dem pointillistischen Stil von Georges Seurat experimentierte.

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Berlin

1892 formulierte Munch seine charakteristische und originelle Ästhetik des Synthetismus, wie sie in Melancholie (1891) zu sehen ist, in der die Farbe das symbolträchtige Element ist. Melancholie wird von dem Künstler und Journalisten Christian Krohg als das erste symbolistische Gemälde eines norwegischen Künstlers bezeichnet und 1891 auf der Herbstausstellung in Oslo ausgestellt. 1892 lud Adelsteen Normann Munch im Namen des Verbandes Berliner Künstler ein, an der Novemberausstellung des Verbandes teilzunehmen, der ersten Einzelausstellung des Verbandes. Seine Gemälde lösten jedoch eine heftige Kontroverse aus (die so genannte „Munch-Affäre“), und nach einer Woche wurde die Ausstellung geschlossen. Munch freute sich über die „große Aufregung“ und schrieb in einem Brief: „Ich habe mich noch nie so gut amüsiert – es ist unglaublich, dass etwas so Unschuldiges wie die Malerei so viel Aufsehen erregt hat.“

In Berlin verkehrte Munch in einem internationalen Kreis von Schriftstellern, Künstlern und Kritikern, darunter der schwedische Dramatiker und führende Intellektuelle August Strindberg, den er 1892 malte. Er lernte auch den dänischen Schriftsteller und Maler Holger Drachmann kennen, den er 1898 malte. Drachmann war 17 Jahre älter als Munch und 1893-94 ein Trinkkumpan im Gasthaus Zum schwarzen Ferkel. 1894 schrieb Drachmann über Munch: „Er kämpft hart. Viel Glück bei deinen Kämpfen, einsamer Norweger.“

Während seiner vier Jahre in Berlin skizzierte Munch die meisten Ideen für sein Hauptwerk, den Fries des Lebens, der zunächst als Buchillustration gedacht war, später aber in Gemälde umgesetzt wurde. Er verkaufte nur wenig, verdiente aber etwas Geld, indem er Eintrittsgelder für die Besichtigung seiner umstrittenen Gemälde verlangte. Munch trennte sich schon damals nur ungern von seinen Gemälden, die er als seine „Kinder“ bezeichnete.

Seine anderen Gemälde, darunter Kasinoszenen, zeigen eine Vereinfachung der Formen und Details, die seinen frühen, reifen Stil kennzeichnet. Munch begann auch, einen flachen Bildraum und eine minimale Kulisse für seine frontalen Figuren zu bevorzugen. Da die Posen so gewählt wurden, dass sie die überzeugendsten Bilder von Gemütszuständen und psychologischen Bedingungen erzeugten, wie in Asche, haben die Figuren eine monumentale, statische Qualität. Munchs Figuren scheinen Rollen auf einer Theaterbühne zu spielen (da jede Figur eine einzige psychologische Dimension verkörpert, wie in Der Schrei, begannen Munchs Männer und Frauen eher symbolisch als realistisch zu erscheinen. Er schrieb: „Es sollten nicht länger Interieurs gemalt werden, Menschen, die lesen und Frauen, die stricken: es sollten lebende Menschen sein, die atmen und fühlen, leiden und lieben.“

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Der Schrei

Der Schrei existiert in vier Versionen: zwei Pastelle (1893 und 1895) und zwei Gemälde (1893 und 1910). Außerdem gibt es mehrere Lithografien von Der Schrei (1895 und später).

Das Pastell von 1895 wurde am 2. Mai 2012 für 119.922.500 US-Dollar (einschließlich Provision) versteigert. Es ist die farbenprächtigste der Versionen und zeichnet sich durch die nach unten gerichtete Haltung einer der Hintergrundfiguren aus. Es ist auch die einzige Version, die sich nicht in einem norwegischen Museum befindet.

Die Version von 1893 wurde 1994 aus der Nationalgalerie in Oslo gestohlen und konnte wiedergefunden werden. Das Gemälde von 1910 wurde 2004 aus dem Munch-Museum in Oslo gestohlen, aber 2006 mit begrenztem Schaden wiedergefunden.

Der Schrei ist Munchs berühmtestes Werk und eines der bekanntesten Gemälde der Kunst überhaupt. Es ist weithin als Darstellung der universellen Angst des modernen Menschen interpretiert worden. Gemalt mit breiten Bändern aus grellen Farben und stark vereinfachten Formen und mit einem hohen Standpunkt, reduziert es die gequälte Figur auf einen bekleideten Schädel in einer emotionalen Krise.

Mit diesem Gemälde erfüllte Munch sein erklärtes Ziel, „das Studium der Seele, d.h. das Studium meines eigenen Ichs“. Munch schrieb über die Entstehung des Bildes: „Ich ging mit zwei Freunden die Straße entlang, als die Sonne unterging und der Himmel sich plötzlich blutrot färbte. Ich blieb stehen und lehnte mich an den Zaun, weil ich unsagbar müde war. Feuer- und Blutzungen erstreckten sich über den bläulich-schwarzen Fjord. Meine Freunde gingen weiter, während ich zurückblieb und vor Angst zitterte. Dann hörte ich den gewaltigen, unendlichen Schrei der Natur“. Später beschrieb er die persönlichen Ängste, die hinter dem Gemälde standen: „Mehrere Jahre lang war ich fast verrückt… Sie kennen mein Bild “Der Schrei“? Ich war bis zum Äußersten gedehnt – die Natur schrie mir ins Blut… Danach gab ich die Hoffnung auf, jemals wieder lieben zu können.“

Im Jahr 2003 verglich die Kunsthistorikerin Martha Tedeschi das Gemälde mit anderen großen Werken und schrieb:

Whistlers „Mother“, Woods „American Gothic“, Leonardo da Vincis „Mona Lisa“ und Edvard Munchs „Der Schrei“ haben etwas erreicht, was die meisten Gemälde – unabhängig von ihrer kunsthistorischen Bedeutung, ihrer Schönheit oder ihrem Geldwert – nicht erreicht haben: Sie vermitteln fast jedem Betrachter sofort eine bestimmte Bedeutung. Diese wenigen Werke haben den Übergang von der elitären Sphäre der Museumsbesucher zum riesigen Schauplatz der Populärkultur erfolgreich vollzogen.

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Fries des Lebens – Ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod

Im Dezember 1893 fand Unter den Linden in Berlin eine Ausstellung von Munchs Werken statt, die unter anderem sechs Gemälde mit dem Titel Studie für eine Serie zeigte: Liebe. Damit begann ein Zyklus, den er später Fries des Lebens – Ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod nannte. Die Motive des Frieses des Lebens, wie Der Sturm und das Mondlicht, sind von Atmosphäre durchdrungen. Andere Motive beleuchten die nächtliche Seite der Liebe, wie Rose und Amelie und Vampir. In Tod im Krankenzimmer thematisiert er den Tod seiner Schwester Sophie, den er in zahlreichen Variationen weiterverarbeitet. Der dramatische Schwerpunkt des Gemäldes, das seine gesamte Familie darstellt, ist in den einzelnen, unzusammenhängenden Figuren des Kummers aufgelöst. 1894 erweitert er das Spektrum der Motive um Angst, Asche, Madonna und Frauen in drei Stadien (von der Unschuld bis zum Alter).

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts arbeitete Munch an der Vollendung des „Frieses“. Er malte eine Reihe von Bildern, einige davon in größerem Format und in gewisser Weise in der Jugendstilästhetik der Zeit. Für das große Gemälde Stoffwechsel (1898), das ursprünglich Adam und Eva hieß, fertigte er einen Holzrahmen mit geschnitzten Reliefs an. Dieses Werk zeigt Munchs Beschäftigung mit dem „Sündenfall“ und seine pessimistische Philosophie der Liebe. Motive wie Das leere Kreuz und Golgatha (beide um 1900) spiegeln eine metaphysische Ausrichtung wider und sind auch Ausdruck von Munchs pietistischer Erziehung. Der gesamte Fries wurde zum ersten Mal auf der Sezessionsausstellung in Berlin 1902 gezeigt.

Die Themen des „Frieses des Lebens“ ziehen sich durch Munchs gesamtes Werk, doch Mitte der 1890er Jahre konzentriert er sich besonders auf sie. In Skizzen, Gemälden, Pastellen und Druckgrafiken lotete er die Tiefen seiner Gefühle aus, um seine Hauptmotive zu erforschen: die Stadien des Lebens, die Femme fatale, die Ausweglosigkeit der Liebe, Angst, Untreue, Eifersucht, sexuelle Erniedrigung und die Trennung im Leben und im Tod. Diese Themen kommen in Gemälden wie Das kranke Kind (1893-94), Asche (1894) und Die Brücke zum Ausdruck. Letzteres zeigt schlaffe Figuren mit gesichtslosen oder verborgenen Gesichtern, über denen sich die bedrohlichen Formen schwerer Bäume und düsterer Häuser abzeichnen. Munch stellte Frauen entweder als schwache, unschuldig Leidende dar (siehe Pubertät und Liebe und Schmerz) oder als Ursache großer Sehnsucht, Eifersucht und Verzweiflung (siehe Trennung, Eifersucht und Asche).

Munch verwendet häufig Schatten und Farbringe um seine Figuren, um eine Aura von Angst, Bedrohung, Unruhe oder sexueller Intensität zu unterstreichen. Diese Gemälde wurden als Reflexion der sexuellen Ängste des Künstlers interpretiert, obwohl man auch argumentieren könnte, dass sie seine turbulente Beziehung zur Liebe selbst und seinen allgemeinen Pessimismus hinsichtlich der menschlichen Existenz darstellen. Viele dieser Skizzen und Gemälde wurden in mehreren Versionen angefertigt, wie z. B. Madonna, Hände und Pubertät, und auch als Holzschnitte und Lithografien übertragen. Munch trennte sich nur ungern von seinen Gemälden, denn er betrachtete sein Werk als eine einzige Ausdrucksform. Um aus seiner Produktion Kapital zu schlagen und ein gewisses Einkommen zu erzielen, wandte er sich der Grafik zu, um viele seiner Gemälde, darunter auch die dieser Serie, zu reproduzieren. Munch bekannte sich zu den persönlichen Zielen seiner Arbeit, aber er stellte seine Kunst auch einem breiteren Zweck zur Verfügung: „Meine Kunst ist eigentlich ein freiwilliges Bekenntnis und ein Versuch, mir selbst mein Verhältnis zum Leben zu erklären – es ist also eigentlich eine Art Egoismus, aber ich hoffe ständig, dass ich dadurch anderen zu Klarheit verhelfen kann.“

Obwohl Munch stark negative Reaktionen hervorrief, begann man in den 1890er Jahren seine künstlerischen Ziele zu verstehen, wie ein Kritiker schrieb: „Mit rücksichtsloser Verachtung der Form, Klarheit, Eleganz, Ganzheitlichkeit und Realismus malt er mit intuitiver Kraft des Talents die subtilsten Visionen der Seele.“ Einer seiner großen Förderer in Berlin war Walther Rathenau, der spätere deutsche Außenminister, der maßgeblich zu seinem Erfolg beitrug.

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Paris, Berlin und Kristiania

1896 zog Munch nach Paris, wo er sich auf die grafische Umsetzung seiner Friesenthemen konzentrierte. Er entwickelte seine Holzschnitt- und Lithografietechnik weiter. Munchs Selbstbildnis mit Skelettarm (1895) ist mit einer Radiernadel- und Tuschemethode ausgeführt, die auch von Paul Klee verwendet wurde. Munch schuf auch mehrfarbige Versionen von Das kranke Kind, das sich mit Tuberkulose befasst und sich gut verkauft, sowie mehrere Akte und mehrere Versionen von Kuss (1892). Im Mai 1896 veranstaltete Siegfried Bing eine Ausstellung von Munchs Werken in Bings Maison de l“Art Nouveau. Die Ausstellung zeigte sechzig Werke, darunter Der Kuss, Der Schrei, Madonna, Das kranke Kind, Die Todeskammer und Der Tag danach. Die Ausstellung von Bing trug dazu bei, Munch einem französischen Publikum vorzustellen. Viele der Pariser Kritiker hielten Munchs Werk jedoch immer noch für „gewalttätig und brutal“, auch wenn seine Ausstellungen große Beachtung fanden und gut besucht waren. Seine finanzielle Situation verbesserte sich beträchtlich, und 1897 kaufte sich Munch ein Sommerhaus mit Blick auf die Fjorde von Kristiania, eine kleine Fischerhütte aus dem späten 18. Jahrhundert, in der kleinen Stadt Åsgårdstrand in Norwegen. Er nannte dieses Haus das „glückliche Haus“ und kehrte in den nächsten 20 Jahren fast jeden Sommer hierher zurück. Es war dieser Ort, den er vermisste, wenn er im Ausland war und sich deprimiert und erschöpft fühlte. „In Åsgårdstrand spazieren zu gehen, ist wie ein Spaziergang inmitten meiner Bilder – wenn ich hier bin, werde ich so sehr zum Malen inspiriert“.

1897 kehrte Munch nach Kristiania zurück, wo er ebenfalls zähneknirschend akzeptiert wurde – ein Kritiker schrieb: „Eine ganze Reihe dieser Bilder ist schon einmal ausgestellt worden. Meiner Meinung nach werden sie besser, wenn man sie kennt.“ Im Jahr 1899 begann Munch eine intime Beziehung mit Tulla Larsen, einer „befreiten“ Frau aus der Oberschicht. Sie reisten gemeinsam nach Italien, und nach ihrer Rückkehr begann für Munch eine weitere fruchtbare Periode in seiner Kunst, zu der auch Landschaften und sein letztes Gemälde der Serie „Der Fries des Lebens“, Der Tanz des Lebens (1899), gehörten. Larsen wollte unbedingt heiraten, doch Munch winkte ab. Seine Trinkerei und sein schlechter Gesundheitszustand verstärkten seine Ängste, wie er in der dritten Person schrieb: „Seit seiner Kindheit hatte er die Ehe gehasst. Sein krankes und nervöses Zuhause hatte ihm das Gefühl gegeben, dass er kein Recht hatte, zu heiraten.“ Munch gab Tulla fast nach, floh aber 1900 vor ihr und wandte sich auch von ihrem beträchtlichen Vermögen ab und zog nach Berlin. Seine Mädchen auf dem Steg, die in achtzehn verschiedenen Versionen entstanden sind, zeigen das Thema der weiblichen Jugend ohne negative Konnotationen. 1902 stellte er seine Werke thematisch im Saal der Berliner Sezession aus und erzielte „eine symphonische Wirkung – sie erregte großes Aufsehen, viel Widerspruch und viel Zustimmung“. Die Berliner Kritiker begannen Munchs Werk zu schätzen, auch wenn die Öffentlichkeit seine Arbeiten immer noch als fremd und seltsam empfand.

Das gute Presseecho verschafft Munch die Aufmerksamkeit der einflussreichen Mäzene Albert Kollman und Max Linde. Er beschrieb die Wende in seinem Tagebuch: „Nach zwanzig Jahren Kampf und Elend kommen mir in Deutschland endlich gute Kräfte zu Hilfe – und eine helle Tür öffnet sich für mich.“ Doch trotz dieser positiven Veränderung verwickelte Munchs selbstzerstörerisches und unberechenbares Verhalten ihn zunächst in einen heftigen Streit mit einem anderen Künstler, dann in eine versehentliche Schießerei in Anwesenheit von Tulla Larsen, die zu einer kurzen Versöhnung zurückgekehrt war, bei der er sich zwei Finger verletzte. Später zersägte Munch ein Selbstporträt, auf dem er und Larsen abgebildet waren, als Folge der Schießerei und der nachfolgenden Ereignisse. Sie verließ ihn schließlich und heiratete einen jüngeren Kollegen von Munch. Munch empfand dies als Verrat und verarbeitete die Demütigung noch einige Zeit lang, wobei er einen Teil seiner Verbitterung in neue Gemälde einfließen ließ. Seine Gemälde Stillleben (Die Mörderin) und Der Tod von Marat I, die 1906-07 entstanden, nehmen eindeutig Bezug auf die Schießerei und die emotionalen Nachwirkungen.

In den Jahren 1903-04 stellte Munch in Paris aus, wo die aufstrebenden Fauvisten, die für ihre kühnen Falschfarben berühmt waren, seine Werke sahen und sich möglicherweise von ihnen inspirieren ließen. Als die Fauvisten 1906 ihre eigene Ausstellung veranstalteten, wurde Munch eingeladen und stellte seine Werke zusammen mit den Fauvisten aus. Nachdem er die Bildhauerei von Rodin studiert hatte, experimentierte Munch zwar mit Plastilin als Gestaltungsmittel, aber er schuf nur wenige Skulpturen. In dieser Zeit erhielt Munch viele Aufträge für Porträts und Drucke, die seine meist prekäre finanzielle Lage verbesserten. 1906 malte er die Leinwand für ein Ibsen-Stück in den kleinen Kammerspielen des Deutschen Theaters in Berlin, in der der Fries des Lebens hing. Der Direktor des Theaters, Max Reinhardt, verkaufte es später; heute befindet es sich in der Berliner Nationalgalerie. Nach einer früheren Periode von Landschaften wendet er sich 1907 wieder menschlichen Figuren und Situationen zu.

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Zusammenbruch und Wiederherstellung

Im Herbst 1908 war Munchs Unruhe, die durch exzessiven Alkoholkonsum und Schlägereien noch verstärkt wurde, akut geworden. Später schrieb er: „Mein Zustand grenzte an Wahnsinn – es stand auf der Kippe.“ Mit Halluzinationen und Verfolgungsgefühlen begab er sich in die Klinik von Daniel Jacobson. Die Therapie, die Munch in den nächsten acht Monaten erhielt, umfasste Diät und „Elektrifizierung“ (eine damals modische Behandlung für nervöse Zustände, nicht zu verwechseln mit der Elektrokrampftherapie). Munchs Krankenhausaufenthalt stabilisierte seine Persönlichkeit, und nach seiner Rückkehr nach Norwegen im Jahr 1909 wurde sein Werk farbiger und weniger pessimistisch. Seine Stimmung hellte sich weiter auf, und die breite Öffentlichkeit in Kristiania erwärmte sich schließlich für seine Werke, und Museen begannen, seine Gemälde zu kaufen. Er wurde zum Ritter des königlichen St.-Olav-Ordens „für Verdienste in der Kunst“ ernannt. Seine erste amerikanische Ausstellung fand 1912 in New York statt.

Als Teil seiner Genesung riet Dr. Jacobson Munch, sich nur mit guten Freunden zu treffen und das Trinken in der Öffentlichkeit zu vermeiden. Munch befolgte diesen Rat und schuf mehrere ganzfigurige Porträts von Freunden und Gönnern von hoher Qualität – ehrliche Darstellungen ohne Schmeicheleien. Er schuf auch Landschaften und Szenen von Menschen bei der Arbeit und beim Spiel, wobei er einen neuen optimistischen Stil verwendete – breite, lockere Pinselstriche in leuchtenden Farben mit häufigem Gebrauch von weißem Raum und seltenem Gebrauch von Schwarz – mit nur gelegentlichen Verweisen auf seine morbiden Themen. Mit seinem höheren Einkommen konnte Munch mehrere Grundstücke kaufen, die ihm neue Perspektiven für seine Kunst boten, und er konnte endlich für seine Familie sorgen.

Bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs war Munch in seiner Loyalität gespalten: „Alle meine Freunde sind Deutsche, aber ich liebe Frankreich.“ In den 1930er Jahren verloren seine deutschen Mäzene, von denen viele jüdisch waren, während des Aufstiegs der Nazibewegung ihr Vermögen und einige ihr Leben. Munch fand norwegische Drucker als Ersatz für die Deutschen, die seine grafischen Werke gedruckt hatten. Angesichts seines schlechten Gesundheitszustands schätzte sich Munch 1918 glücklich, einen Anfall der Spanischen Grippe, der weltweiten Pandemie jenes Jahres, überlebt zu haben.

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Spätere Jahre

Die meisten seiner letzten beiden Jahrzehnte verbrachte Munch in Abgeschiedenheit auf seinem nahezu autarken Anwesen in Ekely bei Skøyen, Oslo. Viele seiner späten Gemälde zelebrieren das Leben auf dem Bauernhof, darunter mehrere, in denen er sein Arbeitspferd „Rousseau“ als Modell verwendete. Ohne jede Anstrengung zog Munch einen stetigen Strom weiblicher Modelle an, die er als Motive für zahlreiche Aktbilder malte. Wahrscheinlich hatte er mit einigen von ihnen sexuelle Beziehungen. Gelegentlich verließ Munch sein Haus, um im Auftrag Wandbilder zu malen, unter anderem für die Schokoladenfabrik Freia.

Bis zu seinem Lebensende malte Munch weiterhin schonungslose Selbstporträts, die seinen Zyklus der Selbstbefragung seines Lebens und seine schonungslose Serie von Aufnahmen seines emotionalen und physischen Zustands ergänzten. In den 1930er und 1940er Jahren bezeichneten die Nazis Munchs Werk als „entartete Kunst“ (wie auch das von Picasso, Klee, Matisse, Gauguin und vielen anderen modernen Künstlern) und entfernten seine 82 Werke aus den deutschen Museen. Adolf Hitler verkündete 1937: „Von uns aus können diese prähistorischen steinzeitlichen Kulturbarbaren und Kunststümper in die Höhlen ihrer Vorfahren zurückkehren und dort ihr primitives internationales Gekritzel betreiben.“

Im Jahr 1940 marschierten die Deutschen in Norwegen ein und die Nazis übernahmen die Regierung. Munch war 76 Jahre alt. Da sich fast seine gesamte Kunstsammlung im zweiten Stock seines Hauses befand, lebte Munch in Angst vor einer Beschlagnahmung durch die Nazis. Einundsiebzig der zuvor von den Nazis beschlagnahmten Gemälde waren durch den Kauf von Sammlern nach Norwegen zurückgekehrt (die anderen elf wurden nie wiedergefunden), darunter Der Schrei und Das kranke Kind, und auch sie wurden vor den Nazis versteckt.

Munch starb am 23. Januar 1944, etwa einen Monat nach seinem 80. Geburtstag, in seinem Haus in Ekely bei Oslo. Sein von den Nazis inszeniertes Begräbnis suggerierte den Norwegern, dass er ein Sympathisant der Nazis war, eine Art Vereinnahmung des unabhängigen Künstlers. Die Stadt Oslo kaufte das Ekely-Anwesen 1946 von Munchs Erben; sein Haus wurde im Mai 1960 abgerissen.

Als Munch starb, wurden seine verbliebenen Werke der Stadt Oslo vermacht, die das Munch-Museum in Tøyen errichtete (es wurde 1963 eröffnet). Das Museum beherbergt eine Sammlung von ca. 1.100 Gemälden, 4.500 Zeichnungen und 18.000 Drucken, die umfangreichste Sammlung seiner Werke weltweit. Das Munch-Museum dient als offizieller Nachlass von Munch; es hat aktiv auf Urheberrechtsverletzungen reagiert und das Urheberrecht für das Werk geklärt, wie z. B. das Erscheinen von Munchs Der Schrei in einer M&M“s-Werbekampagne 2006. Der US-Urheberrechtsvertreter für das Munch-Museum und den Nachlass von Edvard Munch ist die Artists Rights Society.

Munchs Kunst war sehr persönlich und er lehrte wenig. Sein „privater“ Symbolismus war viel persönlicher als der anderer symbolistischer Maler wie Gustave Moreau und James Ensor. Dennoch war Munch sehr einflussreich, insbesondere bei den deutschen Expressionisten, die seiner Philosophie folgten: „Ich glaube nicht an die Kunst, die nicht das zwanghafte Ergebnis des Drangs des Menschen ist, sein Herz zu öffnen.“ Viele seiner Gemälde, darunter Der Schrei, haben neben ihrer sehr persönlichen Bedeutung auch eine universelle Anziehungskraft.

Munchs Werke sind heute in zahlreichen großen Museen und Galerien in Norwegen und im Ausland vertreten. Seine Hütte, „das glückliche Haus“, wurde 1944 der Gemeinde Åsgårdstrand geschenkt; sie dient als kleines Munch-Museum. Das Inventar ist genau so erhalten geblieben, wie er es hinterlassen hat.

Eine Version von „Der Schrei“ wurde 1994 aus der Nationalgalerie gestohlen. Im Jahr 2004 wurde eine weitere Version von „Der Schrei“ zusammen mit einer Madonna bei einem gewagten Raubüberfall bei Tageslicht aus dem Munch-Museum gestohlen. Alle Bilder wurden schließlich wiedergefunden, aber die 2004 gestohlenen Gemälde wurden stark beschädigt. Sie wurden sorgfältig restauriert und sind jetzt wieder ausgestellt. Im Jahr 2005 wurden drei Munch-Gemälde aus dem Hotel Refsnes Gods gestohlen; sie wurden nach kurzer Zeit wiedergefunden, obwohl eines der Werke bei dem Raubüberfall beschädigt wurde.

Im Oktober 2006 wurde der Farbholzschnitt Zwei Menschen. Die Einsamen (To mennesker. De ensomme) einen neuen Rekord für seine Drucke, als er bei einer Auktion in Oslo für 8,1 Millionen Kronen (1,27 Millionen US-Dollar, das entspricht 1.700.000 Dollar im Jahr 2021) verkauft wurde. Es war auch der höchste Preis, der bei einer Auktion in Norwegen gezahlt wurde. Am 3. November 2008 stellte das Gemälde Vampire einen neuen Rekord für seine Gemälde auf, als es bei Sotheby“s New York für 38.162.000 US-Dollar (entspricht 48.000.000 US-Dollar im Jahr 2021) verkauft wurde.

Munchs Konterfei erscheint auf der norwegischen 1.000-Kronen-Note, zusammen mit Bildern, die von seinem Werk inspiriert sind.

Im Februar 2012 wurde in der Schirn Kunsthalle Frankfurt eine große Munch-Ausstellung, Edvard Munch. Das moderne Auge“ in der Schirn Kunsthalle Frankfurt eröffnet; die Ausstellung wurde von Mette-Marit, Kronprinzessin von Norwegen, eröffnet.

Im Mai 2012 wurde „Der Schrei“ für 119,9 Millionen US-Dollar verkauft (entspricht 141.500.000 US-Dollar im Jahr 2021) und ist damit das zweitteuerste Kunstwerk, das jemals bei einer offenen Auktion verkauft wurde. (Es wurde im November 2013 von Three Studies of Lucian Freud übertroffen, das für 142,4 Mio. USD verkauft wurde).

Im Jahr 2013 wurden vier von Munchs Gemälden auf einer Briefmarkenserie der norwegischen Post abgebildet, um 2014 an den 150.

Am 14. November 2016 wurde eine Version von Munchs „Die Mädchen auf der Brücke“ bei Sotheby“s in New York für 54,5 Millionen US-Dollar (entspricht 61.500.000 Dollar im Jahr 2021) verkauft und erzielte damit den zweithöchsten Preis für eines seiner Gemälde.

Im April 2019 zeigt das British Museum die Ausstellung Edvard Munch: Liebe und Angst, die 83 Kunstwerke umfasst, darunter einen seltenen Originaldruck von Der Schrei.

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Aula der Universität

Im Jahr 1911 fand der letzte Wettbewerb für die Gestaltung der großen Wände der Aula der Universität Oslo zwischen Munch und Emanuel Vigeland statt. Die Episode ist als „Aula-Kontroverse“ bekannt. Im Jahr 1914 erhielt Munch schließlich den Auftrag zur Ausgestaltung der Aula, und das Werk wurde 1916 fertiggestellt. Dieses Hauptwerk der norwegischen Monumentalmalerei umfasst 11 Gemälde auf 223 m2. Die Sonne, die Geschichte und die Alma Mater sind die Hauptwerke in dieser Reihe. Munch erklärte: „Ich wollte, dass die Dekorationen eine vollständige und unabhängige Ideenwelt bilden, und ich wollte, dass ihr visueller Ausdruck sowohl unverwechselbar norwegisch als auch universell menschlich ist“. Im Jahr 2014 wurde der Wert der Aula-Gemälde mit mindestens 500 Millionen Kronen beziffert.

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Allgemeine Quellen

Quellen

1. Edvard Munch
2. Edvard Munch
3. ^ Wells 2008.
4. ^ Eggum 1984, p. 15
5. ^ a b Eggum 1984, p. 16
6. ^ Prideaux 2005, p. 17
7. 4,0 4,1 «Большая советская энциклопедия» (Ρωσικά) The Great Russian Encyclopedia. Μόσχα. 1969. Ανακτήθηκε στις 28  Σεπτεμβρίου 2015.
8. The Fine Art Archive. 7896.
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10. 12,0 12,1 Jean Cassou, Pierre Brunel, Francis Claudon, Georges Pillement, Lionel Richard: «Encyclopédie du symbolisme» 1979. ISBN-10 2-85056-129-0.
11. 13,0 13,1 13,2 13,3 13,4 13,5 13,6 RKDartists. 58436.
12. James F. Masterson: Search For The Real Self. Unmasking The Personality Disorders Of Our Age, Chapter 12: The Creative Solution: Sartre, Munch, and Wolfe, S. 208–230, Simon and Schuster, New York 1988, ISBN 1451668910, S. 212–213, eingeschränkte Vorschau in der Google-Buchsuche.
13. Lecture de l“œuvre du philosophe par l“influence de Stanislas Przybyszewski, amenant également la rencontre avec la sœur du penseur, Elisabeth Förster, à Weimar. Cette dernière lui commande un portrait à partir d“une photographie familiale quelques années après la disparition de Friedrich à l“asile.
14. Une autre graphie ancienne française est « Christiania ». Il s“agit de la capitale, Oslo.