Jasper Johns
gigatos | Februar 17, 2022
Zusammenfassung
Jasper Johns (Augusta, 15. Mai 1930) ist ein amerikanischer Maler und Bildhauer, der zusammen mit dem Künstler Robert Rauschenberg als einer der wichtigsten Vertreter des Neuen Dada gilt.
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Frühe Jahre
Johns wurde 1930 in Augusta, Georgia, geboren, wuchs aber nach der Scheidung seiner Eltern in Allendale, South Carolina, bei seinen Großeltern und Onkeln auf. Über diesen Lebensabschnitt sagte er später: „Dort, wo ich aufgewachsen bin, gab es keine Künstler und keine Kunst, also wusste ich nicht wirklich, was das bedeutet. Ich dachte, das würde bedeuten, dass ich mich in einer anderen Situation befinden würde, als ich es war. In einem Interview Anfang der 1960er Jahre erzählt er, dass er im Alter von drei Jahren anfing zu zeichnen und nicht mehr damit aufhörte, und dass er im Alter von fünf Jahren beschloss, Künstler zu werden. Er besuchte die Grundschule in Columbia (South Carolina) bis zum vierten Jahr, zog dann mit seiner Mutter, seinem Stiefvater und seinen Stiefbrüdern zwischen den Bundesstaaten um und beendete seine höhere Ausbildung in Sumter (South Carolina). Zwischen 1947 und 1948 besuchte er die University of South Carolina für insgesamt drei Semester und zog dann auf Einladung seiner eigenen Kunstlehrer nach New York, wo er 1949 ein Semester lang an der Parsons School of Design studierte. Danach arbeitete er als Kurier und Verkäufer.
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1950s
In den frühen 1950er Jahren diente Johns in der Armee und wurde auch in den Koreakrieg nach Sendai, Japan, geschickt. 1953 kehrte er nach New York zurück. 1953 kehrte er nach New York zurück und schrieb sich mit einem Stipendium für Veteranen am Hunter College ein, das er jedoch nach einem Unfall am ersten Tag abbrach. Zwischen 1953 und 1954 arbeitete er bei Marboro Books. Dank der Schriftstellerin Suzi Gablick lernte er den Künstler Robert Rauschenberg kennen, mit dem ihn eine langjährige Freundschaft und künstlerischer Einfluss verband. Im Jahr 1954 traf Johns auch die Komponisten Morton Feldman und John Cage (mit denen er einige Jahre später nach Japan zurückkehrte) und den Tänzer und Choreografen Merce Cunningham.
Gegen Mitte des Jahrzehnts beschloss der Künstler, alle seine früheren Werke zu zerstören (er kaufte sogar die verkauften Werke zurück, um sie loszuwerden), und nur vier von ihnen überlebten: Diese Aktion entsprach dem Beginn einer neuen Periode für den Künstler, einer radikalen Veränderung und einer Wiedergeburt. Auf diese Weise entwickelte er einen originellen und persönlichen künstlerischen Stil, der im Gegensatz zum gestischen und energischen Stil des so genannten Abstrakten Expressionismus steht, der zur Entstehung von Bewegungen wie Pop Art, Minimalismus und Konzeptkunst beitragen sollte. Er schuf die erste Zielscheibe mit vier Gesichtern, die erste Serie der Zahlen 1, 2, 5 und 7 und die erste Weiße Fahne, der im Laufe der Jahre zahlreiche weitere Versionen folgten, die in Form von Gemälden, Druckgrafiken und Zeichnungen aufgebrochen, umgedreht, vervielfältigt oder entsättigt wurden. Er verwendet klare und unpersönliche Ikonen und Sujets, um sich auf die Technik der Herstellung und die handwerkliche Ausführung des Werks zu konzentrieren.
1955 gründeten er und Rauschenberg die Firma Matson Jones – Custom Display, in der sie als Schaufenstergestalter tätig waren, unter anderem für Tiffany&Co und Bonwit Teller im folgenden Jahr. Die Weiße Flagge wurde im Rahmen einer dieser Ausstellungen gezeigt.
Im Mai 1957 nahm Johns an einer Gruppenausstellung in der Galerie Leo Castelli teil, und 1958 stellte er seine Werke erneut in einer Einzelausstellung in derselben Galerie aus. Alfred Barr, der erste Direktor des MoMA – Museum of Modern Art in New York, war von Target with Plaster Casts (1955) beeindruckt, auch wenn das Werk vor seiner Ausstellung diskutiert und kritisiert wurde, weil es als zu provokativ für eine Ausstellung in einem Museum angesehen wurde. Das New Yorker Museum kaufte drei Werke des Künstlers. Target with Four Faces erschien auf der Titelseite der bekannten Zeitschrift Artnews. 1958 wurden Johns“ Werke anlässlich der 29. Biennale von Venedig zum ersten Mal in Europa ausgestellt. Der Künstler beginnt, sich in der amerikanischen und europäischen Kunstszene einen Namen zu machen; 1959 stellt er in Paris und Mailand aus. Ebenfalls 1958 schuf er seine ersten Metallskulpturen, Flashlight I und Lightclub I.
Nach dem Erfolg seiner Einzelausstellung im Castelli“s im Jahr 1958 beschloss Johns, einen neuen Weg einzuschlagen, der mit False Start (1959) begann, in dem der Künstler von der Enkaustik zur Ölmalerei wechselte und einen vielschichtigen, unbeständigeren Pinselstrich bevorzugte. Barr war von diesem neuen Werk verwirrt, da die Farbverteilung der Kunst des Abstrakten Expressionismus sehr ähnlich war, dem Johns stets feindlich gegenüberstand.
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Die Sechzigerjahre
Zu Beginn der 1960er Jahre beginnt der Künstler, sich für das Motiv der Landkarte der Vereinigten Staaten (das auch Gegenstand verschiedener späterer Versionen wie der Flagge ist) und das Thema der menschlichen Körperabdrücke zu interessieren; außerdem beginnt er, in der Bildhauerei mit Bronze zu arbeiten. 1961 reiste er zum ersten Mal nach Europa, als seine Werke in der Galerie Rive Droite in Paris ausgestellt wurden, und nahm später an der Ausstellung Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York teil, die in derselben Galerie stattfand. Im Gegensatz zu seiner früheren Periode wird seine Kunst autobiografischer, komplexer und desorientierender. In vielen Gemälden verwendet er die Farbe Grau ausgiebig (auch als Hommage an den Maler René Magritte), wie zum Beispiel in Canvas (1956) und Gray Alphabets (1956), in denen eine melancholische Ausdrucksebene dominiert.
In den Werken dieses Jahrzehnts finden sich häufiger Linien, Farbskalen oder Thermometer, die die Idee des Messens vermitteln, wie in Periscope (1963) zu sehen ist. In diesen Jahren arbeitete er mit dem Schriftsteller und Kunstkurator Frank O“Hara zusammen, mit dem er eine Sammlung von Bildern und Gedichten zusammenstellte, und zitierte auch eines seiner Gedichte in In Memory of My Feelings – Frank O“Hara (1961). Im Jahr 1963 nahm er an der Ausstellung Pop Art USA im Oakland Art Museum in Kalifornien teil und wurde einer der Gründungsvorsitzenden der Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. Im Jahr 1964 schuf er sein bisher größtes Werk, das laut Kirk Varnedoe ein Kompendium seines gesamten Schaffens darstellt.
Im selben Jahr fand im Jüdischen Museum in New York eine Retrospektive mit über 170 seiner Werke statt, die anschließend in England und Kalifornien wiederholt wurde, und er nahm an der XXXII. 1964, am Tag der Flagge, beschloss der Kunsthändler Leo Castelli schließlich, Präsident John Kennedy eine Bronzeversion von Flag (1960) zu schenken, eine Entscheidung, die Johns als schrecklich empfand, da er darin eine Instrumentalisierung seiner Kunst sah. Im Jahr 1969 veröffentlichte der Künstler Thoughts on Duchamp in Art in America und erhielt später die Ehrendoktorwürde der Universität von South Carolina in Klassik. Am Ende des Jahrzehnts veröffentlichte der Kunsthistoriker Max Kozloff eine Monografie über ihn mit dem Titel Jasper Johns.
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1970s
Zwischen 1974 und 1982 wurden die so genannten Kreuzschraffuren zum Hauptmuster seiner Gemälde. Es taucht zum ersten Mal in Ohne Titel (1972) auf, wird aber am besten durch Duft (1973-1974) repräsentiert, in dem sich das wachsende Interesse des Künstlers an grafischen Techniken manifestiert, die in diesem Werk mit Themen der Sexualität und des Todes kombiniert werden. Die gleichen Themen finden sich auch in seinem nächsten Werk, Between the Clock and the Bed (1981), das von Edvard Munchs gleichnamigem Gemälde inspiriert wurde. 1973 traf er sich mit dem Dramatiker Samuel Beckett in Paris, um über eine mögliche Zusammenarbeit bei der Produktion des Kunstbuchs Foirades
In der zweiten Hälfte des Jahrzehnts wurde ihm eine große Retrospektive im Whitney Museum in New York gewidmet, die anschließend in Köln, Paris, London, Tokio und San Francisco wiederholt wurde. In der Folge kaufte das New Yorker Museum Three Flags für eine Million Dollar, die höchste Summe, die bis dahin für einen lebenden amerikanischen Künstler gezahlt wurde, und in den 1980er Jahren erzielten Johns“ Werke immer wieder sehr hohe Preise. Im Jahr 1978 wurde er zum Ehrenmitglied der Accademia delle arti del disegno in Florenz ernannt (und 1987 und 1993 zum emeritierten Mitglied). Zwischen 1979 und 1981 verwendet er in seinen Werken wieder Gegenstände wie Messer, Gabeln und Löffel und interessiert sich auch für neue Formen der gegenständlichen Darstellung wie tantrische Motive.
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1980s
Ab den 1980er Jahren sind seine Werke von einem starken psychologischen und privaten Ansatz geprägt, wie zum Beispiel in In the Studio (1982), Perilous Night (1982) und Racing Thoughts (1983), in denen der Künstler auf eine psychische Störung verweist, die ihn in dieser Zeit heimsuchte. Auch sein Malstil änderte sich mit der Einführung von Doppelbildern, Zitaten von anderen Künstlern und Trompe-l“œil-Effekten. Zwischen 1980 und 1982 wurde er Mitglied der Académie Royale des Beaux-Arts in Stockholm und der American Academy of Arts and Sciences in Boston. Zwischen 1985 und 1986 malte er die „Vier Jahreszeiten“, die traditionell als die Zeitalter des Lebens angesehen werden. Diese Bilder stellte er zuerst in der Galerie von Leo Castelli am West Broadway aus und gewann später den großen Preis der Biennale von Venedig 1988. Im Jahr 1989 wurde er als 38. Mitglied in die South Carolina Hall of Fame aufgenommen, eine Auszeichnung, die den berühmtesten Persönlichkeiten seines Landes vorbehalten ist, und er wurde in die American Academy of Arts and Letters aufgenommen. Er ist auch das Thema des Dokumentarfilms Jasper Johns: Ideas in Paint von Rick Tejada-Flores (1989).
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Die letzten Jahre
In den 1990er Jahren erhielt er verschiedene Preise, darunter die National Medal of Arts, die ihm 1990 von US-Präsident George Bush im Weißen Haus überreicht wurde. Er hatte mehrere Ausstellungen: eine Retrospektive im MoMA in New York mit anschließenden Stationen in Köln und Tokio (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper im San Francisco Museum of Modern Art, gefolgt von Ausstellungen in der Yale University Art Gallery und dem Museum of Art in Dallas (1999), eine Ausstellung im Walker Art Center, die in anderen Zentren in den Vereinigten Staaten, Spanien, Schottland und Irland fortgesetzt wurde (2003), und schließlich Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio in der Galleria di Castelli (2004).
Am Ende des Jahrhunderts beginnt eine neue Phase seiner Malerei, die zur „Entleerung“ der Bildfläche tendiert, wie zum Beispiel in der Serie Catenary (1999), in der der Titel Catenary die Kurve bezeichnet, die durch die Schwerkraft eines an seinen Enden befestigten Drahts entsteht, so dass in den verschiedenen Werken die realen oder gemalten Drähte die Fläche durchqueren und das einzige Motiv auf der Leinwand sind. In den letzten Jahren hat sich Johns vor allem nach Sharon (Connecticut) und auf die Insel Saint Martin in Französisch-Westindien zurückgezogen, wo er ein von dem Architekten Philip Johnson für ihn gebautes Atelier besitzt.
Es gibt verschiedene Möglichkeiten, dem Künstler einen Rahmen zu geben. Zum einen gilt Johns als einer der Hauptvertreter des New Dada, einer amerikanischen Kunstrichtung, die sich auf die Dada-Kunst vom Anfang des Jahrhunderts beruft und wie diese die so genannten Duchamp“schen Ready-mades (d.h. der Realität entnommene Objekte) in das Kunstwerk einbezieht. Diese Strömung steht auch dem zeitgenössischen französischen Nouveau Réalisme sehr nahe, bei dem Gegenstände aus dem banalsten Alltag verwendet werden. Die Einbeziehung des Ready-made in das Werk ist daher auch eine Lösung für das Problem der Darstellung des Realen und des Gewöhnlichen. Der Künstler selbst sagt, dass seine Kreationen Objekte enthalten, die man zwar betrachten, aber nicht wirklich sehen kann.
Die Verwendung von wenig manipulierten Objekten, die einfach in das Werk eingefügt werden, hängt auch damit zusammen, dass Johns die Kunst des Abstrakten Expressionismus ablehnt und daher die gestische Komponente seiner Intervention auf ein Minimum reduzieren und die formalen und konstitutiven Aspekte des Bildes selbst bevorzugen will. Diese ablehnende Haltung zeigt sich bereits in der Arbeit Target with Plaster Casts, wo die Präsenz von Abgüssen menschlicher Körperteile auf den vermeintlichen Gegensatz zwischen „abstrakter“ und „figurativer“ Kunst anspielen könnte. Painting with Two Balls ist auch ein Angriff auf den Mythos der amerikanischen Malerei, der mit der Generation von Künstlern wie Jackson Pollock und Willem de Kooning verbunden ist: Die beiden gemalten Bälle spielen in der Tat auf eine ironische Beschreibung seiner selbst an, im Gegensatz zu der typischen, theatralisch zur Schau gestellten Männlichkeit anderer amerikanischer Künstler.
Schließlich gilt er als der Künstler, der die Pop Art initiierte, ohne sich dessen bewusst zu sein.
Ein weiteres Charakteristikum seiner Kunst ist, dass sie die Frage nach der Unterscheidung oder Verbindung zwischen Realität und Darstellung, realem Bild und gemaltem Bild offen lässt; in der Tat sind viele seiner Werke, angefangen bei den Flaggen, durch eine losgelöste und tautologische Darstellung eines gemeinsamen Gegenstands gekennzeichnet, dessen Grenzen mit den Grenzen der Leinwand zusammenfallen. Was für den Künstler zählt, ist die Intensität, mit der das, was er bereits über den Gegenstand weiß, das beeinflusst, was wir in ihm sehen; er selbst braucht kein Modell, um eine Fahne oder eine Zielscheibe zu malen, da die Vorstellung, die er von dem Gegenstand in seinem Kopf hat, ausreicht. So spielen vor allem seine Arbeiten mit Fahnen, Buchstaben oder Zielscheiben mit der Ambivalenz zwischen dem Objekt selbst und seiner Darstellung. Sehr oft stellt er im Zusammenhang mit seinen Fahnen die rhetorische Frage: „Ist es eine Fahne oder ein Gemälde?“.
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Enkaustik
Enkaustik ist eine Technik, die der Künstler häufig für seine Werke verwendet. Sie geht auf das alte Ägypten zurück und besteht aus dem Mischen von Pigmenten und geschmolzenem Wachs in der so genannten Enkaustik, der Johns üblicherweise Stoffstücke oder Zeitungsausschnitte hinzufügt. Das Endergebnis grenzt an das Figürliche, behält jedoch sichtbare Spuren der Manipulation durch den Künstler, das Weben der Stoffe oder die auf das Papier gedruckten Texte bei, wodurch sich das Werk für mehrere Interpretationsebenen zwischen der Präsentation und der Darstellung eines Bildes öffnet. Die Oberfläche der Werke ist verführerisch und faszinierend, aber auch neu, originell und aktuell im Kontext der amerikanischen Kunst in den Jahren, in denen Johns sie verwendete.
Traditionell wird das für die Enkaustikmalerei verwendete so genannte punische Wachs durch Kochen von heißem Wachs in Meerwasser gewonnen, dem dann Wasser, gelöschter Kalk und Leim zugesetzt werden; die in Wasser aufgelöste und noch heiße Mischung wird über die Farbe gegossen und sofort vermischt, auf das Werk aufgetragen, trocknen gelassen und schließlich erneut erhitzt, damit die Pigmente auf der Oberfläche wieder hervortreten können. Bei dieser Technik können alle Arten von Pigmenten hinzugefügt werden, und sie erfordert keine sehr kurze Bearbeitungszeit; außerdem ist sie sehr langlebig, da das Wachs nicht oxidiert.
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Werke
Quellen
