Jean-Michel Basquiat

Mary Stone | Juli 9, 2022

Zusammenfassung

Jean-Michel Basquiat (22. Dezember 1960 – 12. August 1988) war ein amerikanischer Künstler, der in den 1980er Jahren als Teil der neoexpressionistischen Bewegung erfolgreich wurde.

Basquiat erlangte zunächst als Teil des Graffiti-Duos SAMO an der Seite von Al Diaz Berühmtheit, als er in den späten 1970er Jahren in der kulturellen Hochburg Lower East Side in Manhattan rätselhafte Epigramme schrieb, wo Rap, Punk und Straßenkunst zu einer frühen Hip-Hop-Musikkultur verschmolzen. In den frühen 1980er Jahren wurden seine Bilder in internationalen Galerien und Museen ausgestellt. Mit 21 Jahren war Basquiat der jüngste Künstler, der jemals an der documenta in Kassel teilnahm. Mit 22 Jahren war er einer der jüngsten Teilnehmer an der Whitney Biennale in New York. Das Whitney Museum of American Art veranstaltete 1992 eine Retrospektive seiner Werke.

Basquiats Kunst konzentrierte sich auf Dichotomien wie Reichtum und Armut, Integration und Segregation sowie innere und äußere Erfahrungen. Er machte sich Poesie, Zeichnung und Malerei zu eigen und verband Text und Bild, Abstraktion, Figuration und historische Informationen mit zeitgenössischer Kritik. In seinen Gemälden nutzte er soziale Kommentare als Mittel zur Selbstbeobachtung und zur Identifikation mit seinen Erfahrungen in der schwarzen Gemeinschaft, aber auch als Angriff auf Machtstrukturen und rassistische Systeme. Seine visuelle Poetik war äußerst politisch und direkt in ihrer Kritik am Kolonialismus und ihrer Unterstützung des Klassenkampfes.

Seit Basquiats Tod im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis Heroin im Jahr 1988 ist der Wert seines Werks stetig gestiegen. Im Jahr 2017 wurde das Gemälde „Ohne Titel“ aus dem Jahr 1982, das einen schwarzen Schädel mit roten und gelben Rinnsalen zeigt, für einen rekordverdächtigen Preis von 110,5 Millionen US-Dollar verkauft und ist damit eines der teuersten Gemälde, das je gekauft wurde.

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Frühes Leben: 1960-1977

Basquiat wurde am 22. Dezember 1960 in Park Slope, Brooklyn, New York City, als zweites von vier Kindern von Matilde Basquiat (geb. Andrades, 1934-2008) und Gérard Basquiat (1930-2013) geboren. Er hatte einen älteren Bruder, Max, der kurz vor seiner Geburt starb, und zwei jüngere Schwestern, Lisane (geb. 1964) und Jeanine (geb. 1967). Sein Vater wurde in Port-au-Prince, Haiti, geboren, seine Mutter in Brooklyn als Tochter puerto-ricanischer Eltern.

Matilde weckte in ihrem kleinen Sohn die Liebe zur Kunst, indem sie ihn in die örtlichen Kunstmuseen mitnahm und ihn als Juniormitglied im Brooklyn Museum of Art anmeldete. Basquiat war ein frühreifes Kind, das bereits im Alter von vier Jahren lesen und schreiben lernte. Seine Mutter förderte das künstlerische Talent ihres Sohnes, der oft versuchte, seine Lieblingscartoons zu zeichnen. Ab 1967 besuchte er die Saint Ann“s School, eine kunstorientierte Privatschule. Dort lernte er seinen Freund Marc Prozzo kennen, und gemeinsam schufen sie ein Kinderbuch, das Basquiat im Alter von sieben Jahren schrieb und von Prozzo illustriert wurde.

1968 wurde Basquiat im Alter von sieben Jahren beim Spielen auf der Straße von einem Auto angefahren. Sein Arm wurde gebrochen und er erlitt mehrere innere Verletzungen, die eine Milzentfernung erforderlich machten. Während seines Krankenhausaufenthalts brachte ihm seine Mutter eine Ausgabe von Gray“s Anatomy mit, um ihn zu beschäftigen. Nachdem sich seine Eltern im selben Jahr getrennt hatten, wurden Basquiat und seine Schwestern von ihrem Vater aufgezogen. Seine Mutter wurde in eine psychiatrische Klinik eingewiesen, als Basquiat zehn Jahre alt war, und verbrachte danach ihr Leben in und außerhalb von Einrichtungen. Im Alter von elf Jahren sprach Basquiat fließend Französisch, Spanisch und Englisch und war ein begeisterter Leser in allen drei Sprachen.

Basquiats Familie wohnte im Brooklyner Stadtteil Boerum Hill und zog dann 1974 nach Miramar, Puerto Rico. Als sie 1976 nach Brooklyn zurückkehrten, besuchte Basquiat die Edward R. Murrow High School. Er kämpfte mit der Instabilität seiner Mutter und rebellierte als Teenager. Mit 15 Jahren lief er von zu Hause weg, als sein Vater ihn beim Kiffen in seinem Zimmer erwischte. Er schlief auf Parkbänken im Washington Square Park und nahm LSD. Schließlich entdeckte ihn sein Vater mit kahlgeschorenem Kopf und rief die Polizei, um ihn nach Hause zu holen.

In der 10. Klasse schrieb er sich an der City-As-School ein, einer alternativen High School in Manhattan, die viele künstlerische Schüler aufnahm, denen der herkömmliche Schulbesuch schwer fiel. Er schwänzte mit seinen Freunden die Schule, wurde aber dennoch von seinen Lehrern ermutigt und begann, für die Schülerzeitung zu schreiben und zu illustrieren. Er entwickelte die Figur SAMO, um für eine falsche Religion zu werben. Die Redewendung „SAMO“ war als privater Scherz zwischen Basquiat und seinem Schulkameraden Al Diaz entstanden, als Abkürzung für die Redewendung „Same old shit“. Sie zeichneten eine Reihe von Cartoons für ihre Schulzeitung, bevor und nachdem sie SAMO© verwendeten.

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Straßenkunst und Gray: 1978-1980

Im Mai 1978 begannen Basquiat und Diaz, Graffiti auf Gebäude in Lower Manhattan zu sprühen. Unter dem Pseudonym SAMO schrieben sie poetische und satirische Werbeslogans wie „SAMO© AS AN ALTERNATIVE TO GOD“. Im Juni 1978 wurde Basquiat von der City-As-School verwiesen, weil er den Direktor mit einer Torte beworfen hatte. Mit 17 Jahren wurde er von seinem Vater aus dem Haus geworfen, als er beschloss, die Schule abzubrechen. Er arbeitete für das Unique Clothing Warehouse in NoHo, während er nachts weiterhin Graffiti schuf. Am 11. Dezember 1978 veröffentlichte die Village Voice einen Artikel über die SAMO-Graffiti.

1979 trat Basquiat in der Live-Fernsehsendung TV Party auf, die von Glenn O“Brien moderiert wurde. Zwischen Basquiat und O“Brien entwickelte sich eine Freundschaft, und er trat in den nächsten Jahren regelmäßig in der Sendung auf. Schließlich begann er, in der Umgebung der School of Visual Arts Graffiti zu schreiben, wo er sich mit den Studenten John Sex, Kenny Scharf und Keith Haring anfreundete.

Im April 1979 lernte Basquiat auf der Canal Zone Party Michael Holman kennen, und sie gründeten die Noise-Rock-Band Test Pattern, die später in Gray umbenannt wurde. Weitere Mitglieder von Gray waren Shannon Dawson, Nick Taylor, Wayne Clifford und Vincent Gallo. Sie traten in Nachtclubs wie Max“s Kansas City, CBGB, Hurrah und dem Mudd Club auf.

Zu dieser Zeit lebte Basquiat im East Village mit seinem Freund Alexis Adler, einem Barnard-Biologie-Absolventen. Er kopierte oft Diagramme chemischer Verbindungen aus Adlers wissenschaftlichen Lehrbüchern. Sie dokumentierte Basquiats kreative Erkundungen, während er Böden, Wände, Türen und Möbel in seine Kunstwerke verwandelte. Zusammen mit seiner Freundin Jennifer Stein stellte er auch Postkarten her. Beim Verkauf von Postkarten in SoHo entdeckte Basquiat Andy Warhol im Restaurant W.P.A. mit dem Kunstkritiker Henry Geldzahler. Er verkaufte Warhol eine Postkarte mit dem Titel Stupid Games, Bad Ideas.

Im Oktober 1979 zeigte Basquiat in Arleen Schloss“ offenem Raum namens A“s seine SAMO-Montagen mit farbigen Xerox-Kopien seiner Werke. Schloss erlaubte Basquiat, den Raum für seine „MAN MADE“-Kleidung zu nutzen, die aus bemalten, recycelten Kleidungsstücken bestand. Im November 1979 führte die Kostümbildnerin Patricia Field seine Bekleidungslinie in ihrer gehobenen Boutique in der 8th Street im East Village. Field stellte auch seine Skulpturen im Schaufenster aus.

Als Basquiat und Diaz sich zerstritten, schrieb er 1980 „SAMO IS DEAD“ an die Wände von Gebäuden in SoHo. Im Juni 1980 erschien er in der Zeitschrift High Times, seiner ersten nationalen Publikation, als Teil eines Artikels mit dem Titel „Graffiti “80: The State of the Outlaw Art“ von Glenn O“Brien. Später im selben Jahr begann er mit den Dreharbeiten zu O“Briens Independent-Film Downtown 81 (2000), der ursprünglich den Titel New York Beat trug und in dessen Soundtrack einige von Grays Aufnahmen zu hören waren.

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Aufstieg zu Ruhm und Erfolg: 1980-1986

Im Juni 1980 nahm Basquiat an der Times Square Show teil, einer von Collaborative Projects Incorporated (Colab) und Fashion Moda gesponserten Ausstellung mit mehreren Künstlern. Er wurde von verschiedenen Kritikern und Kuratoren wahrgenommen, darunter Jeffrey Deitch, der ihn in einem Artikel mit dem Titel „Report from Times Square“ in der Septemberausgabe 1980 von Art in America erwähnte. Im Februar 1981 nahm Basquiat an der New Yorker

Basquiat verkaufte sein erstes Gemälde, Cadillac Moon (1981), an Debbie Harry, die Leadsängerin der Punkrockband Blondie, für 200 Dollar, nachdem sie zusammen Downtown 81 gedreht hatten. Außerdem trat er 1981 in dem Blondie-Musikvideo „Rapture“ als Discjockey auf, eine Rolle, die ursprünglich für Grandmaster Flash vorgesehen war. Zu dieser Zeit lebte Basquiat mit seiner Freundin Suzanne Mallouk zusammen, die ihn als Kellnerin finanziell unterstützte.

Im September 1981 lud die Kunsthändlerin Annina Nosei Basquiat auf Anregung von Sandro Chia in ihre Galerie ein. Bald darauf nahm er an ihrer Gruppenausstellung Public Address teil. Sie stellte ihm Material und einen Arbeitsraum im Keller ihrer Galerie zur Verfügung. 1982 arrangierte Nosei für ihn den Umzug in ein Loft, das auch als Atelier diente, in der Crosby Street 101 in SoHo. Im März 1982 hatte er seine erste amerikanische Einzelausstellung in der Annina Nosei Gallery. Auch für seine zweite italienische Ausstellung im März 1982 malte er in Modena. Da er sich ausgenutzt fühlte, wurde diese Ausstellung abgesagt, weil man von ihm erwartete, dass er acht Gemälde in einer Woche anfertigte.

Im Sommer 1982 verließ Basquiat die Galerie Annina Nosei und der Galerist Bruno Bischofberger wurde sein weltweiter Kunsthändler. Im Juni 1982 war Basquiat mit 21 Jahren der jüngste Künstler, der jemals an der documenta in Kassel teilnahm. Seine Werke wurden neben Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Gerhard Richter, Cy Twombly und Andy Warhol ausgestellt. Bischofberger gab Basquiat im September 1982 eine Einzelausstellung in seiner Zürcher Galerie und arrangierte für ihn ein Treffen mit Warhol zum Mittagessen am 4. Oktober 1982. Warhol erinnerte sich: „Ich machte ein Polaroid und er ging nach Hause, und innerhalb von zwei Stunden war ein Gemälde von ihm und mir da, noch feucht.“ Das Bild, Dos Cabezas (1982), entfachte eine Freundschaft zwischen den beiden. Basquiat wurde von James Van Der Zee für ein Interview mit Henry Geldzahler fotografiert, das in der Januar-Ausgabe 1983 von Warhols Magazin Interview veröffentlicht wurde.

Im November 1982 wurde Basquiats Einzelausstellung in der Fun Gallery im East Village eröffnet. Zu den ausgestellten Werken gehörten A Panel of Experts (1982) und Equals Pi (1982). Im Dezember 1982 begann Basquiat in dem Atelierraum zu arbeiten, den der Kunsthändler Larry Gagosian unter seinem Haus in Venice, Kalifornien, errichtet hatte. Dort begann er mit einer Reihe von Gemälden für eine Ausstellung im März 1983, seine zweite in der Gagosian Gallery in West Hollywood. Begleitet wurde er von seiner Freundin, der damals noch unbekannten Sängerin Madonna. Gagosian erinnerte sich: „Alles lief gut. Jean-Michel malte Bilder, ich verkaufte sie, und wir hatten viel Spaß. Aber dann sagte Jean-Michel eines Tages: “Meine Freundin kommt zu mir.“ … Also fragte ich: “Und wie ist sie so?“ Und er sagte: “Ihr Name ist Madonna und sie wird groß rauskommen.“ Ich werde nie vergessen, dass er das gesagt hat.“

Basquiat interessierte sich sehr für die Arbeiten, die der Künstler Robert Rauschenberg bei Gemini G.E.L. in West Hollywood schuf. Er besuchte ihn bei mehreren Gelegenheiten und ließ sich von seinen Leistungen inspirieren. Während seines Aufenthalts in Los Angeles malte Basquiat das Bild Hollywood Africans (1983), das ihn mit den Graffiti-Künstlern Toxic und Rammellzee zeigt. Er malte häufig Porträts anderer Graffiti-Künstler – und manchmal auch von Mitstreitern – in Werken wie Portrait of A-One A.K.A. King (1982), Toxic (1984) und ERO (1984). Im Jahr 1983 produzierte er die Hip-Hop-Platte „Beat Bop“ mit Rammellzee und dem Rapper K-Rob. Sie wurde in begrenzter Stückzahl auf seinem Label Tartown Inc. gepresst. Er gestaltete das Cover der Single, was sie bei Platten- und Kunstsammlern sehr begehrt machte.

Im März 1983 war Basquiat mit 22 Jahren einer der jüngsten Künstler, die an der Whitney Biennale für zeitgenössische Kunst teilnahmen. Paige Powell, eine Redakteurin der Zeitschrift Interview, organisierte im April 1983 eine Ausstellung seiner Werke in ihrer Wohnung. Kurz darauf begann er eine Beziehung zu Powell, die maßgeblich dazu beitrug, seine Freundschaft mit Warhol zu fördern. Im August 1983 zog Basquiat in ein Loft in der 57 Great Jones Street in NoHo, das Warhol gehörte und das ihm auch als Atelier diente.

Im Sommer 1983 lud Basquiat Lee Jaffe, einen ehemaligen Musiker in Bob Marleys Band, ein, ihn auf einer Reise durch Asien und Europa zu begleiten. Nach seiner Rückkehr nach New York war er zutiefst betroffen vom Tod von Michael Stewart, einem aufstrebenden schwarzen Künstler aus der Clubszene der Innenstadt, der im September 1983 von der Transit-Polizei getötet wurde. Als Reaktion auf diesen Vorfall malte er Defacement (The Death of Michael Stewart) (1983). Außerdem beteiligte er sich 1983 mit verschiedenen New Yorker Künstlern an einer Weihnachtsbenefizveranstaltung für die Familie von Michael Stewart.

Nachdem Basquiat 1983 in die Galerie Mary Boone“s SoHo eingetreten war, hatte er dort im Mai 1984 seine erste Ausstellung. Eine große Anzahl von Fotografien zeigt die Zusammenarbeit zwischen Warhol und Basquiat in den Jahren 1984 und 1985. Bei ihrer Zusammenarbeit begann Warhol mit etwas sehr Konkretem oder einem wiedererkennbaren Bild, das Basquiat dann in seinem animierten Stil verunstaltete. Mit Olympics (1984) schufen sie eine Hommage an die Olympischen Sommerspiele 1984. Weitere gemeinsame Arbeiten sind Taxi, 45th

Basquiat malte oft in teuren Armani-Anzügen und trat in der Öffentlichkeit in denselben mit Farbe bespritzten Kleidern auf. Er war Stammgast im Nachtclub Area, wo er manchmal zum Spaß als DJ auflegte. Außerdem malte er Wandbilder für den Nachtclub Palladium in New York City. Über seinen raschen Aufstieg wurde in den Medien berichtet. Er erschien auf der Titelseite der Ausgabe des New York Times Magazine vom 10. Februar 1985 in einem Artikel mit dem Titel „New Art, New Money: The Marketing of an American Artist“. Seine Arbeiten erschienen in GQ und Esquire, und er wurde in der MTV-Sendung „Art Break“ interviewt.

Mitte der 1980er Jahre verdiente Basquiat 1,4 Millionen Dollar im Jahr und erhielt von Kunsthändlern Pauschalbeträge von 40.000 Dollar. Trotz seines Erfolgs verfolgte ihn seine emotionale Instabilität weiterhin. „Je mehr Geld Basquiat verdiente, desto paranoider und drogenabhängiger wurde er“, schrieb der Journalist Michael Shnayerson. Basquiats Kokainkonsum wurde so exzessiv, dass er ein Loch in seine Nasenscheidewand sprengte. Ein Freund behauptete, Basquiat habe Ende 1980 zugegeben, dass er Heroin nahm. Viele seiner Kollegen spekulierten, dass sein Drogenkonsum ein Mittel war, um mit den Anforderungen seines neu entdeckten Ruhms, der ausbeuterischen Natur der Kunstindustrie und dem Druck, ein schwarzer Mann in der von Weißen dominierten Kunstwelt zu sein, fertig zu werden.

Für seine letzte Ausstellung an der Westküste kehrte Basquiat im Januar 1986 für seine Ausstellung in der Gagosian Gallery nach Los Angeles zurück. Im Februar 1986 reiste Basquiat für eine Ausstellung seiner Zeichnungen in der Fay Gold Gallery nach Atlanta, Georgia. Im selben Monat nahm er an der Limelight“s Art Against Apartheid Benefizveranstaltung teil. Im Sommer hatte er eine Einzelausstellung in der Galerie Thaddaeus Ropac in Salzburg. Im Herbst lief er für Rei Kawakubo bei der Comme des Garçons Homme Plus Show in Paris über den Laufsteg. Im Oktober 1986 flog Basquiat an die Elfenbeinküste, um an einer von Bruno Bischofberger organisierten Ausstellung seiner Werke im französischen Kulturinstitut in Abidjan teilzunehmen. Begleitet wurde er von seiner Freundin Jennifer Goode, die in seinem Stammlokal, dem Nachtclub Area, arbeitete. Im November 1986 war Basquiat mit 25 Jahren der jüngste Künstler, der in der Kestner-Gesellschaft in Hannover ausgestellt wurde.

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Letzte Jahre und Tod: 1986-1988

Während ihrer Beziehung begann Goode, gemeinsam mit Basquiat Heroin zu schnupfen, da ihr die Drogen zur Verfügung standen. „Er hat mich nicht dazu gedrängt, aber es war einfach da und ich war so naiv“, sagte sie. Ende 1986 gelang es ihr, sich und Basquiat in ein Methadonprogramm in Manhattan einzuschleusen, aber er stieg nach drei Wochen wieder aus. Goode zufolge fing er erst nach dem Ende ihrer Beziehung an, Heroin zu spritzen. In den letzten 18 Monaten seines Lebens wurde Basquiat zu einer Art Einsiedler. Es wird vermutet, dass sein fortgesetzter Drogenkonsum ein Mittel war, um mit dem Tod seines Freundes Andy Warhol im Februar 1987 fertig zu werden.

1987 hatte Basquiat Ausstellungen in der Galerie Daniel Templon in Paris, in der Akira Ikeda Gallery in Tokio und in der Tony Shafrazi Gallery in New York. Er entwarf ein Riesenrad für André Hellers Luna Luna, einen ephemeren Vergnügungspark in Hamburg, der von Juni bis August 1987 stattfand und dessen Fahrgeschäfte von namhaften zeitgenössischen Künstlern gestaltet wurden.

Im Januar 1988 reiste Basquiat nach Paris für seine Ausstellung in der Galerie Yvon Lambert und nach Düsseldorf für eine Ausstellung in der Galerie Hans Mayer. Während seines Aufenthalts in Paris freundete er sich mit dem ivorischen Künstler Ouattara Watts an. Sie planten, im Sommer gemeinsam in Watts“ Geburtsort Korhogo zu reisen. Nach seiner Ausstellung in der Vrej Baghoomian Gallery in New York im April 1988 reiste Basquiat im Juni nach Maui, um sich vom Drogenkonsum zurückzuziehen. Nach seiner Rückkehr nach New York im Juli traf Basquiat am Broadway auf Keith Haring, der angab, dass diese letzte Begegnung das einzige Mal war, dass Basquiat mit ihm über sein Drogenproblem sprach. Auch Glenn O“Brien erinnerte sich daran, dass Basquiat ihn anrief und ihm sagte, er fühle sich „wirklich gut“.

Trotz seiner Versuche, nüchtern zu bleiben, starb Basquiat am 12. August 1988 im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis Heroin in seiner Wohnung in der Great Jones Street in Manhattan. Er wurde von seiner Freundin Kelle Inman in seinem Schlafzimmer aufgefunden und ins Cabrini Medical Center gebracht, wo er bei der Ankunft für tot erklärt wurde.

Basquiat ist auf dem Green-Wood Cemetery in Brooklyn begraben. Eine private Beerdigung fand am 17. August 1988 in der Frank E. Campbell Funeral Chapel statt. An der Beerdigung nahmen Angehörige und enge Freunde teil, darunter Keith Haring, Francesco Clemente, Glenn O“Brien und Basquiats ehemalige Freundin Paige Powell. Der Kunsthändler Jeffrey Deitch hielt eine Grabrede.

Am 3. November 1988 fand in der Kirche St. Peter eine öffentliche Gedenkfeier statt. Zu den Rednern gehörte Ingrid Sischy, die als Redakteurin von Artforum Basquiat gut kennenlernte und eine Reihe von Artikeln in Auftrag gab, die sein Werk einer breiteren Öffentlichkeit vorstellten. Basquiats ehemalige Freundin Suzanne Mallouk rezitierte Teile von A. R. Pencks „Poem for Basquiat“ und sein Freund Fab 5 Freddy trug ein Gedicht von Langston Hughes vor. Unter den 300 Gästen waren die Musiker John Lurie und Arto Lindsay, Keith Haring, der Dichter David Shapiro, Glenn O“Brien und Mitglieder von Basquiats ehemaliger Band Gray.

In Erinnerung an den verstorbenen Künstler schuf Keith Haring das Gemälde A Pile of Crowns für Jean-Michel Basquiat. In dem Nachruf, den Haring für die Vogue schrieb, erklärte er: „Er hat in zehn Jahren wirklich ein Lebenswerk geschaffen. Gierig fragen wir uns, was er noch hätte schaffen können, welche Meisterwerke uns durch seinen Tod vorenthalten wurden, aber Tatsache ist, dass er genug Werke geschaffen hat, um noch Generationen zu faszinieren. Erst jetzt werden die Menschen beginnen, das Ausmaß seines Beitrags zu verstehen“.

Der Kunstkritiker Franklin Sirmans analysierte, dass Basquiat sich Poesie, Zeichnung und Malerei aneignete und Text und Bild, Abstraktion, Figuration und historische Informationen mit zeitgenössischer Kritik vermischte. Seine sozialen Kommentare waren äußerst politisch und direkt in ihrer Kritik am Kolonialismus und ihrer Unterstützung des Klassenkampfes. Er untersuchte auch künstlerische Hinterlassenschaften aus verschiedenen Quellen, einschließlich einer Befragung der klassischen Tradition. Der Kunsthistoriker Fred Hoffman stellt die Hypothese auf, dass Basquiats Selbstidentifikation als Künstler auf seiner „angeborenen Fähigkeit beruhte, als eine Art Orakel zu fungieren, indem er seine Wahrnehmungen der Außenwelt auf ihre Essenz herunterdestillierte und sie wiederum durch seinen kreativen Akt nach außen projizierte“, und dass sich seine Kunst auf wiederkehrende „suggestive Dichotomien“ wie Reichtum versus Armut, Integration versus Segregation und innere versus äußere Erfahrung konzentrierte.

Bevor er seine Karriere als Maler begann, stellte Basquiat von Punk inspirierte Postkarten her, die er auf der Straße verkaufte, und wurde durch seine politisch-poetischen Graffiti unter dem Namen SAMO bekannt. Er zeichnete oft auf zufällige Gegenstände und Oberflächen, auch auf die Kleidung anderer Menschen. Die Verbindung verschiedener Medien ist ein integraler Bestandteil seiner Kunst. Seine Bilder sind typischerweise mit Codes aller Art bedeckt: Wörter, Buchstaben, Zahlen, Piktogramme, Logos, Kartensymbole und Diagramme.

Basquiat verwendete in erster Linie Texte als Referenzquellen. Einige der Bücher, die er verwendete, waren Gray“s Anatomy, Henry Dreyfuss“ Symbol Sourcebook, Leonardo da Vinci, veröffentlicht von Reynal & Company, und Burchard Brentjes“ African Rock Art, Flash of the Spirit von Robert Farris Thompson.

In der mittleren Periode von Ende 1982 bis 1985 entstanden mehrtafelige Gemälde und einzelne Leinwände mit freiliegenden Keilrahmen, deren Oberfläche dicht mit Schrift, Collagen und Bildern bedeckt ist. Die Jahre 1984 bis 1985 waren auch die Zeit der Zusammenarbeit zwischen Basquiat und Warhol.

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Zeichnungen

In seiner kurzen, aber produktiven Karriere schuf Basquiat rund 1500 Zeichnungen, etwa 600 Gemälde und zahlreiche Skulpturen und Mischtechniken. Er zeichnete ständig und nutzte oft Gegenstände in seiner Umgebung als Unterlage, wenn er kein Papier zur Hand hatte. Seit seiner Kindheit fertigte er von Cartoons inspirierte Zeichnungen an, die durch das Interesse seiner Mutter an der Kunst gefördert wurden, und das Zeichnen wurde zu einem Teil seines künstlerischen Ausdrucks. Er zeichnete mit vielen verschiedenen Medien, am häufigsten mit Tusche, Bleistift, Filzstift oder Marker und Ölkreide. Manchmal verwendete er Xerox-Kopien von Fragmenten seiner Zeichnungen, um sie auf die Leinwände größerer Gemälde zu kleben.

Die erste öffentliche Ausstellung von Basquiats Gemälden und Zeichnungen fand 1981 im MoMA PS1 in New York statt.

Der Dichter und Künstler Basquiat hat in seinen Zeichnungen und Gemälden viel mit Worten gearbeitet, mit direkten Verweisen auf Rassismus, Sklaverei, die Menschen und das Straßenbild im New York der 1980er Jahre, schwarze historische Persönlichkeiten, berühmte Musiker und Sportler, wie seine Notizbücher und viele wichtige Zeichnungen zeigen. Oft waren Basquiats Zeichnungen unbetitelt, so dass zur Unterscheidung der Werke in der Regel ein in der Zeichnung geschriebenes Wort in Klammern hinter Untitled steht. Nach Basquiats Tod wurde sein Nachlass von seinem Vater Gérard Basquiat verwaltet, der auch den Ausschuss für die Beglaubigung von Kunstwerken leitete, der von 1994 bis 2012 über 2000 Werke überprüfte, von denen die meisten Zeichnungen waren.

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Helden und Heilige

Ein herausragendes Thema in Basquiats Werk ist die Darstellung historisch prominenter schwarzer Persönlichkeiten, die als Helden und Heilige identifiziert wurden. In seinen frühen Werken finden sich häufig ikonografische Darstellungen von Kronen und Heiligenscheinen, um die Helden und Heiligen in seinem speziell ausgewählten Pantheon zu kennzeichnen. „Jean-Michels Krone hat drei Spitzen, die für seine drei königlichen Abstammungen stehen: der Dichter, der Musiker, der große Boxchampion. Jean hat sein Können an allen gemessen, die er für stark hielt, ohne Vorurteile hinsichtlich ihres Geschmacks oder Alters“, so sein Freund und Künstler Francesco Clemente. In einer Besprechung von Basquiats Ausstellung im Guggenheim in Bilbao schrieb Art Daily: „Basquiats Krone ist ein wechselhaftes Symbol: mal ist sie ein Heiligenschein, mal eine Dornenkrone, die das Martyrium unterstreicht, das oft mit dem Heiligtum Hand in Hand geht. Für Basquiat sind diese Helden und Heiligen Krieger, die gelegentlich triumphierend mit zum Sieg erhobenen Armen dargestellt werden“.

Basquiat war ein besonderer Fan des Bebop und bezeichnete den Saxophonisten Charlie Parker als seinen Helden. In Gemälden wie Charles the First (1982), Horn Players (1983) und King Zulu (1986) bezog er sich häufig auf Parker und andere Jazzmusiker. „Basquiat ließ sich von der Jazzmusik inspirieren und belehren, so wie er sich auch von den modernen Meistern der Malerei inspirieren ließ“, so die Kunsthistorikerin Jordana Moore Saggese.

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Anatomie und Köpfe

Eine wichtige Referenzquelle, die Basquiat während seiner gesamten Laufbahn nutzte, war das Buch Gray“s Anatomy, das ihm seine Mutter geschenkt hatte, als er mit sieben Jahren im Krankenhaus lag. Es blieb einflussreich für seine Darstellungen der menschlichen Anatomie und für die Mischung aus Bild und Text, wie sie in Flesh and Spirit (1982-83) zu sehen ist. Der Kunsthistoriker Olivier Berggruen sieht in Basquiats anatomischen Siebdrucken Anatomy (1982) eine Behauptung der Verletzlichkeit, die „eine Ästhetik des Körpers als beschädigt, vernarbt, fragmentiert, unvollständig oder zerrissen schafft, sobald das organische Ganze verschwunden ist. Paradoxerweise ist es gerade der Akt der Schaffung dieser Darstellungen, der eine positive körperliche Valenz zwischen dem Künstler und seinem Selbst- oder Identitätsgefühl hervorruft“.

Köpfe und Schädel sind wichtige Schwerpunkte in vielen von Basquiats bahnbrechenden Werken. Die Köpfe in Werken wie Untitled (Two Heads on Gold) (1982) und Philistines (1982) erinnern an afrikanische Masken und suggerieren eine kulturelle Rückbesinnung. Die Schädel spielen auf den haitianischen Vodou an, der voller Schädelsymbolik ist; die Gemälde Red Skull (1982) und Untitled (1982) können als Hauptbeispiele angesehen werden. Der Kunsthistoriker Fred Hoffman schreibt in Bezug auf das kraftvolle Bild in Untitled (Skull) (1981), dass Basquiat wahrscheinlich „von der Kraft und Energie, die von diesem unerwarteten Bild ausging, überrumpelt, vielleicht sogar erschreckt wurde“. Weitere Untersuchungen, die Hoffman in seinem Buch The Art of Jean-Michel Basquiat anstellt, offenbaren ein tieferes Interesse an der Faszination des Künstlers für Köpfe, das eine Entwicklung im Schaffen des Künstlers von einer rohen Kraft zu einer raffinierteren Erkenntnis belegt.

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Erbe

Basquiats vielfältiges kulturelles Erbe war eine seiner zahlreichen Inspirationsquellen. In seine Kunstwerke wie Untitled (Pollo Frito) (1982) und Sabado por la Noche (1984) integrierte er häufig spanische Wörter. Basquiats La Hara (1981), das bedrohliche Porträt eines weißen Polizeibeamten, kombiniert den nuyoricanischen Slangbegriff für Polizei (la jara) und den irischen Nachnamen O“Hara. Die Figur mit dem schwarzen Hut, die in seinen Gemälden The Guilt of Gold Teeth (1982) und Despues De Un Pun (1987) auftaucht, soll Baron Samedi darstellen, den Geist des Todes und der Wiederauferstehung im haitianischen Vodou.

Basquiat hat verschiedene Werke geschaffen, die sich auf die afroamerikanische Geschichte beziehen, nämlich Slave Auction (1982), Undiscovered Genius of the Mississippi Delta (1983), Untitled (History of the Black People) (1983) und Jim Crow (1986). Ein weiteres Gemälde, Irony of Negro Policeman (1981), veranschaulicht, wie die Afroamerikaner von einer überwiegend kaukasischen Gesellschaft kontrolliert wurden. Basquiat versuchte darzustellen, dass Afroamerikaner noch Jahre nach dem Ende der Jim-Crow-Ära zu Komplizen der „institutionalisierten Formen des Weißseins und der korrupten weißen Machtsysteme“ geworden sind. Dieses Konzept wurde in weiteren Werken Basquiats wieder aufgegriffen, darunter Created Equal (1984).

In ihrem Essay „Lost in Translation: Jean-Michel in the (Re)Mix“ stellt Kellie Jones fest, dass Basquiats „spitzbübische, komplexe und neologistische Seite in Bezug auf die Gestaltung der Moderne und den Einfluss und die Auswirkungen der schwarzen Kultur“ von Kritikern und Betrachtern oft übersehen wird und somit „in der Übersetzung verloren geht“.

Kurz nach seinem Tod wies die New York Times darauf hin, dass Basquiat „der berühmteste von nur wenigen jungen schwarzen Künstlern war, die nationale Anerkennung erlangt haben“. Die Kunstkritikerin Bonnie Rosenberg schrieb, dass Basquiat in seinen letzten Jahren einen Vorgeschmack auf den Ruhm erlebte, als er ein „von der Kritik umarmtes und vom Volk gefeiertes künstlerisches Phänomen“ war; und dass einige Leute sich auf die „oberflächliche Exotik seines Werks“ konzentrierten und die Tatsache übersahen, dass es „wichtige Verbindungen zu expressiven Vorläufern“ enthielt.

Die Interpretation von Basquiats Werken auf der visuellen Ebene ergibt sich traditionell aus dem gedämpften emotionalen Ton ihrer Darstellung im Vergleich zu dem, was tatsächlich abgebildet ist. So sind die Figuren in seinen Gemälden, wie der Schriftsteller Stephen Metcalf feststellt, „frontal dargestellt, mit wenig oder gar keiner Tiefenschärfe, und Nerven und Organe sind freigelegt, wie in einem Anatomie-Lehrbuch. Sind diese Kreaturen tot und werden klinisch seziert, fragt man sich, oder lebendig und mit immensen Schmerzen?“ Die Schriftstellerin Olivia Laing merkte an, dass „ihm die Wörter von der Rückseite von Müslischachteln oder U-Bahn-Werbung entgegensprangen, und er blieb wachsam gegenüber ihren subversiven Eigenschaften, ihrer doppelten und versteckten Bedeutung“.

Ein zweiter, immer wiederkehrender Verweis auf Basquiats Ästhetik ergibt sich aus der Absicht des Künstlers, in den Worten des Galeristen Niru Ratnam eine „höchst individualistische, ausdrucksstarke Sicht auf die Welt“ zu vermitteln. Der Kunsthistoriker Luis Alberto Mejia Clavijo ist der Meinung, dass Basquiats Werke die Menschen dazu inspirieren, „wie ein Kind zu malen, nicht das zu malen, was auf der Oberfläche ist, sondern das, was man im Inneren neu erschafft“. Der Musiker David Bowie, der ein Sammler von Basquiats Werken war, erklärte, dass „er den frenetischen Fluss der vorbeiziehenden Bilder und Erfahrungen zu verdauen schien, sie einer Art innerer Reorganisation unterzog und die Leinwand mit diesem daraus resultierenden Netzwerk des Zufalls verkleidete.“

Kunstkritiker haben Basquiats Werk auch mit dem Aufkommen des Hip-Hop in derselben Zeit verglichen. „Basquiats Kunst – wie der beste Hip-Hop – zerlegt die Arbeit, die vor ihm kam, und setzt sie neu zusammen“, so der Kunstkritiker Franklin Sirmans in einem Essay aus dem Jahr 2005, „In the Cipher: Basquiat und die Hip-Hop-Kultur“.

Der Kunstkritiker Rene Ricard schrieb 1981 in seinem Artikel „Das strahlende Kind“:

Ich bin immer wieder erstaunt, wie die Leute sich etwas einfallen lassen. Wie Jean-Michel. Wie ist er auf die Worte gekommen, die er überall anbringt, seine Art, einen Punkt zu machen, ohne zu übertreiben, mit einem oder zwei Worten zeigt er politischen Scharfsinn, bringt den Betrachter in die Richtung, die er will, die Illusion der zerbombten Mauer. Ein oder zwei Worte, die einen ganzen Körper enthalten. Ein oder zwei Worte auf einem Jean-Michel enthalten die gesamte Geschichte des Graffiti. Was er in seine Bilder einbaut, ob gefunden oder gemacht, ist spezifisch und selektiv. Er hat eine genaue Vorstellung von dem, was er vermitteln will, und verwendet alles, was sich mit seiner Vision vereinbaren lässt.

Der Kurator Marc Mayer schrieb 2005 in seinem Essay „Basquiat in der Geschichte“:

Basquiat spricht wortgewandt und weicht der vollen Wucht der Klarheit aus wie ein Matador. Wir können seine Bilder ohne große Anstrengung lesen – die Worte, die Bilder, die Farben und die Konstruktion -, aber wir können nicht ganz ergründen, worauf sie hinauswollen. Uns in diesem Zustand des Halbwissens, des Mysteriums im Vertrauten zu halten, ist seit seiner Jugendzeit als Graffiti-Poet SAMO die Kerntechnik seiner Kommunikation. Um sie zu genießen, sollten wir die Bilder nicht zu genau analysieren. Die Quantifizierung der enzyklopädischen Breite seiner Recherchen ergibt sicherlich eine interessante Bestandsaufnahme, aber die Summe kann seine Bilder nicht angemessen erklären, was eine Anstrengung außerhalb des Bereichs der Ikonographie erfordert … er malte eine kalkulierte Inkohärenz, indem er das Geheimnis dessen, was solche scheinbar bedeutungsgeladenen Bilder letztendlich bedeuten könnten, kalibrierte.

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Kritik

In den 1980er Jahren bezeichnete der Kunstkritiker Robert Hughes das Werk Basquiats als absurd. Er führte das Phänomen Basquiat auf eine Mischung aus Hype, Überproduktion und einem gierigen Kunstmarkt zurück.

In einer Rezension für den Daily Telegraph von 1997 beginnt der Kunstkritiker Hilton Kramer mit der Feststellung, dass Basquiat keine Ahnung hatte, was das Wort „Qualität“ bedeutet. Er kritisiert Basquiat unerbittlich als „talentlosen Stricher“ und „gewieft, aber ansonsten unbesiegbar unwissend“ und behauptet, dass die Kunsthändler jener Zeit „genauso unwissend über Kunst waren wie Basquiat selbst“. Mit der Feststellung, dass Basquiats Arbeit nie über den „niedrigen künstlerischen Stand“ von Graffiti hinausging, „selbst als seine Bilder enorme Preise erzielten“, argumentierte Kramer, dass Graffiti-Kunst „in bestimmten New Yorker Kunstkreisen einen Kultstatus erlangte“. Weiter meinte er: „Als Ergebnis der Kampagne, die diese Unternehmer der Kunstwelt für Basquiat – und natürlich auch für sich selbst – geführt haben, gab es nie einen Zweifel daran, dass die Museen, die Sammler und die Medien auf einer Linie liegen würden“, wenn es um die Vermarktung von Basquiats Namen ging.

Basquiats erste öffentliche Ausstellung fand im Juni 1980 in der Times Square Show in New York statt. Im Mai 1981 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galleria d“Arte Emilio Mazzoli in Modena. Ende 1981 wechselte er zur Annina Nosei Gallery in New York, wo er vom 6. März bis 1. April 1982 seine erste amerikanische Einzelausstellung hatte. Im Jahr 1982 hatte er auch Ausstellungen in der Gagosian Gallery in West Hollywood, in der Galerie Bruno Bischofberger in Zürich und in der Fun Gallery im East Village. Zu den wichtigsten Ausstellungen seiner Werke gehören Jean-Michel Basquiat: Paintings 1981-1984 in der Fruitmarket Gallery, Edinburgh, 1984, die an das Institute of Contemporary Arts in London und 1985 an das Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, wanderte. 1985 war das University Art Museum in Berkeley Schauplatz von Basquiats erster Einzelausstellung in einem amerikanischen Museum. In den Jahren 1987 und 1989 wurde sein Werk in der Kestner-Gesellschaft in Hannover ausgestellt.

Die erste Retrospektive seines Werks wurde von der Baghoomian Gallery in New York von Oktober bis November 1989 veranstaltet. Seine erste Museumsretrospektive, Jean-Michel Basquiat, fand von Oktober 1992 bis Februar 1993 im Whitney Museum of American Art in New York statt. Die Ausstellung wurde von AT&T, MTV und Madonna gesponsert. Anschließend wurde sie von 1993 bis 1994 in der Menil Collection in Texas, im Des Moines Art Center in Iowa und im Montgomery Museum of Fine Arts in Alabama gezeigt. Der Katalog zur Ausstellung wurde von Richard Marshall herausgegeben und enthielt mehrere Essays aus unterschiedlichen Perspektiven. Im Jahr 1996 sponserte Madonna eine Ausstellung seiner Werke in der Serpentine Gallery in London.

Im März 2005 wurde die Retrospektive Basquiat vom Brooklyn Museum in New York gezeigt. Sie wanderte zum Museum of Contemporary Art in Los Angeles und zum Museum of Fine Arts in Houston. Von Oktober 2006 bis Januar 2007 fand die erste Basquiat-Ausstellung in Puerto Rico im Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR) statt, produziert von ArtPremium, Corinne Timsit und Eric Bonici.

Basquiat ist nach wie vor eine wichtige Inspirationsquelle für eine jüngere Generation zeitgenössischer Künstler auf der ganzen Welt, wie Rita Ackermann und Kader Attia – wie zum Beispiel die Ausstellung Street and Studio: Von Basquiat bis Séripop, die von Cathérine Hug und Thomas Mießgang ko-kuratiert wurde und 2010 in der Kunsthalle Wien zu sehen war. Basquiat and the Bayou, eine 2014 vom Ogden Museum of Southern Art in New Orleans präsentierte Schau, konzentrierte sich auf die Arbeiten des Künstlers zu Themen des amerikanischen Südens. Das Brooklyn Museum zeigte die Ausstellung Basquiat: The Unknown Notebooks im Jahr 2015. Im Jahr 2017 wurde Basquiat Before Basquiat: East 12th Street, 1979-1980 im Museum of Contemporary Art Denver ausgestellt, die Werke zeigte, die in dem Jahr entstanden, in dem Basquiat mit seinem Freund Alexis Adler zusammenlebte. Später im selben Jahr zeigte das Barbican Centre in London die Ausstellung Basquiat: Boom for Real.

2019 veranstaltete die Brant Foundation in New York eine umfassende Ausstellung von Basquiats Werken bei freiem Eintritt. Alle 50.000 Eintrittskarten waren bereits vor der Eröffnung der Ausstellung vergriffen, so dass zusätzliche Karten freigegeben wurden. Im Juni 2019 präsentierte das Solomon R. Guggenheim Museum in New York Basquiats „Defacement“: The Untold Story“. Später im Jahr eröffnete die National Gallery of Victoria in Melbourne die Ausstellung Keith Haring and Jean-Michel Basquiat: Crossing Lines“. Das Lotte Museum of Art beherbergt von Oktober 2020 bis Februar 2021 die erste große Ausstellung über Jean-Michel Basquiat in Seoul. Das Museum of Fine Arts in Boston zeigte die Ausstellung Writing the Future: Basquiat und die Hip-Hop-Generation von Oktober 2020 bis Juli 2021.

Im Jahr 2022 sah sich das Orlando Museum of Art mit Skepsis für seine Ausstellung Heroes & Monsters konfrontiert, in der angeblich 25 seltene Kartonarbeiten gezeigt werden, die Basquiat 1982 direkt an den Fernsehdrehbuchautor Thad Mumford verkauft haben soll. Basquiats Familie kuratierte Jean-Michel Basquiat: King Pleasure, eine Ausstellung mit über 200 noch nie oder selten gezeigten Werken, die am 9. April 2022 im Starrett-Lehigh Building in Chelsea, New York, eröffnet wurde.

Seit Basquiats Tod im Jahr 1988 hat sich der Markt für seine Werke im Einklang mit den allgemeinen Trends auf dem Kunstmarkt stetig entwickelt, mit einem dramatischen Höhepunkt im Jahr 2007, als auf dem Höhepunkt des Kunstmarktbooms das weltweite Auktionsvolumen für seine Werke über 115 Millionen Dollar betrug. Brett Gorvy, stellvertretender Vorsitzender von Christie“s, wird zitiert, der Basquiats Markt als „zweistufig … Das begehrteste Material ist selten und stammt in der Regel aus der besten Zeit, 1981-83.“ Bis 2002 war der höchste Betrag, der für ein Originalwerk Basquiats gezahlt wurde, 3,3 Millionen Dollar für Self-Portrait (1982), das 1998 bei Christie“s verkauft wurde. Im Jahr 2002 wurde Basquiats Profit I (1982) vom Schlagzeuger Lars Ulrich der Heavy-Metal-Band Metallica für 5,5 Millionen Dollar bei Christie“s verkauft. Der Ablauf der Auktion wurde 2004 in dem Film Metallica: Some Kind of Monster.

Im Juni 2002 wurde der New Yorker Hochstapler Alfredo Martinez vom Federal Bureau of Investigation angeklagt, weil er versucht hatte, zwei Kunsthändler zu täuschen, indem er ihnen gefälschte Basquiat-Zeichnungen im Wert von 185.000 Dollar verkaufte. Die Anklage gegen Martinez, die ihn für 21 Monate in das Metropolitan Correction Center in Manhattan brachte, bezog sich auf einen Plan zum Verkauf von Zeichnungen, die er von echten Kunstwerken kopiert und mit gefälschten Echtheitszertifikaten versehen hatte. Martinez behauptete, er sei 18 Jahre lang mit dem Verkauf gefälschter Basquiat-Zeichnungen davongekommen.

Im Jahr 2007 wurde Basquiats Gemälde Hannibal (1982) von Bundesbehörden als Teil eines Veruntreuungsplans des verurteilten brasilianischen Geldwäschers und ehemaligen Bankiers Edemar Cid Ferreira beschlagnahmt. Ferreira hatte das Gemälde mit illegal erworbenen Mitteln gekauft, als er die Banco Santos in Brasilien kontrollierte. Es wurde über die Niederlande mit einer gefälschten Versandrechnung, die einen Wert von 100 Dollar auswies, an ein Lagerhaus in Manhattan verschickt. Das Gemälde wurde später bei Sotheby“s für 13,1 Millionen Dollar verkauft.

Zwischen 2007 und 2012 stiegen die Preise für Basquiats Werke kontinuierlich bis auf 16,3 Millionen Dollar. Der Verkauf von Untitled (1981) für 20,1 Mio. USD im Jahr 2012 hob seinen Markt in eine neue Stratosphäre. Bald übertrafen andere Werke aus seinem Oeuvre diesen Rekord. Ein weiteres Werk, Untitled (1981), das einen Fischer zeigt, wurde 2012 für 26,4 Millionen Dollar verkauft. Im Jahr 2013 wurde Dustheads (1982) bei Christie“s für 48,8 Millionen Dollar verkauft. Der japanische Geschäftsmann Yusaku Maezawa erwarb Untitled (1982), das eine teufelsähnliche Figur darstellt, 2017 für 57,3 Millionen Dollar bei Christie“s. Im Jahr 2022 verkaufte er das Gemälde für 85 Millionen Dollar bei Phillips. Maezawa erwarb auch Basquiats Ohne Titel (1982), eine kraftvolle Darstellung eines schwarzen Schädels mit roten und gelben Rinnsalen, im Mai 2017 für einen Rekordpreis von 110,5 Millionen Dollar. Es ist der zweithöchste Preis, der jemals bei einer Auktion für ein Kunstwerk eines amerikanischen Künstlers gezahlt wurde.

Im Jahr 2018 wurde Flexible (1984) für 45,3 Millionen Dollar verkauft und war damit das erste Gemälde Basquiats nach 1983, das die 20-Millionen-Dollar-Marke überschritt. Im Juni 2020 wurde Untitled (ein Rekord für eine Online-Versteigerung bei Sotheby“s und ein Rekord für ein Basquiat-Werk auf Papier) verkauft. Im Juli 2020 gab die App Fair Warning von Loïc Gouzer bekannt, dass eine Zeichnung ohne Titel auf Papier für 10,8 Millionen Dollar verkauft wurde, was einen Rekord für einen In-App-Kauf darstellt. Zu Beginn des Jahres erwarb der amerikanische Geschäftsmann Ken Griffin das Bild Boy and Dog in a Johnnypump (1982) für über 100 Millionen Dollar von dem Kunstsammler Peter Brant. Im März 2021 wurde Basquiats Warrior (1982) bei Christie“s in Hongkong für 41,8 Millionen Dollar verkauft, was das teuerste westliche Kunstwerk ist, das in Asien versteigert wurde. Im Mai 2021 wurde Basquiats In This Case (1983) für 93,1 Millionen Dollar bei Christie“s in New York verkauft. Später im selben Jahr wurde sein Gemälde Donut Revenge (1982) für 20,9 Millionen Dollar bei Christie“s in Hongkong verkauft.

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Authentifizierungsausschuss

Das Authentifizierungskomitee des Nachlasses von Jean-Michel Basquiat wurde von der Robert Miller Gallery gegründet, der Galerie, die nach Basquiats Tod mit der Verwaltung seines Nachlasses beauftragt wurde, um gegen die wachsende Zahl von Fälschungen auf dem Basquiat-Markt vorzugehen. Die Kosten für das Gutachten des Ausschusses betrugen 100 Dollar. Das Komitee wurde von Basquiats Vater Gérard Basquiat geleitet. Zu den Mitgliedern gehörten die Kuratoren und Galeristen Diego Cortez, Jeffrey Deitch, Annina Nosei, John Cheim, Richard Marshall, Fred Hoffman und der Verleger Larry Warsh, je nachdem, wer zum Zeitpunkt der Begutachtung eines Werks verfügbar war.

Im Jahr 2008 wurde der Authentifizierungsausschuss von dem Sammler Gerard De Geer verklagt, der behauptete, der Ausschuss habe seinen Vertrag gebrochen, als er sich weigerte, ein Gutachten über die Echtheit des Gemäldes Fuego Flores (1983) abzugeben. Nachdem die Klage abgewiesen wurde, erklärte der Ausschuss das Werk für echt. Im Januar 2012 gab der Ausschuss bekannt, dass er sich nach achtzehn Jahren im September desselben Jahres auflösen und keine Bewerbungen mehr berücksichtigen würde.

Basquiat hatte viele romantische Beziehungen zu Frauen. Obwohl er sich nie öffentlich als bisexuell bezeichnete, hatte er mehreren Freunden zufolge sexuelle Beziehungen zu Männern. Die Biografin Phoebe Hoban gab an, dass seine ersten sexuellen Erfahrungen homosexuell waren, als er als Minderjähriger in Puerto Rico lebte; er wurde von einem Friseur in Frauenkleidern oral vergewaltigt und ließ sich dann mit einem DJ ein. Der Kunstkritiker Rene Ricard, der Basquiats Karriere mit auf den Weg brachte, sagte, dass Basquiat in alles verwickelt war und in Condado, als er in Puerto Rico lebte, „Tricks“ angewandt habe. Als Teenager erzählte Basquiat einem Freund, dass er als Prostituierter in der 42nd Street in Manhattan arbeitete, als er von zu Hause weglief.

Basquiats ehemalige Freundin Suzanne Mallouk beschrieb sein sexuelles Interesse als „nicht monochromatisch“. Es beruhte nicht auf visuellen Reizen, wie etwa einem hübschen Mädchen. Es war eine sehr reiche, vielfarbige Sexualität. Er fühlte sich aus ganz unterschiedlichen Gründen zu Menschen hingezogen. Sie konnten Jungen, Mädchen, dünn, dick, hübsch, hässlich sein … Er fühlte sich mehr als alles andere zu Intelligenz und Schmerz hingezogen. Er fühlte sich sehr zu Menschen hingezogen, die stillschweigend eine Art von innerem Schmerz trugen wie er selbst, und er liebte Menschen, die einzigartig waren, Menschen, die eine einzigartige Sicht der Dinge hatten.“

Basquiats Nachlass wurde von seinem Vater, Gerard Basquiat, bis zu seinem Tod im Jahr 2013 verwaltet. Heute wird es von seinen Schwestern Jeanine Heriveaux und Lisane Basquiat geleitet.

2015 war Basquiat auf der Titelseite der Sonderausgabe von Vanity Fair über Kunst und Künstler abgebildet. 2016 brachte die Greenwich Village Society for Historic Preservation vor seinem ehemaligen Wohnhaus in der 57 Great Jones Street in Manhattan eine Gedenktafel an, die an Basquiats Leben erinnert. Im Jahr 2017 wurde Basquiat posthum der Schlüssel der Stadt Brooklyn von Borough President Eric Adams verliehen und auf dem Celebrity Path im Brooklyn Botanic Garden geehrt.

Vor der Ausstellung Basquiat: Boom for Real im Londoner Barbican Centre im Jahr 2017 schuf der Graffitikünstler Banksy zwei von Basquiat inspirierte Wandbilder an den Wänden des Barbican. Das erste Wandbild zeigt Basquiats Gemälde Boy and Dog in a Johnnypump (1982), das von zwei Polizeibeamten durchsucht wird. Das zweite Wandbild zeigt ein Karussell, bei dem die Kutschen durch Basquiats charakteristisches Kronenmotiv ersetzt wurden.

Im Jahr 2018 wurde ein öffentlicher Platz im 13. Arrondissement von Paris zu seinem Gedenken in Place Jean-Michel Basquiat umbenannt. In der NBA-Saison 2020-21 ehrten die Brooklyn Nets Basquiat mit einem Basketballtrikot und einem von seiner Kunst inspirierten Platzdesign. Im Jahr 2021 finanzierte die Joe and Clara Tsai Foundation ein Basquiat-Bildungsprogramm, das in Partnerschaft zwischen den Brooklyn Nets, dem New York City Department of Education und dem Fund for Public Schools entwickelt wurde.

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Mode

Im Jahr 2007 wurde Basquiat in die Liste der 50 stilvollsten Männer der letzten 50 Jahre der Zeitschrift GQ aufgenommen. Basquiat malte oft in teuren Armani-Anzügen und machte ein Fotoshooting für Issey Miyake. Comme des Garçons war eine seiner Lieblingsmarken; er war ein Model für die Comme des Garçons Homme Plus Spring

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Film, Fernsehen und Theater

Basquiat spielte die Hauptrolle in Downtown 81, einem Vérité-Film, der von Glenn O“Brien geschrieben und von Edo Bertoglio 1980-81 gedreht, aber erst 2000 veröffentlicht wurde. 1996 gab der Maler Julian Schnabel mit dem Biopic Basquiat sein Debüt als Filmemacher. Darin spielen der Schauspieler Jeffrey Wright als Basquiat und David Bowie als Andy Warhol die Hauptrollen.

Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child, ein Dokumentarfilm unter der Regie von Tamra Davis, wurde 2010 auf dem Sundance Film Festival uraufgeführt und 2011 in der PBS-Serie Independent Lens gezeigt. Sara Driver führte Regie bei dem Dokumentarfilm Boom for Real: The Late Teenage Years of Jean-Michel Basquiat, der 2017 auf dem Toronto International Film Festival uraufgeführt wurde. Im Jahr 2018 strahlte PBS den Dokumentarfilm Basquiat: Rage to Riches im Rahmen der Reihe American Masters.

Im Januar 2022 wurde berichtet, dass der Schauspieler Kelvin Harrison Jr. die Rolle des Basquiat in einem kommenden Biopic mit dem Titel Samo Lives spielen wird, das von Julius Onah geschrieben, inszeniert und produziert wird. Im Februar 2022 wurde bekannt gegeben, dass der Schauspieler Stephan James die Hauptrolle in einer limitierten Serie über Basquiat spielen und diese mitproduzieren wird. Von Februar bis April 2022 wird The Collaboration, ein Theaterstück über Basquiat und Warhol, am Londoner Young Vic Theatre aufgeführt, in dem Jeremy Pope Basquiat verkörpert.

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Literatur

1991 veröffentlichte der Dichter Kevin Young das Buch To Repel Ghosts, eine Sammlung von 117 Gedichten, die sich auf Basquiats Leben, einzelne Gemälde und soziale Themen im Werk des Künstlers beziehen. Im Jahr 2005 veröffentlichte er einen „Remix“ des Buches. 1993 wurde ein Kinderbuch mit dem Titel Life Doesn“t Frighten Me veröffentlicht, das ein Gedicht von Maya Angelou mit Kunstwerken von Basquiat kombiniert.

1998 veröffentlichte die Journalistin Phoebe Hoban die nicht autorisierte Biografie Basquiat: A Quick Killing in Art. Im Jahr 2000 schrieb die Autorin Jennifer Clement die Memoiren Widow Basquiat: A Love Story, die auf den Erzählungen von Basquiats ehemaliger Freundin Suzanne Mallouk basieren.

2005 veröffentlichte der Dichter M. K. Asante das Gedicht SAMO“, das Basquiat gewidmet ist, in seinem Buch Beautiful. Und auch hässlich. Das Kinderbuch Radiant Child: The Story of Young Artist Jean-Michel Basquiat, geschrieben und illustriert von Javaka Steptoe, wurde 2016 veröffentlicht. Das Bilderbuch wurde 2017 mit der Caldecott Medal ausgezeichnet. Im Jahr 2019 schrieb der Illustrator Paolo Parisi die Graphic Novel Basquiat: A Graphic Novel, der Basquiats Weg von der Street-Art-Legende SAMO zum internationalen Liebling der Kunstszene bis zu seinem Tod nachzeichnet.

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Musik

Kurz nach Basquiats Tod schrieb der Gitarrist Vernon Reid von der Funk-Metal-Band Living Colour einen Song namens „Desperate People“, der auf ihrem Album Vivid veröffentlicht wurde. In dem Lied geht es vor allem um die damalige New Yorker Drogenszene. Reid wurde zu dem Song inspiriert, nachdem er einen Anruf von Greg Tate erhalten hatte, der ihn über Basquiats Tod informierte.

Im August 2014 veröffentlichte Revelation 13:18 die Single „Old School“ mit Jean-Michel Basquiat sowie das selbstbetitelte Album Revelation 13:18 x Basquiat. Das Veröffentlichungsdatum von „Old School“ fiel mit dem Todestag von Basquiat zusammen. Im Jahr 2020 verwendete die New Yorker Rockband The Strokes Basquiats Gemälde Bird on Money (1981) als Titelbild für ihr Album The New Abnormal.

Quellen

1. Jean-Michel Basquiat
2. Jean-Michel Basquiat
3. ^ Sowa, Emily; Hershkowitz, Toby (February 27, 2019). „Jean-Michel Basquiat“s sisters talk growing up with the Brooklyn-born art icon“. ABC7 New York. Retrieved April 4, 2021.
4. ^ Braziel, Jana Evans (2008). Artists, Performers, and Black Masculinity in the Haitian Diaspora. Indiana University Press. p. 174. ISBN 978-0-253-35139-5.
5. ^ Guerrero, Naiomy (June 16, 2017). „Basquiat“s Record Sale Highlights the Invisibility of the Latinx Market“. Artsy. Retrieved April 4, 2021.
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7. Iturbe, Mercedes (2004). Jean-Michel Basquiat. Museo del Palacio de Bellas Artes. p. 91.
8. Fretz, Eric (2010). Jean-Michel Basquiat: A Biography (en inglés). ABC-CLIO. ISBN 978-0-313-38056-3. Consultado el 11 de mayo de 2021.
9. «“Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child” – Green-Wood». www.green-wood.com. Consultado el 18 de abril de 2021.
10. Para un análisis de esta obra y la influencia del jazz en Basquiat, véase Francesco Martinelli, «King Zulú: Basquiat y el enigma del jazz», en Cuadernos de Jazz, año XX, 117, marzo-abril 2010, págs. 6-13.
11. Sam Keller (Hrsg.): Basquiat. Katalog zur Beyeler-Retrospektive, Hatje Cantz Verlag, S. XXIX
12. Sam Keller (Hrsg.): Basquiat. Katalog zur Beyeler-Retrospektive, Hatje Cantz Verlag, Beitrag des Kunsthistorikers Dieter Buchhart, S. X
13. Prononciation en français nord-américain (français haïtien) retranscrite selon la norme API.
14. (en) « Jean-Michel Basquiat | American artist », sur Encyclopedia Britannica (consulté le 30 juillet 2019)
15. a et b (en-US) « Jean-michel Basquiat | Encyclopedia.com », sur www.encyclopedia.com (consulté le 30 juillet 2019)
16. (en) Jena Gaines, Haitian Immigration, Mason Crest Publishers, 2004, p. 90