Katharine Hepburn

Mary Stone | Mai 1, 2023

Zusammenfassung

Katharine Houghton Hepburn (Hartford, 12. Mai 1907 – Fenwick, 29. Juni 2003) war eine amerikanische Schauspielerin. Hepburns Hollywood-Karriere erstreckte sich über mehr als 60 Jahre. Sie war bekannt für ihre hartnäckige Unabhängigkeit, ihre geistreiche Persönlichkeit und ihre Offenheit. Sie pflegte eine Leinwandpersönlichkeit, die diesem öffentlichen Image entsprach, was dazu führte, dass sie regelmäßig anspruchsvolle, willensstarke Frauen spielte. Sie spielte in einer Vielzahl von Genres, von der Komödie bis zum Literaturdrama, was ihr zahlreiche Auszeichnungen einbrachte, darunter vier Oscars (alle für die beste Schauspielerin – mehr als jede andere Darstellerin), einen Emmy und Nominierungen für einen Grammy und zwei Tony Awards; damit ist sie eine der wenigen Darstellerinnen, die für alle vier großen Unterhaltungspreise nominiert wurden. Im Jahr 1999 wurde Hepburn vom American Film Institute zum größten weiblichen klassischen Filmstar aller Zeiten gewählt.

Hepburn wuchs in Connecticut bei wohlhabenden, progressiven Eltern auf und begann während ihres Studiums am Bryn Mawr College mit der Schauspielerei. Nach vier Jahren am Theater wurde Hollywood auf sie aufmerksam, da ihre Arbeit am Broadway gute Kritiken erhielt. Ihre ersten Jahre in der Filmindustrie waren von Erfolgen geprägt, darunter ein Academy Award für ihre Darstellung in „Morning of Glory“ (1933), doch es folgte eine Reihe kommerzieller Misserfolge, die in dem von der Kritik gelobten Kassenflop „Taken Away“ (1938) gipfelten. Hepburn plante ihr eigenes Comeback, indem sie ihren Vertrag mit RKO Radio Pictures aufkaufte und die Rechte an dem Film „Nuptials of Scandal“ erwarb, die sie unter der Bedingung verkaufte, dass sie darin die Hauptrolle spielte. Die Produktion war ein Kassenerfolg und brachte ihm eine dritte Oscar-Nominierung ein. In den 1940er Jahren wurde sie von Metro-Goldwyn-Mayer engagiert, wo sich ihre Karriere auf eine Allianz mit Spencer Tracy konzentrierte, die 26 Jahre und neun Filme andauerte und sich auch auf eine Affäre außerhalb der Leinwand ausweitete.

Hepburn forderte sich in ihrer Karriere selbst heraus, indem sie in Shakespeare-Theaterproduktionen und einer Reihe von literarischen Rollen auftrat. Sie fand eine Nische, in der sie eine Jungfer mittleren Alters spielte, wie in „Ein Abenteuer in Afrika“ (1951), an der Seite von Humphrey Bogart, eine Rolle, die das Publikum sehr schätzte. Hepburn gewann drei weitere Oscars für ihre Arbeit in „Guess Who’s Coming to Dinner“ (1967), „The Lion in Winter“ (1968) und „On a Golden Lake“ (1981). Henry Fonda gewann seinen einzigen Oscar als bester Darsteller an der Seite von Hepburn in „On Golden Pond“, ebenso wie James Stewart in „The Philadelphia Story“ und Bogart in „The African Queen“. In den 1970er Jahren begann er, in Fernsehfilmen aufzutreten, die später sein Hauptaugenmerk wurden. Seinen letzten Filmauftritt hatte er im Alter von 87 Jahren. Nach einer Phase der Inaktivität und gesundheitlicher Probleme starb Hepburn 2003 im Alter von 96 Jahren.

Hepburn mied die Publicity in Hollywood und weigerte sich, den gesellschaftlichen Erwartungen an Frauen zu entsprechen, indem sie Hosen trug, bevor diese in der Damenmode üblich waren. Als junge Frau war sie kurz verheiratet, lebte danach aber unabhängig. Mit ihrem unkonventionellen Lebensstil und den eigenständigen Charakteren, die sie auf der Leinwand zum Leben erweckte, verkörperte Hepburn die „moderne Frau“ im Amerika des 20. Jahrhunderts und gilt als wichtige kulturelle Figur.

Katharine Houghton Hepburn wurde am 12. Mai 1907 in Hartford, Connecticut, als zweites von sechs Kindern geboren. Ihre Eltern waren Thomas Norval Hepburn (1879-1962), ein Urologe am Hartford Hospital, und Katharine Martha Houghton Hepburn (1878-1951), eine feministische Aktivistin. Als Kind beteiligte sich Hepburns Mutter an verschiedenen Protesten für das Frauenwahlrecht. Beide Eltern setzten sich für soziale Veränderungen in den USA ein: Thomas Hepburn half bei der Gründung der New England Social Hygiene Association, die die Öffentlichkeit über Geschlechtskrankheiten aufklärte, während Katharine Martha die Connecticut Women’s Suffrage Association leitete und sich später zusammen mit Margaret Sanger für Geburtenkontrolle einsetzte. Die Hepburn-Kinder wurden dazu erzogen, ihr Recht auf freie Meinungsäußerung wahrzunehmen, und sie wurden ermutigt, über jedes beliebige Thema nachzudenken und zu diskutieren. Ihre Eltern wurden von der Gesellschaft für ihre fortschrittlichen Ansichten kritisiert, was Hepburn ermutigte, gegen die Hindernisse zu kämpfen, auf die sie stieß. Hepburn sagte, sie habe schon in jungen Jahren erkannt, dass sie das Produkt „zweier sehr bemerkenswerter Eltern“ sei, und schätzte sich selbst als „enormes Glück“ ein, dass ihre Erziehung die Grundlage für ihren Erfolg bildete. Sie blieb ihrer Familie ihr Leben lang eng verbunden.

Die junge Hepburn war ein Mädchen, das als sehr männlich galt, gerne Jimmy genannt wurde und ihr Haar sehr kurz trug. Thomas Hepburn mochte es, wenn seine Kinder ihren Geist und Körper bis zum Äußersten beanspruchten, und brachte ihnen Schwimmen, Laufen, Tauchen, Reiten, Ringen, Golf und Tennis bei. Golf wurde zu Hepburns Leidenschaft; sie nahm täglich Unterricht und wurde sehr geschickt und erreichte das Halbfinale der Connecticut Women’s Golf Championship. Sie liebte das Schwimmen in der Mündung von Long Island und nahm jeden Morgen ein kaltes Bad in dem Glauben, dass „je bitterer die Medizin, desto besser für dich“. Hepburn war von klein auf ein Filmfan und sah sich jeden Samstagabend einen Film an. Sie führte mit ihren Freunden und Geschwistern Theaterstücke auf und verkaufte die Eintrittskarten für 50 Cent, um Geld für die Navajos zu sammeln.

Im März 1921 waren die 13-jährige Hepburn und ihr 15-jähriger Bruder Tom zu Besuch in New York City und wohnten während der Osterferien bei einer Freundin ihrer Mutter in Greenwich Village. Am 30. März entdeckte Hepburn die Leiche ihres geliebten älteren Bruders, der offensichtlich Selbstmord begangen hatte. Er hatte einen Vorhang um einen Balken gebunden und sich erhängt. Die Familie Hepburn leugnete den Selbstmord und behauptete, Toms Tod sei auf ein missglücktes Experiment zurückzuführen. Der Vorfall machte den Teenager Hepburn nervös, launisch, sehr temperamentvoll und misstrauisch gegenüber Menschen. Sie mied andere Kinder, verließ die Oxford School und nahm Privatunterricht. Viele Jahre lang nutzte sie Toms Geburtstag (8. November) als ihren eigenen. Erst in ihrer 1991 erschienenen Autobiografie „Me: Stories of My Life“ verriet Hepburn ihr wahres Geburtsdatum.

Im Jahr 1924 wurde Hepburn am Bryn Mawr College aufgenommen. Zunächst willigte sie ein, um ihre Mutter zu befriedigen, die dort studiert hatte, aber schließlich fand sie die Erfahrung lohnend. Es war das erste Mal, dass sie nach mehreren Jahren wieder eine Schule besuchte, was dazu führte, dass sie sich bei ihren Mitschülern unwohl fühlte. Sie kämpfte mit den schulischen Anforderungen einer Universitätsausbildung und wurde einmal suspendiert, weil sie in ihrem Zimmer rauchte. Hepburn fühlte sich zur Schauspielerei hingezogen, aber Rollen in College-Theaterstücken waren nur für diejenigen mit guten Noten vorgesehen. Als sich ihre Leistungen verbesserten, begann sie, regelmäßig aufzutreten. In ihrem letzten Studienjahr spielte Hepburn die Hauptrolle in einer Inszenierung von „The Woman in the Moon“, und die positive Resonanz, die sie erhielt, bestärkte sie in ihren Plänen, eine Theaterkarriere zu verfolgen. Im Juni 1928 machte sie ihren Abschluss in Geschichte und Philosophie.

Anfänge am Theater (1928-1932)

Hepburn verließ die Universität mit dem festen Vorsatz, Schauspielerin zu werden. Am Tag nach ihrem Abschluss reiste sie nach Baltimore, um Edwin H. Knopf zu treffen, der eine erfolgreiche Theatergruppe leitete. Beeindruckt von ihrer Willensstärke, besetzte Knopf Hepburn in seiner aktuellen Produktion, „The Czarina“ („Die Zarin“). Sie erhielt gute Kritiken für ihre kleine Rolle, und Printed Word bezeichnete ihre Leistung als „fesselnd“. Sie erhielt die Rolle in der folgenden Woche, doch ihr zweiter Auftritt kam weniger gut an. Sie wurde für ihre schrille Stimme kritisiert und verließ Baltimore, um bei einem Gesangslehrer in New York zu lernen.

Knopf beschloss, „A Romance in Venice“ in New York zu produzieren, und besetzte Hepburn als Zweitbesetzung für die Hauptdarstellerin. Eine Woche vor Beginn der Aufführungen wurde die Hauptdarstellerin gefeuert und Katharine Hepburn ersetzte sie, was ihr nur vier Wochen nach Beginn ihrer Theaterkarriere eine Hauptrolle einbrachte. Am Premierenabend kam Hepburn zu spät, verwechselte ihren Text, stolperte und sprach zu schnell, um verstanden zu werden. Sie wurde sofort gefeuert und die ursprüngliche Hauptdarstellerin wurde wieder engagiert. Unbeirrt davon schloss sich Hepburn mit dem Produzenten Arthur Hopkins zusammen und nahm die Rolle eines Schulmädchens in These Days an. Die Broadway-Premiere fand am 12. November 1928 im Cort Theatre statt, aber die Kritiken für die Show waren schlecht, und sie wurde nach acht Abenden abgesetzt. Hopkins engagierte daraufhin Hepburn als Ersatz für die Hauptdarstellerin in Holiday“, einem Stück von Philip Barry. Anfang Dezember, nach nur zwei Wochen, kündigte sie, um Ludlow Ogden Smith, einen Bekannten aus dem College, zu heiraten. Hepburn plante, das Theater hinter sich zu lassen, begann aber, die Arbeit zu vermissen und nahm bald wieder die Rolle der Zweitbesetzung in „Holiday“ an, die sie sechs Monate lang innehatte.

1929 lehnte Hepburn eine Rolle im Guild Theatre ab, um die Hauptrolle in „A Passing Shadow“ zu spielen. Sie empfand die Rolle als perfekt, wurde aber wieder gefeuert. Sie kehrte zum Guild zurück und übernahm für einen Mindestlohn eine Zweitbesetzung in „A Month in the Country“. Im Frühjahr 1930 schloss sich Hepburn der Theatergruppe des Berkshire Playhouse in Stockbridge, Massachusetts, an. Sie verließ das Ensemble in der Mitte der Sommersaison und studierte weiter bei einem Schauspiellehrer. Anfang 1931 wurde sie in der Broadway-Produktion von Art and Mrs. Bottle besetzt. Sie wurde aus der Rolle entlassen, nachdem der Drehbuchautor sie nicht mochte und sagte: „Sie sieht schrecklich aus, ihre Manieren sind anstößig und sie hat kein Talent“, aber Hepburn wurde wieder engagiert, als keine andere Schauspielerin gefunden werden konnte. Der Film wurde nach einigen Aufführungen zu einem kleinen Erfolg.

Hepburn trat in mehreren Theaterstücken in Ivoryton, Connecticut, auf und bewies, dass sie wusste, wie man Erfolg hat. Im Sommer 1931 bat Philip Barry sie, in seinem neuen Stück „The Animal Kingdom“ an der Seite von Leslie Howard zu spielen. Im November begannen sie mit den Proben. Hepburn war sich sicher, dass die Rolle sie zum Star machen würde, aber Howard gefiel ihre schauspielerische Leistung nicht, so dass sie gefeuert wurde. Als sie Barry fragte, warum sie entlassen worden war, antwortete er: „Nun, um brutal offen zu sein, Sie waren nicht sehr gut.“ Dies verunsicherte die selbstbewusste Hepburn, obwohl sie sich weiterhin um Arbeit bemühte. In ihrem nächsten Stück nahm sie eine kleine Rolle an, doch als die Proben begannen, wurde sie eingeladen, die Hauptrolle in der griechischen Fabel „The Warrior’s Husband“ zu spielen.

„The Warrior’s Husband“ erwies sich als Hepburns beste Leistung bis zu diesem Zeitpunkt. Der Biograf Charles Higham stellt fest, dass die Rolle ideal für die Schauspielerin war, da sie aggressive Energie und Athletik erforderte, und sie war mit Begeisterung an der Produktion beteiligt. Das Stück wurde am 11. März 1932 im Morosco Theatre am Broadway uraufgeführt. In der Eröffnungsszene musste Hepburn in einem kurzen silbernen Gewand mit einem Hirsch über der Schulter eine schmale Treppe hinunterspringen. Die Show lief drei Monate lang, und Hepburn erhielt positive Kritiken. Richard Garland vom New York World-Telegram schrieb: „Es ist viele Nächte her, dass eine so brillante Darbietung die Broadway-Szene erhellt hat.“

Erfolg in Hollywood (1932-1934)

Ein Scout des Hollywood-Agenten Leland Hayward sah Hepburns Auftritt in „The Warrior’s Husband“ und bat sie, für die Rolle der Sydney Fairfield in „Victims of Divorce“, dem nächsten Film von RKO Pictures, vorzusprechen. Regisseur George Cukor war beeindruckt von dem, was er sah: „Da war dieses seltsame Wesen“, erinnerte er sich, „sie war anders als alles, was ich je gehört hatte.“ Besonders gefiel ihm die Art, wie sie ein Glas aufhob: „Ich fand, sie war sehr talentiert in dieser Aktion.“ Als er die Rolle anbot, verlangte Hepburn 1.500 Dollar pro Woche, eine hohe Summe für eine unbekannte Schauspielerin. Cukor ermutigte das Studio, seine Forderungen zu akzeptieren, und so unterschrieb Hepburn einen befristeten Vertrag mit einer dreiwöchigen Garantie. RKO-Chef David O. Selznick meinte, er sei mit der Verpflichtung der Schauspielerin ein „enormes Risiko“ eingegangen.

Hepburn kam im Juli 1932 im Alter von 25 Jahren in Kalifornien an. Sie spielte die Hauptrolle in „A Bill of Divorcement“ an der Seite von John Barrymore, zeigte aber keine Anzeichen von Einschüchterung. Obwohl es ihr schwer fiel, sich an das Wesen der Filmschauspielerei zu gewöhnen, war Hepburn von Anfang an von dieser Branche fasziniert. Die Produktion war ein Erfolg und Hepburn erhielt positive Kritiken. Mordaunt Hall von der New York Times nannte ihre Leistung „außergewöhnlich gut … Miss Hepburns Charakterisierung ist eine der besten, die man auf der Leinwand gesehen hat“. Ein Kritiker der „Variety“ erklärte: „Der Höhepunkt ist der überwältigende Eindruck, den Katharine Hepburn in ihrem ersten Filmauftrag hinterlässt. Sie hat etwas Lebendiges, das sie aus der Galaxie der Filme heraushebt.“ Aufgrund des Erfolgs von „A Bill of Divorcement“ nahm RKO sie unter einen langfristigen Vertrag. George Cukor wurde ein lebenslanger Freund und Kollege – er und Hepburn drehten zehn Filme zusammen.

Hepburns zweiter Film war „Thus Love Women“ (1933), die Geschichte einer Fliegerin und ihrer Affäre mit einem verheirateten Mann. Die Produktion war kommerziell nicht erfolgreich, aber Hepburns Kritiken waren gut. Regina Crewe schrieb im Journal-American, dass ihre Manierismen zwar irritierend seien, aber „die Aufmerksamkeit auf sich ziehen und das Publikum faszinieren. Sie ist eine klare, eindeutige und positive Persönlichkeit“. Hepburns dritter Film bestätigte sie als eine der wichtigsten Schauspielerinnen in Hollywood. Für die Rolle der aufstrebenden Schauspielerin Eva Lovelace – eine Rolle, die ursprünglich für Constance Bennett vorgesehen war – in „Morning of Glory“ gewann sie einen Oscar als beste Schauspielerin. Sie hatte das Drehbuch auf dem Schreibtisch des Produzenten Pandro S. Berman gesehen und bestand darauf, die Rolle zu spielen, da sie davon überzeugt war, dass sie für diese Rolle geboren war. Hepburn zog es vor, der Preisverleihung nicht beizuwohnen – wie sie es während ihrer gesamten Karriere nicht tun würde -, freute sich aber über den Gewinn. Ihr Erfolg setzte sich mit der Rolle der Jo in dem Film „The Four Sisters“ (1933) fort. Die Produktion war ein Hit, einer der größten Erfolge der Filmindustrie bis heute, und Hepburn gewann den Preis für die beste Schauspielerin bei den Filmfestspielen von Venedig. „Little Women“ war einer von Hepburns persönlichen Lieblingsfilmen, und sie war stolz auf ihre Leistung und sagte später: „Ich fordere niemanden auf, so gut zu sein wie sie.

Ende 1933 war Hepburn eine angesehene Filmschauspielerin, sehnte sich aber danach, ihren Wert am Broadway zu beweisen. Jed Harris, einer der erfolgreichsten Theaterproduzenten der 1920er Jahre, erlebte einen Niedergang seiner Karriere. Er bat Hepburn, in dem Stück „The Lake“ mitzuspielen, was sie für eine geringe Gage auch tat. Bevor sie entlassen wurde, bat RKO sie, den Film „Mystique“ (1934) zu drehen. Hepburns Rolle in diesem Film war Trigger Hicks, ein Laienmädchen aus den Bergen. Obwohl der Film an den Kinokassen gut abschnitt, gilt „Spitfire“ weithin als einer von Hepburns schlechtesten Filmen und erhielt schlechte Kritiken für seine Leistung. Hepburn bewahrte zeitlebens ein Bild von sich als Hicks in ihrem Schlafzimmer auf, um „

Das Stück „The Lake“ wurde in Washington, D.C., beworben, wo es einen großen Vorverkauf gab. Die schlechte Regie von Harris untergrub Hepburns Selbstvertrauen, was dazu führte, dass sie mit ihrer Leistung zu kämpfen hatte. Trotzdem verlegte Harris das Stück ohne weitere Proben nach New York. Das Stück wurde am 26. Dezember 1933 im Al-Hirschfeld-Theater uraufgeführt, und Hepburn wurde von der Fachkritik heftig kritisiert. Dorothy Parker scherzte: „Sie durchläuft die ganze Skala der Gefühle, von A bis B.“ Da sie bereits an einen Zehn-Wochen-Vertrag gebunden war, musste sie die Peinlichkeit rasch sinkender Kasseneinnahmen ertragen. Harris beschloss, die Show nach Chicago zu bringen, und sagte zu Hepburn: „Meine Liebe, das einzige Interesse, das ich an Ihnen habe, ist das Geld, das ich an Ihrer Seite verdienen kann.“ Hepburn wollte nicht in einer gescheiterten Show weitermachen und zahlte Harris 14 000 Dollar, einen Großteil ihrer Ersparnisse, um die Produktion zu beenden. Später bezeichnete sie Harris als „die bei weitem teuflischste Person, der ich je begegnet bin“, und sagte, diese Erfahrung sei wichtig gewesen, um sie zu lehren, Verantwortung für ihre Karriere zu übernehmen.

Rückschläge in der Karriere (1934-1938)

Nach dem Misserfolg von „Spitfire“ und „The Lake“ besetzte RKO Hepburn in „Gypsy Blood“ (1934), basierend auf einem viktorianischen Roman von J. M. Barrie, in einem Versuch, den Erfolg von „Little Women“ zu wiederholen. Dieser Erfolg blieb jedoch aus, und die Produktion war ein kommerzieller Misserfolg. Das romantische Drama „Ruined Hearts“ (1935) mit Charles Boyer wurde ebenfalls nicht gut aufgenommen und verlor Geld. Nach drei vergessenen Filmen kehrte der Erfolg für Hepburn mit „The Woman Who Knew How to Love“ (1935) zurück, der Geschichte eines Mädchens, das verzweifelt versucht, in der Gesellschaft aufzusteigen. Hepburn liebte das Buch und freute sich über das Angebot, die Rolle zu übernehmen. Der Film war ein Erfolg und wurde zu einem von Hepburns Lieblingsfilmen, was der Schauspielerin ihre zweite Oscar-Nominierung einbrachte. Hepburn erhielt nach der Gewinnerin Bette Davis die zweitmeisten Stimmen.

Bei der Wahl ihres nächsten Spielfilms entschied sich Hepburn für die Hauptrolle in George Cukors neuem Projekt, „Living in Doubt“ (1935), in dem sie erstmals mit Cary Grant zusammenspielte. Für die Rolle ließ sie sich die Haare kurz schneiden, da sich ihre Figur über weite Strecken des Films als Junge tarnt. Die Kritiker mochten „Sylvia Scarlett“ nicht und die Produktion war beim Publikum unbeliebt. Danach spielte sie die schottische Königin Maria Stuart in John Fords „Mary Stuart, Queen of Scots“ (1936), der ebenso schlecht aufgenommen wurde. Danach spielte sie die Hauptrolle in „Free Thou Woman!“ (1936), einem Drama aus der viktorianischen Zeit, in dem Hepburns Figur gegen die Konventionen verstieß, indem sie ein uneheliches Kind bekam. Auch „Vanity Street“ (1937) spielt in der damaligen Zeit, diesmal in einer Komödie. Beide Filme waren beim Publikum nicht sehr beliebt, was bedeutete, dass sie vier Filme in Folge ohne Erfolg und ohne den erwarteten finanziellen Ertrag gedreht hatte.

Neben einer Reihe von unpopulären Filmen gab es auch Probleme mit Hepburns Verhalten. Sie hatte ein schwieriges Verhältnis zur Presse, mit der sie oft unhöflich und provokant umging. Auf die Frage, ob sie Kinder habe, antwortete sie: „Ja, ich habe fünf: zwei weiße und drei farbige.“ Hepburn gab keine Interviews und lehnte Autogrammwünsche ab, was ihr den Spitznamen „Katharine der Arroganz“ einbrachte. Die Öffentlichkeit war auch verblüfft über ihr kindisches Verhalten und ihre Modewahl, die sie zu einer weithin unbeliebten Figur machte. Hepburn hatte das Gefühl, Hollywood verlassen zu müssen, und so kehrte sie in den Osten zurück, um in einer Bühnenadaption von „Jane Eyre“ mitzuspielen. Die Tournee war erfolgreich, doch da sie sich über das Drehbuch unsicher war und nach dem Desaster von „The Lake“ keinen Misserfolg riskieren wollte, beschloss Hepburn, die Show nicht an den Broadway zu bringen. Ende 1936 bewarb sich Hepburn für die Rolle der Scarlett O’Hara in „…Vom Winde verweht“. Der Produzent David O. Selznick lehnte es ab, ihr die Rolle anzubieten, weil er fand, dass es ihr an Sexappeal fehlte. Er soll zu Hepburn gesagt haben: „Ich kann mir nicht vorstellen, dass Rhett Butler zwölf Jahre lang hinter dir her ist.“

Hepburns nächster Spielfilm, „In the Theatre of Life“ (1937), brachte sie mit Ginger Rogers in einer Rolle zusammen, die ihr eigenes Leben widerspiegelte – die einer Gesellschaftsdame, die versuchte, Schauspielerin zu werden. Hepburn wurde in den ersten Vorschauen für ihre Arbeit gelobt, die ihr eine höhere Bewertung als Rogers einbrachte. Der Film wurde für den Oscar als bester Film nominiert, war aber nicht der Kassenerfolg, den sich RKO erhofft hatte. Branchenexperten machten Hepburn für den geringen Gewinn verantwortlich, aber das Studio setzte sein Engagement fort, um ihre Popularität wiederzubeleben. Sie wurde in „Levada da Breca“ (1938) besetzt, einer schrägen Komödie von Howard Hawks, in der sie eine wortgewandte Erbin spielte, die einen Leoparden aus Brasilien verliert, während sie versucht, einen Paläontologen (Cary Grant) zu umwerben. Sie ging selbstbewusst an die physische Komik des Films heran und ließ sich von ihrem Co-Star Walter Catlett Tipps für das ideale Timing der Witze geben. „Bringing Up Baby“ wurde von der Kritik gelobt, war aber an den Kinokassen nicht erfolgreich. Der Biograf A. Scott Berg war der Meinung, dass Hepburn, die zu dieser Zeit in diesem Genre und bei Grant sehr beliebt war, nicht in der Lage war, den Film zu drehen. Scott Berg, dass Hepburns Ablehnung durch die Zuschauer daran schuld war.

Nach der Veröffentlichung von „Bringing Up Baby“ setzte die Independent Theatre Owners of America Hepburn auf eine Liste von Schauspielern, die als „Kassengift“ galten. Angesichts ihres schlechten Rufs bot RKO ihr als nächsten Film „Birds Without a Direction“ an, ein B-Movie. Hepburn lehnte ab und entschied sich stattdessen, ihren eigenen Vertrag für 75 000 Dollar zu kaufen. Viele Schauspieler hatten damals Angst, die Stabilität des Studiosystems zu verlassen, aber Hepburns persönlicher Reichtum bedeutete, dass sie es sich leisten konnte, unabhängig zu sein. Sie unterschrieb bei Columbia Pictures für die Verfilmung von „Charming Bohemian“ (1938), in der sie zum dritten Mal mit Grant eine weitere Gesellschaftsdame spielte, die diesmal ihr Glück mit dem Verlobten ihrer Schwester findet. Die Komödie erhielt positive Kritiken, fand aber kein großes Publikum, und das nächste Drehbuch, das Hepburn angeboten wurde, brachte ihr eine Gage von 10.000 Dollar ein – weniger als sie zu Beginn ihrer Filmkarriere erhalten hatte. Andrew Britton schrieb über diese Wendung des Schicksals: „Kein anderer Star ist schneller aufgetaucht oder hat mehr ekstatischen Beifall erhalten. Kein anderer Star hat sich aber auch so schnell und so lange unbeliebt gemacht“.

Wiederauferstehung (1939-1942)

Nach dem Niedergang ihrer Karriere unternahm Hepburn Schritte, um ihr eigenes Comeback zu schaffen. Sie verließ Hollywood, um ein Projekt auf der Bühne zu verfolgen und unterschrieb für die Hauptrolle in Philip Barrys neuem Stück „The Philadelphia Story“. Das Drehbuch wurde angepasst, um die Ähnlichkeit der Schauspielerin mit der Gesellschaftsdame Tracy Lord zu verdeutlichen, wobei eine Mischung aus Humor, Aggression, Nervosität und Verletzlichkeit zum Einsatz kam. Howard Hughes, Hepburns damaliger Partner, war der Meinung, dass das Stück ihr Ticket zurück zum Hollywood-Star sein könnte, und kaufte die Filmrechte, noch bevor das Stück auf der Bühne uraufgeführt wurde. „The Philadelphia Story“ ging zunächst auf Tournee durch die Vereinigten Staaten, erhielt positive Kritiken und wurde dann am 28. März 1939 in New York im Shubert Theatre uraufgeführt. Es war ein großer finanzieller und kritischer Erfolg mit 417 Aufführungen und einer erfolgreichen zweiten Tournee.

Mehrere große Filmstudios bemühten sich um Hepburn als Produzentin der Verfilmung von Barrys Stück. Sie entschied sich, die Rechte an Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Hollywoods wichtigstem Studio, zu verkaufen, unter der Bedingung, dass sie die Hauptrolle spielen würde. Als Teil der Abmachung holte sie auch den Regisseur George Cukor an Bord und wählte James Stewart und Cary Grant (dem sie die Hauptrolle überließ) als Co-Stars. Bevor die Dreharbeiten begannen, bemerkte Hepburn scharfsinnig: „Ich möchte in diesem Film keinen großen Auftritt haben. Die Zuschauer … denken, ich sei zu la-di-da oder so. Viele Leute wollen sehen, wie ich auf die Nase falle.“ So begann der Film damit, dass Grant die Schauspielerin bedrängte. Berg beschreibt, wie die Figur geschaffen wurde, um das Publikum dazu zu bringen, „genug zu lachen, um mit ihr zu sympathisieren“, was für Hepburn entscheidend war, um ihr öffentliches Image „wiederherzustellen“. „Nuptials of Scandal“ war einer der größten Hits des Jahres 1940 und brach in der Radio City Music Hall alle Rekorde. Die Kritik in Time erklärte: „Komm zurück, Katie, alles ist vergeben“. Herb Golden von Variety erklärte: „Es ist Katharine Hepburns Film … Die perfekte Vorstellung aller sozial engagierten Mädchen der Main Line: wortgewandt, aber voller Persönlichkeit, vereint in einer Person. Die Geschichte ist ohne sie fast undenkbar.“ Hepburn wurde für ihren dritten Academy Award als beste Schauspielerin nominiert und gewann den New York Critics Association Award als beste Schauspielerin, während Stewart für ihre Leistung ihren einzigen Oscar als beste Schauspielerin erhielt.

Hepburn war auch für die Entwicklung ihres nächsten Projekts verantwortlich, der romantischen Komödie „The Woman of the Day“ über eine politische Kolumnistin und einen Sportreporter, deren Beziehung durch ihre egozentrische Unabhängigkeit bedroht wird. Die Idee für den Film wurde ihr 1941 von Garson Kanin vorgeschlagen, der sich daran erinnerte, wie Hepburn zum Drehbuch beitrug. Sie legte MGM das Endprodukt vor und verlangte 250 000 Dollar – die Hälfte für sie, die Hälfte für die Autoren. Als ihre Bedingungen akzeptiert wurden, sicherte sich Hepburn auch die Besetzung des Regisseurs George Stevens und des Co-Stars Spencer Tracy, die beide von ihr ausgewählt worden waren. An ihrem ersten gemeinsamen Drehtag soll Hepburn zu Tracy gesagt haben: „Ich fürchte, ich bin zu groß für Sie“, woraufhin Tracy antwortete: „Keine Sorge, Miss Hepburn, ich werde Sie bald auf meine Größe zuschneiden“. Die beiden begannen eine Beziehung, die bis zu Tracys Tod im Jahr 1967 andauerte und in der sie in acht weiteren Filmen gemeinsam auftraten. Der 1942 erschienene Film Woman of the Year war ein weiterer Erfolg. Die Kritiker lobten die Chemie zwischen den Stars und bemerkten, so Higham, Hepburns „wachsende Reife und Politur“. Das World-Telegram lobte die beiden „brillanten Leistungen“, und Hepburn erhielt ihre vierte Oscar-Nominierung. Während des Films unterzeichnete Katharine einen Vertrag mit MGM.

Verlangsamung (1942-1949)

1942 kehrte Hepburn an den Broadway zurück, um in einem anderen Stück von Philip Barry, Without Love, mitzuwirken, das ebenfalls für die Schauspielerin geschrieben worden war. Die Kritiker waren von der Inszenierung nicht so begeistert, aber da Hepburns Popularität immer größer wurde, lief das Stück 16 Wochen lang. MGM wollte Tracy und Hepburn für einen neuen Film wieder zusammenbringen und entschied sich für „Sacred Fire“ (1942). Der Film war ein Krimi mit einer Propagandabotschaft über die Gefahren des Faschismus und wurde von Hepburn als eine Gelegenheit gesehen, ein würdiges politisches Statement abzugeben. Die Produktion erhielt schlechte Kritiken, war aber ein finanzieller Erfolg und bestätigte die Popularität des Paares Tracy und Hepburn.

Seit „The Woman of the Day“ hatte sich Hepburn auf eine romantische Beziehung mit Tracy eingelassen und widmete sich der Aufgabe, ihm zu helfen, da dieser an Alkoholismus und Schlaflosigkeit litt. Infolgedessen verlangsamte sich ihre Karriere und sie arbeitete in den verbleibenden Jahren des Jahrzehnts weniger als in den 1930er Jahren – vor allem, weil sie bis 1950 nicht mehr auf der Bühne stand. Ihr einziger Auftritt im Jahr 1943 war ein Sonderauftritt in dem Kriegsfilm Uncle Sam’s Brides, in dem sie sich selbst spielte. 1944 übernahm sie eine untypische Rolle: Sie spielte ein chinesisches Bauernmädchen in dem High-Budget-Drama „The Dragon’s Strain“. Hepburn war von dem Film begeistert, erhielt aber nur lauwarme Reaktionen und wurde als ungeeignet für die Rolle beschrieben. Für die Verfilmung von „Without Love“ (1945) kam sie dann wieder mit Tracy zusammen, nachdem sie eine Rolle in „The Razor’s Edge“ abgelehnt hatte, um Tracy bei ihrer Rückkehr an den Broadway zu unterstützen. „Ohne Liebe“ erhielt schlechte Kritiken, aber ein neuer Film des Paares war ein großes Ereignis, das bei seiner Veröffentlichung äußerst beliebt war und am Osterwochenende 1945 eine Rekordzahl von Eintrittskarten verkaufte.

Hepburns nächster Film war „Hidden Currents“ (1946), ein Film noir mit Robert Taylor und Robert Mitchum, der wenig Anklang fand. Ein vierter Film mit Tracy folgte 1947: das im Wilden Westen angesiedelte Drama „Green Sea“. Ähnlich wie bei „Keeper of the Flame“ und „Without Love“ verhinderte die lauwarme Reaktion der Kritiker nicht, dass der Film sowohl im In- als auch im Ausland ein finanzieller Erfolg wurde. Im selben Jahr spielte Hepburn die Clara Schumann in „Love Sonata“. Für diese Rolle trainierte sie intensiv mit einem Pianisten. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung des Films im Oktober wurde Hepburns Karriere durch ihre öffentliche Opposition gegen die wachsende antikommunistische Bewegung in Hollywood erheblich beeinträchtigt. Einige hielten sie für gefährlich fortschrittlich und boten ihr neun Monate lang keine Arbeit an, als die Leute angeblich die Leinwände mit Gegenständen bewarfen, auf denen „Song of Love“ gezeigt wurde. Ihre nächste Filmrolle kam unerwartet, als sie nur wenige Tage vor Beginn der Dreharbeiten zu Frank Capras Politdrama „Seine Frau und die Welt“ (1948) als Ersatz für Claudette Colbert zusagte. Tracy war schon lange für die männliche Hauptrolle engagiert worden, so dass Hepburn bereits mit dem Drehbuch vertraut war und sich auf den fünften Film des Paares vorbereiten konnte. Die Kritiker reagierten positiv, und die Produktion erzielte gute Ergebnisse an den Kinokassen.

In dem Film „Adam’s Rib“ von 1949 standen Tracy und Hepburn zum dritten Mal in Folge gemeinsam vor der Kamera. Wie „Woman of the Year“ war auch dieser Film eine Komödie, die auf einem „Kampf der Geschlechter“ basierte und von ihren Freunden Garson Kanin und Ruth Gordon speziell für die beiden geschrieben wurde. Die Geschichte über verheiratete Anwälte, die sich vor Gericht gegenüberstehen, beschrieb Hepburn als „perfekt für Obwohl ihre politischen Ansichten immer noch vereinzelte Streikposten in den Kinos im ganzen Land provozierten, war „Adam’s Rib“ ein Hit, erhielt positive Kritiken und war der bis dahin profitabelste Film des Paares. Bosley Crowther, Kritiker der „New York Times“, lobte den Film und die „perfekte Kompatibilität“ der beiden miteinander.

Berufliche Expansion (1950-1952)

In den 1950er Jahren sah sich Hepburn mit einer Reihe beruflicher Herausforderungen konfrontiert und setzte sich in einem Alter, in dem sich die meisten anderen Schauspielerinnen zurückzuziehen begannen, stärker als je zuvor in ihrem Leben ein. Berg beschrieb das Jahrzehnt als „das Herzstück ihres großen Vermächtnisses“ und „die Zeit, in der sie wirklich herausstach“. Im Januar 1950 kehrte Hepburn auf die Bühne zurück und spielte die Rosalinda in Shakespeares Stück How You Like It. Sie hoffte, beweisen zu können, dass sie in etablierten Stoffen schauspielern konnte, und sagte: „Es ist besser, etwas Schwieriges zu versuchen und zu scheitern, als immer etwas Sicheres zu erwarten.“ Das Stück wurde am Cort Theatre in New York vor großem Publikum uraufgeführt und war nach 148 Vorstellungen ausverkauft. Anschließend ging die Produktion auf Tournee. Die Kritiken über Hepburn fielen unterschiedlich aus, aber sie wurde als einzige Hollywood-Hauptdarstellerin bezeichnet, die hochkarätiges Material auf der Bühne darstellte.

1951 drehte Hepburn „Ein Abenteuer in Afrika“, ihren ersten Film in Technicolor. Sie spielte Rose Sayer, eine Missionarin, die zu Beginn des Ersten Weltkriegs in Deutsch-Ostafrika lebt. Die afrikanische Königin“ mit Humphrey Bogart in der Hauptrolle wurde in Belgisch-Kongo gedreht, eine Gelegenheit, die Hepburn gerne nutzte. Aufgrund der schwierigen Erfahrungen erkrankte Hepburn während der Dreharbeiten an Ruhr. Später im Leben veröffentlichte sie ihre Memoiren über diese Erfahrung. Der Film kam Ende 1951 in die Kinos und fand großen Anklang in der Bevölkerung und bei den Kritikern. Hepburn erhielt ihre fünfte Oscar-Nominierung als beste Darstellerin und Bogart seinen einzigen Oscar als bester Darsteller. Es war ihr erster erfolgreicher Film ohne Tracy seit „The Philadelphia Story“ ein Jahrzehnt zuvor. Katharine Hepburn bewies, dass sie auch ohne ihren ehemaligen Partner erfolgreich sein konnte, und baute ihre Popularität wieder auf.

Hepburn drehte daraufhin die Sportkomödie The Absolute Woman (1952), den zweiten Film, den Kanin und Gordon speziell für Tracy und Hepburn schrieben. Sie war eine begeisterte Sportlerin, und Kanin beschrieb dies später als ihre Inspiration für den Film: „Als ich Kate eines Tages beim Tennisspielen beobachtete … kam mir der Gedanke, dass ihrem Publikum ein Leckerbissen entgehen würde“. Hepburn stand unter dem Druck, mehrere Spitzensportarten zu betreiben, von denen viele nicht in den Film aufgenommen wurden. „Pat und Mike“ war einer der beliebtesten und von der Kritik gelobten Filme des Teams und auch Hepburns persönlicher Lieblingsfilm unter den neun Filmen, die sie mit Tracy drehte. Die Darstellung brachte ihr eine Golden-Globe-Nominierung als beste Schauspielerin in einer Komödie oder einem Musical ein.

Im Sommer 1952 trat Hepburn im Londoner West End für eine zehnwöchige Aufführung von The Millionairess unter der Regie von George Bernard Shaw auf. Ihre Eltern hatten ihr als Kind Shaw vorgelesen, was das Stück zu einem besonderen Erlebnis für die Schauspielerin machte. Zwei Jahre intensiver Arbeit erschöpften sie jedoch, und ihre Freundin Constance Collier schrieb, Hepburn sei „am Rande eines Nervenzusammenbruchs“. Die Millionärin“ fand großen Anklang und wurde an den Broadway gebracht. Im Oktober 1952 wurde das Stück am Shubert Theatre uraufgeführt, wo es trotz lauwarmer Kritiken während der zehnwöchigen Laufzeit ausverkauft war. Hepburn versuchte anschließend, das Stück zu verfilmen: Preston Sturges schrieb ein Drehbuch, und Katharine bot an, kostenlos zu arbeiten und den Regisseur zu bezahlen, aber kein Studio nahm das Projekt an. Sie bezeichnete dies später als die größte Enttäuschung ihrer Karriere.

Alte Jungfern und Shakespeare (1953-1962)

„Pat and Mike“ war der letzte Film, den Hepburn im Rahmen ihres Vertrags mit MGM fertigstellte, so dass sie sich ihre eigenen Projekte aussuchen konnte. Sie verbrachte zwei Jahre damit, sich auszuruhen und zu reisen, bevor sie sich für das romantische Drama „When the Heart Blooms“ (1955) verpflichtete. Der Film wurde in Venedig gedreht, und Hepburn spielte eine einsame Jungfer, die eine leidenschaftliche Liebesaffäre hat. Sie beschrieb die Rolle als „sehr emotional“ und fand es faszinierend, mit Lean zu arbeiten. Auf ihr eigenes Drängen hin fiel Hepburn in einen Kanal und zog sich dadurch eine chronische Augeninfektion zu. Die Rolle brachte ihr eine weitere Oscar-Nominierung ein und wurde als eine ihrer besten Arbeiten bezeichnet. Lean sagte später, dies sei sein Lieblingsfilm und Hepburn seine Lieblingsschauspielerin. Im folgenden Jahr tourte Hepburn sechs Monate lang mit dem Old Vic Theater durch Australien und spielte Portia in „Der Kaufmann von Venedig“, Catherine in „Der Widerspenstigen Zähmung“ und Isabella in „Maß für Maß“. Die Tournee war erfolgreich und Hepburn erntete dafür viel Beifall.

Hepburn erhielt zum zweiten Mal in Folge eine Oscar-Nominierung für ihre Rolle an der Seite von Burt Lancaster in „Tears from Heaven“ (1956). Auch hier spielte sie eine einsame Frau mit einer Liebesaffäre, und es war klar, dass Hepburn eine Nische gefunden hatte, in der sie „liebeshungrige Jungfern“ spielen konnte, was sowohl Kritikern als auch dem Publikum gefiel. Hepburn sagte über solche Rollen: „Mit Lizzie Curry, Jane Hudson und Rosie Sayer – da habe ich mich selbst gespielt. Es war nicht schwer für mich, diese Frauen zu spielen, weil ich die alleinstehende Tante bin.“ Weniger Erfolg hatte in diesem Jahr „Der eiserne Rock“ (1956), eine Neubearbeitung des Komödienklassikers „Ninotchka“ mit Bob Hope. Hepburn spielte eine kaltherzige sowjetische Pilotin, eine Darstellung, die Bosley Crowther als „schrecklich“ bezeichnete. Der Film war ein kritischer und kommerzieller Misserfolg, und Hepburn bezeichnete ihn als den schlechtesten Film in ihrem Lebenslauf.

In „Electronic Love“ (1957), einer Bürokomödie, kamen Tracy und Hepburn zum ersten Mal seit fünf Jahren wieder auf der Leinwand zusammen. Berg merkt an, dass der Film als eine Mischung aus ihren früheren romantischen Komödienhits und Hepburns neuer Rolle als Jungfer funktionierte, aber an den Kinokassen schlecht abschnitt. In diesem Sommer kehrte Hepburn mit Shakespeare auf die Bühne zurück. Sie trat in Stratford, Connecticut, am American Shakespeare Theatre auf und spielte erneut die Rolle der Portia in „Der Kaufmann von Venedig“ und die Beatrice in „Viel Lärm um nichts“. Die Aufführungen wurden positiv aufgenommen.

Nach zwei Jahren Abstinenz von der Leinwand spielte Hepburn die Hauptrolle in der Verfilmung des umstrittenen Theaterstücks „Suddenly, Last Summer“ (1959) unter der Regie von Tennessee Williams mit Elizabeth Taylor und Montgomery Clift. Der Film wurde in London gedreht und war für Hepburn „eine völlig miserable Erfahrung“. Während der Dreharbeiten geriet sie mit dem Regisseur Joseph L. Mankiewicz aneinander, was darin gipfelte, dass sie ihn vor lauter Abscheu anspuckte. Der Film war ein finanzieller Erfolg, und ihre Darstellung der unheimlichen Tante Violet Venable brachte Hepburn ihre achte Oscar-Nominierung ein. Williams war mit ihrer Leistung zufrieden und schrieb: „Kate ist die Traumschauspielerin eines Dramatikers. Sie lässt Dialoge durch eine unvergleichliche Schönheit und Klarheit der Diktion besser klingen, als sie sind.“ Er schrieb 1961 „The Night of the Iguana“ (Die Nacht des Leguan) mit Hepburn im Hinterkopf, aber die Schauspielerin fühlte sich zwar geschmeichelt, fand aber, dass das Stück nicht zu ihr passte und lehnte die Rolle ab, die dann an Bette Davis ging.

Hepburn kehrte im Sommer 1960 nach Stratford zurück, um Viola in „Kings Night“ und Kleopatra Philopator in „Antony and Cleopatra“ zu spielen. Die New York Post schrieb über ihre Kleopatra: „Hepburn bietet eine äußerst vielseitige Vorstellung … Sie setzt ein- oder zweimal ihre berühmten Manierismen ein und ist immer faszinierend anzusehen.“ Hepburn selbst war stolz auf diese Rolle. Ihr Repertoire wurde noch erweitert, als sie in Sidney Lumets Verfilmung von Eugene O’Neills Stück „Long Journey Into Night“ (1962) auftrat. Es handelte sich um eine Low-Budget-Produktion, in der sie für ein Zehntel ihrer üblichen Gage mitspielte. Sie bezeichnete die Rolle der morphiumsüchtigen Mary Tyrone als „die anspruchsvollste Frauenrolle im amerikanischen Drama“ und hielt ihre Darstellung für die beste Leinwandarbeit ihrer Karriere. „Long Day’s Journey Into Night“ brachte Hepburn eine Oscar-Nominierung und den Preis für die beste Darstellerin bei den Filmfestspielen von Cannes ein. Es bleibt eine ihrer meistgelobten Leistungen.

Späterer Erfolg (1963-1970)

Nach der Fertigstellung von „Long Day’s Journey Into Night“ nahm Hepburn eine Auszeit von ihrer Karriere, um sich um den kranken Spencer Tracy zu kümmern. Erst 1967 arbeitete sie wieder in „Guess Who’s Coming To Dinner“, ihrem neunten Film mit Tracy. Der Film behandelt das Thema der Rassenheirat, wobei Hepburns Nichte Katharine Houghton ihre Tochter spielt. Tracy lag zu diesem Zeitpunkt bereits im Sterben, da sie an den Folgen einer Herzerkrankung litt, und Houghton kommentierte später, dass ihre Tante während der Dreharbeiten „extrem angespannt“ war. Tracy starb 17 Tage nach den Dreharbeiten zu ihrer letzten Szene. „Guess Who’s Coming to Dinner“ war eine triumphale Rückkehr für Hepburn und ihr bis dahin kommerziell erfolgreichster Film. Sie gewann ihren zweiten Oscar als beste Darstellerin, 34 Jahre nach ihrem ersten Gewinn. Hepburn war der Meinung, dass der Preis nicht nur für sie, sondern auch zu Ehren von Tracy verliehen wurde.

Nach Tracys Tod kehrte Hepburn schnell zur Schauspielerei zurück und wählte die Rolle der Leonor von Aquitanien in Der Löwe im Winter (1968), die sie als „faszinierend“ bezeichnete, als Mittel gegen Kummer und Trauer. Zur Vorbereitung auf die Rolle, in der sie an der Seite von Peter O’Toole spielte, las sie viel. Die Dreharbeiten fanden in der Abtei Montmajor in Südfrankreich statt, eine Erfahrung, die sie liebte, obwohl sie – laut Regisseur Anthony Harvey – jederzeit „enorm verletzlich“ war. John Russell Taylor von The Times meinte, Leonor sei „die beste Leistung ihrer … Karriere“ und bewies, dass sie „eine wachsende, sich entwickelnde und immer noch erstaunliche Schauspielerin“ sei. Der Film wurde in allen wichtigen Oscar-Kategorien nominiert und Hepburn gewann zum zweiten Mal in Folge den Oscar als beste Schauspielerin (gemeinsam mit Barbra Streisand für „A Genius Girl“). Für diese Rolle und für ihre Leistung in „Guess Who’s Coming to Dinner“ erhielt sie außerdem einen Preis der British Film Academy (BAFTA) als beste Schauspielerin. Hepburns nächster Auftritt war in „Die Verrückte von Chaillot“ (1969), den sie unmittelbar nach der Fertigstellung von „Der Löwe im Winter“ in Nizza drehte. Die Produktion war ein kritischer und finanzieller Misserfolg, und die Kritiker rügten Hepburn für ihre fehlgeleitete Darstellung.

Von Dezember 1969 bis August 1970 spielte Hepburn die Hauptrolle in dem Broadway-Musical „Coco“, das das Leben von Coco Chanel zum Thema hatte. Hepburn gab zu, dass sie vor der Show noch nie ein Theatermusical besucht hatte. Sie war keine starke Sängerin, fand das Angebot aber unwiderstehlich und, wie Berg sagt: „Was ihr an Wohlklang fehlte, machte sie durch Mut wett.“ Die Schauspielerin nahm sechsmal pro Woche Gesangsunterricht, um sich auf die Show vorzubereiten. Sie war vor jeder Aufführung nervös und fragte sich, „was zum Teufel ich da mache“. Die Kritiken für die Produktion waren mittelmäßig, aber Hepburn selbst wurde gelobt, und „Coco“ war beim Publikum beliebt – die Vorstellung wurde zweimal verlängert. Später sagte sie, dass „Coco“ das erste Mal war, dass sie akzeptierte, dass das Publikum nicht gegen sie war, sondern sie sogar zu lieben schien. Ihre Arbeit brachte ihr eine Tony-Nominierung als beste Schauspielerin in einem Musical ein.

Film, Fernsehen und Theater (1971-1983)

Hepburn blieb in den 1970er Jahren aktiv und konzentrierte sich auf Rollen, die Andrew Britton als „eine gefräßige Mutter oder eine verrückte alte Dame, die mitten in der Nacht lebt“ beschrieb. Auf die Frage, warum sie die Rolle angenommen habe, sagte sie, sie wolle ihr Spektrum erweitern und alles ausprobieren, solange sie noch Zeit habe. Aber der Kansas City Film Critics Circle bewertete Hepburns Leistung als die beste einer Schauspielerin in diesem Jahr. 1971 wurde sie für die Hauptrolle in einer Verfilmung von Graham Greenes Travels with My Aunt verpflichtet, war aber mit den ersten Fassungen des Drehbuchs unzufrieden und schrieb es daraufhin selbst um. Dem Studio gefielen ihre Änderungen nicht, so dass Hepburn das Projekt aufgab und durch Maggie Smith ersetzt wurde. Ihr nächster Film, eine Adaption von Edward Albees „Delicate Balance“ (1973) unter der Regie von Tony Richardson, wurde nur in einer kleinen Auflage veröffentlicht und erhielt überwiegend schlechte Kritiken.

1973 wagte Hepburn zum ersten Mal den Schritt zum Fernsehen und spielte die Hauptrolle in einer Produktion von Tennessee Williams‘ „Crystal Cuffs“. Sie hatte Vorbehalte gegenüber dem Medium, aber der Film erwies sich als eines der Top-Fernsehereignisse des Jahres, das in den Nielsen-Ratings hohe Werte erzielte. Für ihre Rolle der melancholischen Südstaaten-Mutter Amanda Wingfield erhielt Hepburn eine Emmy-Nominierung, die sie für künftige Arbeiten auf dem kleinen Bildschirm empfahl. Ihr nächstes Projekt war der Fernsehfilm Love Among Ruins (1975), ein Edwardianisches Londoner Drama mit ihrem Freund Laurence Olivier. Die Produktion erhielt positive Kritiken und eine hohe Einschaltquote und brachte Hepburn ihren einzigen Emmy ein.

Ihren einzigen Oscar-Auftritt hatte Hepburn 1974, als sie den Irving G. Thalberg Memorial Award an Lawrence Weingarten überreichte. Sie erhielt stehende Ovationen und scherzte zum Publikum: „Ich bin so froh, dass ich niemanden schreien hörte: ‚Das wurde aber auch Zeit‘.“ Im folgenden Jahr spielte sie an der Seite von John Wayne in dem Western „Ruthless Punisher“, einer Fortsetzung des Oscar-prämierten Films „Unbeugsame Tapferkeit“. In Anlehnung an ihre Rolle in „The African Queen“ spielte Hepburn wieder eine tief religiöse Jungfer, die sich mit einem einsamen Mann zusammentut, um den Tod eines Familienmitglieds zu rächen. Der Film erhielt nur mittelmäßige Kritiken. Die Besetzung reichte aus, um einige Zuschauer an die Kinokasse zu locken, aber er erfüllte nicht die Erwartungen des Studios und war nur mäßig erfolgreich.

1976 kehrte Hepburn mit dem Stück „A Matter of Gravity“ von Enid Bagnold für eine dreimonatige Spielzeit an den Broadway zurück. Die Rolle der exzentrischen Mrs. Basil wurde als perfektes Schaufenster für die Schauspielerin angesehen, und das Stück war trotz schlechter Kritiken beliebt. Später ging es auf eine erfolgreiche nationale Tournee. Während der Tournee in Los Angeles brach sich Hepburn die Hüfte, entschied sich aber, die Tournee im Rollstuhl fortzusetzen. In diesem Jahr wurde sie bei den People’s Choice Awards zur beliebtesten Filmschauspielerin gewählt.

Im Sommer 1976 spielte Hepburn die Hauptrolle in dem Low-Budget-Film „The Big Adventure“. Der Film fand keinen großen Verleih und wurde schließlich 1978 unabhängig veröffentlicht. Aufgrund des schlechten Vertriebs wurde er nur in relativ wenigen Kinos gezeigt, was zu einem der größten Flops in Hepburns Karriere führte. Der Drehbuchautor James Prideaux, der mit Hepburn zusammenarbeitete, schrieb später, der Film sei „im Moment seiner Veröffentlichung gestorben“ und bezeichnete ihn als seinen „verlorenen Film“. Hepburn behauptete, dass der Hauptgrund für ihre Teilnahme an der Produktion die Möglichkeit war, in einem Heißluftballon mitzufahren. Ihre Karriere wurde mit dem Fernsehfilm „The Heart Don’t Grow Old“ (1979) fortgesetzt, der in Wales gedreht wurde. Es war der letzte von zehn Filmen, die Hepburn mit George Cukor drehte, und brachte ihr eine dritte Emmy-Nominierung ein. In den 1980er Jahren erkrankte Hepburn an einem bemerkenswerten Tremor, der ihren Kopf dauerhaft beeinträchtigte. Sie arbeitete zwei Jahre lang nicht und sagte in einem Fernsehinterview: „Ich habe meine Zeit gehabt – lasst die Kinder kämpfen und schwitzen.“ In dieser Zeit sah sie die Broadway-Produktion von „On Golden Pond“ und war beeindruckt von der Darstellung eines älteren Paares, das mit den Schwierigkeiten des Alters zu kämpfen hat. Jane Fonda hatte die Filmrechte von ihrem Vater, dem Schauspieler Henry Fonda, erworben, und Hepburn bemühte sich, mit ihm die Rolle der schrulligen Ethel Thayer zu spielen. „Auf einem goldenen See“ war ein Hit, der zweitmeistgespielte Film des Jahres 1981. Der Film zeigte, wie energiegeladen die 74-jährige Hepburn war, als sie voll bekleidet in den Squam Lake tauchte und eine temperamentvolle Gesangseinlage gab. Der Film brachte ihr einen zweiten BAFTA und einen Rekord ein, indem er ihr den vierten Academy Award einbrachte. Henry Fonda gewann seinen einzigen Oscar für die Rolle und war damit der dritte Filmstar (nach James Stewart und Humphrey Bogart), der den Preis an der Seite von Hepburn erhielt. Homer Dickens merkt in seinem Buch über Hepburn an, dass dies weithin als ein sentimentaler Sieg angesehen wurde, „ein Tribut an ihre anhaltende Karriere“.

1981 kehrte Hepburn auch auf die Bühne zurück. Für ihre Rolle in „The West Side Waltz“ als lebensfrohe Witwe im siebten Lebensjahr erhielt sie eine zweite Tony-Nominierung als beste Schauspielerin in einem Theaterstück. Walter Kerr von der New York Times schrieb über Hepburn und ihre Darstellung: „Eine geheimnisvolle Sache, die sie gelernt hat, ist, selbst leblosen Zeilen unkorrigierbares Leben einzuhauchen“. Sie hoffte, das Stück verfilmen zu können, aber niemand kaufte die Rechte. Hepburns Ruf als eine der beliebtesten Schauspielerinnen Amerikas war zu diesem Zeitpunkt bereits gefestigt, denn sie wurde in einer Umfrage der Zeitschrift People zur beliebtesten Filmschauspielerin gewählt und gewann erneut den People’s Choice Popularity Award.

Schwerpunkt Fernsehen (1984-1994)

1984 spielte Hepburn die Hauptrolle in der schwarzen Komödie „Grace Quigley: Ein Spiel auf Leben und Tod“, die Geschichte einer älteren Frau, die einen Killer (Nick Nolte) anheuert, um sie zu ermorden. Hepburn fand Humor in dem morbiden Thema, aber die Kritiken waren negativ und die Einspielergebnisse schlecht. 1985 präsentierte sie eine Fernsehdokumentation über das Leben und die Karriere von Spencer Tracy. Von diesem Zeitpunkt an spielte Hepburn die meisten Rollen in Fernsehfilmen, die von der Kritik nicht so gelobt wurden wie ihre Filmarbeiten, aber beim Publikum beliebt blieben. Bei jeder Veröffentlichung erklärte Hepburn, dass dies ihr letzter Auftritt auf der Leinwand sein würde, obwohl sie weiterhin neue Rollen annahm. Für „Mrs. Delafield’s Wedding“ erhielt sie eine Emmy-Nominierung, und zwei Jahre später kehrte sie mit „Laura Lansing Slept Here“ zur Komödie zurück, in der sie mit ihrer Großnichte Schuyler Grant spielen durfte.

1991 veröffentlichte Hepburn ihre Autobiografie „Me: Stories of My Life“, die über ein Jahr lang die Bestsellerlisten anführte. 1992 kehrte sie mit „The Man Upstairs“ an der Seite von Ryan O’Neal auf den Fernsehbildschirm zurück, wofür sie eine Golden-Globe-Nominierung erhielt. 1994 arbeitete sie an der Seite von Anthony Quinn in „Traces of a Passion“, der weitgehend auf Hepburns eigenem Leben basierte und zahlreiche Anspielungen auf ihre Persönlichkeit und Karriere enthielt. Diese späteren Rollen wurden als „eine fiktionalisierte Version von Kate Hepburns typisch launischem Charakter“ beschrieben, und Kritiker bemerkten, dass Hepburn im Wesentlichen sich selbst spielte.

Hepburns letzter Auftritt in einem Film, der in die Kinos kam, und ihr erster seit „Grace Quigley“ neun Jahre zuvor, war in „Secrets of the Heart“ (1994). Mit 87 Jahren spielte sie eine Nebenrolle an der Seite von Annette Bening und Warren Beatty. Es war der einzige Film in Hepburns Karriere, abgesehen von einem Auftritt in „Stage Door Canteen“, in dem sie nicht die Hauptrolle spielte. Roger Ebert bemerkte, dass sie zum ersten Mal gebrechlich aussah, aber dass ihr „großartiger Geist“ immer noch da war, und sagte, dass ihre Szenen „die Show stahlen“. Ein Autor der New York Times reflektierte über den letzten Auftritt der Schauspielerin auf der Leinwand: „Auch wenn sie sich langsamer bewegte als zuvor, war sie in ihrem Auftreten so witzig und modern wie immer.“ Ihre letzte Rolle spielte Hepburn in dem Fernsehfilm „The Power of Christmas“ (1994), für den sie im Alter von 87 Jahren eine Nominierung für den Screen Actors Guild Award erhielt.

Öffentliches Bild

Hepburn war dafür bekannt, dass sie sehr zurückgezogen lebte und während eines Großteils ihrer Karriere weder Interviews gab noch mit Fans sprach. Hepburn distanzierte sich von dem Lebensstil, den man von Berühmtheiten kennt. Sie war desinteressiert an einer gesellschaftlichen Szene, die sie als langweilig und oberflächlich empfand, und trug in der Öffentlichkeit sogar legere Kleidung, was in einer Ära des reinen Glamours stark gegen die Konventionen verstieß. Sie zeigte sich nur selten in der Öffentlichkeit, mied sogar Restaurants und riss einmal einem Fotografen die Kamera aus der Hand, als dieser ohne ihre Erlaubnis Bilder machte. Trotz ihres Eifers für die Privatsphäre genoss sie ihren Ruhm und gestand später, dass sie nicht wollte, dass die Presse sie völlig ignorierte. Die schützende Haltung gegenüber ihrem Privatleben verschwand mit zunehmendem Alter; ab einem zweistündigen Interview in der „Dick Cavett Show“ im Jahr 1973 öffnete sie sich mehr der Öffentlichkeit.

Hepburns unermüdliche Energie und ihr Enthusiasmus für das Leben werden in Biografien oft zitiert, während ihre verbissene Unabhängigkeit der Schlüssel zu ihrem Berühmtheitsstatus wurde. Dieses Selbstbewusstsein bedeutete, dass sie kontrollierend und schwierig sein konnte; ihr Freund Garson Kanin verglich sie mit einer Lehrerin, und sie war berühmt für ihre Offenheit und Unverblümtheit. Katharine Houghton kommentierte, ihre Tante könne „wahnsinnig heuchlerisch und herrisch“ sein. Hepburn gestand, dass sie, vor allem in jungen Jahren, sehr von sich eingenommen war. Sie sah sich selbst als eine glückliche Natur und sagte: „Ich genieße das Leben und habe so viel Glück, warum sollte ich nicht glücklich sein?“ A. Scott Berg kannte Hepburn in ihren späteren Jahren gut und sagte, sie sei zwar anspruchsvoll gewesen, habe sich aber einen Sinn für Bescheidenheit und Menschlichkeit bewahrt.

Die Schauspielerin führte ein aktives Leben, schwamm angeblich jeden Morgen und spielte Tennis. Mit achtzig Jahren spielte sie immer noch regelmäßig Tennis, wie in ihrem Dokumentarfilm „All About Me“ von 1993 zu sehen ist. Sie malte auch gerne, was in späteren Jahren zu einer Leidenschaft wurde. Auf die Frage nach der Politik sagte Hepburn in einem Interview: „Ich sage immer, dass man auf der positiven und liberalen Seite stehen sollte. Seien Sie keine ‚Nein‘-Person.“ Ihre antikommunistische Haltung in Hollywood führte sie in den 1940er Jahren zu politischer Aktivität, als sie dem Komitee für den ersten Verfassungszusatz beitrat. Ihr Name wurde bei Anhörungen des Komitees für antiamerikanische Aktivitäten genannt, aber Hepburn bestritt, eine Sympathisantin der Kommunisten zu sein. Später im Leben warb sie offen für Empfängnisverhütung und setzte sich für das legale Recht von Frauen auf Abtreibung ein. Sie bezeichnete sich selbst als „überzeugte Demokratin“. Sie praktizierte Albert Schweitzers Theorie der „Ehrfurcht vor dem Leben“, glaubte aber nicht an Religion oder ein Leben nach dem Tod. 1991 sagte Hepburn zu einem Journalisten: „Ich bin Atheistin, und das war’s. Ich glaube, dass es nichts gibt, was wir wissen können, außer dass wir freundlich zueinander sein und tun sollten, was wir für andere Menschen tun können.“ Ihre öffentlichen Äußerungen zu diesen Überzeugungen veranlassten die American Humanist Association, ihr 1985 den Humanist Arts Award zu verleihen.

Hepburn ging gern barfuß und bestand bei ihrer ersten Schauspielrolle in dem Stück „Die Frau im Mond“ darauf, dass ihre Figur Pandora keine Schuhe tragen sollte. Abseits der Leinwand trug sie selbst bei formellen Anlässen wie Fernsehinterviews meist Hosen und Sandalen. In ihren eigenen Worten: „Was mich von den Röcken wegbrachte, war die Socken-Situation … Deshalb habe ich immer Hosen getragen … damit man immer barfuß gehen kann“.

Beziehungen

Hepburns einzige Ehe war mit Ludlow Ogden Smith, einem Geschäftsmann aus Philadelphia, den sie während ihres Studiums in Bryn Mawr kennenlernte. Das Paar heiratete am 12. Dezember 1928, als sie 21 und er 29 Jahre alt war. Smith änderte auf Hepburns Wunsch hin ihren Namen in S. Ogden Ludlow, damit sie nicht „Kate Smith“ genannt wurde, was sie als zu einfach empfand. Sie entschied sich nie ganz für die Ehe, da sie ihrer Karriere den Vorrang gab. Der Umzug nach Hollywood im Jahr 1932 zementierte die Entfremdung des Paares. Hepburn reichte am 30. April 1934 in Yucatán die Scheidung ein, die am 8. Mai vollzogen wurde. Hepburn bedankte sich oft bei Smith für seine finanzielle und moralische Unterstützung in den Anfängen ihrer Karriere, und in ihrer Autobiografie bezeichnete sie sich als „schreckliches Schwein“, weil sie die Liebe ihres Ex-Mannes ausgenutzt hatte. Die beiden blieben bis zu seinem Tod im Jahr 1979 befreundet.

Kurz nach ihrem Umzug nach Kalifornien begann Hepburn eine Beziehung mit ihrem Agenten Leland Hayward, obwohl beide verheiratet waren. Hayward machte der Schauspielerin nach ihrer Scheidung einen Heiratsantrag, aber sie lehnte ab und erklärte später: „Ich mochte die Idee, einfach ich selbst zu sein.“ 1936, während ihrer Tournee mit „Jane Eyre“, begann Hepburn eine Beziehung mit dem Manager Howard Hughes. Sie war ihm ein Jahr zuvor von ihrem gemeinsamen Freund Cary Grant vorgestellt worden. Hughes wollte sie heiraten, und die Boulevardpresse berichtete über die bevorstehende Hochzeit, doch Hepburn konzentrierte sich weiterhin darauf, ihre bis dahin gescheiterte Karriere wiederzubeleben. Sie trennten sich 1938, als Hepburn Hollywood verließ, nachdem sie als „Kassengift“ bezeichnet worden war.

Hepburn stand zu ihrer Entscheidung, nicht wieder zu heiraten, und entschied sich bewusst gegen Kinder. Sie war der Meinung, dass Mutterschaft eine Vollzeitverpflichtung erfordert, und sagte, dass sie nicht bereit war, diese Verpflichtung einzugehen. „Ich wäre eine schreckliche Mutter gewesen“, sagte sie zu Berg, „weil ich im Grunde ein sehr egoistischer Mensch bin.“ Katharine hatte das Gefühl, dass sie die Mutterschaft teilweise durch ihre viel jüngeren Geschwister erfahren hatte, was ihr das Bedürfnis, eigene Kinder zu haben, nahm. Seit den 1930er Jahren kursierten Gerüchte, Hepburn sei lesbisch oder bisexuell, worüber sie zu scherzen pflegte. Im Jahr 2007 schrieb William J. Mann in seiner Biografie über die Schauspielerin, dass er dies vermutete. Als Antwort auf diese Spekulationen über ihre Tante sagte Katharine Houghton: „Ich habe nie einen Beweis dafür gefunden, dass sie lesbisch war.“ In einem Dokumentarfilm von 2017 sagte die Kolumnistin Liz Smith, die eine enge Freundin von Katharine Houghton war,

Die wichtigste Beziehung in Hepburns Leben war die zu Spencer Tracy, ihrem Co-Star in neun Filmen. In ihrer Autobiografie schrieb sie: „Es war ein einzigartiges Gefühl, das ich für ihn hatte. Ich hätte alles für ihn getan.“ Lauren Bacall, eine weitere enge Freundin, schrieb später darüber, dass Hepburn „blind“ in den Schauspieler verliebt war. Die Beziehung wurde später als eine der legendärsten Liebesaffären Hollywoods bekannt. Als sie sich 1941 kennenlernten, war sie 34 und er 41 Jahre alt. Tracy war anfangs misstrauisch gegenüber Hepburn, war nicht beeindruckt von ihren schmutzigen Fingernägeln und verdächtigte sie, lesbisch zu sein, aber Hepburn sagte, sie „wusste sofort, dass Tracy während der gesamten Beziehung verheiratet blieb. Obwohl er und seine Frau Louise seit den 1930er Jahren getrennt lebten, gab es nie eine offizielle Trennung und keine der beiden Parteien strebte eine Scheidung an. Hepburn mischte sich nicht ein und kämpfte nie um die Ehe.

Da Tracy entschlossen war, seine Beziehung zu Hepburn vor seiner Frau zu verbergen, musste er privat bleiben. Sie achteten darauf, nicht zusammen in der Öffentlichkeit gesehen zu werden und lebten in verschiedenen Wohnungen. Tracy war Alkoholiker und oft depressiv; Hepburn beschrieb ihn als „gequält“ und bemühte sich, ihm das Leben zu erleichtern. Berichte von Menschen, die die beiden zusammen gesehen haben, beschreiben, wie sich Hepburns ganzes Verhalten änderte, wenn sie in Tracys Nähe war. Sie verhielt sich wie ihre Mutter und gehorchte ihm, und Tracy wurde sehr abhängig von ihr. Sie verbrachten berufsbedingt viel Zeit getrennt, vor allem in den 1950er Jahren, als Hepburn aus beruflichen Gründen oft im Ausland war.

In den 1960er Jahren verschlechterte sich Tracys Gesundheitszustand, und Hepburn nahm eine fünfjährige Auszeit von ihrer Karriere, um sich um ihn zu kümmern. Während dieser Zeit zog sie in Tracys Haus ein und war an seiner Seite, als Tracy am 10. Juni 1967 starb. Aus Rücksicht auf Tracys Familie nahm sie nicht an der Beerdigung teil. Erst nach Louise Tracys Tod im Jahr 1983 begann Hepburn, öffentlich über ihre Gefühle für ihren häufigen Co-Star zu sprechen. Auf die Frage, warum sie trotz der Art ihrer Beziehung so lange mit Tracy zusammenblieb, antwortete sie: „Ich weiß es ehrlich gesagt nicht. Ich kann nur sagen, dass ich ihn nie hätte verlassen können. Sie behauptete, dass sie nicht wusste, was er für sie empfand, und dass sie „einfach siebenundzwanzig Jahre zusammen verbrachten, was für mich absolutes Glück war“.

Letzte Jahre und Tod

Hepburn erklärte in ihren Achtzigern: „Ich habe keine Angst vor dem Tod. Er muss wunderbar sein, wie ein langer Schlaf“. Kurz nach ihrem letzten Filmauftritt begann sich ihr Gesundheitszustand zu verschlechtern, und sie wurde im März 1993 wegen Erschöpfung ins Krankenhaus eingeliefert. Im Winter 1996 wurde sie mit einer Lungenentzündung ins Krankenhaus eingeliefert. Im Jahr 1997 wurde sie sehr schwach, sprach und aß kaum noch. Freunde und Familie befürchteten, dass sie infolgedessen sterben würde. In ihren späteren Jahren zeigte sie Anzeichen von Demenz. Im Mai 2003 wurde ein aggressiver Tumor an Hepburns Hals festgestellt. Es wurde beschlossen, keine medizinischen Maßnahmen zu ergreifen, und sie starb am 29. Juni 2003, einen Monat nach ihrem 96. Geburtstag, im Haus der Familie Hepburn in Fenwick, Connecticut, an einem Herzstillstand. Er wurde auf dem Cedar Hill Cemetery in Hartford, ebenfalls in Connecticut, beigesetzt. Hepburn bat darum, dass es keine Gedenkfeier geben sollte.

Hepburns Tod fand in der Öffentlichkeit große Beachtung. Im Fernsehen wurden zahlreiche Würdigungen vorgenommen, und Zeitungen und Zeitschriften widmeten der Schauspielerin eigene Ausgaben. US-Präsident George W. Bush erklärte, Hepburn werde „als einer der künstlerischen Schätze der Nation in Erinnerung bleiben“. Zu Ehren ihres umfangreichen Theaterschaffens wurden in der Nacht zum 1. Juli 2003 die Lichter am Broadway gedimmt. Im Jahr 2004 wurden auf Hepburns Wunsch hin ihre Besitztümer bei Sotheby’s in New York City versteigert. Die Veranstaltung brachte 5,8 Millionen Dollar ein, die Hepburn ihrer Familie hinterließ.

Es wird berichtet, dass Hepburn keine instinktive Schauspielerin war. Sie liebte es, den Text und die Figur sorgfältig zu studieren und sicherzustellen, dass sie sie vollständig kannte, und dann so viel wie möglich zu proben und mehrere Aufnahmen einer einzigen Szene zu machen. Mit einer echten Leidenschaft für die Schauspielerei engagierte sie sich stark für jede Rolle, bestand darauf, alle notwendigen Fähigkeiten zu erlernen und Stunts zu machen. Sie war bekannt dafür, dass sie nicht nur ihren eigenen Text lernte, sondern auch den ihrer Mitspieler. Stanley Kramer kommentierte ihre Motivation mit den Worten: „Arbeiten, arbeiten, arbeiten. Sie kann arbeiten, bis alle anderen umfallen.“ Hepburn war an der Produktion jedes ihrer Filme beteiligt, machte Vorschläge für das Drehbuch und gab ihren Input zu allem, von den Kostümen bis zur Beleuchtung und Kameraführung.

Die von Hepburn gespielten Charaktere waren, mit wenigen Ausnahmen, reich und intelligent und oft stark und unabhängig. Diese schwierigen Charaktere neigten dazu, auf irgendeine Weise gedemütigt zu werden und eine versteckte Verletzlichkeit zu zeigen. Garson Kanin beschrieb das, was er als „die Formel für Hepburn-ähnlichen Erfolg“ bezeichnete: ein elegantes oder arrogantes Mädchen zu sein … von einem Laien auf den Boden der Tatsachen geholt, oder unwissend … oder eine kataklysmische Situation. Das scheint immer und immer wieder funktioniert zu haben. Aufgrund dieser wiederholten Charakterentwicklung verkörperte Hepburn die „Widersprüche“ der „Natur und des Status der Frau“, und die von ihr dargestellten starken Frauen werden schließlich „in eine sichere Position innerhalb des Status quo zurückgeführt“. Die Filmkritikerin Molly Haskell kommentierte, wie wichtig dies für Hepburns Karriere war: Mit ihrer einschüchternden Präsenz war es für ihre Figuren notwendig, „eine Art von Selbstverleugnung zu betreiben, um sich beim Publikum beliebt zu machen“.

Hepburn ist eine der berühmtesten amerikanischen Schauspielerinnen, aber sie wurde auch wegen ihrer mangelnden Vielseitigkeit kritisiert. Ihre Rolle auf der Leinwand entsprach ihrer eigenen Persönlichkeit im wirklichen Leben, was Hepburn auch zugab. 1991 sagte sie zu einem Journalisten: „Ich glaube, ich bin immer dieselbe. Ich hatte eine sehr ausgeprägte Persönlichkeit und ich mochte Material, das diese Persönlichkeit zeigte. Der Dramatiker und Autor David Macaray sagte: „Stellen Sie sich Katharine Hepburn in all den Filmen vor, in denen sie mitgespielt hat, und fragen Sie sich, ob sie nicht im Grunde immer wieder dieselbe Rolle spielt … Ikone hin oder her, wir sollten eine wirklich faszinierende und einzigartige Frau nicht mit einer überragenden Schauspielerin verwechseln.“ Eine weitere Kritik, die häufig geäußert wurde, war, dass ihr Auftreten zu kalt sei.

Hepburn gilt als eine wichtige und einflussreiche kulturelle Persönlichkeit. Ros Horton und Sally Simmons nahmen sie in ihr Buch „Women Who Changed The World“ auf, in dem 50 Frauen gewürdigt werden, die die Geschichte und Kultur der Welt mitgestaltet haben. Sie wird auch in der Encyclopædia Britannica in der Liste „300 Women Who Changed The World“, im Ladies Home Journal in der Liste „100 Most Important Women of the 20th Century“, im Variety Magazine in der Liste „100 Icons of the Century“ und auf Platz 84 der VH1-Liste „200 Greatest Pop Culture Icons of All Time“ genannt. Im Jahr 1999 wurde Hepburn vom American Film Institute zum größten weiblichen klassischen Filmstar aller Zeiten gewählt.

Sheridan Morley, eine ihrer Biografinnen, sagte über Hepburns filmisches Vermächtnis, sie habe „den Rahmen gesprengt“ für Frauen in Hollywood, wo sie eine neue Generation willensstarker Frauen auf die Leinwand brachte. Der Filmwissenschaftler Andrew Britton hat eine Monografie verfasst, in der er Hepburns „Schlüsselpräsenz im klassischen Hollywood, eine konsequente und potenziell radikale Unterbrechung“ untersucht und auf ihren „zentralen“ Einfluss bei der Verbreitung feministischer Themen im Film hinweist.

Abseits der Leinwand war Hepburns Lebensstil ihrer Zeit voraus, sie wurde zum Symbol der „modernen Frau“ und spielte eine Rolle bei der Veränderung der Geschlechtereinstellung. Horton und Simmons schreiben: „Selbstbewusst, intelligent, witzig und vierfache Oscar-Preisträgerin, widersetzte sich Katharine Hepburn während ihres gesamten beruflichen und privaten Lebens den Konventionen … Hepburn vermittelte das Bild einer selbstbewussten Frau, an der man sich orientieren und von der man lernen konnte.“ Nach Hepburns Tod erklärte die Filmhistorikerin Jeanine Basinger: „Was sie uns brachte, war eine neue Art von Heldin – modern und unabhängig. Sie war schön, aber sie hat sich nicht darauf verlassen.“ Mary McNamara, Unterhaltungsjournalistin und Kritikerin für die Los Angeles Times, schrieb: „Katharine Hepburn war mehr als ein Filmstar, sie war die Schutzpatronin der unabhängigen amerikanischen Frau. Sie wurde jedoch nicht von allen Feministinnen verehrt, die sich über ihre öffentlichen Äußerungen ärgerten, dass Frauen „nicht alles haben können“, d. h. eine Familie und eine Karriere.

Hepburns Vermächtnis erstreckt sich auch auf die Mode, wo sie das Tragen von Hosen zu einer Zeit vorantrieb, als dies für eine Frau ein radikaler Schritt war. Sie trug dazu bei, Hosen für Frauen akzeptabel zu machen, und ihre Fans begannen, ihre Kleidung zu imitieren. Im Jahr 1986 erhielt sie in Anerkennung ihres Einflusses auf die Frauenmode eine Auszeichnung für ihr Lebenswerk vom United States Council of Fashion Designers. Mehrere von Hepburns Filmen sind zu Klassikern des amerikanischen Kinos geworden. Vier ihrer Filme („The African Queen“, „The Philadelphia Story“, „Bringing Up Baby“ und „Guess Who’s Coming to Dinner“) wurden vom American Film Institute in die Liste der 100 größten amerikanischen Filme aller Zeiten aufgenommen. „Adam’s Rib“ und „Woman of the Year“ wurden in die Liste der besten amerikanischen Komödien aufgenommen. Ihre schneidende, patrizische Stimme gilt als eine der bemerkenswertesten der Filmgeschichte.

Denkmäler

Hepburn wurde mit mehreren Gedenkstätten geehrt. Die Gemeinde Turtle Bay in New York City, in der sie über 60 Jahre lang wohnte, widmete 1997 einen Garten in ihrem Namen. Nach Hepburns Tod im Jahr 2003 wurde die Kreuzung von East 49th Street und 2nd Avenue in „Katharine Hepburn Place“ umbenannt. Drei Jahre später gründete das Bryn Mawr College, Hepburns Alma Mater, das Katharine Houghton Hepburn Center. Es ist sowohl der Schauspielerin als auch ihrer Mutter gewidmet und soll Frauen ermutigen, sich mit wichtigen Themen auseinanderzusetzen, die ihr Geschlecht betreffen. Das Zentrum vergibt jährlich die Katharine-Hepburn-Medaille, mit der Frauen gewürdigt werden, deren Leben, Arbeit und Beiträge die Intelligenz, Tatkraft und Unabhängigkeit der vierfachen Oscar-Preisträgerin verkörpern“, und deren Empfängerinnen aufgrund ihres Engagements und ihrer Beiträge zu den größten Leidenschaften von Frauen und Hepburn – bürgerschaftliches Engagement und Kunst – ausgewählt werden“. Das Katharine Hepburn Cultural Arts Centre wurde 2009 in Old Saybrook eröffnet, dem Ort, an dem sich das Strandhaus von Hepburns Familie befand, das sie liebte und das ihr später gehörte. Das Gebäude umfasst einen Aufführungsraum und ein Museum, das sich mit Katharine Hepburn beschäftigt.

Die Bibliothek der Academy of Motion Picture Arts and Sciences und die New York Public Library besitzen Sammlungen von Hepburns persönlichen Unterlagen. Eine Auswahl aus der New Yorker Sammlung, die Hepburns Theaterkarriere dokumentiert, wurde 2009 in einer fünfmonatigen Ausstellung mit dem Titel „Katharine Hepburn: In Her Own Files“ gezeigt. Weitere Ausstellungen widmeten sich Hepburns Karriere. „One Life: Kate, A Centennial Celebration“ wurde von November 2007 bis September 2008 in der National Portrait Gallery in Washington gezeigt. Die University of Kent stellte von Oktober 2010 bis September 2011 eine Auswahl ihrer Film- und Theaterkostüme in „Katharine Hepburn: Dressed for Stage and Screen“ aus. Hepburn wurde auch mit einer eigenen Briefmarke im Rahmen der Briefmarkenserie „Legends of Hollywood“ geehrt. Im Jahr 2015 veranstaltete das British Film Institute eine zweimonatige Retrospektive von Hepburns Werk.

Charakterisierungen

Hepburn ist das Thema eines Ein-Frau-Stücks, „Tea at Five“, geschrieben von Matthew Lombardo. Im ersten Akt ist Hepburn 1938 zu sehen, nachdem sie als „Kassengift“ bezeichnet wurde, und im zweiten Akt 1983, wo sie über ihr Leben und ihre Karriere nachdenkt. Das Stück wurde 2002 auf der Hartford Stage uraufgeführt. Hepburn wurde in „Tea at Five“ von Kate Mulgrew und Stephanie Zimbalist dargestellt. Eine überarbeitete Fassung des Stücks, bei der der erste Akt gestrichen und der zweite erweitert wurde, hatte am 28. Juni 2019 am Bostoner Huntington Theatre Premiere, wobei Faye Dunaway die Hepburn spielte. Feldshuh spielte Hepburn auch in „The Amazing Howard Hughes“, einem Fernsehfilm aus dem Jahr 1977, während Mearle Ann Taylor sie später in dem Film „The Scarlett O’Hara War“ aus dem Jahr 1980 darstellte. In Howard Hughes‘ biografischem Film „The Aviator“ (2004), bei dem Martin Scorsese Regie führte, wurde Hepburn von Cate Blanchett gespielt, die dafür einen Oscar als beste Nebendarstellerin erhielt. Dies war das erste Mal, dass eine Schauspielerin, die eine bereits mit einem Oscar ausgezeichnete Schauspielerin spielt, einen Oscar gewann.

In ihrer 66-jährigen Karriere wirkte Hepburn in 44 Spielfilmen, 8 Fernsehfilmen und 33 Theaterstücken mit. Ihre Filmkarriere umfasste eine Vielzahl von Genres, darunter abgedrehte Komödien, historische Dramen und Adaptionen von Werken großer amerikanischer Dramatiker. Auf der Bühne stand sie von 1920 bis 1980 in Stücken von Shakespeare und Shaw sowie in einem Broadway-Musical.

Hepburn gewann vier Oscars, ein Rekord für eine Künstlerin, und erhielt insgesamt 12 Nominierungen als beste Schauspielerin – eine Zahl, die nur von Meryl Streep übertroffen wird. Hepburn hält auch den Rekord für die längste Zeitspanne zwischen ihrer ersten und ihrer letzten Oscar-Nominierung, nämlich 48 Jahre. Sie erhielt zwei BAFTA-Preise und fünf Nominierungen, einen Emmy-Award und sechs Nominierungen, acht Golden-Globe-Nominierungen, zwei Tony-Nominierungen und Auszeichnungen von den Filmfestspielen in Cannes, den Filmfestspielen in Venedig, der New York Critics Association, People’s Choice und anderen. Hepburn wurde 1979 in die American Theatre Hall of Fame aufgenommen. Außerdem wurde sie 1979 mit dem Screen Actors Guild Lifetime Contribution Award ausgezeichnet und erhielt 1990 den Kennedy Award für ihr Lebenswerk in der Kunst.

Hepburn wurde von der Academy of Motion Picture Arts and Sciences für die folgenden Leistungen ausgezeichnet:

Quellen

1. Katharine Hepburn
2. Katharine Hepburn
3. «Folha de S.Paulo – Cinema: Katharine Hepburn, 96, morre nos EUA – 30/06/2003». www1.folha.uol.com.br. Consultado em 12 de maio de 2021
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