Eugène Delacroix

Alex Rover | August 27, 2022

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Zusammenfassung

Eugène Delacroix war ein französischer Maler, der am 26. April 1798 in Charenton-Saint-Maurice geboren wurde und am 13. August 1863 in Paris starb.

In der französischen Malerei des 19. Jahrhunderts gilt er als Hauptvertreter der Romantik, deren Stärke mit der Breite seiner Karriere korrespondiert. Mit 40 Jahren war sein Ruf so weit gefestigt, dass er wichtige staatliche Aufträge erhielt. Er malte auf Leinwand und dekorierte die Wände und Decken öffentlicher Denkmäler. Darüber hinaus hinterließ er Radierungen und Lithografien, mehrere Artikel für Zeitschriften und ein Tagebuch, das kurz nach seinem Tod veröffentlicht und mehrfach neu aufgelegt wurde. Nachdem er 1824 im Salon auf sich aufmerksam gemacht hatte, schuf er in den folgenden Jahren Werke, die sich an historischen oder literarischen Anekdoten orientierten, aber auch an zeitgenössischen Ereignissen (La Liberté guidant le peuple) oder einer Reise in den Maghreb (Femmes d“Alger dans leur appartement).

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Familie

Eugène Delacroix wurde 1798 als viertes Kind von Victoire Œben (1758-1814) und Charles-François Delacroix (1741-1805) in der 2, rue de Paris in Charenton-Saint-Maurice bei Paris geboren, in einem großen bürgerlichen Haus aus dem 17. und 18. Jahrhundert, das noch heute existiert.

Charles-François Delacroix war ab 1774 Rechtsanwalt in Paris und wurde Abgeordneter im Konvent. Ende 1795 wurde er Minister für auswärtige Angelegenheiten und vom 6. November 1797 bis Juni 1798 Botschafter in der Batavischen Republik. Am 2. März 1800 wurde er zum Präfekten des Departements Bouches-du-Rhône in Marseille und drei Jahre später zum Präfekten des Departements Gironde in Bordeaux ernannt, wo er am 4. November 1805 starb und auf dem Friedhof La Chartreuse seine letzte Ruhestätte fand.

Victoire Œben, 17 Jahre jünger als ihr Ehemann, entstammt einer Familie berühmter Kunsttischler, den Œbens. Als ihr Vater Jean-François Œben, der berühmte Kunsttischler von Ludwig XV., 1763 starb, war Victoire fünf Jahre alt. Drei Jahre später, 1766, heiratete ihre Mutter, Françoise Vandercruse, die Schwester des Kunsttischlers Roger Vandercruse, erneut den Kunsttischler Jean-Henri Riesener, einen Schüler ihres ersten Ehemanns. Aus dieser zweiten Ehe ging am 6. August 1767 der Maler Henri-François Riesener hervor, ein Halbbruder von Victoire und Onkel von Eugène Delacroix, der aus seiner Ehe mit Félicité Longrois einen Sohn, den Maler Léon Riesener, hatte.

Charles-Henri Delacroix, das älteste Kind von Victoire und Charles-François Delacroix, wird am 9. Januar 1779 geboren. Er macht eine steile Karriere in den kaiserlichen Armeen. Er wurde 1815 zum Ehrenfeldmarschall befördert und im Rang eines Generals (aber mit halbem Sold) demobilisiert.

Henriette wurde am 4. Januar 1782 geboren und starb am 6. April 1827. Sie heiratete am 1. Dezember 1797 Raymond de Verninac-Saint-Maur (1762-1822), einen Diplomaten in Schweden und später in Konstantinopel, mit dem sie einen Sohn, Charles de Verninac (1803-1834), einen Neffen Eugenes, hatte. Auf Wunsch ihres Mannes porträtierte David sie 1799 (Paris, Musée du Louvre) in einem Genre, das er in den letzten Jahren der Revolution entwickelte: das sitzende, auf die Knie geschnittene Modell vor einfarbigem Hintergrund. Ihr Mann beauftragte auch den Bildhauer Joseph Chinard (1756-1813) mit der Anfertigung seiner Büste als Diane chasseesse, die ihre Gesichtszüge vorbereitet (1808, Musée du Louvre).

Henri, geboren 1784, wird mit 23 Jahren am 14. Juni 1807 in der Schlacht von Friedland getötet.

Victoire Œben stirbt am 3. September 1814. Die Regelung des mütterlichen Nachlasses ruiniert die Familie Delacroix. Die Katastrophe verschlang das gesamte Vermögen der Kinder; ein Anwesen, das die Mutter des Künstlers gekauft hatte, um eine Forderung zu decken, musste mit Verlust verkauft werden. Die Verninacs nehmen den jungen Eugène auf, der in großer Armut zurückbleibt.

Da der Vater des Malers seit vierzehn Jahren und bis wenige Monate vor Eugenes Geburt an einem großen Hodentumor litt, schlossen einige Autoren, dass sein Vater ein anderer Mann gewesen sei, nämlich Talleyrand, dem zahlreiche Affären mit Frauen nachgesagt wurden und der Charles-François Delacroix am 16. Juli 1797 im Außenministerium ersetzte. Diese Ansicht ist stark umstritten.

Der Chirurg Ange-Bernard Imbert-Delonnes (1747-1818) veröffentlichte im Dezember 1797 eine Broschüre über die am 13. September 1797 erfolgte Entfernung dieser Sarkocele, die eine medizinische Premiere darstellte. Darin berichtet er, dass die Operation erfolgreich war und der Patient nach 60 Tagen wieder vollständig genesen war. Eugène Delacroix wurde sieben Monate nach der Operation geboren. Der Tumor von Charles Delacroix war jedoch nicht unbedingt ein Hindernis für die Fortpflanzung.

Zwar gibt es Gründe für die Annahme, dass Charles-François Delacroix nicht sein Erzeuger gewesen sein kann, doch die Vermutungen, dass der Künstler ein natürlicher Sohn Talleyrands war, sind kaum begründet. Caroline Jaubert erwähnt 1880 dieses Gerücht in der Beschreibung einer Salonszene, die sich um 1840 ereignet haben soll.

Für Raymond Escholier „besteht eine erstaunliche Ähnlichkeit zwischen der Maske des Prinzen von Benevent und der von Delacroix. Die Züge von Delacroix erinnern weder an die seines Bruders, des Generals, noch an die seiner Schwester Henriette, so dass die Chancen gut stehen, dass Eugène Delacroix einer dieser Söhne der Liebe war, die so oft mit prestigeträchtigen Gaben begabt sind“. Viele andere stellten jedoch fest, dass Talleyrand blond und blass war, während Baudelaire von einem „Teint wie ein Peruaner“ und Théophile Gautier von einem „Maharadscha“ sprach, als er ihren Freund Eugène Delacroix mit seinem rabenschwarzen, jettfarbenen Haar beschrieb.

Emmanuel de Waresquiel erinnert an das Fehlen seriöser Quellen für diese angebliche Vaterschaft und schließt mit den Worten: „Alle, die es liebten, den Zug ihrer Figur zu forcieren, haben sich verleiten lassen, ohne sich um den Rest zu kümmern, und vor allem nicht um die Quellen oder vielmehr um das Fehlen von Quellen. Ein für alle Mal: Talleyrand ist nicht der Vater von Eugène Delacroix. Man leiht nur den Reichen“.

Talleyrand war auf jeden Fall ein enger Vertrauter der Familie Delacroix und einer der okkulten Beschützer des Künstlers. Er soll Baron Gérard den Kauf der Szene der Massaker von Scio, die 1824 im Salon gezeigt wurde und heute im Musée du Louvre hängt, für 6000 Francs erleichtert haben. Talleyrands ehelicher Enkel, der Herzog von Morny, Präsident des Gesetzgebenden Körpers und uteriner Halbbruder von Napoleon III., machte Delacroix zum offiziellen Maler des Zweiten Kaiserreichs, obwohl der Kaiser Winterhalter und Meissonnier bevorzugte. Delacroix profitierte auch vom schützenden Schatten von Adolphe Thiers, der sein Mentor war. Thiers“ Unterstützung scheint Delacroix geholfen zu haben, mehrere wichtige Aufträge zu erhalten, darunter die Dekoration des Salon du Roi im Palais Bourbon und einen Teil der Ausstattung der Senatsbibliothek im Palais du Luxembourg.

Dieser Schutz begründet jedoch keine natürliche Vaterschaft, und Maurice Sérullaz.

Über das Interesse der Neugier hinaus spiegeln die Meinungen in dieser Kontroverse die Bedeutung wider, die die Kommentatoren entweder dem individuellen Talent und Charakter, den sozialen und familiären Beziehungen oder sogar der Vererbung für Delacroix“ Erfolg zuschreiben wollen.

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Studium und Ausbildung

Als sein Vater stirbt, ist Eugène erst sieben Jahre alt. Mutter und Sohn ziehen von Bordeaux nach Paris. Im Januar 1806 wohnten sie in der Rue de Grenelle 50 in der Wohnung von Henriette und Raymond de Verninac. Von Oktober 1806 bis zum Sommer 1815 besuchte Delacroix eine Eliteeinrichtung, das Lycée Impérial (das heutige Lycée Louis-le-Grand), wo er eine gute Ausbildung erhielt.

Seine Lektüre ist klassisch: Horaz, Vergil, aber auch Racine, Corneille und Voltaire. Er lernt Griechisch und Latein. Die zahlreichen Zeichnungen und Skizzen, die er in seine Hefte kritzelt, zeugen bereits von seiner künstlerischen Begabung. Im Lycée Impérial lernt er seine ersten Vertrauten kennen: Jean-Baptiste Pierret (1795-1854), Louis (1790-1865) und Félix (1796-1842) Guillemardet und Achille Piron (1798-1865). Sie teilten sein Bohème-Leben und blieben ihm bis zu seinem Lebensende treu.

Er erhält auch eine frühe musikalische Erziehung und nimmt Unterricht bei einem alten Organisten, der Mozart verehrte. Dieser Musiklehrer, dem die Talente des Kindes auffielen, empfahl seiner Mutter, aus ihm einen Musiker zu machen. Der Tod seines Vaters im Jahr 1805 machte dieser Möglichkeit jedoch ein Ende. Sein ganzes Leben lang nahm er jedoch weiterhin am Pariser Musikleben teil und suchte die Gesellschaft von Komponisten, Sängern und Instrumentalisten: Paganini beim Geigenspiel (1831, Philipps Collection in Washington).

1815 wurde er von seinem Onkel Henri-François Riesener in das Atelier von Pierre-Narcisse Guérin aufgenommen, wo er Paul Huet, Léon Cogniet, Ary und Henry Scheffer sowie Charles-Henri de Callande de Champmartin zu seinen Mitschülern zählte. Dort lernte er den sieben Jahre älteren Théodore Géricault kennen, der einen entscheidenden Einfluss auf seine Kunst hatte. Guérins Unterricht ist sowohl klassisch als auch liberal. Er lehrte das neoklassische Prinzip des Vorrangs der Zeichnung vor der Farbe und die Rückkehr zur Antike, die dem Deutschen Winckelmann am Herzen lag, war aber auch neuen Ideen gegenüber nicht verschlossen.

Im März 1816 setzt Delacroix seine Ausbildung, wieder bei Guérin, an der Pariser Kunsthochschule fort, wo der Unterricht billiger ist als in einem privaten Atelier. Der Unterricht bevorzugt das Zeichnen und das Kopieren von Meistern. Mithilfe der Arbeitskarte für das Kupferstichkabinett der Nationalbibliothek, die er am 13. Juli 1816 erwarb, kopierte er mehrere Jahre lang Manuskripte nach mittelalterlichen Kostümsammlungen. Seine Ergebnisse bei Wettbewerben und Prüfungen an der École des beaux-arts ließen ihn nicht auf einen römischen Aufenthalt hoffen; 1820 fiel er beim ersten Teil des Prix de Rome durch. Parallel dazu fand er kleinere Arbeiten: Industriezeichnungen, Wohnungsdekorationen, Theaterkostüme; die geringe Rente aus dem Erbe reichte nicht aus, um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten.

Während seiner gesamten Karriere litt Delacroix unter den Mängeln seiner technischen Ausbildung, die im offiziellen Unterricht unterbewertet wurde. Für ihn war David der letzte Besitzer verlorener „Geheimnisse“. Seine Generation, „angewidert von einer eiskalten Malerei, in der die Qualität des Materials so wenig Platz einnahm, scheint allen Lehren voreingenommen den Rücken gekehrt zu haben“. Da er aus dem Bauch heraus malte, führte dies, wie bei den meisten seiner Zeitgenossen, zu Katastrophen, die sich bereits nach wenigen Jahren bemerkbar machten. Der Tod des Sardanapalos aus dem Jahr 1827 musste bereits 1861 vollständig restauriert werden. Die zarten Tonverhältnisse, die die Zeitgenossen verzaubert hatten, blieben nicht erhalten; Risse und Sprünge, die auf die Eile beim Malen ohne Einhaltung der Trocknungszeiten zurückzuführen waren, beschädigten sein Gemälde. Delacroix“ Tagebuch zeugt davon, dass er sich seiner Mängel bewusst war.

1816 lernte Delacroix Charles-Raymond Soulier kennen, einen anglophilen Amateur-Aquarellisten, der Schüler des aus England zurückgekehrten Copley Fielding war. Dieser Freund und Richard Parkes Bonington machten Delacroix mit der Kunst der Aquarellmalerei vertraut, die ihn von den akademischen Normen, die in den Schönen Künsten gelehrt wurden, wegführte. Die Briten kombinierten das Aquarell mit Gouache und verwendeten verschiedene Verfahren wie die Verwendung von Radiergummis, Firnissen und Kratzern. Soulier brachte ihm auch die Grundlagen der englischen Sprache bei.

Vom 24. April bis Ende August 1825 reiste er nach England. Er lernt Shakespeares Theater kennen, indem er Aufführungen von Richard III, Heinrich IV, Othello, Der Kaufmann von Venedig und Der Sturm beiwohnt, zwei Jahre bevor eine englische Theatergruppe nach Paris reist. Er besuchte auch eine Adaption von Goethes Faust. Delacroix wird im Laufe seiner Karriere immer wieder Themen im Theater finden: Hamlet und Horatio auf dem Friedhof (1835, Frankfurt) und Hamlet und die beiden Totengräber (1839, Musée du Louvre). Diese Themen sollten sich bis zu seinem Tod mit orientalischen, literarischen, historischen oder religiösen Themen vermischen. Ab dieser Reise gewann die Aquarelltechnik in seinem Werk an Bedeutung. Sie wird ihm auf seiner Reise nach Nordafrika eine große Hilfe sein, um alle Farben wiedergeben zu können.

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Die Anfänge der Karriere

1819 wendet sich Delacroix mit dem Speisesaal des Privathauses von Herrn Lottin de Saint-Germain auf der Île de la Cité zum ersten Mal der Dekoration zu. Bis März 1820 vollendete er die Türverkleidungen im pompejanischen Stil. Von diesem heute verschwundenen Ensemble blieben nur die Zeichnungen und Entwürfe, Figuren, allegorische oder mythologische Szenen, die im Musée du Louvre aufbewahrt werden.

Der Tragödiendichter Talma beauftragte ihn 1821 für die Ausstattung des Speisesaals des Privathauses, das er sich in der 9, rue de la Tour-des-Dames in Montmartre bauen ließ, mit vier Türüberhängen, die die vier Jahreszeiten in einem griechisch-römischen Stil darstellen, der von den Fresken in Herculaneum inspiriert ist, wie die von M. Lottin. Der Louvre besitzt eine Reihe von vorbereitenden Zeichnungen und Entwürfen, der Rest befindet sich in einer Privatsammlung in Paris.

Seine ersten Staffeleibilder sind zwei Altarbilder, die von Renaissance-Malern inspiriert sind:

1822 erschien Delacroix, der sich in der Malerei einen Namen machen und einen Ausweg aus seinen finanziellen Schwierigkeiten finden wollte, zum ersten Mal im Salon mit La Barque de Dante ou Dante et Virgile aux Enfers, das ihm der Staat für 2.000 Francs abkaufte, statt der 2.400, die er verlangt hatte. Die Reaktionen der Kritiker waren lebhaft und sogar heftig. Étienne-Jean Delécluze, ein Schüler von Jacques-Louis David und Verteidiger seiner davidischen Schule, schrieb im Moniteur vom 18. Mai: „Une vraie tartouillade“. Adolphe Thiers, damals ein junger Journalist, sprach jedoch in einem lobenden Artikel im Constitutionnel vom 11. Mai von der „Zukunft eines großen Malers“. Antoine-Jean Gros, der La Barque de Dante bewunderte, bezeichnete den Maler als „Rubens châtié“.

Nachdem er sein Thema erst sehr spät, Mitte Januar, festgelegt hatte, musste Delacroix unter Zeitdruck arbeiten, um für die Ausstellung im Salon Officiel ab dem 24. April bereit zu sein. Er verwendete Firnisse, die ein schnelleres Trocknen der Farben bewirkten, aber die Haltbarkeit seiner Leinwand beeinträchtigten. Da die darunter liegenden dunklen Schichten schneller trocknen als die hellen Schichten auf der Oberfläche, verursachen sie enorme Risse und Sprünge. Im Februar 1860 erhielt er die Erlaubnis, das Bild selbst zu restaurieren.

Das Thema, das aus dem VIII. Gesang von Dantes Inferno stammt, war für die damalige Zeit neu. Die Zeitgenossen, die Dantes Werk nur oberflächlich kannten, illustrierten immer die gleichen Episoden: die Geschichte von Ugolin (Inferno, Gesang XXXIII), Paolo und Francesca (Inferno, Gesang V) und Charons Boot (Inferno, Gesang III). Die Wahl der Anekdote und eines Formats, das bis dahin religiösen, mythologischen oder historischen Themen vorbehalten war, für dieses Gemälde mit literarischem Thema manifestiert die Neuheit von Delacroix, der beweisen will, dass er ein wahrer Maler ist und die verschiedenen Teile seiner Kunst beherrscht: den Akt, die Drapierung und den Ausdruck.

Bei diesem Gemälde sind die Einflüsse vielfältig. Kritiker weisen auf Ähnlichkeiten zwischen Dantes Boot und Géricaults Floß der Medusa (1819, Musée du Louvre) hin: eine Nahaufnahme, ein Boot, tosende Fluten, um die Bedeutung des Bildes zu schmälern.

Théodore Géricault beeinflusste Delacroix erheblich, besonders zu Beginn seiner Karriere. Er übernahm von ihm seine Malweise: starke Licht- und Schattenkontraste, die dem Bild Relief und Modellierung verleihen. Er verwendete auch einige seiner Farben: Zinnoberrot, Preußischblau, Braun und farbiges Weiß. Der türkische Offizier, der die griechische Sklavin in der Szene der Massaker von Scio (1824, Musée du Louvre) auf seinem Pferd entführt, wurde von Géricaults Officier de chasseurs à cheval] (1812, Musée du Louvre) inspiriert. Als dieser am 26. Januar 1824 starb, wurde Delacroix unfreiwillig zum Anführer der Romantik.

Der Einfluss Michelangelos zeigt sich in den imposanten Muskeln der Verdammten (die an einen der beiden Sklaven im Louvre erinnern) und der Frau, die von einem männlichen Prototypen abgeleitet wurde. Die Figur des Leerers Phlegias, der Dante und Vergil in die Höllenstadt Dité bringen soll, verweist auf die Antike und den Torso von Belvedere (4. Jahrhundert v. Chr., Pio-Clementino-Museum in Rom). Die Naiaden in Rubens“ Landung von Maria de“ Medici in Marseille (1610, Musée du Louvre) inspirieren die Kolorierung der Wassertropfen auf den Körpern der Verdammten mit kleinen, nebeneinander liegenden Pinselstrichen aus reinen Farben. Delacroix hatte eine Studie angefertigt: Torse d“une sirène, d“après le Débarquement de Marie de Médicis (Kunstmuseum Basel).

Unter dem Einfluss von Géricault und mit der Ermutigung von Gros fertigte Delacroix in den 1820er Jahren vermehrt Pferdestudien nach der Natur an. Am 15. April dieses Jahres notierte er in seinem Tagebuch: „Man muss unbedingt anfangen, Pferde zu machen. Jeden Morgen in einen Stall gehen; sehr früh zu Bett gehen und ebenso früh aufstehen“. Er stellte ein Lernprogramm auf, das Besuche in den Ställen oder in der Reithalle umfasste. Die Zusammenstellung dieser Enzyklopädie diente ihm als Grundlage für seine späteren Gemälde.

Mit Scène des massacres de Scio, das Delacroix 1824 im Salon Officiel vorstellte, wie auch mit La Grèce sur les ruines de Missolonghi zwei Jahre später, beteiligte sich Delacroix an der Philhellenenbewegung. Er erhielt die Medaille zweiter Klasse und der Staat kaufte das Gemälde für 6000 Francs, um es anschließend im Musée du Luxembourg auszustellen. Das Gemälde wurde von einem aktuellen Ereignis inspiriert: dem Massaker der Türken an der Bevölkerung der Insel Chio im April 1822. Bereits zu diesem Zeitpunkt hatte Delacroix die Idee, ein Bild zu diesem Thema zu malen, die er jedoch zugunsten von Dantes Boot fallen ließ. Sein Thema fand er in dem Werk Mémoires du colonel Voutier sur la guerre actuelle des Grecs (Erinnerungen des Oberst Voutier an den aktuellen Krieg der Griechen). Am Montag, dem 12. Januar 1824, aß er mit dem Oberst zu Mittag und notierte in seinem Tagebuch: „Es ist also sauber heute .

Für sein Gemälde führte Delacroix ikonografische Recherchen in der Nationalbibliothek durch und erhielt von M. Auguste orientalische Kostüme, die er von seinen Reisen in den Orient mitgebracht hatte, als Leihgabe. Ein Notizbuch, das um 1820-1825 verwendet wurde, erwähnt die Konsultation der Lettres sur la Grèce von Claude-Étienne Savary sowie von Skizzen, die nach den Mœurs et coutumes turques et orientales dessinés dans le pays des Zeichners Rosset (1790) angefertigt wurden.

Herr Auguste, ein ehemaliger Bildhauer, der Aquarell- und Pastellmaler wurde, brachte von seinen Reisen nach Griechenland, Ägypten, Kleinasien und Marokko bemerkenswerte Studien und eine ganze Reihe von Objekten mit: Stoffe, Kostüme, Waffen und verschiedene Kleinigkeiten. Er gilt als Initiator des Orientalismus in Frankreich. Sein Einfluss auf Delacroix und seine Kunst war sehr stark, vor allem zwischen 1824 und 1832, als er nach Nordafrika reiste.

Er beginnt am 25. Januar mit der Frau, die von einem Pferd geschleift wird. Das Modell, das für diese Figur posiert hat, heißt Emilie Robert.

Die Kritiker, die meisten Künstler und das Publikum nahmen das Bild hart auf. Delacroix“ Kollegen wie Girodet warfen ihm seine Malweise und seine Vernachlässigung der Zeichnung vor, wie es Delécluze 1822 getan hatte. Gros hatte Dantes Boot geschätzt; er begrüßte die Szene der Massaker von Scio mit den Worten, dass es sich um das „Massaker der Malerei“ handele. Ein Kritiker, der auf den Einfluss von Gros“ Pestiférés de Jaffa hinwies, schrieb, er habe „die Palette von Gros schlecht gewaschen“. Thiers jedoch setzte seine unerschütterliche Unterstützung in Le Constitutionnel fort: „Herr Delacroix hat ein großes Talent bewiesen, und er hat Zweifel ausgeräumt, indem er das Bild der Griechen auf das Bild von Dante folgen ließ“, wie auch Théophile Gautier und Charles Baudelaire, der ihm ein Gedicht auf einer seiner Messen widmete. Dieses Gemälde machte ihn zum Bannerträger der Romantiker, was er bedauerte, da er sich keiner Schule zuordnen wollte.

Der Maler präsentierte außerdem drei weitere Bilder im Salon: Kopf einer alten Frau (Musée des Beaux-Arts d“Orléans) und Junge Waise auf dem Friedhof (Musée du Louvre) sowie außerhalb des Katalogs Le Tasse dans la maison des fous (Privatsammlung). Zwischen 1823 und 1825 malte er mehrere Bilder von Griechen in Palikares-Kleidung (griechische Soldaten, die im Unabhängigkeitskrieg gegen die Türken kämpften) und von Türken, von denen einige möglicherweise für Scène des massacres de Scio verwendet wurden. Auf dem Salon Officiel hatte Delacroix Gelegenheit, Gemälde von John Constable zu sehen, die sein Händler Arrowsmith ausstellte, darunter Der Heuwagen (1821, National Gallery in London), der mit einer Goldmedaille ausgezeichnet wurde. Eine Anekdote besagt, dass er, nachdem er dieses Gemälde gesehen hatte, beschloss, den Himmel in der Szene der Massaker von Scio neu zu gestalten, nachdem er den Grafen de Forbin, den Direktor der Museen, um Erlaubnis gebeten hatte.

In diesem Jahr teilte Delacroix für einige Zeit das Atelier seines Freundes Thales Fielding 20 Rue Jacob. Er hatte die vier Fielding-Brüder durch seinen guten Freund Raymond Soulier kennengelernt, der in England aufgewachsen war und ihm Englischunterricht gab. Bei ihnen lernte er auch die Aquarellmalerei, eine englische Spezialität. Im folgenden Jahr geht er mit Thales nach England.

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Die Reifezeit

Während seiner Reise nach England von Mai bis August 1825 besuchte Delacroix Hampstead und die Westminster Abbey, von der er sich für Die Ermordung des Bischofs von Lüttich (1831, Musée du Louvre) inspirieren ließ. Er traf Sir David Wilkie, einen Historien-, Genre- und Porträtmaler, sowie Thomas Lawrence, den er in seinem Atelier besuchen durfte. Er bewunderte ihren Stil und ihre Porträts sehr und ließ sich von ihrem Porträt von David Lyon (um 1825, Thyssen-Bornemisza-Museum) für das Porträt von Baron de Schwiter (1826-1830, National Gallery in London) inspirieren.

In den 1820er Jahren traf der sieben Jahre ältere Delacroix bei seinem Freund Jean-Baptiste Pierret zum ersten Mal auf Louis-Auguste Schwiter (1805-1889). Sie waren sehr enge Freunde und beide große Bewunderer des englischen Porträtmalers. Außerdem besuchte er zusammen mit Richard Parkes Bonington, den er in London wiedergesehen hatte, Dr. Samuel Rush Meyrick, einen Antiquitätenhändler, der für seine Sammlung von Waffen und Rüstungen sehr berühmt war und den er studierte. Die beiden Männer teilten die gleiche Vorliebe für das Mittelalter, weshalb sie auch gemeinsame Studien durchführten: Mehrere Blätter wurden nacheinander dem jeweils anderen zugeschrieben.

Ab 1826 verkehrte Delacroix mit Victor Hugo und dessen Zönakel. Zunächst bildete sich eine Gruppe um Charles Nodier und Alexandre Soumet. Dieser erste Zönakel traf sich zunächst in Nodiers Wohnung in der Rue de Provence und später in der Bibliothèque de l“Arsenal, wo er zum Bibliothekar ernannt worden war. Ihr gemeinsames Interesse am Mittelalter führte zur Entstehung des „Troubadour-Stils“: Ingres und Delacroix schufen beide kleinformatige Gemälde in diesem Stil.

Parallel dazu und ab 1823 bildeten die Freunde Victor Hugos eine Art Schule um den Dichter herum. Diese zweite Gruppe wurde immer zahlreicher und bildete ab 1828 und 1829 den zweiten Cenacle: Hugo wurde zum Anführer der romantischen Bewegung, der sich die Mitglieder des ersten Cenacle anschlossen. 1830 verschlechterte sich das Verhältnis zwischen Delacroix und Hugo; der Dichter warf ihm vor, sich nicht ausreichend für die Romantik einzusetzen.

Am Tag der Begradigung nehmen die Osmanen Missolonghi, die Hochburg der griechischen Unabhängigkeitsbewegung, ein. Am 24. Mai veranstaltet Lebrun in seiner Galerie eine Ausstellung, um Geld für die Unterstützung der griechischen Sache zu sammeln. Es geht darum, die öffentliche Meinung zu alarmieren, während die französische Regierung für Neutralität plädiert. Delacroix zeigte zunächst Der Doge Marino Faliero (Wallace Collection in London), Don Juan und Ein Offizier, der in den Bergen getötet wurde, die er im Juni durch Der Kampf zwischen Giaour und Hassan und im August durch Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi (Musée des beaux-arts in Bordeaux) ersetzte. Für diese Allegorie von La Grèce ließ er sich von den antiken Siegen und der Marienfigur mit ihrem blauen Mantel und ihrer weißen Tunika inspirieren. Diese Interpretation des Themas verwirrte die Kritiker mit Ausnahme von Victor Hugo.

In dieser Zeit hatte Delacroix zahlreiche Liebesaffären mit verheirateten Frauen wie Eugènie Dalton, Alberthe de Rubempré, Elisa Boulanger und Josephine Forget. „Delacroix ist über beide Ohren verliebt“, wie Mérimée es ausdrückte. Der Maler hielt sich im Schloss von Beffes bei seinem Freund General Coëtlosquet auf, wo er das Zimmer von Madame Louise Pron, genannt Sarah, mit Arabeskenfresken im pompejanischen Stil schmückte. Dort malte er das Stillleben mit Hummern, dessen Bedeutung laut Michèle Hannoosh in den antiklerikalen Karikaturen zu finden ist, die der Maler bei dieser Gelegenheit von seinem Freund General Coëtlosquet als Hummer (bretonisch) und Omar (als Türke verkleidet) anfertigte: „L“abbé Casse, missionnaire, prếchant devant le calife Homard“ (Der Abbé Casse, Missionar, prếchant vor dem Kalifen Hummer).

Im Salon von 1827-1828 stellt Delacroix mehrere Werke aus. Die Kritik lehnt La Mort de Sardanapale (Tod des Sardanapalos, Musée du Louvre) einstimmig ab. Am 21. März erklärte Étienne-Jean Delécluze im Journal des débats, dass es sich um einen Fehler handele: „Das Auge kann die Verwirrung der Linien und Farben nicht entwirren … Der Sardanapale ist ein Fehler des Malers“, und er fügte hinzu, dass Delacroix Unterricht in Perspektive nehmen sollte, da diese Kunst für die Malerei das sei, was die Rechtschreibung für alle sei. Am nächsten Tag ist es für La Gazette de France das „schlechteste Bild des Salons“. Le Quotidien stellte am 24. April ein „bizarres Werk“ in Frage. Für den Kritiker Vitet ist „Eugène Delacroix zum Skandalstein der Ausstellungen geworden“ und Charles Chauvin in Le Moniteur universel erkennt zwar eine freimütige und kühne Ausführung und die warme und lebendige Farbe von Rubens an, versteht aber nicht „Wo sind wir? Auf welchem Boden sitzt die Bühne? Wo will der Sklave das Pferd reiten? Der größte Teil des Publikums findet das Bild lächerlich. Herr Delacroix soll sich daran erinnern, dass der französische Geschmack edel und rein ist und dass er eher Racine als Shakespeare pflegt.“

Dennoch wollte Delacroix seine Altersgenossen keineswegs schockieren, sondern sie vielmehr durch seine Verweise auf die Kunst der Vergangenheit, die Vielzahl seiner Inspirationsquellen und die Wahl seines Themas im alten Orient von seiner Genialität überzeugen.

Der Ausbruch, den die Präsentation des Gemäldes auslöste, störte seine Freunde, die sich nicht zu seiner Verteidigung einmischten. Victor Hugo stellte sich nicht öffentlich auf seine Seite, obwohl er in einem Brief an Victor Pavis vom 3. April 1828 seine Begeisterung zum Ausdruck brachte, indem er schrieb: „Glauben Sie nicht, dass Delacroix versagt hat. Sein Sardanapale ist ein wunderbares Ding und so gigantisch, dass es sich kleinen Blicken entzieht“. Der Maler wurde auch Opfer der Bonmots von Humoristen, die er trotz seiner Vorliebe für Kalauer nicht schätzte. Diesmal wird das Gemälde nicht gekauft, und der Superintendent der Schönen Künste, Sosthène de La Rochefoucauld (was er kategorisch ablehnt. Die Heftigkeit der Angriffe sollte sein Zerwürfnis mit der romantischen Bewegung beschleunigen. Er schrieb, dass man ihn fünf Jahre lang von öffentlichen Aufträgen fernhalten würde, aber das war nicht der Fall, schon im nächsten Jahr erhielt er wieder welche.

Ingres, ein neoklassizistischer Maler, stellte in diesem Jahr auf dem Salon L“Apothéose d“Homère vor. Er repräsentiert die klassische Malerei, so wie Delacroix die romantische Malerei repräsentiert, und wird zeitlebens als Delacroix“ Hauptrivale angesehen. In diesen beiden Künstlern prallten zwei gegensätzliche Auffassungen von Malerei aufeinander: Die Klassiker setzten auf disegno (Zeichnung) und die Zurückstellung des Künstlers hinter das Thema, die Romantiker auf colorito (Farbe) und die Betonung des individuellen Ausdrucks und der individuellen Note. Mit L“Apothéose d“Homère und La Mort de Sardanapale bekräftigen die beiden Künstler ihre Doktrinen. Der Streit um das Kolorit, der in den 1670er Jahren zwischen Poussinisten und Rubenisten ausgetragen wurde, wird im 19. Jahrhundert mit neuen Gegensätzen, zusätzlich zu dem zwischen Farbe und Linie, erneuert. Die Kritik betrachtete Delacroix bis ins 20. Jahrhundert hinein als den Anführer der Koloristen.

Nach diesem Misserfolg bewahrte Delacroix das Gemälde in seinem Atelier auf. Im Jahr 1844 beschließt er, es zum Verkauf anzubieten. 1845 kauft es der amerikanische Sammler John Wilson für 6000 Francs. Das Gemälde wurde von Haro restauriert und 1861 der Öffentlichkeit präsentiert. Schließlich wurde es 1921 vom Louvre erworben.

Der Salon von 1827-1828 war zusammen mit der Weltausstellung von 1855 die wichtigste Veranstaltung für Delacroix, was die Anzahl der ausgestellten Gemälde betraf. In zwei Sendungen stellte er zunächst :

Dann wird es :

1828 veröffentlichte Charles Motte, Verleger in der Rue des Marais, Goethes Tragödie Faust in der Übersetzung von Philipp Albert Stapfer, illustriert mit einer Folge von 17 Lithografien von Delacroix. Goethe zeigt seine Begeisterung in einem Brief aus Weimar an seinen Freund Johann Peter Eckermann und meint, dass er die Szenen, die er sich vorgestellt hatte, gut übersetzt habe.

Nach dem Besuch von Karl X. in Nancy erhielt Delacroix am 28. August 1828 vom Innenminister den Auftrag für ein Gemälde, das der König der Stadt schenken wollte. Das 1831 fertiggestellte Gemälde La Mort de Charles le hardi ou Le Téméraire, besser bekannt als La Bataille de Nancy (Musée des beaux-arts de Nancy), wurde erst 1834 im Salon ausgestellt. Im Dezember 1828 oder Januar 1829 folgte der Auftrag für zwei Gemälde für die Herzogin von Berry, die Witwe des jüngsten Sohnes des Königs: Quentin Durward et le Balafré (Musée des beaux-arts de Caen) und La Bataille de Poitiers, auch Le Roi Jean à la bataille de Poitiers (Musée du Louvre) genannt, die 1830 fertiggestellt wurden.

Auf Wunsch von Herzog Louis-Philippe d“Orléans malte Delacroix ein großes Gemälde (420 × 300 cm) für seine historische Galerie im Palais-Royal, Richelieu disant sa messe (1828) oder Le Cardinal de Richelieu dans sa chapelle au Palais-Royal, das während der Revolution von 1848 zerstört wurde und von dem nur eine Lithografie von Ligny in der Histoire du Palais Royal von Jean Vatout (1830?) erhalten geblieben ist.

Im Januar bat er ihn erneut um ein weiteres von Walter Scott inspiriertes Gemälde, Die Ermordung des Bischofs von Lüttich (Musée du Louvre), das zunächst 1830 in der Royal Academy, dann im Salon von 1831 und schließlich auf der Weltausstellung 1855 in Paris und 1862 in London gezeigt wurde. Zu diesem Gemälde gibt es eine Anekdote über ein weißes Tischtuch, das Delacroix nur schwer malen konnte und das der wichtigste Punkt der Szene ist. Als der Maler eines Abends bei seinem Freund Frédéric Villot zeichnete, soll er sich selbst ein Ultimatum gestellt und erklärt haben: „Morgen greife ich dieses verfluchte Tischtuch an, das für mich Austerlitz oder Waterloo sein wird“. Und es wurde Austerlitz. Für das Gerüst des Gewölbes hatte er sich von Skizzen inspirieren lassen, die er im Justizpalast von Rouen angefertigt hatte, sowie von der alten Halle von Westminster, die er während seines Aufenthalts in London besichtigt hatte.

Delacroix schrieb ab 1830 fünf kunstkritische Artikel für die Revue de Paris, die Louis Véron im Jahr zuvor gegründet hatte. Der erste war Raffael gewidmet und erschien im Mai, der zweite Michelangelo im Juli. Darin brachte er seine ästhetischen Überzeugungen und seine Bewunderung für diese beiden Künstler zum Ausdruck, die einen großen Einfluss auf sein Werk hatten.

Die Drei Glorreichen Tage am 27., 28. und 29. Juli 1830 führten zum Sturz von Karl X. und brachten Louis-Philippe an die Macht. Die neue Regierung schreibt am 30. September drei Wettbewerbe für die Dekoration des Sitzungssaals der neuen Abgeordnetenkammer aus, die im Palais Bourbon neu errichtet werden soll. Delacroix bewirbt sich bei den beiden letzten. Die vorgeschlagenen Themen sind :

Die Jury, die aus Guérin (1774-1833), Gros und Ingres besteht, gibt den Mirabeau an Hesse, einen Schüler von Gros, und den Boissy d“Anglas an Vinchon, den Prix de Rome 1814. Achille Ricourt, Schriftsteller und Journalist, Gründer der Zeitschrift L“Artiste, machte aus dieser Entscheidung eine Ungerechtigkeit gegenüber der romantischen Sache. Louis Boulanger schrieb: „Mein Maler ist Delacroix. All das lebt, all das bewegt sich, verdreht sich und beschleunigt die Bewegung des Blutes in Ihren Arterien … Es ist der Akzent der Natur, der in seinem Unerwartetesten erfasst wird, wertvolle Eigenschaften, die allein den großen Maler offenbaren, die ihn aber leider allzu oft einer zu geringen Zahl offenbaren“.

Die Zeitschrift veröffentlichte auch den langen „Brief über die Wettbewerbe“, den Delacroix am 1. März 1831 geschrieben hatte, um die Kontroverse zu verschärfen. Es ist eine heftige Anklageschrift gegen die Wettbewerbe, in der die Mittelmäßigen gegen Rubens, Raffael und Hoffmann in einem Ton voller Ironie ausgespielt werden. Die Skizze, die er für das zweite Thema, Mirabeau vor Dreux-Brézé, angefertigt hatte, ist heute im Musée national Eugène-Delacroix ausgestellt. Die Skizze zum dritten Thema, Boissy d“Anglas, der dem Aufruhr die Stirn bietet, befindet sich im Musée des beaux arts in Bordeaux.

1831 präsentierte Delacroix im Salon, der in jenem Jahr am 14. April eröffnet wurde, La Liberté guidant le peuple (Die Freiheit, die das Volk führt). Das Gemälde, das unter Nr. 511 im Katalog des Salons aufgeführt ist, trägt den Titel Le 28 juillet ou La Liberté guidant le peuple, den es auch später beibehalten sollte. Delacroix malte das Bild aus zwei Gründen. Der erste Grund war sein Misserfolg im Salon von 1827. Er wollte ihn ungeschehen machen und die Gunst der Machthaber gewinnen, indem er ein Kunstwerk schuf, das die liberalen Ideen repräsentierte, die er mit dem neuen französischen König Louis-Philippe I. teilte. Delacroix war nämlich nicht für die Einführung einer Republik, sondern wollte, dass die französische Monarchie eine gemäßigte Monarchie ist, die die Freiheiten respektiert, aber auch das Selbstbestimmungsrecht der Völker. Außerdem wurde Delacroix während der Revolution der „Drei Glorreichen“ zu den Sammlungsgarden des Louvre-Museums eingezogen. Er konnte nicht an dieser Revolution teilnehmen. In einem Brief vom 28. Oktober 1830 an seinen Bruder Charles Delacroix schrieb er: „Ich habe ein modernes Thema in Angriff genommen, eine Barrikade, und wenn ich nicht für das Vaterland gesiegt habe, werde ich wenigstens für es malen. Das hat mich wieder in gute Laune versetzt“. In diesem Brief macht er also deutlich, dass er es bedauert, nicht an dieser glorreichen Revolution teilgenommen zu haben, und dass er diejenigen verherrlichen will, die an dieser Revolution teilgenommen haben. Der Begriff „Vaterland“ zeigt, dass für ihn die Anfertigung dieses Gemäldes ein patriotischer Akt ist und es ihm daher nicht so sehr darum geht, dem neuen König zu gefallen, mit dem er zuvor freundschaftliche Beziehungen unterhielt, sondern in Wirklichkeit darum, diejenigen zu verherrlichen, die diese Revolution ermöglicht haben. In seinem Gemälde will er also das Volk verherrlichen, d. h. die Volksschichten, die Barrikaden errichteten und kämpften, um die Herrschaft des Monarchen Karl X. zu beenden, der eine absolute Monarchie mit göttlichem Recht wieder einführen wollte. Die Komposition seines Gemäldes offenbart an sich schon diesen Willen zur Glorifizierung des Volkes. Tatsächlich stammen alle Figuren mit Ausnahme der allegorischen weiblichen Figur der Freiheit aus der Volksklasse, d. h. aus dem Volk. Auch die Anwesenheit eines Kindes an ihrer Seite offenbart, dass die Gesamtheit der Bürger den Mut hatte, für den Sturz Karls X. zu kämpfen. So lässt er dieses Volk als ein großes Volk erscheinen, dessen Ideale Respekt hervorrufen sollten. Da die liberalen Ideale auch die Ideale von König Ludwig Philipp I. waren, kaufte er das Gemälde für 3.000 Francs, um es im Palais du Luxembourg auszustellen.

Sein Gemälde wird dort nur wenige Monate lang gezeigt. Hippolyte Royer-Collard, der Direktor der Schönen Künste, ließ es in den Lagerräumen aufbewahren, weil er befürchtete, dass sein Thema die Unruhen anfachen würde. Sein Nachfolger Edmond Cavé erlaubte Delacroix, das Werk 1839 wieder aufzunehmen. Es wurde 1848 erneut ausgestellt; einige Wochen später wurde der Maler jedoch aufgefordert, es wieder aufzunehmen. Dank Jeanron, dem Direktor der Museen, und Frédéric Villot, dem Konservator des Louvre, gelangte La Liberté guidant le peuple in die Reserven des Musée du Luxembourg. Mit der Zustimmung von Napoleon III. wird es auf der Weltausstellung 1855 ausgestellt. Im Musée du Louvre wird es ab November 1874 dauerhaft ausgestellt.

Sein Thema erinnert an die Straßenkämpfe, die während der Revolutionstage vom 27., 28. und 29. Juli, auch „Les Trois Glorieuses“ genannt, stattfanden. Eine junge Frau mit nackter Brust, Phrygischer Mütze und einer Trikolore ist die Allegorie der Freiheit. Sie geht bewaffnet und wird von einem pistolenschwingenden Straßenkind begleitet. Links im Bild steht ein junger Mann mit Gehrock und Zylinder, der eine Espingole (doppelläufiges Luftgewehr) in der Hand hält. Einer Legende zufolge soll dieser junge Mann Delacroix darstellen und an dem Aufstand teilgenommen haben. Mehrere Elemente lassen dies bezweifeln, wie etwa die unzuverlässige Aussage von Alexandre Dumas. Der Maler, der bonapartistische Ansichten vertrat, wäre höchstens in die Nationalgarde eingezogen worden, die am 30. Juli 1830 wiederhergestellt wurde, nachdem sie 1827 abgeschafft worden war, um den Kronschatz zu bewachen, der sich übrigens bereits im Louvre befand.

Lee Johnson, ein britischer Delacroix-Spezialist, identifiziert den jungen Mann eher als Étienne Arago, einen glühenden Republikaner, der von 1830 bis 1840 Direktor des Theaters Vaudeville war. Das war auch die Meinung von Jules Claregie im Jahr 1880. Was den Straßenjungen betrifft, so soll er Victor Hugo (1802-1885) zu seiner Figur Gavroche in Les Misérables, veröffentlicht 1862, inspiriert haben.

Die Kritiker nehmen das Gemälde mit Zurückhaltung auf. Delécluze schrieb im Journal des débats vom 7. Mai: „Dieses mit Verve gemalte Bild, das in mehreren seiner Teile mit einem seltenen Talent koloriert ist, erinnert ganz und gar an die Art und Weise von Jouvenet“. Andere Kritiker finden die Figur der Liberté inakzeptabel und bezeichnen sie als „poissarde, fille publique, faubourienne“. Ihr Realismus stört: die Nacktheit ihres Oberkörpers, die Behaarung der Achselhöhlen.

Da es jahrelang nicht im Museum zu sehen war, wurde es zu einer republikanischen Ikone. Der Bildhauer François Rude ließ sich für seinen Aufbruch der Freiwilligen auf dem Arc de Triomphe de l“Étoile inspirieren. Im Jahr 1924 griff der Maler Maurice Denis das Motiv auf, um die Kuppel des Petit Palais zu schmücken. Es diente als Plakat für die Wiedereröffnung des Musée du Louvre im Jahr 1945 und zierte später den alten 100-Franc-Schein.

Die Streitigkeiten zwischen den Klassikern und den Romantikern oder Modernisten ärgerten Delacroix. Am 27. Juni 1831 schrieb er an den Maler Henri Decaisne (1799-1852), der wie er Mitglied der am 18. Oktober 1830 gegründeten Société libre de peinture et de sculpture war, um eine gemeinsame Strategie gegen den mächtigen Einfluss der dem Institut de France nahestehenden Société des Amis des Arts (1789 gegründet und 1817 wiederbelebt) zu entwickeln. Auf Anraten von Decaisne kontaktierte er Auguste Jal, einen bedeutenden Kunstkritiker, damit dieser ihre Sache in Le Constitutionnel verteidigte. In einem langen Brief an den Innenminister d“Agoult, in dem er ihre Beschwerden darlegte, wies er auf die Gefahr hin, die „offiziellen“ Künstler von anderen, oftmals talentierteren Künstlern zu trennen. Die offizielle Anerkennung erfolgte im September 1831 durch die Verleihung der Ehrenlegion.

1831 begleitete Eugène Delacroix sieben Monate lang die diplomatische Mission, die Louis-Philippe Charles-Edgar, Comte de Mornay (1803-1878) beim Sultan von Marokko-1859) anvertraut hatte. Mornay soll eine Friedensbotschaft überbringen und den Sultan und die Briten beruhigen, die nach der Eroberung Algeriens durch Frankreich beunruhigt sind.

Diese Reise sollte den Maler zutiefst prägen. Delacroix entdeckt das spanische Andalusien und Nordafrika, Marokko und Algerien: ihre Landschaften, ihre Architektur, ihre muslimische und jüdische Bevölkerung, ihre Sitten, ihre Lebenskunst und ihre Kostüme. Der Maler macht unermüdlich Notizen, Zeichnungen und Aquarelle, die eines der ersten Reisetagebücher darstellen, in denen er beschreibt, was er entdeckt. Diese Reise ist für seine Technik und seine Ästhetik von entscheidender Bedeutung. Er bringt sieben Hefte mit, die sein Reisetagebuch bilden, von denen nur vier erhalten sind.

Danach kehrte er sein ganzes Leben lang immer wieder zum marokkanischen Thema zurück, in mehr als achtzig Gemälden mit „orientalischen“ Themen, insbesondere Les Femmes d“Alger dans leur appartement (1834, Musée du Louvre), La Noce juive au Maroc (1841, Musée du Louvre), Le Sultan du Maroc (1845, Musée des Augustins de Toulouse).

Diese Reise, die er auf eigene Kosten unternommen hatte, ermöglichte es Delacroix, der noch nie in Italien gewesen war, die „lebendige Antike“ wiederzufinden. Der Brief, den er am 29. Januar an Jean-Baptiste Pierret schrieb, ist diesbezüglich sehr aussagekräftig: „Stell dir vor, mein Freund, was es bedeutet, in der Sonne liegende, durch die Straßen schlendernde, Seifen flickende konsularische Persönlichkeiten, Cato, Brutus zu sehen, denen nicht einmal der verächtliche Ausdruck fehlt, den die Herren der Welt haben mussten…“.

Dank dieser Reise nach Nordafrika und seines Aufenthalts in Algerien von Montag, dem 18. Juni, bis Donnerstag, dem 28. Juni 1832, hätte Delacroix den Harem eines ehemaligen Reis des Dey besucht, den er in seinem Gemälde Frauen von Algier in ihrer Wohnung aus dem Salon von 1834 (Louvre, Kat. Nr. 163) beschreibt, eine Szene, die er nach seiner Rückkehr in seinem Atelier aus dem Gedächtnis reproduziert. Poirel, ein Ingenieur im Hafen von Algier, hatte ihm einen ehemaligen Freibeuter vorgestellt, der bereit war, dem jungen Franzosen die Türen seines Hauses zu öffnen. Delacroix war von dem, was er sah, überwältigt: „Es ist wie zu Homers Zeiten, die Frau in der Gynäkologie, die wunderbare Stoffe bestickt. Das ist die Frau, wie ich sie verstehe“.

Dank dieser Reise war er einer der ersten Künstler, der den „Orient“ nach der Natur malte, was ihm neben zahlreichen Skizzen und Aquarellen auch einige schöne Gemälde wie die „Femmes d“Alger dans leur appartement“ einbrachte, ein orientalistisches und romantisches Gemälde.

Am 31. August 1833 beauftragte Thiers, der damalige Minister für öffentliche Arbeiten, Delacroix mit seiner ersten großen Dekoration: dem „Wandgemälde“ des Salon du Roi oder Salle du Trône im Palais Bourbon (der heutigen Nationalversammlung). Dieses Ensemble, bestehend aus einer Decke mit einem zentralen Oberlicht, das von acht Kassetten (vier großen und vier kleinen) umgeben ist, vier Friesen über den Türen und Fenstern und acht Pilastern, kostete ihn 35.000 Francs. Er malte es mit Öl auf marouflé-Leinwand und die Friese mit Öl und Wachs direkt auf die Wand, um eine matte Oberfläche zu erhalten, die der Temperafarbe ähnlicher war. Die gleiche Technik wendete er auch für die auf die Wände gemalten Pilaster an, allerdings in Grisailletechnik. Er beendete den Auftrag ohne Mitarbeiter, außer Ornamentalisten für die vergoldeten Dekorationen, insbesondere Charles Cicéri.

In den vier Hauptkästen stellte er vier allegorische Figuren dar, die für ihn die treibenden Kräfte des Staates symbolisierten: Justiz, Landwirtschaft, Industrie und Handel sowie Krieg. Die vier kleineren, die in den vier Ecken des Raumes zwischen den Hauptkästen angeordnet sind, sind mit Kinderfiguren bedeckt, die Attribute tragen wie :

In den länglichen Fensterrahmen zwischen den Fenstern und Türen stellte er die wichtigsten Flüsse Frankreichs (Loire, Rhein, Seine, Rhône, Garonne und Saône) in Grisaille dar. Den Ozean und das Mittelmeer, den natürlichen Rahmen des Landes, platzierte er auf beiden Seiten des Throns. Seine Arbeit wurde von den Kritikern gut aufgenommen, die ihm im Großen und Ganzen das Talent eines großen Dekorateurs bescheinigten, der einem Primatice oder Medardo Rosso ebenbürtig sei. Sie waren der Meinung, dass Delacroix Intelligenz und Kultur miteinander verband, indem er Themen wählte, die dem Raum und dem Volumen des zu dekorierenden Ortes angepasst waren. Der Thronsaal (heute Salon Delacroix), in den sich der König begab, um die Parlamentssitzungen zu eröffnen, war in der Tat ein undankbarer Raum, den er gestalten lassen musste. Er hatte ein quadratisches Format mit einer Seitenlänge von etwa 11 Metern und musste eingerichtet werden.

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Die letzten Jahre

1838 präsentierte er im Salon das Gemälde Medea, das vom Staat gekauft und dem Musée des Beaux-Arts in Lille zugeschrieben wurde. 1839 reiste Delacroix mit Elisa Boulanger, mit der sich eine Romanze entwickelt hatte und die er seit einem Ball bei Alexandre Dumas im Jahr 1833 kannte, nach Flandern, um sich die Gemälde von Rubens anzusehen. 1840 präsentierte er den Einzug der Kreuzritter in Konstantinopel, der heute im Musée du Louvre zu sehen ist.

Kaum war sein Werk im Salon du Roi vollendet, beauftragte ihn der Innenminister Camille de Montalivet im September 1838 mit der Ausstattung der Bibliothek der Nationalversammlung, die sich ebenfalls im Palais Bourbon befand. Für dieses umfangreiche Projekt malte Delacroix alle fünf Kuppeln sowie die beiden Culs-de-four des Lesesaals.

Jede der fünf Kuppeln ist einer Disziplin gewidmet, die in den Anhängern durch Szenen oder Ereignisse, die sie veranschaulicht haben, angedeutet wird: Gesetzgebung in der Mitte, Theologie und Poesie auf der einen Seite, Philosophie und Wissenschaften auf der anderen.

Die zwei Buttons, die sie einrahmen, stehen für den Frieden, die Wiege des Wissens, und den Krieg, der seine Vernichtung bedeutet:

Diese Arbeit dauerte bis Ende 1847, da sich der Bau aufgrund verschiedener gesundheitlicher Probleme und anderer parallel laufender Arbeiten verzögerte. Das Werk wurde von der Kritik begeistert aufgenommen und trug zu seiner Anerkennung als umfassender Künstler bei, der sich in der Tradition der italienischen Renaissance verortete.

Zur gleichen Zeit wurde er auch gebeten, den Lesesaal der Senatsbibliothek im Palais du Luxembourg in Paris zwischen 1840 und 1846 zu dekorieren :

Um diese großen Aufträge auszuführen, eröffnete Delacroix 1841 ein Atelier mit Schülern, Assistenten, die die Handschrift des Malers in völliger Selbstverleugnung übernehmen sollten. Sie sind mit der Herstellung von Hintergründen und Grisailles betraut, wie Lasalle-Borde und Louis de Planet berichten.

1850 erhielt Delacroix den Auftrag, die zentrale Dekoration der Apollogalerie im Louvre zu gestalten, wo er Apollon als Sieger über die Schlange Python darstellte. 1851 gab die Stadt Paris bei ihm die Dekorationen für den Salon de la Paix im Hôtel de Ville in Auftrag, die heute bei dem Brand von 1871 verloren gegangen sind.

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Champrosay

Ab 1844 mietete Delacroix in Draveil im Ort Champrosay eine „Bicoque“ oder ein Chalet, in dem er sich ein 10 m2 großes Atelier einrichten ließ. Auf dem Land, das mit dem Zug erreichbar ist, kommt Delacroix direkt hierher, um sich abseits von Paris, wo die Cholera grassierte, zu erholen. Dort kann er, begleitet von seiner Haushälterin Jenny, die um 1835 in seinen Dienst getreten war, lange Spaziergänge auf dem Land machen, um seine Tuberkulose zu kurieren. Er kauft das Haus 1858. Er arbeitet an zahlreichen Landschaften, mehreren Ansichten von Champrosay sowohl in Pastell (Musée du Louvre) als auch in Öl (Musée du Havre). Er schuf zahlreiche Erinnerungsbilder, die seinen Notizen und Notizbüchern aus Marokko folgten, und interpretierte antike Szenen auf orientalische Weise. Seine Arbeit wird intimer, die kleinen Gemälde werden von Pariser Händlern verkauft. Er hielt sich regelmäßig an der normannischen Küste in Étretat, Fécamp, aber vor allem in Dieppe auf, wo er Aquarelle und Pastelle malte. Er malte auch Stillleben, oft mit imaginären Blumen, wie gelbe Lilien mit fünf Blütenblättern. Die Beziehung zu George Sand wurde zwar gepflegt, brach jedoch ab. Nachdem er 1834 ein Porträt der Schriftstellerin angefertigt hatte, kam Delacroix regelmäßig nach Nohant-Vic, wo er für die Kirche von Nohant eine Éducation de la Vierge malte. Er schenkte ihr einen Blumenstrauß in einer Vase über ihrem Bett, doch als diese sich in den Graveur und Schüler von Delacroix, Alexandre Manceau, verliebte, nahm Delacroix Anstoß daran, zumal er gegen die Revolution von 1848 war, zu deren Figuren Sand gehörte. 1844 gab der Präfekt Rambuteau bei ihm eine Pietà für die Kirche Saint-Denys-du-Saint-Sacrement in Paris in Auftrag. In 17 Tagen fertigte er sein Meisterwerk an, das nach Baudelaires Worten „eine tiefe Furche der Melancholie“ hinterlässt.

Ab den 1850er Jahren interessierte sich Delacroix für die Fotografie. Im Jahr 1851 war er Gründungsmitglied der Société héliographique. Er arbeitete mit Glasklischees und gab 1854 bei dem Fotografen Eugène Durieu eine Reihe von Fotografien von männlichen und weiblichen Aktmodellen in Auftrag. Delacroix stellte besondere Anforderungen an die Aufnahmen, damit sie weiterverwendet werden konnten, darunter absichtlich etwas unscharfe Bilder und eine absolute Nüchternheit. Delacroix war von der menschlichen Anatomie fasziniert und schrieb in sein Tagebuch: „Ich betrachte mit Leidenschaft und ohne Müdigkeit diese Fotografien nackter Männer, dieses bewundernswerte Gedicht, diesen menschlichen Körper, auf dem ich zu lesen lerne und dessen Anblick mir mehr sagt als die Erfindungen der Schriftsteller“.

Die von Delacroix bei Durieu in Auftrag gegebenen Aufnahmen sowie fast alle Zeichnungen, die auf der Grundlage dieser Aufnahmen angefertigt wurden, konnten mit Unterstützung der Bibliothèque nationale de France im Musée national Eugène-Delacroix ausgestellt werden. Die Zusammenführung dieser Aufnahmen und der von ihnen inspirierten Zeichnungen erscheint grundlegend, um die Spannung der Verwendung des fotografischen Mediums in Delacroix“ Werk zu verstehen, die sich zwischen der Begeisterung über die Entdeckung eines wertvollen Werkzeugs und der Skepsis des Malers bewegt, der darin nur ein Element mit instrumentellem Wert sieht, das weit davon entfernt ist, mit der Malerei konkurrieren zu können.

Solange die Nachfrage der Sammler gering blieb, hing seine Karriere von offiziellen Aufträgen ab. Um sich die Gunst der Machthaber zu sichern, verkehrte er in allen angesagten politischen Zirkeln und lehnte nie einen Besuch ab, der sich als fruchtbar erweisen könnte. Während seines gesamten Lebens, mit Ausnahme der letzten Jahre, die von seiner Krankheit geprägt waren, führte Delacroix ein intensives gesellschaftliches Leben, litt aber auch darunter, da er sich diesen Verpflichtungen beugte, um Aufträge zu erhalten. Um sich zu heilen, praktizierte er auch regelmäßig Badekuren in Bad-Ems im Jahr 1861 oder in Eaux-Bonnes im Jahr 1845, wo er ein Reisetagebuch anfertigte. Vor allem ab den 1840er Jahren zog er sich gerne in sein Landhaus in Champrosay, ganz in der Nähe des Waldes von Sénart, zurück.

Im Jahr 1851 wurde er zum Stadtrat von Paris gewählt. Dieses Amt behielt er bis 1861. Er befürwortet die Zeichenlehrmethode „pour apprendre à dessiner juste et de mémoire“ von Madame Marie-Elisabeth Cavé.

Delacroix fand Unterstützung in der Presse, in Kunstzeitschriften und bei einigen Kritikern der damaligen Zeit.

So ist Baudelaire der Ansicht, dass der Maler nicht nur „ein ausgezeichneter Zeichner, ein wunderbarer Kolorist, ein feuriger und fruchtbarer Komponist, all das ist offensichtlich“ ist, sondern dass er „vor allem das Innere des Gehirns, den erstaunlichen Aspekt der Dinge zum Ausdruck bringt.“ Ein Gemälde von Delacroix „ist die Unendlichkeit im Endlichen“. Er ist „der suggestivste aller Maler“, indem er „mit der Farbe das übersetzt, was man die Atmosphäre des menschlichen Dramas nennen könnte.“

Adolphe Thiers schreibt mehrere lobende Artikel in Le Constitutionnel, insbesondere anlässlich der Ausstellung der Massaker von Scio.

Théophile Gautier zögerte nicht, bestimmte Gemälde zu kritisieren, aber im Laufe der Jahre ließ seine Bewunderung nie nach. „Herr Delacroix versteht die Tragweite seiner Kunst vollkommen, denn er ist ein Dichter und zugleich ein Mann der Ausführung. Er lässt die Malerei weder zu gotischen Kindereien noch zu pseudogriechischem Geschwafel zurückkehren. Sein Stil ist modern und entspricht dem von Victor Hugo in „Les Orientales“: Es ist die gleiche Inbrunst und das gleiche Temperament.“

Victor Hugo ist weit weniger überzeugt. Er sagte einmal, wie es von seinem Sohn Charles berichtet wird: Delacroix „hat alle minus eins; ihm fehlt, was die höchsten Künstler, Maler oder Dichter, immer gesucht und gefunden haben – die Schönheit.“ Er fügte hinzu, dass in seinem gesamten Werk keine einzige wirklich schöne Frau zu finden sei, mit Ausnahme der Engel, die Hugo in Christus im Ölgarten als weiblich sah, und einer weiblichen Büste (ohne zu präzisieren, welche) in den Szenen der Massaker von Scio. Seiner Meinung nach zeichnen sich Delacroix“ Frauenfiguren durch das aus, was er in einem gewagten Oxymoron als „exquisite Hässlichkeit“ bezeichnet, was insbesondere in den Frauen von Algier in ihrer Wohnung“ zum Ausdruck kommt.

Alexandre Dumas schließt sich Hugo an, wenn er über den Maler schreibt: „Er sieht eher hässlich als schön, aber seine Hässlichkeit wird immer durch ein tiefes Gefühl poetisiert.“ Er sieht in ihm „einen Maler in der ganzen Kraft des Wortes voller Mängel, die unmöglich zu verteidigen sind, voller Qualitäten, die unmöglich zu bestreiten sind.“ Daher die Virulenz unversöhnlicher Meinungen über ihn, denn, so fügt er hinzu, „Delacroix ist ein Kriegsfall und . „nur blinde Fanatiker oder erbitterte Kritiker haben sollte“.

Sein Genie wurde daher erst spät von den offiziellen Kreisen der Malerei anerkannt. Erst 1855 triumphierte er auf der Weltausstellung. Ingres stellte 40 Gemälde aus, Delacroix 35 – eine Art Retrospektive mit einigen seiner größten Meisterwerke, die von verschiedenen Museen ausgeliehen wurden. Er wird als der Mann präsentiert, der es versteht, die klassische Ausbildung zu überwinden und die Malerei zu erneuern. Am 14. November 1855 wurde er zum Kommandeur der Ehrenlegion ernannt und erhielt die große Ehrenmedaille der Weltausstellung. Erst am 10. Januar 1857 wurde er nach sieben erfolglosen Kandidaturen auf dem Sitz von Paul Delaroche ins Institut de France gewählt, da Ingres sich seiner Wahl widersetzte. Er war nicht ganz zufrieden, da ihm die Akademie nicht die von ihm erhoffte Professur an den Schönen Künsten verschaffte. Daraufhin begann er mit der Arbeit an einem Dictionnaire des Beaux-Arts (Wörterbuch der Schönen Künste), das er jedoch nicht vollendete.

Dennoch ist die Kritik immer noch streng mit ihm, so schreibt Maxime Du Camp in seinem Bericht über die Weltausstellung: „Herr Decamps ist ein weiser Demokrat, ein Revolutionär aus Überzeugung, der, indem er der Gegenwart einen breiten Raum einräumt, uns in der Zukunft tröstliche und stärkende Herrlichkeiten zeigt. Herr Eugène Delacroix ist ein Demagoge ohne Ziel und ohne Grund, der die Farbe um der Farbe willen liebt, d.h. der Krachmacher den Lärm. Wir bewundern respektvoll M. Ingres; wir glauben M. Decamps, der all unsere Sympathien hat; wir mögen M. Delacroix nicht.“ 1859 nahm er an seinem letzten Salon teil. Dort stellte er unter anderem Der Aufstieg zum Kalvarienberg, Die Entführung der Rebecca und Hamlet aus. Der Salon ist laut Philippe Burty das Waterloo des Malers. Zur Verteidigung des Malers schrieb Baudelaire einen apologetischen Artikel für die Revue française, „Salon de 1859“, der mit folgenden Worten endete: „Ausgezeichneter Zeichner, verschwenderischer Kolorist, feuriger und fruchtbarer Komponist, all das ist offensichtlich, all das wurde gesagt. Aber woher kommt es, dass er das Gefühl der Neuheit erzeugt? Was gibt er uns, was die Vergangenheit nicht hatte? Warum gefällt er uns besser, wenn er so groß ist wie die Großen, so geschickt wie die Geschickten? Man könnte sagen, dass er, mit einer reicheren Vorstellungskraft ausgestattet, vor allem das Innere des Gehirns, den erstaunlichen Aspekt der Dinge zum Ausdruck bringt, so treu bewahrt sein Werk das Zeichen und die Stimmung seiner Konzeption. Es ist das Unendliche im Endlichen. Es ist der Traum! Und mit diesem Wort meine ich nicht die Kapharnaüme der Nacht, sondern die Vision, die durch intensive Meditation oder, in weniger fruchtbaren Gehirnen, durch einen künstlichen Reiz erzeugt wird. Mit einem Wort, Eugène Delacroix malt vor allem die Seele in ihren schönen Stunden“. Delacroix antwortet dem Dichter mit einem berühmten Brief: „Wie kann ich Ihnen für diesen neuen Beweis Ihrer Freundschaft würdig danken? Sie behandeln mich, wie man nur große Tote behandelt; Sie bringen mich zum Erröten, während Sie mir gleichzeitig sehr gefallen; so sind wir geschaffen.“

Delacroix erhielt 1849 den Auftrag, drei Fresken für die Engelskapelle in der Kirche Saint-Sulpice in Paris zu malen, die er bis 1861 fertigstellen sollte. Die Fresken Der Kampf zwischen Jakob und dem Engel und Heliodor, der aus dem Tempel vertrieben wurde, sowie die Deckenlaterne Sankt Michael, der den Drachen besiegt, sind das spirituelle Testament des Malers. Um sie zu realisieren, lässt sich der Maler in der Rue Furstenberg nieder, die nur wenige Schritte entfernt liegt. Er entwickelte ein Verfahren auf der Basis von Wachs und Ölfarbe, um seine Fresken in einer Kirche mit endemischer Feuchtigkeit zu malen, die dazu führte, dass die Fresken durch Salpeter zerstört wurden. Er ist krank und von der Arbeit in der Kälte und unter schwierigen Bedingungen erschöpft. Bei der Einweihung der Fresken ist kein Offizieller anwesend.

Das Fresko des Kampfes zwischen dem Engel und Jakob illustriert den Kampf zwischen dem Patriarchen der Bibel und dem Engel in der linken Mitte des Freskos am Fuße von drei Bäumen und enthält zahlreiche Anspielungen auf seine Reise nach Marokko im Jahr 1832. Rechts werden enturbane Figuren mit Schafen und einem Kamel zitiert. Rechts unten marokkanische Gegenstände und auf dem Gras zu Füßen von Jakob der marokkanische Säbel Nimcha, den er von seiner Reise mitgebracht hatte.

Das 1860 fertiggestellte Fresko „Heliodorus, der aus dem Tempel vertrieben wird“ zeigt den Moment, in dem der General Seleukid, der den Tempelschatz stehlen wollte, von Engelsreitern vertrieben wird, wie es in der Bibel im zweiten Buch der Makkabäer (3,24-27) beschrieben wird. Delacroix verbindet in ein und derselben Vision die Welt des Orients mit der Welt der Bibel. Er schöpft seine Inspiration auch aus der Geschichte der Malerei in der Version von Francesco Solimena aus dem Louvre von 1725 oder aus der Version von Raffael.

Die Decke zeigt den siegreichen Kampf des heiligen Michael gegen den Drachen, drei Kämpfe, die Delacroix“ Kampf mit der Malerei widerspiegeln: „Die Malerei bedrängt und quält mich auf tausend Arten zur Wahrheit, wie die anspruchsvollste Geliebte; seit vier Monaten fliehe ich vom frühen Morgen an und renne zu dieser bezaubernden Arbeit, wie zu den Füßen der liebsten Geliebten; was mir aus der Ferne leicht zu überwinden schien, stellt mir schreckliche und unaufhörliche Schwierigkeiten dar. Aber woher kommt es, dass dieser ewige Kampf, anstatt mich niederzuschlagen, mich aufrichtet, anstatt mich zu entmutigen, mich tröstet und meine Augenblicke erfüllt, wenn ich ihn verlassen habe?“

1861 veröffentlichte Baudelaire einen lobenden Artikel über die Gemälde in Saint-Sulpice, auf den Delacroix mit einem herzlichen Brief an den Dichter antwortete. Baudelaire veröffentlichte 1863 L“œuvre et la vie d“Eugène Delacroix, in dem er das Genie des Malers würdigte.

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Ende des Lebens

Im Jahr 1862 griff er das Thema Medea wieder auf.

Seine letzten Jahre wurden jedoch durch seine schlechte Gesundheit ruiniert, die ihn in große Einsamkeit stürzte. Seine Freunde beschuldigen Jenny, emotional, eifersüchtig und exklusiv oder sogar eigennützig gehandelt zu haben, was sein Misstrauen und seinen schattenhaften Charakter noch verstärkte.

Er starb „Jenny“s Hand haltend“ um 19 Uhr abends an einem Hämoptysenanfall infolge einer Tuberkulose am 13. August 1863 in der Rue de Furstemberg 6 in Paris, der Atelierwohnung, in der er sich 1857 niedergelassen hatte. Seine letzte Ruhestätte fand er auf dem Friedhof Père-Lachaise, Abteilung 49. Sein Grab, ein Sarkophag aus Volvic-Stein, wurde auf seinen Wunsch hin von der Antike kopiert, da seine Form getreu dem antiken Modell des sogenannten Scipio-Grabes nachgebildet ist. Sie wurde von dem Architekten Denis Darcy errichtet.

Sein Freund, der Maler Paul Huet, hielt seine Grabrede, die er mit Goethes Worten eröffnete: „Meine Herren. Die Toten gehen schnell“, die Delacroix gerne zitierte. Von Delacroix zum Erben bestimmt, erhält er die Lithografiesammlung von Charlet, Gemälde von Monsieur Auguste und Skizzen von Portelet. Da er jedoch keine Erinnerungsstücke von Delacroix, weder Zeichnungen noch Gemälde, erhält, nimmt er 1864 am Verkauf des Ateliers teil, wo er unter anderem einen Pferdekopf, eine akademische Figur, erwirbt.

Andere zeitgenössische Künstler zollten ihm leidenschaftlichen Tribut, darunter Gustave Courbet. Pierre-Joseph Proudhon fasste in seinen 1865 veröffentlichten Principes de l“art zusammen: „Eugène Delacroix ist einer der größten Künstler der ersten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts und das Haupt der romantischen Schule, wie es David der klassischen Schule gewesen war. Er hätte keinen Ebenbürtigen gehabt und sein Name hätte den höchsten Grad an Berühmtheit erreicht, wenn er neben der Leidenschaft für die Kunst und der Größe des Talents auch die Klarheit der Idee mit eingebracht hätte“.

Bei seinem Tod hinterlässt er Jenny 50.000 Francs, aber auch zwei Uhren, die Miniaturporträts ihres Vaters und ihrer beiden Brüder, und er hat sogar festgelegt, dass sie aus den Möbeln in der Wohnung etwas auswählen soll, „um sich das Mobiliar für eine kleine, anständige Wohnung zusammenzustellen“. Sie legte die Tagebuchhefte „beiseite“, weg von dem Testamentsvollstrecker A. Piron und lässt ihre Ausgabe vorbereiten. Sie starb am 13. November 1869 in der Rue Mabillon in Paris und wurde auf Wunsch des Malers an dessen Seite beigesetzt.

Eugène Delacroix war 1862 an der Gründung der Société nationale des beaux-arts beteiligt gewesen und hatte seinen Freund, den Schriftsteller Théophile Gautier, der ihn in der romantischen Zunft bekannt gemacht hatte, zum Präsidenten mit dem Maler Aimé Millet als Vizepräsidenten werden lassen. Neben Delacroix gehörten dem Komitee die Maler Albert-Ernest Carrier-Belleuse und Pierre Puvis de Chavannes an. Zu den Ausstellern gehörten Léon Bonnat, Jean-Baptiste Carpeaux, Charles-François Daubigny, Laura Fredducci, Gustave Doré und Édouard Manet. Nach seinem Tod veranstaltete die Société nationale des Beaux-Arts 1864 eine retrospektive Ausstellung von Delacroix“ Werken. Im selben Jahr schuf Henri-Fantin Latour seine Hommage à Delacroix, ein Gruppenporträt, das zehn Künstler der Pariser Avantgarde (darunter Charles Baudelaire, James Whistler und Edouard Manet) vereinte. Für diese Künstler der Moderne war das Bild eine Art, eine gewisse Verwandtschaft mit Delacroix zu behaupten (da sein Stil bereits eine gewisse Freiheit von den Vorgaben der Akademie zeigte).

Er war ein echtes Genie und hinterließ viele engagierte Werke, die oft einen Bezug zu aktuellen Ereignissen hatten (Die Massaker von Scio oder Die Freiheit, die das Volk führt). Er fertigte auch zahlreiche Gemälde mit religiösen Themen an (Die Kreuzigung, Jakobs Kampf mit dem Engel, Christus auf dem See Genezareth usw.), obwohl er sich manchmal als Atheist bezeichnete. Auf allen Gebieten seiner Zeit blieb er das strahlendste Symbol der romantischen Malerei.

Das Atelier und die Sammlungen des Malers wurden im Februar 1864 innerhalb von drei Tagen mit durchschlagendem Erfolg verkauft.

1930, anlässlich des hundertsten Jahrestags der Romantik, stellte Élie Faure diesen Delacroix zugeschriebenen Begriff jedoch richtig. Delacroix ist seiner Meinung nach klassischer als Ingres: „Es ist leicht zu zeigen, dass Ingres durch seine eher willkürlichen als ausdrucksstarken Verzerrungen und sein geringes Verständnis für die rationale Ordnung einer Komposition trotz seiner realistischen und sinnlichen Qualitäten gleichzeitig romantischer und weniger klassisch ist als Delacroix, Barye oder Daumier“. Die Definition des Begriffs „romantisch“ in der Malerei sollte laut Élie Faure erweitert werden: „Die größten unserer Klassiker sind Romantiker avant la lettre, so wie es die Erbauer der Kathedralen vier oder fünf Jahrhunderte zuvor waren. Und je weiter die Zeiten zurückliegen, desto mehr stellt man fest, dass Stendhal, Charles Baudelaire, Barye, Balzac und Delacroix ganz natürlich ihren Platz einnehmen. Die Romantik könnte sich in Wahrheit nur durch den Exzess des Vorspringens definieren lassen, der das Prinzip der Kunst selbst und vor allem der Malerei ist. Aber wo beginnt dieser Exzess und wo hört er auf? Mit dem Genie eben. Es wären also die schlechten Romantiker, die die Romantik definieren würden“.

Delacroix“ Werk inspirierte viele Maler, wie den Pointillisten Paul Signac oder Vincent van Gogh. Seine Gemälde zeugen in der Tat von einer großen Beherrschung der Farben.

Édouard Manet kopiert mehrere Gemälde von Delacroix, darunter „Dantes Boot“.

Bereits 1864 präsentierte Henri Fantin-Latour im Salon eine Hommage an Delacroix, ein Gemälde, auf dem Baudelaire, Édouard Manet und James Whistler zu sehen sind, die sich um ein Porträt des Malers versammelt haben.

Paul Signac veröffentlichte 1911 das Buch De Delacroix au néo-impressionnisme, in dem er Delacroix als Vater und Erfinder der Farbteilungstechniken des Impressionismus bezeichnete. Viele Maler beriefen sich auf Delacroix, darunter auch Paul Cézanne, der Blumensträuße und Medea kopierte. Er wird sogar eine Apotheose von Delacroix (1890-94) malen, in der Landschaftsmaler den Meister im Himmel anbeten. Er erklärt gegenüber Gasquet vor den Frauen von Algier in ihrer Wohnung: „Wir sind alle in diesem Delacroix drin“. Degas, der erklärt, er wolle Ingres und Delacroix kombinieren, kopiert unter anderem die Blumensträuße von Delacroix, die sich in seinem Besitz befinden. Degas besaß 250 Gemälde und Zeichnungen von Delacroix. Claude Monet, der sich bei seiner Malerei von den „Vues sur la Manche depuis Dieppe“ inspirieren ließ, besaß „Falaises près de Dieppe“.

Maurice Denis und die Nabis bewunderten Delacroix sehr, sowohl für sein Werk als auch für seine Lebenseinstellung, die man in seinem Tagebuch nachlesen kann. Maurice Denis war maßgeblich an der Rettung des Ateliers des Malers beteiligt. Picasso schuf in den 1950er Jahren eine Reihe von Gemälden und Zeichnungen unter dem Titel Les femmes d“Alger dans leur appartement (Die Frauen von Algier in ihrer Wohnung).

Dieser Einfluss auf die nachfolgenden Generationen macht ihn zu einem der Väter der modernen Kunst und der zeitgenössischen Forschung, während Robert Motherwell die Zeitung ins Englische übersetzt.

Eine öffentliche Subskription ermöglichte die Errichtung eines Denkmals von Jules Dalou im Jardin du Luxembourg in Paris.

Mehrere Werke von Eugène Delacroix dienten als Vorlage für französische Gebrauchsgegenstände:

In der Astronomie werden ihm zu Ehren (10310) Delacroix, ein Asteroid im Asteroidenhauptgürtel, und Delacroix, ein Krater auf dem Planeten Merkur, benannt.

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Literarische Themen

Die meisten Werke von Delacroix sind literarisch inspiriert. So war es bereits bei seiner Barke von Dante. Dasselbe gilt für seinen Sardanapale, der auf einem Gedicht von Byron beruht, für seine Barke des Don Juan, die auf einem anderen Gedicht von Byron beruht, und für viele andere Gemälde, die direkt aus den Werken von Shakespeare, Goethe und anderen Schriftstellern wie Walter Scott, Dante und Victor Hugo entsprungen sind. Die afrikanischen Piraten, die im Louvre eine junge Frau entführen, wurden wahrscheinlich von einer seiner Orientalen (dem Piratenlied) inspiriert.

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Religiöse Themen

Im Laufe seiner Karriere führte er auch zahlreiche Gemälde mit religiösen Themen aus:

Das 1822 begonnene, 1824 unterbrochene und 1847 wieder aufgenommene Tagebuch von Delacroix ist das literarische Meisterwerk des Malers, das bis zu seinem Tod im Jahr 1863 fortgeführt wurde. Tag für Tag notierte er darin seine Gedanken über Malerei, Poesie oder Musik ebenso wie über das Pariser und politische Leben in der Mitte des 19. Jahrhunderts. In seinen länglichen Notizbüchern hält er seine Diskussionen mit George Sand fest, mit der ihn eine tiefe Liebesfreundschaft und politische Meinungsverschiedenheiten verbanden, seine Spaziergänge mit seinen Mätressen, darunter die Baronin Joséphine de Forget, deren Liebhaber er etwa zwanzig Jahre lang war, und seine künstlerischen Begegnungen mit Chopin, Chabrier, Dumas, Géricault, Ingres oder Rossini… Es ist ein tägliches Zeugnis nicht nur über das Leben des Malers, seine Sorgen, den Fortschritt seiner Gemälde, seine Melancholie und den Verlauf seiner Krankheit (Tuberkulose), die er seinen Angehörigen nicht zeigen wollte, außer seiner Haushälterin und Vertrauten Jenny Le Guillou. Delacroix war nie verheiratet, mit der sich im Laufe der Jahre eine Paarbeziehung entwickelte, weit entfernt vom Leben der großen Gesellschaft, wobei der eine den anderen beschützte. Am Donnerstag, den 4. Oktober 1855, heißt es: „Ich kann nicht ausdrücken, wie sehr ich mich gefreut habe, Jenny wiederzusehen. Arme, liebe Frau, das kleine, magere Gesicht, aber die Augen funkeln vor Glück, mit dem man sprechen kann. Ich gehe mit ihr zu Fuß zurück, trotz des schlechten Wetters. Ich stehe mehrere Tage lang, und wahrscheinlich werde ich die ganze Zeit meines Aufenthalts in Dieppe dort sein, unter dem Zauber dieses Wiedersehens mit dem einzigen Wesen, dessen Herz mir vorbehaltlos gehört.“ Die erste Ausgabe von Delacroix“ Tagebuch erschien 1893 bei Plon und wurde 1932 von André Joubin überarbeitet und 1980 mit einem Vorwort von Hubert Damisch im selben Verlag neu aufgelegt. Danach dauerte es bis 2009, bis Michèle Hannoosh im Verlag José Corti eine monumentale kritische Version veröffentlichte, die anhand der Originalmanuskripte korrigiert und um die jüngsten Entdeckungen erweitert wurde.

Delacroix verdanken wir auch den Entwurf eines Dictionnaire des Beaux-Arts, das von Anne Larue zusammengestellt und herausgegeben wurde, sowie Artikel über Malerei.

(nicht erschöpfende Liste)

Delacroix hatte 1838 in der Rue Neuve-Guillemin einen Kurs eröffnet, der 1846 in die Rue Neuve-Bréda verlegt wurde. Laut Bida ging es in dem Kurs hauptsächlich „um die Ordnung der Komposition“.

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Zeichnungen und Stiche

Laut Alfred Robaut hinterließ Eugène Delacroix 24 Radierungen und 900 Lithografien.

1827 überredete ihn der Verleger und Lithograf Charles Motte, die erste französische Ausgabe von Johann Wolfgang von Goethes Faust zu illustrieren, wobei er selbst die Aufgabe übernahm, die Tafeln zu lithografieren und mit Aquarellfarben zu kolorieren.

„Es ist mit den französischen Romantikern der zweiten Generation, dieser Rasse von hochfliegenden, hochambitionierten Künstlern wie Delacroix und Berlioz, mit einem krankhaften Hintergrund, etwas angeboren Unheilbarem, wahre Fanatiker, des Ausdrucks, Virtuosen bis in die Zehenspitzen…“.

– Nietzsche, Ecce Homo, Œuvres philosophiques complètes, Gallimard 1974 S. 267

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