Jean-Luc Godard

Alex Rover | Mai 16, 2023

Zusammenfassung

Jean-Luc Godard war ein französisch-schweizerischer Filmemacher, der am 3. Dezember 1930 in Paris geboren wurde und am 13. September 2022 in Rolle (Kanton Waadt) starb.

Er ist der vollständige Autor seiner Filme und fungiert häufig gleichzeitig als Regisseur, Drehbuchautor, Dialogautor und Schnittmeister. Gelegentlich tritt er in seinen Filmen auf, manchmal in einer kleinen Rolle, manchmal nicht als Schauspieler, sondern als Subjekt, das in den Film eingreift. Er ist Produzent und Schriftsteller, Filmkritiker und Filmtheoretiker.

Wie Éric Rohmer, François Truffaut, Claude Chabrol und Jacques Rivette begann Jean-Luc Godard seine Karriere in den 1950er Jahren als Filmkritiker. Er schreibt unter anderem für La Gazette du cinéma, Cahiers du cinéma und Arts. Parallel zu dieser Tätigkeit drehte er Kurzfilme auf 16 mm: Opération Béton (1954), ein Dokumentarfilm über den Bau des Grande-Dixence-Staudamms in der Schweiz, Une femme coquette (1955), inspiriert von Guy de Maupassant und ohne Budget gedreht, Tous les garçons s’appellent Patrick, eine Marivaudage, die er mit Éric Rohmer schrieb, Une histoire d’eau (1958), die er anhand von Filmaufnahmen von François Truffaut bearbeitete, und schließlich Charlotte et son jules (1958).

1959 wechselte er mit der Regie von À bout de souffle (Außer Atem) zum Spielfilm. Der Film war ein großer Erfolg und wurde zu einem der Gründungsfilme der Nouvelle Vague. In den 1960er Jahren vervielfältigte er seine Projekte und drehte mehrere Filme pro Jahr. So drehte er 1960 Le Petit Soldat, einen Film über den Algerienkrieg, und Une femme est une femme, eine Hommage an das Musical. Danach drehte er Vivre sa vie (1962), einen Film über eine junge Frau, die sich prostituiert, Les Carabiniers (1963), einen weiteren Film über den Krieg, und Le Mépris (1963), einen Film über die Welt des Kinos. 1964 setzte er seine Arbeit mit Bande à part und Une femme mariée fort. 1965 drehte er Alphaville, ein seltsames Abenteuer des Lemmy Caution, einen Science-Fiction-Film, und anschließend Pierrot le Fou, ein Roadmovie, in dem viele Experten sein Meisterwerk sehen. Danach drehte er Masculin féminin, einen Film über die Jugend, Made in USA, Deux ou trois choses que je sais d’elle, in dem er erneut das Thema Prostitution behandelte, La Chinoise (1967) und Week-end (1967).

Godard war zu diesem Zeitpunkt zu einem bedeutenden Filmemacher und einer wichtigen Persönlichkeit der Kunstwelt und der Intelligenzia geworden. Im Jahr 1968 führten die Ereignisse im Mai, die in einigen seiner früheren Filme vorausgeahnt worden waren, zum Bruch mit dem Filmsystem. Godard radikalisiert sich politisch und grenzt sich selbst aus. Er versucht zusammen mit Jean-Pierre Gorin, ein politisches Kino zu machen, und signiert seine Filme unter dem kollektiven Pseudonym „Gruppe Dziga Vertov“. Während dieser Zeit werden seine Filme kaum gezeigt. Ab 1974 experimentierte er mit seiner Lebensgefährtin Anne-Marie Miéville mit Video, arbeitete für das Fernsehen und entfernte sich vom Film.

Mit Rette sich, wer kann (das Leben) kehrte er an der Wende zu den 1980er Jahren ins Kino zurück. Damit kehrte er zu der zentralen Stellung zurück, die er in den 1960er Jahren eingenommen hatte.

Ab Ende der 1980er Jahre widmete er sich einer Reihe von Filmessays mit dem Titel Histoire(s) du cinéma, die er 1998 abschloss und mit der er versuchte, eine Filmgeschichte des Kinos zu erstellen. In den 2000er Jahren setzte er seine Arbeit im Kino mit Éloge de l’amour (2001), Notre musique (2004) und Film Socialisme (2010) fort. Außerdem stellt er ein Ausstellungsprojekt im Centre Georges-Pompidou in Paris auf die Beine. Das äußerst ehrgeizige Projekt wurde schließlich aufgegeben und führte zu einer Ausstellung mit dem Titel „Voyage(s) en utopie. Auf der Suche nach einem verlorenen Theorem. JLG 1945-2005“, die Modelle der geplanten Ausstellung zeigt.

Jean-Luc Godard erhielt 1965 bei den Berliner Filmfestspielen den Goldenen Bären für Alphaville sowie zwei Silberne Bären (1960 für Beste Regie und 1961 den Außerordentlichen Silbernen Bären für Une femme est une femme). Außerdem erhielt er 1982 bei den Filmfestspielen von Venedig einen Goldenen Ehrenlöwen und 1983 den Goldenen Löwen für den besten Film für Prénom Carmen. Darüber hinaus wurde er 2014 mit dem Preis der Jury der Filmfestspiele von Cannes für Adieu au langage ausgezeichnet und erhielt zwei Ehren-Césars (1987 und 1998) sowie einen Ehren-Oscar (2010) für sein Lebenswerk. 2018 erhielt er bei den 71. Filmfestspielen von Cannes eine besondere Goldene Palme für Le Livre d’image und sein Gesamtwerk.

Kinder und Jugend

Jean-Luc Godard wurde am 3. Dezember 1930 in der 2, rue Cognacq-Jay im 7. Arrondissement von Paris geboren. Er ist das zweite von vier Kindern. Seine ältere Schwester Rachel, die am 6. Januar 1930 geboren wurde, starb 1993. Eine weitere Schwester, Véronique, ist Fotografin.

Sein Vater, Paul Godard (1899-1964), war am 1. Juni 1899 in eine Familie geboren worden, deren Mutter aus Nordfrankreich (Le Cateau-Cambrésis) und deren Vater, Georges Godard, aus einer alten protestantischen Familie in Sancerre stammte, aus Cher. Dieser war 1916 aus pazifistischer Überzeugung mit seiner Familie in die Schweiz gezogen und hatte sich in Vevey und später in Genf niedergelassen. Anschließend hatte er Medizin studiert und 1925 in Paris seine Doktorarbeit verteidigt. Danach arbeitete er sowohl in Paris als auch in der Schweiz.

Seine Mutter, Odile Monod (1909-1954), gehört einer großen protestantischen französischen Familie an, die von dem 1765 in Genf geborenen Pastor Jean Monod und dem 1802 geborenen Pastor Adolphe Monod abstammt. Der Großvater mütterlicherseits, Julien Monod, hatte die Société financière d’Orient geleitet und war einer der Gründer der Bank von Paris und den Niederlanden. Im Jahr 1924 hatte er eine Wohnung am Boulevard Raspail 16 in einem vom Architekten Henri Sauvage errichteten Gebäude gekauft. Er verkehrte mit Schriftstellern und wurde sehr eng mit Paul Valéry, den er 1924 kennenlernte. Er war ein großer Bewunderer des Dichters und sammelte in seiner Wohnung dessen Bücher, Manuskripte und Korrespondenz in einem Zimmer der Wohnung, das als „Valerianum“ bezeichnet wurde.

Paul Godard hatte Odile Monod am 16. Oktober 1928 im Oratorium des Louvre geheiratet.

1933 findet er eine Stelle in einer Klinik in der Schweiz und die Familie Godard lässt sich am Genfersee zwischen Nyon und Rolle nieder, bevor sie 1938 nach Nyon in die Rue du Prieuré, 4 umzieht. Jean-Luc Godard besucht ab 1936 die Grundschule in Nyon. Seine Kindheit ist mit Fußball, Skifahren und Basketball besonders sportlich. Sie ist auch von der protestantischen Religion geprägt. Der junge Jean-Luc Godard begeisterte sich zunächst für die Malerei. Seine frühen Werke scheinen von Paul Klee und Oskar Kokoschka inspiriert zu sein. Seine Ferien verbrachte er auf dem Anwesen seiner Großeltern mütterlicherseits in Anthy-sur-Léman.

Im Juni 1940 befindet sich Jean-Luc Godard zum Zeitpunkt der deutschen Invasion bei seinen Großeltern in Paris. Man schickt ihn zunächst zu seiner Tante Aude in die Bretagne, wo er das Schuljahr 1940 beginnt, bevor er durch Frankreich in die Schweiz reist. Die Familie Monod ist eher republikanisch und linksgerichtet, doch sein Großvater Julien Monod ist konservativer, verteidigt Marschall Pétain und liest die kollaborationistische Presse. Godards Eltern hingegen arbeiten für das Rote Kreuz und sind eher anglophil.

Nach dem Krieg schloss Jean-Luc Godard die Mittelschule in Nyon ab und wurde nach Paris geschickt, um am Lycée Buffon das Abitur zu machen. Zu diesem Zeitpunkt ist er von seiner Familie entfremdet. Seine Eltern befinden sich auf dem Weg der Trennung. Sein Vater leidet an der Charcot-Krankheit und erträgt die Haltung der Familie Monod ihm gegenüber nur schwer, während seine Mutter die Entfernung von ihrer Familie nur schwer verkraftet. Sie verlässt die eheliche Wohnung und zieht 1949 nach Genf, 1951 nach Lausanne und das Paar lässt sich im November 1952 scheiden. Godard zog daraufhin in die Rue d’Assas, direkt unter der Wohnung des Schriftstellers und Verlegers Jean Schlumberger. Er verlor das Interesse an der Schule und fiel 1947 durch das Abitur. Er beginnt, Filmclubs und die französische Kinemathek zu besuchen. Seine Entdeckung des Kinos erfolgte auch durch die Lektüre kritischer Texte wie die der Revue du cinéma, in der er insbesondere die Texte von Maurice Schérer entdeckte, der heute besser unter dem Namen Éric Rohmer bekannt ist.

Seit seiner Jugend in Nyon macht sich Jean-Luc Godard, der jedoch in einer wohlhabenden Familie lebt, das Stehlen zur Gewohnheit. Diese Angewohnheit wird zu einer Manie und Jean-Luc Godard bestiehlt auch seine Verwandten und Freunde. Er stiehlt unter anderem Bücher aus der Bibliothek von Jean Schlumberger, die er in Pont-Neuf weiterverkaufen wird. Außerdem stiehlt er aus der Bibliothek seines Großvaters Werke von Paul Valéry, die er an die Buchhandlung Gallimard weiterverkauft, die sich gegenüber dem Haus seines Großvaters befindet. Dieser entdeckte den Diebstahl und Jean-Luc Godard wurde im Alter von siebzehn Jahren zum schwarzen Schaf seiner Familie. Später stahl er 1952 auch die Kasse der Cahiers du cinéma und die Kasse des Café de la Comédie, das sich in der Nähe des Palais-Royal befand und von den Eltern seines Freundes Charles Bitsch betrieben wurde. Im Bruch mit seiner Familie verfasste Godard im November 1947 ein Pamphlet gegen sie, das er Le Cercle de famille (Der Familienkreis) betitelte. Oder Gesamteindrücke.

Er kehrte 1948 in die Schweiz zurück und bereitete sich am Collège Lémania in Lausanne auf das Abitur vor. Nachdem er das Abitur ein zweites Mal nicht bestanden hatte, erhielt er es 1949 im dritten Anlauf. Zu dieser Zeit schwankte Godard noch zwischen Malerei, Film und Literatur. Er schrieb ein erstes Drehbuch mit dem Titel Aline, das auf dem Roman von Charles Ferdinand Ramuz basierte.

Im Herbst 1949 schrieb er sich an der Sorbonne in Paris für Anthropologie ein, verlor jedoch relativ schnell das Interesse an diesem Fach. An der Sorbonne lernte er Suzanne Klochendler kennen, die später zu Suzanne Schiffman wurde und mit Godard bei zahlreichen Filmen zusammenarbeitete, sowie den Schriftsteller Jean Parvulesco. Er verfasst ein zweites Drehbuch nach George Merediths The Fiancée mit dem Titel La Trêve d’ironie, Claire. In dieser Zeit sieht er sehr viele Filme. In der von Henri Langlois geleiteten Cinémathèque traf er sich regelmäßig mit Suzanne Klochendler, François Truffaut, Jean Gruault und Jacques Rivette. Er besuchte auch den 1947 von Frédéric Frœschel gegründeten Filmclub Quartier latin, wo er Maurice Schérer, Paul Gégauff, Truffaut, Chabrol, Gruault und Rivette traf. Die Gruppe dieses Filmclubs gab das Bulletin du ciné-club du Quartier latin heraus, das Ende 1949 zu einer richtigen Zeitschrift mit dem Titel La Gazette du cinéma wurde. In dieser Zeitschrift veröffentlichte Godard im Alter von 19 Jahren seine ersten kritischen Texte. So veröffentlichte er von Juni bis November 1950 zwölf Artikel unter seinem eigenen Namen oder unter dem Pseudonym Hans Lucas, der deutschen Übersetzung seines Vornamens Jean-Luc. Im September 1950 nahm er mit seinen Freunden vom Filmclub Quartier Latin am Festival du film maudit de Biarritz teil, das vom Filmclub Objectif 49 unter dem Vorsitz von Jean Cocteau organisiert wurde. Dieses Festival war ein wichtiger Moment in der Selbstbehauptung der jungen Kritiker, die sich um die Gazette du cinéma versammelten und nicht davor zurückschreckten, die Programmauswahl der Älteren zu kritisieren.

Im Dezember 1950 schlug sein Vater ihm vor, mit ihm eine Reise nach Amerika zu unternehmen. Er besuchte zunächst New York und reiste dann nach Kingston auf Jamaika, wo sein Vater ein Haus kaufte, um sich dort niederzulassen. Jean-Luc Godard brach daraufhin allein auf, um mehrere Monate lang Südamerika zu bereisen. Er reiste unter anderem nach Panama, Peru, Bolivien und Brasilien, bevor er im April 1951 nach Frankreich zurückkehrte.

Die Jahre bei Cahiers du cinéma (1950-1959)

Im April 1951 gründete Jacques Doniol-Valcroze die Cahiers du cinéma. Die Zeitschrift, die als Fortsetzung des Geistes der Revue du cinéma gegründet wurde, nahm Kritiker unterschiedlicher Couleur auf, darunter Maurice Schérer, der zu diesem Zeitpunkt versuchte, seine Freunde aus der Gazette du cinéma in die Cahiers einzubinden. Godard veröffentlichte seinen ersten Text in der neuen Zeitschrift im Januar 1952 mit einem Artikel über Rudolph Matés La Flamme qui s’éte. Im April 1952 lobte er Alfred Hitchcocks The Unknown of the North-Express unter dem Titel Supremacy of the Subject und griff André Bazin im September desselben Jahres mit einem Text mit dem Titel Défense et illustration du découpage classique frontal an.

Im Frühjahr 1953 vermittelte ihm sein Vater eine Stelle als Kameramann beim Schweizer Fernsehen in Zürich. Das Experiment endet schlecht. Godard stiehlt erneut aus der Kasse des Fernsehens. Daraufhin wird er bei der Polizei angezeigt und verbringt drei Nächte im Gefängnis. Um nicht in den Krieg nach Indochina zu ziehen, zog Godard es außerdem vor, bei seiner Volljährigkeit die Schweizer Staatsbürgerschaft anzunehmen. Da er aber seiner Wehrpflicht in der Schweiz nicht nachgekommen war, stand er außerhalb des Gesetzes. Sein Vater ließ ihn daraufhin für mehrere Wochen in die psychiatrische Klinik La Grangette in Lausanne einweisen. Nach dieser Episode sah er seinen Vater zehn Jahre lang nicht mehr. Nach seiner Entlassung aus dem Krankenhaus verschaffte ihm seine Mutter eine Stelle auf der Baustelle des Grande-Dixence-Staudamms im Wallis. Godard arbeitete dort im Sommer 1953 und das ganze Jahr 1954 hindurch und verbrachte seine Freizeit in Genf, wo er mit einer Gruppe lässiger Dandys verkehrte. Mit seinem Freund Jean-Pierre Laubscher drehte er einen 16-mm-Dokumentarfilm über den Bau des Staudamms. Schon in diesem ersten Film mit dem Titel Opération béton (Operation Beton) schenkt Godard dem Ton besondere Aufmerksamkeit, indem er versucht, ihn originalgetreu aufzuzeichnen. Später verkauft er ihn an die Compagnie de la Grande-Dixence. Am 21. April 1954 starb seine Mutter im Alter von 45 Jahren bei einem Unfall mit einem Motorroller. Nach dem Verkauf seines Dokumentarfilms zog Godard nach Genf und drehte einen zweiten Kurzfilm, Une femme coquette, der im November 1955 auf der Île Rousseau gedreht wurde.

Im Januar 1956 kehrte er nach Paris zurück und knüpfte an die Bande der Gazette du cinéma an. Dank Claude Chabrol wurde er Pressesprecher bei Fox, wo er zwei Jahre lang unregelmäßig arbeitete. Er kehrt auch zu den Cahiers du cinéma zurück. Für seine Rückkehr wählte er einen Text über einen Filmemacher außerhalb des klassischen Pantheons, der von den anderen jungen Türken verteidigt wurde: Frank Tashlin. Dank François Truffaut kam er im Februar 1958 auch zur Wochenzeitschrift Arts. Parallel dazu arbeitete er auch als Cutter für den Produzenten Pierre Braunberger unter der Leitung von Myriam Borsoutsky.

Im Juni 1957 drehte er seinen ersten professionellen Kurzfilm, Tous les garçons s’appellent Patrick ou Charlotte et Véronique. Der mit Éric Rohmer geschriebene und von Pierre Braunberger produzierte Film erzählt die Geschichte zweier koketter und naiver junger Mädchen, die sich abwechselnd von demselben Mann im Jardin du Luxembourg verführen lassen. Der Film ist leicht und schnell. Er wurde im Frühjahr 1958 als Ergänzung zu Édouard Molinaros Un témoin dans la ville im Kino ausgestrahlt.

Im Februar 1958 wird die Île-de-France nach sintflutartigen Regenfällen überschwemmt. Nach einer Diskussion mit Godard und Pierre Braunberger machte sich François Truffaut auf den Weg, um die Geschichte eines jungen Mädchens zu verfilmen, das in einem Vorort wohnt und während der Überschwemmungen nach Paris reisen möchte. Der Film trägt den Titel Une histoire d’eau (Eine Wassergeschichte). Truffaut war mit den Aufnahmen nicht zufrieden und gab das Projekt auf, aber Godard schrieb einen Text, den er mit Anne Colette aus dem Off las, und schnitt den Film. Der Film wurde schließlich im März 1961 als Vorfilm von Jacques Demys Lola ausgestrahlt.

Danach drehte Godard Charlotte et son jules mit Jean-Paul Belmondo und Anne Colette. Der Film, der auf Jean Cocteaus Bel Indifférent basiert, ist ein langer Monolog eines Jungen vor seiner Freundin, die ihn nur noch einmal besucht hat, um ihm zu sagen, dass sie ihn verlassen hat, und um ihre Zahnbürste abzuholen. Belmondo war bei der Nachsynchronisation nicht anwesend und Godard selbst synchronisierte seine Figur. Der Film wurde ebenfalls zusammen mit Lola im März 1961 ausgestrahlt.

In einem Interview mit Marguerite Duras im Jahr 1987 sagte Jean-Luc Godard, dass der erste Film, den er hätte machen wollen, literarisch inspiriert gewesen sei, mit Albert Camus‘ Der Mythos von Sisyphos, den er den Produzenten zur Verfilmung vorschlug. Søren Kierkegaards Das Tagebuch des Verführers war ebenfalls ein Roman, den er gerne verfilmt hätte.

Atemlos

Nach dem Erfolg von François Truffauts Quatre Cents Coups bei den Filmfestspielen von Cannes 1959 war sich Godard bewusst, dass er die Welle nicht verpassen durfte und versuchte, seinen ersten Spielfilm zu drehen. Er griff eine Drehbuchidee von Truffaut auf, die auf einer wahren Begebenheit beruhte, und nahm Kontakt mit dem Produzenten Georges de Beauregard auf, um seinen Film zu finanzieren. À bout de souffle erzählt die Geschichte von Michel Poiccard, einem jungen Mann, der in Marseille ein Auto stiehlt, um sich in Paris mit einer Amerikanerin zu treffen. Unterwegs wird er von zwei Polizisten verfolgt und erschießt schließlich einen von ihnen. Schließlich findet er die Amerikanerin in Paris wieder. Wie in der Tradition des amerikanischen Film noir beruht der Film auf einer wahren Begebenheit. Die Dreharbeiten fanden im August und September 1959 mit Jean-Paul Belmondo und Jean Seberg in den Hauptrollen statt. Die Dreharbeiten waren zwar relativ kurz, aber es gab zu viel Material und Godard war gezwungen, in seinen Film hineinzuschneiden, aber anstatt, wie es die Tradition verlangt, ganze Einstellungen zu schneiden, schneidet er innerhalb der Einstellungen. Er folgt damit dem Rat seines Freundes Jean-Pierre Melville, der ihm gesagt hatte, dass er, nachdem er einen unmöglichen Film gedreht habe, nun bis zum Ende gehen und ihn als solchen beenden müsse. Auf diese Weise schafft er Diskontinuitäten in seinem Film, die ihm einen besonderen Rhythmus verleihen. Der Film kam 1960 im März in die Kinos und war ein großer Erfolg beim Publikum (2,2 Millionen Besucher in Frankreich). Auch bei der Kritik war der Film erfolgreich und Godard erhielt insbesondere die Unterstützung wichtiger Kritiker wie Georges Sadoul in Les Lettres françaises.

Die Karina-Jahre (1959-1967)

Unmittelbar nach der Veröffentlichung von À bout de souffle begann Godard mit den Dreharbeiten zu Le Petit Soldat. Damit stellte er sich gegen diejenigen, die dem jungen Kino vorwarfen, nur über Bettgeschichten zu sprechen und aktuellere Probleme wie den Algerienkrieg und die Zensur nicht zu behandeln. Die Handlung des Films spielt am 13. Mai 1958 in Genf, dem Tag, an dem General Massu die Macht in Algier übernimmt. Der Film erzählt die Geschichte eines Deserteurs der französischen Armee, der in Genf für eine rechtsextreme Terrorgruppe arbeitet. Er möchte aufhören, wird aber von der FLN als Geisel genommen und kann fliehen, während seine Freundin von den rechtsextremen Terroristen als Geisel genommen wird. Politisch ist der Film zweideutig und die Folter wird sowohl von den Rechtsextremen als auch von der FLN durchgeführt. Der Film wurde vom Informationsminister Louis Terrenoire zensiert, der seine Entscheidung wie folgt begründete: „Zu einem Zeitpunkt, an dem die gesamte französische Jugend aufgerufen ist, in Algerien zu dienen und zu kämpfen, scheint es kaum möglich zu sein, zuzulassen, dass das gegenteilige Verhalten dargestellt, illustriert und schließlich gerechtfertigt wird.“ Der Film kam 1963, nach dem Ende des Algerienkriegs, in die Kinos.

Bei den Dreharbeiten zu dem Film verführte er die Schauspielerin Anna Karina. Nachdem er sie im Sommer 1959 in einem Werbespot entdeckt hatte, bot er ihr eine Rolle in À bout de souffle an, die sie ablehnte, weil sie sich nicht ausziehen wollte. Daraufhin bot er ihr die Hauptrolle in Le Petit Soldat an. Anna Karina wurde zur Muse von Jean-Luc Godard und drehte in den 1960er Jahren sieben Filme mit ihm (Le Petit Soldat, Une femme est une femme, Vivre sa vie, Bande à part, Alphaville, Pierrot le Fou und Made in USA). Er heiratete sie am 3. März 1961 in Begnins in der Schweiz und anschließend in der protestantischen Kirche in der Avenue Marceau in Paris. Dennoch funktionierte ihre Ehe nicht und Jean-Luc Godard und Anna Karina ließen sich am 21. Dezember 1964 offiziell scheiden.

Ende 1960 drehte Godard mit Jean-Paul Belmondo, Jean-Claude Brialy und Anna Karina seinen dritten Spielfilm mit dem Titel Eine Frau ist eine Frau. Der Film erzählt die Geschichte von Angela (Anna Karina), die innerhalb von 24 Stunden ein Kind bekommen möchte. Da ihr Lebensgefährte Émile (Jean-Claude Brialy) sich weigert, droht sie ihm, mit Alfred (Jean-Paul Belmondo) ein Kind zu zeugen. Wie seine Vorgänger spaltet der Film die Kritiker und polarisiert die Aufmerksamkeit der Zeitungen. Bei den Berliner Filmfestspielen im Juni 1961 erhielt er einen Sonderpreis der Jury und Anna Karina den Preis für die beste weibliche Darstellerin. Der Publikumserfolg hingegen blieb hinter den Erwartungen der Produktion zurück (550.000 Besucher in Frankreich).

In Vivre sa vie (1962) porträtiert Godard eine Frau, die sich der Prostitution hingibt. Der Film wurde im August 1962 bei den Filmfestspielen in Venedig gezeigt und gewann den Sonderpreis der Jury und den Preis der Kritiker. Am 20. September kam er in Paris in die Kinos und erreichte 148.000 Zuschauer in der ersten Pariser Auswertung, was im Vergleich zum Budget des Films ein Erfolg zu sein schien, und die Kritiker nahmen ihn einstimmig auf, mit Ausnahme von Positif, Cinéma 62 und Le Figaro.

Im selben Jahr trat Godard mit Anna Karina in Cléo de 5 à 7 auf, einem Film von Agnès Varda, die in eine Szene einen sehr kurzen schwarz-weißen Burlesque-Film mit dem Titel Les fiancés du pont MacDonald einfügte, eine Hommage an die Stummfilmzeit.

Ebenfalls 1962 verfilmte er Die Carabinieri des italienischen Dramatikers Beniamino Joppolo. Der Film beschreibt den Krieg und seine Verwerfungen anhand der Geschichte zweier Bauern, Ulysses und Michelangelo, die in den Krieg ziehen und mit Freude feststellen, dass ihnen alles erlaubt ist. Nach ihrer Rückkehr ist es ihnen unmöglich, wieder ein normales Leben zu führen, und als sie in der Ferne den Lärm der Kanonen hören, ziehen sie wieder in den Krieg und werden erschossen. Für diesen Film wählt Godard bewusst unbekannte Schauspieler und eine Bildqualität, die an Amateurhaftigkeit grenzt. Er will den Krieg so zeigen, wie er ist, ohne ihn zu verherrlichen oder heroisch zu sein. Der Film, der im März 1963 in Paris in die Kinos kam, war ein kommerzieller Misserfolg (20.000 Zuschauer exklusiv in Paris) und auch die Reaktion der Presse war sehr negativ.

Im Gegensatz zum vorherigen Film ist Le Mépris (1963) ein Big-Budget-Film mit einer der berühmtesten Schauspielerinnen der Zeit, Brigitte Bardot. Der Film ist eine Verfilmung des gleichnamigen Romans des italienischen Schriftstellers Alberto Moravia. Er erzählt die Geschichte von Paul Javal (Michel Piccoli), einem mit Camille (Brigitte Bardot) verheirateten Theaterautor, der nach Cinecitta reist, um mit dem Produzenten Jeremy Prokosch einen Vertrag über die Überarbeitung des Drehbuchs für einen Film über die Odyssee auszuhandeln, der von Fritz Lang, der sich selbst spielt, inszeniert werden soll. Godard hatte wieder Erfolg beim Publikum (1,5 Millionen Besucher). Die Kritiker waren von Le Mépris zunächst nicht begeistert, doch später wurde der Film zu einem der großen Klassiker seines Autors. Dennoch wurde der Film von berühmten Kritikern wie Jean-Louis Bory (Arts) und Jean Collet (Télérama) und vor allem von dem Schriftsteller Louis Aragon in Les Lettres françaises gelobt.

Im Frühjahr 1964 drehte er Bande à part. Der Film, der auf einem Roman der Schwarzen Serie mit dem Titel Pigeon vole basiert, erzählt die Geschichte der beiden Freunde Franz und Arthur, die eine junge Frau, Odile Monod (Anna Karina), manipulieren, um das Geld ihres Vormunds zu stehlen. Berühmt sind die Szene, in der Odile, Franz und Arthur durch die große Galerie des Louvre rennen, um einen Geschwindigkeitsrekord zu brechen, und die Szene, in der die drei Charaktere in einem Café Madison tanzen.

Eine verheiratete Frau zeigt das Leben einer Pariser Frau, die zwischen ihrem Liebhaber und ihrem Ehemann hin- und hergerissen ist, bis sie schwanger wird. Godard zeigt kühl Momente aus dem Leben dieser Frau, indem er „die Subjekte wie Objekte filmt“. Der Film wurde in vier Monaten zwischen Mai, als Godard seinem Produzenten einen ersten Entwurf vorlegte, und den Filmfestspielen von Venedig im September gedreht. Ende September wird der Film von der Filmprüfungskommission verboten, die zum einen den ursprünglichen Titel La Femme mariée als empörend für die Gesamtheit der Frauen und zum anderen die Inszenierung der Sexualität als zu suggestiv erachtet. Dieses Verbot führt zu einem Skandal in der Presse. Schließlich stimmt Godard zu, den Titel zu ändern und einige Szenen umzuschneiden, damit sein Film gezeigt werden kann.

Im Januar 1965 drehte Godard Alphaville, ein seltsames Abenteuer des Lemmy Caution, einen Science-Fiction-Film, der die Besonderheit aufweist, dass er in Paris an realen Schauplätzen statt im Studio gedreht wurde. Diese ästhetische Entscheidung entspringt der Idee, dass die Zukunft bereits da ist und dass Paris und seine Bewohner 1965 bereits zu Maschinen geworden sind. Die besondere Atmosphäre des Films ist zum großen Teil auf die Entscheidung zurückzuführen, nachts und ohne Beleuchtung mit einem sehr empfindlichen Film zu drehen, was zu einem kontrastreichen Schwarz-Weiß und einem dämmrigen Eindruck führt. Der Film wurde im Juni 1965 bei den Berliner Filmfestspielen mit dem Goldenen Bären ausgezeichnet.

Nach Alphaville dreht Godard Pierrot le Fou. Der Film ist ein Roadmovie durch Frankreich. Ferdinand (Jean-Paul Belmondo) und Marianne (Anna Karina) fliehen aus Paris und der Gesellschaft, die sie langweilt, in den Süden Frankreichs. Die kriminelle Intrige, die den Rahmen des Films bildet, wird beiläufig behandelt. Der Film wurde 1965 auf der Mostra in Venedig gezeigt und löste kontroverse Reaktionen aus, doch Godard erhielt große Unterstützung, insbesondere durch einen Text von Louis Aragon in Les Lettres françaises mit dem Titel „Qu’est-ce que l’art, Jean-Luc Godard?“. Aragon schätzte Godards Kunst der Collage und sah in seinem Werk eine Fortsetzung des Kubismus. Im Gegensatz dazu griff der Kritiker Bernard Dort Godard in Les Temps modernes scharf an und sah in ihm einen nostalgischen Reaktionär. Der Film hat 1,3 Millionen Besucher.

Pierrot le Fou stellt eine Art Abschluss in Godards Werk dar und er muss nun etwas anderes beginnen. Ende 1965 drehte er Masculin féminin, einen Film nach zwei Kurzgeschichten von Guy de Maupassant, Le Signe und La Femme de Paul, mit Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya und Marlène Jobert. Es handelt sich um einen soziologischen Untersuchungsfilm über die Jugend der 1960er Jahre. Jean-Pierre Léauds Figur, die den Namen Paul Doinel trägt, ähnelt François Truffauts Figur Antoine Doinel. Wie dieser ist er in der sozialen Welt unangepasst und unglücklich verliebt.

Im Laufe der 1960er Jahre verlagerte sich Godards politische Orientierung nach links. Die Zensur von Une femme mariée (1964) ist ein wichtiger Moment in seiner politischen Entwicklung. Als der Informationsminister 1966 Jacques Rivettes Suzanne Simonin, Diderots Religieuse, verbietet, greift Godard André Malraux öffentlich an, indem er in Le Nouvel Observateur einen Text mit dem Titel „Lettre ouverte à André Malraux, ministre de la Kultur“ (Offener Brief an André Malraux, Minister für Kultur) veröffentlicht. Malraux erlaubte schließlich die Vorführung von La Religieuse bei den Filmfestspielen in Cannes im selben Jahr.

Im Sommer 1966 drehte er zwei Filme hintereinander. Made in USA wurde unter Zeitdruck auf Wunsch des Produzenten Pierre Braunberger gedreht, der ein neues Projekt für seine Produktionsfirma brauchte. Der Film zeigt das Leben der Reporterin Paula Nelson, die den Tod ihres Freundes Richard Politzer untersucht, aber die meisten Kommentatoren betonten die Inkohärenz der Erzählung. Godard schloss im August 1966 mit den Dreharbeiten zu Deux ou trois choses que je sais d’elle (Zwei oder drei Dinge, die ich von ihr weiß) an. Der Film erzählt einen Tag im Leben einer jungen Frau, Juliette Janson (Marina Vlady), die in den großen Wohnsiedlungen lebt und gelegentlich der Prostitution nachgeht, um sich Kleider zu kaufen oder zum Friseur zu gehen. In seinem Ansatz lässt sich Godard offen vom Strukturalismus inspirieren und versucht, eine „soziologische Untersuchung“ der französischen Gesellschaft durchzuführen.

Die Mao-Jahre (1967-1973)

Jean-Luc Godard lernt Anne Wiazemsky, die Enkelin von François Mauriac, bei den Dreharbeiten zu Robert Bressons Au hasard Balthazar im August 1965 kennen. Nachdem sie seine Annäherungsversuche abgelehnt hatte, schrieb sie ihm im Juni 1966 einen Liebesbrief. Anne Wiazemsky hatte gerade ihr Abitur gemacht und ging an die Universität von Nanterre. Durch sie entdeckte Godard das Studentenmilieu, das ihm als Hintergrund für La Chinoise diente. Am 21. Juli 1967 heiratete er Anne Wiazemsky. Das Paar trennte sich im Oktober 1970.

Im Jahr 1967 drehte Godard die Filme La Chinoise und Week-end. Der erste Film erzählt das Leben einer Gruppe junger Maoisten, als diese Bewegung in Frankreich aufkam. Der Film wurde im August 1967 beim Festival von Avignon im Hof des Papstpalastes und im September bei den Filmfestspielen von Venedig gezeigt und kam zur gleichen Zeit in Paris heraus. Godard befand sich zu diesem Zeitpunkt auf dem Höhepunkt seines Bekanntheitsgrades und der Film wurde mit Spannung erwartet, aber nicht sehr gut aufgenommen. Die Filmkritik ist eher positiv, aber die maoistischen Aktivisten sind sehr heftig gegen den Film: Sie sehen ihn als Provokation und sind empört darüber, dass die Maoisten in dem Film als junge Bürger dargestellt werden, die Revolution spielen.

In Week-end zeigt Godard ein Paar, das für ein Wochenende zu einer Schwiegermutter fährt und hofft, deren Erbe zu bekommen. Das Wochenende eskaliert schnell mit Figuren, denen jegliche Menschlichkeit fehlt, und nimmt bald apokalyptische Züge an. Godard selbst nimmt vorweg, dass sein Film dem Publikum missfallen wird und bezeichnet ihn als „bösartig, grob und karikaturistisch“. Nach diesem Film plante Godard, mit dem Filmemachen aufzuhören, zumindest so, wie er es seit Anfang der 1960er Jahre getan hatte, und riet seinen wichtigsten Mitarbeitern, Raoul Coutard, Suzanne Schiffman und Agnès Guillemot, mit anderen Filmemachern zu arbeiten.

Das Jahr 1968 war ein Wendepunkt in Godards Karriere. Er entfernte sich von dem klassischen Kino, das er bis dahin praktiziert hatte, engagierte sich in den verschiedenen politischen Kämpfen der Zeit (die Langlois-Affäre, das Engagement gegen den Vietnamkrieg und auf seine Weise Mai 68) und suchte durch den Didaktismus von Gai Savoir oder die Flugblätter des Mai 68 nach neuen Arten, Filme zu machen.

Im Januar dreht er für das französische Fernsehen Le Gai Savoir mit Jean-Pierre Léaud und Juliet Berto. Durch seinen Didaktismus ist der Film eine Fortsetzung von La Chinoise. Der Film wurde im August des Jahres nach den Ereignissen von 68 geschnitten, vom ORTF abgelehnt und von der Kontrollkommission für das Kino verboten.

Im Februar 1968 unternahm der Kulturminister André Malraux den Versuch, einen neuen künstlerischen Leiter für die französische Kinemathek wählen zu lassen, der Henri Langlois ersetzen sollte. Wie seine Mitstreiter der Nouvelle Vague hatte Godard dank Langlois die Cinephilie in der Kinemathek entdeckt und konnte den Gedanken nicht ertragen, dass die Regierung ihn ersetzen wollte. Zusammen mit anderen Filmemachern und Cinephilen nahm er an den Demonstrationen am 12. Februar in der Rue d’Ulm und am 14. Februar im Palais de Chaillot teil und gründete das Komitee zur Verteidigung der französischen Kinemathek. Langlois wurde schließlich am 22. April 1968 wieder eingestellt.

Zusammen mit anderen Filmemachern wie Philippe Garrel und Chris Marker nahm er an den Ereignissen im Mai 68 teil, indem er einerseits die Demonstrationen verfolgte und filmte, andererseits an den Generalständen des französischen Kinos an der École technique de photographie et de cinéma de la rue de Vaugirard und der IDHEC teilnahm und schließlich zusammen mit François Truffaut, Alain Resnais, Claude Lelouch, Louis Malle und anderen die Einstellung des Filmfestivals von Cannes aus „Solidarität mit den Studenten“ forderte. Mit Chris Marker beteiligte er sich an der Herstellung von Cinétracts, dreiminütigen Kurzfilmen, in denen revolutionäre Slogans mit Bildern von Demonstrationen oder Verfremdungen von Werbebildern vermischt wurden. Der Mai 68 war für Godard jedoch auch eine Zeit der Enttäuschung, da er sich von der Bewegung der Filmemacher abwandte und nicht an der Gründung der Société des réalisateurs de films (Gesellschaft der Filmregisseure) teilnahm. Schließlich ist es auch der Moment, in dem Godard seinen Bekanntheitsgrad in Frage stellt und wieder anonym werden möchte. Er stellte auch den Begriff des Autors in Frage, den er als Kritiker bei den Cahiers du cinéma verteidigt hatte.

Nach Mai 68 reiste er nach London, um die Rolling Stones bei der Aufnahme von Sympathy for the Devil zu filmen. In seinem Film, der ursprünglich den Titel One + One trug, stellt Godard die gefilmten Proben der Rolling Stones Szenen gegenüber, die keinen offensichtlichen Bezug zu den Aufnahmen haben und in denen unter anderem die Black Panthers auftreten. Der Film zeigt die Stones bei der Arbeit und dekonstruiert so den Mythos des schöpferischen Genies. Im Juli drehte Godard in Frankreich Un film comme les autres, in dem er Studenten aus Nanterre und Arbeiter aus der Renault-Fabrik in Flins über die Lehren des Mai 68 diskutieren ließ. Der Film ist absichtlich unspektakulär und der Film wird kaum gezeigt.

Im Herbst 1968 schlugen Richard Leacock und Don Alan Pennebaker Godard vor, in die Vereinigten Staaten zu kommen, um einen Film über den Zustand Amerikas zu drehen. Nachdem Godard fast einen Monat lang quer durch Amerika gedreht hatte, gab er das Projekt auf. Er war sehr enttäuscht von den Wiederholungen und mochte Pennebakers Art zu filmen nicht. Schließlich verwenden Pennebaker und Leacock die Dailies, um einen Film mit dem Titel One Parallel Movie zu drehen. Danach unternahm er mit Jean-Henri Roger, einem 20-jährigen maoistischen Studenten, British Sounds (1969), einen Film über den Zustand Großbritanniens für den britischen Fernsehsender LWT. Anschließend reisten sie nach Prag, um Pravda zu drehen, einen Film über die Tschechoslowakei ein Jahr nach dem Prager Frühling.

Im Sommer 1969 begann Godard, mit Marc’O und Daniel Cohn-Bendit, den er seit 1967 über Anne Wiazemsky kannte, in Rom einen „linksextremen Western“ mit dem Titel Vent d’est zu drehen. Zu Beginn handelt es sich um ein utopisches Projekt, bei dem alle Beteiligten zu gleichen Teilen bezahlt werden und vor allem das Drehbuch und der Arbeitsplan kollektiv auf Generalversammlungen erarbeitet werden. Ziemlich schnell spaltete sich das Team und die anarchistischen Freunde von Cohn-Bendit konnten sich nicht mit den maoistischen Freunden von Godard einigen. Einige wie Marc’O geben das Projekt auf. Godard wendet sich daraufhin an seinen Freund Jean-Pierre Gorin, der ihm helfen soll, den Film wieder in den Griff zu bekommen. Nach den Dreharbeiten arbeiteten Godard und Gorin vier Monate lang allein an der Montage des Films. Schließlich war Vent d’est die Geburtsurkunde der Gruppe Dziga Vertov, ein kollektives Pseudonym, das hauptsächlich von Godard und Gorin in Anlehnung an den sowjetischen Regisseur Dziga Vertov gebildet wurde. Godard und Gorin streben danach, „politisch politisches Kino“ zu machen. Mit dieser Gruppe versucht Godard auch, seinen Status als „Autor“ vergessen zu machen. Anschließend drehten sie für die RAI Luttes en Italie, wobei sie sich hauptsächlich an den Schriften von Louis Althusser orientierten, und gingen dann mit Armand Marco und Elias Sanbar nach Palästina, um Jusqu’à la victoire zu drehen. Der Film blieb unvollendet, aber die aufgenommenen Bilder und Töne wurden später in Ici et ailleurs (1974) wiederverwendet. Nach dem Misserfolg des palästinensischen Films dreht die Gruppe Dziga Vertov Vladimir und Rosa, inspiriert durch den Prozess der Chicagoer Acht. Zum ersten Mal ist Godard auch Schauspieler und versucht sich an der Burleske.

So drehten Godard und Gorin von 1968 bis 1973 gemeinsam Filme mit einer besonders maoistischen Botschaft. Auf Initiative des Produzenten Jean-Pierre Rassam kehrten sie mit Tout va bien zu einer klassischeren Form des Kinos zurück und arbeiteten wieder mit bekannten Schauspielern (Yves Montand und Jane Fonda) zusammen. Der Film, der im April 1972 in die Kinos kam, kostete 2,5 Millionen Francs und erreichte in Paris nur 78.000 Zuschauer.

Am 9. Juni 1971, während der Vorbereitungen zu Tout va bien, hatte Jean-Luc Godard einen schweren Motorradunfall, bei dem sein Becken gebrochen wurde und er eine Woche lang im Koma lag. Er muss sich zahlreichen Operationen unterziehen und bleibt mehr als sechs Monate im Krankenhaus und muss drei Jahre lang regelmäßige Krankenhausaufenthalte absolvieren. In dieser Zeit freundet er sich mit Anne-Marie Miéville an, die er einige Monate zuvor in Lausanne kennengelernt hatte. Als er im November 1971 aus dem Krankenhaus entlassen wurde, zog er zu ihr und schlug ihr vor, als Setfotografin bei Tout va bien mitzuarbeiten.

Nach Tout va bien versuchte Jean-Pierre Gorin, seinen eigenen Film L’Ailleurs immédiat zu drehen, stieß aber auf zahlreiche Schwierigkeiten und fühlte sich von Godard nicht unterstützt, was das Ende ihrer Zusammenarbeit bedeutete. Gorin verließ Frankreich Anfang 1973, um in Mexiko und später in Kalifornien zu leben. Einige Monate später war es François Truffaut, der sich endgültig von Godard trennte. Nach der Veröffentlichung von La Nuit américaine schrieb Godard einen Brief an Truffaut, in dem er den Film scharf kritisierte und gleichzeitig um Geld für seinen nächsten Film bat. Dieser antwortete ihm heftig und beschuldigte ihn, nicht auf andere zu achten, „die Menschen nur theoretisch zu lieben“ und sich wie eine Diva zu verhalten.

Die Video-Jahre (1973-1979)

Anfang 1973, nach der Auflösung der Gruppe Dziga Vertov, plante Godard, einen Film in Form eines autobiografischen Bekenntnisses mit dem Titel Moi Je zu drehen. Zum ersten Mal plante er, den traditionellen Kinofilm aufzugeben und seinen Film vollständig auf Video zu drehen. Er investierte das gesamte Geld, das er vom CNC für den Film erhalten hatte, in Videomaterial, um völlig unabhängig zu werden. Zu diesem Zeitpunkt lernte er Jean-Pierre Beauviala kennen, einen Ingenieur aus Grenoble, Erfinder der Paluche, einer ultraleichten Kamera, und Leiter der Firma Aäton, der ihn einlud, Ende 1973 nach Grenoble zu ziehen. Godard verließ Paris abrupt mit Anne-Marie Miéville und baute sein Videostudio in Grenoble wieder auf, wo er eine neue Produktionsfirma mit dem Namen Sonimage gründete. Er holte Gérard Teissèdre, einen Spezialisten für Video, Fotografie und Automatik, nach Grenoble, um den Aufbau und die Neuerungen des Videostudios zu gewährleisten.

Anne-Marie Miéville und Jean-Luc Godard arbeiten mit den Bildern, die sie 1970 für Jusqu’à la victoire in Palästina gedreht haben, und analysieren sie kritisch, um einen neuen Film zusammenzustellen: Ici et ailleurs (1974). Godard und Miéville entdeckten dabei, dass einige palästinensische Kämpfer Angst vor der israelischen Armee hatten und ihren Anführern nicht vertrauten. Der Film kam am 15. September 1976 relativ unbeachtet in die Kinos, löste aber im Nachhinein einen Skandal aus wegen der radikal pro-palästinensischen Einstellung des Films und der Verbindung, die durch die Montage eines Fotos von Golda Meir, der Premierministerin Israels von 1969 bis 1974, und eines Fotos von Adolf Hitler hergestellt wurde.

Der Produzent Georges de Beauregard schlug Godard daraufhin vor, ein Remake von À bout de souffle zu drehen. Godard wich von dem Auftrag ab und drehte einen Film mit dem Titel Numéro deux, in dem er das Alltagsleben von drei Generationen, einem jungen Paar, ihren zwei Kindern und ihren Eltern in Grenoble, zeigte. Der Film, der im September 1974 in Paris veröffentlicht wurde, war ein kommerzieller Misserfolg, spaltete aber erneut die Kritiker wie zu Zeiten von Pierrot le Fou. Die technische Besonderheit des Films ist, dass er auf Video gedreht und anschließend auf Silberfilm übertragen wurde.

Im Juni 1976 gab das Institut national de l’audiovisuel bei ihm eine Serie von sechs mal zwei einstündigen Filmen für den französischen Fernsehsender FR3 in Auftrag, die innerhalb einer sehr kurzen Frist von zwei Monaten gedreht werden sollte. Godard hatte schon seit langem den Plan gehegt, Fernsehen zu machen, und war froh, endlich die Möglichkeit dazu zu haben. Die Serie mit dem Titel Sechsmal zwei

1976, als er seines Lebens in Grenoble überdrüssig war, ließ er die Räumlichkeiten der Firma Sonimage räumen, ohne das vorhandene Personal darüber zu informieren. Sonimage wird später wegen dieser Vorfälle verurteilt. Godard zog im Frühjahr 1977 mit seiner Lebensgefährtin Anne-Marie Miéville nach Rolle in der Schweiz, ganz in der Nähe der Stadt Nyon, wo er seine Kindheit verbracht hatte. Anlässlich des hundertsten Jahrestages der Veröffentlichung von Tour de la France par deux enfants wollte der französische Fernsehsender Antenne 2 eine Adaption für das Fernsehen in Form einer Serie mit zwölf 26-minütigen Episoden erstellen und gab den Auftrag schließlich an Godard weiter. Wie üblich verdrehte er den ursprünglichen Auftrag und drehte eine Serie mit dem Titel France tour détour deux enfants, in der er den Alltag zweier Kinder im heutigen Frankreich filmte. Antenne 2 verlor das Interesse an dieser Serie und strahlte sie erst im April 1980 aus.

Die Rückkehr ins Kino (1980-1988)

Nach den Videojahren versuchte Jean-Luc Godard, zum klassischen Filmgeschäft zurückzukehren. Im Mai 1979 kontaktierte er Jean-Paul Belmondo, der die Rechte an der Verfilmung der Biografie Jacques Mesrine gekauft hatte. Belmondo misstraute Godard und lehnte eine erneute Zusammenarbeit mit ihm ab, da er befürchtete, dass sein Film zu experimentell sein würde. Godard erwog daraufhin, mit Francis Ford Coppola einen Film in den USA zu drehen. Zusammen mit dem Drehbuchautor Jean-Claude Carrière schrieb er ein Drehbuch mit dem Titel The Story, das auf dem Buch des Schriftstellers Henry Sergg über den Mafioso Bugsy Siegel basierte. Das Projekt geriet ins Stocken und Godard gab es schließlich auf, insbesondere nachdem Diane Keaton sich geweigert hatte, in dem Film mitzuspielen.

Mit Sauve qui peut (la vie) (1980) kehrte Godard schließlich zum Film zurück. Der Film leitet mit sieben Spielfilmen in sieben Jahren eine neue Periode in seinem Werk ein. Er porträtiert drei Personen in vier separaten Episoden. Godard, der schriftlichen Drehbüchern misstraute, ging neue Wege, indem er eine Videokassette an die Kommission für Einnahmenvorschüsse des CNC schickte. Der Film wurde vom Publikum recht gut aufgenommen (620 000 Besucher), spaltete aber erneut die Kritiker. In der Zeitschrift Cinéma 80 sah Gérard Courant in Sauve qui peut (la vie) „einen genialen Film, der von einem Genie des Kinos gemacht wurde“.

Der nächste Film, Passion (1982), entstand aus dem Wunsch heraus, mit Hanna Schygulla, der Muse von Rainer Werner Fassbinder, zu drehen. Der Film zeigt gleichzeitig einen Film, der gerade gedreht wird, in dem der Regisseur versucht, berühmte Gemälde zu reproduzieren, das Hotel, in dem das Filmteam mit der Chefin (Hanna Schygulla) und ihrem Mann (Michel Piccoli), einem Fabrikdirektor, untergebracht ist, und schließlich Isabelle (Isabelle Huppert), eine junge Arbeiterin, die in der Fabrik des Mannes streikt. Während die Kritik den Film gut aufnahm, waren die Zuschauerzahlen deutlich niedriger als beim Vorgängerfilm (207.000).

Godard drehte anschließend Prénom Carmen, eine in die heutige Zeit versetzte Adaption von Carmen, in der er die Musik von Georges Bizet durch Beethovens Streichquartette ersetzte. Ursprünglich sollte der Film mit Isabelle Adjani gedreht werden, doch sie verließ die Dreharbeiten nach einigen Tagen, weil sie die Art und Weise, wie Godard sie filmte, nicht ertragen konnte. Sie wurde durch Maruschka Detmers ersetzt. Vorname Carmen war auch der erste Film seit Vladimir und Rosa, in dem Godard sich selbst eine wichtige Rolle gab, und somit das erste Mal, dass das breite Publikum seine schauspielerische Leistung auf der Leinwand entdeckte. Der Film gewann 1983 den Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig und war ein Publikumserfolg (395.000 Besucher).

Bei den Dreharbeiten zu Passion lernte Godard Myriem Roussel kennen, eine junge Schauspielerin, mit der er eine enge Beziehung aufbaute und mit der er mehrere Filmprojekte plante, darunter Dora et Freud, ein Film über die Beziehung zwischen Sigmund Freud und seiner ersten Patientin, und L’Homme de ma vie, ein Film über Inzest. Godard gab ihr eine wichtige Rolle in Prénom Carmen, aber erst mit Je vous salue, Marie (1985) kam ihre Zusammenarbeit zu einem Abschluss. Er erzählt die Geschichte von Maria neu, indem er sich von Françoise Doltos und Gérard Sévérins Buch L’Évangile au risque de la psychanalyse inspirieren lässt und sie in die heutige Zeit überträgt. Parallel dazu dreht Anne-Marie Miéville ihren eigenen Film zum selben Thema mit dem Titel Le Livre de Marie, der als Vorwort zu Godards Film angekündigt wird. Godards Film löst einen riesigen Skandal aus und sorgt für Empörung bei den Katholiken zunächst in Frankreich, aber auch in Lateinamerika. Das Publikum war erneut begeistert (350 000 Kinobesucher in Frankreich).

Um Je vous salue, Marie zu beenden, dessen Dreharbeiten länger als geplant dauerten, verpflichtete sich Godard, Détective zu drehen, der als Godards Kriminalroman angepriesen wurde. Für diesen Film, der auf Initiative des Produzenten Alain Sarde entstand, versammelte Godard Johnny Hallyday, Nathalie Baye, Claude Brasseur, Jean-Pierre Léaud, Alain Cuny und Laurent Terzieff. Der Film, der im September 1984 gedreht wurde, wurde 1985 bei den Filmfestspielen in Cannes vorgestellt. Die Presse reagierte mit gemischten Reaktionen, aber der Film war erneut ein Erfolg in den Kinos (380.000 Besucher in Frankreich).

Im Februar 1986 drehte er für das Fernsehen Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma mit Jean-Pierre Mocky in der Rolle eines Produzenten und Jean-Pierre Léaud in der Rolle eines Regisseurs. Es folgten die Dreharbeiten zu Soigne ta droite, einer burlesken Komödie mit Jacques Villeret, Dominique Lavanant, Michel Galabru und den Rita Mitsouko, in der er sich selbst eine burleske Rolle als idiotischer Filmemacher gab. Der Film, der im Dezember 1987 in die Kinos kam, hatte in Frankreich nur 130.000 Zuschauer. 1985 unterzeichnete er einen Vertrag mit dem Produzenten Menahem Golan, um in den USA eine Adaption von William Shakespeares König Lear zu drehen. Dennoch gestaltet sich die Umsetzung des Projekts schwierig. Godard bat den amerikanischen Schriftsteller Norman Mailer um ein Drehbuch und lehnte dieses dann ab. Schließlich drehte er im Februar 1987 am Genfer See mit Peter Sellars, Burgess Meredith, Molly Ringwald, Julie Delpy und Leos Carax und stellte den Film bei den Filmfestspielen von Cannes im selben Jahr vor. Der Produzent war empört über Godards Arbeit und insbesondere über die Tatsache, dass Godard ihre privaten Gespräche in dem Film verwendet hatte. Der Film wurde in Frankreich nicht gezeigt und blieb in den USA nur fünf Tage im Kino. Der Film wurde 2002 in Frankreich vertrieben und erreichte nur 9.000 Besucher.

Die Geschichte(n) des Kinos (1988-2000)

Von 1988 bis 1998 unternahm er Histoire(s) du cinéma, eine umfangreiche philosophisch-ästhetische Freske, die aus Collagen und Zitaten im Stil von André Malraux‘ Musée imaginaire besteht. Von dieser achtteiligen Serie veröffentlichte er eine mit Fotogrammen illustrierte Version im Verlag Gallimard. Das Projekt wurde 1998 abgeschlossen. In seinen Histoire(s) du cinéma benutzt Godard das Kino als Mittel zum Denken. In einem Interview mit Les Inrockuptibles im Jahr 1998 erklärte er: „Ich habe eine Echographie der Geschichte über das Kino gemacht. Aufgrund seines Materials, das gleichzeitig Zeit, Projektion und Erinnerung ist, kann das Kino ein Echo der Geschichte machen, indem es sein eigenes Echo macht. Und eine vage Vorstellung von der Zeit und der Geschichte der Zeit vermitteln. Da es im Kino um Zeit geht, die vergeht. Wenn man sich der Mittel des Kinos bedienen würde – das dafür gemacht ist -, würde man eine bestimmte Art des Denkens erreichen, die es ermöglichen würde, die Dinge zu sehen.“ Dieser Filmessay wirft komplexe urheberrechtliche Probleme auf. Godard übernimmt nämlich Ausschnitte aus Filmen, um sie in seine Histoire(s) du cinéma einzufügen, aber im Kino gibt es kein Zitatrecht wie in der Literatur, was die Veröffentlichung des Films schwierig macht.

Parallel zu seiner Arbeit an Histoire(s) du cinéma dreht Godard weiter. Er drehte Nouvelle Vague (1990) mit Alain Delon. Der Film erzählt die Geschichte eines Mannes, der von seiner Frau verlassen wird, während er ertrinkt, sie dann wiederfindet, sie verführt und sie wiederum vor dem Ertrinken rettet, bevor sie ihn wiedererkennt. Der Film wurde im Mai 1990 bei den Filmfestspielen in Cannes vorgestellt. Der Erfolg in den Kinos war mäßig (140.000 Besucher in Frankreich). Danach drehte er Deutschland 90 neun null unter Mitarbeit seines ehemaligen Assistenten Romain Goupil. Er drehte auch kurze Essays wie L’Enfance de l’art für Unicef, Pour Thomas Wainggai für Amnesty International und (Parisienne People)s, einen mit Anne-Marie Miéville gedrehten Werbespot für die Zigarettenmarke Parisienne, und dann einen ambitionierteren Film, Les Enfants jouent à la Russie (en).

Er drehte Hélas pour moi (1993) mit dem Schauspieler Gérard Depardieu. Der Film war wenig erfolgreich (80.000 Besucher in Frankreich). Anschließend drehte er für Gaumont ein Selbstporträt mit dem Titel JLG

1996 führte er Regie bei For Ever Mozart. Der Film hat in der gesamten Europäischen Union 56.000 Besucher. Godard selbst beurteilt den Film recht streng: Er ist der Meinung, dass die Schauspieler nicht gut genug sind und der Film zu theoretisch bleibt.

Anne-Marie Miéville engagierte ihn als Schauspieler für ihren Film Nous sommes tous encore ici (1996), um einen anderen Schauspieler zu ersetzen, der im letzten Moment abgesagt hatte, und engagierte ihn dann erneut für Après la réconciliation (1999).

Jahre 2000

Das Projekt Éloge de l’amour wurde 1996 ins Leben gerufen, aber die Vorbereitungen für den Film dauerten sehr lange und Godard schrieb das Drehbuch mindestens viermal um. Die Dreharbeiten zogen sich über das ganze Jahr 1999 hin und der Schnitt dauerte weitere 15 Monate. Der 2001 veröffentlichte Film wurde von der Kritik relativ kühl aufgenommen und war beim Publikum wenig erfolgreich (75.000 Besucher in Frankreich).

Godard führte anschließend Regie bei Notre musique. Der Film, der 2004 in die Kinos kam, stieß beim Publikum auf sehr geringe Resonanz (28.000 Besucher in Frankreich).

Im Jahr 2006 gab Dominique Païni Jean-Luc Godard freie Hand bei der Organisation einer Ausstellung im Centre Georges-Pompidou, die ursprünglich den Titel Collage(s) de France trug. Archäologie des Kinos. Er schlug ein finanziell nicht realisierbares Projekt vor, und die Ausstellung wurde der Öffentlichkeit unvollendet unter dem Titel Voyage(s) en utopie. Auf der Suche nach einem verlorenen Theorem. JLG 1945-2005.

Diese Erfahrung einer unmöglichen Ausstellung ist der Ausgangspunkt für einen Film von Alain Fleischer über Jean-Luc Godard mit dem Titel Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard. Der Film zeigt Godard bei der Arbeit in Rolle, Treffen mit Studenten des Fresnoy, Gespräche mit Jean-Marie Straub, Danièle Huillet, Nicole Brenez, Dominique Païni, Jean-Michel Frodon, Jean Douchet, Jean Narboni und André S. Labarthe.

2008 drehte er einen Trailer für das Filmfestival in Wien mit dem Titel Une catastrophe. 2010, nach dem Tod von Éric Rohmer, drehte Godard einen Hommage-Film von 3 min 26 s. Der Film greift die Titel von Rohmers Artikeln aus den 1950er Jahren auf, während Godard im Voice-over gemeinsame Erinnerungen wachruft.

Jahre 2010

2010 führte Godard Regie bei Film Socialisme. Der Film wurde bei den Filmfestspielen von Cannes 2010 in der Sektion „Un Certain Regard“ ausgewählt. Vor der Vorführung seines Films verbreitet er im Internet komprimierte Versionen, in denen man alle Bilder des Films im Zeitraffer sehen kann. Der Film, der aus einer Reihe von zusammengeklebten Sketchen besteht, hat insgesamt 38.000 Besucher in allen Ländern der Europäischen Union.

Im November 2010 erhielt Jean-Luc Godard einen Ehrenoscar für sein Lebenswerk. Bei der Verleihung des Preises im November 2010 sagte der Drehbuchautor Phil Alden Robinson: „Godard hat die Art und Weise verändert, wie wir schreiben, Regie führen, drehen und schneiden. Er hat nicht nur die Regeln auf den Kopf gestellt. Er überfuhr sie mit dem Auto, bevor er im Rückwärtsgang noch einmal darüber fuhr, um sicherzugehen, dass sie auch wirklich tot waren“.

Die Oscar-Verleihung belebt die Antisemitismusvorwürfe, denen er seit den 1970er Jahren ausgesetzt ist. Am 6. Oktober 2010 flammte die Kontroverse in den USA erneut auf, als das Jewish Journal of Greater Los Angeles (en) die Schlagzeile „Ist Jean-Luc Godard ein Antisemit?“ veröffentlichte. Zur gleichen Zeit befasst sich Alain Fleischer in einem Buch mit dem Titel Réponse du muet au parlant mit dieser Frage und weist auf trübe Äußerungen zu diesem Thema hin. Daniel Cohn-Bendit in der Zeitung Le Monde und Antoine de Baecque auf der Website Rue89 sind der Ansicht, dass Godards Antizionismus nicht mit Antisemitismus gleichgesetzt werden kann. Der Vorwurf des Antisemitismus wird auch vom Schriftsteller Maurice Darmon in einem Buch mit dem Titel La Question juive de Jean-Luc Godard (Die Judenfrage von Jean-Luc Godard) bestritten.

Nach Film Socialisme experimentiert Jean-Luc Godard mit 3D-Kino. Er drehte einen Kurzfilm, Les Trois Désastres, der bei der Woche der Kritik der Filmfestspiele von Cannes 2013 in einem gemeinsamen Triptychon mit Peter Greenaway und Edgar Pêra mit dem Titel 3x3D gezeigt wurde, und einen Spielfilm, Adieu au langage, der für den Wettbewerb der Filmfestspiele von Cannes 2014 ausgewählt wurde. Godard reiste nicht nach Cannes, um seinen Film vorzustellen, sondern schickte einen „gefilmten Brief an Gilles Jacob und Thierry Frémaux“, einen achtminütigen Kurzfilm, um seinen Schritt zu erklären. Trotz seines Wunsches, keinen Preis zu erhalten, verleiht ihm die Jury nach acht Auswahlrunden seine erste Auszeichnung in Cannes: den Preis der Jury.

Anlässlich der Filmfestspiele von Cannes 2018 präsentierte er Le Livre d’image, einen experimentellen Film, der sich größtenteils der arabischen Welt widmet und ausgiebig Albert Cosserys Une ambition dans le désert zitiert. Der Regisseur reist nicht nach Cannes, sondern hält die Pressekonferenz per Videokonferenz ab. Diesmal erhält er für den Film eine „besondere“ Goldene Palme. Jean-Michel Frodon sieht darin eine „große Reise durch Bilder, Klänge und Ereignisse (die) eine auf die Geschichte des Nahen Ostens konzentrierte Reflexion aufbaut, um die Herausforderungen eines revolutionären Strebens in der Zukunft neu zu formulieren“.

Im Oktober 2019 erscheint er auf der Titelseite der Cahiers du Cinéma mit einer rauchenden Zigarre im Schnabel. In diesem langen Interview mit Stéphane Delorme und Joachim Lepastier spricht der Filmemacher über sein Leben und seinen neuesten Film Le Livre d’image.

Seit 2002 arbeitete der Regisseur Fabrice Aragno mit Jean-Luc Godard an seinen letzten Filmen zusammen und wurde bis zu seinem Tod sein Vertrauter.

Jean-Luc Godard stirbt am 13. September 2022 im Alter von 91 Jahren. Der Regisseur nimmt aufgrund von invalidisierenden Mehrfacherkrankungen den assistierten Suizid in Anspruch, eine Praxis, die in der Schweiz legal ist und unter Aufsicht steht. Sein Körper wird am 15. September eingeäschert und seine Asche wird seiner Witwe übergeben.

Titel

Godard wählt den Titel seines nächsten Films in der Regel aus, bevor er weiß, wie der Film aussehen wird. In einem Interview mit Serge Kaganski im Jahr 2004 erklärte er: „Der Titel kommt immer vorher. Der einzige Titel, den ich nach dem Film gefunden habe, war À bout de souffle (Außer Atem), und der gefällt mir überhaupt nicht. Für den nächsten hatte ich die Idee für einen Titel, Le Petit Soldat, noch bevor ich wusste, wie der Film aussehen würde. Die Titel sind zu künstlerischen Wegweisern geworden. Der Titel sagt mir, in welche Richtung ich suchen muss“.

Godard und die Kunst des Zitierens

Godards Filme sind von Zitaten bevölkert, seien sie nun malerischer, musikalischer, literarischer, philosophischer, historischer oder kinematografischer Art. In der Pressekonferenz, die Godard 1990 bei den Filmfestspielen in Cannes anlässlich der Veröffentlichung von Nouvelle Vague gab, bezeichnete er sich selbst als „bewussten Organisator des Films“ und nicht als Autor und erklärte seine Beziehung zu Zitaten: „Für mich gehören alle Zitate – seien sie malerisch, musikalisch, literarisch – zur Menschheit. Ich bin einfach derjenige, der Raymond Chandler und Fjodor Dostojewski eines Tages in einem Restaurant zusammenbringt, mit kleinen und großen Schauspielern. Das ist alles.“

Autobiografische Elemente

Jean-Luc Godard macht keine autobiografischen Filme. Dennoch kann man in einigen seiner Filme einige Elemente mit autobiografischem Charakter finden. In À bout de souffle zum Beispiel erinnert die Szene, in der Michel Poiccard seiner Freundin Liliane Geld stiehlt, während sie sich anzieht, an die Angewohnheit des jungen Jean-Luc Godard, Geld von Verwandten zu stehlen. In Le Petit Soldat sehen wir eine Jugend, die politische Provokationen, schöne Autos und obsessives Flirten liebt, was wahrscheinlich ziemlich nah an dem Milieu ist, in dem Godard 1953 und 1954 in Genf verkehrte. In Vorname Carmen spielt Godard selbst die Figur des Onkels Jean, eines in eine psychiatrische Klinik eingewiesenen Filmemachers. Godard war 1953 selbst in einer psychiatrischen Klinik, als er auf Wunsch seines Vaters eingewiesen wurde, um nach einem Diebstahl dem Gefängnis zu entgehen.

Aufbau von Filmen

Godard erklärt: „Ich habe eher Filme gemacht, wie zwei oder drei Jazzmusiker: Man gibt sich ein Thema, spielt und dann organisiert sich das Ganze.“ In unterschiedlichem Maße und je nach Epoche bricht der Filmemacher mit der narrativen Dimension des klassischen Kinos sowie mit der Idee von Figuren. Seine frühen Filme sind jedoch von B-Movies, Krimis und Film Noir beeinflusst, die er durch eine kritische Neuinterpretation der Genres auf Kosten einer traditionellen Erzählung zu transzendieren versucht. Alphaville ist eine Neuinterpretation der Antizipation. Sein Werk spielt mit falschen Anschlüssen und trennt das Bild vom Ton, die zu zwei eigenständigen Einheiten werden. Darüber hinaus vermischt Godard unterschiedslos Fiktion, Dokumentation, Aktivismus, Malerei, Soziologie, Musik und Videokunst. Es gibt nicht unbedingt ein Drehbuch oder vorgefertigte Dialoge, sondern eine Folge von Collagen oder ein Mosaik aus visuellen Fragmenten und verstreuten Notizen, die nach plastischen und klanglichen Verbindungen zusammengefügt werden. In seinen Umsetzungen liegt die Bedeutung, die den Bildern zu geben ist, beim Betrachter: Die Bedeutung entsteht nach dem Sehen und nicht davor.

Montage

Für den Philosophen Gilles Deleuze baut die Montagekunst bei Godard auf der Verwendung des UND auf, des Zwischenraums, um das Niemandsland der Grenzen zu zeigen: „Was bei ihm zählt, ist nicht 2 oder 3 oder wie viele, es ist UND, die Konjunktion UND. Der Gebrauch des ET bei Godard ist das Wesentliche. Es ist das Wichtige, weil unser Denken eher auf das Verb sein, EST, ausgerichtet ist. Das UND ist weder das eine noch das andere, es ist immer dazwischen, es ist die Grenze. Godards Ziel: „die Grenzen sehen“, d. h. das Unwahrnehmbare sehen lassen“.

Mise en abyme Spiele zum Thema Film

Das Kino greift in seinen Filmen sehr oft in abyme Spiele ein. Beispiele: Détective, wo man eine JVC-Kamera sieht, die filmt. An einer Stelle wendet sie sich dem Onkel (Terzieff) zu, wobei sie sich in Wirklichkeit der Kamera zuwendet, die sie filmt, wodurch ein ähnlicher Mise en abyme-Effekt wie bei der Eröffnung von Le Mépris entsteht.

Der Filmemacher spielt auch häufig auf Videomaterial an: AGFA-Neon in Détective, VHS und Videoklub in Hélas pour moi…

Die Abyssisierung ist sehr präsent durch die Aktivitäten der Charaktere, die :

Manchmal tauchen auch Plakate aus anderen Filmen auf. Beispiele: In Lob der Liebe ist das Plakat von Matrix zu sehen. In Die Verachtung und 2 oder 3 Dinge sieht man das Plakat von Vivre sa vie.

Verweise auf Filmszenen

Verweise auf Regisseure: Godards extrem referenzielles Kino wimmelt von Hommagen an seine Kollegen, und es wäre mühselig, sie alle aufzuzählen. Einige Beispiele: In Le Petit soldat spielt Anna Karina die Figur der Veronika Dreyer, was eine Hommage an einen von Godards Lieblingsregisseuren, Dreyer, zu sein scheint. In Vivre sa vie vie wird sie im Kino von dem Gesicht Falconettis, Dreyers Jeanne d’Arc, erschüttert. Fritz Lang spielt in Die Verachtung seine eigene Rolle, in Godards Hommage an einen seiner Meister. Allgemeiner gesagt, gibt es in Godards Werken fast immer einen Regisseur, der abymisiert wird: in Le Mépris ist es Lang, in Pierrot le Fou ist es Fuller, in La Chinoise ist es er selbst, in Tout va bien ist es Montand, in Sauve qui peut (la vie) ist es Dutronc, in Passion ist es Djerzy, in Prénom Carmen ist es er selbst, in Soigne ta droite, King Lear und Notre musique auch.

Verweise auf die Malerei

Godards Werk enthält zahlreiche Verweise auf die Malerei :

Das Spiel der Verweise zwischen Godards Filmen

Godards Kinematographie hat eine starke selbstreferentielle Dimension, da seine Filme aufeinander verweisen:

Jean-Luc Godard sprach sich gegen Stierkämpfe aus, verteidigte Roman Polanski bei seiner Verhaftung im Jahr 2009 und sprach sich gegen das Hadopi-Gesetz aus.

In den 1970er Jahren äußerte sich Jean-Luc Godard in Filmen wie Ici et ailleurs und Notre musique positiv über die palästinensische Sache und antiisraelische Ansichten, was ihm den Vorwurf des Antisemitismus einbrachte. Zu ersten Kontroversen kam es 1974, als er ein Bild von Adolf Hitler mit dem der israelischen Premierministerin Golda Meïr zusammenbrachte, die Bibel als „zu totalitär“ kritisierte und den Völkermord an den Juden mit dem israelisch-palästinensischen Konflikt in Verbindung brachte, was als beleidigend empfunden wurde. In den folgenden Jahren machte er weitere polemische Äußerungen über das jüdische Volk und die Israelis. So verglich er in einem Film aus dem Jahr 1970 über den israelisch-palästinensischen Konflikt die Juden mit den Nazis: „Die Juden machen mit den Arabern, was die Nazis mit den Juden gemacht haben“. Jean-Luc Godard erklärte jedoch auch, dass er vom Antisemitismus seines Großvaters mütterlicherseits schockiert gewesen sei und angesichts der Shoah Schuldgefühle empfunden habe. Sein Biograph Antoine de Baecque meint: „Godards Position ist nicht die eines Antisemiten. Es gibt bei ihm einen klaren Antizionismus, der 1967 nach dem Sechstagekrieg entstand, als das Bild von Israel kippte. Diese propalästinensische Position, die in den 1970er Jahren relativ banal war, stößt heute unsere Sensibilität vor den Kopf. Die jüdische Frage taucht immer wieder auf, aber sie fällt eher in den Bereich des Antizionismus“. 2009 beschuldigte Alain Fleischer Jean-Luc Godard, während der Dreharbeiten zu seinem Film antisemitische Äußerungen gemacht zu haben. 2010 kritisierten The Daily Beast und amerikanische Juden die Verleihung eines Ehrenoscar an Jean-Luc Godard und protestierten gegen diese Auszeichnung, indem sie seine „antijüdischen“ Ansichten zitierten. Im Mai 2018 unterzeichnete er eine Petition für den Boykott der Saison France-Israël des Institut français, die laut den Unterzeichnern darauf abzielt, das Image Israels zu fördern.

Seit À bout de souffle (Außer Atem) hat Godard die Kritiker immer wieder gespalten. Er wird von den einen verehrt und von den anderen gehasst.

Anlässlich der Veröffentlichung von Deux ou trois choses que je sais d’elle rechtfertigt François Truffaut, der Koproduzent des Films, seine Beteiligung:

„Jean-Luc Godard ist nicht der einzige, der so filmt, wie er atmet, aber er atmet am besten. Er ist schnell wie Rossellini, schelmisch wie Sacha Guitry, musikalisch wie Orson Welles, einfach wie Pagnol, verletzt wie Nicholas Ray, effizient wie Hitchcock, tief, tief, tief wie Ingmar Bergman und frech wie kein anderer.“

Im selben Text zögert er nicht, Godard mit Picasso zu vergleichen, wie es später auch Olivier Assayas tun wird:

„Die Jahre, die vergehen, bestätigen uns in der Gewissheit, dass À bout de souffle einen Wendepunkt in der Geschichte des Kinos markiert hat, wie Citizen Kane im Jahr 1940. Godard hat das System pulverisiert, er hat das Kino durcheinander gebracht, so wie es Picasso in der Malerei getan hat, und wie dieser hat er alles möglich gemacht…“.

Einige Filmemacher verurteilen einen Teil von Godards Schaffen. Costa-Gavras sagt zum Beispiel sein Desinteresse an der sogenannten kommunistischen Periode, die seiner Meinung nach nur „Filme von Linken“ sind.

Jean-Luc Godard bleibt ein umstrittener Filmemacher. Manche hassen seine Werke. So hält der amerikanische Romancier Philip Roth Godards Werk für unerträglich: „Mit Ausnahme von À bout de souffle, der eine zweifellos große Bedeutung hatte, scheint mir sein Werk unerträglich.“

Jacques Lourcelles ist in seinem Dictionnaire des films besonders kritisch gegenüber Godards Werk, der sich seiner Meinung nach „der Darstellung, nicht ohne Selbstgefälligkeit, der geistigen Verwirrung seiner Generation widmete, die reichlich Stoff für Dutzende von Filmen bot.“ Er wirft ihm und anderen Filmemachern der Nouvelle vague auch die Arroganz ihrer Aussagen vor: „Niemand vor ihnen hatte es gewagt, so viel Gutes über sich selbst und so viel Schlechtes über andere zu sagen“, und zitiert Godard: „Zwischen einem unserer Filme und einem Film von Verneuil, Delannoy, Duvivier und Carné gibt es wirklich einen Unterschied in der Natur.“

Woody Allen, der 1987 mit Godard King Lear drehte, gibt einen verwirrten Kommentar zu seiner Erfahrung ab: „Er spielt den französischen Intellektuellen sehr gut, mit einer gewissen Unschärfe. Als ich zu den Dreharbeiten kam, trug er einen Pyjama – Oberteil und Unterteil -, einen Bademantel und Pantoffeln und rauchte eine dicke Zigarre. Ich hatte das seltsame Gefühl, dass ich von Rufus T. dirigiert wurde. Firefly“. Firefly ist der Name der Figur, die Groucho Marx in Duck Soup verkörperte.

Einigen Quellen zufolge sagte Yves Montand, dass Godard „der dümmste Schweizer Maoist“ sei. Christophe Bourseiller erwähnt, dass die Formulierung „Godard: le plus con des Suisses prochinois“ ein Graffiti ist, das im Mai 68 auf Initiative der Situationistischen Internationale an den Wänden von Paris erschien.

Die katholische Kirche beschuldigt Godard nach der Veröffentlichung seines Films Je vous salue, Marie (1985) der Ketzerei.

1987 wurde seine Interpretation von William Shakespeares King Lear vom Shakespeare Bulletin als „sehr schlecht“ kritisiert.

Mitte der 1960er Jahre wurden mehrere junge Filmemacher direkt von Godard beeinflusst. Zu ihnen gehörten Jean Eustache, dessen mittellanger Film Le Père Noël a les yeux bleus (1966) teilweise von Godard finanziert wurde, Jean-Michel Barjol, Francis Leroi, Luc Moullet, Romain Goupil und Philippe Garrel. Godard schätzte besonders dessen Werk und zeigte sich von den Filmen, die der 20-jährige Garrel im Mai 68 drehte, sehr beeindruckt.

Zur gleichen Zeit beeinflusste Godard auch eine Generation von amerikanischen Filmemachern, die in den 1940er Jahren geboren wurden, wie Peter Bogdanovich, Paul Schrader, Monte Hellman, Martin Scorsese, George Lucas, Francis Ford Coppola und Brian De Palma. Zu ihnen gehört auch Quentin Tarantino, dessen Produktionsfirma „A Band Apart“ nach Godards Film benannt wurde.

Marie Cardinal beschreibt die Zeit vor den Dreharbeiten zu dem Film Deux ou trois choses que je sais d’elle in ihrem 1967 verfassten Werk Cet été-là, dessen zweite (und einzig verfügbare) Auflage 1979 bei Nouvelles Éditions Oswald erschien und im Anhang zwei Dokumente enthält: „Examen du film dans son état actuel“ und „Choses à filmer“ (Dinge zu filmen).

Seine ehemalige Frau Anne Wiazemsky erzählt in zwei Erzählungen, Une année studieuse (2012) und Un an après (2015), von ihrem gemeinsamen Leben mit Jean-Luc Godard.

2016 trat er in Jean-Baptiste Thorets Dokumentarfilm En Ligne de mire, comment filmer la guerre? (Canal+

2017 verfilmte der Regisseur Michel Hazanavicius das Buch von Anne Wiazemsky Un an après in dem Film Le Redoutable. Die Rolle von Jean-Luc Godard wird von Louis Garrel gespielt. Die Rolle von Anne Wiazemsky wird von Stacy Martin gespielt.

Französische Box-Office

Er wurde sehr oft ausgezeichnet und ist vor allem durch seine neun Filme in der offiziellen Auswahl in Cannes, seine sechs Filme im Wettbewerb um den Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig und seine zahlreichen Auftritte bei der Berlinale, den Berliner Filmfestspielen, aufgefallen. Durch die Vielfalt seiner Filme oder durch seine Originalität wird er den Auswählern oft auffallen.

1981 wurde Jean-Luc Godard für die Verleihung des nationalen Verdienstordens nominiert, den er jedoch ablehnte. Er erklärt: „Ich mag es nicht, einen Orden zu erhalten, und ich habe keinerlei Verdienste“.

Externe Links

Quellen

1. Jean-Luc Godard
2. Jean-Luc Godard
3. Par la famille de sa mère, Jean-Luc Godard est le neveu de Théodore Monod et le cousin de Jérôme Monod[6].
4. Anne Wiazemsky raconte sa rencontre avec Jean-Luc Godard sur le tournage de Au hasard Balthazar dans Jeune Fille (2007) et leur vie commune dans Une année studieuse (2012).
5. ^ a b c Grant 2007, Vol. 3, p. 235.
6. ^ a b c Ankeny, Jason. „Biography“. AllMovie. Archived from the original on 2 August 2020. Retrieved 18 May 2020.
7. ^ Kehr, Dave; Kandell, Jonathan (13 September 2022). „Jean-Luc Godard, 91, Is Dead; Bold Director Shaped French New Wave“. The New York Times. ISSN 0362-4331. Retrieved 22 September 2022.
8. ^ „‚Godard shattered cinema‘: Martin Scorsese, Mike Leigh, Abel Ferrara, Claire Denis and more pay tribute“. The Guardian. 14 September 2022. Retrieved 22 September 2022.
9. ^ Grant 2007, Vol. 2, p. 259.
10. 1 2 Jean-Luc Godard // Encyclopædia Britannica (англ.)
11. 1 2 Jean-Luc Godard // filmportal.de — 2005.
12. 1 2 https://www.liberation.fr/culture/cinema/mort-de-jean-luc-godard-histoire-du-cinema-20220913_4CZHL3TCIZELDKSELOABOVFREM/
13. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Critics‘ Top Ten Directors. 23. Juni 2011, archiviert vom Original am 23. Juni 2011; abgerufen am 2. Dezember 2020.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/www.bfi.org.uk