Joan Crawford

Alex Rover | April 27, 2023

Zusammenfassung

Joan Crawford (San Antonio, 23. März 1904 – New York City, 10. Mai 1977) war eine amerikanische Schauspielerin. Crawford begann als Tänzerin in Wandertheatern, bevor sie ihr Debüt am Broadway gab. 1925 unterzeichnete sie einen Vertrag mit Metro-Goldwyn-Mayer. Anfänglich frustriert über die Größe und Qualität ihrer Rollen, begann Crawford eine Kampagne der Eigenwerbung und wurde in den späten 1920er Jahren landesweit als wohlklingende Frau bekannt. In den 1930er Jahren erreichte Crawfords Ruhm den ihrer MGM-Kolleginnen Greta Garbo und Norma Shearer, mit denen sie in den Filmen „Grand Hotel“ bzw. „The Women“ auftrat. Crawford spielte junge arbeitende Frauen, die eine Romanze und finanziellen Erfolg haben. Diese „Von der Armut zum Reichtum“-Geschichten kamen in der Zeit der Großen Depression beim Publikum gut an und waren bei Frauen sehr beliebt. Crawford wurde zu einem der bekanntesten Filmstars Hollywoods und zu einer der bestbezahlten Frauen in den Vereinigten Staaten, doch ihre Filme begannen, Geld zu verlieren, und in den späten 1930er Jahren wurde sie als „Kassengift“ bezeichnet.

Anfang der 1940er Jahre ging es mit ihrer Karriere allmählich bergauf, bis sie 1945 mit ihrer Hauptrolle in dem Drama „Soul in Suffering“ ein großes Comeback feierte, für das sie einen Oscar als beste Darstellerin erhielt. In der Folgezeit wurde sie noch zweimal nominiert, für „Feuer der Leidenschaften“ (1947) und „Abgründe der Seele“ (1952). In den folgenden Jahrzehnten setzte Crawford ihre Schauspieltätigkeit fort und erzielte mit dem Thriller „What Ever Happened to Baby Jane?“ (1962), in dem sie an der Seite ihrer Rivalin Bette Davis spielte, einen großen Erfolg an den Kinokassen. Trotz des Erfolgs des Films beschränkten sich ihre weiteren Rollen auf B-Krimis und Episoden von Fernsehserien.

1955 wurde sie durch ihre Heirat mit dem damaligen Präsidenten des Unternehmens, Alfred Steele, in die Pepsi-Cola Company eingebunden. Nach seinem Tod im Jahr 1959 wurde Crawford in den Vorstand des Unternehmens gewählt und war damit eine der ersten Frauen, die in den Vereinigten Staaten als Vorstandsvorsitzende fungierte. Sie musste 1973 zurücktreten, nachdem ihr Konkurrent Don Kendall zum Präsidenten des Unternehmens gewählt worden war. In dieser Zeit wurde Crawford so etwas wie ein inoffizielles Aushängeschild für das Unternehmen. Sie reiste durch die ganze Welt, um Fabriken für Erfrischungsgetränke zu eröffnen, trat in der Fernsehwerbung der Marke auf und bestand bei den Regisseuren von Filmen darauf, dass das Produkt in ihnen eingesetzt wurde.

Nach der Veröffentlichung des britischen Horrorfilms „Trog the Cave Monster“ im Jahr 1970 beschloss Crawford, sich von der Leinwand zurückzuziehen, obwohl sie 1972 noch in einer Episode der Fernsehserie „The Sixth Sense“ auftrat. Nach einem öffentlichen Auftritt im Jahr 1974, bei dem Fotos, die der Schauspielerin missfielen, in Zeitungen veröffentlicht wurden, beschloss Crawford, sich endgültig aus der Öffentlichkeit zurückzuziehen und zog sich immer mehr zurück. Zu diesem Zeitpunkt hatte sie fast fünf Jahrzehnte des öffentlichen Lebens hinter sich gebracht, die vom Stummfilm bis zum Aufkommen des Fernsehens reichten. Sie starb fast drei Jahre später an einem Herzinfarkt und wurde auf dem Ferncliff-Friedhof beigesetzt.

Crawford war viermal verheiratet. Ihre ersten drei Ehen wurden geschieden, die letzte endete mit dem Tod ihres Mannes Alfred Steele. Sie adoptierte fünf Kinder, von denen eines schließlich an seine leibliche Mutter zurückgegeben wurde, nachdem sie es für sich beansprucht hatte. Crawfords Verhältnis zu ihren beiden ältesten Kindern, Christina und Christopher, war bitter. Crawford verleugnete sie, und nach ihrem Tod schrieb Christina die berühmten Memoiren „Mommy Dearest“, in denen sie über den angeblichen Missbrauch berichtet, dem sie und ihr Bruder angeblich zum Opfer gefallen waren. Die jüngsten Töchter der Schauspielerin, Cathy und Cindy, streiten den Missbrauch ab. Christinas Schilderungen weckten das Interesse an Crawford neu und führten zu einem Film über die Schauspielerin, der sie zu einer Ikone der Camp-Kultur machte, die von neuen Generationen verehrt wird.

Crawford wurde als Lucille Fay LeSueur am 23. März in San Antonio, Texas, geboren; über das Jahr ihrer Geburt herrscht Uneinigkeit. 1904, 1905 und 1906 sind die wahrscheinlichsten Schätzungen. Sie war das dritte Kind von Thomas E. LeSueur (1867-1938), einem Wäschereiarbeiter, und Anna Bell Johnson (1884-1958). Johnson besaß englische, französisch-hugenottische, schwedische und irische Vorfahren. Ihre älteren Geschwister waren die 1902 geborene Daisy LeSueur, die starb, bevor Lucille geboren wurde, und der ebenfalls schauspielernde Hal LeSueur (gestorben am 3. Mai 1963).

Crawfords Vater verließ die Familie einige Monate vor ihrer Geburt und tauchte 1930 wieder in Abilene auf, wo er im Baugewerbe tätig war. Nachdem LeSueur die Familie verlassen hatte, heiratete Crawfords Mutter Henry J. Cassin (gestorben am 25. Oktober 1922). Diese Ehe wird in den Volkszählungsunterlagen als die erste Ehe von Crawfords Mutter aufgeführt, was die Frage aufwirft, ob Thomas LeSueur und Anna Bell Johnson rechtmäßig verheiratet waren. Crawford lebte mit seinem Stiefvater, seiner Mutter und seinen Geschwistern in Lawton, Oklahoma. Cassin war ein kleiner Geschäftsmann in der Unterhaltungsbranche und leitete das Ramsey Opera House, das es schaffte, so unterschiedliche und bekannte Künstler wie die Ballerina Anna Pavlova und die Varietésängerin Eva Tanguay in die Stadt zu bringen. Die junge Lucille wusste nicht, dass Cassin, den sie „Daddy“ nannte, nicht ihr leiblicher Vater war, bis ihr Bruder Hal ihr die Wahrheit erzählte. Lucille bevorzugte als Kind den Spitznamen „Billie“ und liebte es, Varietévorstellungen zu besuchen und auf der Bühne des Theaters ihres Stiefvaters aufzutreten. Die Instabilität ihres Familienlebens wirkte sich auf ihre Erziehung und Schulbildung aus, so dass sie nie über die Grundschule hinauskam.

Seit ihrer Kindheit war es Crawfords Ziel, Tänzerin zu werden. Eines Tages jedoch, als sie versuchte, dem Klavierunterricht zu entkommen, um mit Freunden zu spielen, sprang sie von der Veranda des Hauses und schnitt sich tief in eine zerbrochene Milchflasche. Infolgedessen musste sie dreimal operiert werden und konnte 18 Monate lang weder tanzen noch zur Schule gehen. Schließlich erholte sie sich vollständig und kehrte zum Tanzen zurück.

Während die Familie noch in Lawson lebte, wurde Cassin wegen Unterschlagung angeklagt, und obwohl er vor Gericht freigesprochen wurde, wurde er in Lawton zur Persona non grata, und die Familie zog um das Jahr 1916 nach Kansas City, Missouri. Cassin war katholisch und meldete Crawford an der St. Agnes Academy in Kansas City an. Nach der Trennung von ihrer Mutter und ihrem Stiefvater blieb sie als studentische Hilfskraft im Internat; allerdings verbrachte sie viel mehr Zeit mit der Arbeit, insbesondere mit dem Kochen für die anderen Schüler und dem Putzen der College-Quartiere, als mit dem eigentlichen Lernen.

Später besuchte sie die Rockingham Academy, ebenfalls als studentische Hilfskraft. Während sie dieses Internat besuchte, begann sie eine Beziehung mit einem Trompeter namens Ray Sterling, der sie dazu inspiriert haben soll, sich akademisch herauszufordern, und hatte ihre erste ernsthafte Beziehung.

1922 schrieb sich Lucille am Stephens College in Columbia, Missouri, ein, wobei ihr Geburtsjahr mit 1906 angegeben wird. Sie besuchte diese Bildungseinrichtung nur wenige Monate, bevor sie das akademische Leben abbrach, nachdem sie erkannt hatte, dass sie nicht bereit für das College war. Aufgrund der Instabilität ihrer Familie ging Crawfords Schulbildung nie über die Grundschulstufe hinaus.

Frühe Karriere

Unter dem Namen Lucille LeSueur begann Crawford in den Chören verschiedener Wandershows zu tanzen und wurde in Detroit, Michigan, vom berühmten Produzenten Jacob J. Shubert entdeckt. Shubert holte sie 1924 in den Chor seiner Show „Innocent Eyes“, die im Winter Garden Theatre am Broadway in New York City aufgeführt wurde. Bei einem ihrer Auftritte in dem Stück lernte Crawford den Saxophonisten James Welton kennen. Die beiden heirateten angeblich 1924 und lebten mehrere Monate zusammen, obwohl Crawford diese angebliche Verbindung nach ihrem Ruhm nie erwähnt hat.

Crawford wollte mehr arbeiten und wandte sich an den Publizisten des Loews Theatre, Nils Granlund. Granlund verschaffte ihr eine Rolle in den Aufführungen des Sängers Harry Richmond und arrangierte für sie eine Probeaufnahme mit dem Produzenten Harry Rapf in Hollywood. Bis heute halten sich hartnäckig Gerüchte, wonach Crawford in dieser Zeit ihr Einkommen durch Auftritte in einem oder mehreren Pornofilmen aufbesserte, obwohl der Wahrheitsgehalt dieser Behauptung stark umstritten ist.

Rapf informierte Granlund am 24. Dezember 1924, dass Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) Crawford einen Vertrag über 75 Dollar pro Woche angeboten hatte. Granlund schickte ihr – die zu ihrer Mutter nach Kansas City zurückgekehrt war – sofort ein Telegramm mit dieser Nachricht; sie lieh sich 400 Dollar, um die Reise anzutreten. Sie verließ Kansas City am 26. Dezember und kam am 1. Januar 1925 in Culver City, Kalifornien, an.

Ihr erster Film war „Lady of the Night“ aus dem Jahr 1925, in dem sie als Körperdouble für MGMs populärsten weiblichen Star Norma Shearer fungierte. Sie trat auch in „The Circle“ („The Other’s Wife“) und „Pretty Ladies“ („The Black Fly“) auf, beide ebenfalls von 1925. Es folgten ebenso kleine, nicht näher bezeichnete Rollen in zwei weiteren Hits von 1925, „The Only Thing“ und „The Merry Widow“.

Der Werbeleiter von MGM, Pete Smith, erkannte seine Fähigkeit, ein großer Star zu werden, fand aber, dass sein Name falsch klang; er sagte dem Studioleiter Louis B. Mayer, dass der Nachname LeSueur wie „sewer“ („Kanalisation“ auf Englisch) klingen würde. Smith veranstaltete in der Zeitschrift Movie Weekly einen Wettbewerb mit dem Titel „Name a Star“, bei dem die Öffentlichkeit Lucilles neuen Künstlernamen wählen konnte. Der am häufigsten gewählte Name war „Joan Arden“, aber nachdem festgestellt wurde, dass es bereits eine Schauspielerin mit diesem Namen gab, wurde der alternative Nachname „Crawford“ gewählt. Crawford erklärte später, dass sie wollte, dass ihr Vorname als „Jo-Anne“ ausgesprochen wird, und dass sie den Nachnamen Crawford hasste, weil er wie „Crawfish“ klang, gab aber auch zu, dass sie „die Sicherheit“ mochte, die der Name vermittelte.

Auf dem Weg zum Ruhm

Crawford war zunehmend frustriert über den Umfang und die Qualität der Rollen, die ihr angeboten wurden, und begann mit einer Kampagne zur Selbstvermarktung. Die MGM-Drehbuchautorin Frederica Sagor Maas erinnerte sich: „Niemand hat beschlossen, Joan Crawford zum Star zu machen. Joan Crawford wurde ein Star, weil Joan Crawford beschloss, sich selbst zum Star zu machen“. Sie begann, nachmittags und abends in Hollywood-Hotels Tanzveranstaltungen zu besuchen, bei denen sie mit ihren Charleston- und Black-Bottom-Moves oft Tanzwettbewerbe gewann.

Ihre Strategie ging auf, und MGM besetzte sie in dem ersten Film, in dem sie die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich zog: „Sally, Irene and Mary“ („Sally, Irene and Mary“) von 1925, geschrieben und inszeniert von Edmund Goulding. Zu Beginn ihrer Karriere betrachtete Crawford Norma Shearer – die beliebteste Schauspielerin des Studios – als ihre berufliche Feindin. Shearer war mit dem MGM-Produktionschef Irving Thalberg verheiratet und konnte sich daher die Drehbücher aussuchen und hatte mehr Kontrolle darüber, welche Filme sie drehen würde oder nicht. Crawford soll einmal gesagt haben: „Wie kann ich mit Norma konkurrieren? Sie schläft mit ihrem Chef!“.

1926 wurde Crawford von der Western Film Advertisers Association zu einem von dreizehn aufstrebenden Filmstars ernannt, neben Mary Astor, Dolores del Río, Janet Gaynor und Fay Wray, um nur einige zu nennen. Im selben Jahr spielte sie die Hauptrolle in „Paris“ an der Seite von Charles Ray. Innerhalb weniger Jahre wurde Crawford das Liebespaar der größten männlichen MGM-Stars wie Ramón Novarro, John Gilbert, William Haines und Tim McCoy.

Crawford spielte in „The Unknown“ (Crawford, die ein bescheidenes Kostüm trug, spielte seine junge Assistentin, die er zu heiraten hoffte. Sie behauptete, sie habe durch die Beobachtung von Chaneys Arbeit mehr über die Schauspielerei gelernt als durch irgendjemand anderen in ihrer Karriere. „Damals“, so behauptete sie, „wurde mir zum ersten Mal der Unterschied zwischen der Arbeit vor der Kamera und der Schauspielerei bewusst.“ Ebenfalls 1927 trat sie an der Seite ihres Freundes William Haines in „Social Prestige“ auf, dem ersten von drei Filmen, die sie gemeinsam drehten.

1928 spielte Crawford an der Seite von Ramón Novarro in dem Film „Across to Singapore“ („Across the Heart“), doch es war ihre Rolle als Diana Medford in „Modern Girls“ (1928), die sie zum Star machte. Die Rolle machte sie zu einem Symbol der modernen Weiblichkeit der 1920er Jahre und stellte sie in eine Reihe mit Clara Bow, dem ursprünglichen „It-Girl“ und Hollywoods berühmtester Melindrosa jener Zeit. Nach „Our Dancing Daughters“ spielte Crawford in mehreren Hits mit, darunter zwei weitere Filme mit sirupartigem Thema, in denen sie für ihre zahlreichen Fans (von denen viele Frauen waren) eine idealisierte Vision der freigeistigen, unabhängigen amerikanischen Frau verkörperte.

Damals schrieb der Schriftsteller F. Scott Fitzgerald über Crawford Folgendes:

„Joan Crawford ist zweifellos das beste Beispiel für die Melindrosa, das Mädchen, das man in den Nachtclubs sieht, das auf dem Höhepunkt der Raffinesse gekleidet ist, das mit eisgekühlten Gläsern spielt, mit einem distanzierten, leicht verbitterten Ausdruck, das köstlich tanzt und mit großen, leidenden Augen viel lacht. Junge Leute mit einem Talent zum Leben.“

Am 3. Juni 1929, während der Dreharbeiten zu „Our Modern Maidens“ („Today’s Maidens“), der Fortsetzung von „Our Dancing Daughters“, heiratete Crawford ihren Co-Star Douglas Fairbanks, Jr. in der St. Malachy’s Church (wegen ihrer Nähe zu den Broadway-Theatern als „Actors‘ Chapel“ bekannt) in Manhattan, obwohl beide nicht katholisch waren. Fairbanks war der Sohn von Douglas Fairbanks und Stiefsohn von Mary Pickford, die als Hollywoods Königsfamilie galten. Fairbanks und Pickford waren gegen die Verbindung und luden das Paar erst acht Monate nach der Hochzeit in ihr Haus, die berühmte Pickfair-Villa, ein.

Die Beziehung zwischen Crawford und Fairbanks Vater verbesserte sich allmählich; sie nannte ihn „Onkel Doug“ und er nannte sie „Billie“, seinen Spitznamen aus der Kindheit. Sie und Pickford verachteten sich jedoch weiterhin gegenseitig. Nach einer anfänglichen Einladung zu einem Besuch in der Villa wurden Crawford und Fairbanks Jr. zu regelmäßigen Gästen. Während die Männer zusammen Golf spielten, wurde Crawford von Pickford ausgegrenzt, der sich in sein Quartier zurückzog.

Um ihren texanischen Akzent loszuwerden, übte Crawford unermüdlich in Diktion und Aussprache. Sie sagte einmal:

„Wenn ich eine Rede halten wollte, hielt ich es für eine gute Idee, sie mir selbst laut vorzulesen, wobei ich auf die Qualität und die Aussprache meiner Stimme achtete und versuchte, auf eine bestimmte Art zu sprechen. Ich schloss mich gerne in meinem Zimmer ein und las Zeitungen, Zeitschriften und Bücher laut vor. Ich hatte ein Wörterbuch unter meinem Arm. Wenn ich auf ein Wort stieß, von dem ich nicht wusste, wie man es ausspricht, schlug ich es nach und sprach es fünfzehn Mal richtig aus.“

Übergang zum Tonfilm und anhaltender Erfolg

Nach der Veröffentlichung von „The Jazz Singer“ – dem ersten Spielfilm mit synchronisiertem Ton – im Jahr 1927 sorgte der Tonfilm in Hollywood für Aufsehen. Der Übergang vom Stumm- zum Tonfilm versetzte viele, wenn nicht alle Schauspieler in der Filmindustrie in Panik. Viele Stummfilmstars fanden aufgrund ihrer unattraktiven Stimmen und schwer verständlichen Akzente keine Arbeit mehr oder weigerten sich einfach, den Übergang zum Tonfilm zu vollziehen.

Einige Studios und Stars vermieden den Übergang so lange wie möglich, insbesondere MGM, das das letzte Studio war, das den Übergang vollzog. „The Hollywood Revue of 1929“ war einer der ersten Sprechfilme des Studios und sein erster Versuch, der Öffentlichkeit die Fähigkeit seiner Stars zur Umstellung zu zeigen. Crawford gehörte zu dem Dutzend Stars, die in dem Film mitwirkten; sie sang das Lied „Got a Feeling for You“ im ersten Akt des Films. In den 1920er und 1930er Jahren nahm sie Gesangsunterricht bei Estelle Liebling, der Gesangslehrerin von Beverly Sills.

Crawford schaffte den Übergang zum Tonfilm. Seine erste Hauptrolle in einem Tonfilm spielte er 1929 in Untamed („The Untamed“) mit Robert Montgomery in der Hauptrolle. Obwohl der Film an den Kinokassen erfolgreich war, erhielt er von den Kritikern keine guten Kritiken. Sie merkten an, dass Crawford beim Übergang zum Stummfilm nervös zu sein schien, gerade als sie zu einer der beliebtesten Schauspielerinnen der Welt geworden war.

„Montana Moon“ („Woman… And Nothing More“) von 1930, eine unruhige Mischung aus Western und Musical, vereinte die Schauspielerin mit John Mack Brown und Ricardo Cortez. Obwohl der Film Probleme mit der Zensur hatte, war er zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung ein großer Erfolg. „Our Blushing Brides“ (1930), ebenfalls mit Robert Montgomery und Anita Page in den Hauptrollen, war das letzte Kapitel der Trilogie, die mit „Our Dancing Daughters“ begonnen hatte. Der Film wurde der größte Erfolg – sowohl in der Kritik als auch finanziell – unter Crawfords gesprochenen Filmen und wurde von der Schauspielerin als einer ihrer Lieblingsfilme bezeichnet. Ihr nächster Film, „Paid“ („The Woman Who Lost Her Soul“) aus dem Jahr 1930, in dem sie mit Robert Armstrong zusammenspielte, war ein weiterer großer Kassenerfolg. Während der Tonfilm-Ära begann MGM, Crawford in anspruchsvolleren Rollen zu besetzen, anstatt ihr in der Stummfilm-Ära aufgebautes, honigsüßes Image weiter zu fördern.

Im Jahr 1931 brachte MGM fünf Filme mit Crawford in der Hauptrolle heraus. In drei davon spielte sie mit dem größten männlichen Star des Studios, Clark Gable, der den Spitznamen „König von Hollywood“ trug, zusammen. „Dance, Fools, Dance“ („Wenn die Welt tanzt“), der im Februar 1931 erschien, war ihr erster gemeinsamer Film. Ihr zweiter Film, „Laughing Sinners“, unter der Regie von Harry Beaumont und mit Neil Hamilton in der Hauptrolle, wurde im Mai desselben Jahres veröffentlicht. „Possessed“ („Besessen“), der dritte Film, wurde unter der Regie von Clarence Brown gedreht und im Oktober veröffentlicht. Diese Filme waren beim Publikum beliebt und wurden von den Kritikern gut aufgenommen, wodurch Crawford in den frühen 1930er Jahren neben Norma Shearer, Greta Garbo und Jean Harlow zum führenden weiblichen Star bei MGM aufstieg. Ein weiterer bemerkenswerter Film aus dem Jahr 1931 war „This Modern Age“ („In This 20th Century“), der im Oktober in die Kinos kam und trotz ungünstiger Kritiken beim Publikum erfolgreich war.

1932 wurde sie von MGM in dem Film „Grand Hotel“ unter der Regie von Edmund Goulding besetzt. Crawford spielte unter anderem mit Greta Garbo, Wallace Beery und John und Lionel Barrymore zusammen. Ihr Name erschien an dritter Stelle auf den Filmplakaten und im Abspann und sie spielte eine Stenografin aus der Mittelschicht, die für den von Beery gespielten Direktor einer Kontrollgesellschaft arbeitet. Crawford gestand später, dass sie während der Dreharbeiten nervös war, da sie mit „sehr großen Stars“ arbeitete, und dass sie auch enttäuscht war, keine Szenen mit der „göttlichen Garbo“ zu haben. „Grand Hotel“ kam im April 1932 in die Kinos und war ein großer Erfolg bei Kritik und Publikum. Der Film war einer der größten Kassenschlager des Jahres und gewann den Oscar für den besten Film.

Crawford setzte ihren Erfolg mit dem Film „Letty Lynton“ („Erlöst“) von 1932 fort, in dem sie erneut an der Seite von Robert Montgomery spielte. Kurz nach seiner Veröffentlichung wurde MGM des Plagiats beschuldigt und gezwungen, den Film aus dem Verkehr zu ziehen. Er wurde nie im Fernsehen ausgestrahlt oder auf Video veröffentlicht und gilt daher als „verlorener Film“ von Crawford. Adrians Kleid mit weiten Ärmeln und Rüschen, das Crawford in dem Film trug, wurde in jenem Jahr populär und wurde von Macy’s kopiert und verkauft.

Als Leihgabe von United Artists spielte Crawford die Prostituierte Sadie Thompson in „Rain“ („The Sin of Flesh“, 1932, eine Verfilmung des Stücks von John Colton aus dem Jahr 1923). Die Schauspielerin Jeanne Eagels spielte die Rolle im Theater, und Gloria Swanson verkörperte sie im Kino in der Stummfilmversion von 1928. Crawfords Darbietung wurde vielfach kritisiert und der Film war nicht erfolgreich. Trotzdem belegte Crawford in der 1932 erstmals veröffentlichten Liste der zehn einträglichsten Stars an der Kinokasse hinter Marie Dressler und Janet Gaynor den dritten Platz. In den nächsten vier Jahren blieb sie in den Top Ten der Liste und tauchte zuletzt 1936 auf.

Im Mai 1933 ließ sich Crawford von Fairbanks scheiden. Als Grund für die Scheidung gab sie „schwere seelische Grausamkeiten“ an und behauptete, Fairbanks sei „eifersüchtig und misstrauisch“ gegenüber ihren Freunden gewesen und sie hätten „heftige Auseinandersetzungen über die trivialsten Dinge“ gehabt, die bis „spät in die Nacht“ dauerten. Nach ihrer Scheidung tat sie sich erneut mit Clark Gable sowie Franchot Tone und Fred Astaire zusammen, um den Hit „Dancer’s Love“ zu drehen, in dem sie auf den Plakaten und im Abspann prominent zu sehen war. Sie spielte die Titelrolle in „Sadie McKee“ (1934), in dem Franchot Tone und Gene Raymond mitspielten. Im selben Jahr spielte sie zum fünften Mal an der Seite von Clark Gable in „Chained“ („Angekettet“) und zum sechsten Mal in „Forsaking All Others“ („When the Devil Stings“), beide 1934. Crawfords Filme aus dieser Zeit gehörten zu den beliebtesten und einträglichsten der 1930er Jahre.

1935 heiratete Crawford Franchot Tone, einen New Yorker Schauspieler, der seine Filmeinnahmen zur Finanzierung seiner Theatergruppe verwenden wollte. Das Paar baute in Crawfords Haus in Brentwood ein kleines Theater auf und führte für einen ausgewählten Kreis von Freunden klassische Stücke auf. Tone und Crawford hatten 1933 zum ersten Mal gemeinsam in Today We Live unter der Regie von Howard Hawks gespielt, aber sie zögerte, so kurz nach ihrer Trennung von Fairbanks eine neue Beziehung einzugehen.

Vor und während ihrer Ehe bemühte sich Crawford, Tones Karriere in Hollywood zu fördern, aber er war nicht daran interessiert, ein Filmstar zu werden, und Crawford wurde schließlich der Bemühungen überdrüssig.während ihrer Ehe versuchten sie zweimal, Kinder zu bekommen, die beide mit einer Fehlgeburt endeten. Nachdem Tone zu trinken begann und sie körperlich missbrauchte, reichte sie die Scheidung ein, die 1939 bewilligt wurde. Viel später ließen Crawford und Tone ihre Freundschaft wieder aufleben, und Tone machte ihr 1964 sogar erneut einen Heiratsantrag. Als er 1968 starb, organisierte Crawford die Einäscherung seines Körpers und die Verstreuung seiner Asche in Muskoka Lakes, Kanada.

Crawford blieb bis Mitte der 1930er Jahre eine beliebte Filmschauspielerin. Der Film „No More Ladies“ („Goodbye Women“) von 1935 mit Robert Montgomery und ihrem damaligen Ehemann Franchot Tone war ein Hit. Crawford hatte den MGM-Boss Louis B. Mayer, sie mit dramatischeren Rollen zu besetzen, und obwohl er sich dagegen sträubte, besetzte er sie 1935 in der anspruchsvollen dramatischen Komödie „I Live My Life“ („This is the Only Way I Want to Live“) unter der Regie von W. S. Van Dyke. Der Film wurde von den Kritikern gut aufgenommen und spielte mehr Geld ein als das Studio erwartet hatte.

Im folgenden Jahr spielte Crawford in „Sublime Woman“ neben Robert Taylor, Lionel Barrymore und ihrem Ehemann Franchot Tone. Der Film war ein Erfolg bei den Kritikern und an den Kinokassen und wurde einer von Crawfords größten Hits des Jahrzehnts. Die romantische Komödie Love on the Run von 1936, bei der W.S. Van Dyke Regie führte, war ihr siebter Film mit Clark Gable und ihr sechster mit Franchot Tone. sein sechster mit Franchot Tone. Zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung wurde er von den Kritikern als „eine Ladung fröhlichen Unsinns“ bezeichnet; er war jedoch finanziell erfolgreich.

Rückgang der Popularität

Obwohl Crawford eine der angesehensten Schauspielerinnen von MGM blieb und ihre Filme weiterhin Gewinne einbrachten, nahm ihre Popularität in den späten 1930er Jahren ab. Im Jahr 1937 wurde Crawford von der Zeitschrift Life zur ersten „Königin des Films“ ernannt. Im selben Jahr fiel sie unerwartet vom siebten auf den sechzehnten Platz der Liste der einträglichsten Stars an den Kinokassen, und folglich begann auch ihre Popularität beim Publikum zu schwinden. Ebenfalls 1937 führte Richard Boleslawski Regie in der dramatischen Komödie The Last of Mrs. Cheyney, in der sie zum ersten und einzigen Mal in ihrer Karriere mit William Powell zusammenspielte. Dieser Film war Crawfords letzter Kassenerfolg, bevor sie als „Kassengift“ bezeichnet wurde.

In „The Bride Wore Red“ („Happiness by Lying“), ebenfalls 1937, spielte sie zum siebten und letzten Mal an der Seite von Franchot Tone. Der Film wurde von den meisten Kritikern negativ aufgenommen. Ein Kritiker meinte, es handele sich um die „gleiche Geschichte von Armut und Reichtum“, die Crawford schon seit Jahren gemacht habe. Auch an den Kinokassen war der Film nicht erfolgreich und wurde zu einem der größten finanziellen Misserfolge von MGM in diesem Jahr. Der nächste Film der Schauspielerin, „Mannequin“, mit Spencer Tracy in der Hauptrolle, war erfolgreicher. Laut der New York Times brachte der Film „Crawford wieder auf den Thron der Königin der arbeitenden Mädchen“. Die meisten Kritiken waren positiv und der Film brachte dem Studio einen gewissen Gewinn ein, aber er war nicht erfolgreich genug, um Crawfords Popularität wiederzubeleben.

Am 3. Mai 1938 wurde Crawford – neben Greta Garbo, Norma Shearer, Luise Rainer, John Barrymore, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Marlene Dietrich und Dolores del Río u. a. – von Harry Brandt, dem Präsidenten der Cinema Hall Owners Association of America, als „Kassengift“ bezeichnet. In einem offenen Brief, der im Independent Film Journal veröffentlicht wurde, erklärte Brandt, dass diese Stars zwar „unbestreitbare“ schauspielerische Fähigkeiten besäßen, ihre hohen Gagen sich aber nicht in den Kartenverkauf niederschlügen und somit den Kinobesitzern schadeten. Vielleicht war die Veröffentlichung der Liste der Grund dafür, dass Crawfords nächster Film, The Shining Hour („Die verbotene Frau“) von 1938 mit Margaret Sullavan und Melvyn Douglas in den Hauptrollen und unter der Regie von Frank Borzage, ein Misserfolg an den Kinokassen war, obwohl er von der Fachkritik gut aufgenommen wurde.

Ein gutes Comeback gelang Crawford 1939 in der Rolle der Antagonistin Crystal Allen in „The Women“ an der Seite ihrer beruflichen Erzfeindin Norma Shearer. Ein Jahr später brach sie mit der Formel, die sie berühmt gemacht hatte, und spielte die unglamouröse Julie in „Strange Cargo“ („Rebel Souls“) von 1940, ihrem achten und letzten Film mit Clark Gable. 1941 spielte sie eine entstellte Erpresserin in „Die Narbe des Bösen“, einem Remake des schwedischen Films „En kvinnas ansikte“ (1938), in dem Ingrid Bergman die Hauptrolle spielte. Obwohl der Film an den Kinokassen nur mäßigen Erfolg hatte, wurde ihre Leistung von vielen Kritikern gelobt.

Im Jahr 1940 adoptierte Crawford ihre erste Tochter. Da sie ledig war und das kalifornische Gesetz die Adoption durch Alleinstehende verbot, vermittelte sie die Adoption über eine Agentur in Las Vegas. Das Kind wurde vorübergehend Joan Crawford genannt, bis der Star seinen Namen in Christina änderte. Crawford heiratete am 21. Juli 1942 den Schauspieler Phillip Terry, nachdem sie sechs Monate lang um ihn geworben hatte. Gemeinsam adoptierten sie ein weiteres Kind, das sie Christopher nannten, aber die leibliche Mutter holte das Kind bald zurück. Anschließend adoptierten sie einen weiteren Jungen, den sie Phillip Terry jr. nannten. Nach dem Ende ihrer Ehe im Jahr 1946 änderte Crawford den Namen des Kindes in Christopher Crawford.

Nach achtzehn Jahren wurde Crawfords Vertrag mit MGM am 29. Juni 1943 im gegenseitigen Einvernehmen aufgelöst. Anstatt in einem weiteren Film mitzuspielen, wie ihr Kontaktmann erwartet hatte, erhielt Crawford 100.000 Dollar von der Produktionsfirma. Während des Zweiten Weltkriegs war die Schauspielerin Mitglied der American Women’s Volunteer Services.

Erfolg bei Warner Bros.

Crawford unterzeichnete einen Vertrag mit Warner Bros. über 500.000 Dollar, der ihr die Rolle in drei Filmen zusicherte. Am 1. Juli 1943 wurde sie auf die Gehaltsliste des Studios gesetzt. Ihr erster Film für das Studio war „A Dream in Hollywood“ (1944), eine Produktion, die mit allen Stars des Studios gedreht wurde, um die Moral der im Krieg kämpfenden amerikanischen Truppen zu stärken. Crawford gab an, dass sie den Vertrag mit Warner vor allem deshalb unterschrieb, weil sie die Rolle der Mattie in der Verfilmung von Edith Whartons Roman Ethan Frome spielen wollte, die das Studio 1944 zu verfilmen plante.

Die Schauspielerin bemühte sich auch um die Rolle der Mildred Pierce in Soul in Suffering (1945), doch das Studio wollte sie von Bette Davis spielen lassen. Davis lehnte die Rolle jedoch ab, weil sie sich zu jung für die Rolle der Mutter eines Teenagers fühlte. Regisseur Michael Curtiz wollte Crawford nicht in der Rolle haben und forderte, Davis solle durch Barbara Stanwyck, Olivia de Havilland oder Joan Fontaine ersetzt werden. Warner widersetzte sich dem Regisseur und besetzte Crawford in der Produktion. Während der gesamten Produktion des Films kritisierte Curtiz Crawford. Zu Jack Warner soll er gesagt haben: „Sie erscheint hier mit ihrer hochmütigen Art, mit ihrem Hut und ihren blutigen Schulterpolstern … Warum sollte ich meine Zeit damit verschwenden, bei ihr Regie zu führen?“. Curtiz verlangte, dass Crawford seine Eignung für die Rolle durch einen Test beweisen sollte. Nach dem Test stimmte er schließlich zu, sie in den Film aufzunehmen. „Mildred Pierce“ war ein durchschlagender Erfolg bei Publikum und Kritikern. Er vereinte den üppigen visuellen Stil des Film-Noir-Genres mit der Sensibilität, die die Filme von Warner Bros. in den späten 1940er Jahren prägen sollte. Für die Rolle erhielt Crawford im folgenden Jahr den Academy Award für die beste Schauspielerin sowie den ersten National Board of Review Award für die beste Schauspielerin.

Der Erfolg von „Mildred Pierce“ belebte Crawfords Filmkarriere neu. Mehrere Jahre lang spielte sie in einer Reihe von erstklassigen Melodramen mit. Ihr nächster Film war „Chords of the Heart“ (1946) mit John Garfield in der Hauptrolle, ein romantisches Drama über eine Liebesbeziehung zwischen einer älteren Frau und einem jüngeren Mann. An der Seite von Van Heflin spielte sie in „Bonfire of Passions“ (1947), einem Film, für den sie ihre zweite Oscar-Nominierung als beste Schauspielerin erhielt, die sie jedoch an Loretta Young verlor, die den Preis für „Ambitious“ gewann. In „Love Ecstasy“ (1947) trat sie an der Seite von Dana Andrews und Henry Fonda auf, und in „Flamingo Road“ („Redemption Road“) von 1949 spielte sie eine Tänzerin in einem Vergnügungspark an der Seite von Zachary Scott und David Brian. Sie hatte einen Auftritt in „Mademoiselle Fifi“ (1949), in dem sie ihr eigenes Image als Schauspielerin parodierte. 1950 spielte sie in dem Noir-Film „The Damned Don’t Cry!“ und dem Drama „Harriet Craig“ („The Dominatrix“) mit.

Im Jahr 1947 adoptierte Crawford zwei weitere Kinder, die er Cindy und Cathy nannte. Die Kinder wurden von der Tennessee Children’s Home Society adoptiert, einem Waisenhaus

Nach dem Ende der Dreharbeiten zu This Woman Is Dangerous („The Tragedies of My Destiny“) von 1952, einem Film, den Crawford als „das Schlimmste“ bezeichnete, bat sie darum, aus ihrem Vertrag mit Warner Bros. entlassen zu werden. Sie hatte damals das Gefühl, dass Warner das Interesse an ihr verlor, und beschloss, dass es an der Zeit war, ihre Karriere unabhängig weiterzuführen.

Radio und Fernsehen

Crawford arbeitete am 8. Januar 1939 an der Radioserie „The Screen Guild Theatre“, an „Good News“, an „Baby“, das am 2. März 1940 in Arch Obolers „Lights Out“-Sendung ausgestrahlt wurde, an „The Word“ im Everyman Theatre („Chained“ im Lux Radio Theatre, und an „Document A

Al Steele und Pepsi

Am 10. Mai 1955 heiratete Crawford ihren vierten und letzten Ehemann, den Pepsi-Manager Alfred Steele, im Flamingo Hotel in Las Vegas. Crawford und Steele lernten sich 1950 auf einer Party kennen. Sie trafen sich erneut auf einer Silvesterparty im Jahr 1954. Zu diesem Zeitpunkt war Steele bereits Präsident von Pepsi-Cola geworden. Später wurde Alfred Steele zum Vorsitzenden des Verwaltungsrats und CEO des Unternehmens ernannt. Nach der Heirat reiste Crawford im Auftrag von Pepsi viel. Sie schätzt, dass sie im Namen des Unternehmens mehr als 100 000 Meilen (161 000 Kilometer) zurückgelegt hat. Steele starb im April 1959 an einem Herzinfarkt. Crawford wurde von der Firma zunächst mitgeteilt, dass ihre Dienste nicht mehr benötigt würden. Nachdem sie dies der Klatschkolumnistin Louella Parsons aus erster Hand mitgeteilt hatte, revidierte Pepsi seine Entscheidung, und Crawford wurde ausgewählt, um den freien Platz ihres Mannes im Verwaltungsrat des Unternehmens zu besetzen.

Crawford erhielt den sechsten jährlichen „Pally Award“, der die Form einer bronzenen Pepsi-Flasche hatte. Die Trophäe wurde an den Mitarbeiter verliehen, der am meisten zum Umsatz des Unternehmens beigetragen hatte. Im Jahr 1973 ging Crawford an seinem 65. Geburtstag offiziell in den Ruhestand bei Pepsi.

Spätere Karriere

Nach ihrer Oscar-nominierten Darstellung in „Precipices of the Soul“ (1952) arbeitete Crawford für den Rest des Jahrzehnts kontinuierlich weiter. Nach einer zehnjährigen Abwesenheit von MGM kehrte sie zum Studio zurück, um die Hauptrolle in „If I Knew How to Love“ (1953) zu spielen, einem Musikdrama, das sich um das Leben eines anspruchsvollen Bühnenstars dreht, der sich in einen blinden Pianisten, gespielt von Michael Wilding, verliebt. Obwohl der Film als Crawfords „großes Comeback“ angepriesen wurde, war er ein kritischer und finanzieller Misserfolg und ist heute vor allem für seinen Camp-Appeal bekannt. 1954 spielte sie an der Seite von Sterling Hayden und Mercedes McCambridge in dem Western „Johnny Guitar“, der trotz anfänglicher negativer Reaktionen im Laufe der Jahre zu einem Kultklassiker wurde. 1955 spielte sie in „Female on the Beach“ („Frenzy of Passions“) mit Jeff Chandler und in „The Secret Loves of Eve“ mit John Ireland. Im folgenden Jahr spielte sie an der Seite des jungen Cliff Robertson in „Dead Leaves“ und 1957 in der Titelrolle in „The Story of Esther Costello“ mit Rossano Brazzi. Nach Steeles Tod ging Crawford fast in Konkurs, was sie dazu veranlasste, eine Nebenrolle in „Im Zeichen des Sex“ (1959) anzunehmen. Obwohl sie bei weitem nicht der Star des Films war, erhielt sie positive Kritiken für ihre Leistung. Crawford bezeichnete diese Rolle später als eine ihrer Lieblingsrollen. Anfang der 1960er Jahre hatte Crawfords Status als Filmstar jedoch erheblich abgenommen.

1961 war Joan Crawford einmal mehr ihre eigene Werbemaschine, als sie von Robert Aldrich ein Drehbuch für einen Film erhielt. 1962 spielte Crawford dann die Hauptrolle in dem erfolgreichen Psychothriller „What Ever Happened to Baby Jane?“. Sie spielte Blanche Hudson, einen alternden ehemaligen Filmstar, der nach einem mysteriösen Unfall im Rollstuhl sitzt und mit ihrer psychotischen Schwester Jane, gespielt von Bette Davis, ein Haus teilt. Trotz früherer Spannungen zwischen den beiden Schauspielerinnen schlug Crawford Berichten zufolge Davis für die Rolle der Jane vor. Während der Dreharbeiten beteuerten sie öffentlich, dass es keinerlei Fehde zwischen ihnen gegeben habe. Der Regisseur des Films, Robert Aldrich, erklärte öffentlich, dass sich Davis und Crawford sehr bewusst waren, wie wichtig der Film für die Wiederbelebung ihrer jeweiligen Karrieren war, und kommentierte: „Es ist richtig, dass sie sich wirklich gehasst haben, aber sie haben sich absolut perfekt verhalten.

Nach Abschluss der Dreharbeiten kam es durch öffentliche Äußerungen der einen Schauspielerin gegen die andere zu einer Feindschaft, die bis zum Ende ihres Lebens andauern sollte. Der Film war ein großer Erfolg an den Kinokassen, der die Produktionskosten in weniger als zwei Wochen nach seiner Veröffentlichung wieder einspielte und Crawfords Karriere vorübergehend wiederbelebte. Davis wurde für ihre Darstellung für den Oscar als beste Schauspielerin nominiert, was Crawford sehr erzürnte. Sie setzte sich heimlich mit allen anderen Nominierten in dieser Kategorie (Katharine Hepburn, Lee Remick, Geraldine Page und Anne Bancroft) in Verbindung, um ihnen mitzuteilen, dass sie den Preis gerne in ihrem Namen entgegennehmen würde, falls sie an der Preisverleihung nicht teilnehmen könnten. Sie alle stimmten zu. Sowohl Davis als auch Crawford befanden sich bei der Preisverleihung hinter der Bühne, als Anne Bancroft, die nicht anwesend war, als Gewinnerin für „Das Wunder von Anne Sullivan“ bekannt gegeben wurde. Crawford nahm den Preis stellvertretend für sie entgegen. Davis behauptete zeitlebens, Crawford habe sich gegen sie und damit gegen ihren Film eingesetzt, was Crawford stets bestritt.

Im selben Jahr wie der Oscar-Vorfall spielte Crawford 1964 die Rolle der Lucy Harbin in „Strait-Jacket“ („Dead Souls“), einem Film des Horrormeisters William Castle. Aldrich besetzte Crawford erneut mit Davis in „With Evil in His Soul“ (1964). Nach einer angeblichen Kampagne beruflicher Belästigung, die Davis während der Dreharbeiten in Louisiana gegen sie geführt haben soll, kehrte Crawford nach Los Angeles zurück und wurde in ein Krankenhaus eingeliefert. Nach einer längeren Abwesenheit von den Filmstudios, während der die Schauspielerin beschuldigt wurde, eine Krankheit vorgetäuscht zu haben, war Aldrich gezwungen, sie durch eine andere Schauspielerin zu ersetzen. Die Wahl fiel auf Olivia de Havilland. Crawford sagte, sie sei von der Nachricht am Boden zerstört gewesen: „Ich erfuhr von meinem Ersatz über das Radio, als ich in meinem Krankenhausbett lag … Ich weinte neun Stunden lang.“ Crawford hegte für den Rest ihres Lebens einen Groll gegen Davis und Aldrich. Über den Regisseur sagte sie: „Er ist ein Mann, der schlechte, schreckliche, abscheuliche Dinge liebt“, worauf Aldrich antwortete: „Wenn der Schuh passt, zieh ihn an, denn ich liebe Miss Crawford.“ Trotz ihrer Ablösung ist eine kurze Szene von Crawford im Film zu sehen, als sie in einem Taxi sitzt.

1965 spielte sie Amy Nelson in „I Saw What You Did“, einem weiteren Film von William Castle. 1967 spielte sie die Rolle der Monica Rivers in „Berserk!“ („Blutspektakel“), einem Thriller des Produzenten Herman Cohen. Nach der Veröffentlichung hatte Crawford einen besonderen Auftritt als sie selbst in „The Lucy Show“ in der Episode „Lucy and the Lost Star“, die am 26. Februar 1968 erstmals ausgestrahlt wurde. Crawford hatte bei den Proben Probleme und trank am Set viel, was den Serienstar Lucille Ball dazu veranlasste, vorzuschlagen, sie durch Gloria Swanson zu ersetzen. Am Tag der Dreharbeiten war Crawford jedoch perfekt und wurde vom Publikum zweimal mit stehenden Ovationen bedacht. Im Oktober desselben Jahres musste die älteste Tochter der Schauspielerin, die 29-jährige Christina, wegen eines Eierstocktumors operiert werden. Zu dieser Zeit spielte sie in der CBS-Seifenoper „The Secret Storm“ mit. Obwohl Christinas Figur 28 Jahre alt und Crawford bereits über 60 war, bot sie an, die Rolle zu spielen, bis Christina sich von der Operation erholt hatte. Die Produzentin Gloria Monty stimmte der Idee bereitwillig zu, da sie davon ausging, dass ein Star aus dem goldenen Zeitalter Hollywoods die Einschaltquoten der Serie steigern würde. Obwohl Crawford sich bei den Proben gut geschlagen hatte, verlor sie bei den Aufnahmen die Fassung, und Regisseur und Produzent hatten Schwierigkeiten, ihre Szenen zusammenhängend zu schneiden.

Crawfords Auftritt in dem Fernsehfilm „Night Gallery“ („Terror Gallery“) aus dem Jahr 1969 trug dazu bei, die Karriere des damaligen Newcomers Steven Spielberg als Regisseur zu starten. Sie hatte einen Auftritt in der ersten Folge der Sitcom „The Tim Conway Show“, die am 30. Januar 1970 ausgestrahlt wurde. Ihr letzter Auftritt auf der Leinwand war die Rolle der Dr. Brockton in dem Science-Fiction-Film „Trog the Cave Monster“ (1970), ebenfalls produziert von Herman Cohen. Dies war ihr 45. Jahr als Schauspielerin in der Filmindustrie, in dem sie in über achtzig Filmen mitwirkte. Crawford hatte noch zwei weitere Fernsehauftritte: 1970 als Stephanie Whitem in einer Folge („The Nightmare“) von „The Virginian“ und 1972 als Joan Fairchild (ihr letzter Auftritt) in einer Folge („Dear Joan: We’re Going to Scare You to Death“) von „The Sixth Sense“. 1973 war Crawford gezwungen, sich von Pepsi zurückzuziehen, nachdem sie mit dem Firmenchef Don Kendall aneinandergeraten war, den Crawford jahrelang abwertend als „Canines“ bezeichnet hatte.

Letzte Jahre und Tod

1970 erhielt Crawford den Cecil B. DeMille Award aus den Händen von John Wayne während der Verleihung der Golden Globe Awards, die aus dem Coconut Grove im Ambassador Hotel in Los Angeles übertragen wurde. Sie hielt auch eine Vorlesung am Stephens College, das sie 1922 für zwei Monate besuchte.

Crawford veröffentlichte 1962 ihre Autobiografie „A Portrait of Joan“, die sie gemeinsam mit Jane Kesner Ardmore geschrieben hatte. Ihr nächstes Buch, „My Way of Life“, wurde 1971 von Simon & Schuster veröffentlicht. Diejenigen, die ein Buch erwarteten, das alle Aspekte des Lebens der Schauspielerin enthüllte, wurden enttäuscht, obwohl Crawford ihre akribische Pflege der persönlichen Hygiene, der Garderobe, der körperlichen Aktivitäten und sogar der Nahrungsmittellagerung offenbarte.

Nach ihrem Tod fand man in ihrer Wohnung Fotos von John F. Kennedy, für den sie bei den Präsidentschaftswahlen 1960 gestimmt hätte. Crawford identifizierte sich mit der Demokratischen Partei und bewunderte die Regierungen Kennedy und Roosevelt. Sie sagte einmal: „Die Demokratische Partei ist eine Partei, der ich immer gefolgt bin. Seit meiner Geburt habe ich im Leben hart gekämpft, und ich bin stolz darauf, Teil einer Partei zu sein, die sich um die Bürger der Arbeiterklasse kümmert und sie zu stolzen Menschen formt. Mr. Roosevelt und Mr. Kennedy haben in dieser Hinsicht viel für die Generationen getan, die sie im Laufe ihrer Karriere für sich gewinnen konnten.“

Im September 1973 zog Crawford von der Wohnung 22-G in eine kleinere Wohnung (22-H) im Imperial House-Gebäude in New York City. Ihr letzter öffentlicher Auftritt war am 23. September 1974 bei einer Veranstaltung zu Ehren ihrer alten Freundin Rosalind Russell im Rainbow Room. Russell litt zu dieser Zeit an Brustkrebs und Arthritis. Als Crawford die wenig schmeichelhaften Fotos der beiden in den Zeitungen des nächsten Tages sah, soll sie gesagt haben: „Wenn sie mich so sehen, dann werden sie mich nicht mehr sehen.“ Die Schauspielerin sagte alle öffentlichen Auftritte ab, begann, Interviews zu verweigern, empfing keinen Besuch mehr und verließ ihre Wohnung immer seltener.

Von 1972 bis Mitte 1975 plagten die Schauspielerin Zahnprobleme, darunter eine Operation, die sie rund um die Uhr pflegebedürftig machte. Während einer Antibiotikabehandlung für dieses Problem brach sie im Oktober 1974 zusammen und verletzte sich im Gesicht. Dieser Vorfall veranlasste Joan, mit dem Trinken aufzuhören, obwohl sie behauptete, dies sei auf ihre Rückkehr zur Christlichen Wissenschaft zurückzuführen. Der Vorfall ist in einer Reihe von Briefen festgehalten, die die Schauspielerin an ihre Versicherung schickte und die in einem Stapel von Akten im dritten Stock der New York Public Library for the Performing Arts aufbewahrt werden. Er ist auch in der Biografie „Joan Crawford: The Last Years“ von Carl Johnnes dokumentiert.

Am 8. Mai 1977 gab Crawford ihre geliebte Shih-Tzu-Hündin „Princess Lotus Blossom“ ab, weil sie sich zu schwach fühlte, um für sie zu sorgen. Sie starb zwei Tage später an einem Herzinfarkt in ihrer Wohnung in New York City. Die Beerdigung fand am 13. Mai 1977 im Campbell Funeral Home in New York statt. In ihrem Testament, das sie am 28. Oktober 1976 unterzeichnete, vermachte Crawford ihren beiden jüngsten Töchtern Cindy und Cathy jeweils 77.500 Dollar aus ihrem 2.000.000 Dollar großen Vermögen. Ihre beiden ältesten Kinder, Christina und Christopher, enterbte sie ausdrücklich, indem sie schrieb: „Es ist meine Absicht, für meinen Sohn Christopher und meine Tochter Christina aus Gründen, die ihnen wohl bekannt sind, keine Vorsorge zu treffen.“ Auch ihrer Nichte Joan Lowe (1933-1999, geboren als Joan Crawford LeSueur und einziges Kind ihres entfremdeten Bruders Hal) hinterließ sie nichts. Crawford hinterließ Geld für ihre bevorzugten Wohltätigkeitsorganisationen: die U.S.O. of New York, das Motion Picture Home, die American Cancer Society, die Muscular Dystrophy Association, die American Heart Association und die Wiltwyck School for Boys.

Am 16. Mai 1977 fand in der Lexington Avenue Unitarian Church ein Gedenkgottesdienst für Crawford statt, an dem u. a. seine alte Hollywood-Freundin Myrna Loy teilnahm. Ein weiterer Gedenkgottesdienst, organisiert von George Cukor, fand am 24. Juni im Samuel Goldwyn Theater am Sitz der Academy of Motion Picture Arts and Sciences in Beverly Hills statt. Crawford wurde eingeäschert, und ihre Asche wurde in einer Gruft neben ihrem vierten und letzten Ehemann, Alfred Steele, auf dem Ferncliff-Friedhof in Hartsdale, New York, beigesetzt.

Crawfords Füße und Hände sind auf dem Pflaster des Chinese Theatre am Hollywood Boulevard verewigt. Sie hat einen Stern auf dem Hollywood Walk of Fame, der sich in der Vine Street 1750 befindet. Der Playboy listete Crawford als 84. sexiest woman of the 20th century. Jahrhunderts. 1999 wählte das American Film Institute Joan Crawford zum zehntgrößten Filmstar.

Im November 1978 veröffentlichte Christina Crawford das Buch Mommie Dearest, in dem sie Behauptungen aufstellte, dass ihre Adoptivmutter sie und ihren Bruder Christopher körperlich und seelisch misshandelt habe. Nach Christinas Darstellung war Crawford mehr an ihrer Karriere als an der Mutterschaft interessiert. Viele Freunde und Kollegen der Schauspielerin, darunter Van Johnson, Ann Blyth, Marlene Dietrich, Myrna Loy, Katharine Hepburn, Cesar Romero, Gary Gray, Betty Barker (fast 50 Jahre lang ihre Sekretärin), Douglas Fairbanks Jr. (Crawfords erster Ehemann) und ihre beiden kleinen Töchter Cathy und Cindy, bezeichneten das Buch als Lüge und bestritten kategorisch jeglichen Missbrauch. Andere jedoch, darunter Betty Hutton, Helen Hayes, Rex Reed und der Regisseur Vincent Sherman (der bei drei Filmen mit Crawford in der Hauptrolle Regie führte), haben behauptet, dass sie Zeugen eines gewissen Missbrauchs durch die Schauspielerin gegenüber ihren Kindern waren. Eine andere Sekretärin der Schauspielerin, Jeri Binder Smith, bestätigte die Aussagen von Christina in ihrem Buch. „Mommie Dearest“ wurde ein Bestseller und 1981 von Paramount Pictures (dem einzigen der sechs großen Hollywood-Studios des Goldenen Zeitalters, für das Crawford nie gearbeitet hat) verfilmt. Obwohl der Film an den Kinokassen erfolgreich war, fiel er bei den Kritikern durch und wurde mit der Goldenen Himbeere für den schlechtesten Film des Jahres ausgezeichnet. In dem Film wird Joan Crawford von Faye Dunaway gespielt, die später sagte, sie bereue es, die Rolle angenommen zu haben. Der Film, der vor allem für eine Szene bekannt ist, in der Crawford Christina mit einem Kleiderbügel aus Eisendraht schlägt (die im Buch anders erzählt wird), gewann schließlich eine treue Fangemeinde und machte Crawford – oder zumindest Dunaways Interpretation von ihr – zu einer Ikone der Camp-Kultur.

Bilder von Crawford wurden für das Cover des Albums Exile on Main St. (1972) von The Rolling Stones verwendet.

Crawford wurde 1980 von der Schauspielerin Barrie Youngfellow in dem Film „The Scarlett O’Hara War“ dargestellt.

Vier Jahre nach ihrem Tod veröffentlichte die Hardrock-Band Blue Öyster Cult den Song Joan Crawford auf dem Album Fire of Unknown Origin (darin wird auf die stürmische Beziehung der Schauspielerin zu ihrer Tochter Christina Bezug genommen).

Die angebliche Fehde zwischen Crawford und Bette Davis wird in dem 1989 erschienenen Buch „Bette und Joan: Die göttliche Fehde“ geschildert. Sie wurde angeheizt durch den Wettbewerb um Filmrollen, Oscar-Preise und Franchot Tone (Joan Crawfords zweiter Ehemann), der mit Davis in „Dangerous“ (1935) zusammenspielte.

Crawford wurde von Faye Dunaway in dem Film „Mommy Dearest“ (1981) gespielt, der auf den Schilderungen des Kindesmissbrauchs durch die Tochter der Schauspielerin in dem gleichnamigen umstrittenen Buch aus dem Jahr 1978 basiert. Die Art und Weise, wie der Film die Schauspielerin porträtiert, und Dunaways überdrehte Darstellung machten Crawford zu einer Ikone der Camp-Kultur und zu einer der beliebtesten Figuren, die von Drag Queens gespielt werden.

Die Rivalität zwischen Crawford und Davis war das Thema der ersten Staffel der Fernsehserie „Feud“ (2017), inspiriert von dem Buch „Bette und Joan“. Crawford wurde von Jessica Lange und Davis von Susan Sarandon gespielt. 2018 wurde die Ausstrahlung der Serie durch eine einstweilige Verfügung eines kalifornischen Gerichts gestoppt, bis der Oberste Gerichtshof der Vereinigten Staaten Olivia de Havilland zu der Frage anhören konnte, ob die Produzenten das Recht hatten, ihr Bild (de Havilland wurde von Catherine Zeta-Jones gespielt) ohne Erlaubnis zu verwenden, obwohl sie eine öffentliche Person ist. Im Januar 2019 lehnte es der Oberste Gerichtshof ab, den Fall anzuhören.

Quellen

1. Joan Crawford
2. Joan Crawford
3. O ano de nascimento de Crawford é incerto, já que fontes diferentes listam 1904, 1905, 1906 e 1908.[1] O censo de 1910 traz sua idade à época como sendo de 5 anos em abril.[2] Ela mesma falava que tinha nascido em 1908 (a data em sua lápide),[3] mas os biógrafos citam 1904 como o ano mais provável de seu nascimento.[4][5][6][7][8][9][10][11][12][13] Sua filha, Christina, na biografia „Mamãezinha Querida“ (1978), cita 1904 duas vezes: „Publicamente, sua data de nascimento era 23 de março de 1908, mas a vovó me disse que ela nasceu na verdade em 1904“.[14]:20 „Minha mãe nasceu como Lucille LeSueur em San Antonio, Texas em 1904, apesar de que quando ela veio para Hollywood ela mentiu sobre sua idade e mudou o ano para 1908“.[14]:66
4. ^ La voce dell’altra!, in L’eco del cinema, n. 115, giugno 1933, p. 12.
5. Discussie over Crawfords geboortedatum op de Engelstalige Wikipedia
6. [1] Joan Crawfords stamboom
7. Inne źródła podają rok 1903, 1904, 1905, 1908. W Mommie Dearest córka aktorki, Christina, twierdziła, że jej babcia powiedziała, iż Joan w rzeczywistości urodziła się w 1904 r. W dokumentacji MGM z 1925 r. aktorka przedstawiona jest jako 19-latka, co sugerowałoby 1905 r. jako datę urodzenia. Z kolei 1906 r. widnieje w dokumentacji z college’u.[1].
8. Największą aktorką, w tym samym plebiscycie, ogłoszono Katharine Hepburn (osobno aktorki i aktorzy)
9. Spekuluje się, że w połowie lat 20. Crawford mogła wziąć udział w kilku filmach pornograficznych. Niektórzy dziennikarze jak Robert Slatzer czy Helen Laurenson utrzymywali, że widzieli takie nagrania lub rozmawiali z osobami, które miały w nich uczestniczyć. Do dziś jednak nie znaleziono, nie upubliczniono żadnego takiego filmu.
10. Aktor którego filmy nie przynoszą zysków. Pojęcie box office poison pochodzi z artykułu Dead Cats z 1938 r. Poza Crawford w tekście wymieniono Gretę Garbo, Marlene Dietrich, Mae West, Kay Francis, Normę Shearer, Luise Rainer, Johna Barrymore’a, Dolores del Río, Katharine Hepburn i Freda Astaire’a.
11. Bette Davis sama stała się bohaterką książki My Mother’s Keeper, wspomnień swojej córki B. D. Hyman. Davis przedstawiona została w niej jako zadufana w sobie alkoholiczka.