Franz Kline

Mary Stone | Juli 15, 2022

Zusammenfassung

Franz Kline (23. Mai 1910 – 13. Mai 1962) war ein amerikanischer Maler. Er wird mit der Bewegung des Abstrakten Expressionismus in den 1940er und 1950er Jahren in Verbindung gebracht. Zusammen mit anderen Aktionsmalern wie Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren und Lee Krasner sowie lokalen Dichtern, Tänzern und Musikern wurde Kline als die informelle Gruppe der New York School bekannt. Obwohl er dieselben Neuerungen in der Malerei erforschte wie die anderen Künstler dieser Gruppe, ist Klines Werk in sich abgeschlossen und wird seit den 1950er Jahren verehrt.

Kline wurde in Wilkes-Barre, einer kleinen Kohlebergbaugemeinde im Osten Pennsylvanias, geboren. Als er sieben Jahre alt war, brachte sich Klines Vater um. Während seiner Jugend zog er nach Lehighton, Pennsylvania, und machte seinen Abschluss an der Lehighton High School. Seine Mutter heiratete später wieder und schickte ihn auf das Girard College, eine Akademie für vaterlose Jungen in Philadelphia. Nach dem Highschool-Abschluss studierte Kline von 1931 bis 1935 Kunst an der Boston University und verbrachte anschließend ein Jahr in England, wo er die Heatherley School of Fine Art in London besuchte. Während dieser Zeit lernte er seine zukünftige Frau Elizabeth V. Parsons kennen, eine britische Balletttänzerin. Sie kehrte 1938 mit Kline in die Vereinigten Staaten zurück.

Nach seiner Rückkehr ins Land arbeitete Kline als Designer für ein Kaufhaus im Bundesstaat New York. Im Jahr 1939 zog er nach New York City und arbeitete für einen Bühnenbildner. Während dieser Zeit in New York entwickelte Kline seine künstlerischen Techniken und erlangte Anerkennung als bedeutender Künstler.

Später unterrichtete er an einer Reihe von Institutionen, darunter das Black Mountain College in North Carolina und das Pratt Institute in Brooklyn. Er verbrachte die Sommer von 1956 bis 1962 malend in Provincetown, Massachusetts, und starb 1962 in New York City an einer rheumatischen Herzerkrankung, zehn Tage vor seinem 52sten Geburtstag.

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Frühe Arbeiten

Klines künstlerische Ausbildung konzentrierte sich auf das traditionelle Illustrieren und Zeichnen. In den späten 1930er und frühen 1940er Jahren arbeitete Kline figurativ und malte neben Auftragsporträts und Wandbildern auch Landschaften und Stadtansichten. Sein individueller Stil zeigt sich erstmals in der Wandmalerei-Serie Hot Jazz, die er 1940 für die Bleecker Street Tavern in Greenwich Village malte.

Die Serie offenbart sein Interesse, repräsentative Formen in schnelle, rudimentäre Pinselstriche zu zerlegen.

Der persönliche Stil, den er in dieser Zeit entwickelte und in dem er vereinfachte Formen verwendete, wurde zunehmend abstrakter. Viele der von ihm dargestellten Figuren basieren auf den Lokomotiven, den kargen Landschaften und den großen mechanischen Formen seiner Heimatgemeinde in Pennsylvania, wo Kohle abgebaut wird. Dies ist für den Betrachter manchmal nur deshalb ersichtlich, weil die Werke nach diesen Orten und Gegenständen benannt sind, nicht aber, weil sie tatsächlich wie das Motiv aussehen. Unter dem Einfluss der zeitgenössischen New Yorker Kunstszene arbeitete Kline weiter an der Abstraktion und gab schließlich die Gegenständlichkeit auf. Ab den späten 1940er Jahren begann Kline, seine figurativen Sujets zu Linien und Flächen zu verallgemeinern, die sich ähnlich wie die Werke des Kubismus jener Zeit zusammenfügen.

1946 beauftragte der Posten der American Legion in Lehighton, Pennsylvania, Kline mit einer großen Leinwand, die die Stadt zeigen sollte, in der er die High School besucht hatte. Das Wandgemälde Lehighton wurde 2016 vom American Legion Post in Allentown, Pennsylvania, vom Allentown Art Museum erworben und ist dort heute in einer Dauerausstellung zu sehen.

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Spätere Arbeiten

Es wird allgemein angenommen, dass Klines unverkennbarer Stil auf einen Vorschlag seines Freundes und kreativen Einflusses Willem de Kooning zurückgeht. De Koonings Frau Elaine gab eine romantisierende Schilderung des Ereignisses, indem sie behauptete, dass de Kooning 1948 einem künstlerisch frustrierten Kline riet, eine Skizze mit einem Bell-Opticon-Projektor an die Wand seines Studios zu projizieren. Kline beschrieb die Projektion wie folgt:

„Eine vier mal fünf Zentimeter große schwarze Zeichnung eines Schaukelstuhls … tauchte in gigantischen schwarzen Strichen auf, die jedes Bild auslöschten, die Striche dehnten sich als eigenständige Entitäten aus, die in keiner Beziehung zu einer anderen Entität als der ihrer eigenen Existenz standen.“

Wie Elaine de Kooning andeutet, widmete sich Kline zu diesem Zeitpunkt großformatigen, abstrakten Werken. Willem de Kooning erinnert sich zwar daran, dass Kline sich „ganz plötzlich in die Abstraktion stürzte“, räumt aber auch ein, dass dies viel Zeit in Anspruch nahm: „Franz hatte eine Vision von etwas, und manchmal dauert es eine ganze Weile, bis man sie ausarbeitet.“ In den folgenden zwei Jahren wurden Klines Pinselstriche völlig ungegenständlich, flüssig und dynamisch. Zu dieser Zeit begann Kline auch, ausschließlich in Schwarz und Weiß zu malen. Er erklärte, wie er mit seiner monochromen Palette den negativen und positiven Raum darstellen wollte, indem er sagte: „Ich male das Weiß genauso wie das Schwarz, und das Weiß ist genauso wichtig.“ Seine Verwendung von Schwarz und Weiß ähnelt sehr den Gemälden von de Kooning und Pollock in den 1940er Jahren. Durch seinen Austausch mit der japanischen Avantgarde-Kalligraphie-Gruppe Bokujinkai und ihrem Anführer Morita Shiryu scheinen in Klines Schwarz-Weiß-Gemälden auch Bezüge zur japanischen Kalligraphie zu bestehen, obwohl Kline diese Verbindung später bestritt.

Klines erste Einzelausstellung fand vom 16. Oktober bis 4. November 1950 in der Egan Gallery, 63 East 57th Street, statt. Die Ausstellung bestand aus elf abstrakten Gemälden. Farbe war ein seltenes Element in den Gemälden: braune Untermalung in der Nähe des Bodens von Nijinsky und flüchtige Andeutungen von Grün in Leda. Die Gemälde wiesen eine Vielzahl von Kompositionen und Stimmungen auf, aber sie alle hatten ein bestimmtes Merkmal: Klines charakteristischer Stil von Schwarz auf Weiß. Dreizehn Jahre zuvor hatte sich Kline in London als „Schwarz-Weiß-Mann“ bezeichnet, aber erst mit dieser Ausstellung wurde anderen die Richtigkeit dieser Phase klar. Aufgrund seiner Wirkung und seines konkreten Stils wurde Kline als „Schwarz-Weiß-Künstler“ bezeichnet, ein Etikett, das dem Künstler anhaftete und mit dem er sich gelegentlich eingeschränkt fühlte. Klines erste Einzelausstellung war ein Schlüsselereignis in Klines Karriere, denn sie markierte praktisch gleichzeitig den Beginn und das Ende von Klines großer Erfindung als abstrakter Künstler. Im Alter von vierzig Jahren hatte Kline einen persönlichen Stil gefunden, den er bereits beherrschte. Es gab für Kline keine wirklichen Möglichkeiten, seine Untersuchungen fortzusetzen; er hatte nur die Möglichkeit, den Stil, den er bereits beherrschte, zu wiederholen. Um weiterzumachen, gab es für Kline nur eine logische Richtung: zurück zur Farbe, der Richtung, die er zum Zeitpunkt seines vorzeitigen Todes durch Herzversagen eingeschlagen hatte.

In den späteren 1950er Jahren begann Kline in Gemälden wie Requiem (1958) mit komplexeren Hell-Dunkel-Kontrasten zu experimentieren, anstatt sich auf eine strenge monochrome Palette zu konzentrieren. Im Jahr 1958 führte er die Verwendung von Farbe in seinem Werk durch farbige Akzente in seinen Schwarz-Weiß-Gemälden wieder ein. Diese Rückbesinnung auf die Verwendung von Farbe war noch in der Entwicklung, als Kline 1962 starb.

Kline gilt als einer der wichtigsten und zugleich problematischsten Künstler des Abstrakten Expressionismus in New York. Sein Stil ist für die Kritiker im Vergleich zu seinen Zeitgenossen schwer zu interpretieren. Wie Jackson Pollock, Willem de Kooning und andere abstrakte Expressionisten wurde Kline aufgrund seines scheinbar spontanen und intensiven Stils, der sich nicht auf Figuren oder Bilder, sondern auf den Ausdruck seiner Pinselstriche und die Verwendung der Leinwand konzentriert, als Aktionsmaler bezeichnet. Kline“s Gemälde sind jedoch trügerisch subtil. Während seine Gemälde im Allgemeinen eine spontane und dramatische Wirkung haben, orientierte sich Kline oft eng an seinen Kompositionszeichnungen. Viele seiner komplexesten Bilder fertigte Kline sorgfältig nach umfangreichen Studien an, die er häufig auf Telefonbuchseiten aus Müll erstellte. Im Gegensatz zu seinen Kollegen des Abstrakten Expressionismus sollten Klines Werke nur so aussehen, als seien sie in einem Moment der Inspiration entstanden; dennoch wurde jedes Bild ausgiebig erforscht, bevor der Pinsel des Hausmalers die Leinwand berührte.

Kline war auch dafür bekannt, dass er es vermied, seinen Gemälden eine Bedeutung zu geben, im Gegensatz zu seinen Kollegen, die ihren Werken mystische Beschreibungen gaben. In einem Katalog von Klines Werken schreibt die Kunsthistorikerin Carolyn Christov-Bakargiev, dass „seine Kunst sowohl Bedeutung und Sinn suggeriert als auch verweigert“. Viele seiner Werke werden von Kunsthistorikern als Anzeichen für eine Entwicklung hin zur minimalistischen Malerei angesehen. Sie sind der Meinung, dass sich seine Werke durch eine objektive Opazität und Offenheit auszeichnen, die sich von der Subjektivität des Stils der New York School unterscheidet. Damit würde sein Werk eher den avantgardistischen Plattformen wie dem Minimalismus ähneln, der in den 1960er Jahren die Bewegung des Abstrakten Expressionismus ablöste.

Der Kunsthistoriker David Anfam stellt fest, dass Künstler, die zu Lebzeiten von Kline und danach arbeiteten – wie Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero und Brice Marden – Kline als Inspiration bezeichnet haben.

2012 verkaufte der Finanzier George R. Roberts aus San Francisco bei Christie“s in New York ein fast 3 m breites, unbetiteltes Schwarz-Weiß-Gemälde aus dem Jahr 1957. Das Gemälde ging an einen Telefonbieter für 36 Mio. USD bzw. 40,4 Mio. USD mit Gebühren (Christie“s garantierte dem Verkäufer Robert Mnuchin einen ungenannten Mindestbetrag), ein Rekordpreis für den Künstler bei einer Auktion und mehr als das Sechsfache des bisherigen Rekords, der 2005 aufgestellt wurde, als Christie“s Crow Dancer (1958) für 6,4 Mio. USD verkaufte.

Ein Frühwerk, UNTITLED, aus dem Jahr 1940 (ein Innenraum) wurde 1995 von einem Privatsammler für 21.850 $ bei Sotheby“s erworben. Dieses frühe Werk trägt dazu bei, seine frühe Phase zu definieren, bevor er sich von einem realistischen Maler zu einem bahnbrechenden abstrakten Expressionisten entwickelte. Die kühnen Pinselstriche des Gemäldes sind ein Vorbote der epischen schwarzen Abstraktion seines bahnbrechenden Stils.

2018 hat das Hauser & Wirth Institut in Zusammenarbeit mit dem Nachlass von Franz Kline mit der Erstellung des Werkverzeichnisses Franz Kline Paintings, 1950-1962 begonnen. Das Projekt, das zum ersten Mal ein Online-Kompendium von Klines Öl-auf-Leinwand-Arbeiten, die zwischen 1950 und dem Tod des Künstlers 1962 entstanden sind, präsentieren wird, soll 2022 abgeschlossen werden.

Kline hatte seine erste Ausstellung in der Charles Egan Gallery im Jahr 1950 und nahm im folgenden Jahr an der 9th Street Art Exhibition teil. Street Art Exhibition teil. 1958 wurde er in die große Ausstellung „The New American Painting“ des Museum of Modern Art aufgenommen, die durch acht europäische Städte tourte. In den zehn Jahren vor seinem Tod wurde sein Werk in zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt, darunter die Biennale von Venedig und die Whitney Annuals and Biennials (1952, 1953, 1955, 1961). Die Washington Gallery of Modern Art, Washington, D.C., organisierte eine Gedenkausstellung (1962). Bedeutende monografische Ausstellungen fanden auch im Whitney Museum of American Art, New York, im Cincinnati Art Museum, im San Francisco Museum of Modern Art und in der Pennsylvania Academy of Fine Arts (und im Castello di Rivoli, Museo d“arte contemporanea, Italien (2004) statt.

Quellen

1. Franz Kline
2. Franz Kline
3. ^ „Hot Jazz“. Chrysler.emuseum.com. Chrysler Museum of Art. Retrieved 16 January 2019.
4. a b c d e f g h i j k l m FranzF. Kline FranzF., Franz Kline, Guggenheim [dostęp 2020-10-13]  (ang.).
5. a b c Altmann 2012 ↓, s. 280.
6. LUCIE-SMITH, Edward (2006). Os Movimentos Artísticos a Partir de 1945. São Paulo: Martins Fontes. pp. 23, 25