Jean-François Millet

gigatos | August 28, 2022

Zusammenfassung

Jean-François Millet (20. Januar 1875) war ein französischer realistischer Maler, der aus einer Bauernfamilie stammte. Er lernte bei einem lokalen Maler in Cherbourg und studierte dann 1837 in Paris bei Delaroche. Beeinflusst von Daumier arbeitete er in einem pastoralen Stil mit sozialistischen Zügen, den er in dem Dorf Barbizon im Wald von Fontainebleau weiterentwickelte, wo er sich 1849 mit Theodore Rousseau, Narcisse Diaz und anderen niederließ. Die Mitglieder dieser als Schule von Barbizon bekannten Gruppe, die von Corot, den holländischen Landschaftsmalern des 17. Jahrhunderts und Constable beeinflusst wurde, waren die Vorläufer des Impressionismus. Er war bekannt für seine Bauernszenen, in denen er die Unschuld des Bauern im Gegensatz zur Erniedrigung des Bürgers in der Industriegesellschaft zum Ausdruck bringen wollte. Er wird der realistischen und der naturalistischen Bewegung zugerechnet. Er starb 1875 in Barbizon.

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Jugend von 1830-1840

Millet ist der Erstgeborene des französischen Realisten Jean-Louis-Nicolas und der Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet aus dem Dorf Gruchy in der Gemeinde Gréville-Hague in der Normandie. 1833 wird Millet nach Cherbourg geschickt, um bei dem Porträtmaler Paul Dumouchel zu studieren und lernt unter der Anleitung zweier Dorfpfarrer Latein und moderne Autoren. Bis 1835 studierte er Vollzeit bei Lucien-Théophile Langlois, einem Schüler von Baron Gros, in Cherbourg. Langlois und andere unterstützten ihn finanziell, so dass er 1837 nach Paris ziehen konnte, wo er an der École des Beaux-Arts bei Paul Delaroche studierte. Im Jahr 1839 beendete er seine Ausbildung und die erste Arbeit, die er dem Salon vorlegte, wurde abgelehnt.

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Pariser Leben

Ein Stipendium ermöglichte Millet 1837 den Umzug nach Paris, wo er die École des Beaux-Arts besuchte. Dort vervollkommnete er seine Kenntnisse im Atelier des Historienmalers Paul Delaroche. Später freundet er sich mit Constant Troyon, Narcisse Diaz, Charles Jacque und Théodore Rousseau an, Künstlern, die wie Millet der Schule von Barbizon zugerechnet werden; sie alle helfen ihm und spielen eine entscheidende Rolle bei seinem Entschluss, diese nach seinen Worten „düstere und chaotische“ Stadt, die er nie gemocht hat, für immer zu verlassen; abgesehen von den bäuerlichen Sitten und dem rauen Charakter, ist er mit der Pariser Lebensart nicht einverstanden und kehrt nach Cherbourg zurück, um eine Karriere als Porträtmaler zu beginnen. Nach 1840 wendet er sich von der offiziellen Malerei ab und gerät unter den Einfluss von Honoré Daumier, dessen Figurenzeichnungen Millets spätere Darstellungen bäuerlicher Sujets beeinflussen, von dem er den Sinn für Licht- und Schattenkontraste sowie die Konstruktion des menschlichen Körpers mit einfachen Volumina lernt, und von Alfred Sensier, einem Regierungsbeamten, der zu einem lebenslangen Fürsprecher und später zum Biografen des Künstlers wird. 1847 hatte er seinen ersten Erfolg im Salon mit dem Gemälde Ödipus, der vom Baum herabsteigt, und 1848 kaufte die Regierung seinen Zauberer.

Sein bekannter Anfang war El aventador („Der Mähdrescher“, 1848). In den 1850er Jahren beobachtete er die Landarbeiter in den demokratischen Jahren der Zweiten Republik, und sein Werk ist melancholisch in seiner Schwere und vor allem in seiner sozialen Anprangerung (Mujeres cargando leña, 1851), und auch in späteren Werken wie El Hombre de la azada (Der Mann mit der Hacke, 1859-1862). Diese Betonung des „sentimentalen Ästhetizismus seiner resignierten Landarbeiter“ führte zu häufigen Ablehnungen seiner Werke, die laut Novonty überprüft werden sollten, und es sollte versucht werden, ein korrektes Gleichgewicht bei der Bewertung seiner Kunst zu wahren.

Im Jahr 1841 heiratete er Pauline-Virginie Ono und zog mit ihr nach Paris. Nachdem er beim Salon 1843 abgelehnt wurde und Pauline an Tuberkulose starb, kehrte Millet nach Cherbourg zurück. 1845 zog Millet mit Catherine Lemaire, die er 1853 standesamtlich heiratete, nach Le Havre; sie bekamen neun Kinder und blieben für den Rest seines Lebens zusammen. In Le Havre malte er mehrere Monate lang Porträts und kleine Genrebilder, bevor er nach Paris zurückkehrte.

Die Gefangenschaft der Juden in Babylon, Millets bis dahin ehrgeizigstes Werk, wurde auf dem Salon von 1848 ausgestellt, aber sowohl von der Kritik als auch vom Publikum verspottet. Das Gemälde verschwand schließlich kurz darauf, was Historiker zu der Annahme veranlasste, dass Millet es zerstörte. 1984 durchleuchteten Wissenschaftler des Museum of Fine Arts in Boston das Gemälde „Die junge Hirtin“ von Millet aus dem Jahr 1870 auf geringfügige Veränderungen und entdeckten, dass es übermalt war: Die Gefangenschaft der Juden in Babylon. Man geht heute davon aus, dass Millet die Leinwand wiederverwendet hat, als die Materialien aufgrund des Deutsch-Französischen Krieges knapp wurden.

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Barbizon-Schule

Bezeichnung für eine Gruppe von Malern, die sich um 1818 in dem gleichnamigen französischen Dorf und seiner Umgebung in der Nähe des Waldes von Fontainebleau zusammenfanden. Sie wird auch als Schule von Fontainebleau bezeichnet, und ihre Produktion gilt als die stärkste Landschaftsbewegung im Frankreich des 19. Er malte mit bemerkenswerter Präzision eine Freilichtmalerei, unter akribischer Beobachtung der natürlichen Umgebung und lehnte akademische und neoklassische Kompositionen ab. Die locker gemalten Bilder zeigen meist Landschaften mit Ebenen, Bäumen und Wäldern. Zu den repräsentativsten Malern gehörte Jean-Camille Corot, obwohl der Organisator, Leiter der Gruppe und Theoretiker Theodore Rousseau war. Weitere bedeutende Künstler sind Jules Dupré, dessen Werk sich durch den düsteren Einsatz von Licht auszeichnet, und Jean Francois Millet, der aufgrund seiner besonderen Thematik, die die Welt der Bauern und Landarbeiter verherrlicht, ein wahrer Erneuerer ist.

1849 malte Millet das Gemälde Reapers, ein staatlicher Auftrag. Auf dem Salon desselben Jahres stellt er eine Hirtin am Waldrand aus, ein sehr kleines Ölgemälde, mit dem er sich von den bisherigen idealisierten Hirtensujets abwendet und einen realistischeren und persönlicheren Ansatz verfolgt. Im Juni 1849 kommt er mit Catherine und ihren Kindern nach Barbizon und schließt sich dem Kreis der Schule an, die ihren Namen von dieser Stadt hat.

1850 schloss Millet einen Vertrag mit Sensier, der dem Künstler Material und Geld im Austausch für Zeichnungen und Gemälde zur Verfügung stellte, während Millet das Recht behielt, seine Werke weiterhin an andere Käufer zu verkaufen. Auf dem Salon desselben Jahres stellte er Labradore und Der Sämann aus, sein erstes großes Meisterwerk und das erste des ikonischen Gemäldetrios, zu dem auch Die Schnitter und Der Angelus gehören sollten.

Von 1850 bis 1853 arbeitete Millet an Mähdrescher bei der Rast (Rut und Boas), einem Gemälde, das er als sein wichtigstes und am längsten andauerndes Werk betrachten sollte. Mit diesem Gemälde, das seinen Vorbildern Michelangelo und Poussin Konkurrenz machen sollte, vollzog er den Übergang von der symbolischen Darstellung des bäuerlichen Lebens zur Darstellung der zeitgenössischen gesellschaftlichen Verhältnisse. Es ist das einzige Gemälde, das er mit einem Datum versieht, und es ist das erste Werk, das eine offizielle Anerkennung erhält: eine Medaille zweiter Klasse auf dem Salon von 1853.

Millet hatte, wie Théodore Rousseau, ein tiefes Gespür für die Natur: Er interpretierte sie (anstatt sie einfach nur wiederzugeben), indem er die Stimmen der Erde, der Bäume oder der Wege verstand. Millet behauptete, in der Natur mehr zu spüren als das, was ihm die Sinne vermittelten. Der manchmal sentimentale Ton seiner Werke (Der Angelus und Der Tod und der Holzfäller) unterscheidet ihn ein wenig von dem anderen großen Realisten Courbet, der härter und rebellischer war.

Der Autor wird versuchen, das einfache und bäuerliche Volk in einer Geste der Bewunderung für die arme Landbevölkerung zu porträtieren, um die Republikaner zu verführen und die Bourgeoisie zu verärgern, indem er dies als zentrales Thema in seinem Werk behandelt.

Der Winzer

Vor einem dramatischen Innenraum leidet die Figur des Kornwäschers, der mit breiten Holzschuhen an den Füßen und alten, lappenartigen Tüchern, die mit einer Schnur über die Hose gebunden sind, um sie vor dem Verderben zu bewahren, den Weizen sichtet, als verräterisches Bild, obwohl er sich, wie immer bei Millet, der Armut und dem harten täglichen Überlebenskampf des einfachen Landarbeiters unterordnet.

Es handelt sich um eines der bekanntesten Gemälde von Millet, Die Sammlerinnen (1857). Auf den Feldern rund um Barbizon tauchte sieben Jahre lang ein immer wiederkehrendes Thema in Millets Bleistift und Pinsel auf: die Nachlese, das jahrhundertealte Recht armer Frauen und Kinder, das nach der Ernte auf den Feldern zurückgebliebene Getreide mitzunehmen. Er stellte fest, dass es sich um ein zeitloses Thema handelt, das mit Geschichten aus dem Alten Testament verbunden ist. Im Jahr 1857 präsentierte er im Salon das Gemälde Die Erntehelfer vor einem lauwarmen, ja feindseligen Publikum.

(Zu den früheren Versionen gehören eine vertikale Komposition aus dem Jahr 1854 und eine Radierung von 1855-56, die das horizontale Format des Gemäldes im Musée d“Orsay direkt vorwegnimmt).

Ein warmes goldenes Licht suggeriert etwas Heiliges und Ewiges in dieser alltäglichen Szene, in der sich der Kampf ums Überleben entfaltet. Während seiner Vorbereitungsjahre überlegte Millet, wie er das Gefühl der Wiederholung und der Ermüdung im täglichen Leben der Bauern am besten vermitteln könnte. Die auf dem Rücken jeder Frau gezeichneten Linien führen zum Boden und wiederholen sich dann in einer Bewegung, die ihrer endlosen und anstrengenden Arbeit entspricht. Am Horizont umreißt der Sonnenuntergang den Bauernhof mit seinen üppigen Getreidehaufen, im Gegensatz zu den langen, schattenhaften Figuren im Vordergrund. Die schlichten, dunklen Kleider der Sammlerinnen heben sich stark von dem goldenen Feld ab und verleihen jeder Frau eine edle, monumentale Kraft.

Das Gemälde wurde von Thomas Gold Appleton in Auftrag gegeben, einem amerikanischen Kunstsammler mit Wohnsitz in Boston, Massachusetts, der zuvor bei dem mit Millet befreundeten Maler Constant Troyon aus Barbizon studiert hatte. Es wurde im Sommer 1857 fertiggestellt. Millet fügte einen Glockenturm hinzu und änderte den ursprünglichen Titel des Werks, Gebet für die Kartoffelernte, in Der Angelus, als der Käufer es 1859 nicht abholte. Das Gemälde wurde 1865 zum ersten Mal der Öffentlichkeit gezeigt und wechselte mehrmals den Besitzer, wobei sein Wert nur geringfügig anstieg, da der Künstler von einigen als politisch verdächtig angesehen wurde. Nach dem Tod von Millet ein Jahrzehnt später entbrannte ein Bieterkrieg zwischen den Vereinigten Staaten und Frankreich, der einige Jahre später mit einem Preis von 800.000 Goldfranken endete.

Die Diskrepanz zwischen dem offensichtlichen Wert des Gemäldes und dem ärmlichen Zustand von Millets überlebender Familie war ein wichtiger Anstoß für die Einführung des Folgerechts, mit dem Künstler oder ihre Erben beim Wiederverkauf ihrer Werke entschädigt werden sollten.

Der Angelus von Jean Francois Millet war als Verherrlichung der bäuerlichen Arbeit, frei von der Verrohung des Proletariats jener Zeit, und als Hymne auf die Versöhnung von Mensch und Natur gedacht. Die Komposition folgt einem einfachen Schema: Vor einer offenen Landschaft stellt der Maler die beiden Figuren in den Vordergrund und verleiht ihnen eine fast skulpturale Präsenz, die durch eine meisterhafte Nutzung des Lichts, das die Modellierung der beiden Figuren hervorhebt, noch verstärkt wird. Salvador Dalí nahm dieses Gemälde 1935 als Beispiel für das, was er die „kritische paranoide Methode“ nannte. Nach seiner Interpretation, die im Rahmen eines surrealistischen Schemas verständlich ist, beten die Figuren nicht den Angelus, sondern begraben ihren Sohn, dessen Leichnam sich in dem Korb im Vordergrund befindet. Seine Analyse ging sogar noch weiter, als er die weibliche Figur mit einer Gottesanbeterin verglich, die im Begriff ist, das Männchen zu verschlingen, das unterwürfig wartet und seine Erektion mit seinem Hut verbirgt.

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Die letzten Jahre

Trotz der gemischten Kritiken zu den Gemälden, die er auf dem Salon ausstellte, wuchsen der Ruf und der Erfolg von Millet in den 1860er Jahren. Zu Beginn des Jahrzehnts erhielt er den Auftrag, für die nächsten drei Jahre 25 Werke gegen ein monatliches Stipendium zu malen, und 1865 begann ein weiterer Mäzen, Émile Gavet, bei ihm Pastellbilder für eine Sammlung in Auftrag zu geben, die schließlich 90 Werke umfassen sollte. 1867 fand auf der Weltausstellung eine große Ausstellung seiner Werke statt, auf der u. a. „Die Gleaner“, „Der Angelus“ und „Die Kartoffelpflanzer“ gezeigt wurden. Im folgenden Jahr gab Frédéric Hartmann die Vier Jahreszeiten für 25.000 Francs in Auftrag, und Millet wurde zum Ritter der Ehrenlegion ernannt.

1870 wurde Millet als Juror in den Salon gewählt. Im selben Jahr floh er mit seiner Familie vor dem Deutsch-Französischen Krieg nach Cherbourg und Gréville und kehrte erst Ende 1871 nach Barbizon zurück. Seine letzten Jahre waren von finanziellem Erfolg und zunehmender offizieller Anerkennung geprägt, doch konnte er aufgrund seiner schwächelnden Gesundheit keine Regierungsaufträge mehr ausführen. Am 3. Januar 1875 heiratete er Catherine in einer kirchlichen Zeremonie. Millet starb am 20. Januar 1875.

Millet war eine wichtige Inspirationsquelle für Vincent van Gogh, insbesondere in seiner frühen Schaffensperiode. Millet und sein Werk werden in Vincents Briefen an seinen Bruder Theo mehrfach erwähnt. Die späten Landschaften von Millet waren ein wichtiger Bezugspunkt für Claude Monets Gemälde von der Küste der Normandie; ihr struktureller und symbolischer Gehalt beeinflusste auch Georges Seurat.

Millet ist die Hauptfigur in Mark Twains Is He Dead? (1898), in dem er als junger Künstler dargestellt wird, der am Rande seines Lebens steht und sich tot stellt, um zu Ruhm und Reichtum zu gelangen. Die meisten Details über Millet in dem Stück sind fiktiv.

Millets Gemälde L“homme à la houe inspirierte Edwin Markham zu seinem berühmten Gedicht The Man With the Hoe“ (1898).

Der Angelus wurde im 19. und 20. Jahrhundert häufig reproduziert. Salvador Dalí war von diesem Werk fasziniert und schrieb eine Analyse darüber: The Tragic Myth of Millet“s Angelus. Statt in dem Werk spirituellen Frieden zu sehen, glaubte Dalí, dass es Botschaften unterdrückter sexueller Aggression vermittelte. Dalí glaubte auch, dass die beiden Figuren nicht den Angelus beten, sondern das Grab ihres toten Kindes. Dalí bestand so sehr auf dieser Tatsache, dass die Leinwand schließlich geröntgt wurde, was seinen Verdacht bestätigte: Das Gemälde enthält eine geometrische Form, die später übermalt wurde, ähnlich wie ein Sarg. Es ist jedoch nicht bekannt, ob Millet seine Meinung über die Bedeutung des Gemäldes geändert hat, einschließlich der Frage, ob die Form wirklich ein Sarg ist.

Quellen

1. Jean-François Millet
2. Jean-François Millet
3. a b c Murphy, p.xix.
4. Champa, p.183.
5. ^ Murphy, p.xix.
6. a et b Jean-François Millet, un peintre de la Hague, Documentaire avec Lucien Lepoittevin
7. a et b Geneviève Lacambe, Henri Soldani et Bertrand Tillier, L“ABCdaire de Millet, Flammarion, 1998
8. (en) Jon Thompson, How to Read a Modern Painting: Lessons from the Modern Masters, Harry N. Abrams, 2006, page 28
9. (en) « Biographie », sur Tokyo Fuji Art Museum (consulté le 19 mai 2021)
10. (en) « Paysans sans abri », sur Metropolitan Museum (consulté le 19 mai 2021)
11. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)