Ellsworth Kelly
gigatos | April 15, 2022
Zusammenfassung
Ellsworth Kelly (31. Mai 1923 – 27. Dezember 2015) war ein amerikanischer Maler, Bildhauer und Grafiker, der mit Hard-Edge-Malerei, Farbfeldmalerei und Minimalismus in Verbindung gebracht wird. Seine Werke zeichnen sich durch schlichte Techniken aus, bei denen Linie, Farbe und Form im Vordergrund stehen, ähnlich wie bei John McLaughlin und Kenneth Noland. Kelly verwendete oft leuchtende Farben. Er lebte und arbeitete in Spencertown, New York.
Kelly wurde als zweiter Sohn von drei Kindern von Allan Howe Kelly und Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly in Newburgh, New York, etwa 60 Meilen nördlich von New York City, geboren. Sein Vater war ein leitender Angestellter einer Versicherungsgesellschaft schottisch-irischer und deutscher Abstammung. Seine Mutter war eine ehemalige Lehrerin walisischer und pennsylvania-deutscher Abstammung. Seine Familie zog von Newburgh nach Oradell, New Jersey, einer Stadt mit fast 7.500 Einwohnern. Seine Familie lebte in der Nähe des Oradell-Stausees, wo ihn seine Großmutter väterlicherseits im Alter von acht oder neun Jahren in die Ornithologie einführte.
Dort entwickelte er seine Leidenschaft für Form und Farbe. John James Audubon hatte während seiner gesamten Karriere einen besonders starken Einfluss auf Kellys Werk. Der Autor Eugene Goossen spekulierte, dass die zwei- und dreifarbigen Gemälde (wie Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963), für die Kelly so bekannt ist, auf seine Vogelbeobachtung und sein Studium der zwei- und dreifarbigen Vögel zurückzuführen sind, die er in jungen Jahren so häufig sah. Kelly hat gesagt, dass er als kleiner Junge oft allein war und eine Art „Einzelgänger“ wurde. Er hatte ein leichtes Stottern, das bis in seine Teenagerjahre anhielt.
Kelly besuchte eine öffentliche Schule, in der im Kunstunterricht der Schwerpunkt auf den Materialien lag und die „künstlerische Vorstellungskraft“ gefördert werden sollte. Dieser Lehrplan war typisch für den allgemeinen Trend in der Schulbildung, der aus den progressiven Bildungstheorien hervorging, die vom Teacher“s College der Columbia University verkündet wurden, an dem der amerikanische modernistische Maler Arthur Wesley Dow gelehrt hatte. Obwohl seine Eltern nicht bereit waren, Kellys Kunstausbildung zu unterstützen, ermutigte ihn seine Lehrerin Dorothy Lange Opsut, sich weiterzubilden. Da seine Eltern nur für eine technische Ausbildung zahlen wollten, studierte Kelly zunächst am Pratt Institute in Brooklyn, das er von 1941 bis zu seiner Einberufung in die Armee am Neujahrstag 1943 besuchte.
Als er 1943 in den US-Militärdienst eintrat, beantragte Kelly, dem 603rd Engineers Camouflage Battalion zugeteilt zu werden, was viele Künstler in Anspruch nahm. Er wurde in Fort Dix, New Jersey, eingezogen und nach Camp Hale, Colorado, geschickt, wo er mit Gebirgsski-Truppen trainierte. Er war zuvor noch nie Ski gefahren. Sechs bis acht Wochen später wurde er nach Fort Meade, Maryland, versetzt. Während des Zweiten Weltkriegs diente er mit anderen Künstlern und Designern in einer Täuschungseinheit, die als Ghost Army bekannt war. Die Ghost-Soldaten setzten aufblasbare Panzer, Lastwagen und andere Täuschungsmanöver ein, um die Achsenmächte über die Richtung und den Standort der alliierten Streitkräfte in die Irre zu führen. Dass er während seiner Dienstzeit mit militärischer Tarnung in Berührung kam, war Teil seiner künstlerischen Grundausbildung. Kelly diente in der Einheit von 1943 bis zum Ende der europäischen Phase des Krieges.
Kelly nutzte das G.I. Bill, um von 1946-47 an der School of the Museum of Fine Arts in Boston zu studieren, wo er die Sammlungen des Museums nutzte, und anschließend an der École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris. Während seines Aufenthalts in Boston stellte er in seiner ersten Gruppenausstellung in der Boris Mirski Gallery aus und unterrichtete Kunstkurse im Norfolk House Center in Roxbury. Während seines Aufenthalts in Paris entwickelte Kelly seine Ästhetik. Er besuchte nur selten Kurse, tauchte aber in die reichen künstlerischen Ressourcen der französischen Hauptstadt ein. Er hatte 1948 einen Vortrag von Max Beckmann über den französischen Künstler Paul Cézanne gehört und zog noch im selben Jahr nach Paris. Dort begegnete er den Amerikanern John Cage und Merce Cunningham, die mit Musik bzw. Tanz experimentierten, dem französischen surrealistischen Künstler Jean Arp und dem abstrakten Bildhauer Constantin Brâncuși, dessen Vereinfachung der natürlichen Formen ihn nachhaltig beeindruckte. Die Erfahrung, Künstler wie Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti und Georges Vantongerloo in ihren Ateliers zu besuchen, war transformativ.
Nach sechs Jahren im Ausland war Kellys Französisch immer noch schlecht und er hatte nur ein einziges Bild verkauft. Im Jahr 1953 wurde er aus seinem Atelier vertrieben und kehrte im folgenden Jahr nach Amerika zurück. Sein Interesse war geweckt worden, nachdem er eine Besprechung einer Ausstellung von Ad Reinhardt gelesen hatte, einem Künstler, dessen Werk er mit seiner Arbeit verwandt sah. Nach seiner Rückkehr nach New York fand er die Kunstwelt „sehr hart“. Obwohl Kelly heute als wesentlicher Erneuerer und Mitgestalter der amerikanischen Kunstbewegung gilt, fiel es vielen schwer, eine Verbindung zwischen Kellys Kunst und den vorherrschenden stilistischen Trends herzustellen. Im Mai 1956 hatte Kelly seine erste Ausstellung in New York City in der Galerie von Betty Parsons. Seine Kunst wurde als europäischer angesehen, als es zu dieser Zeit in New York üblich war. Im Herbst 1957 stellte er erneut in ihrer Galerie aus. Drei seiner Werke: Atlantic, Bar und Painting in Three Panels, wurden für die Ausstellung „Young America 1957“ des Whitney Museum of American Art ausgewählt und dort gezeigt. Seine Werke wurden als radikal anders als die der anderen neunundzwanzig Künstler angesehen. Painting in Three Panels zum Beispiel wurde besonders beachtet; die Kritiker stellten damals in Frage, dass er ein Werk aus drei Leinwänden schuf. So sagte Michael Plante, dass Kellys mehrteilige Werke aufgrund von Installationsbeschränkungen oft zu eng waren, was die Interaktion zwischen den Werken und der Architektur des Raums beeinträchtigte.
Kelly zog schließlich von Coenties Slip, wo er zeitweise ein Atelier mit seiner Künstlerkollegin und Freundin Agnes Martin geteilt hatte, in den neunten Stock des Atelierhochhauses
Kelly zog 1970 von New York City nach Spencertown und wurde dort 1984 von seinem Partner, dem Fotografen Jack Shear, unterstützt. Von 2001 bis zu seinem Tod arbeitete Kelly in einem 20.000 Quadratmeter großen Atelier in Spencertown, das von dem Architekten Richard Gluckman umgestaltet und erweitert wurde. Kelly und Shear zogen 2005 in das Haus, das sie bis zum Tod des Malers gemeinsam bewohnten, ein holzverkleidetes Haus im Kolonialstil, das um 1815 erbaut wurde. Shear ist die Direktorin der Ellsworth Kelly Foundation. Im Jahr 2015 schenkte Kelly dem Blanton Museum of Art an der University of Texas in Austin sein Gebäudekonzept für einen Ort der Kontemplation. Das 2.715 Quadratmeter große Steingebäude mit dem Titel Austin – mit farbigen Glasfenstern, einer totemistischen Holzskulptur und schwarz-weißen Marmorplatten – ist das einzige von Kelly entworfene Gebäude und sein monumentalstes Werk. Austin, das Kelly dreißig Jahre zuvor entworfen hatte, wurde im Februar 2018 eröffnet.
Kelly starb am 27. Dezember 2015 im Alter von 92 Jahren in Spencertown, New York.
Lesen Sie auch: biografien – Paolo Uccello
Malerei
Während seines Aufenthalts in Paris malte Kelly weiterhin Figuren, doch im Mai 1949 entstanden seine ersten abstrakten Gemälde. Er beobachtete, wie sich das Licht auf der Wasseroberfläche verteilte, und malte Seine (1950), das aus zufällig angeordneten schwarzen und weißen Rechtecken besteht. 1951 begann er eine Serie von acht Collagen mit dem Titel Spectrum Colors Arranged by Chance I bis VIII. Er verwendete dafür nummerierte Zettel, die jeweils eine Farbe bezeichneten, einen von achtzehn verschiedenen Farbtönen, die er auf einem Raster von 40 mal 40 Zentimetern anordnete. Bei jeder der acht Collagen kam ein anderes Verfahren zum Einsatz.
Als Kelly 1952 das Spätwerk von Monet entdeckte, gewann er eine neue Freiheit des malerischen Ausdrucks: Er begann, in extrem großen Formaten zu arbeiten und erforschte die Konzepte der Serialität und der monochromen Bilder. Als Maler arbeitet er von nun an ausschließlich abstrakt. In den späten 1950er Jahren betonte er in seiner Malerei die Form und die flächigen Massen (oft in nicht rechtwinkligen Formaten). Sein Werk aus dieser Zeit bildet auch eine nützliche Brücke zwischen der amerikanischen geometrischen Abstraktion der 1930er und frühen 1940er Jahre und dem Minimalismus und der reduktiven Kunst der Mitte der 1960er und 1970er Jahre. Kellys Reliefbild Blue Tablet (1962) zum Beispiel wurde 1963 in der bahnbrechenden Ausstellung Toward a New Abstraction im Jüdischen Museum gezeigt.
In den 1960er Jahren begann er mit unregelmäßig gewinkelten Leinwänden zu arbeiten. Yellow Piece (1966), die erste geformte Leinwand des Künstlers, stellt Kellys entscheidenden Bruch mit dem rechteckigen Bildträger und seine Neudefinition der Figur der Malerei dar
In den 1970er Jahren nahm er geschwungene Formen in sein Repertoire auf. Mit Green White (1968) taucht zum ersten Mal das Dreieck in Kellys Werk auf, eine Form, die im Laufe seiner Karriere immer wieder auftaucht. Das Gemälde besteht aus zwei unterschiedlich geformten, monochromen Leinwänden, die übereinander angeordnet sind: Ein großformatiges, umgedrehtes grünes Trapez ist vertikal über einem kleineren weißen Dreieck positioniert und bildet eine neue geometrische Komposition.
Nachdem er 1970 von New York City nach Spencertown gezogen war, mietete er ein ehemaliges Theater in der nahegelegenen Stadt Chatham, wo er in einem Atelier arbeiten konnte, das geräumiger war als alle anderen, die er zuvor bewohnt hatte. Nachdem er dort ein Jahr lang gearbeitet hatte, begann Kelly mit einer Serie von 14 Gemälden, die später die Chatham-Serie werden sollte. Jedes Werk hat die Form einer umgedrehten Ellipse und besteht aus zwei zusammenhängenden Leinwänden, die jeweils monochrom in einer anderen Farbe gehalten sind. Die Proportionen und die Farbpalette der Werke variieren von einem zum anderen; die Größe der einzelnen Tafeln und die Auswahl der Farben wurden sorgfältig berücksichtigt, um ein Gleichgewicht und einen Kontrast zwischen den beiden zu erreichen.
Gray, eine größere Serie von zwölf Werken, die Kelly 1972 begann und erst 1983 vollendete, war ursprünglich als Anti-Kriegs-Statement gedacht und ist von Farbe durchdrungen. 1979 verwendet er Kurven in zweifarbigen Gemälden, die aus einzelnen Tafeln bestehen.
In späteren Gemälden destillierte Kelly seine Palette und führte neue Formen ein. Bei jedem Werk begann er mit einer rechteckigen Leinwand, die er sorgfältig mit vielen Schichten weißer Farbe bemalte; darauf wurde eine geformte, meist schwarz bemalte Leinwand gelegt.
In Bezug auf sein eigenes Werk sagte Kelly 1996 in einem Interview: „Ich glaube, was wir alle von der Kunst wollen, ist ein Gefühl der Festigkeit, ein Gefühl, das dem Chaos des täglichen Lebens entgegensteht. Das ist natürlich eine Illusion. Leinwände verrotten. Die Farbe verändert sich. Aber man versucht immer wieder, die Welt einzufrieren, als ob man sie für immer festhalten könnte. In gewissem Sinne habe ich versucht, die Realität des Flusses einzufangen, die Kunst als offene, unvollständige Situation zu erhalten, um den Rausch des Sehens zu erreichen.“
Kelly kommentierte: „Mir wurde klar, dass ich keine Bilder komponieren wollte … ich wollte sie finden. Ich hatte das Gefühl, dass meine Vision darin bestand, Dinge in der Welt auszuwählen und sie zu präsentieren. Die Erforschung der Wahrnehmung war für mich von größtem Interesse. Es gab so viel zu sehen, und alles sah für mich fantastisch aus.“
Lesen Sie auch: uncategorized-en – Rogier van der Weyden
Lithografien und Zeichnungen
Kelly bot Zeichnungen von Pflanzen und Blumen ab den späten 1940er Jahren an. Ailanthus (1948) ist die erste Pflanzenzeichnung, die er in Boston anfertigte, Hyazinthe (1949) war die erste, die er in Paris anfertigte. Ab 1949, als er in Paris lebte (und bei der Wahl seines Themas von Henri Matisse und Jean Arp beeinflusst wurde), begann er, einfache Pflanzen- und Algenformen zu zeichnen. Bei den Pflanzenstudien handelt es sich größtenteils um Umrisszeichnungen von Blättern, Stängeln und Blüten, die in sauberen Bleistift- oder Federstrichen ausgeführt und auf dem Blatt zentriert sind.
Mitte der 1960er Jahre nahm er die Druckgrafik wieder auf, als er seine Suite von siebenundzwanzig Lithografien (1964-66) bei Maeght Éditeur in Paris produzierte. Zu dieser Zeit schuf er auch seine erste Gruppe von Pflanzenlithografien. Ab 1970 arbeitete er hauptsächlich mit Gemini G.E.L. zusammen. Seine erste Serie von 28 Transferlithographien mit dem Titel Suite of Plant Lithographs markierte den Beginn eines Werks, das auf 72 Drucke und zahlreiche Zeichnungen von Blättern anwachsen sollte. 1971 vollendete er bei Gemini G.E.L. vier Auflagen von Druckgrafiken und eine Auflage des Multiple Mirrored Concorde. Seine Purple
Lesen Sie auch: biografii-2 – Julian (Kaiser)
Bildhauerei
Obwohl Kelly eher für seine Gemälde bekannt ist, hat er sich im Laufe seiner Karriere auch mit der Bildhauerei beschäftigt. 1958 entwarf Kelly eine seiner ersten Holzskulpturen, Concorde Relief I (1958), ein bescheidenes Wandrelief aus Ulmenholz, das das visuelle Spiel und Gleichgewicht zwischen zwei übereinander geschichteten rechteckigen Formen erforscht, wobei bei der oberen Form die obere rechte und untere linke Ecke entfernt wurde. Im Laufe seiner Karriere schuf er 30 Skulpturen aus Holz. Ab 1959 schuf er freistehende, gefaltete Skulpturen. Die Rocker-Serie entstand 1959 nach einem zufälligen Gespräch Kellys mit Agnes Martin, die unter ihm in Coenties Slip in Lower Manhattan wohnte. Kelly spielte mit dem Papierdeckel eines Kaffeebechers zum Mitnehmen, schnitt und faltete einen Teil des runden Objekts, das er dann auf den Tisch stellte und hin und her schaukelte. Bald darauf baute er seine erste runde Skulptur, Pony. Der Titel bezieht sich auf ein Steckenpferd für Kinder mit geschwungenen Wippstützen.
1973 begann Kelly, regelmäßig großformatige Skulpturen für den Außenbereich zu schaffen. Kelly verzichtete auf bemalte Oberflächen und wählte stattdessen unlackierten Stahl, Aluminium oder Bronze, oft in totemartigen Konfigurationen wie Curve XXIII (1981). Während die totemartigen Formen seiner freistehenden Skulpturen bis zu 15 Fuß hoch sein können, können seine Wandreliefs eine Breite von mehr als 14 Fuß erreichen. Kellys Skulpturen „beruhen auf ihrem Festhalten an absoluter Einfachheit und Klarheit der Form“. Für seine Skulpturen der 1980er Jahre, während dieser Zeit in Spencertown, widmete der Künstler zum ersten Mal so viel Energie seinen Skulpturen wie seiner Malerei und schuf dabei über sechzig Prozent seiner insgesamt 140 Skulpturen.
Kelly schuf seine Werke aus einer Abfolge von Ideen in verschiedenen Formen. Er konnte mit einer Zeichnung beginnen, die Zeichnung zu einem Abdruck verbessern, den Abdruck nehmen und ein freistehendes Werk schaffen, das dann zu einer Skulptur wurde. Seine Skulpturen sind ganz einfach gehalten und können schnell betrachtet werden, oft nur mit einem Blick. Der Betrachter sieht glatte, flache Oberflächen, die sich von dem sie umgebenden Raum abheben. Dieses Gefühl der Flachheit und des Minimalismus macht es schwer, den Unterschied zwischen Vorder- und Hintergrund zu erkennen. Kellys Blue Disc wurde 1966 in die bahnbrechende Ausstellung Primary Structures im Jüdischen Museum in New York aufgenommen, zusammen mit vielen viel jüngeren Künstlern, die gerade begannen, mit minimalen Formen zu arbeiten.
Lesen Sie auch: uncategorized-en – Alexander Michailowitsch Rodtschenko
Stil
William Rubin stellte fest, dass „Kellys Entwicklung konsequent nach innen gerichtet war: weder eine Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus noch das Ergebnis eines Dialogs mit seinen Zeitgenossen.“ Viele seiner Gemälde bestehen aus einer einzigen (in der Regel leuchtenden) Farbe, wobei einige Leinwände eine unregelmäßige Form haben, die manchmal als „shaped canvases“ bezeichnet werden. Die Qualität der Linien in seinen Gemälden und in der Form seiner geformten Leinwände ist sehr subtil und impliziert Perfektion. Dies wird in seinem Werk Block Island Study (1959) deutlich.
Lesen Sie auch: biografien – Richard Ellmann
Einflüsse
Kellys militärischer Hintergrund wurde als Quelle für die Ernsthaftigkeit seiner Werke genannt. Während seiner Zeit in der Armee war Kelly der Tarnung, mit der sein spezielles Bataillon arbeitete, ausgesetzt und wurde von ihr beeinflusst. Dadurch lernte er die Verwendung von Form und Schatten sowie die Konstruktion und Dekonstruktion des Sichtbaren kennen. Dies war grundlegend für seine frühe Ausbildung als Künstler. Ralph Coburn, ein Freund Kellys aus Boston, machte ihn bei einem Besuch in Paris mit der Technik des automatischen Zeichnens vertraut. Kelly machte sich diese Technik zu eigen, bei der ein Bild entsteht, ohne dass er das Blatt Papier ansieht. Diese Techniken halfen Kelly dabei, seinen Zeichenstil zu lockern und seine Akzeptanz dessen, was er als Kunst ansah, zu erweitern. Während seines letzten Jahres in Paris war Kelly krank und litt unter Depressionen; Sims glaubt, dass dies seinen vorherrschenden Gebrauch von Schwarz und Weiß während dieser Zeit beeinflusst hat.
Kellys Bewunderung für Henri Matisse und Pablo Picasso wird in seinem Werk deutlich. Durch ihre Inspiration lernte er, die Dinge auf verschiedene Weise zu betrachten und in verschiedenen Medien zu arbeiten. Piet Mondrian beeinflusste die ungegenständlichen Formen, die er sowohl in seinen Gemälden als auch in seinen Skulpturen verwendete. Während seines Studiums in Paris wurde Kelly zunächst von der Kunst und Architektur der romanischen und byzantinischen Epoche beeinflusst. Seine Bekanntschaft mit dem Surrealismus und dem Neo-Plastizismus beeinflusste sein Werk und veranlasste ihn, die Abstraktion geometrischer Formen zu erproben.
Lesen Sie auch: biografii-2 – Epikur
Kuratieren
Im Jahr 2014 organisierte Kelly eine Ausstellung von Matisse-Zeichnungen im Mount Holyoke College Art Museum in South Hadley, Massachusetts. Im Jahr 2015 kuratierte er „Monet
Im Jahr 1990 kuratierte Kelly die Ausstellung „Artist“s Choice: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form“ im Museum of Modern Art.
Im Jahr 1956 lernte er Robert Indiana kennen, der in dasselbe Gebäude zog, und sie wurden Partner. Kelly wurde sein Mentor. Sie trennten sich um 1964. Einer der Gründe war Indianas Verwendung von Wörtern in seinen Gemälden, und Kelly hielt eine solche Technik für der hohen Kunst nicht würdig.
Von 1984 bis zu seinem Tod lebte Kelly mit seinem Ehemann, dem Fotografen Jack Shear, zusammen, der als Direktor der Ellsworth Kelly Foundation fungiert.
Kellys erste Einzelausstellung fand 1951 in der Galerie Arnaud in Paris statt. Seine erste Einzelausstellung in New York fand 1956 in der Betty Parsons Gallery statt. Im Jahr 1957 nahm er an einer Gruppenausstellung in der Ferus Gallery in Los Angeles teil. Im Jahr 1959 wurde er in die bahnbrechende Ausstellung des Museum of Modern Art, Sixteen Americans, aufgenommen. Kelly wurde eingeladen, 1961 auf der Biennale von São Paulo auszustellen. Später wurden seine Werke auf der documenta 1964, 1968, 1977 und 1992 gezeigt. Ein Raum mit seinen Gemälden wurde 2007 auf der Biennale von Venedig gezeigt.
Kellys erste Retrospektive fand 1973 im Museum of Modern Art statt. Seitdem wurde sein Werk in zahlreichen retrospektiven Ausstellungen gewürdigt, darunter 1982 eine Skulpturenausstellung im Whitney Museum of American Art in New York, eine Ausstellung mit Arbeiten auf Papier und eine Schau seiner Drucke, die von 1987 bis 1988 in den Vereinigten Staaten und Kanada gezeigt wurden, sowie 1996 eine vom Solomon R. Guggenheim Museum organisierte Retrospektive, die im Museum of Contemporary Art in Los Angeles, in der Tate Gallery in London und im Haus der Kunst in München zu sehen war. Seitdem wurden Einzelausstellungen von Kellys Werk im Metropolitan Museum of Art in New York (1998), im Fogg Art Museum in Cambridge (1999), im San Francisco Museum of Modern Art (1988
Im Jahr 1993 zeigte die Galerie nationale du Jeu de Paume in Paris die Ausstellung „Ellsworth Kelly: The French Years, 1948-54″, die sich mit der Beziehung des Künstlers zur Stadt befasste und in die National Gallery of Art in Washington D.C. wanderte. 2008 ehrte das Musée d“Orsay Kelly mit der Ausstellung „Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly“. Das Haus der Kunst zeigte 2012 die erste umfassende Retrospektive von Kellys schwarz-weißem Werk.
Anlässlich des 90. Geburtstags des Künstlers im Jahr 2013 zeigte die National Gallery of Art in Washington eine Ausstellung seiner Drucke, die Barnes Foundation in Philadelphia stellte fünf Skulpturen in einer Schau zusammen, die Phillips Collection in Washington stellte seine Tafelbilder aus, und das Museum of Modern Art eröffnete eine Schau der „Chatham Series“.
Lesen Sie auch: kaempfe – Schlacht bei den Thermopylen (Perserkriege)
Ausgewählte Einzelausstellungen
1957 erhielt Kelly den Auftrag, eine 65 Fuß lange Wandskulptur für das Transportation Building im Penn Center in Philadelphia zu schaffen, sein bis dahin größtes Werk. Die Skulptur mit dem Titel Sculpture for a Large Wall (1957) geriet weitgehend in Vergessenheit und wurde schließlich abgebaut. Seitdem hat Kelly viele öffentliche Aufträge ausgeführt, darunter Wright Curve (1966), eine Stahlskulptur, die für eine dauerhafte Installation im Peter B. Lewis Theater des Guggenheim entworfen wurde, ein Wandgemälde für den UNESCO-Hauptsitz in Paris im Jahr 1969, Curve XXII (ein Auftrag von I. M. Pei für das Raffles City-Gebäude im Jahr 1985), eine Skulptur für das Museum für zeitgenössische Kunst in New York. Pei für das Raffles City-Gebäude in Singapur; das Houston-Triptychon, vertikale Bronzeflächen auf einem hohen Beton im Museum of Fine Arts, Houston, 1986; Totem (die Dallas-Paneele), eine Skulptur für den Hauptsitz von Nestlé in Vevey, Schweiz, 1989; Gaul (eine zweiteilige Gedenkstätte für das United States Holocaust Memorial Museum, Washington, D.C., 1993; und großformatige Berliner Tafeln für den Deutschen Bundestag, Berlin, 1998. Für das John Joseph Moakley United States Courthouse (entworfen von Henry N. Cobb) in Boston entwarf er die Boston Panels, 21 leuchtend farbige Aluminiumtafeln, die in der zentralen Rotunde als ein einziges Werk im gesamten Gebäude installiert wurden.
Kellys zweischaliges Blue Black (2001), 28 Fuß hoch und aus lackiertem, wabenförmigem Aluminium gefertigt, wurde für die Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, in Auftrag gegeben, und die großformatige Bronze Untitled (2005) wurde speziell für den Innenhof der Phillips Collection in Auftrag gegeben. Im Jahr 2005 wurde Kelly mit dem einzigen ortsspezifischen Werk für den modernen Flügel des Art Institute of Chicago von Renzo Piano beauftragt. Er schuf White Curve, die größte Wandskulptur, die er je geschaffen hat und die seit 2009 zu sehen ist. 2008 installierte Kelly Berlin Totem, eine 40 Fuß hohe Edelstahlskulptur, im Innenhof der Botschaft der Vereinigten Staaten in Berlin. Später schuf er einen Vorhang, Spectrum VIII (2014), bestehend aus 12 farbigen Streifen, für das Auditorium der Fondation Louis Vuitton in Paris.
1986 entwarf Kelly sein erstes freistehendes Gebäude für einen privaten Sammler, das jedoch nie realisiert wurde. Erst 2015 erwarb das Blanton Museum of Art seinen Entwurf für ein 2.715 Quadratmeter großes Steingebäude mit 14 schwarz-weißen Marmorplatten und farbigen Glasfenstern und plante, es auf dem Gelände des Museums an der University of Texas, Austin, zu errichten. Das Gebäude wurde am 18. Februar 2018 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Austin, ein Werk der Kunst und Architektur, gilt als Höhepunkt von Kellys Karriere.
Kelly wurde 1968 beauftragt, eine große Außenskulptur für die Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection in Albany, NY, zu schaffen. Die Skulptur mit dem Titel Yellow Blue wurde von der Umgebung des Empire State Plaza inspiriert und ist mit einer Höhe von neun Fuß und einem Durchmesser von fast sechzehn Fuß Kellys größte stehende Skulptur. Yellow Blue war seine erste Stahlskulptur und ist bis heute die einzige aus lackiertem Stahl.
1957 kaufte das Whitney Museum of American Art das Gemälde Atlantic, das zwei weiße, wellenförmige Bögen auf schwarzem Grund zeigt; es war Kellys erster Museumskauf. Heute befinden sich seine Werke in zahlreichen öffentlichen Sammlungen, darunter die des Centre Pompidou, Paris, des Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, der Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection, Albany, NY, und der Tate Modern, London. 1999 gab das San Francisco Museum of Modern Art bekannt, dass es 22 Werke – Gemälde, Wandreliefs und Skulpturen – von Ellsworth Kelly erworben hat. Ihr Wert wurde auf mehr als 20 Millionen Dollar geschätzt. Im Jahr 2003 erhielt die Menil Collection Kelly“s Tablet, 188 gerahmte Arbeiten auf Papier, darunter Skizzen, Arbeitszeichnungen und Collagen. Zu den namhaften privaten Sammlern gehören unter anderem Eli Broad und Gwyneth Paltrow.
Kelly hat außerdem zahlreiche Ehrentitel erhalten, unter anderem vom Bard College (Harvard University, Cambridge) und dem Williams College (2005).
Lesen Sie auch: zivilisationen – Renaissance-Humanismus
Kelly-Briefmarken
Der United States Postal Service kündigte im Januar 2019 an, dass 2019 ein Briefmarkensatz zu Ehren von Kellys Kunstwerk herausgegeben werden soll. Die Pressemitteilung des USPS würdigt Kellys Pionierarbeit für einen „unverwechselbaren Stil der Abstraktion, der auf realen Elementen basiert, die auf ihre wesentlichen Formen reduziert sind“. Zehn Werke sind vertreten, darunter Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (für Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue und Gaza. Der Briefmarkensatz wird am 31. Mai 2019 herausgegeben.
Die Galeristin Betty Parsons bot ihm 1956 erstmals eine Einzelausstellung an. Nach fast einem Jahrzehnt bei Parsons stellte er ab 1965 in der Sidney Janis Gallery aus. In den 1970er und 1980er Jahren wurde sein Werk gemeinsam von Leo Castelli und Blum Helman in New York betreut. Seit 1992 arbeitet er mit der Matthew Marks Gallery in New York und Los Angeles sowie mit der Anthony d“Offay Gallery in London zusammen. Die Fassade von Marks“ Galerie in Los Angeles wurde von Study for Black and White Panels inspiriert, einer Collage, die er 1954 in Paris anfertigte, und einem Gemälde, Black Over White. Ab 1964 produzierte er bei Gemini G.E.L. in Los Angeles und Tyler Graphics Ltd. in der Nähe von New York City Drucke und Skulpturen in Editionen.
Im Jahr 2014 wurde Kellys Gemälde Red Curve (1982) für 4,5 Millionen Dollar bei Christie“s New York versteigert. Den Auktionsrekord für ein Werk von Ellsworth Kelly stellte das 13-teilige Gemälde Spectrum VI (1969) auf, das am 14. November 2007 bei Sotheby“s New York, Contemporary Art Evening Sale, für 5,2 Millionen Dollar verkauft wurde.
Im November 2019 stellte Christie“s mit dem Werk Red Curve VII, das für 9,8 Millionen Dollar verkauft wurde, einen Auktionsrekord für den Künstler auf.
Quellen
